CIVIL WAR: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, Civil War, está escrita y dirigida por Alex Garland.

Sentada sobre la cama de una habitación de hotel, con su cámara entre las manos, la fotógrafa y periodista de guerra Lee Smith (Kirsten Dunst), escucha  a través de la televisión al presidente (Nick Offerman), informar que los miembros de la alianza de Florida y las fuerzas occidentales de Texas y California, serán bienvenidos de nuevo a los Estado Unidos, una vez que su gobierno ilegal y secesionista sea derrocado. Dichas fuerzas se están abriendo camino hacia la Casa Blanca, con la finalidad de matar al presidente.

Lee es consciente de que la guerra está en el punto más álgido y tanto ella como su compañero Joel (Wagner Moura), deciden viajar por carretera hasta Washington D. C. para entrevistar al presidente, antes de que sea demasiado tarde. Junto a ellos viajarán el veterano periodista del New York Time Sammy (Stephen McKinley Henderson) y la joven aspirante a fotógrafa Jessie (Cailee Spaeny), que idolatra a Lee. El viaje se convertirá en un auténtico infierno.

El novelista, guionista, productor de cine y director, Alex Garland, se diplomó en la Universidad de Mánchester en 1992. Su primera novela, “La Playa”, se publicó en 1996 y en 2002, tras varias novelas llevadas al cine, escribe el guion de “28 Days después”. En la dirección debuta con el filme “Ex Machina” 2015, “Aniquilación” 2018, “Men” 2022 y “Civil War” 2024. Para televisión ha dirigido capítulos para las  miniseries “Batman: Black and White” 2008 y “Dews” 2020.

Garland, nos invita a acomodarnos en el auto de estos reporteros de guerra, para viajar junto a ellos, conocerlos y recorrer los 1379 kilómetros que distan hasta la ciudad de Washington. Una odisea colmada de peligros que el director, en más de una ocasión, maneja para hacer crítica política y social sobre el país. Una Road Movie tensa, dramática e intensa. ¿Correctamente política? No lo sé, no conozco tanto ese país como para aventurarme a decir un sí o un no rotundo, pero tampoco importa mucho o sí, ¿Quién sabe?, lo que se puede afirmar es que estamos ante un nuevo filme de acción trepidante, no dando tregua al espectador, entre lo que muestra, insinúa y se escucha.

El director, una vez más, nos demuestra su maestría en la dirección actoral y en esta ocasión se ciñe a cuatro personajes que aun compartiendo la misma afición y ocupación, cada uno acarrea a sus espaldas los fantasmas del pasado, como le sucede al personaje de una soberbia Kirsten Dunst, como lee, cuyo carácter áspero, frío y un tanto cínico, se va aclarando a lo largo del metraje y aun estando acostumbrada a su trabajo, se sigue sorprendiendo ante algunos actos “humanos” y como antagonista, cuenta con una sorprendente Cailee Spaeny, dando voz a Jessie. Su jovialidad y hambre de aventura, serán calmados al enfrentarse a la cruda realidad. Junto a ellas se posiciona Wagner Moura, dando vida a  Joel, un hombre dicharachero, atento a cuando le rodea, apoyo del grupo y adicto a la adrenalina; de su boca oiremos la frase, mientras se escucha y se ve al fondo los reflejos de la guerra, “esto me pone muy palote” y para terminar, Stephen McKinley Henderson, en el papel de veterano periodista, quien conociendo sus limitaciones por la edad, no desea perderse una nueva “aventura”. Cuatro magníficas interpretaciones con las que el espectador empatiza desde el primer instante, pues ofrecen puntos de vista muy diferentes y humanos. Mención especial también merece la breve y a la vez despiadada e impactante interpretación de Jesse Plemons, encarnando a un soldado psicópata. Difícil de olvidar los instantes que permanece en pantalla. Sin duda, uno de esos personajes retorcidos con los que tanto disfruta Garland.

Un viaje por la entrañas del país que muestra más de lo que tal vez, en un primer instante pueda captar el espectador, pero que llegando al final, cuando todo termina y las luces aún permanecen apagadas, nuestro cerebro se esfuerza en ordenar y asimilar cuanto ha visto. Garland, como buen novelista, escribe un guion inteligente aunque se tome ciertas licencias para ganarse el interés del espectador, a quien arrastra en ese periplo hasta ofrecerle un desenlace demoledor, atronador, brutal y de una violencia explícita que nos deja sin respiración. De fotografiar este éxodo, por un país roto por la guerra civil, se encarga el fotógrafo Rob Hardy, quien tomando la cámara en mano, apresa la esencia de los efectos devastadores de la batalla desde los planos psíquicos y físicos, sin ignorar los detalles más simples como los casquillos de las balas sembrando el suelo o las instantáneas de los soldados en el frente, llevadas al blanco y negro. No se precisan palabras cuando las imágenes son tan claras y van acompañadas de una gran aliada, la banda sonora, en esta ocasión de Geoff Barrow y Ben Salisbury; una partitura original e inquietante que juega con temas sobradamente conocidos, con los que pretende quitar cierta tensión al drama que se expone, logrando que esbocemos una sonrisa y por supuesto, el magnífico sonido que abraza al filme.

Mi nota es: 8.5

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de abril

REPARTO: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Stephen McKinley Herderson, Cailee Spaeny, Jesse  Plemons, Nick Offerman, Karl Glusman, Sonoya Mizuno, Jonica T. Gibbs. Jefferson White, Karl Glusman, Jonica T. Gibbs, Alexa Mandour, Juani Feliz, Tawan Vihokratana, Jin Ha, Jess Matney, Edmund Donovan, Jared Shaw, Nelson Lee, Christopher Cocke, James Yaegashi, Melissa Saint-Amand, Nelson Leigh, Justin James Boykin, Jeff Bosley, Xavier Mills, Evan Holtzman, Tywaun Tornes, Petey  Majik Nguyen, Brent Moorer Gaskins, Robert Tinsley, Kevin Kedgley, Greg Hill.

PRODUCTORA: A24// DNA Films// VC

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DEAPLANETA.

DRAGONKEEPER: GUARDIANA DE DRAGONES: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y China, DRAGONKEEPER: GUARDIANA DE DRAGONES está dirigida por Salvador Simó Busom y Jianping Li, con guion de Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini y Wang Xianping, basándose en la novela de Carole Kilkinson. “A veces el camino más corto hace el viaje más largo”

Una voz en off nos narra que en otra época, los dragones fueron amigos y aliados de los hombres, pero en la actualidad, en la China Imperial Han, llevan años siendo cazados y encerrados en mazmorras.

Entre las pertenencias de unos comerciantes, dejan abandonada a una niña bebé, cuando estos llegan al poblado, una mujer mayor se hace cargo de la pequeña a la que llama Ping. Ping descubre a dos dragones que están esclavizados y decide ayudarlos. En el intento la dragona muere y el dragón macho entrega a la pequeña un huevo que desprende una fuerte energía azul, mientras intenta librarse de sus captores. Una vez liberado, los dos emprenden una gran aventura en busca de las aguas mágicas en las que debe nacer el pequeño dragón y de esta forma, salvar la estirpe de la extinción.

El animador, guionista y director de cine, Salvador Simó Busom, estudió en la Academia de Arte Taure de Barcelona, graduándose en la especialidad de técnicas de animación. Para continuar con su formación se desplazó hasta Los Ángeles, en donde realizó un curso de animación en el American Animation Institute y más tarde en el Europa de Sony y Pixar. Se inició en el cortometraje con “Aquarium” 2000 y debutó en el largometraje con “Paddle Pop Adventures 2: Journey Into the Kingdom” 2010 continuando con “Petualangan Singa Pemberani” 2012 y “Buñuel en el laberinto de las tortugas” 2018. Para televisión ha dirigido “Las aventuras de Max” 2005, “Paddle Pop Adventures” 2011, la miniserie “Tikis & Mikis” 2012, el especial para televisión “Los descendientes: La boda real”  y el cortometraje “La Autoestima” ambas en 2021. Este año nos presenta  “Dragonkeeper: Guardiana de dragones” 2024 junto a Jianping Li. Jianping es profesor de la Academia de Cine de Pekin, Decano de la Escuela de Animación, secretario General del Comité de Artes de Animación de la Asociación de Artistas de China, vicesecretario General de la Asociación de Animación de China y presidente de la Beijing Film Animatiion Association. De él se conocen tres obras como director: “Journey to the West” 1997, “Zui Ke Ai De Ren” 2020 y la que presenta junto a Salvador “Dragonkeeper: Guardiana de dragones”. También ha producido la serie de 2009 “Dong bei ai qing gu shi”

Estamos ante la adaptación de la primera de las seis novelas de la saga literaria homónima escrita por Carole Wilkinson. Seis novelas divididas en dos trilogías. La primera de ellas la compone “Dragonkeeper: Guardiana de dragones”, “Jardín del Dragón Púrpura” y “Dragón Luna”. La segunda trilogía está formada por “Blood Brothers”, “Shadow Sister” y “Bronze Bird Tower”. A estos seis ejemplares se une la precuela de la original conocida como “Dragon Dawn”

En Dragonkeeper encontramos claras referencias a filmes juveniles de aventuras y acción y en especial a la gran saga “Star Wars” (La guerra de las galaxias)”, en guiños como la importancia de la fuerza interior, la disciplina, el ver como se levantan piedras con el poder de la mente o por poner otro ejemplo, al entrar en contienda no usarán las espadas láser  sino las propias manos de las cuales emanan los colores representativos del bien (azul) y del mal (rojo). También encontramos ciertas similitudes entre Luke Skywalker y  Ping, pues ambos son apartados de sus familias y deberán descubrir cuál es su destino y camino a seguir.

Ping, nos roba el corazón con su nobleza y sencillez, siempre protegida por su amuleto, del cual, en un principio, desconoce su poder. La amistad que surge entre ella y el dragón nos llevará a una gran aventura de la que disfrutan grandes y pequeños, contando con una excelente animación realizada a mano que nos muestra los hermosos paisajes y espacios en los cuales, no falta el más mínimo de los detalles. Luz y color, energía, vida, acción y ritmo, caracterizan a este filme en el que la familia, la unidad, el amor y la lucha por la verdad, serán los temas más relevantes.

Si bien Simó ha sabido captar la atención del espectador, con sus obras, resaltando las emociones y los sentimientos de sus personajes animados, en esta ocasión ha contado con la mano y la experiencia del maestro Jianping Li, enriqueciendo el filme con toda clase de detalles de la China Imperial, escrupulosamente representados entre los tejidos, el vestuario, las texturas, los colores, los adornos, los peinados y complementos en general, instrumentos musicales e incluso el diseño de los dragones o las propias armaduras. Un regalo para la vista y disfrute de los sentidos.  

Estamos por tanto ante una emotiva aventura, la aventura de la vida, del destino, del aprendizaje y del hallar el espacio propio; el que corresponde a cada ser, a cada individuo; todo ello beneficiado por una virtuosa paleta de colores y  la cautivadora banda sonora en la partitura de Arturo Cardelús.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de abril

PRODUCTORA: Guardián De Dragones A.I.E// China Film Animation// Movistar Plus+// Atresmedia Cine

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films. 

ANIMALIA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Marruecos y Francia, Animalia, está dirigida por Sofia Alaoui compartiendo guion con Laurie Bost y Raphaëlle Valbrune-Desplechin. “El mundo físico se basa en uno más complejo”

Itto (Oumaïma Barid), es una joven marroquí de clase humilde casada con Amine (Mehdi Dehbi), un hombre de clase alta que trabaja junto a su padre Mustapha (Az Elarab Kaghat). Está embarazada y le gusta relacionarse con el servicio, algo que su suegra Hajar (Souad Khouyi), desaprueba. Amine le comenta a Itto que pronto serán ricos y que tendrán su propia casa. Salvo Itto, todos deciden acudir a la fiesta que organiza el gobernador, ella prefiere quedarse para descansar, pero los acontecimientos que se avecinan, la llevarán a vivir situaciones insospechadas.

La guionista, productora, ingeniera de sonido, directora de fotografía y directora, Sofia Alaoui, se graduó en bachillerato en el Instituto de Casablanca y se trasladó a París para realizar sus estudios de cine. Una vez finalizados regresó a Casablanca en 2014, creando su propia productora “Jiango Film” y dirigiendo ese mismo año el cortometraje “Los niños de Nablus”. “Kenza des Choux” llegaría en 2017, el mediometraje documental “Las olas o nada” 2019, “¿Qué importa si los animales mueren” 2020 y este año nos ofrece su debut en el largometraje con “Animalia” 2023. También ha dirigido la serie “Bite Size Halloween” 2020

La directora toma como telón de fondo lo desconocido y las supersticiones para adentrarse en el mundo que ella bien conoce, el día a día de un país en el que impera el machismo, mostrándonos situaciones cotidianas en las que ver viajar a una mujer sola o alojarse en un hotel, sin compañía, no están bien vistas por el sexo masculino. Sofía somete a su personaje a un viaje de regreso y a la vez de iniciación en torno a la Existencia, el Todo y el Yo. El valor del instante, la importancia de lo esencial e incluso la negación de Dios.

Animalia resulta una experiencia mística y misteriosa que Alaoui comparte con el espectador a quien conquista desde el inicio con sus precisos movimientos de cámara, a la que dota de personalidad propia, a la vez que nos deleita con una historia colmada de matices que expone con calma, denunciando las claras diferencias entre la ostentación que rodea a los más poderosos habitando lujosas mansiones de espacios colosales y recargadas con una decoración apabullante, frente a la miseria en la que se ven sumidas las gentes humildes y carentes de lo primordial. Es en ese contraste y en ese “regresar” a sus orígenes donde Itto encontrará la clarividencia para sobrevivir en el nuevo orden, en busca de su objetivo.

Dicen que una imagen vale más que mil palabras y aunque el guion escrito a seis manos resulte enérgico y doloroso, conduciéndonos a una necesaria reflexión, será esa cámara, la verdadera compañera y amiga fiel de Itto, quien nos muestre cuanto nos es necesario saber en medio de un nutrido ramillete de planos angulares, generales y medios, sin olvidar los más intimistas y detalle, para sin llegar a saber la razón de ese fenómeno misterioso, que nunca se nos explica, comprender mejor a la protagonista y lo que se genera a su alrededor; en donde los animales como los perros, ovejas o pájaros, formarán parte del entramado dramático, psicológico y hasta terrorífico de la narración. Una fotografía que recae en la mirada incisiva de Noé Bach.

El filme se viste de elegante y dura crítica social, política y religiosa. Una fábula apocalíptica cuya protagonista, una mujer en estado avanzado de embarazo, viajará en busca de su marido y que supondrá toda una revelación para ella, en cuanto a las vivencias y experiencias que percibirá en ese viacrucis personal. Narración que podríamos dividir en tres partes: La primera de ellas descubriendo la humanidad que encierra la joven Itto, la segunda el viaje en sí, entre lo fantástico y lo material y la tercera; el desenlace en el que no queda ningún cabo por atar. Sofia descarga todo el peso de la obra sobre la excelente interpretación de Oumaïma Barid, que en calidad de Itto, nos guiará por la que se podría definir como un encuentro en la tercera fase marroquí

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril.

REPARTO: Oumaïma Barid, Mehdi Dehbi, Fouad Oughaou, Oumaïma Oughaou, Souad Khouyi, Rajaa Essaaidi, Az Elarab Kaghat, Mohamed Lahbib, Mohamed Oughaou y Khadija Chatir.

PRODUCTORA: Wrong Films// Srab Films// Dounia Productions// Jiango Films// arte France Cinéma.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films y Filmin.

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO: CRÍTICA DE CINE

 

GODZILLA Y KONG: El nuevo imperio, está dirigida por Adam Wingard compartiendo guion con Terry Rossio, Simon Barrett y Jeremy Slater.

La acción nos sitúa en la Tierra Hueca, un ecosistema similar al que hubo en Isla Calavera. Allí Kong se enfrenta a una manada de lobos hambrientos. Kong atrapa a uno de ellos y delante del resto, lo despedaza, dejando que el líquido verdoso de su interior, caiga sobre su cuerpo; la manada atemorizada decide huir.

En el puesto de observación creado por Monarch en la Tierra Hueca, nos encontramos con personajes ya conocidos como: la lingüista antropológica Rebecca Hall (Ilene Andrews), su hija adoptiva Jia (Kaylee Hottle), una niña huérfana perteneciente a la tribu Iwi que tiene una conexión especial con Kong y Bernie Hayes (Brian Tyree Henry), un teórico de la conspiración quien posee su propio podcast; a ellos se une, en esta nueva aventura, Trapper (Dan Stevens), un osado veterinario. La aparente tranquilidad se ve alterada cuando Kong y Godzilla se alían contra una gran amenaza escondida dentro de nuestro mundo.

El editor, director de fotografía, guionista, productor, compositor y director, Adam Wingard, se graduó en Full Sail University en 2002. Se inició con los cortometrajes “The Little One” 2004, “The Girlfriend” 2005, “Enfermizo” y “1000 Year Sleep” 2007 además de su debut en el largometraje con “Pop Skull” 2007 continuando con “Una manera horrible de morir” 2010, “Autoerotic” junto a Joe Swanberg, “What Fun We Were Having”, “Tú eres el siguiente” y el fragmento de “60 Seconds of Solitude in Year Zero” todas en 2011, “V/H/S junto a un buen número de compañeros 2012, “The Guest” 2014, “Blair Witch” 2016, “Death Note” 2017 y este año nos ofrece “Godzilla y Kong: El nuevo imperio” 2023. También ha dirigido capítulos para la serie “Outcast” 2016 y algunos segmentos de películas junto a otros directores.

Estamos ante la quinta entrega de la franquicia bautizada como el MonsterVerse, en donde los protagonistas absolutos son Godzilla y King Kong y cuya distribución corre a cargo de Warner Bros. y Legendary Entertainment. Haciendo un poco de historia recordamos que todo comenzó con Godzilla 2014 de Gareth Edwards y “Kong: La Isla Calavera” 2017 de Jorda Vogt-Roberts. Ambas se presentaron al público como el reinicio de sus propias franquicias para continuar con “Godzilla: Rey de los monstruos” 2019 de Michael Dougherty, “Godzilla vs. Kong” 2021 de Adam Wingard y tras el éxito de este último título, Adam repite en la dirección junto a algunos de los actores de la anterior entrega con “Godzilla y Kong: El nuevo imperio” 2023.

Reconozco que soy fan absoluto de King Kong desde que siendo muy niño vi en televisión la original de 1933 dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.  Quedé fascinado con las emociones que ofrecía aquel gigantesco y salvaje gorila, hasta el punto que la he visto en varias ocasiones, al igual que las diferentes versiones que se han realizado sobre este monstruo, que nunca lo he visto como tal; en cambio, Godzilla me ha resultado siempre un tanto aburrido y hasta antipático, con esos movimientos tan pesados y la falta absoluta de gesticulación. Mis disculpas a todos los fans de Godzilla. Lo más curioso es que cuando ambos titanes comparten protagonismo, la gran pantalla cobra una magia especial, como ha sucedido desde 1963 con “King Kong contra Godzilla” de Ishirô Honda hasta llegar a la actualidad.

Godzilla y Kong: El nuevo imperio, se presenta al público como un filme de puro entretenimiento para una tarde de primavera. Es sin duda una  de esas películas que no te exige pensar más de lo necesario pero te reclama atención, atención a cuanto el guion nos ofrece, que no es poco, pues no se limita a las batallas campales entre los dos titanes, sino el conocer las emociones de Kong, que ya nos ha mostrado en otros filmes y en mayor o menor medida, las historias de los personajes humanos que les rodean, tanto a él como a Godzilla.

Entre las diversas tramas que traza el guion destacaré a un Kong que se siente solo, se aburre y no cesa en la búsqueda de miembros de su especie, hasta que esa esperanza llega cuando conoce a un pequeño y travieso gorila y del otro lado, están ellos, los humanos, primando la importancia de la familia, de la unidad del grupo y las raíces; conceptos que irán desarrollándose a lo largo de la narración, principalmente en la figura de Jia y de sus antepasados.

Y como no quiero desvelar más, finalizo comentando que cuenta con escenas de acción muy potentes, interpretaciones acordes a sus personajes, el excelente montaje de Josh Schaeffer y por supuesto un cuidadísimo despliegue de efectos visuales, destacando el realismo que alcanza la gran presencia de King Kong, entre otros.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo

REPARTO: Rebecca Hall, Dan Stevens, Brian Tyree Henry, Kaylee Hottle, Fala Chen, Alex Ferns, Rachel House, Millie Bobby Brown, Nicola Crisa, Alexander Skargård, Mercy Cornwall, Julian Dennison, Lance Reddick, Kyle Chandler, Eiza González, Shun Oguri, Jordy Campbell, Eric Lee,

PRODUCTORA: Legendary Pictures// Screen Queensland// Marzano Films// Warner Bros// Toho.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

VINCENT DEBE MORIR: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Francia y Bélgica, Vincent debe morir está dirigida por Stéphan Castang con guion de Mathieu Naert. “La verdadera pregunta no es “por qué”, sino: ¿Cuánto tiempo nos queda?”

Vicent Borel (Karim Leklou) es agredido, en su puesto de trabajo, por un joven en prácticas con un ordenador. Al día siguiente es atacado con un bolígrafo por un contable, clavándoselo repetidas veces en una mano, mientras charlaba con otro compañero. Tras finalizar la jornada queda con una chica, Léna (Léna Dia), en un restaurante y durante la conversación observa, a través de la cristalera, que un mendigo se acerca a él con cara de pocos amigos. El mendigo es atropellado y él aprovecha para salir del restaurante, presintiendo que algo extraño está sucediendo. Lo único que se sabe de sus agresores, es que no recuerdan lo que les llevó a atacarle.

El actor y director, Stéphan Castang, estudió en la École Supérieure D´Art Dramatique de Pierre Debauche. Ha trabajado en teatro a las órdenes de importantes directores, ha colaborado con la compañía L´Artifice y ha puesto en escena textos clásicos y contemporáneos. Es miembro del comité de lectura del Théâtre national de la Colline. Para cine ha dirigido y escrito  los cortometrajes “Jeunesses françaises” 2011, “Fin de campagne” 2014, “Servicio compris” 2015, “Panthéon Discount” 2016 y “Finale “2020” saltando al largometraje con “Vincent debe morir” 2023.

Vicent debe morir nos sitúa en una fábula sobre la violencia generalizada en la sociedad de hoy en día, en la cual el protagonista de un día para otro comienza a ser agredido por cuantos le miran directamente a los ojos, sin ningún motivo, lo que le llevará a huir a una casa familiar abandonada en medio del campo, mientras reflexiona sobre lo que le está pasando. En ese viaje descubrirá que no está solo, pues a otras personas les sucede lo mismo e incluso en ese extraño viaje, que le llevará a diferentes escenarios, conocerá a personajes de lo más variopinto. Su empeño por salir airoso del apocalipsis en el que se ve envuelto, no cesará.

Stéphan Castang debuta con este largometraje que a mi gusto peca de excesivo metraje aunque vaya por delante decir, que el tiempo que se toma para meternos en situación, nos hace empatizar aún más con el personaje y el entorno, obligándonos a pensar, en algunos instantes, cómo actuaríamos nosotros ante un acontecimiento similar y es que Karim Leklou, quien acepta la identidad de Vincent, nos lo pone fácil con su correctísima y creíble actuación. Extrae de Vincent su carácter introvertido, sus gestos, miradas penetrantes e interrogativas, los miedos que le acechan e incluso los pensamientos que llegamos a dilucidar. Él es el motor del filme y lo sabe desde el instante en que el becario le golpea con el ordenador o tal vez desde que se siente diferente en una ciudad en la que siempre ha vivido en perfecta sintonía, sin ocasionar ningún conflicto.

El guionista, Mathieu Naert, escribe una historia con un toque de originalidad muy interesante, bajo una perspectiva que nos invita a cuestionarnos lo que el personaje ve, escucha y siente; que no es otra que la realidad de nuestra sociedad. Una crítica a la violencia gratuita y no sólo física que se desboca en tantas ocasiones en pequeñas y grandes ciudades, tomando el control de las calles e incluso de espacios difíciles de imaginar.

Un thriller psicológico con toques de comedia negra, en donde el drama se desencadena a través de la mirada, esas miradas fijas entre dos o más personas. ¿Qué revelan los ojos que desata tanto temor?, mientras que el toque de comedia suaviza las tensiones que se generan, logrando que esbocemos en nuestros rostros algunas sonrisas, eso sí, sonrisas tristes y dolorosas, pues no podemos evitar preguntarnos si el ser humano está perdiendo su humanidad y cuándo se prendió dicha chispa.

Para terminar comentaros que la fotografía ha corrido a cargo de Manuel Dacosse, quien logra  potenciar la angustia  en medio de la iluminación y los encuadres seleccionados.

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de marzo.

Mi nota es: 7,5

REPARTO: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Karoline Rose Sun, Ulysse Genevrey, Jean-Rémi Chaize, Sébastien Chabane. Emmanuel Vérité, Benoît Lambert, Léna Dia, Michaël Perez, Pierre Maillet, Anne-Gaëlle Jourdain, Guillaume Bursztyn, Maurin Olles, Jean-Christophe Folly y Suzy.

PRODUCTORA: Capricci Films// Bobi Lux, arte France Cinéma// Ciné+// Gapbusters// Goodfellas Media// Canal+// RTBF (Télévision Belge)// CNC // Centre du Cinéma et de l`Audiovisuel.

DISTRUIDORA EN ESPAÑA: La Aventura Audiovisual.

DREAM SCENARIO: CRÍTICA DE CINE

DREAM SCENARIO está escrita y dirigida por Kristoffer Borgli “La fama puede venir con efectos secundarios”

La vida del profesor Paul Matthews (Nicolas Cage) casado con Janet Matthews (Julianne Nicholson) con quien tiene dos hijas: Sophie (Lily Bird) y Hannah (Jessica Clement), se ve alterada cuando un gran número de personas, sin conocerle, sueñan con él; en el sueño siempre aparece en la escena sin hacer nada, solo caminando, mirando o en estado de absoluta quietud, algo que le molesta a Paul cuando se lo comentan. Pronto las redes sociales y los diferentes medios de comunicación lo encumbran deseando entrevistarle o que trabaje con ellos en spot publicitarios, pero él solo busca tranquilidad y escribir un libro. Un buen día todo se tuerce en su vida y en la de su familia, cuando los sueños de las personas se convierten en pesadillas y el protagonista de las mismas, es él.

El director, editor y guionista, Kristoffer Borgli, posee una larga trayectoria en el cortometraje con obras como “Molo” y “Síndromes 2011, “Lo que sea” 2013, “Famosos de Internet” 2014, “Un lugar que llamamos realidad” 2018,  “No es una fase” y “El perdedor” 2019, “Former Cult Member Hears Music for the First Time”, “El altruista” y “Suave” 2020, “Sí” 2021 y “Willem Dafoe” 2023. En el largometraje debutó con “DRIB” 2017, “Sick of Myself” 2022 y este año nos ofrece “Dream Scenario” 2023.

No sé si clasificar este trabajo a la medida de Nicolas Cage o es él quien se apropia de la narración. Creo que ya lo he comentado en otras ocasiones,  Cage es un actor de culto, un todoterreno que salta de la comedia al drama pasando por el terror, la ficción o el surrealismo más absurdo. Nadie como él es capaz de interpretar los personajes que se le ofrecen y nadie como él los aborda con esa naturalidad innata, mientras disfruta y contagia a los espectadores. Nicolas es como un imán para estas historias que parecen imposibles de ser rodadas y más de ser expuestas en la gran pantalla; él las insufla vida y las colma de matices que nunca pasan inadvertidos. Con cada trabajo nos brinda una nueva lección que surge de lo más profundo de sus entrañas, desde el conocimiento y sabedor de lo que se espera de él. Un actor que se abre en canal para que el espectador goce de él y con él. Sin duda, Dream Scenario, es uno de sus mejores trabajos.

De nuevo las redes sociales en el punto de mira y una de las primeras preguntas que me asaltaron a la mente, mientras las imágenes desfilaban ante mis ojos, fue si desgraciadamente vivimos en una sociedad tan desnaturalizada, en la cual no nos detenemos a pensar sino que nos dejamos llevar por nuestros instintos más primarios y aquellos que están cobrando importancia, ante lo que se nos muestra, como algo natural. Parece que ya no importa el sufrimiento o la verdad de nuestros semejantes, sino el espectáculo que esas personas puedan proporcionar y hasta donde, en ocasiones, se les puede rentabilizar, para una vez logrado, tirarles como clínex a una papelera. Este es una vez más, el tema central con el que parece que la gran pantalla, desea poner freno y lanzar una potente crítica entre la comedia y el drama. Un guion construido con diálogos y situaciones afiladas, dividido en dos partes bien diferenciadas y escrito por el propio director Kristoffer Borgli, para mayor gloria de su actor principal Nicolas Cage, del que ya he hablado. Vaya por delante que Dream Scenario, se muestra al espectador como una comedia negra con un toque aleccionador.

Una tragicomedia dividida en dos actos, como mencionaba, el primero de ellos visto desde el ángulo más cómico y revoltoso en el que se nos presenta a  los personajes y la situación tan rocambolesca a la que se tiene que enfrentar y lidiar Paul y el segundo, el drama que se genera cuando el miedo a lo desconocido y la ignorancia, se apoderan de la conciencia colectiva. ¿Hasta qué punto una sucesión de sueños, se pueden transpolar a la realidad presente? y quizás lo más importante, ¿por qué en la sociedad en la que vivimos le damos más valor a un bulo difundido por internautas que no conocemos, que detenernos a analizar la realidad que tenemos ante nuestros ojos? Preguntas, como otras tantas que surgen de este curioso filme.

En resumen, Dream Scenario nos habla de la vulnerabilidad del ser, puesta al límite; de la intimidad violada por desconocidos que buscas lucrarse de las desgracias ajenas, de quienes controlan las redes sociales jugando a ser jueces y dioses, refugiándose muchas veces en el anonimato de un nick y que sedientos de noticias por ofrecer, son capaces de ensalzar y destruir, con el único propósito de sobrevivir en sus mundos de fantasía y vacíos de realidad. Un fantástico ejercicio de análisis que no pasa indiferente a ningún espectador, dirigida con temple y que cuenta con la fotografía de Benjamin Loeb.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de marzo.

REPARTO: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Tim Meadows, Dylan Gelula, Michael Cera, Dylan Baker, Kate Berlant, Lily Bird, Jessica Clement, David Klein, Cara Volchoff, Nicholas Braun, Noah Centineo,  Amber Midthunder, Lily Gao, Star Slade, James Alexander Warren, Marnie Mcphail, Krista Bridges, Paula Boudreau, Jennifer Wigmore, Agape Mngomezulu, Sofia Banzhaf, Maev Beaty, Richard Jutras, Noah Lamanna, Domenic Di Rosa, Jessie-Ann Kohlman, William Corno y James Collins.

PRODUCTORA: A24// Square Peg// Wildling Pictures// Ari Aster.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

PRISCILLA: CRITICA DE CINE

PRISCILLA está escrita y dirigida por Sofía Coppola, basándose en las memorias de Priscilla Presley.

En el año 1959  Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) se encontraba viviendo en Alemania con su madre Anna Lillian Iversen (Dagmara Dominczyk) y su padrastro el capitán de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Paul Beaulieu (Ari Cohen). En ese año y en la ciudad de Wiesbaden, Priscilla es invitada a una fiesta que celebraba Elvis Presley (Jacob Elordi), que en aquella época además de gozar de un importante éxito, era soldado del ejército estadounidense. Los dos se sintieron atraídos desde el mismo instante en que se conocieron, comenzando una relación que se vio interrumpida cuando Elvis finalizó su servicio militar y regresó a Graceland, su finca en Memphis. En 1962, con el consentimiento de sus padres, Priscilla viaja a Estados Unidos gracias a un pasaje en primera clase, regalo de Elvis. Allí conocerá a sus amigos, socios y a su querida abuela “Dodger” (Lynne Griffin)

La guionista, productora, actriz y directora, Sofía Coppola, estudió en la Escuela Secundaria de Santa Elena donde se graduó en 1989, continuando su formación en el Mills College y el Instituto de Artes de California. Debutó con el cortometraje “Lick the Star” 1998 y en el largometraje con “Las vírgenes suicidas” 1999 continuando con “Lost in Translation” 2003, “María Antonieta” 2006, “Somewhere” 2010, “The Bling Ring” 2013, “The Bequiled” 2017, “On the Rocks” 2020 y este año nos ofrece “Priscilla” 2023. Cuenta con un buen ramillete de cortometrajes, algunos documentales, telefilmes y numerosos videoclips.

En el 2022 se estrenó “Elvis” dirigida por Baz Luhrmann, cosechando un importante éxito de público y crítica y era de esperar que tarde o temprano, le tocara a su esposa Priscilla. Ha sido Sofía Coppola, que adaptando las memorias de la propia Priscilla Presley, nos ofrece ahora esta versión entre el drama y el romanticismo, entre la soledad y la frustración, entre el amor y los celos, en definitiva, entre las luces y las sombras; pero... ¿Se nos cuenta la verdad de cómo era en la intimidad el rey del rock and roll?  Lo que sí se nos detalla es la versión de su mujer desde que conoció a Elvis cuando ella contaba con 14 años y él 24. Una primera etapa idílica, de compromiso, amor, amistad y de respeto, pues Elvis no tuvo relaciones sexuales con ella hasta que se casaron.  Tras finalizar ese primer periodo en Alemania y asentarse en Estados Unidos, Priscilla sin saberlo, quedaría presa en una jaula de oro, en la cual nunca le faltó de nada salvo él, que trabajaba incansablemente entre conciertos y películas. Graceland, las largas ausencias de Elvis, los celos que se apoderaron de ella al leer las supuestas o no relaciones que su marido mantenía con otras mujeres, la soledad, el vacío que sentía aun ocupándose de la pequeña Lisa; fueron quebrando el amor por el ídolo, hasta llegar al divorcio. Nada se desvela que no se sepa.

Sofía Coppola se adentra en la intimidad, que la propia Priscilla le permite, entre la verdad y lo que se reserva, hasta traspasar su alma y con ello, percibir cuanto sintió y vivió junto a la gran estrella. Una primera parte en la que su inocencia e impulsos por el artista, como ya he comentado, la llevaron a soñar con vivir una vida “¿excitante?” y la segunda, morando y deambulando en la mansión como si fuera un fantasma abrazada a su soledad, cuando él no estaba y resurgiendo como una flor en primavera, a su regreso con sus amigos, músicos y socios.

Me hubiera gustado, que al igual que en “Elvis” de Baz Luhrmann, tanto Sofía como Priscilla se hubieran atrevido a ir un poco más allá de lo escrito en esas memorias, mostrando la otra cara de Priscilla y no solo la sumisa, el reflejo de la mujer de los años 50, complaciente, ama de casa, siempre bien arreglada y esperando paciente el regreso de su marido; aunque se nos deje ver ese coqueteo con las pastillas, el cómo compaginaba las interminables fiestas con los estudios, su embarazo, las disputas, el control que él ejercía sobre ella y los celos; porque desgraciadamente la historia se va apagando poco a poco y Sofia no sabe cómo avivar la llama, ante la falta de argumento y es que hay un detalle muy importante que se queda fuera de la narración. ¿Elvis amaba sexualmente a Priscilla o simplemente, que no deja de ser importante, la idealizaba? Porque da la sensación de que para él más que su mujer, es su juguete y confidente y las escenas en que están juntos, así lo muestran.

Voy a ir finalizando y para ello quiero destacar en primer lugar la magnífica interpretación de Cailee Spaeny, quien ofrece todos los registros que exige el personaje. La delicada y elegante fotografía de Philippe Le Sourd y la sutil banda sonora en la partitura de Phoenix. Priscilla es una de esas películas que te hace pasar un buen rato.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de febrero

REPARTO: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Dagmara Dominczyk, Ari Cohen, Tim Post, Lynne Griffin, Dan Beirne, Rodrigo Fernandez-Scoll, Dan Abramovici, Tim Dowler-Coltman, R. Austin Ball, Matthew Shaw, Olivia Barrett, Stephanie Moore, Luke Humphrey, Deanna Jarvis, Josette Halpert, Jorja Cadence,  Evan Annisette, Stephanie Moran, Raine Monroe Boland, Daniel Lipka, Emily Mitchell, Kamilla Kowal, Gwynne Phillips, Conni Miu, Megan Dallan, Tonia Venneri, Erin Mackinnon, Mary Kelly, Piage Leblanc, Anna Mirodin, Sarah Dodd, Alanis Peart, Kelaiah Guiel, Andrew Mackay, Kelly Irene Whyte, Shawn Gordon Fraser, Kassandra C.A. Gray, Fegan DeCordova y Kelly Penner.

PRODUCTORA: American Zoetrope// Stage 6 Films// The Apartment

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures.

FERRARI: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos e Italia, FERRARI, está dirigida por Michael Mann con guion de Troy Kennedy-Martin. “Si te subes a uno de mis coches, te subes para ganar”

Enzo Ferrari (Adam Driver) se despierta junto a su amante Lina Lardi (Shailene Woodley) y antes de salir de la casa contempla como su segundo hijo, Piero Lardi (Giuseppe Festinese) duerme apaciblemente. Entre sus actividades diarias está la de visitar la tumba de su primer hijo, Dino Ferrari que sufrió una grave enfermedad y ya en el hogar familiar, se encuentra con su mujer Laura Ferrari (Penélope Cruz), que le reprocha sus flirteos. En el hogar también vive la madre de Enzo, Adalgisa Ferrari (Daniela Piperno). Tras presentarnos a los personajes y las tiranteces familiares, la historia nos conduce a la vida profesional de Enzo y su lucha porque su marca, Ferrari, no desaparezca; para ello, deberá  fortalecer su escudería con los mejores pilotos y presentarse a la famosa carrera de la Mille Miglia, cuyo desenlace, para quienes no conozcan la historia, no desvelaré.

El guionista, productor y director, Michael Mann, estudió literatura inglesa en la Universidad de Wisconsin-Madison pero no finalizó dichos estudios pues se enamoró del cine he ingresó en la London´s  International Film School para cursar cinematografía entre los años 1965/67. Comenzó su carrera profesional en la televisión en la década de los 70 pero antes dirigió dos cortometrajes “Jaunpuri” 1971 y “17 Days Down the Line” 1972. Para televisión dirigió “Las vegas” 1978 y el telefilme “Hombre libre” 1979, para debutar en el largometraje con “El ladrón” 1981, continuando con “La fotaleza” 1983, “Hunter” 1986, “El último mohicano” 1992, “Heat” 1995, “El dilema” 1999, “Ali” 2001, “collateral” 2004, “Corrupción en Miami” 2006, “Enemigos públicos” 2009,  “Blackhat: Amenaza en la red” 2015 y “Ferrari” 2023. En televisión también cuenta con series como “Corrupción en Miami” 1984/89, “La historia del crimen” 1987 y “Luck” 2011; la miniserie “Camarena (La guerra de las drogas) 1990 y “Tokyo Vice” 2022.

Lo primero que quiero detallar es que la película tiene dos partes muy diferenciadas, que se van entrelazando entre sí a lo largo del metraje. Por un lado, el drama propiamente dicho que rodeó a la vida de Enzo Ferrari, el creador de la gran escudería y del otro el espectáculo de las carreras de los Fórmula 1. Dicho esto comencemos con el drama.

La historia se ubica en el año 1957 en los meses previos a la última carrera que se celebraría de la famosa Mille Miglia, mostrándonos en un momento determinado, con absoluto e impactante realismo, el motivo por el que dicha carrera no volvería a celebrarse. Durante esos meses Enzo deberá lidiar con la crisis económica que atraviesa, tratar de contratar a los mejores pilotos y crear el motor que proporcione mayor potencia a sus coches y en la parte más íntima, entenderse o al menos intentarlo, con sus dos amores: Lina, con quien tiene un hijo no reconocido, Piero, al que adora y Laura, una mujer de armas tomar que no le perdona la muerte del hijo que ambos tuvieron y por supuesto sus escarceos. Dos relaciones muy distintas que el espectador irá descubriendo entre el ritual que suponen los entrenamientos, las puestas a punto de los coches y las rivalidades.

Un drama intenso de corte muy italiano despuntando los dos personajes principales. Adam Driver totalmente irreconocible en su caracterización de Enzo, irradia frialdad, seriedad hermética y rigidez en sus movimientos; aunque en la intimidad apunta atisbos de humanidad, sobre todo cuando está con su hijo; una humanidad  de la que parece carecer durante todo el filme, pues son varios los instantes en que deja sin aliento al espectador, como la escena en la que un piloto se sale de la pista y muere y él mira a un piloto que desea entrar en su escudería y le dice que le llame el lunes. En su rostro no aparece el mínimo gesto de dolor. Y llega el momento de ella, de la gran estrella del filme. Penélope Cruz se come la pantalla cada vez que hace acto de presencia. De entre la capa de maquillaje y un vestuario que no la favorecen en absoluto, florece la estrella internacional que ya es por méritos propios. Relucen sus ojos y se impone su temperamento. Pe está brutal, descomunal, increíble. Su donna italiana resulta totalmente creíble: furiosa por sentirse engañada, dolida por la pérdida de un hijo, inquebrantable ante la sociedad que tiene con su marido, pues ambos fundaron la marca Ferrari; frágil dentro de su fortaleza y luchadora incansable. Ella, nuestra querida Penélope, junto con las carreras de autos, lo mejor del filme.

Toca hablar del espectáculo que demanda el espectador y Mann no decepciona. Las carreras resultan impresionantes. La ejecución brilla en cada movimiento de cámara y la espectacular selección de planos, para situarnos en primera línea y no perder detalle, pues de detalles Mann sabe mucho y lo demuestra con la atmósfera que logra entre los rugidos de los motores, el fuego que desprenden los tubos de escape, el frío que se percibe en el exterior, la salida de los coches uno a uno, las cortas conversaciones, que en ese momento Enzo mantiene con sus pilotos; el ambiente festivo que rodea a la prueba o la lluvia que cae sobre los coches y los pilotos que vemos incluso estrellarse en los faros de los coches. No falta detalle y cada uno de ellos han sido recogidos por la fotografía de Erik Messerschmidt, con un extraordinario uso de la luz y el color. Un filme al que también le acompaña la dramática e intensa banda sonora de  Daniel Pemberton y no me puedo olvidar del milimétrico montaje de Pietro Scalia.

Resumiendo, un filme entretenido aunque con algunas carencias que se olvidan cuando ese tramo final hace acto de presencia.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de febrero.

REPARTO: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Gabriel Leone, Sarah Gadon, Jack O`Connell, Patrick Dempsey, Michele Savoia, Valentina Bellè, Brett Smrz, Ben Collins, Lino Musella, Sergio Scaglietti, Tommaso Basili, Massi Furlan, Guiseppe Bonifati, Wyatt Carnel, Andrea Bruschi, Erik Haugen, Leonardo Caimi, Luca Della Valle, Samuel Hübinette, Peter Arpesella,  Daniela Piperno, Andrea Dolente y Gianfilippo Grasso.

PRODUCTORA: Moto Productions// Iervolino&Lady Bacardi Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

LA TIERRA PROMETIDA (THE BASTARD): CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Dinamarca, Noruega y Alemania, La Tierra Prometida (THE BASTARD) está dirigida por Nikolaj Arcel, compartiendo guion con Anders Thomas Jensen. “Dios es caos, la vida es caos”… “No, la guerra es caos”

En el año 1755 Ludvig Kahlen (Mads Mikkelsen) se instala en los desérticos páramos de Jutlandia con la intención de crear el primer asentamiento del rey, haciendo fértil la tierra; pero se encuentra con un obstáculo, Frederik de Schinkel (Simon Bennebjerg), un despiadado terrateniente convencido de que dichas tierras son de su propiedad. Ludvig toma como ayudantes a un matrimonio: Ann Bárbara (Amanda Collin) y Johannes Eriksen (Morten Hee Andersen) que han escapado de las garras del amo y a una pequeña que todo el mundo repudia porque aseguran que trae mala suerte, Anmai Mus (Melina Hagberg). Desde el principio Kahlen deberá luchar con cuantos obstáculos se le ponen en el camino y no precisamente los yermos brezales.

El guionista y director, Nikolaj Arcel, estudió en la Escuela Bernadotte de Hellerup, en la secundaria Østre Borgerdyd y concluyó en la Escuela de Cine de Dinamarca en el 2001. Su proyecto de graduación fue el cortometraje “Woyzeck Last Symphoni” 2001. En el cine debutó con “El juego del rey” 2004 al que han seguido “La isla de las almas perdidas” 2007, “La verdad sobre los hombres” 2010, “Un asunto real” 2012, “La torre oscura” 2017 y este año nos ofrece “La tierra prometida (The Bastard) 2023.

Muchos me diréis y yo afirmo también, que el séptimo arte cuenta con grandes actores, pero ninguno me negará de la prestancia, el saber hacer y del sello indiscutible que aporta Mads Mikkelsen, en cada uno de sus trabajos. Un actor cuyo magnetismo traspasa la gran pantalla, acometiendo con gran naturalidad cualquier proyecto que se le encomiende y lógicamente al “jugar” en casa, en su país natal y bajo las órdenes de un cineasta como Nikolaj Arcel, le reporta mayor confianza y verdad; algo que transmite desde el primer instante en que vemos a ese capitán, que proyecta cultivar una tierra incultivable. Nos regala, a lo largo de sus dos horas de metraje, una excepcional MasterClass interpretativa, pues sobre sus hombros recae todo el peso de este extraordinario filme, en el cual la tierra, siempre generosa con quien es paciente, la escucha, respeta y cuida, cobra un protagonismo de excepción.

Una historia que nos adentra en tiempos pasados sin obviar ningún detalle y que como ya he comentado, la tierra es una de las protagonistas, dadora de vida, seguridad y testigo de las rivalidades sociales y políticas, en el ya lejano siglo XVIII. De una parte contamos con la lealtad y el trabajo representados por Ludving y en el lado opuesto, el cruel y déspota terrateniente Frederick, quien se cree no solo dueño de esas tierras. Al primero le mueve un deseo y un objetivo. El deseo de complacer a su señor, el rey Federico V y el objetivo que tras los resultados obtenidos, con el esfuerzo, el sudor y la tenacidad, sea recompensado con un título y unas tierras en las que vivir el resto de sus días; mientras que su enemigo, solo piensa en sus posesiones y un poder, cada vez más debilitado. Dos contendientes que rara vez pisan el terreno del oponente, pero cuando esto sucede, el horror se cierne entre el dolor, el derramamiento de sangre, la violencia, la impotencia, la furia y la sumisión. Un filme dominado por los abrumadores silencios, las penetrantes miradas y las parcas pero afiladas y sentenciadoras palabras. Un drama de época para el disfrute del espectador.

El filme cuenta con una puesta en escena impecable por la que transitan las venganzas, las supersticiones, la burocracia, la esclavitud, la tiranía, la unidad, los miedos, la tenacidad, la nobleza, las luchas contra el opresor, el orgullo, la supervivencia, el amor, la diferencia de clases y el trabajo; el siempre duro y fatigoso trabajo. Todo ello y mucho más, retratado en la realista y sobrecogedora fotografía de Rasmus Videbæk, mostrando además, las inclemencias del tiempo entre las nubes plomizas, el viento helador que casi podemos percibir y las lluvias torrenciales, bajo tormentas que rasgan el cielo en las sombrías noches, sin olvidar el gran enemigo de su plantación, la nieve.

Las emociones parecen hallarse tan gélidas como el entorno en el que habitan los personajes, pero serán las sutiles miradas, las caricias e incluso los tímidos y necesarios silencios, quienes nos desvelen su humanidad. Humanidad que Arcel no olvida en ningún instante, creando un interesante estudio  del complejo comportamiento del ser humano. Cada personaje está magníficamente definido e interpretado por lo que no destacaré a ninguno de ellos, salvo, como ya he hecho, a su protagonista principal; lo que sí mencionaré de paso, es la dramática y emotiva banda sonora de Dan Romer.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de febrero.

REPARTO: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg, Melina Hagberg, Kristine Kujah Thorp, Gustav Lindh, Monten Hee Andersen, Thomas W. Gabrielsson, Magnus Krepper, Søren Malling, Morten Burian, Jacob Lohmann y Olaf Hojgaard.

PRODUCTORA: Koch Films// Nordisk Film// SVT// Zentropa// Plaion Pictures// Nordisk Films// TV2

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Bteam Pictures.  

SALA DE PROFESORES: CRÍTICA DE CINE

Sala de profesores está dirigida por Ilker Çatak compartiendo guion con Johannes Duncker.

Carla Nowak (Léonie Benesch) es una profesora idealista que imparte clases de matemáticas y educación física en un colegio de secundaria, en el que se han perpetrado varios robos. Un día decide dejar sus pertenencias sobre una silla y en la mesa su ordenador con la cámara grabando, descubriendo que una de las trabajadoras, le ha robado en esos minutos en que ha estado ausente, el problema se agrava cuando dicha mujer tiene a su hijo estudiando en el mismo colegio y Carla es una de sus profesoras.

El guionista, productor y director, Ilker Çatak, se graduó en la escuela de la embajada en Estambul. Regresó a Alemania donde trabajó durante cuatro años en producciones cinematográficas. En 2009 se licenció en dirección de cine y televisión en la Universidad de Dekra Media de Berlín. El máster lo realizó en la Escuela de Medios de Comunicación de Hamburgo y recibió una beca de escritura del Bayerischer Rundfunk. Su película de graduación fue “Sadakat” 2014, pero antes ya había realizado otros cortometrajes como “Eskimo Frosch” 2005, “Fast Fiktion” 2006, “Mehrzahl Heimat” 2007, “Iki Arada Bir Denizde” y “Ayda” en 2008, “Namibya sehir iken…” 2010, “Alter Schule” 2013 y en 2014 rodó “Sadakat”, “Wo wir sind” y  “Zeitraum”. En el largometraje debutó con “Es war einmal Indianerland” 2017, “Es gilt das gesprochene Wort” 2019, “Stanbul Garde” 2021y este año nos ofrece “Sala de profesores” 2023. Para televisión ha dirigido un episodio de  la serie “En el lugar del crimen” 2021

Sala de profesores, ha resultado, al menos para mí, toda una sorpresa en este comienzo de año. Reconozco que asistí al pase, primero sin saber nada del argumento, como es natural y segundo, pensando que me encontraría con un filme de corte clásico en el que el guion nos ofrecería los trances por los que pasan algunos alumnos y profesores, el entorno del centro educativo, los problemas personales y las mentes de los más jóvenes; y aunque es cierto que esos elementos está presentes en el desarrollo, Ilker Çatak y Johannes Duncker, van más allá, introduciéndonos  en las entrañas de un colegio de secundaria para, a través de un incidente determinado, mostrar una realidad que está causando muchos debates y quebraderos de cabeza entre profesorado, padres y alumnos, debido a la permisividad derivada de las leyes en defensa del menor y la rendición de algunos padres con respecto al comportamiento de sus hijos. Una narración que aborda temas como el uso de las redes sociales y sus efectos,  el poder de la manipulación de la prensa escrita, en este caso a través de la revista que confeccionan los propios niños en el colegio o el racismo, tan presente en la sociedad.

Estamos por tanto ante un thriller psicológico que va elevando la tensión emocional y el drama colectivo entre los planos, en cada una de las escenas y en los rincones en los que el director decide detenerse parar mostrar los espacios en los cuales se desarrolla la angustiosa pesadilla, máxime para Carla, interpretada por una excepcional Léonie Benesch quien se convierte por méritos propios en el alma y el corazón del filme, desde el mismo instante en que nos involucra en su desventura. Sin ella, este frágil castillo de naipes, no se mantendría en pie. En el lado opuesto, el cuerpo lo forman el grupo de alumnos, que ya de entrada provocan un extraño escalofrío, como el que sentimos en su día, salvando las distancias, con “¿Quién puede matar a un niño?” 1976 de Narciso Ibáñez Serrador, algo siniestro se percibe cuando hacen acto de presencia.

Finalizo, pues, como bien sabéis, no me gusta descubrir nada más allá de lo que se puede contar, comentando que Sala de profesores es un filme necesario, dirigido con suma elegancia y precisión. Cuenta con un guion, incisivo, inteligente y realista; con un uso excepcional de la cámara a través de la cual se exponen las naturales y demoledoras interpretaciones, en una historia tan actual, que duele. La fotografía ha corrido a cargo de  Judith Kaufmann y la banda sonora de Marvin Miller. 

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de febrero.

REPARTO: Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Anne-Kathrin Gummich, Michael, Klammer, Sarah Bauerett, Kathrin Wehlisch, Rafael Stachowiak, Goya Rego, Özgür Karadeniz, Uygar Tamer, Katinka Auberger, Canan Samadi y Tim Porath.

PRODUCTORA: if.. Productions// ARTE// ZDF//

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.  

POBRES CRIATURAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos, Pobres Criaturas, está dirigida por Yorgos Lanthimos con guion de Tony McNamara, quien adapta la novela de Alasdair Gray.

Contemplamos a una joven, Bella Baxter (Emma Stone), en lo alto de un puente, muy pensativa, quien tras unos segundos de suspense, se lanza al vacío. Seguidamente la vemos frente a un piano aporreando las teclas con rabia, sin poner demasiado interés; tras ella se sitúa el científico Godwin Baxter (Willen Dafoe), cuyo rostro está desfigurado con grandes cicatrices. La relación entre ambos la descubriremos más adelante a la vez que se nos revelará las fuertes personalidades y comportamientos tan dispares que presentan cada uno de ellos, el de Bella agresivo e infantil y el de Godwin más sosegado, aunque un tanto singular.

Godwin toma como ayudante a uno de sus alumnos, Max McCandless (Ramy Youssef) que se enamora de la joven a primera vista, amor que acepta Godwin. Bella tendrá otro pretendiente, un abogado libertino, jugador y posesivo, Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo) quien propone a Bella hacer un viaje por todo el mundo, para que descubra lo que se esconde fuera de la gran mansión en la que vive, pues jamás ha salido al exterior.

El director de teatro y cine, Yorgos Lanthimos, estudió dirección de cine y televisión en la Escuela de Cine de Atenas. Debutó en la dirección con el cortometraje “O viasmos tis Hlois” 1995 y en el largometraje con “My Best Friend” 2001, “Kinetta” 2005, “Canino” 2009, “Alps” 2011, “Langosta” 2015, “El sacrificio de un ciervo sagrado” 2017, “La favorita” 2018 y este 2023 nos presenta “Pobres criaturas. En el cortometraje encontramos piezas como  “Uranisco Disco” 2002, “Necktie” 2013, “Nimic” 2019, “Gucci Of Course a Horse” 2020 y el mediometraje “Vlihi” 2022. También ha dirigido un importante número de videoclips.  

Hay directores y actores que siempre están dispuestos a dar un paso adelante, a cruzar límites insospechados, crear nuevas maneras de narrar o de interpretar, en definitiva, jugar, dejarse llevar y experimentar con el séptimo arte y así llegar a un público cada vez más exigente. De la unión de dos genios: una gran actriz y un director difícil de clasificar, nace una obra impactante, excesiva, divertida, dramática, insolente y fascinante. Emma está de Oscar con cada gesto, movimiento, palabra o mirada; por su parte Yorgos, nos regala una gran lección de cine, una MasterClass con claras referencias al cine clásico mudo pero con la mirada asentada en el siglo XXI.

Abrazando sin complejos la vanguardia y la originalidad que le caracteriza,  Lanthimos realiza un filme que hechiza al espectador con un amplio abanico de emociones y sensaciones a la vez que expone, sin ningún pudor, la eterna lucha entre el bien y el mal, desnudando las debilidades humanas: el abuso de poder, la venganza, la quebradiza fragilidad del ser, las pasiones, la vanidad, la búsqueda del aprendizaje, el amor  o el deseo, los miedos… Todo a través de mentes inocentes, viciadas y perversas. Un filme inquietante que nos envuelve, nuevamente, en el extraordinario uso de lentes de ojo de pez. Una fotografía que navega entre un elegante blanco y negro y el ostentoso color que con maestría utiliza Robbie Ryan, presentando entre sugerentes encuadres y el cuidado uso de la luz, decorados que nos recuerdan al expresionismo alemán o al barroquismo más oscuro y con ello, resaltar la incertidumbre que sufren y experimentan los personales. En esta ocasión ha contado con la poderosa banda sonora de Jerskin Fendix. Música que se me antoja desconcertante, chirriante y experimental, sostenida por el sonido de instrumentos de cuerda que nos destrozan los nervios y tensan la piel.

Un filme que abandera el feminismo mostrándonos a  una mujer que con sus carencias, se abre camino en un mundo de hombres a los que se enfrenta, abofetea, ignora y utiliza. Bella, bajo su manto de inocencia ante la vida y el machismo, sin ningún tipo de filtro, coloca a cada uno en su sitio a la vez que descubre su sexualidad. Un personaje encarnado por una gran actriz que nos demuestra su capacidad para interpretar cualquier personaje. Emma Stone, está soberbia, radiante, espectacular, divertida, dramática, maravillosa, cautivadora, sensual y sexual. Nos obsequia con cientos de matices para dar vida a este “monstruo” que bebe del clásico de Frankenstein, femenino, sexy y que enamora al espectador. Está acompañada por un importante ramillete de actores como Wilem Dafoe, Mark Ruffalo o Ramy Youssef, ofreciendo lo mejor a sus personajes al igual que el resto del elenco.

Pobres criaturas está dividida en capítulos: “Portugal”, “El barco”, “Alejandría”, “París” o “Londres” y entre el gran imaginario de Yorgos, desfilan monstruos como la gallina con cabeza de cerdo, el perro pato o el auto que aun yendo con motor, conserva en la parte delantera, un busto de caballo. Estamos ante un filme, que estoy seguro no dejará indiferente a nadie y por ende sorprenderá para bien, a la gran mayoría.

En resumen, Pobres Criaturas, cuenta con un guion inteligente, magníficas interpretaciones, una extraordinaria fotografía, como ya he comentado así como la discordante banda sonora y cometería un pecado imperdonable si me olvidara del rico y vistoso vestuario de  Holly Waddington, entre modelos de clara inspiración victoriana hasta traspasar el exceso del surrealismo, recreando cada fase por las que Bella pasará

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero

REPARTO: Emma Stone, Mark Ruffalo, Margaret Qualley, Wilem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Suzy Bemba, Wayne Brett, Kathryn Hunter.

PRODUCTORA: Element Pictures// Fruit Tree Media// Fox Searchlight// Film4 Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Searchlight Pictures y Walt Disney Pictures.