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miércoles, 10 de enero de 2024

PALACIO ESTILISTAS: CRÍTICA DE CINE

                

              Palacio Estilistas cuenta con guion y dirección de Moisés Martín.

En el interior de la peluquería que regenta, Juana Palacio (Goya Toledo) ultima la nota de chantaje en la que exige tres millones de euros a Paco Ortiz (Juanma Lara), por mantener silencio sobre el problema medioambiental que ha provocado, con ello busca salir de la crisis económica que atraviesa. Dicha nota la deposita en el buzón del empresario. Tiene una amiga y compañera de trabajo, Alba (Julia Fernández) que se enamora a primera vista de Lucas (Alex Peral), un joven que conoce en el parque. Ambos mantienen una conversación distendida y en un momento determinado, se entera de que el chico se casa al día siguiente.

El guionista y director de televisión, teatro y cine, Moisés Martín, funda en 2009 “Producciones Desesperadas” y en 2011 “Sieteficcciones”, una asociación cultural  cuyo propósito es potenciar el cine independiente y crear el festival de cine independiente de Málaga Cinematol. Ha dirigido los cortometrajes “Dentro del armario” 2016 y “Sospechosos bajo el telón” 2020. Este año debuta en el largometraje con “Palacio Estilistas” 2023.

Una boda, un chantaje, un deseo y algunos secretos son los que rodean esta comedia de enredos familiares con claros tintes teatrales, maquillada con una elegante fotografía de Alex Bokhari, que nos ofrece una vistosa gama de colores retro setenteros y el elenco actoral que cumple con su cometido, aunque la laca humorística se queda sin fuerza, debido a una dirección plana y carente de ritmo.

Tras su visionado pensé que como obra teatral podría funcionar muy bien, pero la gran pantalla exige movimientos naturales, presencia en el entorno, saber jugar con la cámara y los encuadres, sin olvidar el comportamiento de los actores, que requieren de un mayor dinamismo y espontaneidad; máxime en las entradas y salidas de campo o de la interactuación entre ellos. Todo en Palacio Estilistas, se ve un tanto forzado, seguramente porque Moisés ha dirigido esta pieza desde una perspectiva más teatral que cinematográfica. Error que es fácil de entender, al tratarse de su ópera prima en la gran pantalla y que seguramente, el trabajar en un formato tan diferente, le habrá servido de experiencia.

Palacio Estilistas nos habla de que los “pecados” de los padres terminan haciendo mella en los hijos, de los matrimonios por conveniencia, del amor sincero, de los problemas burocráticos, de la adopción, los egoísmos personales o de los sueños por cumplir y de algunos estereotipos y realidades del día a día. Una comedia, a mi gusto, agridulce, pues la comedia da paso a cuestionarte algunos de los temas tratados. El tinte lo maquilla todo y la laca enturbia la visión, pero la verdad, tarde o temprano, sale a la luz y es que si los salones de belleza pudieran hablar, contarían muchas historias y algunas, seguramente, muy inquietantes. Palacio Estilistas, es sin duda un homenaje a esos salones y a quienes los regentan.

Mi nota es: 5

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de enero.

REPARTO: Goya Toledo, Lolita Flores, Juanma Lara, Alex Peral, Ramiro Blas, Diana de María, Julia Fernández, Carlos Hipólito, Pastora Vega, Nicolás Mota, Sandra Martín, Luis Fernández de Eribe.

PRODUCTORA: Sierra Gador Producciones.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Syldavia Cinema.

miércoles, 20 de septiembre de 2023

TREGUA(S): CRÍTICA DE CINE

TREGUA(S) está dirigida y escrita por Mario Hernández. “¿Se pueden tener celos y posesión de un amante?

Edu (Salva Reina) y Ara (Bruna Cusí) son amigos y amantes desde hace diez años y pico. Él es guionista y ella actriz. Sus encuentros amorosos les lleva a conversar sobre sus vidas, el tiempo que llevan sin verse y la relación con sus parejas, ya que Edu tiene una novia llamada Alicia (Marta Méndez) y Ara un novio de nombre David (José Fernández)

El guionista, director y dramaturgo, Mario Hernández, se tituló en Dirección y Guion Cinematográfico por el Centro de Estudios Ciudad de la Luz en Alicante en el año 2011 y se graduó con el cortometraje “Reina de corazones”, al que han seguido “A los ojos” 2015, “Por Sifo (Slow Wine) 2016, “Vientos del pueblo sirio”  y “Salvo el crepúsculo” 2017. Finalmente debuta en el largometraje con “Tregua(s) 2023.

El cine y el teatro abrazando una historia de amor diferente. La extraña relación entre un guionista y una actriz, infieles a sus respectivas parejas, mientras ellos, en sus escapadas secretas, se dispensan amor carnal y enfrentamientos dialécticos por igual, en un vínculo o “juego” que dura algo más de una década. Encuentros furtivos por los que desfilarán los celos, las envidias, la tensión sexual, amores y desamores, tristeza y alegría, pensamientos del pasado y presente, miedos al paso del tiempo, miradas cómplices y otras desde la distancia, que te hacen pensar; sin olvidar la nostalgia, que rodea a toda la narración. Conversaciones que saben median entre los actos más sexuales, bajo el examen “indiscreto” del objetivo de una cámara que persigue la intimidad emocional y sexual. Una historia ágil, fresca, divertida en algunos momentos y reflexiva en otros.

El filme está rodado prácticamente en interiores, partiendo de la habitación en la que los amantes se reencuentran, pasando por el único momento en el que ambos se separan, él asistiendo a la conferencia y ella, al estreno de la película en la que ha intervenido; la barra del bar en la cual se tratarán como desconocidos o las parrafadas en la terraza junto a la piscina, todo ello bajo la atenta mirada de Alex Bokhari, con su excelente fotografía, que dentro de la sencillez que presenta el filme, logra transmitir lo que las palabras no son capaces de expresar, entre correctísimos encuadres y una elegante iluminación.

Un filme modesto, pero atractivo en el que la palabra, cobra su mayor protagonismo y al que yo dividiría en cuatro partes: 1) Reencuentro, 2) Confidencias, 3) Estreno y conferencia y 4) Resolución. Una historia que navega entre el glamour, el amor complaciente y la soledad, las verdades y las mentiras, la libertad y el miedo al compromiso real, generosamente ofrecidos por Bruna y Salva, en dos magníficas interpretaciones, al convertirse en los dueños absolutos de la escena, aunque desfilen brevemente algunos secundarios.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de septiembre.

REPARTO: Bruna Cusí, Salva Reina, Abril Montilla, José Fernández (III) y Marta Méndez.

PRODUCTORA: Sierra Gador Producciones// La Cochera Producciones// Treguas la Película.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA:Syldavia Cinema. 

miércoles, 31 de agosto de 2022

AQUÍ ME RÍO YO: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Italia y Francia, Aquí me río yo está dirigida por Mario Martone compartiendo guion con Ippolita Di Majo. “La otra cara del teatro”

Las tablas de un escenario nos invitan a disfrutar de una obra que ya está siendo representada y en donde el público espera la presencia del gran comediante Eduardo Scarpetta (Toni Servillo), que interpreta en la función a Felice Sciosciammocca. Cuando Eduardo entra en escena, el público le ovaciona y ríe a carcajadas. Estos primeros minutos, serán el preámbulo que dará paso a la biografía de este gran cómico y dramaturgo napolitano, mostrándonos su vida personal, artística y principalmente el conflicto que alteró su carrera. 

El guionista y director, Mario Martone, es fundador de las compañías teatrales “Falso Movimento” y “Geatri Uniti”. Ha dirigido los teatros públicos de Roma y Turín. En el cine debutó con el cortometraje “Nella città barocca” 1985 y en el largometraje  con “Muerte de un matemático napolitano” 1992. Otras de sus películas son “Rasoi” 1993, “El amor molesto” 1995,  “Teatro de guerra” 1998, “Lulu” 2001, “L`odore del sangue” 2004, “Noi credevamo” 2010, “Il giovane favoloso” 2014, “Capri-Revolution” 2018, “Il sindaco del Rione Sanità” 2019 y “Aquí me río yo” que llega ahora a nuestras pantallas. Ha dirigido los cortometrajes: “Antonio Mastronunzio pittore sannita”, “Miracoli, storie per corti”  y “L´unico paese al mondo” todos en 1994, “La meditazione di Hayez” 2011, “Pastorale cilentana” 2015. En cuanto al documental ha dirigido “Veglia” 1993, “Una storia Saharawi” 1996, “Badolato, 10 dicembre 1995. Per Antonio Neiwiller” 1996, “Appunti da Santarcangelo” 1998 y “Caravaggio, l´ultimo tempo” 2005. Los documentales “Una disperata vitalità” 1999, “Un posto al mondo” 2000, “Nella Napoli di Luca Giordano” 2001 y “Operette morali” 2011, también cuenta con los telefilmes “Perfidi incanti” 1985, “Il Desiderio preso per la coda” 1986, “Finale di Partita” 1996, “I dieci comandamenti” 2001 y “La traviata” 2021 y finalizo con el documental para televisión “Luciano Amelio/ Terrae motus” 1993 y un episodio de la serie “Alfabeto italiano” 1998.

Comenzaré esta reseña con los dos pesos pesados de la obra, por un lado con el actor que tantos buenos momentos y trabajos nos ha dado a lo largo de su extensa filmografía, Toni Servillo. Una vez más, con sus expresiones corporales y faciales, nos regala un selecto abanico de registros, haciéndonos partícipes de sus estados de ánimo e incluso, en medio de los instantes de reflexiones internas que mantiene en silencio, como apartado del resto, pero nunca tan presente, pues aun estando rodeado de su numerosa prole, entre gritos, voces, risas, cánticos e ir y venir, la mirada nos lleva hacia él, presintiendo su soledad, su aislamiento, buscando la manera de salir del incidente que le han provocado y, lo más importante, sabiendo captar la atención del espectador. Las escenas, en las que no falta un detalle, parecen desvanecerse cuando ese ojo furtivo, el de la cámara, se detiene en él y es aquí donde hablaré del director Mario Martone, ya que hace gala, una vez más, de su amor por el teatro dando buena cuenta de cuanto acontece delante y detrás del escenario, que no es otro que el de la propia vida, pues el drama y la comedia son fieles compañeros en nuestros viajes. Una dirección tan delicada, que apenas somos conscientes de ella. 

Una historia basada en la biografía de un importante cómico y dramaturgo que vivió en  Nápoles entre los años 1853/1925. Años en los que los cines y los teatros gozaban del favor del público llenando las salas en busca de entretenimiento. Eduardo Scarpetta, era un hombre tranquilo, amante del teatro y de la familia. Disfrutaba de un elevado estatus social gracias, en gran parte, al éxito alcanzado con su única obra original “Miseria y Nobleza”, que representó en numerosos escenarios, siempre con llenos absolutos, pues las demás piezas fueron adaptaciones de obras francesas y algunas parodias.

Como suele suceder, cuando alguien alcanza la popularidad y el beneplácito del público, surgen las envidias, los celos y esos lobos hambrientos que permanecen al acecho, esperando el momento de debilidad para atacar. Eso le sucedió a Eduardo cuando se atrevió a parodiar la obra “La hija de Iorio”. Una tragedia pastoril en tres actos escrita por el dramaturgo Gabriele D´Annunzio y por la que fue denunciado, acusándole de plagio y llevando su caso a los tribunales de Nápoles. La escena final del juicio, no tiene desperdicio.  

Reconozco que he disfrutado con este filme de principio a fin que cuenta, además de lo ya mencionado, con una exquisita fotografía del maestro Renato Berta, la precisa dirección actoral, los cuidadísimos escenarios y la magnífica puesta en escena; y digo que he disfrutado, pues el teatro es otra de mis debilidades y cuando ambas disciplinas se alían, teatro y cine, el placer es absoluto; pero también soy consciente de que tal vez, abusa del metraje y del número de canciones que ha insertado a lo largo de la obra, que aunque algunas apoyan a la narración, de otras podría haber prescindido y con ello potenciar cierta agilidad al filme, que no le hubiera venido mal. Pero como siempre, es una apreciación muy personal. Lo que sí aseguro es que el público va a pasar algo más de dos horas, entretenido. 

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de junio. 

REPARTO: Toni Servillo, María Nazionale, Cristina Dell´Anna, Antonia Truppo, Eduardo Scarpetta, Paolo Pierobon, Lino Musella, Roberto De Francesco, Giovanni Mauriello, Chiara Baffi, Roberto Cacioppoli, Lucrezia Guidone, Elena Ghiaurov, Gigio Morra, Gianfelice Imparato, Iaia Forte, Greta Esposito, Alexxandro Manna, Marzia Onorato y Salvatore Battista.

PRODUCTORA: Indigo Film// Tornasol Films// RAI Cinema

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Syldavia Cinema.

viernes, 5 de agosto de 2022

MARIA CHAPDELAINE: CRÍTICA DE CINE

Maria Chapdelaine, está escrita y dirigida por Sebastien Pilote adaptando la novela de Louis Hémon. “Quizás el progreso haga calles rectas, pero los caminos tortuosos son los del talento”

Corre al año 1910 al Norte del lago Saint-Jean, en Pekuakami, cerca del río Péribonka, próximo a la frontera. En dicho lugar vive María Chapdelaine (Sara Montpetit), con su familia compuesta por su padre Samuel (Sébastien Ricard), su madre Laura (Héléne Florent) y sus hermanos: Alma-Rose (Charlotte St-Martin), Télesphore (Thomas Haché), Tit`be (Arno Lemay), Da´Bé (Xavier Rivard-Désy) y Esdrás (Enri Picard); en un terreno cerca del río Péribonka en el Quebec rural, el cual vemos cubierto de nieve y cascadas que auguran el fin del invierno. La familia vive  de la agricultura y de los animales que les proporcionan alimento.

A María le rondan algunos jóvenes, pero ella parece estar interesada por un cazador de pieles y leñador de espíritu aventurero, que tiene relación con los indios y pasa mucho tiempo fuera, François Paradis (Émile Schneider). El joven también parece interesado en María, al igual que lo está su vecino Eutrope Gagnon (Antoine Olivier Pilon). Durante el siguiente invierno, un joven norteamericano, que llega para vender las tierras que ha heredado, Lorenzo Surprenant (Robert Naylor), declara su amor a María y le ofrece las comodidades de vivir en una gran ciudad como Boston. 

El guionista y director, Sebastien Pilote, se graduó en Arte y Cine en la Universidad de Québec en Chicoutimi. Ha trabajado como programador en el Festival de Cortometrajes Regard sur le court métrage y como director de reportajes sobre asuntos públicos en la televisión. Su primer trabajo para el cine llegó con el cortometraje “Dust Bowl Ha! Ha!” 2007 y debutó en el largometraje con “El vendedor” 2011 para continuar con “Le Démantèlement” 2013, “La disparition des lucioles” 2018 y en este pasado 2021 estrenó “María Chapdelaine” que llega ahora a nuestras pantallas.

María Chapdelaine fue escrita por Louis Hémon en el año 1913. El autor en aquellos tiempos residía en Quebec y la novela estaba dirigida a los jóvenes franceses y quebequenses alcanzando tal éxito, que se incluyó como novela de obligada lectura en las escuelas. Se ha llevado al cine en tres ocasiones, además de la que ahora nos presenta Sebastien Pilote, que se convierte en la mejor de las adaptaciones con nacionalidad canadiense y  una duración de 158 minutos. Los filmes anteriores fueron “María Chapdelaine” 1934 de Julien Duvivier cuyo metraje no superó los 77 minutos (nacionalidad francesa). “María Chapdelaine” 1950 de Marc Allégret con una duración de 100 minutos (franco-británica) y “María Chapdelaine” 1983 de Gilles Carles, con sus 107 minutos de metraje (quebequense). La obra también se ha adaptado al teatro, radio-novelas, novelas ilustradas y series de televisión.

El filme ha sido dividido  en 5 capítulos: 1.- Ite Missa Est. 2.- Vamos a darte una tierra. 3.-Las fiestas. 4.- Los pretendientes y 5.- La Partance. La obra arranca con la imagen de María subida sobre el trineo que conduce su padre Samuel a través de un bosque nevado. Ambos llegan a la vivienda familiar y es cuando el director nos deja claro que nos ha preparado una historia clásica en su ejecución, lenta en su desarrollo y dramática en cuanto a la narración en sí; por tanto es cuestión de acomodarse en la butaca y dejarnos llevar por ese mundo que poco a poco nos va envolviendo, quizás demasiado poco a poco, pues la calma, aun siendo una de sus señas de identidad, también la condena, desesperando al espectador como lo hace con la propia protagonista. Es el reflejo de un tiempo pasado en el que las prisas no tenían razón de ser, en el que la naturaleza marcaba la vida y los tiempos a los hombres y en donde los hombres, se dividían entre quienes soñaban con estar rodeados de espacios sencillos y naturalistas en contraste con aquellos que ya disfrutaban de los privilegios de los primeros avances que se hallaban en las ciudades, surgiendo el debate entre lo tradicional frente al progreso, de vivir en el campo austeramente o en la ciudades con sus comodidades y actividades de ocio, sin olvidar que en el campo el trabajo cada vez resultaba más duro y menos provechoso mientras que las ciudades cubrían las necesidades de sus habitantes. 

Una historia que nos lleva al comienzo del siglo XX en Canadá, ofreciéndonos la vida de los taladores de árboles que utilizaban la madera para construir nuevas cabañas, crear utensilios, mantener el fuego del hogar y aprovechar para robar terreno al frondoso bosque. Los agricultores que explotaban la tierra con azada en mano y sembrando para obtener los productos deseados o la ganadería, convirtiéndonos en observadores del cuidado de los animales y su ordeño. Trabajos duros a desempeñar desde que despuntaba el día hasta el ocaso, pasando por las diferentes estaciones y alejados de la civilización, con el sueño de echar raíces.

Para finalizar comentaros que cuenta con correctas interpretaciones que ante la casi ausencia de diálogos, pues la obra es parca en ellos, despunta por las expresiones faciales y corporales, destacando a Sara Montpetit, que interpreta a la protagonista. Mención especial merece la fotografía de Michel La Veaux, retratando el ambiente pastoril en cuidadísimas postales.

“No está bien visto que las mujeres sufran por hombres con los que no se han comprometido oficialmente”.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de agosto

REPARTO: Antoine-Olivier Pilon, Sébastien Ricard, Robert Naylor, Danny Gilmore, Hélène Florent, Gilbert Sicotte, Marin Dubreuil, Émile Schneider, Charlotte St-Martin, Gabriel Arcand, Henri Richer-Picard, Sara Montpetit, Xavier Rivard-Désy, Arno Lemay y Thomas Haché.

PRODUCTORA: Item 7// Multipix Management.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Syldavia Cinema.  

jueves, 1 de julio de 2021

EL ROBO DEL SIGLO: CRÍTICA DE CINE

El Robo del Siglo, está dirigida por Ariel Winograd con guion de Alex Zito y Fernando Araujo. “Pensamos que están, pero ya no están”.

Es el 10 de Enero de 2005. Vemos a Fernando Araujo (Diego Peretti), pintando un cuadro, atendiendo a su pareja, regando las plantas y dando clases de karate. Una noche de lluvia, un coche a gran velocidad, le empapa de agua. Tira al suelo el cigarrillo mojado y le sigue con la mirada, mientras el agua lo arrastra calle abajo, hasta perderse en un agujero. Al darse la vuelta, ve un edificio con un letrero: BANCO RIO. Tras seguir el cauce del agua por las calles y las diferentes placas del alcantarillado, llega a un puente, por donde pasa el río. Es en ese momento, cuando se le ocurre la brillante idea.

Un amigo en común, le pondrá en contacto con un ladrón profesional que tiene dinero suficiente, para preparar el atraco. Él es Luis Mario Vitette Sellanes  (Guillermo Francella) a quien veremos como realiza un robo con suma elegancia. Entre los dos formarán un equipo de cinco personas, con el que darán el golpe del siglo: Antonio DeBauza “Doc” (Mariano Argento),  Alberto de la Torre “Beto” (Rafael Ferro) y Sebastián García Bolster “Marciano” (Pablo Rago)

El polifacético guionista, productor, actor y director, Ariel Winograd, se graduó en La Universidad del Cine, como Director. En el año 1999 debutó con el cortometraje “100% lana”, continuando con otros cortometrajes como “Dracool” 2000, “Volare” 2001 y “Compañeros” 2002. En 2004 dirigió el documental “Fanáticos” y su primer largo de ficción llegó dos años más tarde con “Cara de queso”, a la que siguieron “Mi primera boda” 2011, “Vino para robar” 2013, “Sin hijos” 2015, “Permitidos” 2016, “Mamá se fue de viaje” 2017, “Tod@s caen” 2019, “¿Y cómo es él?, “El robo del siglo” y “Hoy se arregla el mundo” en el 2020. Para televisión ha rodado el telefilme “Dispuesto a todo” 2015 y la serie “Cómo sobrevivir soltero” 2020.

Cada determinado tiempo, nos llega a la gran pantalla un atraco o golpe del siglo y es que a través de la historia, han sido varios países los que han vivido y sufrido en sus propias carnes o debería concretar más y decir, en grandes entidades bancarias, un espectacular atraco. En esta ocasión, la narración nos lleva a la Argentina del año 2005, cuando Fernando Araujo, tuvo la brillante idea que ejecutaron unos meses más tarde, con gran imaginación y destreza. Una vuelta de tuerca, muy ingeniosa, que mantendrá al espectador pegado a la butaca, entre el suspense y las sonrisas.

He confesado, en varias ocasiones, que tengo cierta debilidad por el cine argentino y hasta la fecha no me ha defraudado y por supuesto, con “El robo del siglo”, he disfrutado mucho. Cuenta con una historia bien escrita, unas interpretaciones de primera fila, que poco hay que decir o mucho, de la calidad de las actrices y actores argentinos; convincentes  y naturales ante el objetivo indiscreto que les filma, para el deleite de los espectadores. Es por ello, que no me voy a decantar por ninguna interpretación en concreto, pues no solo nos conquistan con la credibilidad que destilan, sino que consiguen que dibujemos sonrisas en nuestros rostros y soltemos más de una carcajada. Felicidades a todos ellos y extensible a los grandes profesionales que están detrás de las cámaras.

El robo del siglo es un entretenimiento a la vez que ofrece un acontecimiento real, pues no podemos olvidar que los 5 detenidos pasaron por la cárcel con mayor o menor fortuna, como reza en los títulos de crédito. La condena más alta fue para Alberto de la Torre que cumplió 8 años, años durante los cuales estudió periodismo. Luis Mario Vitette Sellanes cumplió 7 años y no solo fue extraditado a Uruguay, sino que tiene prohibida la entrada en Argentina, curiosamente es dueño de una Joyería. Las penas menores fueron para Sebastián García Bolster “Marciano” que cumplió 1 año y 9 meses y en la actualidad sigue regentando su taller mecánico y  para terminar, quien ideó todo el robo, Fernando Araujo, que estuvo 1 año y 7 meses; él también continúa con su profesión de artista plástico.  Nunca se supo el montante del botín, pues las estimaciones varían entre los 8 y los 25 millones de Dólares. Lógicamente, la obra no está exenta de crítica a la labor de los fiscales corruptos y al propio sistema.

Hay que destacar la magnífica puesta en escena, la cuidada fotografía de Félix Monti, con planos muy originales, con los que logra sorprender y hasta contestar a las preguntas que el espectador se pueda hacer respecto a cómo, por ejemplo, abrieron el túnel, para llegar hasta la caja fuerte. Imágenes que con mayor o menor veracidad sobre los hechos, serán expuestas de un modo sencillo y brillante, causando un curioso impacto visual. Y por supuesto, la banda sonora de Darío Eskenazi, quien ha sabido combinar de forma interesante, su partitura, con otros temas clásicos y rock. Música que os dejo al final de esta reseña. El filme, además, cuenta con un buen ritmo, pues en todo instante está sucediendo algo  y cuando no es así, serán los chascarrillos los que tomen su relevo.

 “En barrio de ricachones, sin armas ni rencores, es solo plata y no amores”

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Julio.

REPARTO: Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Johanna Francella, Iván Steinhardt, Magela Zanotta, Mario Alarcón, Pochi Ducasse, Paula Grinszpan, Juan Tupac Soler.

PRODUCTORA: AZ Films// MarVista Entertainment// Telefé.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema.

BANDA SONORA

“You Really Got Me” por The Kinks, “Frülingsstimmen op. 410 (Voices of Spring)” por Johann Strauss II, “Uno, dos, ultraviolento” por Stuka, “Just You” por Julián Minckas (Mingo), “Nice ´N´Easi” por Frank Sinatra, “Como caramel de limón” por 2 minutos, “Feliz cumpleaños” por Hill Patty Smith, Hill Mildred J. y DP, “Alta Suciedad” por Andrés Calamaro.

sábado, 17 de octubre de 2020

ANE: CRÍTICA DE CINE


ANE
está dirigida por David P. Sañudo compartiendo guion con Marina Parés.

Estamos en Vitoria en 2009. Conoceremos a Lide (Patricia López Arnaiz), separada de Fernando (Mikel Losada), con quien tiene una hija, Ane (Jone Laspiur). Lide trabaja como vigilante en el turno de noche, en las obras que se están efectuando del tren de alta velocidad (TAV). Durante una de las guardias, sufre un pequeño atentado en la garita en la que se encuentra, apagando el fuego con un extintor. Al llegar a casa prepara el desayuno para ella y su hija, pero su hija no está durmiendo. Está acostumbrada a que pase fuera alguna noche, pero cuando transcurre un día sin aparecer, se alarma y contacta con su ex marido para ir a buscarla. Una búsqueda en la que descubrirá quien es en realidad su hija.

Para su primer largometraje David ha centrado su historia en Euskal Herria en el año 2009, en una atmósfera que gira en torno a la construcción del TAV, creándose conflictos sociales, manifestaciones, violencia en las calles, expropiaciones, detenciones, cargas policiales y un largo etcétera con dos protagonistas muy diferentes, por un lado una madre que trabaja como vigilante en las obras de TAV y del otro, su hija, una activista en contra de dichos trabajos. Un filme rodado en las ciudades de Llodio, Vitoria, Baiona y St Jean Piede de Port.

El productor y director, David P. Sañudo, se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universidad Carlos III de Madrid, con estancias en Università di Roma Tre y Middlebury Collage. Ha realizado Master en Dirección Cinematográfica en ESCAC. Fundó junto a Luis Espinosa la productora Amania Films, en el año 2012, cuya sede se encuentra en Vitoria. Su primer cortometraje fue “Indirizzo” 2011 al que han seguido “Agur” 2013, “Malas vibraciones” 2014, “Artificial” 2015, “Tiempos muertos” y “Aprieta pero raramente ahoga” 2017, “Ane” 2018 y “Un coche cualquiera” 2019. Ha dirigido la miniserie “Alardea” 2020 para la ETB y este mismo año, nos ofrece su ópera primera en el largometraje “ANE”.

“Ane” es un filme pequeño en cuanto a presupuesto, pero potente en el contenido. Ha sido rodado en euskera, salvo algunos personajes que hablan, brevemente, en castellano. Desde los primeros planos, viendo a Lide trabajando dentro de la garita-contenedor y escuchando la primera explosión, hasta ese final esperanzador e incluso doloroso, la obra nos muestra todo un abanico de asuntos sociales y familiares. David logra mantener la atención del espectador con imágenes potentes y diálogos cortantes, como cuchillas; tomando como protagonista a esa mujer, Lide, de la que muy pronto sabremos todo sobre ella o al menos, lo que se nos quiere mostrar. Es una madre coraje, separada de un hombre que vive con su madre, y al cuidado de una  hija adolescente que pasa todo el día en la calle e incluso, sin ir a dormir a casa. Elementos con los que David, va trazando una historia de maternidad, violencia, resignación, soledad, atentados y los enfrentamientos generacionales entre las dos mujeres. De nuevo, las relaciones y choques entre una madre y una hija, toca la gran pantalla, siempre desde perspectivas diferentes, dependiendo de las décadas en las que se desarrolla la acción, como ejemplo tenemos  "La niñas" de Pilar Palomero. Una obra que nos habla de los silencios y de las miradas, de la comunicación y la falta de la misma, de los deberes y obligaciones, de los pensamientos que creemos escuchar en el mutismo de Lide y del ambiente enrarecido a través de los conflictos que les rodean. Una película oscura, de un tiempo pasado que no lo parece tanto.

A destacar, por un lado, el uso de la cámara con la que David nos adentra en la historia, en ese drama familiar y social que desea y logra narrar con gran acierto, apoyándose en la impactante fotografía de Víctor Benavides y la banda sonora de Jorge Granda, y del otro lado, la gran interpretación de Patricia López Arnaiz, que no precisa de la palabra, para que sepamos que siente y desea transmitir.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Octubre

REPARTO: Patricia López Arnaiz, Mikel Losada, Jone Laspiur, Aia Kruse, Luis Callejo, Nagore Aranburu, Gorka Aguinagalde, Fernando Albizu, David Blanka, Iñaki Ardanaz, Miren Gaztañaga, Lander Otaola, Karmela Larrinaga, Ane Pikaza, Amaia Lizarralde, Eric Probanza, Gaizka Ugarte, Lorea Ibarra y Karlos Aurrekoetxea.

PRODUCTORA: Amania Films// Departamento de Cultura del Gobierno Vasco, ETB// Televisión Española (TVE)

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema.

domingo, 11 de octubre de 2020

CARTAS MOJADAS: CRÍTICA DE CINE

El documental, CARTAS MOJADAS, está dirigido y escrito por Paula Palacios. “Ni este es el último viaje, ni estas son las últimas heridas”

Una obra narrada en la voz de una niña, la cual nos comenta que habían sido informadas de que el viaje sería sencillo,  pues Europa estaba cerca, en Lesbos y  que desde allí, llegarían a Alemania con suma facilidad, por lo que su madre y ella, como otras tantas familias, emprendieron el camino, convirtiéndose en tortuoso y duro viaje. Muchas de esas familias quedaron separadas y muchas de esas madres, escribieron cartas, que nunca llegaron a su destino. La pequeña decide contarnos su propia historia y la su madre, que considera que es la de todos.  Un viaje pasando por: París (Francia),  La Valetta (Malta), Pozzallo (Italia), Beni Walid (Libia) o “Trípoli” (Libia) 

Entre 2014 y 2016,  en los 9 kilómetros que distan entre Turquía y Grecia, se cobró la vida de muchas personas y dividió familias enteras, convirtiéndose en la mayor ruta migratoria hacia Europa, de la historia.

La directora y guionista, Paula Palacios, Trabaja entre Madrid y Paris, estudió Comunicación Audiovisual y tras finalizar sus estudios, realizó un Erasmus en París especializándose en Cine. En 2010 dirige su primer documental “Mujeres sin pausa” a los que han seguido “New Walls” 2012, “The Last Hunter” 2013 y “Ali`ens: Somalis in transit” 2013. Los cortometrajes “Promises Halimo Can`t Keep” y “La carta de Zahra” 2017 y regresa al largometraje con “Cartas Mojadas” 2020.

El documental, además de los testimonios que escucharemos y de los momentos trágicos que se viven a bordo de diferentes barcos, se centra en las cartas de madres que escribían a los seres queridos que se habían quedado en Irak, como si de diarios de a bordo se trataran, narrando la travesía en las pateras, las condiciones en las que se encontraban afinados, los enfermos y muertos con los que tenían que convivir y en los lugares a donde llegaban, en algunos de los cuales, sufrían torturas y explotación.

Un filme desgarrador y realista que Paula sitúa en diferentes escenarios, principalmente en dos barcos, el primero el de salvamento de la ONG Open Arms, que vivió una de las misiones más sobrecogedoras, rescatando a 550 personas y el otro, desde el barco de rescate Aquarius, quien tuvo que lidiar con los turcos, cuando en 2016 se llegó a un acuerdo entre Europa y Turquía, que hizo casi imposible la llegada de migrantes a Grecia.

La directora combina con acierto y temple, las imágenes tomadas desde el interior del barco Open Arms y las de tierra firme, en París. Ciudad francesa en la que se libraba otra batalla, el abandono de los migrantes sin saber dónde poder refugiarse y las persecuciones por las fuerzas del orden, para que abandonasen los parques y espacios en los que se asentaban. Será en esa ciudad, entre todos esos migrantes, cuando Paula se detiene para escuchar unas palabras de cariño y pesar que una mujer embarazada está escribiendo en un folio: “Te contaré toda la historia cuando vengas a este mundo. Espero que puedas ir a un buen colegio y veas y entiendas este mundo algún día, porque yo no lo entiendo” Frases de una mujer que al igual que otras, había sido vendida en su lugar de origen, logrado escapar.

Paula nos ofrece un impagable documento dirigido desde el mismo corazón de los hechos, con una fotografía impactante y así hacernos testigos de la labor humanitaria que llevan a cabo algunas ONGs, incluso con riesgo para la vida de estos hombres y mujeres, por salvar a inocentes que se lanzan al mar en pateras, buscando un lugar para vivir y salir del horror del hambre, las guerras, la esclavitud y la muerte. Los barcos de las ONG,s europeas, eran la única esperanza de rescate para las pateras de migrantes que iban a la deriva.

Un documento que considero imprescindible y de obligada visión, el cual ha obtenido el Premio del Público de la Sección Oficial de Documental de la 23ª edición del Festival de Málaga y en la 25ª edición  del Festival de Ourense se alzó con  el mismo premio, además del Premio CIMA y una Mención Especial del Jurado.

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Octubre

PRODUCTORA: Morada Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema.

miércoles, 28 de agosto de 2019

LA NOCHE DE LAS DOS LUNAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Venezuela y España, La noche de las dos lunas, está dirigida por Miguel Ferrari y comparte guion con  Lupe Gehrenbeck.

Federica (Prakriti Maduro) es una joven soltera, que desea tener un hijo y se lo propone a su mejor amigo gay, Ubaldo (Albi de Abreu). Ubaldo, en un principio se opone, pero luego, por el cariño que le profesa a Federica, acepta concebirlo a través de la inseminación artificial. Al cabo de tres meses y por una prueba a la que se tiene que someter, descubre que el bebé que lleva en su interior, no es el de ella. Hubo un error y el óvulo fecundado pertenece a otra mujer. Federica vive con su madre, Eva (María Barranco) actriz en otros tiempos y que se pasa el día viendo películas. Eva será un gran apoyo para su hija, cuando las cosas se ponen mal.
Investigando quien puede ser la madre, dan con Fabiola (Mariaca Sempún),  cantante que está casada con un importante empresario, Alonso (Luis Gerónimo Abreu). Durante una actuación, Fabiola pierde el hijo que espera y cae en una gran depresión. Cuando menos se lo espera, Vázquez (Juan Jesús Valverde) el ginecólogo que llevó a cabo la reproducción asistida de ambas mujeres, le comunicará que su verdadero hijo, está en el vientre de otra mujer.
Un exquisito drama o como dirían los venezolanos, un culebrón en toda regla, pues su director y guionista, es conocido actor de  telenovelas en su país. Una obra muy interesante y emotiva, que toca la fibra, en el espectador.
Miguel Ferrari, estudió en la Escuela Nacional de Teatro en 1986, ese mismo año actuaría en la obra “María Pineda” en el Teatro El Ateneo de Caracas. El gusanillo del teatro le llevó a otras representaciones y posteriormente saltaría a la televisión en telenovelas como “Piel” 1992 interpretando a Agustín (Marte Televisión), “La soberana” 2001 en el papel de Benedicto (RCTV) o “Mi ex me tiene ganas” 2012 como Jaime Cordero (Venevisión) por nombrar una de cada cadena con las que ha trabajado. En España participó en “Los hombres de paco” 2010. Mientras ejerce su profesión, continúa formándose y se viene a Madrid, estudiando Dirección de Cine en la Escuela de Cine y Televisión Septima Ars. En 2011 participa en “Cortos Interruptus” junto a otros realizadores y un año más tarde, realizará su ópera prima “Azul y no tan rosa” ganando el Goya  en 2013 a Mejor película hispanoamericana. Ahora, tras otros trabajos, nos llega este delicado e intenso drama “La noche de las dos lunas”

Para quienes aún no lo sepan y aunque por internet hay mucha información, en la reproducción asistida se emplean diferentes técnicas, según los problemas o circunstancias por los que atraviesan las diferentes parejas o mujeres, ya que cada vez son más las mujeres solteras, que desean tener un hijo sin la necesidad de mantener sexo con un hombre. Un buen amigo, como es en el caso de la película o un banco de esperma, es la solución al problema y al deseo de ser mamá.  Entre esas técnicas de las que os hablaba,  están la inseminación artificial o la fecundación in vitro, entre otras posibilidades.

En este filme Ferrari, no se limita a hablar de la inseminación artificial, sino que también tocará otro de los grandes temas, las adopciones. Miles de niños en el mundo, están deseando  tener un papá y una mamá, dos mamás, dos papás o individualmente un hombre o una mujer. Las posibilidades todas, en la sociedad que vivimos. En esta ocasión, es la historia de un matrimonio que no pueden tener hijos de forma natural y la de una chica joven, que desea ser madre soltera. Ya de entrada, contar estas dos experiencias para traer vida al mundo, resultan más que interesantes, pero Ferrari lo quiere complicar aún más con el extraordinario guion que comparte con Lupe Gehrenbeck, yendo un poco más lejos. ¿Qué sucedería si el semen introducido en el útero de una mujer, no es de su pareja, sino de otro donante? Y vamos más allá ¿Qué ocurriría si una de esas dos mujeres, pierde el hijo soñado y se entera que en realidad el niño que llevaba en su interior no contenía el ADN de su marido?

Ferrari, como he comentado, no solo escribe, sino que realiza un filme con una gran fuerza dramática, con una historia que atrapa al espectador desde la elegancia y delicadeza, donde los sentimientos y las emociones están a flor de piel. Parte de esas emociones, sentimientos y elegancia, se muestran a través de la sutil fotografía de Alexandra Henao y abrazada por  la intensa banda sonora en la partitura de Sergio de la Puente. Un filme donde la maternidad cobra toda su naturaleza.

Y claro está, si hablamos de embarazos y  del poder de la maternidad, no podemos olvidarnos de las dos grandes actrices que dan vida a Federica y Fabiola. Prakriti Maduro y Mariaca Sempún. Ambas resultan tan creíbles que duele el alma cuando se conocen sus historias y se las acompaña en el día a día, entre el sufrimiento, las alegrías, la sensación de vacío, la esperanza por traer a la vida un ser a quien amar, lo sueños rotos y...  Dos mujeres íntegras a las que no hay nada que reprochar, aunque por momentos te decantes por una u otra.
Sabéis que me gusta dejar siempre alguna frase que me ha llamado la atención durante el metraje. Hoy quiero recordar una propia que escribí hace tiempo: "Un filme delicado como el batir de las alas de una mariposa" y una que se escucha en la voz de la secretaria de la empresa donde trabaja Alonso, el empresario “Las llamadas que no se contestan van a un lugar llamado, miedo”

Mi nota es: 8
 
ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Agosto
REPARTO: Prakriti Maduro, Mariaca Semprún, María Barranco, Luis Gerónimo Abreu, Albi De Abreu, Juan Jesús Valverde, María Cristiana Lozada, Héctor Manrique, Claudia La Gatta, Carolina Torres, Nohely Arteaga, Aminta de Lara, Sócrates Serrano, Orlando Delgado y Hilda Abrahamz.
PRODUCTORA: Malas Compañias P.C. S.L.// Plenilunio Film & Art// Passion Home// Uncover Cinema S.L.// TRES Cinematografía// REC 2000// Raca Media.
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sydavia Cinema.

miércoles, 19 de junio de 2019

ESTO NO ES BERLÍN: CRÍTICA DE CINE


Esto no es Berlín, está dirigida por el mexicano Hari Sama compartiendo guion con Rodrigo Ordoñez y Max Zunino.

Carlos (Xabiani Ponce de León) tiene 17 años, su mejor amigo es Gera (José Antonio Toledano), quien tiene una hermana, Rita (Ximena Romo). Carlos siente atracción por Rita, pero ella está interesada en el líder de la banda en la que es vocalista.

Un día Carlos ayuda a la banda a arreglar un teclado y Rita tiene que cumplir su promesa, creyendo que él no sería capaz de realizar dicho trabajo, introducirles en un club nocturno clandestino “El Azteca”, donde descubrirá, junto a su amigo, un mundo muy diferente a la realidad en la que ha estado viviendo.

Es el año 1986, días antes, durante y hasta  la final del Mundial de Fútbol en México, como telón de fondo, donde Argentina derrotó a Alemania Federal y proclamándose Maradona, como el mejor jugador. Pero el fútbol no son los temas principales que desea mostrarnos su director Hari Sama, sino la realidad de una juventud en unos años convulsos, en una década, junto a los setenta, que marcó un antes y un después a nivel prácticamente mundial en lo social, político, económico y cultural.

 El director mexicano, Hari Sama, se licenció en Cine en el Centro de Capacitación Cinematográfica y composición musical en el C.I.E.M. Debutó con su largometraje “Sin ton ni Sonia” 2003, en 2012 estrenó “El sueño de Lu”, al que le siguieron “Despertar el polvo” 2013 y el documental “Sunka Raku: Alegría evanescente” en 2015.  Ahora, tras algunos cortometrajes entre medias de sus obras, nos llega con este demoledor, atmosférico y espléndido drama, que toca la realidad de una juventud en unos años que recordamos y vivimos de formas muy diferentes. Estoy seguro, que muchos espectadores se van a sentir identificados con los personajes o recordarán amigos que se fueron de forma trágica entre el alcohol, las drogas y las enfermedades como ese monstruo que surgió de las sombras llamado, Sida.

Aquí no se habla de las aventuras vividas por una juventud deseosa de mostrar al mundo sus nuevas ideas, que también, sino de tragedias familiares, de dolor y sufrimiento entre la luz y las tinieblas. De marcas que se quedan en el cuerpo y el alma. De venas rotas por la heroína inyectada, entre derrotados cuerpos agarrados a las tazas de wáter sucias y malolientes. De garitos que te sacaban de una realidad que no se deseaba vivir ante la rebeldía que la mente y el cuerpo experimentaba en unos años de juventud. Del Sida, como enfermedad mortal ante el desconocimiento de ella, del sexo libre, sin pensar en los roles como la bisexualidad, homosexualidad o heterosexualidad. El sexo fluía, mientras el amor huía. De gente simplemente divertida, como dice en un momento determinado una de las chicas a Carlos, mientras le pinta los ojos para irse de fiesta.

Un filme crítico con la sociedad y sobre todo con la juventud que imitaba lo que les llegaba de fuera, de ciudades como Londres, New York o el propio Madrid con su movida Madrileña. “¿Quieren ser artistas de verdad?... Dejen de copiar a los europeos… Esto no es Berlín”

Una obra donde Hari Sama se rodea de un grupo de actores jóvenes y desinhibidos, aportando frescura y naturalidad a cada escena, así como dramatismo y crueldad. Las preguntas van quedando en el espacio, algunas respondiéndose, otras esperando que sea el espectador el que intervenga, como las performances que nos recuerdan esos tiempos pasados y algunos presentes, en la manera de percibir el arte como manifestación de protesta y el grito de libertad revolucionario, que en nuestro país se vivió con intensidad tras la muerte del dictador y hasta finales de los 80.

Una película que a través de la rigurosa dirección, sin tabús, sin censuras, nos muestra los excesos de la juventud, tan atroz, desgarradora y visceral, con una extraordinaria ambientación retro, junto al arte inmerso, bajo la cámara en mano, siempre en movimiento e intercalando imágenes rodadas en B/N de super8, tal como lo hacen los personajes durante sus experiencias. Excelente fotografía en la mirada de Alfredo Altamirano.

Una obra invasiva para nuestras mentes, que nos deja un regusto esperanzador.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Junio

REPARTO: Xabiani Ponce de León, José Antonio Toledano, Ximena Romo, Mauro Sánchez Navarro, Klaudia García y Marina de Tavira.

PRODUCTORA: Catatonia Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema.

viernes, 5 de abril de 2019

7 RAZONES PARA HUIR: CRÍTICA DE CINE


Con guion de Esteve Soler, 7 Razones para Huir (de la sociedad) está dirigida por Gerard Quinto, David Torras y el propio Esteve Soler.
Siete historias que comprenden: 1) LA FAMILIA, donde un matrimonio desea matar a su hijo adulto, pero antes le explicarán los motivos de tal decisión. 2) LA SOLIDARIDAD, un matrimonio mayor que mientras ven la televisión, se les aparece un niño del tercer mundo. 3) EL ORDEN, en una escalera de vecinos, un hombre llama a una puerta con una simple pregunta. ¿Qué va después del 6? 4) LA PROPIEDAD, un agente inmobiliario enseña un piso a una mujer, con la idea de vendérselo, pero hay un pequeño detalle, en el despacho hay un hombre ahorcado. 5) EL TRABAJO, un matrimonio de clase alta, tiene bajo el suelo de su casa, a setecientos trabajadores en situación infrahumana. 6) EL PROGRESO, nos muestra a un hombre que ha sido atropellado por un tranvía y una mujer lo introduce en un garaje, intentado explicarle que no merece la pena llamar a una ambulancia y 7) EL COMPROMISO, donde la novia se cuestiona el verdadero significado de la frase “¿Juras querer y proteger a xxxx, en la salud y la enfermedad, la riqueza y la pobreza, hasta que la muerte os separe?”
Siete cortos en clave de humor macabro, llevándolos al extremo del surrealismo, sobre la sociedad que nos rodea. Una obra excesiva para hacernos reflexionar sobre los embarazos no deseados, el abuso a menores, el racismo, la importancia de la educación y adquisición de conocimientos, los desahucios y suicidios que surgen ante la imposibilidad de pagar una hipoteca, la explotación infantil y deshumanización, en el sector textil. La insensibilidad ante el dolor ajeno, y la importancia de las palabras y los hechos en el  compromiso y  en la unión de dos personas, que damos como naturales, sin pensar en el significado real de las mismas.
Esteve Soler ha escrito una obra difícil e incómoda. Muy incómoda pues ante ese surrealismo, ese humor doloroso, se esconde una verdad aún más cruel, que vemos, leemos y escuchamos cada día, quedándonos, muchas veces, impertérritos; porque quienes dirigen los hilos, segundo a segundo, minuto a minuto, día a día, mes a mes y año tras año, se han encargado de ello. En dosis pequeñas nos han “envenenado” y “hechizado”, sin ser conscientes del cuándo y cómo ha sucedido. Afortunadamente esas dosis de veneno, no han afectado por igual a todos y a todas.  
Un filme que se puede considerar políticamente y socialmente, incorrecto, pero muy lejos de esa realidad. Las sonrisas y algunas carcajadas se atragantan en nuestra garganta, cuando el cerebro es consciente de lo que está viendo y escuchando, expuesto con esa crueldad y hasta perversa naturalidad antinatural, ante tantas atrocidades que oscurecen nuestro planeta, día a día.
Impecable dirección por parte de los tres directores debutantes, impactante guion de Esteve Soler y correctísimas interpretaciones de cada uno de los actores y actrices, que nos hacen pasar por un trance embarazoso y muy incómodo, en una obra con claro signo teatral.
Mi nota es: 7
ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril
REPARTO: Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, Frances Orella, Álex Brendemühl, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Alain Hernández, Manolo Solo, Nuria Gago, Aina Clotet, Pepe Viyuela, Vicky Peña, Pol López, Borja Espinosa, Ramón Fontsenè, Àgata Roca, Rosa Cadafalch y Albert Ribalta.
PRODUCTORA: No Hay Banda// Producciones del Interior AIE
DISTRIBUIDOR en ESPAÑA: Syldavia Cinema.