LA AUTOPSIA DE JANE DOE: CRÍTICA DE CINE

          La autopsia de Jane Doe nos adentra en la morgue que Tommy Tilden (Brian Cox) regenta en los sótanos de su casa en Virginia, junto a su hijo, Austin (Emile Hirsch)

          Una noche cuando ambos están a punto de cerrar, reciben el cadáver de una chica, víctima de un crimen. Visualmente no presenta ninguna marca relacionada con su muerte, pero…

       

       Una película claramente dividida en dos partes. La primera exponiéndonos el lúgubre mundo de las autopsias, con toda clase de detalles, contando con una narrativa eficiente, donde los dos forenses nos hacen partícipes de los descubrimientos que la joven encierra en el interior de su cuerpo, y sintiéndose desconcertados por los resultados obtenidos. En la segunda, a medida que se manifiestan los secretos ocultos, liberan sin ser conscientes de ello, fuerzas sobrenaturales a la cuales deberán enfrentarse, sin saber cómo hacerlo, pues ambos se encuentran encerrados en dicho sótano, sin cobertura en sus móviles y sin saber que está sucediendo realmente.

          El finlandés, André Øvredal (Trollhunter), nos presenta una película tomando el nombre de Jane Doe, que se otorga a las mujeres cuyo cadáver no ha podido ser identificado, antes de una autopsia. Nos somete y controla además, con perfección, con un tiempo bien medido, los elementos imprescindibles para que el espectador se mantenga alerta, con los cinco sentidos: Por una parte la ambientación de la sala y los pasillos de dicho sótano, otra sin duda, las magníficas interpretaciones de Brian Cox y Emile Hirsch con los brillantes diálogos que brotan del guion de Ian B. Goldberg y Richard Naing, una tercera será la angustiosa banda sonora que traspasa nuestros oídos a cargo de, Danny Bensi y Saunder Jarriaans y terminaremos con aquella que golpeará nuestras retinas, la fotografía de: Roman Osin, que nos atrapará hasta el final.

          Estamos por tanto ante una película entre el suspense y el terror,  original en su planteamiento, con un dinamismo in crescendo y arropado en  una atmósfera que sobrecoge. Una primera mitad magistral y una segunda que nos lleva a un final estremecedor. Nunca una muerta, descubre tantos secretos.

          Recomendable para los amantes del suspense y el terror.

          MI NOTA es de 7,5

Estreno en España: 13 de Enero.

         REPARTO : Emile Hirsch, Brian Cox, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton, Olwen Kelly, Jane Perry, Parker Sawyers.

       
       PRODUCTORA: 42/ Goldcrest Films International / Impostor Pictures.

 

           DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films

(¿QUÉ?) MUDA: Crítica teatral

          “(Qué) Muda” viaja entre el drama y la comedia, como lo hacen las personas cuando cambian de lugar, de estado, de cultura...  Como lo hace nuestro ser cuando experimenta dolor o alegría. Esa muda es lo que nos aportará experiencias, mostrándose algunas físicamente y otras quedando en nuestro interior. ¿Pero debemos aferrarnos a todo, para realizar esa muda?

          ¿Qué  muda cuando cambiamos el suelo que nos sostiene… Con el pasar de las estaciones… Después de una guerra… Cuando un cuerpo ha sido mutilado, violado… Ante una situación límite...? ¿Qué muda con el nacimiento y la muerte?

          (Qué) Muda, nos cuenta la historia de varios personajes encarnados por Marisol Méndez y Pedro Fiorotto. Basada en experiencias vividas por la propia Marisol Méndez, así como de otras personas, tras la documentación realizada para la obra. Ambos están espléndidos en sus personajes, convincentes en sus diálogos, sus miradas y las expresiones corporales que transfiguran al actor en el personaje y al espectador lo convierte en cómplice o confesor, según sea necesario, llevándole a la reflexión sobre cada paso que damos, situación que vivimos e incluso lo que verdaderamente nos es preciso o no, para tomar las decisiones necesarias.

          Una obra donde se juega con las aplicaciones multimedia, conjugando lo audiovisual, la danza, la interpretación y la música en directo, para crear un mayor dinamismo y acercamiento a lo que nos están contando y el cómo; con una dirección correctísima, tanto actoral por parte de Susana Farías, como en la dirección general de Marisol Méndez.

          (Qué) Muda, se ha estrenado el 7 de Enero, llegando directamente desde Argentina para ofrecerse al espectador en ArtEspacio Plot Point de Madrid y se podrá disfrutar todos los sábados del mes de Enero, en horario de 20:00 horas. C/ Ercilla 29

Idea:                                                   Marisol Méndez

Dramaturgia:                                    Susana Farías y Marisol Méndez

Intérpretes:                                       Pedro Fiorotto, Marisol Méndez.

Músicos:                                           Pedro Fiorotto.

Voz en Off:                                       Ederson Miranda

Diseño Vestuario:                           Laura Degui

Diseño Luces:                                  Laura Degui

Realización Escenografía:             Sebastián Boado

Edición de Vídeo:                           Andrea Morasso

Vídeo:                                               Laura Degui

Proyecciones:                                  Ignacio Bernasconi

Producción:                                      Carola Parra

Supervisión Dramatúrgica:            Paula Carrio, Carola Parra.

Gráfica:                                           Paula Bustos.

Supervisión:                                     Ana Sánchez

Puesta en escena:                            Susana Farías, Marisol Méndez

Dirección de arte:                           Laura Degui

Dirección de actores:                     Susana Farías.

Dirección general                            Marisol Méndez

DIA DE REYES 2017

          

         Noche de risas, emociones, nervios y sorpresas.

         

        Noche mágica donde los mayores saben la verdad, pero juegan a volver a ser inocentes, como cuando eran niños.

          Noche rodeada de suspense, envuelta en cajas de papeles de mil colores, de mil dibujos, de mil formas, de mil…

          Noche donde los niños se retiran antes a la cama sin protestar, porque no quieren ser sorprendidos por sus amigos mágicos que llegarán puntuales a la cita, como cada año.

          Mañana donde los mayores esperan escondidos, ansiosos de escuchar en las voces  de los más pequeños, que han llegado los reyes y les han dejado regalos bajo el árbol, junto a las zapatillas al lado de la cama o en los rincones más próximos.

          Mañana donde los niños viven los instantes más excitantes, entre risas y gritos, buscando entre esas cajas de colores, los deseos pedidos en una carta enviada a un mundo mágico.

          Mañana donde el compartir se vuelve entrega desinteresada en miradas de cariño, de amor, de amistad… En miradas ofreciendo su verdad.

SILENCIO de MARTIN SCORSESE: CRÍTICA DE CINE

       Martin Scorsese regresa a la gran pantalla con una nueva película sobre La Fe, la tercera si contamos “La última tentación de Cristo” 1988 y “Kundun” 1997, ahora nos sorprende con “Silencio”

          Silencio, se desarrolla en la segunda mitad del siglo XVII, cuando los jesuitas portugueses reciben una carta comunicando que el padre Ferreira (Liam Neeson), ha apostatado mientras estaba de misionero en Japón, presionado por las torturas recibidas. Es entonces cuando dos jóvenes jesuitas: El padre Sebastiao Rodrigues (Andrew Garfield) y Francisco Garupe (Adam Driver) deciden viajar al país nipón para saber la realidad de lo sucedido, aun sabiendo a los suplicios que pueden ser sometidos, si son descubiertos.

          Ambos sacerdotes serán separados en un momento determinado y vivirán los tormentos y la violencia con la que los japoneses tratan a los cristianos extranjeros o del propio país, que se rebelan ante el régimen dictatorial que pretende eliminar las influencias occidentales.

          El sello indiscutible de Martin Scorsese convierte a SILENCIO en una obra reflexiva, donde tanto sus personajes como el espectador se cuestionan o se han cuestionado alguna vez, preguntas sobre su fe. Recordemos en La última tentación de Cristo, que el propio Jesús de Nazaret se debate entre cumplir su misión como hijo de Dios o vivir como un hombre más.

          En Silencio, Scorsese nos sumerge entre las dudas existenciales sobre Dios y con ello el debate interno de por qué Dios, no se pronuncia en determinados momentos o el por qué abandona a sus hijos que luchan por él… En definitiva, por qué ese tremendo silencio, cuando se le hacen preguntas sencillas.

          Una historia arriesgada por el tema en unos tiempos donde la fe no pasa precisamente por sus mejores momentos.

          Scorsese realiza un impecable trabajo en la dirección de actores, creíbles en cada uno de sus personajes. Destaco la magnífica interpretación de Andrew Garfield, que parece atravesar un gran año, pues no olvidemos que recientemente lo hemos visto en “Hasta el último hombre” de Mel Gibson.

          Los aspectos técnicos, de factura impecable, donde Rodrigo Prieto impacta con su soberbia fotografía, en cada escena, en cada secuencia, en cada plano; sobremanera en los abundantes primeros planos, donde las manos tienen gran importancia, todo ello en un montaje muy correcto.

          A mi juicio, muy personal, si un fallo he de atribuirle a la película, sería su excesivo metraje, 159 minutos lo considero demasiado tiempo para contar la historia que tenemos delante, aun deleitándonos con  la impecable ambientación.

          

          Recomendable para amantes del cine y particularmente para creyentes católicos.

          Mi nota por tanto es de 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de Enero 2017

REPARTO: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Ciarán Hinds, Tadanobu Asano, Shin`ya Tsukamoto, Ryô Kase, Sabu(AKA Hiroyuki Tanaka), Nana Komatsu, Yôsuke Kubozuka, Yoshi Oida, Issei Ogata, Ten Miyazawa.

PRODUCTORA: Coproducción EEUU - Italia - México - Japón; Cappa Defina Productions/ Cecchi Gori Pictures / Fábrica de Cine / SharpSword Films / Sikelia Productions / Verdi Productions / Waypoint Entertainment

DISTRIBUIDORA: DeaPlaneta.

TRAIN to BUSAN (Tren a Busan): CRÍTICA DE CINE

          Yeon Sang-ho en Train to Busan  nos ofrece una pieza meticulosa y espectacular, del género zombi.

          Sin duda estos personajes que ni aún muertos, desean descansar en paz y por el contrario llevarse al otro barrio a todo ser humano viviente que se encuentren en el camino, han cautivado durante décadas a los espectadores.

          Antes de continuar, confieso que salvo rara excepción, a mí me provocan sopor, pero he aquí que llega Yeon y me cautiva como lo hizo en su tiempo el gran maestro George A. Romero con su célebre “La noche de los muertos vivientes”

          Al igual que hiciera George, Yeon nos sumerge en el mundo de los zombis, un mundo apocalíptico con claras referencias  a los graves problemas sociales que vive en la actualidad, Corea del Sur.

          Train to Busan, nos narra las aventuras de Seok – Woo (Gong Yoo)  un alto ejecutivo divorciado y que presta poca atención a su hija Soo-an (Kim Soo-Ahn) por el exceso de trabajo. El día de su cumpleaños le trae un regalo idéntico a que  le había hecho durante otra celebración y ante la pregunta del padre sobre qué es lo que desea, la niña le pide que la lleve a ver a su madre, él accede viajando en un tren KTX desde una estación de Seúl,  hasta Busan.

          Antes de que el tren parta, los pasajeros se enteran por las noticias que están ocurriendo misteriosos y violentos acontecimientos por toda Corea.

          En el tren viajarán un grupo de deportistas con sus animadoras, una mujer embarazada junto a su antisocial marido, dos hermanas ancianas, un ser egoísta y controlador, un vagabundo y una chica que sube al tren en el último momento con una fuerte mordedura en una de sus piernas. Esta última viajera, desencadenará el caos en dicho tren. Los pasajeros buscarán la forma de sobrevivir,  brotando a flor de piel lo mejor y lo peor del ser humano en una lucha constante por resistir, salvar sus vidas y la de sus seres queridos, en un viaje que parece interminable para todos ellos y excitante para el espectador.

 Yeon Sang-ho posee un gran dominio de la dirección, con un guion propio, sobre lo que el espectador espera de una película de acción, de suspense y de terror, creando un ambiente claustrofóbico tanto dentro del tren, como en las escenas de exteriores. No da tregua al espectador, llevándole de un lado a otro, para que en ningún momento baje la guardia.

       El ritmo es frenético, con planos espectaculares, sobremanera los escabrosos primeros planos; escenas de gran impacto, la perfecta fotografía de la mano de Lee Hyung-deok, una soberbia banda sonora a cargo de Jang Young-Gyu... Todo en casi dos horas de espectáculo puro y duro. 

          Yeon Sang-ho nos cuenta la historia de siempre, bajo un prisma muy diferente y  con una dirección de actores totalmente creíbles, por encima de todos ellos, me fascinó la interpretación de la pequeña Kim Soo-ahn

          Mi nota es de: 8,5

          Muy recomendable para los amantes del cine de acción y del género zombi en particular.

          Estreno en España: 5 de Enero.

         REPARTO: Gong Yoo, Ma Dong-seok, Ahn So-hee, Kim Soo-an, Jung Yu-mi, Kim Eui-sung, Choi Woo-sik, Jung Kyung-mi, Shim Eun-kyung, Choi Gwi-hwa.

          
          PRODUCTORA: Next Entertainment World.

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films

LA ÚLTIMA CANCIÓN : CRÍTICA DE CINE

          Sean Mewshaw en su ópera prima, La Última Canción, nos presenta una comedia romántica, con tintes dramáticos

          Hannah (Rebeca Hall) vive apaciblemente en un pueblecito rodeado de montañas y nieve, en un retiro deseado tras la muerte de su marido, un aclamado cantante de folk. Desde Nueva York Andrew (Jason Sudeikis) realiza un estudio sobre las letras del último disco de dicho cantante y su extraña muerte, por lo que decide viajar y encontrarse con Hannah.

          Sean Mewshaw nos ofrece una dirección sencilla pero efectiva, con elementos del cine indie americano,  donde Rebeca Hall y Jason Sudeikis interpretan de forma notable a sus personajes, al igual que los secundarios que les acompañan.

          El guión de Desiree Van Til, muestra la realidad de una mujer encerrada en los recuerdos de su marido fallecido. Un conmovedor planteamiento de cómo afrontar el seguir adelante, sin la persona con quien compartía  todo, y más cuando entra en su vida un nuevo hombre, que en parte la obligará a enfrentarse a ese pasado, a sus miedos y a la necesidad de retomar el amor en el presente. Un atractivo guión con el defecto de ser muy previsible.

          La fotografía de Seamus Tierney desfilará por la gran pantalla rubricando cada escena y acompañada de la suave música de Daniel Hart y Damien Jurado.

          Mi nota es de 6,5

          Recomendable para nostálgicos románticos.

         

          Estreno en España: 30 de Diciembre

          REPARTO: Rebecca Hall, Jason Sudeikis, Joe Manganiello, Dianna Agron, Blythe Danner, Beau Bridges.

          PRODUCTORA:  Bron Studios / Echo Films

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Dea  Planeta.

VUELTA A CASA DE MI MADRE: CRÍTICA DE CINE

          Vuelta a casa de mi madre, nos adentra en la comedia familiar a través de la dirección del francés Eric Lavaine (Barbacoa de amigos)

          Stéphanie (Alexandra Lamy) se queda en paro tras declararse en quiebra la empresa en la que trabajaba. Sin recursos  económicos decide irse a vivir con su madre, Jacqueline (Josiane Balasko), una mujer de carácter, liberada de cargas familiares y con la vida organizada: Le gusta escuchar música de Francis Cabrel, jugar al Scrabble con su amiga por teléfono, salir a pasear, hacer compras y… guardar un secreto que desea compartir con sus tres hijos durante una comida: Stéphanie,  Carole (Mathilde Seigner) y Nicolas (Philippe Lefebvre) Será durante los preparativos de este almuerzo y el transcurso del mismo, cuando se desata todo.

El personaje más entrañable, espontáneo y centro de toda la historia es sin duda Jacqueline, donde Josiane borda a la protagonista con una sencillez y maestría que nos recuerda a esas mujeres que tras dedicar toda su vida a sus hijos y marido, desean experimentar una segunda juventud, donde las palabras sentencian o te hacen reír con su afilada ironía, donde los secretos se desvelan con elegancia, donde los modales siempre están presentes y sobre todo ello, para ella, la defensa de sus hijos.

          Todos los personajes convencen y es que Eric Lavaine hila finamente una comedia con dosis muy acertadas de humor, para que  el espectador pase de sencillas sonrisas a carcajadas. Momentos como cuando su hija Stéphanie intenta abrir una cuenta de correo a su madre, o cuando su madre mide al milímetro cada segundo y minuto de la cena, para llegar al instante que ella desea.

          Metraje acertado en el tiempo de duración para un guion elaborado por el propio Eric acompañado de Héctor Cabello Reyes, que confiere a la película dinamismo y entretenimiento.

          Recomendable para amantes de la comedia.

          Mi nota es de un: 6,5

          REPARTO: Josiane Balasko, Alexandra Lamy, Mathilde Seigner, Alexandra Campanacci, Jérôme Commandeur, Nathan Dellemme, Pascal Demolon, Philippe Lefebvre, Cécile Rebboah

         PRODUCTORA: Pathé / Same Player / Scope Pictures / TF1 Films Production

         DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A CONTRACORRIENTE FILMS

FELIZ AÑO 2017

         Llega el último día del año y con él, hacemos el balance de lo bueno y de lo malo, que ha sucedido en los 365 días que están a punto de terminar.

          Llega el último día del año y con él, la ilusión y los sueños de compartir las últimas horas con los seres queridos.

          Llega el último día del año y con él, el ritual de las 12 uvas, una para cada deseo, deseos para un año que nos espera cargado de esperanzas, de emociones, de momentos buenos y de otros malos, que conseguiremos vencer y lograr.

          Llega el último día del año y con él, las burbujas del cava se disparan y bailarán en las copas, para refrescar nuestras gargantas y augurar los mejores deseos para el 2017

          Llega el último día del año y mientras se toman las uvas,  se descorchan las botellas, se ríe y se comparten abrazos; el espacio se carga de  energía positiva, que se crea en ese mágico instante.

          Llega el último día del año y no me puedo olvidar de los desamparados, de quienes no tienen nada, de los parados, de los enfermos… Para todos ellos, mis deseos de que sus sueños y sus ilusiones, se cumplan para lograr una vida más justa.

          Llega el último día del año y desde estas líneas os deseo a todos

FELIZ 2017

COMANCHERIA: CRÍTICA DE CINE

          En el siglo XXI el Western tiene nombre propio cuando se actualiza y cabalga a lomos de la crítica social, ese nombre es “Comanchería” y está dirigido por David Mackenzie.

          La historia nos lleva al estado de Texas donde dos hermanos nunca se dicen no, ni se plantean tomar una decisión contraria, si el otro le pide ayuda. La trama se centra en  la historia de ellos dos. Un ex-convicto, Tanner Howard (Ben Forster) y un padre divorciado sin trabajo y con dos hijos a los que pasar la manutención, Toby Howard (Chris Pine) Un dueto al que se unirán dos Ranger de Texas, el uno a punto de jubilarse, Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y Alberto Parker (Gil Birmingham) quien tiene que soportar las pesadas bromas de su compañero. Los primeros robando bancos y los segundos intentándoles dar caza. Los primeros atracando con el propósito de salvar una propiedad familiar hipotecada con el banco y los segundos haciendo honor a su juramento; pero en ese viaje, en esos días donde los caballos han sido sustituidos por los coches, los cuatro cabalgarán a lomos de sus animales de metal, en la Norteamérica profunda, ofreciéndonos otra realidad.

          Mackenzie nos presenta una película sencilla en apariencia, pero cuantiosa en matices y detalles, gracias al fabuloso guion de Taylor Sheridan. Un guion escrito con la cabeza y filmado con el corazón.

       Viajaremos por ese Texas donde parece que nada cambia y donde los personajes nos irán mostrando de forma sutil, irónica y realista, la crudeza de la verdad en la que todos de una manera u otra, estamos envueltos. La moral, los valores familiares, la lealtad… Todo esto y mucho más creando una atmósfera sin violencia gratuita y con toques divertidos que va atrapando al espectador a medida que vamos conociendo, las historias de los protagonistas.  

            Nada que objetar a las interpretaciones del elenco de actores, pero por encima destaca el cuarteto formado por las dos parejas. Forajidos y Rangers.

          Una obra que hay que catar como el buen vino. Cada escena de esta película precisa de su tiempo. Cada palabra dicha, no tiene prisa por ser pronunciada, pero sí entendida. Los diversos fragmentos de  la fotografía de Giles Nuttgens nos adentran en ese Texas polvoriento y solitario, y las notas de la banda sonora,  Nick Cave, Warren Ellis nos envuelven sin ser consciente de ello.

           Mi nota es: 8.5

          Estreno en España: 30 de Diciembre

         REPARTO: Jeff Bridges, Chris Pine, Ben Foster, Gil Birmingham, Katy Mixon, Dale Dickey, Kevin Rankin, Melanie Papalia, Lora Martinez-Cunningham, Amber Midthunder, Dylan Kenin, AlmaSisneros, Martin Palmer, Danny Winn, Crystal Gonzales, Terry Dale Parks, Debrianna Mansini, John-Paul Howard.
 

         
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España

         PRODUCTORA: CBS Films / Sidney Kimmel Entertainment / Oddlot Entertainment / Film 44 / LBI Entertainment / Oddlot Entertainment production.

LA MINE (LA MINA): CRÍTICA DE CINE

          ¿Cuántas “minas” hemos pisado a lo largo de nuestras vidas y nos ha costado atrevernos a dar un paso adelante, por miedo a que nos destruyan al hacerlo?

         Fabio Guaglione y Fabio Resinaro nos ofrecen en su ópera prima, La Mina, con guion propio, una obra mucho más, de lo que aparentemente puede el espectador pensar o esperar.

  

      

Mike (Armie Hammer) un soldado que junto a su compañero Tommy (Tom Cullen) en plena guerra en un país africano, tienen la misión de matar  a un personaje importante. El intento resulta fallido y son perseguidos por guerrilleros, obligándoles a internarse en el desierto. La mala suerte acompañará a su amigo Tommy quien pisará una mina y morirá tras quedar gravemente herido, mientras Mike siente bajo su pie, el sonido de otra, con lo cual no se atreve a moverse.

          En su quietud, Mike se enfrentará a los avatares del desierto, entre una espectacular tormenta de arena vaticinando la batalla interna y externa que el personaje va a vivir, chacales deseosos de devorarle como los miedos que aún guarda en su interior y espejismos, buscando confundirle entre el pasado y el presente.

          Una película que nos recuerda a las múltiples capas de una cebolla y como sucede cada vez que una de estas capa aparece y se elimina, las lágrimas van inundando el alma, el corazón y los ojos, no sólo del personaje, sino de los espectadores.

          Armie Hammer está soberbio, espectacular, profundo, intenso; calando la pantalla blanca e impregnando toda la sala de la angustia que atesora su personaje, un personaje con la necesidad de redimirse de sus fantasmas, en una lucha solitaria, como el náufrago entre dunas de arena, bajo un sol abrasador que le mantendrá entre la locura y la cordura, pensando si debe o no dar ese paso, y comprobar si su destino tiene un futuro o es ese su momento.

          Fabio Guaglione y Fabio Resinaro nos sumergen en un ejercicio psicológico desgarrador, abrasador, impactante, cargado de suspense e intencionalidad, que defienden con mesura, maestría y eficacia; arropándonos con la sobrecogedora banda sonora compuesta por Andrea Bonini y la magistral fotografía de Sergi Vilanova Claudín.

          Mi nota es de: 8

          Estreno en España: 30 de Diciembre

          REPARTO: Armie Hammer, Annabelle Wallis, Geoff Bell, Juliet Aubrey, Clint Dyer, Tom Cullen.

          DISTRIBUIDORA: Entertainment One Films Spain.

FRANTZ: CRÍTICA DE CINE

          François Ozon (Mi refugio, una nueva amiga) no deja de sorprendernos y en un nuevo giro de su filmografía, nos ofrece Frantz, un drama elegante que destila clasicismo de otros tiempos.

          Frantz, nos narra la historia de Anna (Paula Beer) quien vive en una ciudad de Alemania. Cada día lleva  flores al cementerio, a la tumba de su prometido Frantz, muerto en Francia  durante la recientemente terminada, I Guerra Mundial. Un día Anna se encuentra en la tumba de su amado unas rosas, tras preguntar el enterrador, éste le comenta que las ha dejado un extranjero; intrigada se lo cuenta a los padres de Frantz, Hoffmeister (Ernst Stötzner) y Magda (Marie Gruber), con quienes vive. Al día siguiente descubre ante la tumba a un joven llorando, Andrien (Pierre Niney), al llegar a casa, Andrien está hablando con los padres de Frant. Andrien guarda un secreto que le atormenta y precisa liberar.

          François Ozon toma como referencia “Remordimiento” del maestro Lubitsch para deleitar a los espectadores, como he dicho al principio, con un drama romántico, un drama imperecedero en el tiempo, clásico y teñido en blanco y negro, con brotes de color, por momentos, como esbozando sonrisas, optimismo o sueños donde olvidar  una guerra que sólo ha provocado sufrimiento, quebrando el futuro de jóvenes y la desolación de sus familias.

          Un Film donde las mentiras terminan por aceptarse, mientras se comparte el dolor, un dolor que navega entre la esperanza, la aceptación, la resignación… Bajo encuadres perfectos de una dirección tan delicada, que hipnotiza al espectador.

         

       Las interpretaciones rozan lo sublime, por no afirmar que son perfectas. Sobresalientes Paula Beer y Pierre Niney, sin desmerecer en ningún momento, los secundarios que les acompañan.

          Una Película que respira moderación, sencillez y maestría, como lo es también la magnífica fotografía de Pascal Martí y la banda sonora de Philippe Rombi

          El estado en el que el espectador sale de la sala, es de total serenidad, pues como las suaves notas del violín que resuenan durante los títulos de crédito, comienza a reposar la obra en las mentes.

          Mi nota es de: 8,5

          Muy recomendable para todos los amantes del cine.

          Estreno en España: 30 de Diciembre

          Reparto: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Marie Gruber, Ernst Stötzner, Anton von Lucke

          Productora: Mandarín Cinema / X-Filme Creative Pool

          Distribuidora en España: Golem Distribución.