viernes, 9 de noviembre de 2018

OVERLORD: CRÍTICA DE CINE



Overlord está dirigida por Julius Avery, en una extraordinaria adaptación de la obra original de Billy Ray, junto a Mark L. Smith. La combinación de géneros que toca este filme, lo convierte en una bomba de relojería.

Boyce (Jovan Adepo), Ford (Wyatt Russell) y Wafner (Pilou Asbaek) entre otros soldados paracaidistas estadounidenses, tienen la misión de destruir una antena de radio que los alemanes han colocado en lo alto de una casa de un pueblo francés,  cerca de Normandía, en la víspera del día D; facilitando el éxito del desembarco, sorprendiendo al ejército alemán y sin medio con el que pedir apoyo.

El salto y la llegada al pueblo resultan complicados por la  fuerte defensa alemana. Los paracaidistas conocerán a Chloe (Mathilde Ollivier) una joven francesa, que les refugia en su casa. Boyce y Chloe conectarán desde el principio, ella les ayudará en la misión, pero… Algo más está sucediendo en el pueblo.

La película comienza con un impactante y extraordinario prólogo dentro de un avión bajo el ataque enemigo, las conversaciones que mantienen los soldados y el posterior salto en paracaídas sobre el pueblo normando. Espectaculares imágenes que sirven de aperitivo para lo que nos depara el filme, en una narración que no descansa hasta llegar a los títulos de crédito.

 El australiano, Julius Avery en su segundo largometraje, tras “Son of the Gun” 2014, se embarca en esta aventura  alentado por J.J. Abrams, reconocido director, guionista, actor y productor, para que fuera él quien llevara a la gran pantalla un guion que entusiasmaba a J.J. Abrams, siendo el productor ejecutivo. Un filme que contaría mucho más, que un pasaje de la II Guerra Mundial.

Quien más o quien menos, hemos leído artículos en los cuales durante dicha guerra, los nazis experimentaron con los prisioneros que llegaban a los campos de concentración. Ensayos genéticos y de trasplantes, entre otros, hasta ocasionarles la muerte. Médicos perturbados bajo una ideología de enajenados.

Overlord nos ofrece un explosivo cóctel de géneros,  funcionando  como un puzle siniestro, a través de piezas que estamos deseando ir descubriendo, una a una. El cine bélico, combinado con la acción, el suspense y la ciencia ficción, durante el que posiblemente sea el episodio más importante de la II Guerra Mundial, el día D.

Una oscura historia, con una puesta en escena sobrecogedora, arropada por los magníficos decorados de Jon Henson, retratada en las agudas miradas de Laurie Rose y Fabian Wagner entre planos y tonalidades correctísimas, el apropiado montaje de  Matt Evans y para terminar con la espléndida banda sonora de Jed Kurzel. Un filme donde la angustia crea suspense y el suspense  eleva la tensión ante las asombrosas imágenes, de vísceras en primeros planos, de sangre salpicando la pantalla, de bombas estallando y metralletas ensordeciendo el ambiente entre cuerpos mutilados, heridas sangrantes, experimentos inimaginables y zombis que aún son humanos.

Entre tanta acción, tenemos tiempo para leer entre líneas  lo que la historia encierra y el sufrimiento de los soldados en el frente. La experiencia vivida por los actores con el instructor y coreógrafo en las escenas de batallas, sintiendo el esfuerzo de acarrear con aquellas armas tan pesadas en lugares inhóspitos, mientras a su alrededor, hombres como ellos, caían muertos, desangrados o gravemente heridos,  por el impacto de una bala o el estallido de una bomba. Preguntas que flotan en el ambiente durante todo el filme, como: ¿Qué es más terrorífico, lo que se nos está mostrando como ficción o pensar en lo que hicieron vivir realmente a la humanidad los nazis? Es más que una historia de aventuras, para el disfrute del espectador. Una nueva visión de una huella que ha quedado marcada por vida en la historia del ser humano, cuando una gran parte de un país, dejó de serlo.

Y una vez más dejo para el final las interpretaciones. Un gustazo ver el casting tan bien elegido para este filme. La complicidad entre sus actores se transmite al espectador, acompañándoles en sus pocas “aventuras” y muchas desventuras. Quiero destacar a  los actores ya mencionados al comienzo: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Pilou Asbaek y a la magnífica Mathilde Ollivier, reiterándome una vez más, que todos cumplen sobradamente con su cometido.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Noviembre

REPARTO: Jovan Adepo, Wyatt Russell, Pilou Asbaek, John Magaro, Bokeem Woodbine, Iain De Caestecker, Mathilde Ollivier, Jacob Anderson, Marc Rissmann, Dominic Applewhite, Michael Epp, Hélène Cardona, Jorge Leon Martínez, Éva Magyar, Shawn Dixon, Ben Tavassoli y Andy Wareham.

PRODUCTORA: Bad Robot// Paramount Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

MILLENNIUM: LO QUE NO MATA TE HACE MÁS FUERTE: CRÍTICA DE CINE


El bestseller escrito por David Lagercrantz, “The girl in the spider´s web”, ha sido adaptado al cine con el título en español, Millennium: Lo que no mata te hace más fuerte,  por Steven Knight, Jay Basu y el propio director, Fede Álvarez.

El prólogo nos presenta a dos niñas jugando al ajedrez, Lisbeth y Camilla. Una mujer se acerca a ellas y les comenta que su padre desea verlas, al entrar en la habitación Lisberth no se quiere acercar al padre, que solicita se sienten en sus rodillas, Camilla por el contrario obedece. Tras la insistencia del padre, Lisberth se tira por una ventana cayendo sobre la nieve. El espectador intuye que el padre abusa de las niñas.

Tras los títulos veremos a una Lisberth Salander (Claire Foy) justiciera. Quien agrede a una mujer, se las tendrá que ver con ella. Es una experta hacker, logrando burlar los sistemas de seguridad más importantes del mundo y de esta manera, se verá envuelta en una red de espionaje, Ciber-delincuentes y funcionarios corruptos. A su lado estará el periodista Mikael Blomkvist (Sverrir Gudnason), quien se siente atraído por ella.

“The girl in the spider´s web”, título original de la novela de David Lagercrantz, es la continuación de la famosa saga de “Millennium”: “Los hombres que no amaban a las mujeres” (2009), “La chica que soñaba con  una cerilla y un bidón de gasolina” (2009) y “La reina en el palacio de las corrientes de aire” (2010) Novelas de gran renombre mundial y un modesto éxito en sus adaptaciones al cine. Afortunadamente,  la nueva entrega, supera  en calidad narrativa y de acción, a las tres anteriores.

Una obra dirigida con mano firme por el uruguayo Fede Álvarez, ofreciendo lo que desea mostrar, sin irse por las ramas y con una cierta sutileza en algunas escenas, como las sexuales, donde el sexo queda más implícito que explícito o las cicatrices de la infancia, que pasarán factura transcurridos los años, no solo en quienes las sufrieron, sino en aquellos hombres que hacen sufrir a las mujeres. Un thriller de venganzas, odios, intrigas, espías, violencia, crímenes y mentiras, entre muchas de las miserias que rodean al ser humano. La acción nunca se detiene, siempre hay algo que contar y así, nos mantiene alerta.

Lisbeth Salander o también llamada la chica del dragón tatuado, regresa más dura que nunca, en el cuerpo de Claire Foy, luchando contra la injusticia. Una Claire Foy más convincente en su papel que su antecesora Noomi Rapace, entre gestos bien medidos, miradas profundas, pocas palabras, pero sentenciando cuando las pronuncia, de aspecto rudo, en un cuerpo preparado para la lucha y el sufrimiento.  No hay dolor ni queja, si la causa es justa y con su lenguaje corporal, nos lo hace saber.

En cuanto a los aspectos técnicos, nada parece destacar y en ello estriba el buen trabajo realizado, la complicidad que han creado, logra que el conjunto se vuelva unidad. Pero como es habitual, voy a destacar la correctísima y visual fotografía,  elegantemente iluminada entre planos bien seleccionados, a cargo de Pedro Luque y la excelente banda sonora del gran maestro Roque Baños.

Una película interesante, estando seguro que los amantes de la acción, van a disfrutar con este filme, una vez más, muy femenino. En los últimos años las mujeres están demostrando que pueden ser tan buenas policías, espías o ladronas, como lo han sido siempre los hombres. Que pueden ensuciarse, disparar, sangrar, golpear, sufrir, correr, ser elegantes u ordinarias, según la ocasión lo requiera. Bienvenidas mujeres guerreras.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Noviembre

REPARTO: Claire Foy, Sverrir Gudnason, Vicky Krieps, Sylvia Hoeks, Claes Bang, Stephen Merchant, Keith Stanfield, Cameron Britton, Synnøve Macody Lund, Christopher Convery, Andreja Pelic, Beau Gadsdon, Carlotta von Falkenhayn, Alexander Yassin, Sonja Chan, Feliz Quinton, Johan Eriksson y Martin Müller.

PRODUCTORA: Sony Pictures Entertainment// Scott Rudin Productions// The Cantillon Company// Yellow Brid Films// Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

jueves, 8 de noviembre de 2018

LAZZARO FELIZ: CRÍTICA DE CINE



La coproducción entre Italia, Francia y Alemania, Lazzaro Feliz, cuenta con guion y dirección de la directora italiana Alice Rohrwacher. Una historia de las de antes, narrada en nuestro tiempo.
Lazzaro (Adriano Tardiolo) es un joven campesino que desprende una bondad inusitada. Vive apartado y solo, entre unas rocas, en la aldea llamada Inviolata, totalmente alejada del mundo civilizado. Lazzaro, baja cada día al pueblo, siendo el nombre que más se escuchará en cada rincón de la aldea, pues todo el mundo solicita de su ayuda, obedeciendo con total sumisión.
Un día Lazzaro se encuentra con Tancredi (Luca Chikovani), hijo de la marquesa Alfonsina de la luna (Nicoletta Braschi) quien está cansado de la explotación con que su madre somete a todo el pueblo, pues trabajan sus tierras gratis para ella.  Tancredi sube con Lazzaro hasta su cobertizo y decide organizar su propio secuestro, pidiendo ayuda a Lazzaro, que como es innato en él, no se niega. Entre ambos se forjará una gran amistad.  
De entrada el nombre de la aldea, nos deja claro que el lugar conserva su integridad y pureza, algo que descubriremos a lo largo del metraje a través de  los abruptos paisajes y  sus personajes; al menos entre los campesinos, no así en la burguesía, que controla el lugar. Una obra que se podría clasificar como extravagante, pues nos cuesta entender el comportamiento de sus personajes, aunque algunos de ellos sean simbólicos, como es el caso de su protagonista Lazzaro y las fuertes connotaciones a la religión católica, percibiéndose claras referencias bíblicas a lo largo del metraje. Una obra diferenciada en dos partes, que no desvelaré, para no descubrir parte de la narración.
Una película con carácter y aroma a cine del siglo pasado, de esas obras con fuerte crítica social, disfrazada de drama rural y donde el espectador disfrutará leyendo entre líneas, así como de algunas frases lapidarias. Nos trae recuerdos de maestros como Pasolini o el mismísimo Buñuel, con el desfile de esos personajes tan característicos en sus obras, entre lo rural, la incultura, los señoritos, la esclavitud, la picaresca y la astucia para sobrevivir, en unos tiempos donde la hambruna pululaba por cada esquina y nadie deseaba caer en sus garras. Personajes egoístas, posesivos, perversos y faltos de toda ética en contrate con la bondad absoluta y el sometimiento voluntario. Sin olvidarnos de  la falta de identidad.
Los claros simbolismos del campo y la unidad de  sus habitantes apoyándose los unos a los otros, frente al  duro impacto que se produce en la ciudad, ante el individualismo y los temores, golpeando con dureza a quien es diferente; el "don"  que la directora otorga a Lazzaro y la poética alegoría con el lobo, serán algunas de las parábolas  que desfilarán por esta obra.
Una magnífica dirección de actores por parte de  Alice Rohrwacher, para unas fantásticas interpretaciones, con un Adriano Tardiolo, en total estado de gracia, al igual que la correcta Alba Rohwacher, con su personaje de Antonia.
Uno de esos filmes que se me antojan hechizantes, absorbentes, demoledores, tristes y alegres por igual, donde el todo, te va atrapando.
Mi nota es: 8,5
ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Noviembre
REPARTO: Adriano Tardiolo, Alba Rohwacher, Agnese Graziani, Luca Chikovani, Sergi López, Natalino Balasso, Tommaso Ragno, Nicoletta Braschi y Leonardo Nigro
PRODUCTORA: Tempesta// Amka Films Productions// Ad Vitam Production.
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

miércoles, 7 de noviembre de 2018

ANA DE DÍA: CRÍTICA DE CINE


Ana de Día, cuenta con guion y dirección de Andrea Jaurrieta. Un filme perturbador e hipnótico, difícil de clasificar.

Ana (Ingrid García Jonsson) es una joven de clase media que está terminando su doctorado en derecho. Durante una entrevista, a la pregunta de cuál es el grado de satisfacción que siente con su vida, se queda bloqueada, sin saber que contestar.

Un día tras llamar a su hermana y a su madre, descubre que alguien la está suplantando. Ana se extraña, que su propia hermana y madre no se hayan dado cuenta del engaño, hasta que ve a una chica idéntica a ella, entrar en su portal con una maleta, acceder a  su piso y volver a bajar. Aprovecha el momento para subir, comprueba que ha dejado la maleta abierta, husmea entre sus prendas y tras pensar que hacer, decide que es hora de cambiar de identidad y romper con todo aquello que ha estado realizando hasta ese instante.

Un filme difícil de clasificar, como he comentado. Un debut arriesgado para una narración intimista, muy personal y que aun siendo joven nos trasporta a una ambientación retro, entre setentera y ochentera, entre colores llamativos y toques de sicodelia. Todo parece estar envuelto en un extraño sueño, en una fantasía por momentos distorsionada, sometiendo a su protagonista a vivirlo como realidad.

Un juego extrañamente inquietante entre dos ambientes perturbadores, por un lado el cabaret al que entra a trabajar como bailarina. El Radio City Music Hall, un lugar decadente, habitado por extraños personajes como Madame Lacroix (María José Alfonso) o el maestro (Fernando Albizu) viviendo en un bucle, donde parece que el tiempo se ha estancado, como el propio maestro dice durante una de las actuaciones. “Cuando se entra en el cabaret, el tiempo se detiene” y en el otro extremo, la pensión donde se alojará tras dejar su casa, regentada por Sole (Mona Martínez), una mujer solitaria, triste, protectora y encarcelada entre las paredes de aquella casa, junto a  huéspedes misteriosos.


Una narración lujuriosa por momentos, irreverente en ocasiones y siempre alarmante, intentando comprender lo que parece que en realidad no tiene intención de ser comprendido. Tan desorientador como tomar la maleta como su compañera de viaje y a  la vida, como su hogar.

Andrea Jaurrieta, ha cumplido el sueño que albergaba de llevar a la pantalla esta extraña historia, 8 años han tenido que pasar. Un filme bien dirigido, con sonoros vacíos en el guion, pero  correctamente interpretado, destacando a su protagonista Ingrid García Jonsson y a una excelente Mona Martínez. Una obra en la que parece, que Andrea, se ha desprendido de sus fantasmas, miedos e inseguridades y así, reinventarse.

Mi nota es: 5,5

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Noviembre.

REPARTO: Ingrid García Jonsson, Álvaro Ogalla, Fernando Albizu, Irene Ruiz, Mona Martínez, María José Alfonso, Iñaki Ardanaz, Paco Vidal, Abel Serbouti, Antonio Ponce, Iván Luis, Carla de Otero, Cibeles Fernández y Gabriela Fernández.


PRODUCTORA: Syldavia Cinema//  Media Luna New Films// Andrea Jaurrieta P.C. // No hay banda // Pomme Hurlante Films//

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Syldavia Cinema.

martes, 6 de noviembre de 2018

MANDY: CRÍTICA DE CINE


Mandy está basada en una historia escrita por Panos Cosmatos, quien comparte guion con Aaron Stewart-Ahn, en un filme desorbitadamente surrealista y  difícil de clasificar.

Entre los títulos de créditos iniciales, veremos a un grupo de hombres cortando árboles, entre ellos se encuentra  Red (Nicolas Cage) quien vive apartado de la civilización en una cabaña junto a su amada Mandy (Andrea Riseborough), de aspecto pálido y facciones huesudas.

Mandy es una amante de la lectura y un día mientras pasea leyendo, se cruza con una furgoneta donde van los miembros de una secta, liderada por Jeremiah Sand (Linus Roache), este se fija en la muchacha saltando todas las alarmas del deseo por ella. Solicitará la ayuda de los moteros de la noche, cuyos cerebros están gravemente alterados por el uso de las drogas, habiendo perdido la razón y haciéndoles inmunes al dolor, hasta el grado que el dolor para ellos, se convierte en placer. Estos  moteros del infierno, raptarán a Mandy y Red.

Panos, con su segundo largometraje tras “Beyond the Black Rainbow” 2010, donde ya se perfilaba como un director incómodo y muy personal, nos somete a un extraño y duro viaje sensorial obligándonos a agudizar los sentidos del oído y la vista, hasta el límite que cada uno pueda ofrecer, en el más puro sadomasoquismo narrativo. Cosmatos se toma la licencia de cubrir la primera hora, presentándonos las obsesiones de Jeremiah Sand, por Mandy y cuando ve que ni drogándola consigue los favores de la chica, ante los ojos de Red, la prende fuego; es entonces cuando entrando en la última hora, caeremos junto al protagonista, al abismo del infierno, donde el dolor se vuelve gozo, donde la sangre corre como ríos, donde las mutilaciones, vísceras, hachazos, cuchilladas, cabezas rodando y todo aquello imaginado e incluso inverosímil, se acompañará de instrumentos variados, entre hachas creadas para la ocasión, cadenas, ballestas y  motosierras; todo ello entre colores estridentes y una banda sonora que va turbando con cada nota, nuestros oídos, de la mano del maestro,  Jóhann Jóhannsson.

Lo primero que me vino a la cabeza, tras los primeros minutos de metraje, fue que estábamos ante un cómic filmado. Diálogos cortos y sencillos con largos espacios de silencio, mientras las imágenes nos van sumergiendo en un laberinto incómodo, hasta caer en los más bajos instintos éticos y morales. Una gran riqueza de planos, maravillosamente filmados por Benjamin Loeb, dotando a la fotografía de encuadres saturando los colores, distorsionando las imágenes, desdoblando los cuerpos y rostros e iluminando cada escena de forma milimétrica, en un alarde de psicodelia pura y dura. La percepción de Cosmatos sobre lo visual, es mágicamente perturbadora y magistralmente cautivadora. Nos crea la sensación de haber sido drogados, justo en el momento en que la sala se queda a oscuras.


Creo haber comentado en otras ocasiones, que Nicolas Cage, ha encontrado hace tiempo el género en el que se siente como pato en el agua. Increíblemente fantástico y soberbio dentro de su sobreactuación. La escena apareciendo en ropa interior manchada, sentándose frente al objetivo de la cámara  y con la única compañía de una botella de alcohol entre sus manos, estoy seguro que todos los espectadores la recordarán por mucho tiempo, además de las altas escenas de violencia, a las que ya nos tiene acostumbrados. Creo que cuando escribí la crítica de "Papá y mamá", estrenada hace unos meses, preguntaba si Cage sería capaz de superar aquella interpretación, pues aunque os parezca increíble, lo ha hecho y ahora sí que no voy a preguntar, porque este monstruo de nombre Nicolas, es capaz de todo lo que le ofrezcan.

Para finalizar, resumir el filme como un viaje delirante, propio de una alucinación bajo los efectos de las drogas más duras que tal vez no se hayan inventado, donde lo visual roza la perfección, plano a plano o viñeta a viñeta, pues por instantes, como he comentado, parece que estamos ante un cómic filmado. Un filme, no apto para todos los públicos, ni para todos los paladares.

Mi nota es: 7,5

         ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Noviembre.

REPARTO: Nicolas Cage, Andrea Riseborough, Linus Roache, Bill Duke, Richard Brake, Hayley Saywell, Line Pillet, Ned Dennehy y Clément Baronnet.

PRODUCTORA: Picadilly Pictures// Son Capital// SpectreVision// Umedia// XYZ Films// Legion M.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.

AVANCE DE CINE: LA DECISIÓN


El próximo 30 de noviembre, ADSO FILMS estrenará LA DECISIÓN, la última película del prestigioso y premiado director Mohamed Al-Daradji (In the Sands of Babylon, Syn Babionu), que ha sido la película elegida para representar a Iraq en los próximos Oscar.

LA DECISIÓN (“The Journey”) está rodada íntegramente en Bagdad, se presentó en el festival de cine de Toronto y el festival de Londres en sección oficial y gira en torno a una noche de diciembre de 2006 en la que una mujer bomba entra en la estación de tren de la ciudad dispuesta a acometer un acto suicida.

SINOPSIS

Bagdad, 2006. Sara se dirige a la estación de la ciudad dispuesta a cometer un atentado suicida. Parece vacilar ante la perspectiva de detonar la bomba. Sin embargo, sus oscuras intenciones se ven drásticamente alteradas cuando, en un encuentro inesperado, se topa con el seductor vendedor Salam.

Con Salam como rehén, Sara se sentirá confusa, replanteándose sus convicciones. Salam batallará desesperadamente para apelar la humanidad de Sara haciendo tambalear su decisión. Pero ¿se dará a sí misma la oportunidad de respetar la vida y la inocencia que estaba dispuesta a destruir?

Escrita, dirigida y producida por Mohamed Al-Daradji está protagonizada por la actriz debutante Zahraa Ghandour, que con su interpretación ya ha conseguido premios distinguidos en los festivales de Muscat y el Festival des Cinemas Árabes.  Ghandour es también directora y guionista, y su primer papel ya la ha situado como una joven estrella a seguir. Su compañero en la ficción es Amir Ali Jabarah, que repite con el director tras

In the Sands of Babylon. Juntos comparten un maravilloso viaje en LA DECISIÓN, igual de emotivo que conflictivo.

LA DECISIÓN ha sido presentada y aclamada en múltiples festivales internacionales como Toronto, Londres y Busan. Ha obtenido las nominaciones a mejor película y actriz principal en el Festival de Dubai y se ha alzado con el Premio del Jurado en el Festival Sharm el Sheikh, además del Premio del Jurado y el de mejor Actriz en el festival de MUSCAT.

Mohamed Al-Daradji estudió cine en Baghdad  y completó su formación con un Máster en Cinematografía y Dirección en la Northern Film School, en Leeds. En 2003, tras la invasión de Irak, Mohamed volvió a su país natal para realizar su primera película, llamada internacionalmente Ahlaam (estrenada en 2008 en nuestro país con el título Dreams). El film fue presentado en más de 125 festivales internacionales y recibió 22 premios. Todo ello hizo que Al-Daradji se situase como un venerado cineasta internacional.

Tras el éxito de Ahlaam, Mohamed dirigió la película Son of Babylon (2010) y con ello recibió diferentes premios en los mejores festivales internacionales: Berlinale, el festival del Cairo, el festival de Rotterdam y el de Sevilla, entre otros. Su amplio trabajo en Irak también incluye tres documentales, así como trabajo humanitario. En 2010, Mohamed funda el Iraq Independent Film Center (IIFC), un organismo de producción y enseñanza en Bagdad.

LA DECISIÓN es su cuarta película de ficción. Una historia en la que explora el conflictivo y confuso estado mental de una mujer bomba.

ADSO FILMS ESTRENARÁ “LA DECISIÓN” EL PRÓXIMO 30 DE NOVIEMBRE

lunes, 5 de noviembre de 2018

EL CASCANUECES Y LOS CUATRO REINOS: CRÍTICA DE CINE


Disney nos presenta, El Cascanueces y los cuatro reinos, dirigida por Lasse Hallström y Joe Johnston, con guion de Ashleigh Powell, basándose en la historia original de Ernst Hoffmann. Un clásico, con personajes reales.

Ha llegado la Navidad y Clara (Mackenzie Foy) no quiere acudir a la celebración de Noche Buena, se siente triste por la pérdida reciente de su madre, pero al final acepta, porque está deseando ver a su padrino Drosselmeyer (Morgan Freeman).  Un gran inventor, como lo fue su hermana, la madre de Clara. Clara ha recibido el último regalo de su madre, al igual que sus dos hermanos, de manos de su padre. Un extraño huevo de metal cerrado con llave, cuya llave no se encuentra en la caja.

Durante la fiesta, Clara habla con Drosselmeyer y éste será quien conduzca a la joven hacia el lugar donde se encuentra dicha llave, un lugar mágico en el cual conocerá a un soldado llamado Phillip (Jayden Fowora-Knight) y los gobernantes de los cuatro reinos: El reino de las nieves, el de las flores y el de los dulces, el cuarto reino está gobernado por Mamá Jengibre (Helen Mirren), temida por los otros tres reinos.

Hay hadas, conejos y ratones, soldados de hojalata y de plomo, buenos y malos, música y magníficas coreografías de bailes de salón y clásico, homenajes a filmes como “Fantasía” y “Alicia en el país de las maravillas”, pero sobre todo, mucho color y un excelente ritmo. Y ahora… empecemos.

“El Cascanueces y el rey de los ratones”, fue escrito por Ernst Hoffmann, en 1816, más tarde, en 1844, Alejandro Dumas, realizó una versión para los niños titulada “Historias de un Cascanueces”, esta nueva versión fue la que inspiró a Marius Petipa para concebir en 1892 el ballet “El Cascanueces” cuya música fue compuesta por Tchaikowsky. Disney, que no es la primera vez que nos ofrece un filme con música clásica, pues todos recordamos “Fantasía” de 1940, adapta el clásico de Dumas para realizar este filme, en el más puro estilo clásico de la compañía. Posee todos los ingredientes que los amantes de las obras Disney, reconocemos. Los cientos de pequeños detalles, de personajes que aparecen tan solo unos segundos, de la luz, los juegos de colores y la vida que se respira en cada plano, no digamos en cada escena. Todo está cuidado al milímetro, contando con la exquisita fotografía de Linus Sandgren y la música compuesta  por James Newton Howad, entre temas del Cascanueces.

La obra cuenta con una impresionante puesta en escena, bajo la dirección artística de: Tim Blake, James Lewis, Rebecca Milton y Tom Weaving, sin olvidar el vistoso y extraordinario vestuario de Jenny Beavan. Toda la fantasía que uno puede imaginar, se muestra en la gran pantalla, con una excelente dirección de Lasse Hallström y Joe Johnston.

En toda obra firmada por Disney, no pueden faltar las moralejas, los consejos a niños y mayores, pues nadie discute que es la factoría que desde su nacimiento, ha estado al lado de la familia, tocando todos los temas, desde los más conservadores, a los más actuales, aunque todavía les queda atreverse con algunos, que haría mucho bien a la sociedad en la que vivimos. Pero tiempo al tiempo. Esos consejos, siempre son bienvenidos y aquí, toca la identidad, el quererse y comprenderse a uno mismo, la unidad familiar, los retos,  los miedos, el aceptar las equivocaciones, el tomar decisiones y el comprender que todos formamos parte del todo.




Dejo para el final las interpretaciones, correctísimas en cada uno de los personajes a interpretar, pero no puedo dejar de destacar la perfecta actuación de Mackenzie Foy, a quien acompañaremos gustosamente en las aventuras en ese mundo mágico, a un Morgan Freeman, que aunque corta su intervención, borda el personaje, como nos tiene acostumbrados, Keira Knightley, en el papel del hada del reino de los dulces, y no me voy a olvidar de la extraordinaria Misty Copeland, la primera afroamericana en ser primera bailarina del American Ballet Theatre.


Un filme para el disfrute de toda la familia y sobre todo de los más jóvenes.


Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

REPARTO: Mackenzie Foy, Keira Knightley, Helen Mirren, Morgan Freeman, Eugenio Derbez, Matthew Macfadyen, Miranda Hart, Ellie Bamber, Misty Copeland, Omid Djalili, Meera Syal, Nick Mohammed, Charles Streeter, Gemma Wilks y Andrei Cotofan.

PRODUCTORA: Walt Disney Pictures // The Mark Gordon Company

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Picture Spain.