FLIX OLÉ EXTRENA EN EXCLUSIVA VOLVER A EMPEZAR Y OTROS TÍTULOS DEL DIRECTOR

                             

FlixOlé estrena en exclusiva el primer Oscar al cine español: Volver a empezar, junto a otros títulos de José L. Garci.

La plataforma incorpora Asignatura aprobada, Canción de cuna, Ninette, Luz de domingo y Holmes&Watson: Madrid Days, haciendo un total de 17 las películas del director disponibles en el catálogo.

Por la alfombra roja hollywoodiense habían pasado numerosas películas españolas nominadas al Oscar, pero no fue hasta 1983 cuando una producción patria fue galardonada con la dorada estatuilla. En la 55ª edición de la gala, la actriz alemana Luise Rainer pronunció, a su manera, el título dirigido por José Luis Garci que pasaría a la historia: Volver a empezar (1982). Los ecos del icónico momento resuenan ahora en FlixOlé con el estreno en exclusiva de esta obra maestra. La plataforma incorporará a su catálogo el próximo viernes, 4 de octubre, el oscarizado largometraje, así como otros cinco filmes del autor nostálgico por antonomasia de nuestra cinematografía: Asignatura aprobada (1987), Canción de cuna (1994), Ninette (2005), Luz de domingo (2007) y Holmes&Watson: Madrid Days (2012).

El polifacético divulgador y crítico cinematográfico, guionista y director había ejercido de cronista de la Transición a través de la gran pantalla cuando se aventuró a homenajear a toda una generación que vio interrumpida su juventud por la dictadura con un melodrama de amor tardío que rescataba todo lo que pudo ser y no fue. En Volver a empezar, Garci presenta a Antonio M. Albajara (interpretado por Antonio Ferrandis), un reputado escritor, Nobel en Literatura, que regresa a su Gijón natal después de 40 años de exilio forzado. En este viaje por los recuerdos se reencontrará con Elena (Encarna Paso), el amor de su vida, y ambos intentarán recuperar el tiempo que les fue robado.

El noviazgo de su adolescencia, los paseos por la playa de San Lorenzo, la visita al césped de El Molinón son algunas de las escenas con las que el director tiñó de nostalgia la despedida de Antonio a lo que vivió, y también a lo que nunca llegó a existir.  Este canto a la memoria y a la melancolía de un pasado idealizado, entonado a ritmo del Canon de Pachelbel, el Oh Lord, Why lord de los Pop-Tops y del Begin the beguine de Cole Porter, supuso la consagración de Garci en el panorama nacional e internacional; al tiempo que su Oscar puso la mirada en la nueva generación de cineastas de la industria española.

Más estrenos de Garci 

La película se estrenará en exclusiva en FlixOlé después del proceso de restauración realizado en los laboratorios de la plataforma, permitiendo la visualización del título en unas condiciones de imagen y sonido inmejorables.

Junto a Volver a empezar, FlixOlé incorporará a su catálogo a partir del 4 de octubre cinco películas más de José L. Garci, que se sumarán a los títulos con los que ya contaba la plataforma, haciendo un total de 17 los largometrajes del director disponibles. Así, se añadirán Asignatura aprobada (1987), con la que el realizador cumplió su primera década filmográfica evocando su ópera prima (Asignatura pendiente, 1977) y acentuando el sentimiento de fracaso en las segundas oportunidades.

Transcurridos varios años sin rodar, Garci se situaría de nuevo tras la cámara para iniciar un periodo copado por adaptaciones literarias y que conectaba su sentimiento nostálgico con épocas pasadas en lugar de relacionarlo con la actualidad, como así hizo en sus anteriores filmes. La primera de dichas adaptaciones fue Canción de cuna (1994), un relato sobre la maternidad narrado en un convento de monjas que obtuvo nueve nominaciones y cinco goyas.

Ya en 2005, el autor madrileño de ascendencia asturiana llevaría la obra teatral de Miguel Mihura, Ninette y un señor de Murcia, a la gran pantalla con Elsa Pataky poniendo el acento afrancesado y Carlos Hipólito el del provinciano que cae prendido de los encantos de la joven, dicharachera y sensual Ninette (2005). Dos años después, Garci regresaría a Asturias para filmar Luz de domingo, el adiós de Alfredo Landa al mundo del cine en una adaptación de Ramón Pérez de Ayala con la que representó las prácticas caciquiles en la España rural.

En su penúltimo proyecto, el director decidió hacer un doble homenaje a dos novelistas, Arthur Conan Doyle y a Benito Pérez Galdós, en Holmes & Watson: Madrid Days (2012). Del primero tomó prestado su célebre y detectivesco personaje, Sherlock Holmes, para llevarlo al Madrid galdosiano en el marco de unos crímenes aparentemente relacionados con Jack el Destripador.

Todas estas películas estarán disponibles en FlixOlé junto a otros títulos que ya se pueden reproducir en la plataforma: Asignatura pendiente (1977), Solos en la madrugada (1978), Las verdes praderas (1979), El crack y El crack 2 (1981 y 1983, respectivamente), Sesión continua (1984), La herida luminosa (1997), El abuelo (1998), You’re the one (2000), Historia de un beso (2002) y Tiovivo c. 1950 (2004).

La plataforma está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo, Movistar Plus+ y a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

NUNCA TE SUELTES: CRÍTICA DE CINE

NUNCA TE SUELTES está dirigida por Alexandre Aja con guion de Kevin Coughlin y Ryan Grassby. “Me quiere más a mí”

June (Halle Berry) es una mujer viuda que vive en una cabaña en medio del bosque con sus dos hijos Nolan (Percy Daggs) y Samuel (Anthony B. Jenkins), en constante alarma, angustiada y aterrorizada. La casa es el único lugar de protección para los tres y si salen al exterior en busca de alimentos, deben ir amarrados a una cuerda, cuidando de no soltarse jamás, si esto ocurriera, se despertaría el Mal (Stephanie Lavigne) que se esconde en el bosque y tiene la facultad de mutar de forma, a su antojo. En un momento determinado Nolan se pregunta qué hay de cierto en el peligro que su madre afirma existe en dicho bosque.

El guionista, productor y director, Alexandre Aja, estudió en le Lycée Montaigne y desde muy joven comenzó a trabajar en pequeños papeles con su padre Alexandre Arcady. En la dirección debutó con el cortometraje “Over the Rainbow” 1997 cuando contaba con 18 años y dos años más tarde llegaría su primer largometraje, “Furia” 1999 al que han seguido “Alta tensión” 2003, “Las colinas tienen ojos” 2006, “Reflejos (Mirrors)” 2008, “Piraña 3D” 2010, “Cuernos” 2013, “La resurrección de Louis Drax” 2016, “Infierno bajo el agua” 2019, “Oxígeno” 2021 y este año nos ofrece “Nunca te sueltes” 2024. También ha dirigido los cortometrajes “The Esseker File” 2009 y “Campfire Creepers: The Skull of Sam” 2017 y colaboró en el documental “Cinémas d`Horreur: Apocalypse. Virus. Zombies” 2011.

El filme está dividido en tres partes: I) La cuerda es tu salvavidas, II) Cómo daré de comer a mis hijos y III) Qué será de nosotros. Una pieza dramática con connotaciones psicológicas y paranormales, que no quedan muy bien explicadas y es que de nuevo, el guion o debería decir los guionistas, son los culpables de todos los males y aquí no será por falta de tiempo e ideas, pues a falta de uno son dos para desarrollar la historia.

La película arranca con interés y despegándonos de la butaca. Una familia  aterrada por algo maligno que se esconde en el bosque e incluso dándonos a entender que la humanidad ha desaparecido, aunque por otra parte, nada original, sin ir tan lejos este año hemos visto “Cuando acecha la maldad” de Demián Rugna, “El hombre del saco (Bagman) de Colm McCarathy o “Los vigilantes” de Ishana Shyamalan, por poner tres ejemplos muy diferentes entre ellos pero con un mismo denominador común. Algo se esconde en el bosque, que aterra y mata. Hemos pasado de las casas encantadas, que de vez en cuando regresan a la gran pantalla, a los bosques y lugares apartados de la civilización, y no estoy en contra de esos parajes, todo lo contario, pero sí de las historias que se desarrollan en ellos y la manera en que se cuentan.

En esta ocasión no solo es el entorno, sino la casa, pues esta se nos muestra como el eje central del filme, podríamos decir que es el alma y el corazón que mantiene unida a la familia y con vida, pues mientras permanezcan en su interior nada malo les puede pasar o si deciden salir, lo hagan atados por gruesas cuerdas que parten de un lugar determinado de la casa y que debido a su extensión, les limita ir más allá de cierto espacio. Los que ya estamos curtidos en este género, nos hace pensar si la longitud de la cuerda es casual o tiene una razón de ser. Esa fue la primera pregunta que me hice pero luego, mientras esperaba a que sucediera algo interesante o que me alterase, brotaron otras como ¿Qué fue del padre de los chicos?, ¿Qué sucedió con la madre de June a la que cree ver en determinadas ocasiones? Y una que me llamó la atención. ¿Por qué dice que el Mal, puede tomar la forma que desee, la de una niña, la de un joven o incluso, la de su propia madre?

Demasiados interrogantes que no reciben contestación ni explicación alguna, aunque puedas lucubrar que algo más oscuro oculta June. Toda esa falta de información provoca que llegando a un momento determinado de la narración, el filme caiga al abismo y se pierda cierto interés. Salvo detalles como el escuchar en incontables ocasiones el mantra que utilizan a modo de conjuro y rezo, mientras tocan la madera del interior del hogar, como si se tratara de algo sagrado en una pugna entre lo profano y religioso, entre el bien y el mal; las cortas salidas en busca de alimento o que al miedo, la superstición y la incertidumbre reinantes, se unan las dudas de Nolan, tras reflexionar sobre lo que su madre les ha contado desde muy niños, pues en realidad nunca han sido testigos de ningún acontecimiento extraño. Dudas que se contagian en el espectador.

Por muy buen trabajo que realizan Halle Berry y los dos jóvenes Percy Daggs y Anthony B. Jenkins, dando vida a los tres personajes principales y la cuidada fotografía de Maxime Alexandre, con un delicado uso de la iluminación, nada puede salvar al filme de pasar sin dejar huella, como una película más del género.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Halle Berry, Percy Daggs IV, Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson, Stephanie Lavigne, Christin Park, Cadence Compton, William Catlell, Mila Morgan y Georges Gracieuse.

PRODUCTORA: 21 Laps Entertainment// Media Capital Technologies// Lions Gate Films// HalleHolly.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice 360.

GLADIATOR 2: CRÍTICA DE CINE

GLADIATOR 2 está dirigida por Ridley Scott con guion de David Scarpa. “La arena convierte a los esclavos en gladiadores y a estos, en hombres libres”

Han pasado 16 años de la muerte de Máximo (Russell Crowe). Lucio (Paul Mescal) y su mujer Aristhat (Yuval Gonen) son una pareja de soldados que viven felizmente en Numidia, en la costa norteafricana. Se ven obligados a entrar en contienda contra las legiones romanas a cargo de Marcus Acacius (Pedro Pascal). Aristhat muere atravesada por una flecha y Lucio es apresado y llevado a Roma, gobernada por los emperadores Caracalla (Fred Hechinger) y Geta (Joseph Quinn) que tienen al pueblo sumido en la miseria. Allí es vendido a Macrinus (Denzel Washington), un rico mercader, quien pronto descubrirá en Lucio el potencial para la lucha en la arena como gladiador, a causa de la ira que rezuma en su interior.

En el año 2000, Ridley Scott nos sorprendió con un gran espectáculo ambientado en la época romana, “Gladiator”, colmado de aventuras, intrigas, venganzas y complots. Ganó numerosos premios internacionales entre ellos 5 Oscar.  Este año reemprende aquella historia, con un inicio que nos deja pegados a la butaca, hasta transcurridas las dos horas y media de metraje. Nuevamente y a sus 86 años de edad, el maestro nos sorprende en pleno estado de forma y lucidez. Es impresionante admirar el trabajo que realiza. Una impecable MasterClass de cine clásico y épico, esta última palabra, épico, seguramente la usaré en más de una ocasión a lo largo de esta reseña, pues el filme lo merece y seguramente entraría en debate, al afirmar que la considero más apoteósica que la primera.

Por si existe alguna duda, os comunico que no es un nuevo remake, como habréis intuido en la reseña y algunos pensaban. Estamos ante una segunda y muy digna entrega de “Gladiator”, por lo que os recomiendo, antes de ver este nuevo espectáculo, refresquéis la memoria visionando la original y si consideráis que quedó algún fleco suelto o la duda de que pasó con determinados personajes, no os preocupéis, aquí se resuelve, tomando de nuevo, como telón de fondo esa Roma clásica, por cuyos pilares se filtraba la corrupción, las luchas por el poder y las intrigas políticas. Tras escribirlo y tal y como suena, parece que no hemos avanzado mucho pasados los siglos.

La Roma corrupta, en esta ocasión está bajo el mandato de Caracalla y Geta, dos hermanos que Septimio Severo nombró, antes de morir, coemperadores en el año 211 d. C. Dos miserables y crueles emperadores que mientras disfrutaban de una vida de lujo, de cuantos placeres les ofrecía la vida y de los grandes eventos o espectáculos que les brindaban las sangrientas luchas de gladiadores, el pueblo pasaba hambre. Junto a la corrupción desfilarán las intrigas políticas y las luchas por el poder, durante las cuales los emperadores, senadores e incluso altos cargos de la alta sociedad y del ejército, debían mantener  cubiertas las espaldas, para no sentir el frío aliento de la muerte. No faltará, entre las páginas del guion y las imágenes ofrecidas por Ridley, el espíritu de Máximo presente durante el metraje, sin olvidar las grandes batallas, invadiendo países lejanos o las diseñadas en otros espacios, para sorpresa y goce del espectador, que no haya visto el tráiler. Todo es más grandioso, más espectacular, más brutal y me atrevería a asegurar que más sangriento.

Una narración épica que deslumbra en cada plano, en cada escena, en cada encuadre perfectamente planificado al milímetro, para que nada falle, para que todo resulte apoteósico y sencillamente natural, dentro de lo complejo. Luchas internas y externas que Ridley Scott junto al guionista David Scarpa, con quien trabajó en Napoleón, aprovecha para recrear coreografías navales y terrestres de gran impacto visual, en comunión con los momentos más íntimos y personales de los personajes. Si algo hay que achacarle es que algunos acontecimientos o personajes históricos saltan ciertos años en el espacio tiempo, pero nadie nos ha dicho que sea una recreación fiel a la Historia, sino una de esas película que abrazando hechos históricos, la convierte en un filme inolvidable, de los que por desgracia ya no se hacen.

Ridley se ha vuelto a rodear de un gran grupo de estrellas, actores y actrices que dan vida a estos personajes con gran credibilidad, despuntando a un descomunal Paul Mescal como el nuevo gladiador, un magnífico Pedro Pascal como el general Marcus Acacius y un impresionante Denzel Washington como Macrinus el mercader y en el lado femenino repitiendo personaje, una maravillosa Connie Nielsen como la emperatriz Lucilla; por nombrar alguno de ellos, pues todos, sin excepción, están brutales en sus personajes.

Por todo lo dicho estamos ante un filme de venganzas, de amores y traiciones, de redención, de fidelidad, de corrupción y de esa fuerza que generan los vínculos de sangre. Hay dolor, sudor, rabia y caricias, miradas que atraviesan y otras que alivian, cuerpos fornidos con mentes sensibles y cuerpos débiles con mentes perversas. Quien crea heridas y quien las cura. La gran contienda entre el bien y el mal, la lucha entre la justicia y las injusticias, la eterna batalla de hombres cabales soñando con sobrevivir en un mundo hermoso en contienda con los más viles, viciados por el deseo de poder, dominación y destrucción. La Historia nos enseña, pero parece que no queremos aprender, es como si el ser humano hubiera nacido para destruirse a sí mismo, cuando debería ser todo lo contrario.

Gladiator 2 cuenta con una espectacular y deslumbrante fotografía de John Mathieson, con quien ya ha trabajado en otras películas entre ellas “Gladiator”, “Hannibal” o “El reino de los cielos”, la épica banda sonora de Harry Gregson-Williams, el impresionante vestuario de Janty Yates y  David Crossman o el colosal montaje de Claire Simpson. Si por algo ha destacado siempre el gran maestro Scott, es por la estética en sus filmes, que incluso deja huella en películas menores. Puestas en escena brillantes que la mente captura por su belleza, inclusive cuando la crueldad se desata y aquí me detengo. Ha sido una crítica larga, lo sé, pero creo que merecía la pena. Así que ya sabéis, si visteis la primera parte, no podéis dejar de ver esta y si no fue así, os recomiendo que la veáis y luego disfrutéis de esta obra maestra.  

“Donde tú vas, allí estaré para siempre”

Creo que es fácil intuir que nota voy a poner. Por sí sola se lo merece pero si además, la unimos a su predecesora, con más motivo. Mi nota es 10 y gracias maestro por esta segunda entrega, que no solo yo, sino muchos amantes del cine y de aquel primer “Gladiator” pensábamos si era necesaria. Sí, lo era y es de justicia reconocerlo.

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Paul Mescal, Pedro Pascal, Connie Nielsen, Joseph Quinn, Denzel Washington, Fred Hechinger, Derek Jacobi, Lior Raz, Peter Mensah, Matt Lucas, May Calamawy, Chi Lewis-Parry, Alexander Simkin, Mike Parish, Jean Carbonaro, Alex Gasperetti, Rory McCann, Alec Utgoff, Tim Mclnnerny, Alexander Karim, Lee Charles, Riana Duce, Chidi Ajufo, Alfie Tempest, Hadrian Howard, Mikhail Basmadjian, Paul Candelent, Tom Moutchi, Matthew Charlery-Smith, Maxime Durand, Kurt Laferla, Nahna James, Line Ancel, Bernard Meenan y Stathis Papadopoulos.

PRODUCTORA: Scott Free Productions// Red Wagon Productions// Paramount Pictures// Parkes+MacDonal Image Nation// Red Wago Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.  

BIOGRAFIA DEL DIRECTOR:

Ridley Scott, estudió Arte y Cinematografía en el West Hartlepool Collage of Art y en el Royal Collage of Art, donde desarrolló sus dotes en la pintura, la decoración, la fotografía y el diseño gráfico. Su primer cortometraje lo rodó mientras estudiaba en la escuela de cine, “Boy on a bycicle” 1965 y un capítulo para la serie “Z Cars” de ese mismo año. Continuó en la televisión en series como “Thirty-Minute Theatre” 1966, “Adam Adamant Lives!” 1966/67, “The Infomer” 1967 y “The Troubleshooters”  1969, saltando al cine con “Los duelistas” 1977, “Alien, el octavo pasajero” 1979, “Blade Runner” 1982, “Legend” 1985,  “La sombra del testigo” 1987, Black Rain” 1989, “Thelma & Louise” 1991, “1492; La conquista del paraíso” 1992, “Tormenta blanca” 1996, “La teniente O, Neal” 1997, “Gladiator (El gladiador)” 2000, “Hannibal” y “Black Hawk derribado” 2001, “Los impostores” 2003, “El reino de los cielos” y “Todos los niños invisibles” 2005, “Un buen año” 2006, “American Gangster” 2007, “Red de mentiras” 2008, “Robin Hood” 2010, “Prometheus” 2012, “El consejo” 2013, “Exodus: Dioses y reyes” 2014,  “Marte” 2015, “Alien: Covenant”  y “Todo el dinero del mundo”2017, La Casa Gucci”  y “El último duelo” 2021, “Napoleón” 2023 y este 2024 nos ofrece “Gladiator 2”. No menciono los premios que han obtenido sus obras, porque son numerosos, al igual que los videoclips, sus intervenciones en diversas series de televisión y cortometrajes.

EL BAÑO DEL DIABLO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Austria y Alemania, El baño del diablo está escrita y dirigida por Severin Fiala y Veronika Franz.

Una mujer camina con su bebé llorando en brazos, se interna en un bosque, le coloca un collar que parece un amuleto alrededor del cuello y desde lo alto de una gran cascada lo arroja al agua. Lentamente regresa al pueblo, llama a una puerta y cuando abren comenta que ha cometido un crimen, dicha mujer es condenada a muerte y expuesta ante todos.

Estamos en Austria en el siglo XVIII. En un pueblo rodeado de bosques en donde vive Agnes (Anja Plaschg), preparándose para casarse con Wolf (David Scheid). Una boda austera y tranquila. La noche de bodas Wolf parece no tener demasiado interés en consumar la relación y así ocurre el resto de las noches y de los días. Viven de lo poco que da la pesca. Agnes contrae una extraña dolencia física y mental y hasta aquí puedo escribir.

El guionista y director, Severin Fiala, se inició escribiendo y dirigiendo cortometrajes en 2009. En 2012 codirigió el documental “Kern” junto a Veronika Franz. Juntos alcanzarían un gran éxito internacional dos años más tarde con “Buenas noches Mamá” 2014. En su filmografía nos encontramos con el mediometraje “ElePhant Skin” con Ulrike Putzer, el largometraje colectivo “The Field Guide to Evil” 2018, la colaboración en la serie “Servant” 2019 y junto a la directora Veronika Franz los ya mencionados “Kern” 2012 y “Buenas noches Mamá” 2014 además de “La cabaña siniestra” 2019 y este año nos presentan “El baño del diablo” 2024. En cuanto a la guionista y directora, Veronika Franz se graduó en la carrera de filosofía. En sus inicios fue crítica de cine, asistente de dirección y guionista para numeras obras de Ulrich Seidl hasta debutar en la dirección junto a Severin Fiala y en las obras ya mencionadas.

El baño del diablo se nos presentas como un duro drama rural con connotaciones psicológicas. El terror no es físico ni visceral y por descontado tampoco gore, pues este se encuentra en lo más profundo de la psique de la protagonista, quien en ocasiones nos confunde entre sus delirios y extraños comportamientos, en unos tiempos nada fáciles para las mujeres, pues además de reinar el patriarcado, merodeaban a sus anchas la todopoderosa iglesia y el concepto de brujería, cuando algo era difícil de comprender o explicar. Hay un instante en que un personaje le dice a Wolf que cree que su mujer ha recibido “El baño del diablo”, quedando patente la ignorancia y supersticiones de un pueblo apartado de toda civilización y subyugado a los señores, a cambio de un trozo de pan negro y poco más.

Inspirada en hechos reales, una vez más la mujer es el centro de atención y sin duda ellas nos regalan instantes muy interesantes, en particular los que rodean a Agnes, quien conquista al espectador con una interpretación dramática, aplastante, sobrecogedora y terrorífica, cuando exterioriza lo más íntimo del personaje o en escenas como las lavanderas en el río, sus momentos de introspección ante el altar que ella misma ha creado o las conversaciones con su suegra que le reprocha que no atiende bien a su hijo con frases lapidarias como “Al Señor (Dios) le molestará que no cocines para tu marido”

A tener en cuenta los aspectos técnicos que intervienen, actuando como personajes secundarios y vitales, entre los que encontramos la fotografía, la banda sonora o el sonido. En su conjunto logran concebir estampas que visten al filme de un extraño manto, de una atmósfera fría por la que deambulan, sin ningún pudor, la hambruna, la suciedad, la soledad, la tristeza o los desengaños. Todo bajo el amparo de una magnífica fotografía austera y sencilla, bucólica y bella de Martin Gschlacht, entre precisos encuadres, colores apagados, la tenue iluminación que se apoya en instantes muy concisos en la luz que desprende, por ejemplo, el fuego. La escena en la que Agnes está cocinando con una rama prendida en su boca, nos pone en situación de la vida en esos tiempos. En cuanto al sonido asfixiante escucharemos, aunque no entendamos o sí, al bosque, al viento, a los arroyos, el crujir de la hierba y las ramas o el salpicar del agua y en cuanto a la banda sonora de Anja Plaschg, logra que estemos constantemente en alerta y angustia.

En resumen, “El baño del diablo” es un filme duro, con un “terror” que se alimenta del alma, del cerebro, de las supersticiones, de la depresión, de lo inhumano y de una religión férrea, cuyas promesas mal entendidas pueden llevar al desastre. Una interpretación magnífica de Anja Plaschg y de una desasosegante Maria Hofstäffet encarnando a la suegra y quizás, el punto negativo se encuentre en el ritmo tan pausado que los directores otorgan al filme. ¿Algunas veces necesario? Quizás. Finalmente lo que sí debo avisar al público que espera una película de terror al uso con sus sustos, desmembramientos, gritos, gore etc., que esta no lo es, pero que merece la pena verla, desde otros puntos, cinematográficamente hablando, muy interesantes.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Anja Plaschg, David Scheid, Natalija Baranova, Maria Hofstätter, Lucas Walcher, Claudia Martini, Elias Schützenhofer,

PRODUCTORA: Ulrich Seidl// Film Produktion GmbH// ARTE// Bayerischer Rundfunk (BR) // Heimfilm Gmbh// Österreichischer Rundfunk (ORF)

DISTRIBUIDORA: Caramel Films España.

JAZZMADRID 2024 INFORMA

Nombres de leyenda la próxima semana en JAZZMADRID con Pat Metheny, Dee Dee Bridgewater, John Scofield y Cyrus Chestnut

Pat Metheny, guitarrista icónico del jazz, actuará en el Auditorio Nacional de Música el lunes 11 de noviembre

La colosal voz de Dee Dee Bridgewater brillará en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa el martes 12

En el mismo escenario actuará la directora de orquesta María Schneider junto a la Clasijazz Big Band, una formación almeriense, el día 13

Crosscurrents Trio (Dave Holland, Chris Potter y Marcus Gilmore) comparece el día 14

John Scofield, el sábado, y Cyrus Chestnut (en formato de trío), el domingo, cierran una semana con grandes nombres del jazz en este escenario.

La próxima semana JAZZMADRID 2024 brillará a través de una larga lista de nombres legendarios que llegan a sus escenarios. Desde Pat Metheny, guitarrista icónico del jazz que inaugura la semana, al pianista Cyrus Chestnut (en formato trío), que la cierra el domingo, pasando por la voz colosal de Dee Dee Bridgewater o la actuación de John Scofield, los 20 conciertos oficiales programados componen una oferta especialmente atractiva dentro de este festival que organiza el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid.

La semana comenzará con la actuación, el 11 de noviembre en el Auditorio Nacional de Música, del guitarrista Pat Metheny, un artista cuyo nombre se ha convertido en sinónimo de eficacia y elegante técnica. Después de casi cinco décadas de actividad ininterrumpida, representa uno de los fenómenos interpretativos del jazz con mayor éxito de todo el planeta. El próximo lunes, el público madrileño podrá disfrutar de su proyecto Dream Box, un discreto conjunto de nuevas grabaciones en solitario que nacen de la experimentación durante el tiempo libre que las giras le permitieron tener en lugares como autobuses y habitaciones de hotel.

Conciertos en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

La cantante estadounidense Dee Dee Bridgewater, en formato cuarteto, será la encargada de abrir la semana en el teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Será el martes 12 de noviembre, con la representación de su disco We exist!, un recordatorio del impacto del activismo en el arte visto a través de la creación de diferentes mujeres. Las canciones protesta de este repertorio conectan el pasado y el presente, mostrando el camino que se ha recorrido y el que todavía queda por delante. Dee Dee, vocalista/música, como ella misma se define, es una de las artistas con mayor resonancia en el jazz contemporáneo.

Le seguirá el martes 13 algo poco frecuente en la escena del jazz: la actuación de la directora de orquesta María Schneider con la Clasijazz Big Band. Esta formación almeriense la componen algunos de los mejores músicos de nuestro panorama local, como Rita Payés, Enrique Oliver, Irene Reig, Daahoud Salim, a los que acompañará, entre otros, el acordeonista invitado Philippe Thuriot. Casi una veintena de músicos en escena cuyo programa probablemente recorrerá el álbum Decades, recientemente publicado para celebrar el 30 aniversario de la carrera profesional de la directora. 

El jueves 14, en colaboración con Villanos del Jazz, es el turno de Crosscurrents Trio, que reúne a tres generaciones diferentes de intérpretes con un claro objetivo: ofrecer el mejor jazz imaginable. Esa es la definición que mejor se adapta a la peculiar dinámica artística de esta formación, compuesta por el contrabajista Dave Holland, el tenorsaxofonista Chris Potter y el percusionista y baterista Marcus Gilmore- Este último sustituye al componente original del grupo Zakir Hussain, que no podrá actuar en JAZZMADRID por razones de salud.

El futuro del jazz nacional se sube el viernes a las tablas del Fernán Gómez con la Creativa Grand Ensemble. El saxofonista, flautista, arreglista y compositor Patxi Pascual dirige a dos decenas de músicos, estudiantes del grado superior en Interpretación de Músicas Actuales y Jazz de la Escuela de Música Creativa. Son intérpretes que ya tienen un pie en el mundo profesional.

El guitarrista John Scofield será el encargado de llenar de jazz la noche del sábado. Él, junto a Pat Metheny y Bill Frisell, ocupa un lugar privilegiado en el universo de la guitarra contemporánea de jazz. Scofield es un improvisador rotundo y vigoroso, que pasea su música por los límites buscando el ángulo más vivo del blues, libre de cualquier obsesión por conseguir la obra maestra definitiva en cada entrega.

La semana en este escenario la completa el domingo Cyrus Chestnut en formato instrumental de trío. Este pianista, que creció en Baltimore, tiene una historia muy ligada a los estilos de cada una de las estrellas con las que ha tenido el privilegio de compartir música. Desde Wynton Marsalis a Dizzy Gillespie, desde Betty Carter a Freddie Hubbard y desde Jon Hendricks a Kevin Mahogany. Sin olvidar su pasión por el góspel y por la tradición del piano de jazz.

Programación en CentroCentro

La Big Band del Conservatorio Arturo Soria, con sus jóvenes talentos, abrirá la semana jazzística en CentroCentro el martes 12 de noviembre. Ya el jueves 14 actuará Pepe Zaragoza Quinteto -cuyo concierto se aplazó como consecuencia de la DANA que ha azotado Valencia-, gracias al acuerdo que, cada año, JAZZMADRID  renueva con la AIE, Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España, dentro de su programa AIEnRuta Jazz. Pepe Zaragoza es un trompetista y compositor formado en el núcleo de la escena de jazz valenciana. Su trabajo La plaça dels somnis le hizo acreedor de numerosos premios y su segundo álbum, La cala de l’encís, estuvo nominado por la Generalitat Valenciana a Mejor Disco de Jazz en 2020.

Otros escenarios

En la Sala Villanos, la próxima semana, actuarán el bajista y músico experimental estadounidense MonoNeon el 11 de noviembre; Goumour Almoctar, alias Bombino, estrella del blues del desierto y originario de Níger, el 12; el trío de funk psicodélico, Balthvs, el 13; la atractiva mezcla de sonidos psicodélicos de Meridian Brothers, el 15; y Álex Conde Trío, el 17. También habrá conciertos oficiales en el Teatro Pavón: Robben Ford, uno de los principales guitarristas de blues de la actualidad, actuará el 12 de noviembre; el trompetista israelí Avishai Cohen, el 13; y los británicos Gogo Penguin, el 15.

Completan la programación los conciertos de Tivon Pennicott Quartet y Ebi Soda el 15 y 16, respectivamente, en Tempo Audiophile Club, y Chema Saiz el domingo 17 en Maravillas Club, dentro de la programación de Jazz con sabor a club de Madrid en vivo.

La programación íntegra puede consultarse en festivaldejazzmadrid.com.

Entradas a la venta

Las entradas para los conciertos de la programación oficial de JAZZMADRID 24 se pueden adquirir en la página web del festival. Por su parte, las entradas para asistir a los espectáculos de Villanos del Jazz están a la venta en ese mismo enlace y en su web. 

NOTICIAS BREVES (CCLIV)

 

THE WALT DISNEY STUDIOS y 20th CENTURY FOX STUDIOS nos informa que “DELIVER ME FROM NOWHERE” de Scott Cooper, ya está en marcha en Nueva Jersy la producción de la película biográfica de Bruce Springsteen, protagonizada por Jeremy Allen White.

Ya está en marcha la producción de Deliver Me from Nowhere, la adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación del álbum "Nebraska" de Bruce Springsteen de 1982. La película, que se estrenará solo en cines en 2025, está escrita y dirigida por Scott Cooper y protagonizada por Jeremy Allen White en el papel del visionario músico que se embarca en un viaje emocional para grabar “Nebraska”.

“Iniciar la producción de esta película es un viaje increíblemente humilde y emocionante", ha declarado Cooper. "'Nebraska' de Bruce Springsteen ha influido profundamente en mi visión artística. El retrato crudo y sin ambages que hace el álbum de las dificultades de la vida y de la resiliencia me conmueve profundamente. El propósito de nuestra película es captar ese mismo espíritu, trasladando a la pantalla la cautivadora narración de Warren Zanes sobre la vida de Bruce con autenticidad y esperanza, un homenaje al legado de Bruce que se convierte en una experiencia cinematográfica transformadora. Ha sido un enorme placer colaborar con Bruce y Jon [Landau] para contar su historia, y su energía creativa impregna cada momento de este viaje. Además, estoy encantado de volver a reunirme con mi amigo David Greenbaum [presidente de Disney Live Action y 20th Century Studios], que se estrena en su nuevo cargo en Disney, lo que añade otra capa de inspiración a este proyecto”.

White ha ganado consecutivamente el Globo de Oro®, el SAG, el Critics' Choice y el Emmy® en los dos últimos años por su interpretación en la serie de éxito The Bear de FX. En Deliver Me from Nowhere, White está acompañado de un grupo de intérpretes galardonados y de gran talento.

Jeremy Strong, interpreta a Jon Landau, mentor y mánager de Springsteen durante muchos años.

Paul Walter Hauser interpreta a Mike Batlan, el técnico que se ocupaba de guitarras de Springsteen.

Odessa Young es Faye de joven, un primer amor de Springsteen que tuvo un papel fundamental en su vida.

Sir Stephen Graham encarna al padre de Springsteen.

Johnny Cannizzaro se incorpora al reparto como Stevie Van Zandt, miembro de la E Street Band.

El álbum “Nebraska”, que siguió a la gira “The River Tour” de Springsteen en 1981, marcó un momento crucial en su vida, del que solo hablaría abiertamente décadas después de su publicación. Está considerado un hito en la odisea musical del artista y una fuente de inspiración para una generación de artistas y músicos. Grabado en una grabadora de 4 pistas en el dormitorio de Springsteen en Nueva Jersey y sin The E Street Band, “Nebraska” está considerado uno de los trabajos más perdurables de Springsteen, un disco acústico crudo y atormentado poblado por almas perdidas que buscan una razón para creer.

Springsteen, uno de los personajes más famosos nacido en South Jersey, sigue dejando su huella en Jersey Shore, frecuentando tiendas locales, pizzerías, pubs, restaurantes y locales de música. El rodaje de Deliver Me from Nowhere tendrá lugar principalmente en New Jersey y Nueva York, con producción adicional en Los Ángeles.

Cooper produce junto a Ellen Goldsmith-Vein de Gotham Group y Eric Robinson que ha desarrollado el proyecto con Cooper. Scott Stuber  también ejerce de productor. Tracey Landon, que trabajó recientemente con Cooper en Los crímenes de la academia, y Warren Zanes son los productores ejecutivos.

PARAMOUNT PICTURES nos informa que “SEPTIEMBRE 5” nos informa que es el mejor thriller del año además de una de las mejores películas del año. Llegará a los cines en enero 2025.

SINOPSIS: “Septiembre 5” presenta el fatídico momento que cambió para siempre la cobertura de noticias en los medios de comunicación y que no ha dejado de influir en el tratamiento que se da a las noticias de actualidad. Ambientada en los Juegos Olímpicos de Munich de 1972, la película narra las peripecias de un equipo de retransmisión deportiva estadounidense que hace rápidamente la transición de la información deportiva a la cobertura en directo del secuestro de los atletas israelíes. A través de este prisma, “Septiembre 5” aborda, desde una perspectiva novedosa, la retransmisión en directo que en aquel momento fue vista en todo el mundo por unos mil millones de personas.

La historia gira alrededor de Geoff (John Magaro), un joven y ambicioso productor que se esfuerza por demostrar su valía a su jefe, el legendario ejecutivo de televisión Roone Arledge (Peter Sarsgaard). Junto con la intérprete alemana Marianne (Leonie Benesch) y su mentor Marvin Bader (Ben Chaplin), Geoff toma inesperadamente los mandos de la cobertura en directo. Ante el cambio de temática y narrativa, con plazos que se agotan, rumores contradictorios difundidos por doquier y la vida de los rehenes pendiendo de un hilo, Geoff se enfrenta a decisiones difíciles y sus propios conflictos éticos.

BOSCO FILMS nos informa que “MAX y YO”, la película de animación sobre Maximiliano Kolbe, llegará a los cines el 15 de noviembre.

Bosco Films anuncia el próximo estreno en las salas de cine de MAX, película de animación para toda la familia inspirada en la historia real de MAXIMILIANO KOLBE 

Dos Corazones Films (Cristiada, El Gran Milagro, Guadalupe) produce esta película que llegará a los Cines el día 15 de noviembre en España, y un día antes, el 14 de noviembre, en Guatemala, Panamá, El Salvador, Honduras, Costa Rica, Perú, el 26 de noviembre en Ecuador y en 2025 en Colombia, Uruguay, Paraguay y Argentina.

MAXIMILIANO KOLBE: El personaje Real.

Maximiliano Kolbe es probablemente una de las figuras más conocidas e internacionales de Polonia.

La decisión heroica que puso fin a su vida le ha catapultado a la fama en todos los rincones de la tierra. Grandes personalidades del mundo, todavía hoy, se acercan a su celda en Auschwitz casi como una visita obligada al llegar al campo de concentración. Pero la vida del Padre Kolbe fue casi tan poderosa y chocante como su propia muerte.  

SINOPSIS: Un hombre mayor se convierte en mentor de un adolescente rebelde y enamorado, compartiéndole la extraordinaria historia del héroe polaco: Maximiliano Kolbe. La profunda devoción y la compasión ilimitada de Kolbe finalmente lo llevan a realizar el sacrificio supremo por otro prisionero en el campo de concentración nazi de Auschwitz. Disfruta de esta conmovedora historia en la película MAX y Yo!

FILMAX nos informa que ha comenzado el rodaje de “FRONTERA” de  Judith Colell con Miki Esparbé, Maria Rodríguez Soto y Asier Etxeandía.

El pasado lunes 21 de octubre, de la mano de las productoras Coming Soon Films, Diagonal (Banijay Iberia) y Bulletproof Cupid, arrancó el rodaje de "FRONTERA", un thriller histórico que nos cuenta las aventuras de un grupo de personas que, a pesar de las amenazas, se arriesgan a saltarse las normas para ayudar a los judíos que escapaban de la represión nazi.

Judith Colell, directora y presidenta de la Academia del Cine Catalán, junto con los guionistas Miguel Ibáñez Monroy y Gerard Giménez, construyen este largometraje inspirado en historias reales. El rodaje discurre durante seis semanas en la comarca del Pallars y en localizaciones alrededor de Barcelona con un elenco formado por Miki Esparbé, María Rodríguez Soto, Asier Etxeandía, Bruna Cusí, Jordi Sánchez, Kevin Janssens y Joren Seldeslachts.

Sinopsis: 1943. Franco ha bloqueado el paso de judíos que huyen de la represión nazi por Los Pirineos. En la aduana de un pueblo fronterizo, Manel Grau, un funcionario con un pasado republicano, decide contravenir las órdenes ayudado por Juliana, una vecina del pueblo, Jerôme, un pasador francés.

Entre todos inician una cruzada para ayudar a huir a tantos judíos como sea posible. Es entonces cuando Manel se verá atrapado en una peligrosa odisea que despertará en él y en su mujer Mercé viejos fantasmas de la todavía reciente guerra civil española

“Hoy más que nunca hay millones de personas que tienen que huir de la guerra, del hambre y de las barbaries que provocan sus dirigentes. Al otro lado, siempre hay personas que ayudan, personas que condenan a los que huyen o que miran hacia otro lado como si nada fuera con ellos, gente que arriesga y gente que no” apunta la directora sobre el impulso de un espíritu solidario dentro de una historia cíclica que se refleja a diario en los informativos.

Una película que se vale de la tensión de su narración para captar el interés del espectador y ponerlo en la piel de un sujeto perseguido por las fuerzas de represión de la época. “Eso sucede en nuestro pueblo protagonista, un pequeño lugar del Pirineo de Lleida, tal y como sucede en la vida real. Creo que el cine es un arma de concienciación y de denuncia. Y ‘Frontera’, siendo una película trepidante y con acción, también es eso” concluye Colell, haciendo evidente un enorme compromiso con el poder humanista del cine, ya mostrado en sus obras anteriores.

La película cuenta con apoyo del ICEC, del ICAA, Screen Flanders (una iniciativa de VLAIO en colaboración con VAF), el Tax Shelter del Gobierno Federal Belga y BNP Paribas Fortis Film Finance, MEDIA y con la participación de RTVE y 3Cat.

La distribución en cines será a cargo de Filmax.

SONY PICTURES nos informa que ha finalizado el rodaje de “SIN COBERTURA”, que llegará a las salas de cine el próximo verano 2025

El rodaje de esta aventura familiar que nos llevará, a través de un salto en el tiempo, a ver cómo era la vida antes de la llegada de las nuevas tecnologías, ha concluido en el País Vasco.

La guionista Olatz Arroyo, nos transporta con esta historia hasta la Edad Media, para entender el peso que han adquirido las nuevas tecnologías en la forma de relacionarnos de las familias del siglo XXI.

SIN COBERTURA está protagonizada por Alexandra Jiménez y Ernesto Sevilla, quienes dan vida a los padres de esta familia que completan los niños Luna Fulgencio  y los hermanos Amaia y Aimar Miranda.

Un grupo de reconocidos actores como: Luis Callejo, Pepe Viyuela, Salva Reina, Carmen Ruiz, Joaquín Reyes, Candela Camacho, Carlos Serrano, Germán Alcarazu y la colaboración especial de Petra Martínez  completan el reparto de esta fantasía medieval.

En palabras de su directora, Mar Olid: "Desde que leí por primera vez Sin Cobertura me quedé absorta por todos los ingredientes que tiene: comedia, aventura, familia, amor, amistad, ternura, honor, traición, supervivencia, enfrentamientos, peligro, aprendizaje, historia, magia… es una película de aventuras familiar con mucho humor.Una película de nuestro tiempo y que plantea en clave de comedia la mayor problemática social de nuestros tiempos: el vivir más una vida virtual que la vida real."

Producida por LAZONA Zinema, Buendía Estudios Bizkaia, Atresmedia Cine y LAZONA Producciones con la participación de Atresmedia y Netflix y con la financiación del Ministerio de Cultura – ICAA. Sony Pictures Entertainment Iberia será la responsable de la distribución de la película exclusivamente en cines el próximo verano.

SINOPSIS: Rita es la menor de la familia y está harta de que sus padres y hermanos estén siempre mirando el móvil y no le hagan caso.  En un viaje al pueblo de su abuela para celebrar su cumpleaños conoce a una pitonisa que le concede un deseo. Rita lo tiene claro; quiere que desaparezcan los móviles. A la salida del pueblo una intensa niebla rodea el coche y se quedan sin cobertura. El deseo de Rita se ha hecho realidad, pero no exactamente como ella había imaginado... y es que acaban de viajar en el tiempo y están en plena Edad Media.

DIAMOND FILMS nos informa que “QUIÉN SUPIERA CANTAR COMO LLORA LA CALLAS” de Pablo Larraín y Angelina Jolie como la Callas, llegará pronto a las salas de cine.

En el nuevo film de Pablo Larraín, protagonizado por Angelina Jolie, María Callas, la mejor cantante de ópera de todos los tiempos tuvo, sin duda, una vida única, hermosa pero también atormentada. En el nuevo film de Pablo Larraín, protagonizado por Angelina Jolie, se cuenta la historia de sus últimos días, una celebración plasmada a través de los recuerdos, los amigos y, lo más importante, a través de su privilegiada voz.

Este film es el cierre de la trilogía de Larraín sobre mujeres que dejaron una marca imborrable en la cultura del siglo XX pero que, a pesar de su fama y éxito, se enfrentaron a enormes desafíos personales. Jackie en 2016, Spencer en 2021 y María Callas que se estrenará el próximo 7 de febrero solo en cines.

Sobre la película

La nueva película de Larraín, narra los últimos días de vida de la legendaria soprano María Callas en el París de los años 70. La película, protagonizada por Jolie, sigue un enfoque similar al de otras obras de Larraín, explorando momentos específicos y cargados de emoción en la vida de estas icónicas mujeres.

La trama se desarrolla principalmente en torno a la reclusión final de la cantante, pero utilizando flashbacks que exploran sus complejas relaciones personales, como la que tenía con el magnate griego Aristóteles Onassis. La película profundiza en los contrastes de su vida: mientras el mundo la adoraba por su voz, ella luchaba en privado con sus inseguridades y relaciones tormentosas.

DYP COMUNICACIÓN nos informa que el evento más esperado de la Navidad “NATURALEZA ENCENDIDA”, llega LIFE, en el Parque Enrique Tierno Galván de Madrid.

Desde el 4 de noviembre están a la venta el espectáculo más esperado de la Navidad madrileña: Naturaleza Encendida LIFE, una edición limitada dedicada a celebrar la riqueza del mundo natural en el Parque Enrique Tierno Galván de Madrid.

Tras la gran acogida del año pasado en la nueva ubicación, por la que pasaron más de 300.000 personas agotando entradas durante casi toda la temporada, volvemos al “Tierno Galván”, un parque que permite una experiencia cómoda para todos los visitantes gracias a su amplitud, con inmejorables accesos en transporte público y privado y amplias zonas de aparcamiento.

Además, Naturaleza Encendida aterriza de nuevo en Madrid tras su flamante paso por el Jardín Botánico de Nueva York, donde la experiencia de The Nightmare Before Christmas está agotando todas las entradas.

Esta sexta edición de Naturaleza Encendida en Madrid es un canto a la vida, al mundo natural y a la importancia de preservar la Biosfera. Una experiencia que dividirá el recorrido para explorar tres grandes reinos naturales: el acuático, el terrestre y el aéreo.

Nada más entrar, tras una bienvenida de luces para entrar en calor, los visitantes se sumergirán en un fantástico mundo acuático que parece inventado por Julio Verne. Avistaremos ballenas gigantes, pulpos, medusas e incluso criaturas del mundo abisal.

Saldremos a la superficie para adentrarnos en tierra firme, un recorrido con animales salvajes e insectos exóticos que nos transportarán a otros mundos. Tras nuestra aventura en tierra firme, echaremos a volar y navegaremos por el mundo aéreo, donde terminaremos agudizando los sentidos y descubriendo que incluso el más mínimo aleteo es toda una sensación.

La nueva edición abrirá sus puertas al público desde el 26 de noviembre hasta el  6 de enero de 2025, en una edición limitada. Pases cada 15 minutos con precios desde 14,50 €, a través de la web www.naturalezaencendida.com

DIAMOND FILMS nos informa que “EL ASESINO DEL JUEGO DE CITAS”, estreno exclusivo en Primer Video.

Después de su paso por el Festival de Toronto y tras recibir solo buenas críticas, la ópera prima de la directora y protagonista llega a nuestro país de la mano de Prime Video.

En esta escalofriante historia, conoceremos los sucesos que tuvieron lugar en Estados Unidos, en la década de los 70, donde la joven Cheryl Bradshaw se presentó a un programa de citas de televisión, sin saber que uno de los pretendientes era un asesino en serie.

Sinopsis: Rodney Alcala fue un asesino en serie que participó en un programa de citas de televisión en el que una mujer debía elegir a uno de sus tres pretendientes, con el fin de tener una cita con él. Lo que ella no sabía es que finalmente se decantaría por un asesino que buscaba a su próxima víctima. Basado en escalofriantes hechos reales y protagonizado por Anna Kendrick, es su debut como directora.

SOBRE EL ASESINO EN SERIE, RODNEY ALCALA

Rodney Alcala fue un asesino en serie estadounidense que cometió varios crímenes en la década de 1970. Nació el 23 de agosto de 1943 y se destacó por su capacidad para manipular y atraer a sus víctimas, muchas de las cuales eran mujeres jóvenes. Alcala fue condenado por el asesinato de varias mujeres, pero se cree que sus crímenes podrían ser aún más numerosos.

Uno de los aspectos más notorios de su historia es que participó en el programa de televisión The Dating Game en 1978, donde fue presentado como un candidato atractivo. A pesar de su participación en el programa, ya había sido arrestado y estaba bajo investigación por varios asesinatos en ese momento.

Alcala fue finalmente condenado por varios asesinatos y sentenciado a muerte. Su caso ha sido objeto de numerosos documentales y programas de televisión debido a la naturaleza escalofriante de sus crímenes y su capacidad para llevar una vida aparentemente normal mientras cometía atrocidades. Fue arrestado en 1979 y, tras varios juicios y apelaciones, fue declarado culpable en varias ocasiones. Su historia a menudo se pone de ejemplo como un recordatorio de los peligros que pueden ocultarse detrás de una fachada carismática. Alcala falleció en julio de 2021 mientras estaba en prisión.

La película está disponible, en la plataforma de streaming. Para más información y materiales, puedes dirigirte al departamento de comunicación de Prime Video.

VERTICE 360 nos informa que “CIUDAD DE ASFALTO” de Jean-Stéphane sauvaire, llegará a los cines el 20 de diciembre 2024.

“CIUDAD DE ASFALTO, el tercer largometraje de Jean-Stéphane Sauvaire, protagonizado por el ganador de dos Óscar Sean Penn y Tye Sheridan, llegará a los cines españoles el próximo 20 de diciembre de la mano de Vértice 360.

Michael Pitt, el mítico exboxeador Myke Tyson, Katherine Waterston y la boxeadora profesional Kila Reis, en su debut cinematográfico, completan el reparto.

Ben Mac Brown y Ryan King (The Tutor) firman el guion de “Ciudad de asfalto”, basado en la novela homónima de Shannon Burke de 2008.

SINOPSIS: Ollie Cross (Tye Sheridan) es un joven paramédico que, mientras prepara el examen de acceso a la Facultad de Medicina, recorre con Gene Rutovsky (Sean Penn) en ambulancia las calles de Nueva York.

Rutovsky, curtido en mil batallas y uno de los paramédicos más veteranos de la ciudad, será su compañero y mentor. De él aprenderá todo lo necesario para tratar a los pacientes y sobrevivir a su caos diario. 

SOBRE LA PELÍCULA

Antes de dar el salto a la dirección de largometrajes, el realizador Jean-Stéphane Sauvaire ya causó sensación como director de varios cortos relacionados con la violencia juvenil.

Ben Mac Brown y Ryan King firman el guion, que se basa a su vez en la novela homónima de Shannon Burke de 2008.

Mike Tyson interpreta al oficial superior de los paramédicos, desempeñando  un rol con una gran carga dramática y mucho más protagonismo del que suele ser habitual en sus cameos y apariciones.

Los productores incluyen a Warren Goz y Eric Gold de Sculptor Media, Christopher Kopp y Lucan Toh, y Tye Sheridan. Sean Penn también produce a través de sus socios de Projected Picture Works, John Ira Palmer y John Wildermuth.

TRIPICTURES nos informa que “UNA VIDA EN SECRETO” de Savi Gabizon, llegará a las salas de cine el 22 de noviembre.

El próximo 22 de noviembre llega a los cines UNA VIDA EN SECRETO, escrita y dirigida por Savi Gabizon y protagonizada por Richard Gere, Diane Kruger y Suzanne Clément.

“Una vida en secreto” está basada en la película original GA'AGUA, también escrita y dirigida por Savi Gabizon que ganó el Premio de Público en el Festival de Venecia.

SINOPSIS: Daniel, un rico soltero neoyorquino (Richard Gere), se ve obligado a evaluar sus elecciones de vida cuando descubre que una ex novia suya (Suzanne Clément) dio a luz a su hijo después de su separación hace 20 años

THE WALT DISNEY STUDIOS nos informa que “VAIANA 2” llegará a los cines el 29 de noviembre solo en cines y que ya están las entradas a la venta.

Vaiana vuelve a la gran pantalla en una nueva película con las voces de Auli'i Cravalho como Vaiana y Dwayne Johnson como el semidiós Maui en la versión original. 

Vaiana 2 reúne a Vaiana y Maui tres años después en un nuevo y emocionante viaje junto a una tripulación de insólitos marineros. Tras recibir una inesperada llamada de sus antepasados, Vaiana debe viajar a los lejanos mares de Oceanía y adentrarse en peligrosas aguas perdidas desde hace mucho tiempo para vivir una aventura sin precedentes.

El reparto de voces en la versión original también incluye a Rachel House (Gramma Tala), Temuera Morrison (Chief Tui) y Nicole Scherzinger (Sina), así como a Hualālai Chung, David Fane y Rose Matafeo como los nuevos miembros de la tripulación de Vaiana: Moni, Kele y Loto, respectivamente. Awhimai Fraser pone voz al misterioso nuevo personaje Matangi; Gerald Ramsey interpreta al antepasado de Vaiana, Tautai Vasa; y Khaleesi Lambert-Tsuda presta su voz a la adorable hermana pequeña de Vaiana, Simea.

Dirigida por David Derrick Jr, Jason Hand y Dana Ledoux Miller, y producida por Christina Chen e Yvett Merino, Vaiana 2 cuenta con música de las ganadoras del Grammy® Abigail Barlow y Emily Bear, la nominada al Grammy Opetaia Foaʻi, y el tres veces ganador del Grammy Mark Mancina. Jared Bush y Miller escriben la película, que cuenta con la producción ejecutiva de Jennifer Lee, Bush y Johnson.