FERRARI: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos e Italia, FERRARI, está dirigida por Michael Mann con guion de Troy Kennedy-Martin. “Si te subes a uno de mis coches, te subes para ganar”

Enzo Ferrari (Adam Driver) se despierta junto a su amante Lina Lardi (Shailene Woodley) y antes de salir de la casa contempla como su segundo hijo, Piero Lardi (Giuseppe Festinese) duerme apaciblemente. Entre sus actividades diarias está la de visitar la tumba de su primer hijo, Dino Ferrari que sufrió una grave enfermedad y ya en el hogar familiar, se encuentra con su mujer Laura Ferrari (Penélope Cruz), que le reprocha sus flirteos. En el hogar también vive la madre de Enzo, Adalgisa Ferrari (Daniela Piperno). Tras presentarnos a los personajes y las tiranteces familiares, la historia nos conduce a la vida profesional de Enzo y su lucha porque su marca, Ferrari, no desaparezca; para ello, deberá  fortalecer su escudería con los mejores pilotos y presentarse a la famosa carrera de la Mille Miglia, cuyo desenlace, para quienes no conozcan la historia, no desvelaré.

El guionista, productor y director, Michael Mann, estudió literatura inglesa en la Universidad de Wisconsin-Madison pero no finalizó dichos estudios pues se enamoró del cine he ingresó en la London´s  International Film School para cursar cinematografía entre los años 1965/67. Comenzó su carrera profesional en la televisión en la década de los 70 pero antes dirigió dos cortometrajes “Jaunpuri” 1971 y “17 Days Down the Line” 1972. Para televisión dirigió “Las vegas” 1978 y el telefilme “Hombre libre” 1979, para debutar en el largometraje con “El ladrón” 1981, continuando con “La fotaleza” 1983, “Hunter” 1986, “El último mohicano” 1992, “Heat” 1995, “El dilema” 1999, “Ali” 2001, “collateral” 2004, “Corrupción en Miami” 2006, “Enemigos públicos” 2009,  “Blackhat: Amenaza en la red” 2015 y “Ferrari” 2023. En televisión también cuenta con series como “Corrupción en Miami” 1984/89, “La historia del crimen” 1987 y “Luck” 2011; la miniserie “Camarena (La guerra de las drogas) 1990 y “Tokyo Vice” 2022.

Lo primero que quiero detallar es que la película tiene dos partes muy diferenciadas, que se van entrelazando entre sí a lo largo del metraje. Por un lado, el drama propiamente dicho que rodeó a la vida de Enzo Ferrari, el creador de la gran escudería y del otro el espectáculo de las carreras de los Fórmula 1. Dicho esto comencemos con el drama.

La historia se ubica en el año 1957 en los meses previos a la última carrera que se celebraría de la famosa Mille Miglia, mostrándonos en un momento determinado, con absoluto e impactante realismo, el motivo por el que dicha carrera no volvería a celebrarse. Durante esos meses Enzo deberá lidiar con la crisis económica que atraviesa, tratar de contratar a los mejores pilotos y crear el motor que proporcione mayor potencia a sus coches y en la parte más íntima, entenderse o al menos intentarlo, con sus dos amores: Lina, con quien tiene un hijo no reconocido, Piero, al que adora y Laura, una mujer de armas tomar que no le perdona la muerte del hijo que ambos tuvieron y por supuesto sus escarceos. Dos relaciones muy distintas que el espectador irá descubriendo entre el ritual que suponen los entrenamientos, las puestas a punto de los coches y las rivalidades.

Un drama intenso de corte muy italiano despuntando los dos personajes principales. Adam Driver totalmente irreconocible en su caracterización de Enzo, irradia frialdad, seriedad hermética y rigidez en sus movimientos; aunque en la intimidad apunta atisbos de humanidad, sobre todo cuando está con su hijo; una humanidad  de la que parece carecer durante todo el filme, pues son varios los instantes en que deja sin aliento al espectador, como la escena en la que un piloto se sale de la pista y muere y él mira a un piloto que desea entrar en su escudería y le dice que le llame el lunes. En su rostro no aparece el mínimo gesto de dolor. Y llega el momento de ella, de la gran estrella del filme. Penélope Cruz se come la pantalla cada vez que hace acto de presencia. De entre la capa de maquillaje y un vestuario que no la favorecen en absoluto, florece la estrella internacional que ya es por méritos propios. Relucen sus ojos y se impone su temperamento. Pe está brutal, descomunal, increíble. Su donna italiana resulta totalmente creíble: furiosa por sentirse engañada, dolida por la pérdida de un hijo, inquebrantable ante la sociedad que tiene con su marido, pues ambos fundaron la marca Ferrari; frágil dentro de su fortaleza y luchadora incansable. Ella, nuestra querida Penélope, junto con las carreras de autos, lo mejor del filme.

Toca hablar del espectáculo que demanda el espectador y Mann no decepciona. Las carreras resultan impresionantes. La ejecución brilla en cada movimiento de cámara y la espectacular selección de planos, para situarnos en primera línea y no perder detalle, pues de detalles Mann sabe mucho y lo demuestra con la atmósfera que logra entre los rugidos de los motores, el fuego que desprenden los tubos de escape, el frío que se percibe en el exterior, la salida de los coches uno a uno, las cortas conversaciones, que en ese momento Enzo mantiene con sus pilotos; el ambiente festivo que rodea a la prueba o la lluvia que cae sobre los coches y los pilotos que vemos incluso estrellarse en los faros de los coches. No falta detalle y cada uno de ellos han sido recogidos por la fotografía de Erik Messerschmidt, con un extraordinario uso de la luz y el color. Un filme al que también le acompaña la dramática e intensa banda sonora de  Daniel Pemberton y no me puedo olvidar del milimétrico montaje de Pietro Scalia.

Resumiendo, un filme entretenido aunque con algunas carencias que se olvidan cuando ese tramo final hace acto de presencia.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de febrero.

REPARTO: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Gabriel Leone, Sarah Gadon, Jack O`Connell, Patrick Dempsey, Michele Savoia, Valentina Bellè, Brett Smrz, Ben Collins, Lino Musella, Sergio Scaglietti, Tommaso Basili, Massi Furlan, Guiseppe Bonifati, Wyatt Carnel, Andrea Bruschi, Erik Haugen, Leonardo Caimi, Luca Della Valle, Samuel Hübinette, Peter Arpesella,  Daniela Piperno, Andrea Dolente y Gianfilippo Grasso.

PRODUCTORA: Moto Productions// Iervolino&Lady Bacardi Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

LA TIERRA PROMETIDA (THE BASTARD): CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Dinamarca, Noruega y Alemania, La Tierra Prometida (THE BASTARD) está dirigida por Nikolaj Arcel, compartiendo guion con Anders Thomas Jensen. “Dios es caos, la vida es caos”… “No, la guerra es caos”

En el año 1755 Ludvig Kahlen (Mads Mikkelsen) se instala en los desérticos páramos de Jutlandia con la intención de crear el primer asentamiento del rey, haciendo fértil la tierra; pero se encuentra con un obstáculo, Frederik de Schinkel (Simon Bennebjerg), un despiadado terrateniente convencido de que dichas tierras son de su propiedad. Ludvig toma como ayudantes a un matrimonio: Ann Bárbara (Amanda Collin) y Johannes Eriksen (Morten Hee Andersen) que han escapado de las garras del amo y a una pequeña que todo el mundo repudia porque aseguran que trae mala suerte, Anmai Mus (Melina Hagberg). Desde el principio Kahlen deberá luchar con cuantos obstáculos se le ponen en el camino y no precisamente los yermos brezales.

El guionista y director, Nikolaj Arcel, estudió en la Escuela Bernadotte de Hellerup, en la secundaria Østre Borgerdyd y concluyó en la Escuela de Cine de Dinamarca en el 2001. Su proyecto de graduación fue el cortometraje “Woyzeck Last Symphoni” 2001. En el cine debutó con “El juego del rey” 2004 al que han seguido “La isla de las almas perdidas” 2007, “La verdad sobre los hombres” 2010, “Un asunto real” 2012, “La torre oscura” 2017 y este año nos ofrece “La tierra prometida (The Bastard) 2023.

Muchos me diréis y yo afirmo también, que el séptimo arte cuenta con grandes actores, pero ninguno me negará de la prestancia, el saber hacer y del sello indiscutible que aporta Mads Mikkelsen, en cada uno de sus trabajos. Un actor cuyo magnetismo traspasa la gran pantalla, acometiendo con gran naturalidad cualquier proyecto que se le encomiende y lógicamente al “jugar” en casa, en su país natal y bajo las órdenes de un cineasta como Nikolaj Arcel, le reporta mayor confianza y verdad; algo que transmite desde el primer instante en que vemos a ese capitán, que proyecta cultivar una tierra incultivable. Nos regala, a lo largo de sus dos horas de metraje, una excepcional MasterClass interpretativa, pues sobre sus hombros recae todo el peso de este extraordinario filme, en el cual la tierra, siempre generosa con quien es paciente, la escucha, respeta y cuida, cobra un protagonismo de excepción.

Una historia que nos adentra en tiempos pasados sin obviar ningún detalle y que como ya he comentado, la tierra es una de las protagonistas, dadora de vida, seguridad y testigo de las rivalidades sociales y políticas, en el ya lejano siglo XVIII. De una parte contamos con la lealtad y el trabajo representados por Ludving y en el lado opuesto, el cruel y déspota terrateniente Frederick, quien se cree no solo dueño de esas tierras. Al primero le mueve un deseo y un objetivo. El deseo de complacer a su señor, el rey Federico V y el objetivo que tras los resultados obtenidos, con el esfuerzo, el sudor y la tenacidad, sea recompensado con un título y unas tierras en las que vivir el resto de sus días; mientras que su enemigo, solo piensa en sus posesiones y un poder, cada vez más debilitado. Dos contendientes que rara vez pisan el terreno del oponente, pero cuando esto sucede, el horror se cierne entre el dolor, el derramamiento de sangre, la violencia, la impotencia, la furia y la sumisión. Un filme dominado por los abrumadores silencios, las penetrantes miradas y las parcas pero afiladas y sentenciadoras palabras. Un drama de época para el disfrute del espectador.

El filme cuenta con una puesta en escena impecable por la que transitan las venganzas, las supersticiones, la burocracia, la esclavitud, la tiranía, la unidad, los miedos, la tenacidad, la nobleza, las luchas contra el opresor, el orgullo, la supervivencia, el amor, la diferencia de clases y el trabajo; el siempre duro y fatigoso trabajo. Todo ello y mucho más, retratado en la realista y sobrecogedora fotografía de Rasmus Videbæk, mostrando además, las inclemencias del tiempo entre las nubes plomizas, el viento helador que casi podemos percibir y las lluvias torrenciales, bajo tormentas que rasgan el cielo en las sombrías noches, sin olvidar el gran enemigo de su plantación, la nieve.

Las emociones parecen hallarse tan gélidas como el entorno en el que habitan los personajes, pero serán las sutiles miradas, las caricias e incluso los tímidos y necesarios silencios, quienes nos desvelen su humanidad. Humanidad que Arcel no olvida en ningún instante, creando un interesante estudio  del complejo comportamiento del ser humano. Cada personaje está magníficamente definido e interpretado por lo que no destacaré a ninguno de ellos, salvo, como ya he hecho, a su protagonista principal; lo que sí mencionaré de paso, es la dramática y emotiva banda sonora de Dan Romer.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de febrero.

REPARTO: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg, Melina Hagberg, Kristine Kujah Thorp, Gustav Lindh, Monten Hee Andersen, Thomas W. Gabrielsson, Magnus Krepper, Søren Malling, Morten Burian, Jacob Lohmann y Olaf Hojgaard.

PRODUCTORA: Koch Films// Nordisk Film// SVT// Zentropa// Plaion Pictures// Nordisk Films// TV2

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Bteam Pictures.  

SALA DE PROFESORES: CRÍTICA DE CINE

Sala de profesores está dirigida por Ilker Çatak compartiendo guion con Johannes Duncker.

Carla Nowak (Léonie Benesch) es una profesora idealista que imparte clases de matemáticas y educación física en un colegio de secundaria, en el que se han perpetrado varios robos. Un día decide dejar sus pertenencias sobre una silla y en la mesa su ordenador con la cámara grabando, descubriendo que una de las trabajadoras, le ha robado en esos minutos en que ha estado ausente, el problema se agrava cuando dicha mujer tiene a su hijo estudiando en el mismo colegio y Carla es una de sus profesoras.

El guionista, productor y director, Ilker Çatak, se graduó en la escuela de la embajada en Estambul. Regresó a Alemania donde trabajó durante cuatro años en producciones cinematográficas. En 2009 se licenció en dirección de cine y televisión en la Universidad de Dekra Media de Berlín. El máster lo realizó en la Escuela de Medios de Comunicación de Hamburgo y recibió una beca de escritura del Bayerischer Rundfunk. Su película de graduación fue “Sadakat” 2014, pero antes ya había realizado otros cortometrajes como “Eskimo Frosch” 2005, “Fast Fiktion” 2006, “Mehrzahl Heimat” 2007, “Iki Arada Bir Denizde” y “Ayda” en 2008, “Namibya sehir iken…” 2010, “Alter Schule” 2013 y en 2014 rodó “Sadakat”, “Wo wir sind” y  “Zeitraum”. En el largometraje debutó con “Es war einmal Indianerland” 2017, “Es gilt das gesprochene Wort” 2019, “Stanbul Garde” 2021y este año nos ofrece “Sala de profesores” 2023. Para televisión ha dirigido un episodio de  la serie “En el lugar del crimen” 2021

Sala de profesores, ha resultado, al menos para mí, toda una sorpresa en este comienzo de año. Reconozco que asistí al pase, primero sin saber nada del argumento, como es natural y segundo, pensando que me encontraría con un filme de corte clásico en el que el guion nos ofrecería los trances por los que pasan algunos alumnos y profesores, el entorno del centro educativo, los problemas personales y las mentes de los más jóvenes; y aunque es cierto que esos elementos está presentes en el desarrollo, Ilker Çatak y Johannes Duncker, van más allá, introduciéndonos  en las entrañas de un colegio de secundaria para, a través de un incidente determinado, mostrar una realidad que está causando muchos debates y quebraderos de cabeza entre profesorado, padres y alumnos, debido a la permisividad derivada de las leyes en defensa del menor y la rendición de algunos padres con respecto al comportamiento de sus hijos. Una narración que aborda temas como el uso de las redes sociales y sus efectos,  el poder de la manipulación de la prensa escrita, en este caso a través de la revista que confeccionan los propios niños en el colegio o el racismo, tan presente en la sociedad.

Estamos por tanto ante un thriller psicológico que va elevando la tensión emocional y el drama colectivo entre los planos, en cada una de las escenas y en los rincones en los que el director decide detenerse parar mostrar los espacios en los cuales se desarrolla la angustiosa pesadilla, máxime para Carla, interpretada por una excepcional Léonie Benesch quien se convierte por méritos propios en el alma y el corazón del filme, desde el mismo instante en que nos involucra en su desventura. Sin ella, este frágil castillo de naipes, no se mantendría en pie. En el lado opuesto, el cuerpo lo forman el grupo de alumnos, que ya de entrada provocan un extraño escalofrío, como el que sentimos en su día, salvando las distancias, con “¿Quién puede matar a un niño?” 1976 de Narciso Ibáñez Serrador, algo siniestro se percibe cuando hacen acto de presencia.

Finalizo, pues, como bien sabéis, no me gusta descubrir nada más allá de lo que se puede contar, comentando que Sala de profesores es un filme necesario, dirigido con suma elegancia y precisión. Cuenta con un guion, incisivo, inteligente y realista; con un uso excepcional de la cámara a través de la cual se exponen las naturales y demoledoras interpretaciones, en una historia tan actual, que duele. La fotografía ha corrido a cargo de  Judith Kaufmann y la banda sonora de Marvin Miller. 

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de febrero.

REPARTO: Leonie Benesch, Eva Löbau, Leonard Stettnisch, Anne-Kathrin Gummich, Michael, Klammer, Sarah Bauerett, Kathrin Wehlisch, Rafael Stachowiak, Goya Rego, Özgür Karadeniz, Uygar Tamer, Katinka Auberger, Canan Samadi y Tim Porath.

PRODUCTORA: if.. Productions// ARTE// ZDF//

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.  

POBRES CRIATURAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos, Pobres Criaturas, está dirigida por Yorgos Lanthimos con guion de Tony McNamara, quien adapta la novela de Alasdair Gray.

Contemplamos a una joven, Bella Baxter (Emma Stone), en lo alto de un puente, muy pensativa, quien tras unos segundos de suspense, se lanza al vacío. Seguidamente la vemos frente a un piano aporreando las teclas con rabia, sin poner demasiado interés; tras ella se sitúa el científico Godwin Baxter (Willen Dafoe), cuyo rostro está desfigurado con grandes cicatrices. La relación entre ambos la descubriremos más adelante a la vez que se nos revelará las fuertes personalidades y comportamientos tan dispares que presentan cada uno de ellos, el de Bella agresivo e infantil y el de Godwin más sosegado, aunque un tanto singular.

Godwin toma como ayudante a uno de sus alumnos, Max McCandless (Ramy Youssef) que se enamora de la joven a primera vista, amor que acepta Godwin. Bella tendrá otro pretendiente, un abogado libertino, jugador y posesivo, Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo) quien propone a Bella hacer un viaje por todo el mundo, para que descubra lo que se esconde fuera de la gran mansión en la que vive, pues jamás ha salido al exterior.

El director de teatro y cine, Yorgos Lanthimos, estudió dirección de cine y televisión en la Escuela de Cine de Atenas. Debutó en la dirección con el cortometraje “O viasmos tis Hlois” 1995 y en el largometraje con “My Best Friend” 2001, “Kinetta” 2005, “Canino” 2009, “Alps” 2011, “Langosta” 2015, “El sacrificio de un ciervo sagrado” 2017, “La favorita” 2018 y este 2023 nos presenta “Pobres criaturas. En el cortometraje encontramos piezas como  “Uranisco Disco” 2002, “Necktie” 2013, “Nimic” 2019, “Gucci Of Course a Horse” 2020 y el mediometraje “Vlihi” 2022. También ha dirigido un importante número de videoclips.  

Hay directores y actores que siempre están dispuestos a dar un paso adelante, a cruzar límites insospechados, crear nuevas maneras de narrar o de interpretar, en definitiva, jugar, dejarse llevar y experimentar con el séptimo arte y así llegar a un público cada vez más exigente. De la unión de dos genios: una gran actriz y un director difícil de clasificar, nace una obra impactante, excesiva, divertida, dramática, insolente y fascinante. Emma está de Oscar con cada gesto, movimiento, palabra o mirada; por su parte Yorgos, nos regala una gran lección de cine, una MasterClass con claras referencias al cine clásico mudo pero con la mirada asentada en el siglo XXI.

Abrazando sin complejos la vanguardia y la originalidad que le caracteriza,  Lanthimos realiza un filme que hechiza al espectador con un amplio abanico de emociones y sensaciones a la vez que expone, sin ningún pudor, la eterna lucha entre el bien y el mal, desnudando las debilidades humanas: el abuso de poder, la venganza, la quebradiza fragilidad del ser, las pasiones, la vanidad, la búsqueda del aprendizaje, el amor  o el deseo, los miedos… Todo a través de mentes inocentes, viciadas y perversas. Un filme inquietante que nos envuelve, nuevamente, en el extraordinario uso de lentes de ojo de pez. Una fotografía que navega entre un elegante blanco y negro y el ostentoso color que con maestría utiliza Robbie Ryan, presentando entre sugerentes encuadres y el cuidado uso de la luz, decorados que nos recuerdan al expresionismo alemán o al barroquismo más oscuro y con ello, resaltar la incertidumbre que sufren y experimentan los personales. En esta ocasión ha contado con la poderosa banda sonora de Jerskin Fendix. Música que se me antoja desconcertante, chirriante y experimental, sostenida por el sonido de instrumentos de cuerda que nos destrozan los nervios y tensan la piel.

Un filme que abandera el feminismo mostrándonos a  una mujer que con sus carencias, se abre camino en un mundo de hombres a los que se enfrenta, abofetea, ignora y utiliza. Bella, bajo su manto de inocencia ante la vida y el machismo, sin ningún tipo de filtro, coloca a cada uno en su sitio a la vez que descubre su sexualidad. Un personaje encarnado por una gran actriz que nos demuestra su capacidad para interpretar cualquier personaje. Emma Stone, está soberbia, radiante, espectacular, divertida, dramática, maravillosa, cautivadora, sensual y sexual. Nos obsequia con cientos de matices para dar vida a este “monstruo” que bebe del clásico de Frankenstein, femenino, sexy y que enamora al espectador. Está acompañada por un importante ramillete de actores como Wilem Dafoe, Mark Ruffalo o Ramy Youssef, ofreciendo lo mejor a sus personajes al igual que el resto del elenco.

Pobres criaturas está dividida en capítulos: “Portugal”, “El barco”, “Alejandría”, “París” o “Londres” y entre el gran imaginario de Yorgos, desfilan monstruos como la gallina con cabeza de cerdo, el perro pato o el auto que aun yendo con motor, conserva en la parte delantera, un busto de caballo. Estamos ante un filme, que estoy seguro no dejará indiferente a nadie y por ende sorprenderá para bien, a la gran mayoría.

En resumen, Pobres Criaturas, cuenta con un guion inteligente, magníficas interpretaciones, una extraordinaria fotografía, como ya he comentado así como la discordante banda sonora y cometería un pecado imperdonable si me olvidara del rico y vistoso vestuario de  Holly Waddington, entre modelos de clara inspiración victoriana hasta traspasar el exceso del surrealismo, recreando cada fase por las que Bella pasará

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de enero

REPARTO: Emma Stone, Mark Ruffalo, Margaret Qualley, Wilem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Suzy Bemba, Wayne Brett, Kathryn Hunter.

PRODUCTORA: Element Pictures// Fruit Tree Media// Fox Searchlight// Film4 Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Searchlight Pictures y Walt Disney Pictures.

SLOW: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Lituania, Suecia y España, SLOW, está escrita y dirigida por Marija Kawtaradze. “¿Qué significa ser un hombre?”

Elena (Greta Grineviciute) trabaja de profesora en una escuela de danza contemporánea. Dovydas (Kestutis Cicenas) es intérprete de lengua de signos, al que contrata Elena para sus clases dirigidas a jóvenes sordos, quienes tienen previsto acudir a un campamento en el que demostrarán sus cualidades. Ambos parecen conectar desde el principio, pues aunque Elena tiene fama de que las relaciones largas no son lo suyo, con Dovydas todo resulta más fácil y diferente; no es un joven como los demás, en él se encierra toda una historia por descubrir.

La guionista y directora, Marija Kawtaradze, realizó sus estudios de cine en la Academia Lituana de Música y Teatro entre los años 2010/14. En esos años dirigió 5 cortometrajes: “Paskutinis zmogus, su kuriuo as kalbejau” 2010, “Youngblood” y “Normal People Don´t Explode Themselves” 2013, “Man Dvim Keli” y “Parketo skutejai” ambos en 2014 e “Igloo” 2015. Su primer largometraje llegó con “Summer Survivors” 2018 y ahora nos ofrece “Slow” 2023.

¿Qué significa ser un hombre?, cuestión con la que Dovydas no solo  interroga a Elena en un momento determinado, sino que lanza al público asistente a la sala; llevándonos con este dilema, en parte, hacia la frase  que reza en el cartel de la película “Una historia de amor sin sexo” y es que sin duda, hoy en día, nos resultaría extraña una relación de pareja entre dos personas, sean del sexo que sean, en donde la sexualidad no formase parte de ese concepto universal y tantas veces mitificado que es el amor. Todo comenzará a aclararse cuando Dovydas, informa a Elena y por ende al espectador, que es abiertamente asexual. A partir de este punto de inflexión, el espectador curioso se acomoda y entrega todos los sentidos a lo que está por venir en la gran pantalla.

Una historia tan sutil, como el batir de las alas de una mariposa, expresión que ya me habréis leído en otra ocasión pues la utilicé para un filme tan frágil y fuerte, como el que nos concierne ahora. Una narración delicada en su escritura en medio de diálogos que nos llevan a la reflexión y con nervio, en la dirección. La joven directora lituana, Marija Kawtaradze, disocia con suma elegancia y un romanticismo exento de cursilería, el amor desde un enfoque nunca visto en la gran pantalla, al menos por quien os está escribiendo. Analiza una de las múltiples facetas del querer, una de tantas desconocidas por el ser humano y que bien sea por educación, convencionalismos o creencias religiosas, solo se despiertan en las mentes de los más inquietos o en quienes están abiertos a experimentar nuevas sensaciones, emociones y percepciones. Si el ser humano nace libre, el amor que galantea con él, con mayor motivo.

Cuatro son las grandes columnas que sustentan este filme: Las dos primeras recaen sobre los hombros, las manos y la mente de Marija, firmando un correctísimo guion, en el que nada sobra ni falta y una dirección tan equilibrada que estremece, en medio de los perfectos ángulos, la etérea  iluminación y la disposición de la cámara que en ocasiones parece que vaya a traspasar la fina línea de la intimidad de sus personajes entre travellings, cámara en mano, planos cortos o primeros planos; pero siempre acertando a dejar el aire suficiente, para que eso no suceda. Kawtaradze se apoya en la fotografía de Laurynas Bareisa, quien recrea postales granuladas, que nos recuerdan otros tiempos y otra manera de hacer cine, dando importancia a los momentos de silencio mientras capta y nos regala instantáneas que pasan por las más tiernas miradas, las más sosegadas sonrisas, las caricias más vaporosas hasta alcanzar a leer los pensamientos más personales. La tranquilidad es la constante que junto a la naturalidad, rubrican toda la obra. Con su segundo largometraje, Marija, estampa su firma en el libro de oro de las grandes directoras.

Los otros dos pilares los forman las sensacionales interpretaciones de Greta Grineviciute y Kestutis Cicenas, encarnando a esta joven pareja tan dispar y cuyos polos se atraen de forma excepcional, para hablarnos de las relaciones de pareja, de los conflictos familiares, la libertad de elección, el apoyo de los padres y los traumas; de los miedos y la soledad, la diversidad y la inclusión, de lo espiritual frente a lo carnal e incluso haciendo crítica sobre las normas establecidas. Alma y cuerpo, siempre presentes y fusionándose con sus trabajos, que parecen condicionar sus personalidades. La fuerza, la pasión, la vitalidad que desprende Elena a través de la danza en contraste con la quietud, la sutileza, la presencia y la paz que  Dovydas, transmite, con la interpretación del lenguaje. Ambos nos atrapan en sus mundos de formas muy diferentes pero ante todo, exhalando armonía.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de enero.

REPARTO: Greta Grineviciute, Kestutis Cicenas, Pijus Ganusauskas, Laima Akstinaite, Vaiva Zymantaite, Tove Skeidsvoll, Dominykas Vaitiekunas, Mantas Barvicius, Rimante Valiukaite, Ugne Siauciunaite, Mantas Stabacinskas, Dovile Silkaityte, Egle Poskeviciute, Gediminas Rimeika, , Nijole ,Meskyte Misiuniene, Matas Dirgincius, Pau Colera, Isabel Naveira, Vidas Bizunevicius, Erika Jocyte, Matthew Woodcock, Olga Kuzmina Davliasevic, Agniete Lisicknaite, Martynas Styra y Dainius Armanavicius.

PRODUCTORA: M-Films// Frida Films// Garagefilm International// Film Stockholm.

DISTRUBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films.

CUANDO ACECHA LA MALDAD: CRÍTICA DE CINE

           Cuando acecha la maldad, está escrita y dirigida por Demián Rugna.

Los hermanos Pedro (Ezequiel Rodrígez) y Jimi (Demián Salomón) viven en una casa en medio de un pueblo. Una noche se despiertan por el sonido de varios disparos, salen al exterior pero no ven nada; al día siguiente rastrean el lugar y se encuentra con el cuerpo medio descuartizado de un hombre. Revisando las pertenencias del asesinado, encuentran un cuaderno con un mapa que les indica la casa de María Elena (Isabel Quinteros). Al verlos llegar, María Elena les pide entre sollozos que maten a su hermano que está poseído por un demonio. Los dos hermanos deciden sacarlo de la casa para abandonarlo a varios kilómetros del pueblo, sin ser conscientes de que desatarán lo maligno que se encuentra en el cuerpo del enfermo. 

El editor, guionista y director, Demián Rugna, estudió dibujo de historietas con Horacio Lalia y en 2023 se licencia en diseño audiovisual en la Universidad de Morón. Dirige numerosos cortometrajes entre los que encontramos “El pacto” 2002, “Tiene miedo” y “La última entrada” 2003, “El niño” y “El cachetazo” 2004 y “The Last Gateway” 2007 año en el que dirige su primer largometraje “La muerte sabe tu nombre”, continuando con “Malditos Sean! 2011 (Relatos Cafeomancia y El curandero), “El mate amargo” 2012, “No sabés con quién estás hablando” 2016, “Aterrados” 2017, “Hispanos satánicos” 2022 (con el relato Yo también lo vi) y en este 2023 nos ofrece “Cuando acecha la maldad”

¿Es la mejor película de terror del 2023?, para algunos seguramente que sí, otros, por el contrario opinarán que tienen sus favoritas; en cuanto a mí, os diré que me ha sorprendido muy positivamente y que más que terror, tal y como yo lo entiendo, me ha provocado tensión, desazón y angustia por igual. Rugna ha creado un filme que te mantiene expectante a lo largo de todo el metraje. 99 minutos de puro ritmo y adrenalina que juega con las emociones, los sentimientos, las supersticiones, los miedos y la sugestión, entre otros, dominando a los personajes y que si bien la posesión es el punto de partida, esta irá derivando a la autodestrucción.  

Una narración que habla de la falta de empatía, de las separaciones conyugales, la ignorancia, del miedo a lo desconocido, de las frustraciones, de no saber enfrentarse a una situación o situaciones determinadas y lo peor de todo, la obnubilación. Tomando el medio rural como telón de fondo, la historia nos ofrece moralejas sobre la condición humana y que cuando nos encontremos ante un acontecimiento que no comprendamos o nos aterrorice, en vez de entrar en pánico, meditemos unos segundos, pues tal vez, de este modo, podamos evitar cometer errores irremediables e imperdonables, cuando de conservar la vida se trata.

Rugna, se apoya en el equipo técnico para recrear las diferentes atmósferas que el filme solicita, para ello ha contado con la magnífica fotografía de Mariano Suárez, entre encuadres aterradores y una cuidada iluminación que nos sume en un infierno sobre la tierra, en donde la oscuridad (el mal), aun siendo de día, está latente y provoca escalofríos. Los efectos especiales de Marcos Berta Studios, que no precisan de grandes alardes para provocar pavor e incertidumbre y el sobresaliente maquillaje en las manos de Elizabet Gora. Todo ello abrazado por la dramática banda sonora de Pablo Fuu.

Demián Rugna se rodea de un elenco actoral con interpretaciones de calidad aunque algunas de ellas llevadas al límite y la exageración; en realidad  nada que nos pueda sorprender y que por otra parte, es lo que el fan demanda al género, como la presencia de los niños que nos trae recuerdos de otros filmes de terror. Violencia y gore extremo, en escenas de gran impacto como la que, a la velocidad del rayo, se nos muestra entre Fernando, una cabra y la mujer de Fernando, dejándonos sin respiración.

Cuantas veces os he comentado que el cine de terror precisa de una vuelta de tuerca y de ideas potentes y aunque en esta ocasión, no sea una idea de lo más original, si es una propuesta lo suficientemente atractiva, para que los amantes del género, la disfruten de principio a fin, pues cuenta con todos o casi todos los elementos que se exigen. Una propuesta audaz, entretenida, con un gran ritmo, como ya he comentado y con momentos de terror inteligente y bien elaborado. Una buena forma de comenzar el nuevo año.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de enero

REPARTO: Ezequiel Rodríguez, Demián Salomón, Silvia Sabater, Luis Ziembrowski, Marcelo Michinaux, Emilio Vodanovich, Virginia Garófalo, Paula Rubinsztein, Lucrecia Nirón Talazac, Isabel Quinteros, Desirée Salgueiro, Federico Liss, Ricardo Velázquz, Jorge Prado, Diego Sampayo, Pedro Larrabide, Cleo Díaz, Agostina Aguilera, Celina Carbajal, Pablo Galarza y Gonzalo Galarza.

PRODUCTORA: Shudder// La Puerta Roja// Aramos Cine// Machaco Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

EL RAPTO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Francia y Alemania, El Rapto, está dirigida por Marco Mellocchio compartiendo guion con Susanna Nicchiarelli, Edoardo Albinati y Daniela Ceselli.

Nos encontramos en el barrio judío de Bolonia en el año 1858, en el hogar de la familia Mortara. Una familia humilde y numerosa cuyos progenitores son Salomone (Fausto Russo Alesi) y su esposa Marianna (Barbara Ronchi). Viven felices hasta que un día irrumpen en el hogar soldados del Papa Pío IX (Paolo Pierobon), reclamando a su sexto hijo, Edgardo Mortara (Enea Sala/Leonardo Maltese), pues afirman que siendo muy pequeño estuvo enfermo y la cuidadora que tenían, Anna Morisi (Aurora Camatti), lo bautizó, dejando de ser judío a ojos de la iglesia católica. El sacerdote Feletti (Fabrizio Gifuni) lo aparta de la familia para entregárselo al Papa. Los padres del pequeño hacen todo lo posible para alertar e informar sobre lo sucedido, provocando la indignación de los intelectuales europeos y no europeos, mientras el Papa Pío IX, se toma el asunto de manera muy personal.

El director y guionista, Marco Mellocchio, estudió en la Escuela de los Salesianos de Bobbio. Asistió al Centro Sperimentale di Cinematografia en 1959, en 1962 se convirtió en director bajo las órdenes de Andrea Camilleri y más tarde, se trasladó a Londres para seguir con sus estudios de cine en la Slade School of Fine Arts. Sus primeros trabajos fueron los cortometrajes “Abbasso il zio” y “La colpa e la pena” ambas en 1961 y en el largometraje con “Los puños en los bolsillos” 1965, “China está cerca” 1967, “En el nombre del padre” 1971, “Marcha triunfal” 1976, “Salto en el vacío” 1978, “Vacanze in Val Trebbia” 1979, “Los ojos, la boca” 1982, “Enrique IV”  1984, “El diablo en el cuerpo” 1986, “La visione del Sabba” 1988, “La condena” 1990, “Il sogno della farfalla” 1994, “El príncipe de Homburg” 1996, “La balia” 1998, “La sonrisa de mi madre” 2002, “Buenos días, noche” 2003, “Il regista di matrimoni”, “Sorelle” ambas en 2006, “Vincere” 2009, “Hermanas Mai” 2010, “Bella Addormentata” 2012, “Felices sueños” 2016, “El traidor” 2019, “Esterno notte” 2022 y este año llega “El Rapto” 2023. Además de los largometrajes mencionados, cuenta con un buen número de cortometrajes, documentales y series de televisión.

Estamos ante un filme de corte clásico en el que se nos narra la historia de esta familia judía, con la que Mellocchio logra, no solo captar la atención de espectador desde el inicio, sino que lo incomoda en la butaca, ante la crueldad de los hechos, exponiendo con naturalidad y credibilidad un tiempo pasado controlado por la iglesia católica, a la que nadie se atrevía a enfrentarse. El abuso de poder del clero desde los sacerdotes hasta culminar en el Papa, estaban por encima de cualquier orden social. Ellos imponían y disponían y los demás a bajar la cabeza e incluso a besar sus pies. Eran tiempos oscuros, dominados por el miedo y las supersticiones, aunque en la actualidad, vemos  casos que nos siguen escandalizando.

El Rapto cuenta con una excepcional y tenebrista fotografía de Francesco Di Giacomo que como postales entre las luces y las sombras, arropa a los personajes; a la vez que sentimos ese peso gravitatorio papal sobre algunos de ellos, como siempre, en los más vulnerables y que aun teniendo derecho a protestar, se desoían las súplicas. Cada estancia y cada espacio esta fotografiado con esmero y detalle, así como las entradas y salidas de los personajes de escena, creándose con ello las diferentes atmósferas que se apoyan en la dramática banda sonora compuesta por Fabio Massimo Capogrosso. 

Si bien la excepcional puesta en escena, recreando la época, brilla durante toda la narración; la cuidada dirección de Mellocchio analizada desde su prisma tan personal, la sociedad italiana en ese tiempo pasado y el escrupuloso guion que el director comparte con Susana Nicchiarelli, Daniela Ceselli y Edoardo Albinati, resultan perfectos; será sin duda el elenco actoral el que asume una parte importante del proyecto, complaciendo al espectador con la naturalidad y verdad que destilan en sus interpretaciones. Entre todos esos personajes, me voy a decantar, primero por el jovencísimo Enea Sala encarnando a Edgardo en su tierna infancia. Sus miradas, silencios y expresiones corporales, destrozan al más sereno, sin olvidar la fuerza que impone a cada frase que pronuncia. En el lado adulto subrayo a Barbara Ronchi dando vida a Marianna. Esa madre amantísima, esa mujer destrozada ante el robo de su hijo, en medio de las luchas internas y externas con las que tiene que lidiar y Paolo Pierobon, en la piel del Papa Pío IX. Un hombre cruel, inhumano, prepotente, falto de escrúpulos y de toda ética, que en el cuerpo de Pierobon, llegamos a aborrecer.

En definitiva, un drama que cala en el espectador y lo mantiene en tensión, mientras resulta casi imposible despegar la mirada de la pantalla. Una vez más, somos testigos de otra de esas atrocidades cometidas por la Iglesia Católica; en esta ocasión en el siglo XIX, pero que en la actualidad, desde algunas esferas, no se quedan atrás.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de enero.

REPARTO: Barbara Ronchi, Paolo Pierobon, Enea Sala, Leonardo Maltese, Fabrizio Gifuni, Fausto Russo Alesi, Filippo Timi, Rhea Perlman, Paolo Calabrasi,Corrado Invernizzi, Duilio Pizzocchi, Federica Fracassi, Fabrizio Contri, Walter Lippa, Bruno Cariello, Orfeo Orlando, Renato Sarti, Giustiniani Alpi, Alessandro Fiorucci, Nikolai Selikousky, Samuele Teneggi, Alessandro Bandini, Andrea Gherpelli, Daniele Aldrovandi, Marco Golinucci, Filippo Marchi, Samuel Teneggi y Aurora Camatti.

PRODUCTORA: Kavac Film// IBC Movie// Ad Vitam Production// Match Factory Productions// RAI Cinema// Emilia-Romagna Film Commission.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

WONKA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, WONKA, está dirigida por Paul King, compartiendo guion con Simon Farnaby. “Todas las cosas buenas de este mundo, comenzaron con un sueño. Así que aférrate al tuyo”

Willy Wonka (Timothée Chalamet) viaja por el mundo perfeccionando su oficio. Se considera un mago, un inventor y chocolatero. Llega a la ciudad en la que siempre soñó abrir su propia chocolatería en Las Galerías Gourmet, pero se encontrará con varias dificultades: La primera, ser engañado por la propietaria del hotel, Mrs. Scrubbit (Olivia Colman) que le obliga a firmar un documento para poder alojarse en sus dependencias y del otro, los arrogantes chocolateros: Prodnose (Matt Lucas), Fickelbruber (Mathew Baynton) y Slugworth (Paterson Joseph); compinchados con el sacerdote (Rowan Atkinson), cuyo chocolate guardan como un tesoro en los bajos de la iglesia. Wonka pronto se dará cuenta de que pretenden echarlo de la ciudad y para evitarlo, hará piña con la  joven huérfana Noodie (Calah Lane), los trabajadores esclavizados por Mrs. Scrubbit y el Oompa-Loompa (Hugh Grant) y hasta aquí, como se suele decir, puedo escribir.  

El escritor y director, Paul King, estudió en St. Catharine`s Collage, Universidad de Cambridge donde se graduó con honores de primera clase en inglés en 1999. Ha trabajado y trabaja en televisión, cine y teatro. En el cine debutó con “Bunny and the Bull” 2009 para continuar con “Paddington” 2014, “Paddington 2” 2017 y este año ofrecernos “Wonka” 2023. Para televisión ha dirigido capítulos de las series  “The Mighty Boosh” 2004/07, “Dogface” 2007, “Ven y vuela conmigo” 2010/2011 y “Fuerza Especial” 2020.

Llega a nuestras pantallas la tercera adaptación de la famosa novela infantil “Charlie y la fábrica de chocolate” escrita por el autor inglés Roald Dahl en 1964. La primera se estrenó en 1971 con “Willy Wonka y la Fábrica de Chocolate” de Mel Stuart cuyo actor principal fue Gene Wilder, “Chalie y la Fábrica de Chocolate” 2005 de Tim Burton con Johnny Depp y este año la deliciosa comedia musical “Wonka” 2023 de Paul King con Timothée Chalamet, en donde conoceremos los inicios del joven Wonka, quien se convertirá con el tiempo en el chocolatero más famoso del mundo; a su maravillosa madre que lo educó y se convirtió en su máxima inspiración, interpretada por Sally Hawkins y a uno de esos personajes adicto al chocolate y que en otras versiones, trabajaban en la fábrica de Willy, Oompa-Loompa (Hugh Grant)

Comentaros que lo primero que me sorprendió de esta nueva versión, sabiendo que se trataba de un producto navideño, alegre y muy festivo, y contando con un importante ramillete de números musicales, era que Timothée Chalamet, interpretara al maestro chocolatero. Actor al que descubrí en la espectacular “Interstellar” 2004 de Christopher Nolan en el papel de Tom Cooper y que desde entonces ha desfilado por mis pupilas en películas como “Call Me by Your Name” 2017, “Beautiful Boy: Siempre serás mi hijo” 2018, “Mujercita” 2019 “No mires arriba” o la excepcional “Dune”, ambas en 2021. Su presencia y profesionalidad, siendo tan joven, siguen sorprendiendo con cada trabajo que asume y aquí, aun más, cantando, bailando y ofreciéndonos un Wonka energético y divertido a la vez que nostálgico. Está claro que este joven se atreve con todo lo que  le ofrezcan, sorprendiendo al espectador, para bien.

Wonka es un espectáculo para toda la familia. Su director de fotografía, Chung Chung-hoon nos ofrece una rica paleta de color, diferenciando la parte dramática del pasado de Wonka con la alegre que representa el espíritu vital del personaje, aunque pase por determinados trances. Una fotografía viva, colorista, en encuadres juguetones bajo una iluminación equilibrada a cada situación y un gran derroche de imaginación. Junto a este maravilloso juego de luz y color, coqueta la brillante banda sonora creada por Joby Talbot y el letrista Neil Hannon, dando paso a un nuevo musical, que seguramente pronto pisará los escenarios de Broadway. Música y letras que nos hacen movernos en la butaca, pues poseen un ritmo contagioso y unas canciones fáciles de tararear. A los diversos temas originales, se une el clásico “Pure Imatination” que fue interpretado por Gene Wilde en 1971.

Con respecto a las interpretaciones, además de Timothée Chalamet, de quien ya he hablado, cuenta con un casting de lujo. Entre los más veteranos encontramos a Olivia Colman, en el papel de la perversa Mrs. Scrubbit, Rowan Atkinson como el sacerdote o Hugh Grant encarnando al diminuto Oompa-Loompa y del lado más joven a Calah Lane, recreando a la huérfana Noodie. Todo el reparto está magnífico, por breve que sea su aparición.

Resumiendo, Wonka da el pistoletazo de salida a la temporada navideña por todo lo alto, pues se perfila como un filme muy disfrutable para grandes y pequeños, en familia, entre amigos o con la pareja. La música, las coreografías, la magia, los puntos cómicos y algunos dramáticos, despertarán al niño que llevamos dentro, sobre todo si aun crees en los sueños.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre

REPARTO: Timothée Charlamet, Hugh Grant, Keegan-Michael Key, Rowan, Calah Lane, Sally Hawkins, Rowan Atkinson, Olivia Colman, Jim Carter, Mathew Baynton, Tom Davis, Simon Farnaby, Rich Fulcher, Kobna Holdbrook-Smith, Paterson Joseph, Matt Lucas, Colin O´Brien, Natasha Rothwell, Rakhee Thakrar.

PRODUCTORA: Heyday Films// Warner Bros.// Village Roadshow.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

ANATOMIA DE UNA CAIDA: CRITICA DE CINE

 

Anatomía de una caída está dirigida por Justine Triet compartiendo guion con Arthur Harari. “El inquietante juego del uso de la palabra”

La escritora Sandra (Sandra Hüller) recibe la visita de su amiga Zoé (Camille Rutherford) con quien mantiene una conversación entre divertida y pícara. Son interrumpidas por la música a gran volumen, que en la parte superior de la vivienda, pone su marido Samuel (Samuel Theis), lo que provoca que Zoé se vaya. Daniel (Milo Machado-Graner) es el hijo adolescente de Sandra y Samuel, tiene discapacidad visual y decide salir de paseo con su perro guía. Cuando regresa, se encuentra delante de la casa a su padre muerto. Las extrañas circunstancias de la muerte de Samuel, originan el arresto y juicio a Sandra.

La actriz, guionista y directora, Justine Triet, se diplomó en la Escuela Superior de Bellas Artes. Entre su filmografía encontramos los documentales: “Sur Place” 2007, “Solférino” 2008 y “Des ombres dans la maison” 2010, los cortometrajes “Vilaine Fille, mauvais garçon” 2011 y  “Two Ships” 2012 y llegamos a su ópera prima para la gran pantalla “La batalla de Solferino” 2013, seguida de “Los casos de Victoria” 2016, “El reflejo de Sibyl” 2020 y este año nos ofrece “Anatomía de una caída” 2023.

Estamos ante un interesante thriller psicológico y familiar de corte muy clásico y sencillo en su presentación. Su principal objetivo es que estemos atentos a cuanto se dice, se ve e incluso se intuye y para ello Justine, junto a Arthur Harari, elaboran un guion  que nos lleva de la duda a la lucidez, de lo evidente a lo singular o de lo racional a lo inverosímil; en una elegante y efervescente narración, dando cuerpo a un filme que se me antoja por instantes truculento.

La acción se desarrolla en dos escenarios muy diferentes entre ellos. El primero, en medio de los Alpes franceses y muy importante lo de “franceses”, pues a lo largo de la crónica se incide en que se hable en francés y no en inglés. Un ambiente natural en cuyo manto nevado encontramos un chalet, por lo que se nos muestra, bastante alejado de la civilización y en el que vive una familia compuesta por tres miembros, el matrimonio y el hijo adolescente con serios problemas de visión, pero autosuficiente. El otro entorno nos sitúa en el interior de la sala de un juzgado, en la cual se desarrollará el juicio a Sandra. El juego entre ambos espacios nos irá ofreciendo cuanto necesitamos saber de la vida de ese matrimonio que desde casi el inicio presumimos que la relación entre ambos no es buena. Será a medida que evoluciona el juicio y nos ofrece los diversos flashbacks, cuando comprendemos la toxicidad que reina entre ellos. Triet enriquece la historia con las pesquisas con las que se elaboran las pistas para el juicio: interrogatorios, escenificación de lo sucedido no solo el día el infortunio, lugares en donde se hallaban los personajes claves, la utilización de peleles para recrear la caída desde la ventana al suelo, los dibujos y sobre todo, las palabras. Las palabras son las reinas en el juicio y fuera de él, para que el espectador, se convierta en jurado de excepción.

Una extraña película que se mueve en el filo del equilibrio que genera la verdad y la mentira, entre lo que se nos muestra y la realidad más escondida. Desazón, es una de las palabras que me suscita y con la que definiría este drama familiar de un matrimonio roto, que parece precipitarse montaña abajo, como lo hace la nieve al originarse un alud, en donde ninguno de los dos, desea dar el paso definitivo. El espectador en todo momento está recibiendo información desde esos dos escenarios para  intentar encajar algunas piezas que permanecen sueltas. ¿Se suicidó cansado de vivir una vida incompleta? ¿Fue asesinado por su mujer con el fin de comenzar de nuevo?

Una dirección audaz llena de trampas para nuestras mentes y que para fortuna y sorpresa del espectador, a medida que vamos llegando al final y las piezas parecen encajar, sentimos cierto alivio y satisfacción, aunque el cierre, con la impresionante escena que nos ofrece la mirada de Daniel, mirando a un punto indeterminado, creemos entender lo que realmente ha sucedido, no solo en esos días, sino desde que él tuvo consciencia de la relación entre sus padres, mostrando tanta claridad y verdad, que resulta inevitable no esbozar una sonrisa cómplice y de afirmación, Y es que Triet, sabe jugar con el público al despiste en medio de sus elaborados diálogos de doble sentido. Maestría en el guion y en la ejecución de sus imágenes.

Los tres actores principales: Sandra Hüller, Milo Machado-Graner y Samuel Theis, nos ofrecen tres magníficas interpretaciones directas a nuestra psique y sentidos, arropados por un reducido grupo de secundarios, que fortalecen la narración y el suspense. Nada queda al azar, desde mi modesto punto de vista. Justine traza un magnífico drama de intrigas en el que el espectador se cuestiona cada palabra y cada situación.

En resumen, personajes creibles, una correctísima fotografía de Simon Beautils y un guion sólido con un estudio preciso de personajes, para narrarnos una historia realista, que no necesita de efectos ni adornos innecesarios. Limpia lo artificioso para atraparnos en lo imprescindible.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre

REPARTO: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado-Graner, Antoine Reinartz, Samuel Theis, Jehnny Beth, Arthur Harari, Sophie Fillières, Camille Rutherford, Wajdi Mouawad, Anne Rotger, Saadia Bentaieb, Sacha Wolff, Pierre-François Garel, Antoine Buéno, Kareen Guiock, Nesrine Slaoui, Iliès Kadri, Savannah Rol, Anne-Lise Heimburger y Laura Balasuriya.

PRODUCTORA: Les Films Pelléas// Les Films de Pierre.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Elastica Films y Filmin.

ROBOT DREAMS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Francia, Robot Dreams, está dirigida por Pablo Berger, basándose en la novela gráfica de Sara Varon.

Dog es un perro solitario que reside en un apartamento en la ciudad de Manhattan. Observa con cierta tristeza como sus vecinos viven en pareja mientras él, cada noche cena solo frente al televisor. Una de esas noches ve un anuncio de robots de compañía y decide comprarse uno. Él mismo lo construye y juntos realizan todas las actividades del día a día. Dog lleva a su amigo robot a la playa: pasean, se bañan y se tumban sobre las toallas, quedándose dormidos. Llega la noche y al despertarse Dog, comprueba que no queda nadie a su alrededor y cuando el robot pretende incorporarse, no puede, no le queda batería. Dog regresa al hogar solo y al día siguiente se encuentra que la playa está cerrada hasta la próxima temporada. Observando como su compañero queda tumbado sobre la arena, buscará la manera de recuperarlo.

Pablo Berger, realizó sus estudios de enseñanza primaria y secundaria, primero en la Escuela San Vicente y posteriormente en el Colegio Trueba de Artxanda. Gracias a sus primeros trabajos premiados, obtiene una beca de la Diputación Foral de Vizcaya para estudiar un máster en cine en la New York University. Después del doctorado, ejerció como profesor de dirección en la New York Film Academy (NYFA) y en la dirección cinematográfica debutó con el cortometraje “Mama” 1988 y con el largometraje “Torremolinos 73” 2003, continuando con “Blancanieves” 2012, con la que obtuvo numerosos premios, entre ellos, 10 premios Goya. A este filme le siguieron “Abracadabra” 2017 y “Robot Dreams” 2023. También ha dirigido el cortometraje “Para ver y sentirlo” 2013 y el documental “Herederos de la Bestia” 2016.

El poder de la amistad y la dolorosa sensación de soledad en medio de una urbe en la que se hace casi imposible caminar, son algunas de las emociones y temas que toca este filme. Una película con una animación de líneas sencillas y una paleta de color en tonos suaves, que ofrece los rasgos esenciales para que el espectador empatice al instante con ambos personajes: Un perro solitario que decide construir un amigo y el robot que adquiere en la Teletienda.

Si bien la película está ambientada en la ciudad de Nueva York, en el espectador español, se esboza una sonrisa cuando vemos a Dog llevar un bolso con la imagen de Naranjito, lo que nos retrotrae a los 80. Pero es precisamente esa ciudad, La Gran Manzana, la que está reflejada al detalle. Calles cuyas paredes se adornadas con  grafitis o las clásicas deportivas colgadas de los cables, las tribus urbanas con sus looks personales y sus radiocasetes (loros), escuchando música; los reconocibles letreros indicadores de las avenidas, los puentes, sus puestos ambulantes de Hot dog, los profesores llevando de paseo a sus alumnos tan diversos, los fotomatones, el metro y hasta Central Park donde patinarán y bailarán al son de “September” de Earth, Wind & Fire, que provoca que movamos los pies desde la butaca; y es que aunque el filme tiene ese aura de drama ligero, se respira mucha alegría y emociones que  contagian al espectador. No me olvido del guiño a una gran película del maestro Woody Allen “Manhattan” 1979 con la emblemática instantánea de la pareja sentada en un banco mirando al río Hudson y con el puente sobre sus cabezas.

El tiempo lo veremos pasar con la celebración de Halloween, la llegada de la nieve, el número musical entre las margaritas y el maravilloso sol, que da vida a la ciudad; y entre las estaciones, nuestros dos personajes soñarán el uno con el otro, revelando la importancia de la colaboración, el compartir, la amistad verdadera, el amor y la diversidad vista a través de los numerosos animales que pueblan la ciudad, que nos recuerda, ligeramente a “Zootrópolis” 2016 de Byron Howard, Rich Moore y Jared Bush y es que Berger, basándose en la novela gráfica de Sara Varon, nos regala un buen puñado de referencias, que sin duda el espectador reconocerá.

Resumiendo, Robot Dreams es un canto a la amistad, a la vida, al paso del tiempo en donde los recuerdos y las experiencias prevalecen, cuando las relaciones han dado sus frutos y tomado otros rumbos. Un filme para el disfrute de toda la familia.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre

MUSICA: Alfonso de Vilallonga

PRODUCTORA: Arcadia Motion Pictures// Noodles Production/ Les Films du Worson, RTVE, Movistar Plus+

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures.