viernes, 5 de abril de 2019

7 RAZONES PARA HUIR: CRÍTICA DE CINE


Con guion de Esteve Soler, 7 Razones para Huir (de la sociedad) está dirigida por Gerard Quinto, David Torras y el propio Esteve Soler.
Siete historias que comprenden: 1) LA FAMILIA, donde un matrimonio desea matar a su hijo adulto, pero antes le explicarán los motivos de tal decisión. 2) LA SOLIDARIDAD, un matrimonio mayor que mientras ven la televisión, se les aparece un niño del tercer mundo. 3) EL ORDEN, en una escalera de vecinos, un hombre llama a una puerta con una simple pregunta. ¿Qué va después del 6? 4) LA PROPIEDAD, un agente inmobiliario enseña un piso a una mujer, con la idea de vendérselo, pero hay un pequeño detalle, en el despacho hay un hombre ahorcado. 5) EL TRABAJO, un matrimonio de clase alta, tiene bajo el suelo de su casa, a setecientos trabajadores en situación infrahumana. 6) EL PROGRESO, nos muestra a un hombre que ha sido atropellado por un tranvía y una mujer lo introduce en un garaje, intentado explicarle que no merece la pena llamar a una ambulancia y 7) EL COMPROMISO, donde la novia se cuestiona el verdadero significado de la frase “¿Juras querer y proteger a xxxx, en la salud y la enfermedad, la riqueza y la pobreza, hasta que la muerte os separe?”
Siete cortos en clave de humor macabro, llevándolos al extremo del surrealismo, sobre la sociedad que nos rodea. Una obra excesiva para hacernos reflexionar sobre los embarazos no deseados, el abuso a menores, el racismo, la importancia de la educación y adquisición de conocimientos, los desahucios y suicidios que surgen ante la imposibilidad de pagar una hipoteca, la explotación infantil y deshumanización, en el sector textil. La insensibilidad ante el dolor ajeno, y la importancia de las palabras y los hechos en el  compromiso y  en la unión de dos personas, que damos como naturales, sin pensar en el significado real de las mismas.
Esteve Soler ha escrito una obra difícil e incómoda. Muy incómoda pues ante ese surrealismo, ese humor doloroso, se esconde una verdad aún más cruel, que vemos, leemos y escuchamos cada día, quedándonos, muchas veces, impertérritos; porque quienes dirigen los hilos, segundo a segundo, minuto a minuto, día a día, mes a mes y año tras año, se han encargado de ello. En dosis pequeñas nos han “envenenado” y “hechizado”, sin ser conscientes del cuándo y cómo ha sucedido. Afortunadamente esas dosis de veneno, no han afectado por igual a todos y a todas.  
Un filme que se puede considerar políticamente y socialmente, incorrecto, pero muy lejos de esa realidad. Las sonrisas y algunas carcajadas se atragantan en nuestra garganta, cuando el cerebro es consciente de lo que está viendo y escuchando, expuesto con esa crueldad y hasta perversa naturalidad antinatural, ante tantas atrocidades que oscurecen nuestro planeta, día a día.
Impecable dirección por parte de los tres directores debutantes, impactante guion de Esteve Soler y correctísimas interpretaciones de cada uno de los actores y actrices, que nos hacen pasar por un trance embarazoso y muy incómodo, en una obra con claro signo teatral.
Mi nota es: 7
ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril
REPARTO: Emma Suárez, Lola Dueñas, Sergi López, Frances Orella, Álex Brendemühl, David Verdaguer, Jordi Sánchez, Alain Hernández, Manolo Solo, Nuria Gago, Aina Clotet, Pepe Viyuela, Vicky Peña, Pol López, Borja Espinosa, Ramón Fontsenè, Àgata Roca, Rosa Cadafalch y Albert Ribalta.
PRODUCTORA: No Hay Banda// Producciones del Interior AIE
DISTRIBUIDOR en ESPAÑA: Syldavia Cinema.

jueves, 4 de abril de 2019

ASHER: CRÍTICA DE CINE

ASHER está dirigida por Jay Zaretsky con guion de Michael Caton-Jones.
Asher (Ron Perlman) es un ex miembro del Mossad y en la actualidad un asesino a sueldo. Frío como el témpano, es apodado por quienes le conocen como “El hombre de hojalata”. Vive de forma sencilla en un apartamento en Brookyn.
 
La edad y las heridas de guerra, le provocan fuertes dolores que tiene que calmar con pastillas. Un día, conocerá a Sophie (Famke Janssen) cuando cae desmayado contra la puerta de su casa, ella le auxilia y él comenzará a sentir cierta atracción por ella, lo que le llevará a plantearse la vida que lleva.

Lo primero que se me ocurre comentaros es lo mismo que dije al terminar la proyección, es un gustazo ver películas como esta, con solera, con aroma a clásica, con impecables interpretaciones y tan bien dirigida, que el tiempo, en la sala, se pasa en un suspiro. Siempre he dicho que hay película con y sin alma, esta es de las que te demuestra fotograma a fotograma, la esencia de ese cine negro, de esa alma que se filtra por el gran lienzo blanco de la gran pantalla de forma sutil y silenciosa, y del que tanto se echa de menos en el cine actual.
Dos son los grandes valores de este filme, por un lado la dirección sosegada e inteligente de Michael Caton-Jones y por otro el carisma de su actor principal Ron Perlman. Ambos parecen caminar de la mano, en el ocaso del personaje que nos presentan: Asher. Un hombre sencillo, viviendo de forma austera, limpiando cada día sus zapatos con sumo esmero, al igual que el cuidado que presta a su vestimenta, trabajando como “contratista” y, creyendo que el amor ya no volverá a llamar a su puerta, sentir  su viejo corazón recobrar los latidos, como si fuera un adolescente.

Michael Caton-Jones, ha dirigido obras como: Menphis Belle (1991), Chacal (1997), Disparando a perros (2005) o Instinto básico2 (2006). Ahora nos sorprende positivamente con este thriller de cine negro, donde la tristeza, la soledad y un trabajo nada ético, se cierne en el ambiente, en cada esquina de ese Brookyn, por el cual el protagonista vaga de forma pausada, recogiendo  sus encargos en la tintorería y regresando a la monotonía del día a día; en esa calma que se toma en cada detalle, incluso en la ejecución de cada asesinato. No hay prisa, todo tiene su tiempo y más, llegando a cierta edad.
Un personaje con un carácter impávido, el que Ron Perlman nos ofrece. Ese hombre de hojalata, como le denominan algunos y yo me atrevo a añadir, con un corazón encarcelado que grita en silencio por salir de su jaula, viviendo en un mundo de violencia y traiciones entre bandas de delincuentes. Magnífica interpretación la de Perlman, arropado por fantásticos secundarios como: Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli o Jacqueline Bisset, entre otros; destacando, también, la cuidada fotografía de, Denis Crossan.
 
Mi nota es: 7
ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril

REPARTO: Ron Perlman, Famke Janssen, Richard Dreyfuss, Peter Facinelli, Jacqueline Bisset, Guy Burnet, Marta Milans, Jay Hieron, Blake Perlman, David Wohl, Micah Hauptman, Wyatt Lozano, Bobby Daniel Rodrigo, William Perry, Charles DelGatto, Heidi Philipsen, Timothy Patrick Klein, Mark Quiles.
PRODUCTORA: Wing and a Prayer Pictures// Mensch Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

miércoles, 3 de abril de 2019

NANAS DEL INSOMNIO: NUEVO ACTO ÍNTIMO DE SANTI SENSO (ÚNICA FUNCIÓN)

FOTO: HERNÁN ARRAGA

Santi Senso regresa a los escenarios con un nuevo acto Íntimo, en esta ocasión en clave musical y MUY IMPORTANTE, por un solo día. UNA SOLA FUNCIÓN. Así que no lo olvidéis. Santi Senso y su compañía, os espera.
“NANAS del INSOMNIO”

Acto Íntimo Musical de Santi Senso

Santi Senso nos invita una vez más a dar luz a la oscuridad y ofrecer oscuridad a la luz para danzar con la “personajilidad” que le habita y poder trascender así después de VIVIR la Dramaturgia VIVA, pues si no has participado ninguna vez de sus propuestas decirte que no hay ensayo previo, él dice que no se puede ensayar ni improvisar una emoción por lo que sus puestas en escena están expuestas a la sorpresa que caracterizan sus Actos Íntimos, el no saber qué va a ocurrir es un acantilado al que nos empuja compartiendo sus vivencias y escuchando la de los Valientes y Valientas que se atreven a asistir a lo desconocido para ir armando ahí la historia, nuestra historia, la Dramaturgia VIVA.

Senso después de su gira por Latinoamérica regresa a las tablas madrileñas para estrenar su nuevo Acto Íntimo Musical "NANAS del INSOMNIO" en el Teatro "EL UMBRAL DE PRIMAVERA" el Sábado 6 Abril a las  22:30 horas.
NANAS del INSOMNIO es un canto a los desvelos para no luchar contra ellos sino sanarNOSlos desde nuestro PODERoso inconsciente y no estigmatizar nuestras ALMAS.

Si no TE duermes, si no TE descansas, aprovechaTE, disfrutaTE durante el INSOMNIO, en el desvelo atreveTE a escucharTE, sentirTE, sonreirTE, llorarTE, perderTE, vivirTE, AMARte y después comparTElo.
FICHA ARTÍSTICA:

Elenco: Bastian Iglesias y Santi Senso Autor: Santi Senso
Música: Ismael Viñoly Director: Santi Senso Vestuario: Fede Pouso y con la participación de Arquímedes LLorens Escenografía: Fede Pouso

Compañía: Actos Intimos de Santi Senso
TÍTULO: “NANAS del INSOMNIO”

FECHA Y HORARIO : 6 de Abril a las 22:30 horas
LUGAR: EL UMBRAL DE PRIMAVERA

PRECIO ENTRADAS: 13 anticipadas y 14 en taquilla y 10 euros grupos http://elumbraldeprimavera.com/evento/nanas-del-insomnio/
DURACIÓN APROXIMADA: 1 hora y 15 minutos
GÉNERO O TEMAS: ACTO ÍNTIMO MUSICAL

FOTO: HERNÁN ARRAGA
SOBRE LA COMPAÑÍA
Santi Senso es el creador e impulsor de los Actos Intimos. Fundador de la primera casa teatro en Venezuela “Casa Teatro Andante”. Director del Festival Internacional de Teatro Intimo en Casas Particulares. Son ya 20 años los que lleva compartiendo sus propuestas por espacios no convencionales como casas particulares, habitaciones de hoteles, trasteros, barcos, iglesias, naves industriales, embarcaderos, molinos, cuevas, galerías de arte, y museos, salas e incluso teatros han sido habitados por el lenguaje que Santi Senso propone y que recopila parte de las vivencias en su libro “Actos Intimos”. Profesor en la “Central de Cine” de Madrid.

Los Actos Intimos han formado parte de la programación de Festivales Internacionales de Teatro Clásicos y Contemporáneos, encuentros Culturales, Certámenes, Laboratorios de investigación en Europa, EEUU y Latinoamérica.
Senso como un fórceps emocional siempre nos invita a VIVIR una experiencia única, brutal, necesaria para sentirNOS VIVOS, VIVAS.

En sus actos no hay ensayo previo, no hay texto aprendido, sí un argumento que está expuesto a la sorpresa ya que nunca sabemos que reacción tendrá la otra persona a la que se le accionó con un “hola”. No es una improvisación. ¿Acaso se puede improvisar un sentimiento.
 

LA SOMBRA DEL PASADO: CRÍTICA DE CINE


En coproducción entre Alemania e Italia, La sombra del pasado, cuenta con guion y dirección de Florian Henckel von Donnersmarck.
Durante su infancia, Kurt Barnert (Cai Cohrs) estuvo al cuidado de su tía Elisabeth May (Saskia Rosendahl) quien además de protegerlo, le inculcó el arte de la pintura. Elisabeth padeció una extraña enfermedad mental y los nazis a través del profesor Carl Seeband (Sebastian Koch) la esterilizaron, siendo encerrada en un manicomio.
Han pasado varios años y Kurt Barnert (Tom Schilling) está estudiando  arte en la Alemania del Este. Se enamorará de una compañera de clase, Ellie Seeband (Paula Bear) hija del ex miembro de las SS que mandó esterilizar a su tía y luego darle muerte en la cámara de gas. Kurt busca encontrar su propio estilo y será el profesor Antonius Van Verten (Oliver Masucci) quien tras observar la obra que está creando, le comentará que lo que ve, no le representa, instante en el que Kurt entrará en lucha con su yo interno, para  descubrir cuál es su lugar como artista y el pasado oscuro que aún le persigue, con los nazis.
Con este planteamiento, seguiremos la vida de este artista a través de tres décadas, comenzando con su infancia en la Alemania nazi, hasta la entrada al poder del comunismo en el Este del país. Una historia basada en hechos reales, en la cual el arte y los ciudadanos tuvieron que aprender a convivir y adaptarse, a los nuevos regímenes, como ha sucedido en tantas dictaduras. La obra está inspirada en la vida del pintor Gerhard Richter, quien ha dicho de la película que es “un abuso y una gran distorsión de su biografía”  Sea como sea, yo os hablo, como siempre hago, desde el punto de vista cinematográfico.
Hacía mucho tiempo que no veía una película con una duración que superase las tres horas de metraje, y aquí lo hace. La sorpresa que me he llevado, es que no resulta pesada en ningún instante, aunque quizás unos minutos menos, tampoco hubiera estado mal, y el motivo de este logro, está por una parte en el acertado guion, que aun con sus supuestas erratas  históricas sobre el personaje, nos mantiene expectantes en el discurrir de la vida de la pareja formada por Kurt y Ellie, sin olvidarnos del villano Carl Seeband, de los que luego hablaré; y por otro lado, la correcta fotografía de Caleb Deschanel, creando una importante variedad de planos y encuadres, bajo una excelente iluminación, que nos recuerda a un tiempo pasado. Trabajo que sin duda le ha servido a la montadora Patricia Rommel, para dotar a la obra del dinamismo necesario. La banda sonora de Max Richter, cumple de forma extraordinaria con su cometido hasta el punto de que sus notas se fusionan a la perfección, con la propia fotografía.
Y para hablar del arte que se respira en la obra, la historia de amor que transita a través de los años, la política expuesta, que afortunadamente no resulta cansina como en otras obras, y el drama tratado con suma elegancia por Florian Henckel; llegamos al momento de las interpretaciones.  Brillantes los tres actores principales. Tom Schilling y Sebastian Koch, llenan la pantalla con esa naturalidad y carisma que han otorgado a sus personajes, están simplemente extraordinarios. No me voy a olvidar de Paula Beer, ofreciendo la imagen de esa mujer de otros tiempos: delicada, amorosa y paciente. El resto de los secundarios, una vez más, correctísimos.
Mi nota es: 7,5
ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril
REPARTO: Tom Schilling, Sebastian Koch, Paula Beer, Lars Eidinger, Rainer Bock, Florian Bartholomäi, Oliver Masucci, Hanno Koffler, Ben Becker, Saskia Rosendahl, Ulrike C. Tscharre, Johanna Gastdorf, Pit Bukowski, Evgeniy Sidikhin, Martin Bruchmann, Jörg Schüttauf, David Schütter, Ina Weisse, Chris Theisinger, Antonia Bill, Hans-Uwe Bauer, Johannes Allmayer, Oleg Tikhomirov, Stefan Mehren, Mark Zak, Martin Baden, Matthias Faust, Andreas Nickl, Cai Cohrs y Viktor Bleischwitz.
PRODUCTORA: Pergamon Films// Wiedemann, Berg Filmproduktion// Beta Cinema// RAI Cinema// ARTE// Bayerischer Rundfunk (BR)
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual y Wanda Vision

martes, 2 de abril de 2019

PALMARÉS DEL FESTIVAL CINE POR MUJERES 2019

PALMARÉS DEL FESTIVAL CINE POR MUJERES 2019
 
El 31 de Marzo tuvo lugar la clausura del Festival Cine para Mujeres, donde se dieron a conocer las películas ganadoras de este año.
FIG TREE  de Alamork Davidian fue doblemente premiada con el Premio del Jurado a Mejor Película y el premio Blogos de Oro.
La película Fig Tree cuenta la historia de Mina, judía etíope, que sobrevive durante la guerra civil en Etiopía. Cuando descubre que su familia planea emigrar a Israel y escapar de la guerra, ella teje un plan alternativo para salvar a su novio cristiano.
El premio a Mejor Película en Cine por Mujeres consiste en:
PREMIO EN METÁLICO: 3.000 euros
PREMIO FREE YOUR MIND: Consiste en la corrección de color en 4K del próximo largometraje de la directora de la película ganadora durante tres semanas en la sala Mistika de cine digital de FYM.
PREMIO SUBTITULA’M DE APOYO A LA DISTRIBUCIÓN DE LA PELÍCULA GANADORA: creación de un DCP en versión VOSE.
El jurado formado por Arantxa Aguirre, Álex Mendibil y Shari Frilot ha recalcado sobre su premio para Fig Tree:
“Por el retrato complejo y singular de una niña inteligente y decidida que se enfrenta al primer amor en una terrible guerra, así como su habilidad para crear atmósferas indelebles y encontrar momentos de poesía en medio de la sinrazón, el jurado desea premiar Fig Tree, el prometedor debut de la cineasta Alamork Davidian”
El jurado de Blogos de Oro, que también ha premiado la película de Alamork Davidian estaba formado por:
Verónica Dávila de Moobys.es, Marioa Reinoso de El Palomitron y Susana Cabeza de Criticum.
Por otro lado el Premio Iberia del Público recayó en LA PROFESORA de PARVULARIO  de Sara Colangelo.
Protagonizada por Maggie Gyllenhaal y Gael García Bernal cuenta la historia de una profesora neoyorquina que descubre que uno de sus estudiantes es un niño prodigio. Obsesionada con él, arriesgará su vida familiar y su libertad para conseguir que desarrolle su talento.
El Premio IBERIA del Público que conlleva 3.000 euros en metálico para la película elegida ha sido entregado gracias la colaboración de la compañía aérea con el Festival Cine por Mujeres, cuya misión se identifica con dos de los objetivos en los que está enfocada IBERIA: el apoyo y difusión de iniciativas de la cultura española, dentro de su proyecto #talentoabordo y, por otro lado, el compromiso con la igualdad de oportunidades para mujeres, impulsando su presencia en todos los ámbitos y niveles, que IBERIA fomenta a través de su Plan de Diversidad e Inclusión.
El Festival Cine por Mujeres se ha celebrado del 25 al 31 de Marzo de 2019 en Madrid.
Se han presentarán alrededor de 40 películas recientes, muchas de ellas inéditas en España y premiadas internacionalmente.

LA BODA DE MI EX: CRÍTICA DE CINE


La boda de mi ex, está escrita y dirigida por Victor Levin y cuenta con la pareja formada por Keanu Reeves y Winona Ryder, como únicos protagonistas.

En la sala de embarque, Frank (Keanu Reeves) va sorteando poco a poco a todos los pasajeros para colocarse el primero, hasta encontrase con Lindsay (Winona Ryder), quien le llama la atención. Él intenta negarlo mientras paso a paso se va distanciando de ella, hasta llegar ante el guarda de seguridad. Ambos mantienen una educada pero acalorada discusión. Al subir al pequeño avión, les toca sentarse el uno al lado del otro, descubriendo que su destino es el mismo, la boda del ex novio de Lindsay con una prima de Frank.

 
Todo parece preparado, por parte de los novios, para que Frank y Lindsay, que han tenido muy malas experiencias en el amor, pasen juntos el fin de semana. Asientos pegados en el avión, habitaciones contiguas en el hotel, mesa para ellos dos durante la cena y la celebración del banquete…

No es la primera vez que estos dos actores trabajan juntos, pues ambos han intervenido en obras como la inolvidable “Drácula de Bram Stoker” 1992,  la futurista “Una mirada en la oscuridad” 2006 y la romántica “La vida privada de Pippa Lee” en 2009. Y por separados, a Winona Ryder la recordamos en “Cisne negro” 2010 y a Keanu Reeves sorprendiéndonos con su personaje de John Wick, que veremos de nuevo en mayo, con su esperada tercera entrega.

Es indudable que entre ambos  existe una gran química, traspasando la gran pantalla y captando toda la atención del espectador ante la naturalidad que desprenden.  Nos sentiremos como voyeurs espiándoles desde un punto estratégico, cada paso que dan, para seguir escuchando todo lo que se dicen, en un acto casi de sadomasoquismo verbal. Cada espacio que ocupan, será un pretexto para las incontables conversaciones que mantienen, solo ellos dos, pues los pocos extras que vemos, son simples figurantes sin voz ni voto.

Una película extraña y arriesgada, en la cual Victor Levin prácticamente no mueve la cámara, dejando que sus protagonistas actúen como si estuvieran en el escenario de un teatro, aunque para ello tome diferentes espacios como es el caso de la terminal de un aeropuerto, el interior de un pequeño avión, la mesa de un restaurante, en medio de la campiña donde mantienen sexo, como quien se fuma un cigarrillo, pues no dejarán de hablar durante el acto o entre las paredes de la habitación del hotel, que relajados sobre la cama, siguen conversando entre copas de vino. Pequeños escenarios para dar rienda suelta a textos en torno a las relaciones de pareja. Un guion ingenioso, con un humor grueso, que despierta algunas sonrisas, mientras te hace reflexionar.

Una obra difícil de clasificar e incluso a la hora de valorar, pues todo parece tan extrañamente cercano y a la vez distante, que o entras en el juego de los dos protagonistas, soberbios en sus actuaciones, o desconectas. Una historia romántica, diferente, en la cual la complicidad, alcanza el objetivo deseado.
Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril

REPARTO: Keanu Reeves y Winona Ryder

PRODUCTORA: Sunshine Pictures// Regatta// Thefyzz// Service Fish

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

lunes, 1 de abril de 2019

CEMENTERIO DE ANIMALES: CRÍTICA DE CINE


El remake de los años 80, Cementerio de Animales, está dirigida por Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, con guion adaptado por Dave Kajganich y Jeff Buhler, basándose en la novela de Stephen King.
El doctor Louis Creed (Jason Clarke), su mujer Racher (Amy Seimetz), sus dos hijos y el gato, se trasladan a su nuevo hogar, dejando la gran ciudad por el tranquilo pueblo de Maine. Un día Racher y su hija, ven un grupo de personas con caretas de animales trasladar en una carretilla lo que parece un animal muerto, la niña se queda intrigada hasta que decide internarse en el bosque, descubriendo un cementerio de animales y encontrándose con uno de los vecinos, Jud Crandall (John Lithgw)
Pasados unos días, el gato desaparece y será Jud quien lo hallará muerto; se lo comunica a Louis y lo acompaña al cementerio de animales para enterrarlo, pero al saber que la pequeña estaba muy encariñada con el felino, le aconseja que lo entierre en un lugar concreto que él le indica; al día siguiente el gato aparece en la casa vivo, aunque algo ha cambiado en él. A partir de ese momento, se desencadenarán sucesos inesperados.
“Cementerio de mascotas”, título en español de la novela de Stephen King, fue llevada al cine en los años 80 como “Cementerio viviente”  de la cual, el propio autor Stephen King, se encargó de adaptarla a la gran pantalla, recayendo la dirección en Mary Lanbert.
Los directores, Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, han dirigido películas como: “Absence” 2009 o  “Starry Eyes” 2014, y tras cementerio de animales, llegará el próximo año, “Mamá2”. Dos directores que parecen sentirse cómodos en el género de terror, pues también han colaborado en la serie de TV “Scream”, junto a otros realizadores. Un género que nunca ha faltado en la pequeña y gran pantalla, y donde en los últimos años, han sido muchas las propuestas para el deleite de los fans, con mayor o menor fortuna.
Han tenido que pasar 30 años, para regresar al cementerio de animales, que en el año 1989 dejó al público muy dividido y ahora sin duda, con la nueva versión de Dennis y Kevin, pasará lo mismo, porque además de valorar: la calidad, las interpretaciones, la ambientación o la intensidad del suspense que ofrece un filme de estas características, tropieza con el mayor de los hándicap, el estar adaptada de una obra del maestro del terror Stephen King, pues en todas sus novelas, encontramos una gran riqueza en detalles, desde la identidad con la que dota a sus personajes, hasta llegar a ese mundo que les rodea, algo muy complicado de ser filmado, cuando la mente del lector, ya ha creado su propio universo. Sin duda, quienes mejor parados han salido enfrentándose a una obra de Stephen, son: Stanley Kubrick con “El resplandor” 1980 o Brian De Palma con “Carrie” 1976.
Cementerio de Animales, es una de esas obras que además de lo propiamente implícito como son las dosis de terror, sustos y suspense, queda al descubierto la vulnerabilidad del ser humano ante la muerte y sobremanera, hacia la de un ser querido. Cuesta recuperarse y concienciarse de que no se va a  volver a ver a quien se ha amado, nunca más. Ello nos lleva a aferrarnos a la creencia y la duda existencial  de si existe vida tras la muerte. Tema que los guionistas, Dave Kajganich y Jeff Buhler, han cuidado con esmero conservando esa parte más dramática y emocional, ante la impactante exposición, entre otras situaciones, de la crueldad que ofrece el personaje de Ellie (Jeté Laurence). Para mí uno de los instantes más sobrecogedores del filme, y lo dejo aquí. Cuenta con una media hora final, de verdadero infarto.
No todo es positivo en Cementerio de animales, ya que se toman muchas licencias sobre la obra literaria, aunque  algunas muy positivas; por otro lado se echa en falta más riesgo y un poco de ritmo, pues por momentos se hace monótona.
Dennis Widmyer y Kevin Kolsch, han contado con un acertado casting actoral, que logran calar en el espectador con sus actuaciones, en especial la de Amy Seimetz, encarnando a la emocional y vulnerable Racher y a la jovencísima Jeté Laurence en su inquietante personaje como Ellie. En cuanto a los aspectos técnicos, sobresaliente la ambientación y la cuidada fotografía de Laurie Rose, creando una sobrecogedora atmósfera.
Mi nota es: 7,5
ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Abril
REPARTO: Jason Clarke, John Lithgow, Amy Seimetz, Jeté Laurence, Hugo Lavoie y Lucas Lavoie.
PRODUCTORA: Alphaville Films
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.