EL NIÑO QUE PUDO SER REY: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, El niño que pudo ser rey, está escrita y dirigida por Joe Cornish.

Alex Elliot (Louis Ashbourne Serkis) tiene 12 años y no es el niño más popular del colegio, aunque siempre está ayudando a los más débiles, incluso enfrentándose a los abusones, Lance (Tom Taylor) y su amiga inseparable Kaye (Rhianna Doris), para defender a Bedders (Dean Chaumoo) quien se convertirá en su fiel  amigo.

Un día Lance y Kaye  persiguen a Alex y éste  logra ocultarse entre las ruinas de un edificio. Alex camina en medio de los escombros hasta que de pronto,  sobre una gran piedra, descubre una espada clavada. No lo duda y con gran facilidad la extrae de la roca, llevándosela a casa. En ese momento no es consciente de que posee la legendaria espada: Excálibur. A partir de ese instante su vida dará un gran giro, pues deberá unir a amigos y enemigos para junto al joven Merlín (Angus Imrie) vencer a la malvada Morgana (Rebecca Ferguson) que desea destruir el mundo.

Inspirándose en la historia del Rey Arturo entre personajes como: Sir Lancelot, Sir Bedivere, Sir Kay entre los caballeros y el mago Merlín o la malvada Morgana; el director y escritor británico, Joe Cornish, nos ofrece un filme épico medieval en pleno siglo XXI, con grandes referencias a la sociedad y política de nuestros días.

Una película familiar e ingeniosamente narrada, pues si por una parte, los más jóvenes van a disfrutar de las  aventuras de nuestros aguerridos personajes, con claros mensajes sobre la amistad, la confianza, el valor y el no dejarse llevar por las apariencias; deja un importante poso político social en los adultos, tocando temas como la codicia, el individualismo, los engaños, las manipulaciones o el deseo de romper la unidad con intenciones poco honestas en busca del poder, sea al precio que sea.  Las luchas se ganan desde el coraje, la unidad, la razón y  el corazón.  

Joe Cornish, es un polifacético humorista inglés, presentador de televisión y radio, director de cine, escritor y actor, quien en 2011 debutó en el largometraje con “Attack the Block”, obra que cosechó varios premios. Tras unos años de ausencia en la gran pantalla, cumple uno de sus sueños con este filme y desde luego, que viendo el resultado, uno presiente que Cornish ha disfrutado por igual, con el niño que lleva dentro y el adulto que es. Derrocha imaginación, humor, empatía y un buen puñado de mensajes para los más pequeños y adultos, como ya he comentado. Un filme, del cual nadie sale defraudado.

La película cuenta con una cuidada fotografía a cargo de Bill Pope, jugando con la luz, el color y las texturas entre el día y la noche, entre el inframundo, lo fantástico y lo real, en una rica variedad de encuadres y sobre todo, de planos generales que resaltan  aun más el espectáculo, entre  escenarios naturales y  los efectos visuales, que los montadores Jonathan Amos y Paul Machliss, han aprovechado para dotar  a la obra de un gran dinamismo.

Una vez más, los más jóvenes vuelven a cautivar la gran pantalla con sus impecables interpretaciones a través de esa naturalidad innata que ofrece la espontaneidad bien dirigida, pero  la película, además, cuenta con dos grandes actores, como son Rebecca  Ferguson (Morgana), a quien hemos visto recientemente en filmes como: “Misión Imposible: Nación Secreta” 2015 y “Misión Imposible: Fallout” 2018 o “El gran Showman” 2017 entre otros trabajos y a Patrick Stewart (Mago Merlín adulto) quien curiosamente intervino en “Excálibur” 1981 como el Rey Leodegrance y por supuesto, los inolvidables personajes de el capitán Lean-Luc Picard de la serie Star Trek o el profesor Xavier de los X-men, toda una leyenda de la televisión y del cine.

Resumiendo, quien desee pasar dos horas de entretenimiento, alimentar al niño que llevamos dentro o  que los más pequeños de la casa disfruten de una obra hecha a su medida, El niño que pudo ser rey, es la opción. Cine para toda la familia

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Marzo.

REPARTO: Louis Serkis, Dean Chaumoo, Tom Taylor, Rhianna Dorris, Angus Imrie, Rebecca Ferguson y Patrick Stewart.

PRODUCTORA: 20^th Century Fox// Working Title Films// Big Talk Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

ESCAPE ROOM: CRÍTICA DE CINE

La inquietante y claustrofóbica, Escape Room, está dirigida por Adam Robitel y guion de María Melnik y Bragi F. Schut.

La película comienza con la presentación de seis personajes, muy distintos entre ellos: una estudiante introvertida y muy inteligente, Zoey Davis (Taylor Russell), un empleado de un supermercado, Ben Miller (Logan Miller), una ex combatiente de guerra, Amanda Harper (Deborah Ann Woll) o un importante ejecutivo afroamericano, Jason Walker (Jay Ellis) entre otros. Todos ellos han recibido de forma misteriosa una caja, una caja que deben conseguir abrir y extraer de su interior una nota. Un mensaje que les invita a salir de sus rutinas y jugar a un escape Room.

Los seis protagonistas acudirán a un importante edificio, donde son acomodados en una amplia y cómoda estancia. Tras conocerse, sin ellos ser conscientes, comenzará el juego, teniendo que atravesar diferentes habitáculos, si quieren sobrevivir.

Escape Room, nos recuerda, en principio, a filmes como "Cube" dirigida por Vincenzo Natali en 1997  o “Saw” de James Wan en 2004, que daría origen a varias secuelas, esencialmente por la forma en que la obra está planteada en su inicio, al que olvidaremos muy pronto, pues lo primero que sorprende y lo hace diferente, es su cuidada puesta en escena. Todos los elementos tienen una razón de estar. Un diseño más elaborado, menos sucio, nada sangriento y por supuesto más original y atractivo visualmente, sin con ello perder un ápice de suspense y tensión. Trabajo que ha recaído en gran parte, en el decorador Edward Thomas y el diseñador de arte, Mark Walker.

Escenarios relajantes que se convierten en claustrofóbicos, a través de los cuales se pasará del intenso calor (fuego) al extremo frío (nieve) o el encontrarnos en una habitación con todos los elementos de un bar, mesa de billar incluida, en posición inversa a la que ellos están; estos serán algunos de los habitáculos que los personajes deben traspasar y  con los que el espectador disfrutará a través de la magnífica fotografía de Marc Spicer, con unos cuidadísimos encuadres y una perfecta iluminación en cada rincón y plano a retratar, todo ello, para maquinar en nuestra mente, la manera en que los chicos y las chicas, puedan esquivarlos.

Los guionistas María Melnik y Bragi F. Schut, han elaborado una ingeniosa historia, a través de un juego que en muchos países se ha puesto de moda: Entrar en una habitación y a través de diversas pistas o pruebas, lograr salir de ella; pero aquí, como sucediera en otras obras conocidas, va más allá de lo permitido, pues no solo vivirán momentos intensos entre sorpresas inesperadas, a través de las distintas habitaciones, sino que la vida de cada uno, entrará en peligro.  Cuando los personajes  son conscientes de ello, el terror se apodera de sus mentes.

Un guion bien construido con diálogos sencillos y hasta divertidos en algunos momentos, en una obra correctamente dirigida por Adam Robitel, logrando traspasar las barreras de nuestras fibras y angustiarnos ante la asfixia y la agonía que deben soportar los personajes en dicha pesadilla. Personajes, en actores claves en la obra, pues si bien la puesta en escena, los efectos visuales, la fotografía, la impactante banda sonora a cargo de los compositores John Carey y Brian Tyler y la dirección, logran sobradamente su objetivo; son ellos quienes nos mantienen en vilo,  a través de sus convincentes interpretaciones.

Un thriller muy entretenido, que si bien está enfocado a un público joven, estoy seguro que los  mayores, amantes del cine de suspense, lo disfrutarán de la misma forma.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Marzo

REPARTO: Taylor Rusell, Deborah Ann Woll, Logan Miller, Tyler Labine, Jay Ellis, Nik Dodani, Adam Robitel, Kenneth Fok, Jessica Sutton, Vere Tindale, Cornelius Geaney Jr., Yorick Van Wageningen, Jamie-Lee Money, Paul Hampshire, Pete Sepenuk, Dan Gruenberg, Gino Lee y Russell Crous.

PRODUCTORA: Original Film

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

LA NOCHE DE LAS DOS LUNAS Y ESTO NO ES BERLIN en EL FESTIVAL DE MÁLAGA 2019

“LA NOCHE DE LAS DOS LUNAS” de MIGUEL FERRARI, SE ESTRENA EN ESPAÑA EN EL FESTIVAL DE MÁLAGA.

Tras iniciar su periplo de festivales en Montreal, en Sección Oficial, llega a  España el segundo largometraje del director venezolano, afincado en Madrid, Miguel Ferrari. La película está basada en un hecho real que enfrenta a dos mujeres por un error médico cuando el embrión de una se implanta en el vientre de la otra. En el elenco destacan nuevas actrices venezolana como Prakriti Maduro o Mariaca Semprún con actrices españolas consagradas como María Barranco. Se presentará en la sección Focus Latino.

Este filme llega tras el éxito de la ópera prima de Miguel Ferrari Azul y no tan rosa, con el que este realizador y también actor, comenzó su carrera en la dirección ganando el primer Goya para Venezuela, y el único obtenido por el país sudamericano hasta el momento. “Me hace mucha ilusión entrar a España por el Festival de Málaga uno de los mejores escaparates a los que se puede aspirar en cinematografía hecha en español” dice además que acude con una película “que va dar mucho para el debate ya que se pregunta por los límites de la maternidad, por los nuevos tipos de familia”, comenta Ferrari que destaca además de que es un tema actual y que al igual que en su anterior película se mueve entre la cotidianidad, la cercanía emocional de los personajes y una importante dosis de humor.

PROYECCIONES:

Domingo 17/03 a las 19:00 h Cines Albéniz, Sala 3 C/Alcazabilla 4, Málaga.

Martes 19/03 a las 12:00 h Cines Yelmo Vialia, Sala 5 CC Vialia, c/Explanada de la Estación s/n, Málaga.

Sinopsis: Al tercer mes de embarazo, Federica descubre que el bebé que está esperando no tiene su ADN. Acude a la clínica donde se realizó el tratamiento de fecundación in vitro y estos reconocen haber cometido un error intercambiando su embrión con el de otra pareja. La clínica identifica a la mujer a quien le implantaron su embrión, pero esta ha tenido un aborto. Federica decide continuar con su embarazo y quedarse con el bebé, pero los padres biológicos emprenderán una batalla para recuperarlo.

TRAS SU PASO POR SUNDANCE LLEGA A MÁLAGA  “ESTO NO ES BERLÍN”  DEL DIRECTOR HARI SAMI

Llega la quinta película del singular director, y músico mexicano, Hari Sami, que recrea “la movida” mexicana de los años ochenta volviendo a un universo con reconocida carga autobiográfica que en muchos puntos recordará a lo vivido en España en esa misma década.

En su elenco destacan la actriz protagonista de la película “Roma”, Marina de Tavira (Carolina) y la famosa actriz mexicana de televisión, Ximena Romo (Rita) quienes fusionan su experiencia con los dos actores revelación Xabiani Ponce de León (Carlos) y José Antonio Toledano (Gera) en los roles protagónicos. Vendrán a presentar la película su director y el protagonista Xabiani Ponce de León.

“Cualquiera que haya participado realmente en el vanguardismo de los años 80 admirará la exactitud con la que Sama y sus colaboradores recrean el sabor general de videos, performance y otras artes multimedia underground que se realizaban en ese momento”.Variety.

“Es una de las películas más libres y menos críticas sobre las elecciones que hacen las personas que puedo recordar haber visto”. College Movie Review.

SÁBADO 16 DE MARZO: 22:30h. PASE OFICIAL – TEATRO CERVANTES

SINOPSIS: 1986. Ciudad de México. Carlos, 17 años, no encaja en ningún lugar: ni en su familia ni con los amigos en la escuela. Pero todo cambia cuando es invitado a un mítico club nocturno donde descubre el underground: el post punk, la libertad sexual y las drogas que desafían la relación con su mejor amigo Gera.

EL GORDO Y EL FLACO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, El Gordo y El Flaco, está dirigida por Jon S. Baird y guion de Jeff Pope.  

Stan Laurel//El flaco (Steve Coogan) y Ollie Hardy//El gordo (John C. Reilly) antes de comenzar el rodaje de la nueva película, que Stan está escribiendo, deciden realizar una gira por diversas ciudades del Reino Unido. En los comienzos de dicha gira se sienten defraudados por las pocas personas que acuden a las representaciones, hasta que ellos mismos se encargan de la publicidad, animados por su productor Hal Roach (Danny Huston)

Shirley Henderson (Lucille Hardy) y Nina Arianda (Ida Laurel) viajarán en barco para acompañar a sus maridos en el resto de la gira, momento en que la prensa se hace mayor eco y llenan por completo los teatros, con cartel de no hay entradas.

Recuerdo cuando era un niño, las sesiones de los sábados tarde o domingos, a través de la única televisión que teníamos en España y en blanco y negro, disfrutar de las aventuras y desventuras del Gordo y el Flaco. Obras que quedan en nuestra memoria grabadas como las de otros grandes cómicos de principios del siglo XX,  entre los que se encontraban el gran Charles Chaplin o el inolvidable Harold Lloyd. Tardes de entretenimiento y risas, en creadores indiscutibles del humor, del que tantos han mamado las siguientes generaciones.

En Stan y Ollie, traducida en nuestro país como El Gordo y El Flaco,  el director Jon S. Baird, ha rendido un maravilloso homenaje a esta gran pareja de cómicos, gracias al exquisito guion de Jeff Pope y su cuidadísima puesta en escena; hasta el punto de creer estar viajando en el tiempo y regresar a aquellos años en los que vivieron nuestros protagonistas, tan magníficamente interpretados por Steve Coogan y John C. Reilly.

Reilly y Coogan, están simplemente soberbios y tan creíbles que nos olvidamos de ellos para sentir una vez más, al Gordo y al Flaco, respectivamente, a través de sus vidas y actuaciones en la gira de aquel año 1953. Una gira que comenzó muy floja y terminó con un éxito sin precedentes. Dos interpretaciones entre la comedia y el drama, como tantas veces hemos visto y leído en las memorias de grandes cómicos. Cada gesto, expresión facial, movimientos de las manos e incluso las miradas, logran convencer y atrapar al espectador, a través de esa complicidad y amistad que los personajes a los que encarnan, poseían en la vida real. Un homenaje a dos maestros, desde la ternura, el saber hacer y el gran respeto.

Hay que tener en cuenta, la excepcional labor de maquillaje de Mark Coulier, como cabeza principal de todo un gran equipo de profesionales. Las fabulosas coreografías con temas como el conocidísimo “The trail of The Lonesome Pine” o el baile “Dance of The Cuckoos”, además de otros números que disfrutaréis, a través de la gran pantalla.

El cine dentro del cine, en un excelente biopic, ambientado en el final no deseado, pero que el tiempo, inexorablemente, marca sus pautas para todos. La edad, por muchos deseos de seguir trabajando y hacer reír al público, llega un momento en que te envía las señales de que debes parar y saber hacerlo con dignidad. Una “enseñanza” que con lucidez, aplomo y maestría, ha sabido plasmar el director Jon S. Baird, logrando lo más complicado, captar los sentimientos, las emociones, la personalidad de ambas estrellas y la dependencia que el uno tenía del otro, para seguir trabajando. Eran dos genios que el escenario mágicamente, convertía en uno.

Pocas películas como esta, respiran tanta ternura, amor, complicidad, amistad, comprensión, atención, admiración, recuerdos, unidad y mucho más. Un filme nostálgico, que tal vez las nuevas generaciones no alcancen a comprender que a primeros del siglo XX, grandes estrellas del cine, delante y detrás de la cámara, abrieron un camino a lo que se llamaría: Séptimo Arte. Generaciones que invito desde estas líneas, a disfrutar y dejarse llevar por un mundo entre la realidad y la fantasía, entre la creación y la ensoñación, entre las vidas personales y las que se creaban con el día a día, en el trabajo duro y competitivo.

Lógicamente no voy a despedir esta crónica, sin hacer mención del gran equipo técnico que ha rodeado esta obra, del correcto montaje a cargo de Úna Ní Dhonghaíle y Billy Sneddon, la fabulosa banda sonora, que nos trasporta a otro tiempo en la batuta de Clint Mansell y la elegante fotografía en la mirada de Laurie Rose.

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Marzo

REPARTO: John C. Reilly, Steve Coogan, Bentley Kalu, Nina Arianda, Danny Huston, Shirley Henderson, Rufus Jones, Susy Kane, Stephanie Hyam, Charles Walters, Ella Kenion, Joseph Balderrama, Sophie Wardlow, Michael Haydon, Roger Ringrose, Julie Eagleton, Stewart Alexander y Andy Mihalache.

PRODUCTORA: BBC// Fable Pictures// Sonesta Films//eOne Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

MIRAI, MI HERMANA PEQUEÑA: CRÍTICA DE CINE

Mirai, mi hermana pequeña, cuenta con guion y dirección del  japonés Mamoru Hosoda (El niño y la bestia)

Kun, es un niño mimado de cuatro años. Hijo único que está a punto de dejar de serlo, pues al seno familiar pronto llegará una nueva vida, su hermanita Mirai, y como es de esperar, a él no le hace mucha gracia compartir todo lo que tiene, con ella.

Las cosas cambiarán cuando un día descubre una puerta que le permite viajar en el tiempo. En el pasado se encontrará con su madre cuando era una niña y otros miembros de la familia. Kun vivirá una serie de aventuras que le darán una nueva perspectiva sobre la vida y  el nuevo miembro de la familia.

Excelente filme, el que nos presenta Mamoru, con un extraordinario guion, resaltando la importancia de la familia, el sacrificio, el trabajo, el reparto de las tareas en el hogar con o sin niños, el respetar los espacios, la educación de los hijos y en particular, los momentos críticos de un niño al ser hijo único y de pronto ver todo su mundo trastocado por la nueva llegada.

Mamoru Hosoda, juega con la imaginación que todo niño posee y cuando Kun, sufre alguna crisis, una extraña puerta se abre en el jardín, llevándole al pasado, al futuro  e incluso al presente más inmediato. Verá a su hermana recién nacida, Mirai, como a esa hermana mayor que cuida de él. Su propio perro, tomará cuerpo humano con traje de gala y le hará saber que él era el príncipe de la casa, antes de llegar él y que tuvo que aprender a compartir el cariño de sus padres.

Un exquisito drama con grandes pinceladas de humor, ante las travesuras que origina el pequeño Kun, en una obra didáctica destinada a los más pequeños y tal vez no tanto jóvenes, pues los mayores en ocasiones nos olvidamos de la importancia de compartir esos espacios, obligaciones y tiempo, cuando creamos un hogar.

Un filme muy entretenido, en constante movimiento, ofreciendo mil detalles y situaciones que viven los miembros de la familia, bajo una exquisita animación, entre una correctísima paleta de colores, planos, encuadres y un dibujo sencillo, pero muy expresivo, a través del cual Hosoda, pretende dar mayor importancia al contenido, que al mero espectáculo visual.

La película se ha convertido en un autentico éxito en aquellos certámenes internaciones donde se ha exhibido,  obteniendo premios importantes. Tuve la oportunidad de verla en el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid 2018, contando con un lleno absoluto de púbico adulto,saliendo, todos,  de su proyección, con una gran sonrisa en el rostro,  pues Hosoda ha sabido crear una obra para pequeños y mayores, e incluso me atrevo a afirmar, que en muchos instantes son los adultos los que más disfrutan, por comprender las situaciones planteadas.  

Una joya de la animación, para educar sin aleccionar, desde la percepción, la corrección y el respeto. Un divertimento para toda la familia, con una fantástica banda sonora a cargo de Takagi Masakatsu

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Marzo

PRODUCTORA: Studio Chizu

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films