EL HOMBRE DEL SACO (BAGMAN): CRÍTICA DE CINE

El hombre del saco (Bagman) está dirigida por Colm McCarthy con guion de John Hulme. “Por lejos que intentes huir o esconderte, sabe dónde encontrarte”

Patrick McKee (Sam Claflin) está felizmente casado con Karina (Antonia Thomas) con quien tiene un hijo, Jake McKee (Caréll Vincent Rhoden). Vive traumatizado por un acontecimiento de su pasado, cuando siendo un niño, tanto a él como a su hermano Liam McKee (Steven Cree), su padre les contaba la historia del hombre del saco (Bagman), un ser maligno que raptaba a los niños apartándoles para siempre de sus familias. Patrick es uno de esos niños que logró escapar de las garras de Bagman (William Davis) y ahora, al sentir de nuevo su presencia a través de los sueños, teme que pretenda arrebatarle  lo que más quiere en el mundo, su hijo Jake.

El director de televisión y cine, Colm McCarthy, comenzó en la industria dirigiendo capítulos en series como “No Frontiers” 2001, The Big Bow Wow” 2004, “Baldy McBain 2004, “Dream Team” 2003/2005, “Footballer Wive$: Extra Time” 2005, “Hostle – La movida” 2006, “Single-Handed” 2007, “Murphy`s Law” 2006/07, “Los Tudor” 2008, “Spooks” 2008, “Hunter” 2009,  “The Deep” 2010, “Injusticia” 2011, “Ripper Street” 2013, “Doctor Who” 2013, “Endeavour” 2012/13, “Sherlock” 2014, “Peaky Blinders” 2014, “Black Mirror” 2017, “Krypton” 2018, “Toque de queda” 2019, “El hijo bastardo y el mismísimo diablo” 2022. Debutó en el largometraje con  “Outcast” 2010 para continuar con “Melanie: La chica con todos los dones” 2016 y este año ofrecernos “El hombre del saco (Bagman)”. También ha dirigido el corto “The Making of a Prodigy” 2003.

¿Quién no ha escuchado hablar alguna vez del hombre del saco? ¿Un mito, un personaje de cuento, una leyenda para que los niños obedezcan a sus padres, regresen a casa a una hora prudente o se vayan a la cama cuando se les ordena? Un referente del terror psicológico infantil. Un  personaje que según las diversas culturas va desde que los niños son raptados e introducidos en un saco por ser malos, hasta las historias más macabras relatando que se comía a los niños para curar su enfermedad y que no elegía a los más traviesos, sino a los buenos. Sea como sea, muchos de los infantes de todo el mundo se iban y seguramente se irán a dormir atemorizados y mirando incluso dentro del armario o debajo de la cama. Recuerdo, que siendo muy pequeño y habiendo escuchado esta historia, mi madre nos tranquilizaba diciendo que dicho ser no existía y era ella misma la que miraba bajo la cama, para que durmiéramos plácidamente. Mi madre era muy especial.

Entre el 2023 y el presente, que yo tenga noción, se han estrenado dos películas con dicha temática y ahora nos llega esta nueva versión. Las anteriores corrieron a cargo de Ángel Gómez Hernández titulada “El hombre del saco: El origen del mito” 2023 inspirándose en el personaje real que existió en 1910 en la localidad andaluza de Gádor y ese mismo año Rob Savage, nos ofreció la turbadora versión bajo el título “Boogeyman”, aunque aquí el hombre del saco tomara otra dimensión. Ahora es Colm McCarthy, director curtido en la televisión y con dos largometrajes de terror a sus espaldas, quien nos acerca a esta extraña presencia y aunque no arriesgue en la construcción del filme, alcanza cierta tensión con giros muy interesantes y la idea de que la figura del monstruo quede un tanto solapada por la del objeto en sí, el saco; adquiriendo este último, más protagonismo y una visión más impactante, visualmente hablando.

Los miedos, los traumas de infancia, el amor y la paternidad, la oscuridad y las pesadillas y la obsesión de protección; así como la extraña cueva que nunca se atrevieron a traspasar Patrick y su hermano Liam siendo jóvenes, ya que su padre les había advertido que en ella vivía Bagman, el hombre del saco. Cada uno de estos elementos y otros que me reservo, forman parte de este inquietante film, que sin ofrecernos nada original, pues nos sumergirá en la oscuridad más veces de las deseadas o cargará nuestros oídos con los ruidos machacones de siempre, si logra, de manera astuta y gracias en parte a los mensajes y los giros que utiliza con sutileza, mantenernos en tensión, volviendo a utilizar la sociología humana como hiciera en su anterior obra “Melanie. The Girl With All The Gifts” 2016.

Resumiendo, estamos ante un filme con personalidad, contado desde un prisma más emocional que terrorífico, aunque tenga sus dosis de terror. Se apoya en un personaje traumatizado, magníficamente interpretado por  Sam Claflin, dando vida a Patrick y algo que agradecemos, el ligero metraje de una hora y media.

MI NOTA ES: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de septiembre.

REPARTO: Sam Claflin, Antonia Thomas, William Hope, Steven Cree, Sharon D. Clarke, Henry Pettigrew, Adelle Leonce, Neil Linpow, Jordan Gubian, Caréll Vincent Rhoden, Francesca Corio y Will Davis. 

PRODUCTORA: Temple Hill Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeaPlaneta.

EL CUERVO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos, Reino Unido y Francia, El Cuervo (The Crow) está dirigida por Rupert Sanders con guion de Zach Baylin y William Schneider. “El cuervo te guía para que enmiendes el mal”

Tras el prólogo nos encontramos con Shelly (FKA Twings) que avisa a su amiga Zadie (Isabella Wei) de que han enviado a unos hombres a matarlas, por el contenido de un vídeo que grabaron con el móvil. En la huida Shelly es detenida e ingresada en un centro de rehabilitación, mientras que Zadie cae en manos de sus perseguidores y la matan.

En dicho centro conoceremos a Eric Deraven (Bill Skarsgård), un joven silencioso, misterioso y con un gran número de tatuajes distribuidos por todo el cuerpo. Shelly y Eric coincidirán en el comedor y se enamorarán. Los mafiosos que la perseguían acuden al centro y Eric la ayuda a escapar. Los dos se mimetizan entre las calles y las sombras que la noche les proporcionan, para no ser descubiertos por Marian (Laura Birn) y Vincent (Danny Huston)

El director, Rupert Sanders, realizó un año de preparación en la Kingston School of Art y se graduó con un título en diseño gráfico en Central St. Martins. Sus inicios estuvieron relacionados con anuncios para la televisión. Dirigió los cortometrajes “D-Minus” 2004,  “The Life for Halo 3: ODST” 2009, “Black Hole” 2010 y “Greatness Awaits” 2013; hasta debutar en la dirección de largometrajes con “Blancanieves y el cazador” 2012, “Ghost in the Shell: El alma de la máquina” 2017 y en este 2024 nos presenta “El cuervo (The Crow). Para televisión ha rodado “Fundación” 2021 y entre otros trabajos los videoclips “Five: Slam Dunk (Da Funk) 1997 y “How to Destroy Angels: The Space in Between” 2010.

Cada vez que un remake se asoma a la gran pantalla, surge el debate sobre la posible escasez de ideas entre los guionistas en la industria audiovisual y creo, que se debería concretar un poco más y referirse a la industria del cine, pues son cada vez más los guionistas que están aceptando las ofertas de las grandes plataformas por varias razones, entre ellas la libertad a la hora de escribir, mayor estabilidad y sueldos más elevados; con el único propósito de crear contenido de entretenimiento y de calidad, tan demandado por el público más joven y no tan joven. Así, mientras la pequeña pantalla se sacia con grandes series e incluso de películas dirigidas por maestros consagrados; la gran pantalla parece agonizar alimentándose de remakes.

Que quede claro que no soy un negacionista de los remakes, siempre y cuando exista una razón para dispensar la luz verde. Un poco de sentido común y no intentar tomar el pelo al espectador, que paga su entrada. Tómese como ejemplo, aunque en ocasiones también se exceden, las grandes sagas, que no es este el caso, aunque como muchos sabéis, El Cuervo ha contado con tres tristes secuelas “El Cuervo: Ciudad de Ángeles” 1996 de Tim Pope, “El cuervo: Salvation” 2000 de Bharat Nalluri y “El cuervo: Wicked Prayer” 2005 de Lance Mungia, además de la desastrosa serie “El cuervo: Escalera hacia el cielo” 1998.

Retornando al pasado, hace 30 años llegó a nuestras pantallas “El cuervo” de Alex Proyas con Brandon Lee como protagonista. El filme se convirtió en una película de culto por muchas razones y ahora, tras la proyección de esta nueva versión me cuestiono, como ya me habréis leído en otras ocasiones, si una película, mítica como El Cuervo, cuya nostalgia remueve la memoria de quienes tuvimos la oportunidad de disfrutarla en su estreno, en los numerosos visionados a lo largo de los años y más teniendo conocimiento de los dolorosos avatares que se presentaron durante el rodaje, precisaba de una nueva adaptación, una versión libre, demasiado libre; la respuesta es que no, pero como está a punto de estrenarse y he tenido la oportunidad de verla, hablemos de ella.

Vaya por delante que esta nueva adaptación, nada tiene que ver con la original, salvo que existe una pareja que se enamoran, sufren una muerte brutal y…Lo peor de todo es que los guionistas no han logrado captar lo más importante, la esencia de El Cuervo de Proyas. Zach Baylin y William Schneider se limitan a crear una tragedia romántica entre dos adolescentes marginados de nuestro siglo, tocando incluso el mito de Orfeo y Euridice, aunque aquí Eric no podrá descender a los infiernos con el fin de rescatar a su amada, sino que su alma y cuerpo deberán mediar entre lo terrenal y lo espiritual. Transeúnte en  una ciudad  cuya misión es destruir el mal encarnado en Marian y Vincent y el limbo, en el cual purgará por los errores del pasado, viéndose involucrados, de una manera u otra, el amor, la existencia del ser, la muerte, la soledad, las malas decisiones o la lucha y necesidad de recuperar lo perdido, con el fin de alcanzar la redención. Una historia que funciona, aunque cuente con algunas lagunas e instantes incoherentes.

Amor, venganza y misticismo impregnan la noche provocando algunas escenas de impacto como la lucha en el interior del coche o los enfrentamientos en los diversos escenarios urbanos, llegando, en el último tramo del filme, al momento cumbre en el cual la venganza baila al son de las notas de la ópera de Giacomo Meyerbeer, “Robert Le Diable”, mientras Eric se encarga de crear su propio carnaval de sangre, despertando en el público la hilaridad y los aplausos. Posiblemente lo mejor de toda la película junto a la interpretación de su protagonista principal Bill Skarsgård, que borda su papel.

Para finalizar, recomiendo al espectador que al entrar en la sala, se olvide de todo lo que conoce de este personaje, de los falsos prejuicios y se acomode para ver una película de amor y muerte, de odios y miedos, de venganzas y violencia extrema; en donde la sangre busca la redención para el alma y el plomo, el descanso para el cuerpo. Un filme entretenido, místico y carnal por igual y aunque con fallos de principiante, no justifican las críticas tan feroces que ha recibido, incluso sin haberse estrenado. Os puedo asegurar que peores películas he visto en los últimos años y han sido aplaudidas por la crítica que ahora busca cebarse, con argumentos ridículos.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de agosto

REPARTO: Bill Skarsgård, FKA Twigs, Danny Huston, Isabella Wei, Dukagjin Podrimaj, Laura Birn, Jordan Bolger, Paul A. Maynard, Sami Bouajila, Jim High, Sebastian Orozco, Josette Simon, Kim Girschner, David Bowles, Baha Chbani, Jim High, y Karel Dobrý.

PRODUCTORA: The Electric Shadow Company// Edward R. Pressman Film// Davis Films// Hassell Free Productions// Edward R. Pressman Film.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Tripictures.

ALIEN: ROMULUS: CRÍTICA DE CINE

Alien Romulus, está dirigida por Fede Álvarez compartiendo guion con Rodo Sayagués.

Tras un misterioso prólogo, la acción nos sitúa en una colonia en la que viven los hermanos Rain Carradine (Cailee Spaeny) y Andy (David Jonsson) quienes junto a Kay (Isabela Merced), Tyler (Archie Renaux), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu), deciden embarcarse en una misión en busca de una nave que se encuentra a la deriva y  en cuyo interior se hallan unas valiosas cápsulas, pero… La nave oculta un misterio oscuro y terrorífico al que los jóvenes deberán enfrentarse, si desean regresar a sus hogares.

El guionista, productor y director, Fede Álvarez, estudió en la Universidad Católica del Uruguay (UCU) la carrera de comunicación. Mientras cursaba dichos estudios, trabajó dirigiendo videoclips y tras terminar la facultad entró a formar parte de la Productora Paris Texas, elaborando comerciales. Sería durante ese periodo cuando realizó el video que le llevaría a la fama “Ataque de pánico” 2009 con guion de Rodo Sayagués, al que conoció unos años antes en su debut con “El cojonudo” 2005. “Posesión infernal” llegaría en 2013 para continuar con “No respires” 2016, “Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte” 2018, “No respires 2” y “Caos: el inicio” 2021, “Texas Chainsaw Massacre” 2022 y este año estrenan “Alien: Romulus” 2024. Para televisión ha rodado capítulos de “Abierto hasta el amanecer” 2014 y “Calls” 2021.

Llega la película número 9 de la franquicia que se inició con “Alien, el octavo pasajero” 1979 del maestro Ridley Scott. Un filme que sedujo y provocó un fuerte impacto entre público y crítica, dejando sin aliento a quienes tuvimos la suerte de disfrutarla en las salas de cine. Un filme que elevó la ciencia ficción y el terror a otra dimensión. Tuvieron que pasar siete años para que otro maestro, James Cameron, se enfrentará a la secuela con un excelente resultado “Alien: El regreso” 1986 a la que siguieron “Alien 3” 1992 de David Fincher, “Alien: La resurrección” 1997 de Jean-Pierre Jeunet, “Alien vs. Depredador” 2004 de Paul W.S. Anderson, “Alien vs. Depredador  2” 2007 de Greg Strause y Colin Strause. En 2012 Ridley Scott regresó a la saga para ofrecernos dos nuevas entregas “Prometheus” 2012 y “Alien: Covenant” 2017 y de momento se cierra el ciclo con Fede Álvarez y su “Alien: Romulus” 2024. De entrada, puedo asegurar que la espera ha merecido la pena.

Sin duda, los fans de la franquicia van a disfrutar de cada minuto del correctísimo metraje que Fede ha considerado conveniente para contar esta nueva historia, junto a su amigo y guionista Rodo Sayagués. Ambos son conscientes del material que tienen entre manos, la estela que han dejado sus antecesoras hasta la fecha y la “osadía” bien diseñada para atreverse a dar un paso adelante con la intención de no defraudar y ofrecer un gran espectáculo al público en general y en particular a los fans, impacientes por regresar, desde sus butacas, a esa nave y a los espacios que ya conocemos y que tanta tensión, oscuridad y terror, han causado.

Fede y Rodo logran con buena nota atrapar al espectador en un sorprendente vaivén emocional, pues cuando director y guionista parece que nos van a dar un leve respiro, no les pedimos más, un nuevo giro, un nuevo loopings más potente, vertiginoso, dramático o una nueva caída a los infiernos; ocasionan que no nos atrevamos a despegar nuestra mirada de la gran pantalla, con la única pretensión de no perdamos ningún detalle. La obra se enriquece con las luces, sombras, tramas y color de la imponente y tenebrosa fotografía de Galo Olivares mientras que los nervios terminan de tensarse, como las cuerdas de una guitarra, gracias a las aplastantes y abrumadoras notas de la banda sonora de Benjamin Wallfisch. El conjunto, crea una axfisiante atmósfera que lo impregna todo.

Toca hablar de ellos, del reducido y extraordinario elenco actoral. Seis actores cuyas interpretaciones originan que desde el primer instante empaticemos con sus personajes, principalmente con Cailee Spaeny y David Jonsson, Rain y Andy, sorprendiéndonos positivamente pues con ellos sufrimos en más de una ocasión, debido a la franqueza de sus interpretaciones, los trances que deben vivir y las fuertes personalidades que emanan sus personajes y… Hasta aquí puedo contar.

En resumen, Alien: Romulus, está creada para contentar y lo hace sin escatimar,  con escenas muy cañeras donde no faltarán los gritos, el gore y los desmembramientos hasta llegar a un acto final brutal. Una puesta en escena retro que nos retrotrae a los tiempos del primer Alien: Los monitores, el mobiliario, las armas, los trajes, los decorados de interior y  esos fantásticos efectos visuales artesanales, que agradecemos al darnos  un respiro ante tanta digitalización. La suma del todo resulta convincente y natural entre la cacharrería. Me atrevo a aseguraros que viviréis una nueva experiencia de terror futurista, en donde los nervios estarán a flor de piel.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de agosto.

REPARTO: Cailee Spaeny, David Jonsson, Isabela Merced, Aileen Wu, Spike Fearn, Archie Renaux.

PRODUCTORAS: 20th Century Studios// Scott Free Productions// Brandywine Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

DEADPOOL Y LOBEZNO: CRÍTICA DE CINE

 

Deadpool y Lobezno, está dirigida por Shawn Levy compartiendo guion con Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells y Paul Wernick.

Vemos como Deadpool (Ryan Reynolds), se encuentra en un paraje nevado desenterrando a Lobezno (Hugh Jackman) y manteniendo su primera batalla sangrienta con un grupo de soldados. Se dirige al público para explicarle como ha llegado a esa situación.

La  Time Variance Authority (TVA) se puso en contacto con él para que les ayudase a solucionar un grave problema surgido en la línea de tiempo y para dicha misión, Deadpool, buscará a Lobezno para que le apoye. Una misión que cambiará para siempre la historia del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Como diría Deadpool. “¿Para qué coño sirven las sinopsis, más que para rellenar unas líneas de una crítica, que tal vez a muy pocos  les interese?” Pero yo no soy Deadpool, creo en los lectores y aquí os la dejo.

Hablando del UCM, es importante saber que es la primera vez que este personaje se integra en el mismo, que estamos ante la película número 34 y la tercera del irreverente y sarcástico personaje interpretado por Ryan Reynolds. Las anteriores entregas y bajo el sello de 20th Century Fox fueron “DeadPool” de Tim Miller 2016 y “Deadpool 2” de David Leitch. Este año el relevo lo toma Shawn Levy. Para terminar os diré que ha sido producida por Marvel Studios, 21 Laps Entertainment y Maximum Effort, con distribución de Walt Disney Studios Motion Pictures y que se sitúa como la cuarta entrega de la Fase V. Dicho esto continuamos con la biografía del director, que viene bien conocerla.

El actor, productor y director, Shawn Levy, estudió en la Escuela Secundaria de San Jorge y tras finalizar, ingresó en la Stagedoor Manor Performing Arts Training Center de Nueva York, para proseguir con su formación artística en la Universidad de Yale, obteniendo en el año 1989 el título de especialista en Artes Escénicas. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con la interpretación en filmes como, “Zombie Nightmare” 1986 de Jack Bravman y en numerosas series de televisión. Como director debutó con el cortometraje “Broken Record” 1994, saltando al largometraje con “Destino desconocido” y “Just in Time” 1997, “Gordo mentiroso” 2002,  “Recién casados” y “Doce en casa” 2003, “La Pantera Rosa” y “Noche en el museo” 2006, “Noche en el museo 2” 2009, “Noche loca” 2010,  “Acero puro” 2011, “Los becarios” 2013, “Ahí os quedáis” y “Noche en el museo: el secreto del faraón” en 2014, “Free Guy” 2021, “El proyecto Adam” 2022 y este año nos ofrece “Deadpool y Lobezno” 2024. Ha dirigido telefilmes como “Stray Dog” y “Dear America: Dreams in the Golden Country” ambas en 1999, “Su mejor amigo” 2001, “The Deerings” 2004, “Joint Custody” 2005, “Family Album” 2011 y  “Little Brother” y “Family Trap” 2012. Además ha realizado varios capítulos en numerosas series.

Seguramente muchos os preguntaréis si nuestro adorable Deadpool, al menos para mí, a quien considero uno de mis personajes favoritos capaz de romper siempre la cuarta pared; tras el cambio de productora, sigue manteniendo su descaro, su peculiar verborrea, sus palabras y frases subidas de tono y sus gestos obscenos. Pues sí, ha recibido su merecidísima y esperada clasificación “R” de la que se siente orgulloso, y es que si algo caracteriza a la perfección a este personaje es su autenticidad, naturalidad y el ser políticamente incorrecto. No es el personaje más cachas entre los superhéroes, pero su arrolladora personalidad, cautiva y sin duda, Ryan Reynolds, es el perfecto anfitrión para encarnarlo. Ya que he hablado de Ryan, aprovecho para hacerlo de su compañero Hugh Jackman como Lobezno, este sí que va sobrado de musculatura y aunque el puto amo sea Ryan (perdón por el taco),  Hugh está a la altura con un personaje perseguido por las luces y las sombras del pasado. Dos personalidades dispares que convierten a Deadpool y Lobezno, en la mejor película de la hasta ahora, trilogía y de muchas del universo UCM, en donde los dos protagonistas principales transmiten al espectador la química que se respira entre ellos. Lo repito, toda una gozada verles en acción o discutiendo, lo mismo me da.

El filme nos ofrece una extraordinaria y divertidísima banda sonora de Rob Simonsen con temas sempiternos que cualquier superhéroe, incluyo por supuesto a Deadpool, soñaría tener como acompañamiento en sus películas. Títulos como “Like a Prayer” de Madonna o el inolvidable “You`re The One That I Want” interpretado por John Travolta y  Olivia Newton-John de la película “Grease”. Esta vez no subiré los títulos que forman dicha banda sonora, porque es un auténtico placer y un disfrute ir descubriéndolos a medida que transcurre el metraje.

Composiciones cuyas notas desfilan por esta brillante historia, abrazando y enriqueciendo las coreografías expuestas en las potentes y sangrientas escenas de acción e incluso ver como Deadpool, baila mientras ejecuta a sus enemigos con las catanas y el cuchillín. Todo un espectáculo para el espectador que navega entre las líneas temporales. No me voy a olvidar de un personaje clave y al que desde aquí envío un aplauso especial, me refiero al pequeño Dogpool. Como saquen el peluche, me lo pido para Reyes.

George Richmond, se entrega con una elegante y cuidada fotografía a lo largo del metraje, ofreciendo una selecta gama de color y planos que van componiendo cada escena de manera milimétrica, entre los decorados de interior, exterior y los efectos especiales. Toda la parte visual resulta impactante y gratificante. Nos creemos cuanto vemos. Deadpool y Lobezno alcanza una nueva dimensión visual con un despliegue técnico, insuperable.

Resumiendo, porque no quiero desvelar más, todo en esta película funciona  e incluso lo más descabellado, me convence. Está dirigida con firmeza desde una mente juguetona y caprichosa, que contagia a sus actores y que de otra forma sería imposible deleitarse del gran resultado que ofrece. Cuenta con un sólido guion de Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells y Paul Wernick, quienes se lo han currado y mucho. Los diálogos son brillantes y las sorpresas constantes. Al ritmo que le confiere el gran montaje de Shane Reid y la dirección, nada que objetar y sí mucho que felicitar, al igual que a todo el equipo de efectos visuales y maquillaje. Yo no sé si estamos ante un nuevo Marvel, con ideas más atrevidas y necesarias para nuestro tiempo, si es así, bienvenido y gracias por espectáculos como este. Una ola refrescante para este verano.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de julio.

REPARTO: Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Leslie Uggams, Morena Baccarin, Brianna Hildebrand, Emma Corrin, Matthew Macfadyen, Tyler Mane, Shiori Kutsuna, Aaron Stanford, Jennifer Garder, T.J. Miller, Kelly Hu, Tara Strong, Stefan Kapičić, Rob Delaney, Lewis Tan, Karan Soni, Ray Park, Jason Flemyng, Randal Reeder, Dania Ramírez y Rov McElhenney

PRODUCTORA: Marvel Studios// 20^th Century Studios// 21 Laps Entertainment, Donners`Company// Maximum Effort.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Diney Pictures Spain y 20th Century Studios España.

TWISTERS: CRÍTICA DE CINE

        TWISTERS está dirigida por Lee Isaac Chung con guion de Mark L. Smith.

El prólogo nos presenta a un grupo de jóvenes entre los que se encuentran una joven meteoróloga, Kate Cooper (Daisy Edgar-Jones) que está realizando su tesis y Javi (Anthony Ramos) un cazador de tormentas, como el resto del grupo. Persiguen emocionados a un tornado que se vuelve muy violento y ante el que no pueden escapar. Kate y Javi se refugian como pueden, pero finalmente Javi sale volando por los aires.

Han pasado 5 años y Kate trabaja en unas oficinas con un grupo de meteorólogos. Un día recibe la visita de su amigo Javi, al que no había visto desde el trágico incidente. Mientras Javi continúa persiguiendo tornados con la misma ilusión del primer día y apoyado por una gran multinacional, Kate, sigue marcada por la experiencia del pasado.Tras pensarlo, Kate decide unirse al grupo y entre los numerosos cazadores, se encontrará con Tyler Owens (Glen Powell) un famoso cazador de tornados que cuenta con miles de seguidores en las redes sociales.

El guionista y director, Lee Isaac Chung, estudió la carrera de biología por la Universidad de Yale, en la especialidad de Ecología. Comenzó la carrera de medicina pero decidió abandonarla para dedicarse al cine, ingresando en la Universidad de Utah en donde obtuvo su MFA en 2004. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el cortometraje: “Highway” 2004 y “Sex and Coffee” y “Los coyotes” en 2005. En el largometraje debutó con “Munyurangabo” 2007 continuando con “Lucky Life” 2010, “Abigail Harm” 2012, “Minari, historia de mi familia” 2020 y “Twisters” 2024. También ha dirigido el documental “I Have Seen My Last Born” 2015, el cortometraje “36649” 2022 y un episodio de “The Mandalorian 3” 2023.

Cuando tuve conocimiento de esta nueva versión de “Twister” me asaltó una duda ¿Era necesaria una nueva visión de un filme que tan buen sabor de boca nos dejó en su momento? En realidad es una pregunta que me vengo cuestionando desde hace un tiempo atrás, posiblemente desde que en Hollywood los guionistas parecen sufrir de una gran sequía de ideas o destinan estas, a otros medios como la televisión o las plataformas; dejando tras de sí, un buen reguero de secuelas, reboots, remakes etc., en la gran pantalla. No hace falta enumerar títulos, pues algunos los tenemos muy recientes. Dicho esto puedo afirmar que ha merecido la pena, porque el espectáculo está asegurado. Es uno de esos blockbusters, hacía mucho que no utilizaba este término, ideal para el verano, perfecto para adentrarse en la gran sala de cine climatizada y disfrutar de sus dos horas de metraje, en un grado superlativo.

En 1996 el director Jan de Bont sorprendió al público con “Twister”  interpretada en aquella ocasión por Helen Hunt, Bill Paxton, Cary Elwes y Jami Gertz, entre otros; toda una experiencia visual difícil de olvidar para quienes tuvimos la suerte de disfrutarla en la gran pantalla. Ahora, 28 años más tarde y de la mano de Lee Isaac Chung, nos llega “Twesters” en plural, pues no será un gran tornando o una gran tormenta, sino tres o cuatro, no recuerdo muy bien o prefiero no acordarme, los que desfilarán ante nuestros ojos antes de llegar al final.

Tornados que se presentan con su propia idiosincrasia y con una violencia axfisiante, pues ninguno es igual al otro, sirviendo, de paso, de crítica social al calentamiento global que el Planeta está experimentando, como se puede escuchar en algunas conversaciones, aunque lo que verdaderamente busca y logra el director es ofrecer el más todavía en destrucción sobre esos espacios de vastas praderas, de gentes humildes, de rodeos que en ocasiones podemos llegar a pensar si alguno de esos jinetes serían capaces de cabalgar sobre los tornados o los pueblos de casas aisladas que nos podemos encontrar en Oklahoma, retratados con brillantez por el director de fotografía Daniel Mindel. Cuenta además con un sólido guion de Mark L. Smith, la potente banda sonora de Benjamin Wallfisch y sin olvidarnos del extraordinario y envolvente sonido, que nos deja paralizados en más de una ocasión.

Twisters es uno de esos filmes que destila acción a raudales, escenas con un buen ritmo gracias en parte al montaje de Terilyn A. Shropshire, la dirección impecable de Lee Isaac Chung y por supuesto a los cazadores de tornados, a esos hombres y mujeres que nos llevan de un lado a otro a bordo de sus todoterrenos y furgonetas, en busca de emociones que logran traspasar la gran pantalla, no exentas de colegueo, amores, celos y juicios de valores, destacando a una intrépida y aventurera Kate Cooper, interpretada por Daisy Edgar-Jones y un divertido, socarrón y chulesco Tyler Owens, en la piel de Glen Powell y aunque en un papel muy breve, veremos a David Corenswet, el próximo Superman.

Por todo lo dicho, estamos ante un filme divertido, emocionante, vibrante, veraniego y palomitero, para disfrutar de principio a fin. Nada mejor que una sala de cine, para refugiarse del calor y dejarse llevar por los caprichos de la naturaleza.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de julio.

MUSICA: REPARTO: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Katy O`Brian, Sasha Lane, Anthony Ramos, David Corenswel, Brandon Perea, Kiernan Shipka, Harry Hadden-Paton, Nik Dodani, Maura Tierney, Daryl McCormack, Braydon Clues, David Born, Sebastian Laneri, Tunde Adebimpe, Chelsey Davis, Samantha Ireland, David Corenswet, Jobie James y Stephen Oyoung.

PRODUCTORA: Amblin Entertainment// The Kennedy/Marshall Company// Universal Pictures// Warner Bros// Lightnin` Production Rentals//

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

FLY ME TO THE MOON: CRÍTICA DE CINE

      Fly Me To The Moon, está dirigida por Greg Berlanti con guion de Rose Gilroy.

Kelly Jones (Scarlett Johansson) es una joven alegre, resuelta e inteligente que trabaja en el mundo del marketing; es contratada por la NASA para que les mejore la imagen pública ante tantos fracasos espaciales, como se nos irá mostrando en pantalla. En ese camino, conocerá al director encargado del lanzamiento del Apolo XI, Cole Davis (Channing Tatum). Entre ambos surgirá el amor.

Una historia de amor que tomará como telón de fondo los meses previos al alunizaje del Apolo XI el 20 de Julio de 1969 y cuyos astronautas fueron el comandante Neil Armstrong, el piloto del módulo lunar Buzz Aldrin y el piloto del módulo de mando Michael Collins. Una comedia refrescante e ideal para estos meses de verano, que navega entre la historia y la fantasía.

El guionista, productor y director, Greg Berlanti, se graduó en la Escuela Secundaria de Rye e ingresó en la Universidad Northwestern para estudiar dramaturgia. Comenzó a trabajar como guionista  y productor ejecutivo para series como “Dawson crece” 1998/99, “Jóvenes rebeldes” 1999, “The Tomorrow People” 2013, “The Flash” 2014, “Supergirl” 2015 o “You” 2018 y debutó en la dirección con “El Club de los corazones rotos” 2000, “Como la vida misma” 2010, “Con amor, Simon” 2018 y este año nos ofrece “Fly Me To The Moon” 2024. También ha dirigido episodios para la serie “Political Animals” 2012

Como decía al final de la sinopsis, llega una de esas comedias estivales, a la vez que romántica sin ser empalagosa, inteligente en sus diálogos, con un buen ritmo y haciendo hincapié, en su sencillo guion, en los problemas y la desesperación que atravesaban los norteamericanos al contemplar como los rusos ganaban la carrera espacial; por ese motivo, en ese año, en  el que depositaban todas las esperanzas en el Apolo XI y en sus tres astronautas, decidieron cubrirse las espaldas, por si algo salía mal, contratando a un director de cine, creando un plató que simularía el suelo lunar y planificando cada movimiento con suma precisión, como si estuvieran realmente en la luna; nada podía fallar. A lo largo del metraje disfrutaremos de algunos guiños cinematográficos como la mención al gran maestro Stanley Kubrick, pues recordemos que Kubrick fue asesorado por la NASA para rodar su inolvidable obra maestra “2001: Una odisea espacial” un año antes de que el hombre pisara la Luna.

Fly me to the Moon, posee los ingredientes suficiente para que el espectador la disfrute en las salas de cine al resguardo de este caluroso verano entre palomitas, chuches y refrescos, mientras escuchamos una vez más la frase que inmortalizó Armstrong al apoyar el pie izquierdo en la superficie lunar: “Un pequeño paso para el hombre, pero un gran salto para la humanidad” culminando con el momento en que los tres astronautas caen en aguas del océano Pacífico el 24 de julio, sanos y a salvo; tranquilos, no he contado el final de la película, sino de la odisea espacial de aquel Apolo XI.

En “Fly me to the Moon” los verdaderos protagonistas no son los astronautas, ni el cohete, ni siquiera el debate de si el hombre pisó la Luna o no; formulado en varias ocasiones a lo largo de la historia del cine, pues hasta Los Minions hicieron un pequeño sketch en uno de sus filmes. Los verdaderos protagonistas son Kelly Jones y Cole Davis o lo que es lo mismo, los actores que les dan vida, Scarlett Johansson y Channing Tatum, que nos van conquistando, entre sonrisas y algunos instantes dramáticos, con esa singular relación que surge entre ellos. Un Channing correcto en un papel hermético y exudando la responsabilidad de ser el director del lanzamiento del Apolo XI, mientras que la extraordinaria y maravillosa Scarlett, nos regala un personaje delicioso entre sus andares sensuales, su espontaneidad bien calibrada, las miradas, los cambios de looks, el desparpajo hablando y los silencios, cuando cree que deber hacerlo. Una pareja que transita entre las luces y las sombras, entre sus pasados y el presente y cuanto les separada; al menos para mí, la historia que fluye entre ellos, aunque un tanto atropellada, me la creo y la disfruto. Son una pareja de otros tiempos, quién sabe si de aquella década de los 60 del siglo pasado.

Greg Berlanti, dirige con agilidad este filme que aunque sobrepasa las dos horas de metraje, 132 minutos para ser exactos, no se hacen pesados, cuenta con una elegante y luminosa fotografía de Dariusz Wolski ambientando con precisión la década de los 60 y una atractiva partitura de Daniel Pemberton. En resumen y para no alargar más esta reseña, estamos ante una de esas películas veraniegas que se disfruta sin más, saliendo de la sala con una sonrisa y que seguramente, tomando un refresco en una terraza o durante la cena, salgan a relucir algunos aspectos vistos y escuchados.

Por si no os lo he dicho en otras reseñas, Feliz Verano para todos/as.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de julio

REPARTO: Scarlett Johansson, Channing Tatum, Jim Rash, Colin Woodell, Woody Harrelson, Ana García, Noah Robbins, Ray Romano, Donald Elie Watkins, Nick Dillengurg, Ashley Kings, Arte Newkirk, Jonathan Orea Lopez, Christian Zuber, Eva Pilar, Drew Broderick, Bill Barret, Chad Crowe, Will Jacobs, Melissa Litow, Christian Clemenson, Alex Veadov, Greg Kriek, Tim Ware, Lauren Revard, Peter Jacobson, James Dormuth, Trey McGriff, Kylee Nicole Peck, Todd Allen Durkin, Joe Chrest y James Stewart Welch Jr.

PRODUCTORA: Berlanti Productions// Apple Original Films// These Pictures, Scott Free Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

KILL BOY: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Alemania, Sudáfrica y Estados Unidos, KILL BOY, está dirigida por Moritz Mohr compartiendo guion con Arend Remmers y Tyler Burton Smith. “Una travesura extravagante que deja al espectador ojiplático”

La voz interior de Boy (H. Jon Benjamin) nos narra que siendo un niño la familia Van der Koy compuesta por Melanie (Michelle Dockery), la despiadada matriarca Hilda (Famke Janssen), Gideon (Brett Gelman)  y Glen (Sharlto Copley) mataron a su familia, en su presencia. Un Chamán (Yayan Ruhian) se hace cargo de él, con el fin de convertirle en el guerrero definitivo. Cuando Boy llega a la edad adulta (Bill Akarsgård), decide abandonar al Chamán e ir en busca de los Van der Koy, con el fin de llevar a cabo su venganza personal; junto a él estarán Basho (Andrew Koji) y Benny (Isaías Mustafa) y en su mente la presencia de su hermana Mina (Quinn Copeland)

El guionista y director, Moritz Mohr, estudió en la Academia de Cine de Baden-Württemberg y se graduó en la Universidad de California, Los Ángeles entre 2005 y 2011. Debutó con los cortometrajes “Akumi” 2005, “Vidiots” 2006, “Hurensohn” 2008 y “Battlefield” 2009 y en el largometraje con “Kill Boy” 2023. Para televisión ha dirigido capítulos de la serie “Viva Berlín” 2011.

He buscado la mejor manera de comenzar esta  crítica y creo que la más acertada es decir que estamos ante una propuesta loca y salvaje, que ya desde la primera escena nos invita a liberar la mente, acomodarnos en la butaca y dejarnos llevar y si lo hacéis, estoy convencido que la vais a disfrutar de principio a fin. Kill Boy rebosa acción trepidante, violencia a raudales, drama en su justa medida, gore hasta sentir que la sangre puede llegar a salpicarte, venganzas familiares y familias inhumanas, y todo lo que os podáis imaginar e incluso mucho más, llevado al límite con grandes dosis de humor negro. Casi dos horas de pura adrenalina entre cuchilladas, hachazos, casquillos de balas que parecen crear un mar en el suelo, en el que poder nadar y enfrentamientos difíciles de concebir entre seres humanos ¿Humanos he dicho?, olvidad esa palabra.

Un coctel enérgico que bebe de los videojuegos, el cómic y las películas de acción llevadas a otro nivel. El propio director comentó “Soy gamer de toda la vida y he intentado imbuir esa locura y diversión en este filme” y vaya si lo consigue, la cámara nunca estamos seguros de dónde se encuentra, aunque tampoco nos debe preocupar, mientras siga rodando y la sangre no manche el objetivo; al igual que sucede con el ritmo y movimientos que potencian a las brillantes coreografías diseñadas por David Szatarski,  ofreciendo ese grado de irracionalidad, que nos deja sin respiración. Puro cine de violencia llevado al  extremo, en medio de volteretas, patadas, golpes y uso de todo tipo de armas que cortan cuanto se pone a su alcance, con el propósito no de bloquear sino de aniquilar al contrario. Estoy convencido que tanto el director como los actores, se lo han pasado como niños retozando en la nieve.

El guion nos ofrece una estructura muy interesante y además de las escenas de violencia que me han despertado más de una carcajada, pues de sobra es sabido que la extrema violencia y lo inverosímil, siempre desde la fantasía que nos brinda la pequeña o gran pantalla, provocan la hilaridad; pues además de todo eso, como os decía, tiene dos momentos a destacar desde mi punto de vista: tensos, dramáticos y con fuerte carga emocional como es todo el inicio narrado por el protagonista y el tramo final. Guionistas y director han sabido conjugar la parte trágica de la historia y lo festivo.

Toca destacar la potente fotografía de Peter Matjasko, recreándose entre la acertada elección de planos, la iluminación y los magníficos movimientos de cámara; el extraordinario montaje de Lucian Barnard y por supuesto, la banda sonora como compañera infatigable en la partitura de Ludvig Forssell, quienes junto a Moritz Mohr, originan una vertiginosa montaña rusa de sensaciones y emociones. No, os aseguro que no deja indiferente a nadie.

Resumiendo: ¿Violencia? Más de la que puedas digerir. ¿Acción? Se escapa por los cuatro ángulos de la pantalla. ¿Comedia? Sí, grandes dosis de humor negro. ¿Drama? No puede faltar y necesario para poder respirar. ¿Gore? No te acerques demasiado a la pantalla, es un consejo.  ¿Excentricidad? Le sobra por todos los poros. ¿Te atreves? Yo ya lo hice.

 Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de julio.

REPARTO: Bill Skarsgård, Jessica Rothe, Michelle Dockery, Yayan Ruhian, Sharlto Copley, Brett Gelman, Isaiah Mustafa, Nicholas Crovetti, Cameron Crovetti, Quinn Copeland, Andrew Koji y Famke Janssen.

PRODUCTORA: Nthibah Pictures// Hammerstone Studios// Raimi Productions// Ventaro Film.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeaPlaneta.

FURIOSA: DE LA SAGA MAD MAX: CRÍTICA DE CINE

Furiosa: De la saga Mad Max está dirigida por George Miller quien comparte el guion con Nick Lathouris.

Nos encontramos con dos niñas, Furiosa (Alyla Browne/Anya Taylor- Joy) y su amiga Valkiria (Dylan Adonis), disfrutando de la naturaleza. Furiosa descubre a unos motoristas rebeldes cerca del vergel habitado por Muchas Madres y decide cortarles los manguitos de las motos, con los dientes. Es descubierta por uno de ellos y la aprensan. Valkiria alerta al pueblo y en su rescate sale su madre (Charlee Fraser), quien les va dando caza hasta llegar al lugar en el que se encuentra emplazada la tribu de los motoristas. La niña es presentada ante su gran líder Warlord Dementus (Chris Hemsworth). La madre rescata a la pequeña pero finalmente es capturada por la tribu. Dementus, antes adoptar a la joven Furiosa, la obliga a presenciar la muerte de su propia madre. Los ojos de la joven se llenan de lágrimas y odio.

El productor, guionista y director, George Miller, estudió medicina en la Universidad de Nueva Gales del Sur y durante un taller de cine conoció a Byron  Kennedy con quien fundó la empresa Kennedy Miller Productions en el año 1972. Debutó en el cortometraje con “Violence in the Cinema, Part 1” y “St. Vincent`s Revue Film” ambos en 1971 y el corto documental “The Devil in Evening Dress” 1975, para continuar con el largometraje “Mad Max-Salvaje de autopista” 1979, “Mad Max 2, el guerrero de la carretera” 1981,  “En los límites de la realidad” 1983, “Mad Max, más allá de la cúpula del trueno” 1985, “Las brujas de Eastwick” 1987, “El aceite de la vida” 1992, “Babe, el cerdito en la ciudad” 1998,  “Happy Feet: Rompiendo el hielo” 2006, “happy Feet 2” 2011, “Mad Max: Furia en la carretera” 2015, “Tres mil años esperándote” 2022 y ahora nos llega “Furiosa: De la saga Mad Max” 2024. Ha dirigido también 1 capítulo de serie “The Dismissal” 1983, otro de la serie documental “Century of Cinema” 1997 y el videoclip musical “Tina Turner: We Don`t Need Another Hero” 1985.

Mad Max es otra de esas franquicias de ciencia ficción que atraen a un gran número de público a las salas, desde que en 1979 el australiano  George Miller en la dirección, compartiendo guion con James McCausland y un joven de nombre Mel Gibson, quien encarnaba al policía Max Rockatansky en un futuro post-apocalíptico, sorprendieron al gran público. Tras aquella primera entrega de “Mad Max. Salvaje de autopista” 1979 llegarían, dirigidas por Miller e interpretadas por Gibson, “Mad Max 2. El guerrero de la carretera” 1981 y “Mad Max 3. Más allá de la cúpula del trueno” 1985 compartiendo dirección con George Ogilvie. La cuarta entrega, ya sin Mel Gibson sería “Mad Max: Furia en la carretera” 2015, interpretada por Tom Hardy y tras 9 años de espera, Anya Taylor-Joy toma el relevo de Charlize Theron, convirtiéndose en el personaje principal en “Furiosa: de la saga Mad Max” 2024 y aun sin fecha de estreno, aguarda “Mad Max: The Wasteland”. También se pueden mencionar el cortometraje de animación “Mad Max Motion Comic” 2013 de Tom Taylor y el documental para la televisión “Mad Max, univers Brûtant” 2016 de Jacinto Carvalho y Johan Chiaramonte.

En Furiosa nos encontramos con una extraordinaria MasterClass de lenguaje cinematográfico reforzando cada plano, secuencia y escena, algunas casi imposibles de idear y llevar a cabo, aunque nuestros ojos lo estén presenciando. El objetivo de la cámara siempre está en el lugar indicado para dedicarnos el mayor espectáculo nunca concebido, provocando que por instantes el espectador se sienta abrumado por cuanto la pantalla le ofrece, pues la acción, aunque respire por ella misma, no se detiene nunca. Miller no deja nada a la imaginación y juega como un niño travieso y emocionado sobre una gran montaña rusa con las cámaras, los drones y cuanta parafernalia tiene a su disposición.

Una odisea polvorienta con olor a gasolina y sudor, que aconsejo ser vista en la gran pantalla para poder recrearse con los grandes espacios desérticos, las sobrecogedoras e impactantes coreografías orquestadas por los cientos de extras que dibujan en el aire y la tierra las numerosas cabriolas, mientras se batalla entre el amasijo de mental que conforma las frías e industrializadas edificaciones, por las que se cuelgan y descuelgan, corren y saltan. El rugir de las motos y otros vehículos en las persecuciones, originándose choques y derribos mientras intentan proteger a su protagonista principal, el impresionante camión War Rig y por supuesto, los enfrentamientos verbales y físicos. Un filme con un alto grado de adrenalina.

El excelente diseño de producción, ha recaído de nuevo en Colin Gibson, ofreciéndonos magníficos espacios naturales y los creados para la ocasión, la extraordinaria fotografía de Simon Duggan, quien da rienda suelta a su imaginación creativa entre los numerosos planos, la iluminación, las tramas y el color que componen las diferentes escenas, algunas muy largas y que seguramente causó más de un dolor de cabeza a los montadores Margaret Sixel y Eliot Knapman, responsables del frenético ritmo con el que han dotado al filme; la épica banda sonora de Junkie XL  y el apabullante sonido, una vez más de Ben Osmo, en el que nos vemos envueltos desde el minuto uno. Si podéis asistir a una sala que ofrezca un buen sonido, la vais a gozar. Por último destacar el impresionante vestuario de Jenny Beavan, quién obtuvo el Oscar con la anterior entrega y  el maquillaje y peluquería de Lesley Vanderwalt, tan importante en este tipo de películas.

Finalizo con el elenco actora y los cientos de secundarios sin los cuales no hubiera sido posible esta locura cinematográfica, éste frenesí de polvo, violencia, metal y batallas sin fin. A cuantos han intervenido mis felicitaciones y destacaré a los protagonistas principales, a las dos mujeres que dan vida a Furiosa, la  joven y brillante Alayla Browne, que nos atrapa con su magnetismo y naturalidad, y en la edad adulta a una impresionante Anya Taylor-Joy, quien, aun teniendo muy pocas líneas de diálogo a lo largo de todo el metraje, no precisa de más, pues serán sus miradas y su sobrecogedor lenguaje corporal, quienes conecten con el espectador para ofrecerle las emociones, sentimientos y deseos más personales, además de la gallardía que desata todo su ser. En el lado masculino sobresalen Tom Burke como Jack, el conductor del gran camión. Un personaje silencioso, duro y romántico a la vez, en medio de tanto caos y por supuesto, aunque con una buena capa de maquillaje, sobre todo en la nariz que llama poderosamente la atención, desplegando su humor irónico más propio de su gran personaje Thor, conduciendo una cuadriga compuesta por tres motocicletas, vistiendo una gran capa y como complemento un pequeño oso de peluche, nos encontramos con Chris Hemsworth, que aunque no sea su mejor trabajo, siempre es muy bienvenido a la gran pantalla.

Esto y mucho más os ofrece Furiosa, la nueva entrega de la gran saga de Mad Max. Supuestamente hay una nueva entrega en un futuro aun no confirmado y sinceramente pienso que no sé qué sorpresas nos puede aguardar, pues aquí parece haberlo dado todo.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de mayo.

REPARTO: Anya Taylor-Joy, Chris Hemsworth, Tom Burke, Angus Sampson, Daniel Webber, Nathan Jones, Goran D. Kleut, Lachy Hulme, CJ Bloomfield, Rahel Romahn, Robert McFarlane, David Collins, Matuse Paz, Florence Mezzara, Maleeka Gasbarri, Alex Time, Xanthia Marinelli, Yeye Zhou, Anne-Emilie Perol, Matt de Souza, Cody Riley, Kelli Bailey, Ning Cyrus, Chong Wei Zhang, Marcia Coronado, Denise Davidson, Dylan Hill, Shakriya Tarinyawat, Charlee Fraser, Alyla Browne, Nat Buchanan, Spencer Connelly, Ian Roberts y Darcy Bryce.

PRODUCTORA: Warner Bros. // Kennedy Miller Mitchell.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures.

EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS: CRÍTICA DE CINE

El reino del planeta de los simios está dirigida por Wes Ball con guion de Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver y Patrick Aison. “Para sobrevivir recuerda tu fuerza, tu compasión, tu misericordia”.

El prólogo nos sitúa en el emotivo entierro de Cesar, frente a una gran roca. Un ritual que finaliza con la cremación de su cuerpo. 300 años después la historia nos traslada a una hermosa selva en donde conoceremos a Noa (Owen Teague), Soona (Lydia Peckham) y Anaya (Travis Jeffery); tres amigos chimpancés que deben buscar un huevo de águila para su iniciación. Cada uno tomará el que le llame, regresando a la colonia en la que todos viven en armonía con las águilas, pero pronto la tranquilidad se ve alterada cuando Proximus Caesar (Kevin Durand), quien ha violado las enseñanzas de Cesar, les ataca, quemando el poblado y llevándose a los supervivientes como esclavos. Noa se queda solo y decide emprender un viaje en busca de su familia. En dicho periplo, lleno de peligros y aventuras, Noa se encontrará con Raka (Peter Macon) y May (Freya Allan).

El artista de efectos visuales, el artista gráfico y el director de cine, Wes Ball, se graduó en la Universidad FSU de las Artes con un BFA en 2002. Debutó con los cortometrajes “Jacob: The Movie” y “A Work in Progress” ambas en 2002 y “Ruin” 2011 y en el largometraje con “El corredor del laberinto” 2014, “El corredor del laberinto: Las pruebas” 2015, “El corredor del laberinto: La cura mortal” 2018 y este año nos ofrece “El reino del planeta de los simios” 2024.

La saga de “El Planeta de los Simios” cuenta con 10 películas, 2 series de televisión, 1 telefilme, 2 documentales y 3 cortometrajes.  Recordemos, en primer lugar, que están basadas en la novela de Pierre Boulle, escrita en 1963 y que cinco años más tarde de su publicación llegaría la primera versión cinematográfica que alcanzó un gran éxito “El Planeta de los Simios” 1968 de Franklin J. Schaffner, interpretada por Charlton Heston encarnando al astronauta George Taylor, a la que siguió “El regreso al planeta de los simios” 1970 de Ted Post, “Huida del planeta de los simios” 1971 de Don Taylor, “La rebelión de los simios” 1972 de J. Lee Thompson y “La batalla por el planeta de los simios” 1973, también de J. Lee Thompson con la que cierra la primera saga de la franquicia. Tendríamos que esperar hasta el comienzo de este siglo, cuando Tim Burton nos presenta “El planeta de los simios” 2001y diez años más tarde se iniciaría una nueva saga compuesta por “El origen del planeta de los simios” 2011 de Rupert Wyatt, “El amanecer del planeta de los simios” 2014 de Matt Reeves y “La guerra del planeta de los simios” 2017 repitiendo en la dirección Matt Reeves y finalizando la segunda saga. Esta magnífica franquicia, ha sido distribuida por 20th Century Fox.

Además cuenta con una serie de televisión “El planeta de los simios” 1974, la serie de animación “Regreso al planeta de los simios” 1975, el telefilme “La vida en el planeta de los simios” 1981 de Alf Kjellin y Arnold Laven, los documentales “Detrás del planeta de los simios” 1998 de Kevin Burns y David Comtois y  “Making Apes: The Artists Who Changed Film” 2019 de William Conlin y para finalizar los cortometrajes “The Gun” 2014 de Dylan Southern y Will Lovelace,  “Quarantine” 2014  de Isaiah Seret y “All Fall Down” de Daniel Thron, las tres en 2014.  Ahora la gran pantalla se felicita en recibir de nuevo a estos simios en lucha constante con los humanos “El reino del planeta de los simios 2024 de Wes Ball.

La nueva entrega de la franquicia sorprende para bien. Una auténtica epopeya disfrutable de principio a fin. Extraordinaria la calidad de los efectos visuales en el uso de la técnica de captura de acción que recrean los cuerpos y rostros de los simios, con absoluta credibilidad. Las miradas, las gesticulaciones, el lenguaje corporal y la forma que tienen de comunicarse; los humaniza y el espectador empatiza al instante con ellos.

Partiendo de un excelente guion escrito por los cuatro guionistas en el cual no dejan nada al azar, pues cada conversación, escena y plano resultan necesarios para el desarrollo de la aventura y del drama que perseguirá a los personajes, el director Wes Ball, desde el inicio, nos expone la filosofía del clan del águila, como se denomina a esta colonia de simios, mostrándonos una hermosa estampa de la comunión existente entre chimpancés y águilas, acatando reglas como dejar al menos un huevo en cada nido de estas majestuosas aves. Una vida sencilla y tranquila en un entorno familiar en el que el paso del tiempo, no ha borrado la huella del hombre, pues entre la maleza, se vislumbran los restos de una ciudad. Esa paz se verá alterada por la presencia de Proximus Caesar.

La lucha del bien y del mal, de la supervivencia y de quienes buscan venganza, del valor de la convivencia, del aprender las lecciones que la vida nos va regalando, de aquellos que se creen dueños por la fuerza y de una verdad incuestionable, que el ser humano es destructivo por naturaleza y de algo aun peor, el no aprender o no querer aprender de los errores, prefiriendo los conflictos antes que la paz, pues de ellos se obtiene mayor rendimiento.

El filme cuenta con un magnífico reparto destacando a Owen Teague, como el protagonista indiscutible que encarna a Noa, un joven valiente que buscará la forma de rescatar a su tribu. Entre el variopinto ramillete de personajes interesantes de analizar, nos topamos con el sabio orangután Raka con su especial sentido del humor y frases incisivas (Peter Macon), la salvaje humana Mae (Freya Allan) dando vida a un personaje desconcertante y clave en el último tramo de la historia o el temeroso e inteligente Trevathan (William H. Macy) y por supuesto mención especial se merece el despiadado rey Proximus Caesar (Kevin Durand); aunque me repetiré que cada actor y actriz están magníficos, pues cada uno tiene una misión que cumplir y lo logra sobradamente.

Resumiendo, estamos ante un filme que contiene todos los ingredientes de una buena película. Posee intensas escenas de acción muy bien coreografiadas, algunas con tal grado de suspense que nos obliga a no apartar la mirada de la pantalla; no faltarán las emociones y sentimientos revelados en las miradas, las respiraciones y los gestos, absolutamente creíbles y por supuesto, el excelente guion y la dirección que dotan, junto al montador Dan Zimmerman, de un gran ritmo que no cesa hasta el final, en sus casi dos horas y media de duración. Destacar también la extraordinaria fotografía de Gyula Pados, quien con sus vigorosos movimientos de cámara, la iluminación, las tramas y la selección de planos, favorece a que nos adentremos en ese universo con total naturalidad y por supuesto, no podría faltar la épica banda sonora de John Paesano, predominando los instrumentos de percusión que elevan aún más la tensión que requiere el filme. Sinceramente, la he disfrutado de principio a fin.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de mayo

REPARTO: Owen Teague, Freya Allan, Peter Macon, Kevin Durand, Travis Jeffery, Lydia Peckham, Neil Sandilands, Sara Wiseman, Ras-Samuel Welda´abzgi, William H. Macy, Eka Darville y Dichen

PRODUCTORA: 20th Century Studios// Fox Studios Australia

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

HASTA EL FIN DEL MUNDO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos, México, Canadá y Dinamarca, Hasta el fin del mundo está escrita y dirigida por Viggo Mortensen.

La acción nos sitúa en un mercado de San Francisco en el siglo XIX. Vivienne Le Coudy (Vicky Krieps), una mujer muy independiente conoce a Holger Olsen (Viggo Mortensen) un inmigrante danés. Tras una pequeña conversación ambos deciden viajar al pueblo de Elk Flats, donde Olsen posee una cabaña. Un lugar desértico que pronto Vivienne  convertirá en un hogar con la ayuda de Holger. Estalla la Guerra de Secesión y él decide alistarse, pues está en contra de la esclavitud. Vivienne se queda sola trabajando la granja y a la vez en el Saloon, como camarera. Una noche, Weston Jeffries (Solly McLeod), el hijo de un importante ganadero de la zona, Alfred Jeffries (Garret Dillahunt), le hace una visita y contra su voluntad, la fuerza.

El actor, compositor, productor y director, Viggo Mortensen, Aprendió castellano en Argentina donde vivió hasta que sus padres se divorciaron, regresando a Nueva York. Se graduó en Política y Español, en la Universidad de Saint Lawrence en 1980. Tras varios años decidió estudiar interpretación en el Warren Robertson´s Theatre Workshop. Los primeros años los dedicó al teatro, primero en Nueva York y más tarde en Los Ángeles, ciudad donde ganó el premio Dramalogue Critics`Award por la obra Bent. Su primer papel para la gran pantalla fue el de Moses Hochleitner en “Único testigo” 1985 de Peter Weir. Ha interpretado a personajes muy importantes pero quizás por el que más se le recuerda es el de Aragorn, en la trilogía de “El Señor de los Anillos” de Peter Jackson. En la dirección debutó con “Falling” 2020 y este año estrena “Hasta el fin del mundo”

Mortensen nos ofrece un western romántico, duro y sucio, en el que no falta ningún ingrediente del género: Espacios abiertos y polvorientos, su Saloon, ranchos con sus caballos, granjas que cultivar, villanos fuera y dentro de la ley, el Alcalde, el Sheriff  y los siempre ciudadanos tranquilos a los que los malos pretenden oprimir. En esta ocasión Viggo, quien realiza gran parte de las funciones del filme, pues dirige, escribe, produce, compone la banda sonora y se reserva el personaje principal; crea una interesante historia de amor a primera vista, entre sus dos protagonistas, un exsoldado y una mujer, que ya de entrada nos la presenta libre y decidida, no dejándose aminorar por nadie ni física ni verbalmente. Un filme en el que los flashback cobran gran importancia.

Como ya he comentado en la sinopsis, se instalan en la granja, un tanto destartalada, que posee Olsen, viviendo una vida sencilla, tranquila y sin altibajos, en donde la verdadera riqueza reside en la relación que ambos alimentan con cada amanecer y anochecer. El punto de inflexión llega cuando Olsen determina unirse a los ejércitos del Norte, para luchar contra la esclavitud; es a partir de ese instante cuando el peso de la narración recae en Vivienne, en sus miradas, trabajo y soledad. Un personaje rico en matices que nos adentrará en el drama más intimista y la violencia explícita que el destino y la tierra le tienen reservado, bajo la magistral interpretación de Vicky Krieps y que Mortensen, no ha dudado en otorgarle todo el protagonismo, aunque él también configura un personaje interesante a través de las miradas que no precisan de palabras, de las palabras necesarias que marcan las pequeñas conversaciones, de las gesticulaciones y de los silencios que van colmando de pequeños detalles su tranquila personalidad. Los dos está bien rodeados de un nutrido grupo de secundarios entre los que destaco a Solly McLeod, interpretando al malo malísimo Weston Jeffries, personaje al que se le odia de principio a fin.

Finalizo comentando que Viggo Mortensen dirige con mano firme esta película, quien además es autor del excelente guion y de la sutil y dramática  banda sonora. Al frente de la fotografía se encuentra Marcel Zyskind, quien retrata con acierto el viejo y polvoriento Oeste. Un sinuoso western para amantes del cine en general.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de mayo.

MUSICA: Viggo Mortensen.

REPARTO: Vicky Krieps, Viggo Mortensen, Garret Dillahunt, W. Earl Brown, Dany Huston, Solly McLeod, Jason Clarke, John Getz, Ray McKinnon, Colin Morgan, Alex Breaux, Michael Weaver, Shane Graham, Luke Reilly, Nadia Litz y Rodrigo Santacruz.

PRODUCTORA: Talipot Studio// Cameio Film Fyn// MStudios// Motor// Tonestyrelsen.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Wanda Visión.