lunes, 28 de septiembre de 2026

GANADORES DE LA 74ª EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIÁN

En la noche del sábado se celebró la 74ª edición del Festival Internacional de San Sebastián. En donde la gran ganadora fue “Tender Loving Care” y el premio del público para “La Bola Negra. Aquí os dejo la lista con todos los ganadores.

Palmarés del 74º Zinemaldia Festival Internacional de San Sebatián.

CONCHA DE ORO

Tender Loving Care de Mike Leigh

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

Bian Jing por Ah Biao

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR DIRECCIÓN

Amanda Kernell por Brace your Heart

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACION PROTAGONISTA

Kate O`Flynn por Tender Loving Care

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACION PROTAGONISTA

Asta Kamma August por Markens Grode

CONCHA DE PLATA A LA MEJOR INTERPRETACION DE REPATO

Javier Cámara por 5 minutos más

PREMIO DEL JURADO A LA MEJOR FOTOGRAFIA

Oskar Dahlsbakken por Growth of the Soil

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR GUION

Mike Leigh por Tender Loving Care

PREMIO SGAE a la Mejor Música

Amine Bouhafa por 7h40 ce matin-là

PREMIO COOPERACIÓN ESPAÑOLA

El Debut de Jesse Eisenberg.

PREMIO OTRA MIRADA

Soudain de Ryûsuke Hamaguchi

PREMIO CINEMA CULINARY

Burgundy de Michael Dweck y Gregory Kershaw.

PREMIO IRIZAR AL CINE VASCO

Txakun Txakür de Elsa Oliarj-Inès

PREMIO AECID

Cinco años, cuatro meses de Esteban Hoyos García y Juan Miguel Gelacio.

PREMIO DEL PÚBLICO CIUDAD DE DONOSTIA

La Bola Negra de Javier Calvo y Javier Ambrossi.

PREMIO ZABALTEGI-TABAKALERA

Teenage sex and death at camp Miasma de Jane Schoenbrun

PREMIO HORIZONTES LATINOS

La ilusión de un verano sin fin de Alessandra Sanguinetti

PREMIO KUTXABANK-New Directors

Body of Glass de Naemi Ada

PLATINO EDUCA: INFORMA

 

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que EGEDA, Platino EDUCA y el Departamento de Educación del Gobierno del País Vasco organiza la Muestra de Cortos Escolares en el Festival de San Sebastián.

Durante la celebración del 74 Festival de San Sebastián, los Cines Príncipe acogieron la Muestra de Cortos Escolares Platino EDUCA del País Vasco, una actividad organizada por EGEDA, Platino EDUCA y el Departamento de Educación del Gobierno del País Vasco La cita contó con la presencia de la Consejera del Departamento de Educación, Begoña Pedrosa Lobato, y del director del Festival de San Sebastián, José Luis Rebordinos.

A través del visionado de cuatro cortometrajes, realizados en centros educativos de Euskadi y reconocidos en diferentes ediciones y categorías del Concurso Nacional de Cortos Escolares Platino EDUCA, se puso en valor el talento, la creatividad y el trabajo audiovisual desarrollado por la comunidad estudiantil.

Entre las cintas proyectadas se encontró Patio Zaintza (Guardia de patio), del CPI Sansomendi IPI de Vitoria, finalista en la categoría de Educación Secundaria y ganador del Reconocimiento Especial Técnico del I Concurso Nacional de Cortos Escolares Platino EDUCA. En este metraje, un grupo de jóvenes estudiantes aparecen atrapados en El Patio, un espacio-tiempo desconocido del que no saben cómo escapar. Se trata de un territorio lleno de vida, pero también de incógnitas y misterios. Paralelamente, la muestra incluyó el título Bigarren Aukera (Segunda Oportunidad), del Centro Juan Bautista Eguzkitza Meabe – IPI de Lemoa, Vizcaya. Este cortometraje fue seleccionado en la categoría de Educación Infantil y Primaria para representar a Euskadi en la II Edición del Concurso Nacional de Cortos Escolares Platino EDUCA. La cinta trata el acoso, la situación de pobreza y la marginalidad en el contexto escolar a través de la historia de Aritz y su nuevo amigo. También se visionó Fake Girls, del Centro La Salle Bilbao Ikastetxea, seleccionado en la categoría de Educación Secundaria del mismo concurso. Esta historia reflexiona, a través de los dilemas de Isabel, sobre las relaciones sanas de amistad y las peligrosas consecuencias del mal uso de las redes sociales. De la misma manera, los asistentes disfrutaron de Escape, del Centro I-D Arte-Escuela de Arte Superior de Diseño Euskadi, de Vitoria, también seleccionado en la categoría de Otros Centros del II Concurso de Cortos Escolares Platino EDUCA. Este cortometraje aborda la adicción a los teléfonos móviles y los efectos negativos que tiene sobre la sociedad a través de un accidente ocurrido a la protagonista y un misterioso mensaje.

En esta línea, Begoña Pedrosa Lobato, Consejera del Departamento de Educación, declaró: “Hacer una película enseña algo que va más allá de hacer cine. Cuando aprendes cómo se construye una historia o una imagen, empiezas a mirar de otra manera las que recibes cada día: en el móvil, en las redes, en los vídeos que compartimos con nuestros amigos. Saber detenerse ante todo eso, preguntarse quién está detrás de un mensaje, qué nos está contando y por qué, forma parte del espíritu crítico que queremos desarrollar desde la educación para tener un criterio propio y saber utilizarlo”. Por su parte, José Luis Rebordinos, Festival de San Sebastián, hizo especial hincapié en la destacable labor que Platino EDUCA realiza a través de EGEDA, y afirmó: “Cuando diriges un festival y ves una sala repleta de jóvenes, te llena de alegría siempre. Quiero agradecer su participación a Begoña Pedrosa, Consejera de Educación del Gobierno Vasco, y a EGEDA, compañeros de viaje en muchas actividades del Festival de San Sebastián, sobre todo, de industria, perfectamente compatible con este apoyo que hacen con la alfabetización audiovisual de los más jóvenes. Platino EDUCA es un proyecto imprescindible porque permite en los colegios ver películas de especial interés y, además, porque ayuda a que sus profesores y alumnos puedan crear. No solo da la posibilidad de ver cine y comprender otras formas de entender el mundo, sino que también permite contarlo desde una perspectiva única. EGEDA está haciendo un excelente trabajo a este nivel”. Octavio Dapena, Director de Platino EDUCA y Director Gerente de EGEDA, destacó la importancia de la alfabetización audiovisual en las aulas como elemento educativo indispensable para las nuevas generaciones, y añadió: “Es un honor ser testigo de la pasión con la que el alumnado ha trabajado en cada uno de estos cortometrajes. Hemos recibido títulos de muchísima calidad que cuentan historias realmente conmovedoras, a través de las cuales podemos conocer qué les preocupa a los jóvenes actualmente y su manera de entender la sociedad”.

La apuesta de EGEDA y Platino EDUCA, de la mano del Departamento de Educación del Gobierno del País Vasco, y en el marco del Festival de San Sebastián como uno de los principales encuentros de la industria cinematográfica en España, refuerza la conexión entre educación, cultura e industria audiovisual, ofreciendo a sus participantes la oportunidad de presentar sus trabajos en un contexto profesional y exponiendo la diversidad y, al mismo tiempo, reforzando los vínculos sociales. Con esta actividad, las entidades organizadoras continúan promoviendo espacios que reconocen la producción y el talento en el audiovisual.

Platino EDUCA es una iniciativa de EGEDA que convierte el audiovisual en una herramienta educativa aplicada a la innovación pedagógica, el desarrollo competencial, la alfabetización audiovisual, el pensamiento crítico y la educación en valores. De esta manera, y dentro de este ecosistema, esta plataforma digital convive con programas de formación, proyectos de investigación y actividades educativas y culturales, permitiendo una estrecha colaboración con las administraciones públicas, las universidades y los centros educativos con la finalidad de promover la integración del lenguaje audiovisual y el cine en los procesos de enseñanza y aprendizaje.

domingo, 27 de septiembre de 2026

NOTICIAS BREVES (CCCXII)

 

VÉRTICE 360 nos informa que “WICKER” de Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer llegará a los cines el 30 de octubre.

WICKER, mitad fábula, mitad comedia fantástica y totalmente excéntrica, nos invita a reconsiderar e incluso a incendiar las historias que nos hemos contado a nosotros mismos sobre el matrimonio, creando un espacio para que se desarrolle el verdadero romance.

La película dirigida y escrita por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer se basa en el cuento corto The Wicker Husband de Ursula Wills-Jones, publicado en 2008, sobre la envidia, el compromiso y las trampas de las normas sociales. La pareja, debutó en 2020, en el Festival de Sundance, con ¡Desconectados!, su opera prima, y habitualmente escriben y dirigen a 4 manos.

WICKER cuenta con generosas dosis de humor irónico y un reparto estelar entre los que destacan Olivia Colman, Alexander Skarsgård, Peter Dinklage, y Elizabeth Debicki.

Olivia Colman da vida a la maloliente y sarcástica pescadora que desafía todas las expectativas y desmonta con seguridad las tradiciones mientras lucha por la relación que desea y el trato que se merece por parte del enigmático y sereno hombre de mimbre (Alexander Skarsgård),

WICKER llegará a los cines el próximo 30 de octubre de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel, tras clausurar la 59 edición del SITGES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA donde celebrará su premiere española. 

SINOPSIS: WICKER, una audaz fábula, en clave de comedia, sobre el sexo, el matrimonio y lo absurdo de las convenciones sociales, narra la original historia de amor de una pescadora socialmente marginada (Olivia Colman) que encarga al artesano local (Peter Dinklage) que le fabrique un marido de mimbre (Alexander Skarsgård).

Cuando su marido resulta ser más espectacular de lo que jamás había podido imaginar, su espíritu conmovedor y sus habilidades excepcionales despiertan algo en su interior. Lo que comienza como un simple plan de la protagonista para molestar a sus entrometidos vecinos, acaba convirtiéndose en un auténtico romance desencadenando una oleada de celos, fascinación y agitación que amenaza el propio tejido de la vida del pueblo.

SOBRE LA PELÍCULA

El rodaje concluyó en septiembre de 2025 en Budapest y WICKER tuvo su premiere mundial el 24 de enero de 2026 en el Festival de Sundance donde se proyectó dentro de la Sección oficial Premieres y se convirtió en uno de los títulos más comentados y aplaudidos de la edición.

Inicialmente, el papel del marido de mimbre estaba destinado a Dev Patel quien terminó siendo sustituido por Alexander Skarsgård.

Dar vida al "hombre de mimbre" supuso un complejo trabajo de diseño. El aspecto físico del personaje se logró mediante prótesis especiales y animatrónica, lo que obligó a Alexander Skarsgård a llevar un traje que le cubría todo el cuerpo y una máscara, además de exagerar sus movimientos para simular que el hombre de mimbre había cobrado vida.

Black Bear Pictures se ocupa de las ventas internacionales, así como de la distribución en Estados Unidos.

NIEVES PEÑUELAS nos informa que el thriller urbano “ATRAPADO” de Ignacio Salazar-Simpson, llegará a los cines el 19 de febrero.

Una noche en Madrid puede convertirse en una pesadilla cuando no hay escapatoria posible. ATRAPADO de Ignacio Salazar-Simpson encierra a cinco personajes en un apartamento para construir un thriller urbano de alta tensión que llegará a los cines el próximo 19 de febrero distribuido por Tripictures.

Protagonizada por Damián Alcázar y Salva Reina, la película reúne a dos intérpretes de enorme fuerza en un duelo psicológico en el que la codicia y el miedo a la traición convierten una noche cualquiera en una lucha por sobrevivir.

El director Ignacio Salazar-Simpson debuta en el largometraje de ficción con una película que combina elementos del cine negro y thriller psicológico.

El reparto se completa con María de Nati, Javier Godino e Israel Gómez.

CUATRO HOMBRES. CINCO CADÁVERES. NINGUNA SALIDA.

Alex, conductor de Uber y actor fracasado, se encuentra encerrado en un apartamento junto al cadáver de la chica que acaba de conocer. Atrapado en una situación cada vez más peligrosa, tendrá que enfrentarse a sus propios miedos y a las paranoias de sus captores si quiere conseguir sobrevivir.

Con guion de Joaquín Andújar, basado en un guion de Tacho González y Salvador Perpiñá, “Atrapado” construye su tensión a través de los silencios, las miradas y los sonidos, llevando a sus personajes al límite en un espacio del que parece imposible escapar.

UNA HISTORIA AL LÍMITE

“Desde la primera lectura del guion me atrajo el desafío de narrar cinematográficamente una historia tan intensa, que transcurre en tiempo real, en un claustrofóbico apartamento”, explica Ignacio Salazar-Simpson.

“Atrapado” ha exigido la máxima entrega de sus intérpretes, trabajando con planos muy cerrados, sin posibilidad de esconderse, transmitiendo las contradicciones del ser humano”.

UN EQUIPO TÉCNICO DE PRIMER NIVEL

“Atrapado” ha sido rodada íntegramente en Madrid y cuenta con un equipo técnico de primer nivel, encabezado por el director de fotografía David Azcano, el diseñador de producción Óscar Sempere, el montador José M. G. Moyano y la compositora Isabel Royán.

La película es una producción de Mogambo, Nephilim Producciones y 4 Cats Pictures, con la participación de Amazon Prime Video.

“Atrapado” llegará a los cines el 19 de febrero de 2027, distribuida por Tripictures. Las ventas internacionales corren a cargo de Film Factory.

SOBRE IGNACIO SALAZAR-SIMPSON

Ignacio Salazar-Simpson dirige su primer largometraje de ficción después de una amplia trayectoria como productor cinematográfico. Vinculado a proyectos de éxito como No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu, ganadora de 6 premios Goya, o 1917, de Sam Mendes, premiada con 3 Oscars, da el salto a la dirección de ficción con un thriller psicológico de alta tensión.

A CONTRACORRIENTE FILMS adquiere los derechos de distribución de “GROWTH OF THE SOIL” de Hans Petter Moland.

A Contracorriente Films ha adquirido los derechos de distribución en España de GROWTH OF THE SOIL ("Markens grøde"), la nueva película del cineasta noruego Hans Petter Moland.

La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Toronto, dentro de la sección Special Presentations, y competirá en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián. Está basada en 'La bendición de la tierra', título con el que se publicó en España 'Markens grøde"' la novela del escritor y Premio Nobel de Literatura Knut Hamsun que da título a la película. “Growth of the Soil” ha sido seleccionada para representar a Noruega en los Oscar 2027 en la categoría de Mejor Película Internacional.

Hans Petter Moland es uno de los cineastas noruegos contemporáneos más reconocidos internacionalmente. Entre sus películas destacan "Uno tras otro" (2014), protagonizada por Stellan Skarsgård, y "Venganza bajo cero" (2019), su adaptación estadounidense con Liam Neeson. También dirigió "Un lugar maravilloso" (2004), presentada en el Festival de Berlín, y "Out Stealing Horses" (2019), adaptación de la novela de Per Petterson, que ganó el Oso de Plata en el Festival de Berlín.

“Growth of the Soil”  es una historia de amor épica ambientada en los imponentes paisajes de las montañas noruegas. Isak, un hombre decidido a empezar una nueva vida trabajando la tierra, conoce a Inger, con quien construirá una familia y desafiará las adversidades de la naturaleza y el paso del tiempo. Con una mirada íntima y una dimensión épica, Hans Petter Moland adapta la obra de Hamsun para explorar el amor, la supervivencia y los vínculos entre el ser humano y la naturaleza.

La película está protagonizada por Herbert Nordrum y Asta Kamma August, junto a Gard B. Eidsvold, Anders Baasmo, Oddgeir Thune y Sjur Vatne Brean.

“Growth of the Soil” está producida por 4 ½ Fiction en coproducción con Scanbox Entertainment. La producción ha contado con el apoyo del Norwegian Film Institute, The Danish Film Institute, Zefyr Norway y Oslo Film Fund. Beta Cinema se encarga de las ventas internacionales.

HAYEDA CULTURA y VERCINE nos informan que “LA LEYENDA DE LA BALLENA CANTORA” de Reza Memari, llegará a los cines el 2 de octubre.

Vercine estrena en las salas de España la película de animación La leyenda de la ballena cantora (The Last Whale Singer) doblada al castellano, catalán y euskera. Se trata de una ambiciosa coproducción entre Telescope Animation Studios (Alemania), PFX (Repúbilca Checa) y La Boîte à Fanny (Canadá) que aúna la innovación tecnológica y la concienciación ecológica.

El guionista y director germano-iraní Reza Memari (Richard la cigüeña) y su equipo han creado un universo transmedia pionero en sostenibilidad, utilizado simultáneamente el trabajo del film para una futura serie y un videojuego. Durante más de cinco años han recreado el fondo marino con minuciosidad hiperrealista, tanto en el apartado visual: es una de las primeras películas en utilizar el motor Unreal Engine 5; como en el auditivo: el equipo de sonido llegó incluso a sumergirse en piscinas para recrear los movimientos bajo el agua de criaturas de todos los tamaños.

A la banda sonora y al canto de las ballenas le dan forma dos artistas islandeses, el compositor Daníel Bjarnason y Ásgeir. El resultado es una experiencia visual y auditiva que es un homenaje tanto a estas fascinantes criaturas como al medio submarino.

La película ha contado con el asesoramiento de expertos de Whales and Dolphins Conservation, organización benéfica líder en la protección de ballenas y delfines. Además de un firme mensaje en pro de la urgencia de la conservación de los océanos, la película también aborda el tránsito del duelo, la inseguridad y la inclusión.

Apuestas y valores que han valido a Reza Memari el Premio 2026 a Mejor Director en el foro europeo de animación Cartoon Movie y a esta historia el Premio Club de Festivales para la Infancia en Schlingel de Chemnitz o el Gran Premio del Jurado en el Blue Water Film Festival de San Diego (que anima a reflexionar sobre el cambio climático), entre otros. Además la película ha gozado de una gran carrera por festivales de prestigio como Annecy, Zúrich o Anifilm.

La historia de Vincent, una ballena adolescente que no encuentra su canto, con el que podría ayudar a muchos seres del océano, es una historia de superación, un coming-of-age que recuerda en palabras de su director: "que el coraje puede vencer al miedo y que juntos podemos crear algo hermoso. En un mundo donde es fácil guardar silencio, La leyenda de la ballena cantora es una invitación a alzar la voz, colaborar y cantar por aquello que más importa: la libertad, la paz y la protección de nuestros océanos insustituibles".

SINOPSIS:

Vincent es un macho de ballena jorobada que se quedó huérfano de pequeño. Es el hijo del último Cantor de Ballenas, que protegía los océanos con su canto mágico. Años después de esa gran pérdida toda la vida marina se ve amenazada cuando el monstruoso Leviatán escapa. Ahora, en su adolescencia, es Vincent quien debe encontrar su propio canto para detenerlo, pero tras la marcha de sus padres vive angustiado y duda de sus propias habilidades.

Acompañado de Walter, un pez rémora muy quisquilloso que hace de niñero y de Darya, una valiente orca sorda, se embarca en un peligroso viaje hacia las profundidades del mar con la intención de sacar a sus padres del mítico Estanque Estelar y que sean ellos quienes derroten al Leviatán. Pero Vincent tendrá que afrontar sus miedos y descubrir su propio canto.

DEAPLANETA nos informa que “EL HOMBRE QUE DESAFIÓ AL REY” de Paul Grengrass, llegará a los cines el 30 de octubre.

EL HOMBRE QUE DESAFIÓ AL REY, el thriller histórico dirigido, escrito y producido por Paul Greengrass, el aclamado director de Jason Bourne y Capitán Philipps, llegará a los cines españoles el próximo 30 de octubre.

El dos veces nominado al Oscar® Andrew Garfield protagoniza esta épica película situada en la Revuelta de los Campesinos que tuvo lugar en 1381 en Inglaterra. El actor interpreta al intrépido hombre que lideró el enfrentamiento contra el rey Ricardo II en un tenso clima de hambruna, pobreza y descontento popular.

Acompaña a Garfield un elenco de actores de primer nivel, empezando por el ganador del BAFTA Jamie Bell y siguiendo con los nominados al Premio Emmy Tom Hollander y Stephen Dillane, Cosmo Jarvis, Katherine Waterson  y Thomasin McKenzie. El encargado de encarnar a Ricardo II es el jovencísimo Woody Norman.

Con “El hombre que desafió al rey”, el cineasta británico Paul Greengrass lleva el estilo trepidante y enérgico que le lanzó a la fama al territorio de la recreación histórica, sorprendiendo a la audiencia con una aventura intensa, cruda y dinámica.

Nominado al Oscar® por su trabajo en United 93, Greengrass comenta sobre el filme: "La película narra unos acontecimientos que ocurrieron en 1381, pero que resultan increíblemente actuales. Esta Inglaterra medieval revuelta y en guerra muestra reflejos de nuestra época, que sin duda calarán en los espectadores y los invitarán a reflexionar" [···] "Quería que el protagonista fuera un hombre corriente, del que no conocemos el nombre, sino únicamente su profesión. El campesino de Andrew Garfield es la personificación de la gente de a pie que decidió rebelarse y pagó las consecuencias de plantar cara al poder."

DeAPlaneta estrenará en cines EL HOMBRE QUE DESAFIÓ AL REY el próximo 30 de octubre.

Sinopsis: Mientras la guerra asola la Inglaterra de Ricardo II, un valiente campesino (Andrew Garfield) lidera a miles de rebeldes unidos contra el poder del rey en una lucha por la justicia y la supervivencia del pueblo.

sábado, 26 de septiembre de 2026

TEATRO LARA INFORMA SEPTIEMBRE 2026 (II)

 


No todos los cuadros tienen la misma luz

A Pedro la vida le da un revés en tan solo un día y se encuentra en el museo en el que trabaja de seguridad con un arma en sus manos a punto de hacer una locura.

De repente aparece Laura, que se había quedado encerrada en el baño antes de cerrar el museo, y al ver que Pedro se quiere hacer daño, empieza una conversación para intentar que no lo haga.

Poco a poco irán viendo que son más parecidos de lo que creían y comienzan una relación de “amistad” que hace que Pedro se relaje. ¿Podrá Laura parar a Pedro y salvarle la vida?

La madre que me parió

Tres mujeres acuden a la boda de una amiga de la infancia acompañadas de sus madres. Durante el convite, la novia se arrepiente del enlace y pide ayuda desesperada a sus amigas. Se desata la locura mientras se ponen de manifiesto las complejas relaciones entre madres e hijas, se desvelan secretos, y se confirma que, no hay nada que sane más que compartirlos con tus amigas.

La opinión de la madre marca las decisiones de sus hijas, pero eso no debe impedir nunca que se viva conforme a los verdaderos sentimientos, porque toda madre siempre acabará justificando a sus hijos, por más que, en un principio, pueda mostrar su desacuerdo.

Una comedia de enredo, donde madres e hijas se ven reflejadas porque las hay de todos los perfiles. Un vodevil actual, porque aún es necesario reivindicar quién eres y qué sientes en realidad, a pesar de las trabas familiares y sociales.

Clase turista

Clase Turista es una comedia sin escalas que aterriza en el Teatro Lara con una misión: convertir en carcajadas las catástrofes, frustraciones y disparates del mundo del turismo. Si te atreves a acompañarnos: ajusta el respaldo de tu asiento, guarda el sentido común en el compartimento superior y prepárate para despegar hacia los destinos más divertidos

Por mis muertos

En un elegante salón de los años 20, una sobreactuada vidente francesa reúne a cuatro personajes por orden expresa del más allá para celebrar una sesión de espiritismo. O eso asegura ella. Lo que promete ser una velada solemne y sobrenatural, se convierte rápidamente en una noche de secretos, reproches, mentiras, verdades mal digeridas y algún que otro susto de saldo.

Un circo donde los muertos están mucho más tranquilos que los vivo

Perfect ass

Una obra construida en cuatro escenas que recorre las contradicciones del feminismo contemporáneo: del aula universitaria al club de striptease, del mercado familiar a la intimidad de pareja. Cuatro formas de negociar la libertad en un mundo que las mira, las juzga, las compra: en un mundo en que, ante todo, las desea.

No es una obra sobre feminismo: es una obra sobre las mujeres que viven dentro, fuera y a pesar del feminismo. Cuatro escenas, cuatro identidades, cuatro formas de negociar la libertad. Y es que la coherencia es un lujo que pocas se pueden permitir.

La extinción de los dinosaurios

La extinción de los dinosaurios es una comedia negra, un retrato del mundo en crisis en el que nos movemos en la actualidad; deshumanizado, corrupto y cruel, donde las buenas personas, trabajadoras y con valores, parecen abocadas, como los dinosaurios, a la extinción, porque al fin y al cabo ¿por qué se extinguieron los dinosaurios?

Gris de ausencia

Una familia de migrantes regresa a Roma y abre un restaurante llamado “Trattoria La Argentina”. Un viernes “cualquiera” nos abren las puertas de la casa para contarnos su historia, llena de contradicciones con la dificultad de vivir entre dos culturas y sentir la ausencia de una patria verdadera.

A caballo entre el humor y la melancolía la obra aborda temas como el exilio, el desarraigo y la nostalgia en una constante añoranza de identidad. 

Todos tenemos una historia propia o de nuestra familia que pueda espejarse con la de los personajes de Gris de ausencia. ¿Os gustaría ver la vuestra? ¿Cómo sería?

Toda persona vista de cerca es un monstruo

Dos parejas, cuatro personas. En crisis cada una consigo misma y cada pareja en consecuencia. Se juntan a cenar y los otros a modo de espejo ponen de relieve los modos más monstruosos e íntimos de cada uno. Lo que aparentan, lo que son y lo que desean se debate en un encuentro que los conducirá a revelar verdades, y a rebelarse ante definiciones ancestrales y universales.

Esta noche la situación los llevará a un paroxismo inesperado.

Con la boca abierta

El musical mejor valorado en Madrid por +60.000 espectadores, vuelve por 6ª y última temporada. DIMENSIÓN VOCAL (Campeones Internacionales A Capela 2024 y 2025) continúa con su alucinante viaje musical, ganador del Premio Broadway World 2023, en gira nacional y en Madrid en el Teatro Lara.

Pero ¿quién dijo solo música? Teatro, coreografías y elementos escenográficos espectaculares componen una de las experiencias más extraordinarias que se pueden disfrutar este año en Madrid. Una historia que demuestra el potencial de la amistad y del trabajo en equipo para conseguir las metas más sorprendentes gracias al potencial de la voz. Un cóctel inigualable de diversión, emoción y música 100 % a capela que te dejará... con la boca abierta. ¿Te atreves a descubrirlo?

NOTA IMPORTANTE: Algunas de estas funciones cuentan con descuentos especiales, consultar en taquilla.

viernes, 25 de septiembre de 2026

LA ODISEA: CRÍTICA DE CINE

 

Sé que mi crítica en esta ocasión llega un poco tarde, pero es que este verano ha sido una auténtica locura. Aunque muchos de vosotros ya la habréis visto y otros tantos habréis leído un buen número de críticas, no quería dejar mi blog sin subir la mía personal, así que aquí va.

La Odisea está dirigida por Christopher Nolan, quien se basa en la obra inmortal de Homero para crear su propio guion cinematográfico y visual. La historia nos sitúa en dos frentes principales. Por un lado, el rey griego de Ítaca y veterano de la Guerra de Troya, Odiseo (Matt Damon), se encuentra retenido en la isla de Ogigia junto a la ninfa Calipso (Charlize Theron), quien intenta convencerlo para que viva con ella ofreciéndole a cambio la inmortalidad, conviviendo en ese espacio con la presencia de la diosa Atenea (Zendaya). Por otro lado, la acción nos traslada a Ítaca. Preocupados por no tener noticias de Odiseo y ante la urgente necesidad de tener un nuevo rey, un gran número de pretendientes han tomado el palacio. Su intención es conquistar a Penélope (Anne Hathaway), esposa de Odiseo, quien no tiene la menor intención de volverse a casar pues espera fielmente a que su marido regrese. Junto a ella se encuentra su hijo Telémaco (Tom Holland), movido por la fuerte intención de encontrar a su padre, mientras lidia con la constante presión de los pretendientes, entre los que destaca el peligroso y engreído Antínoo (Robert Pattinson).

Al enfrentarse a una película de Nolan, sea una historia real, ficción o como en este caso, una obra de la literatura universal, hay que ir con la mente abierta y liberados de ciertos prejuicios. Quienes somos fans incondicionales de su ingenio, maestría y deslumbrante cinematografía, sabemos muy bien que nos puede sorprender con lo más inesperado.

De entrada, una de las cosas que más me chocó de esta obra es el enfoque de la inclusión. Si bien estoy de acuerdo en que la diversidad debe abrirse camino no solo en el cine, sino en cualquier campo de la vida, hay que ser cauto en las decisiones. Si algo me chirrió fue ver a Atenea y a Helena interpretadas por dos actrices de raza negra. Resulta un poco chocante para lo que uno espera de la iconografía clásica, aunque como las dos son maravillosas actrices, te puedes acostumbrar perfectamente a lo largo del metraje. Pero… ¿era realmente necesario un cambio que, a mi gusto, resulta tan prescindible? ¿Qué aporta romper el rigor visual más allá de sumarse a una tendencia de inclusión que a veces se siente forzada?

Como os comentaba al inicio, he tenido un verano movidito. Y es que, precisamente cuando esta película entraba en su fase de estreno, yo comenzaba mi viaje por tierras griegas, disfrutando de esa cultura milenaria que tanto amo. Entre algunos de sus monumentos, pude contemplar la imponente presencia histórica y escultural de la diosa Atenea. Imaginad, por tanto, el choque conceptual cuando regreso y me siento en una sala IMAX. Creo que, simplemente, es cuestión de saber cuándo se debe ser inclusivo y cuándo es mejor ceñirse a una identidad estética, aunque hablemos de realidades mitológicas.

Superado el impacto del reparto –léase con ironía–, lo verdaderamente divertido es entrar en el juego que nos propone Nolan. Para quienes conocemos la historia de Homero, es verdad que las libertades que se toma el director pueden chocar al principio. Sin embargo, una vez que te dejas llevar, la propuesta se acepta de forma muy positiva. Nolan demuestra que es un maestro del suspense psicológico: en lugar de contarnos una aventura lineal de barcos y monstruos, convierte el viaje en un puzzle mental. Odiseo va recuperando los recuerdos de forma fragmentada, haciendo que el espectador comparta con él esa misma sensación de estar perdido, agotado, devorado por los remordimientos de la guerra de Troya y con un único propósito: regresar junto a su amada Penélope y su hijo Telémaco.

Esa tensión explota por completo en la impresionante escena del Hades. Diseñada para exprimir al máximo las pantallas IMAX, Nolan crea una atmósfera asfixiante. Los fantasmas de los soldados troyanos caídos acosan a la tripulación con una escala visual que te clava en la butaca; impresionantes gigantes con sus corazas se muestran dispuestos a la lucha, dejando claro que los peores monstruos del viaje son los que el propio Odiseo lleva en su conciencia por el engaño del Caballo de Troya.

En medio de todo esto, el papel de Atenea funciona de maravilla. Nolan pasa de los dioses típicos que lanzan rayos por capricho o ponen obstáculos difíciles de superar; aquí la diosa ayuda a Odiseo, pero no se lo pone nada fácil: le obliga a mirar de frente sus errores antes de permitirle regresar al hogar. Es un enfoque muy interesante que le da a la película un punto de madurez que le sienta genial al relato.

Si hay una secuencia que define la grandeza técnica de esta producción, es sin duda el brutal encuentro en la cueva del Cíclope Polifemo. En una era cinematográfica saturada que confía todo a las pantallas verdes, Nolan se mantiene firme en su cruzada por el realismo y pasa por completo de los abusos del CGI. Para el espectador que busca una experiencia real, el resultado es un triunfo de la vieja escuela. Para lograrlo, el director trasladó al equipo a localizaciones reales en Grecia, filmando la secuencia en la imponente y milenaria Cueva de Néstor, en la región del Peloponeso. Tras transformar este espacio arqueológico en un impresionante plató natural, Christopher metió en sus profundidades una colosal marioneta mecánica de casi 18 metros de altura, consiguiendo que el peligro sea físico y palpable. No hay trampa digital; el terror de los hombres atrapados en la piedra es real porque el monstruo que los acecha en la penumbra comparte su mismo espacio.

Esa crudeza técnica encuentra su reflejo perfecto en el compromiso absoluto del reparto. Matt Damon nos regala un Odiseo extraordinario que huye del héroe invulnerable; su transformación física y su mirada cansada transmiten el desgaste de un hombre que se sabe astuto pero roto por dentro. Para mí, una de las escenas más emotivas y conmovedoras es la que mantiene con su esposa Penélope y es que Anne Hathaway es otro de los pesos fuertes en esta obra cinematográfica. En su interpretación no solo percibimos su dolor ante la ausencia de Odiseo, sus silencios para no quebrar la paz, el peso de sus responsabilidades, sino también el amor y protección hacia su hijo Telémaco, el abandono ante el mundo –representado por esa reja que la separa del resto– y la inteligencia de mantener el reinado sin rey. Y en ese triángulo invisible nos encontramos con Robert Pattinson que, si bien clava su personaje, tal vez al tenerlo en mi mente en otros papeles tan diferentes, no me lo creí del todo; aunque reconozco que su retrato de ser ambicioso, despótico y cobarde es excelente. En ese lado de los secundarios importantes cabe destacar a dos mujeres que hoy en día copan toda la atención en la industria: Zendaya, dando vida a una Atenea más humana que diosa y Lupita Nyong'o, quien encarna con precisión a Helena y Clitemnestra.

Nolan con sus anteriores trabajos ya nos ha demostrado que es sinónimo de innovación, de revestir al séptimo arte con un envoltorio técnico que deslumbra en la gran pantalla y enmudece a nuestros sentidos, aunque en ocasiones se exceda y no piense en el público de a pie, al que puede despistar con sus alardes conceptuales. En esta producción, la fotografía de Hoyte van Hoytema captura la luz del Mediterráneo con una textura física casi tangible, regalándonos secuencias sobrecogedoras. A esto se suma la atronadora banda sonora de Ludwig Göransson, quien logra distanciarse de los ecos habituales del cine épico mezclando percusiones viscerales con sutiles arreglos electrónicos, creando un muro de sonido que te envuelve por completo. No cabe la menor duda de que la película puede ser criticada por sus licencias cinematográficas, algunas casi imperdonables, pero lo que sí nos demuestra una vez más es la capacidad que tiene para crear espectáculos audiovisuales apabullantes y únicos gracias al formato IMAX de 70mm en el que fue concebida o la manera en que narra sus historias. Mima al milímetro el diseño de cada plano gracias a la tecnología que tiene a su alcance, pero debe ser consciente de que solo unos pocos privilegiados en grandes ciudades pueden optar a este sistema. Nolan debería pensar que el cine no es solo para un puñado de espectadores que pueden acudir a estas salas, sino también para esas pequeñas salas que se encuentran en pequeñas poblaciones.

A pesar de este tirón de orejas, el clímax final en el palacio de Ítaca es pura tensión cinematográfica. Para quienes aún no la hayan visto y sin descubrir nada, cabe destacar que está rodado con un pulso firme y una violencia seca que huye del espectáculo coreográfico de superhéroes. En definitiva, no es una obra perfecta –no creo que el propio Nolan lo persiguiera–, sino una cita obligatoria que abre múltiples frentes; abarca desde la ambición universal de sus saltos temporales hasta aspectos más triviales, como su obsesión por el IMAX. Pero, por encima de todo, es una propuesta valiente, humana y arrolladora que no dejará a nadie indiferente, demostrando que el cine a gran escala aún tiene cosas que decir.

Mi nota es: 8.5

Estreno en España: 17 de julio.

Reparto: Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Himesh Patel, John Leguizamo, Samantha Morton, Zendaya, Charlize Theron, Jon Bernthal, Lupita Nyong'o, Ben Safdie, Bill Irwin, Elliot Page, James Remar, Ryan Hurst, Corey Hawkins, Iddo Goldberg, Mia Goth, Logan Marshall-Green, Will Yun Lee, Jimmy Gonzales, Andrew Howard, Jovan Adepo, Jesse Garcia, Josh Stewart, Sean Avery, Anthony Molinari, Ian Casselberry, Travis Scott, Rafi Gavron, Shiloh Fernandez, Elyes Gabel, Kate Fuglei, Nick Tarabay, Maurice Compte, Michael Vlamis, Brian Vernel y Stephen Murphy.

Productora: Syncopy Production / Universal Pictures.

Distribuidora en España: Universal Pictures International Spain.

Filmografía: El guionista, productor, editor y director Christopher Nolan desde muy joven desarrolló interés por el cine. Estudió literatura inglesa en la University College de Londres y debutaría con los cortometrajes: “Tarantella” (1989), “Larceny” (1996) y “Doodlebug” (1997) y en el largometraje con “Following” (1998) continuando con “Memento” (2000), “Insomnio” (2002), “Batman Begins” (2005), “El truco final: El prestigio” (2006), “El caballero oscuro” (2008), “Origen” (2010), “El caballero oscuro: la leyenda renace” (2012), “Interstellar” (2014), “Dunkerque” (2017), “Tenet” (2020), “Oppenheimer” (2023) y este año nos ofrece “La Odisea” (2026). También cuenta con el cortometraje documental “Quay” (2015).

jueves, 24 de septiembre de 2026

LA FAMILIA ADDAMS: EL MUSICAL


LA COPRODUCCIÓN ENTRE BEON.ENTERTAINMENT y LETSGO nos informan que Natalia Millán, Cristina Picos, Javier Navares, Pepa Lucas, Juanan Plazas, Javier Enguix, Omar Calicchio, Amparo Saizar y Javier Canales; encabezan el macabro reparto de LA FAMILIA ADSAMS. 

LA FAMILIA ADDAMS, la nueva producción de LETSGO y beon.Entertainment, ya está instalada desde este 18 de septiembre en el Teatro Calderón de Madrid, una nueva adaptación de Federico Bellone, que vuelve a la dirección tras exitosos títulos como Houdini, el musical y El fantasma de la Ópera.

El núcleo familiar de los Addams lo forman: Natalia Millán (Morticia, una madre elegante, misteriosa y muy sofisticada); Javier Navares (Gómez, un padre excéntrico, apasionado y millonario que ama profundamente a su esposa); Cristina Picos (Miércoles,la hija inteligente, sarcástica y amante de lo oscuro); Javier Blázquez, Darío Moncloa y Nacho Aguado se alternarán en el papel de Pugsley, el hijo travieso que disfruta de experimentos peligrosos y de que su hermana le mortifique.

Completan el elenco: Omar Calicchio (Tío Fétido, un calvo muy divertido); Amparo Saizar, (la Abuela, experta en pociones); Javier Canales (Lurch, el mayordomo), sin olvidarse de Cosa (una mano viva que ayuda en las tareas de la casa).

Los Addams han recibido en su tétrica mansión a La Familia Beineke: Pepa Lucas (Alicia Beineke, amable, educada y conservadora); Javier Enguix (Mal Beineke, estricto y defensor de los valores tradicionales y Juan Antonio Plaza (Lucas Beineke, enamorado de Miércoles Addams).

Ensembles: Fernando Báez, Adrián Ardila, Pablo Badillo, Ernesto Pigueiras, Teresa Abarca, Mireia García, Noelia Cano y Sara Ocaña. Swings: Diego Carrascosa y Marta Melchiore (también responsable de la Coreografía).

El equipo creativo encabezado por Federico Bellone está formado por Sebas Prada (director asociado), Julio Awad (director musical), Poti Martín (diseño de sonido), Valerio Tiberi (diseño de iluminación), María José Santos de Dios (directora vocal) y Marta Melcchiore (coreógrafa y dance captain).

Grandes novedades en esta producción, en palabras de Bellone “mucho más complicada que El Fantasma de la Ópera”, que asombrarán al espectador desde el primer momento con una apertura escénica icónica en la que cinco telones se abren en cascada, como si se tratara de una cabecera animada, marcando un inicio vibrante y dejando claro el tono lúdico y espectacular del musical.

La escenografía cobra vida con una casa de los Addams construida a escala real que avanza, gira sobre sí misma y revela sus estancias de forma inesperada, convirtiéndose en un personaje más y manteniendo la sorpresa constante para el público.

Además, la partitura incorpora un juego meta-musical, con guiños orquestales a grandes clásicos del género musical que funcionan al mismo tiempo como homenaje y parodia, generando un efecto cómico inmediato. 

A ello se suma una espectacular carga de ironía, en la que efectos especiales, ilusiones y recursos escénicos dialogan con la tendencia contemporánea de llevar el musical al límite, siempre desde una mirada consciente y ligeramente irreverente.

Más allá del humor negro y la sátira, el musical también tiene un corazón emocional, abordando temas universales como la familia, el amor adolescente y la necesidad de ser aceptado tal y como uno es.

La Familia Addams ha cautivado a sus seguidores desde hace casi cien años, aparecieron a finales de los años 30 de la mano del caricaturista Charles Addams en The Newyorker.En 1964, la cadena ABC los llevó a la televisión con gran éxito, asegurando su lugar en la cultura popular. Posteriormente inspiraron adaptaciones cinematográficas, musicales de Broadway y producciones contemporáneas como la serie Wednesday de Tim Burton en Netflix.  La obra comenzó su recorrido por los escenarios en el Ford Center for the Performing Arts Oriental Theatre de Chicago en 2009 y continuó sus representaciones en el Lunt-Fontanne Theatre de Broadway desde 2010, consiguiendo siempre en cada plaza un gran éxito entre el público.

SINOPSIS: Miércoles está enamorada. Y no de cualquier criatura oscura y atormentada, sino de un chico absolutamente normal.

Lo que en otra familia podría resolverse con una cena incómoda, en la familia Addams se convierte en un auténtico Apocalipsis doméstico. La noticia sacude los cimientos de la mansión y obliga a todos —vivos, muertos y orgullosamente excéntricos— a enfrentarse a algo mucho más inquietante que la oscuridad: la normalidad.

Esta nueva producción parte de esa premisa para construir una comedia trágica que, además de explorar el choque entre dos mundos opuestos, se permite jugar con el propio lenguaje del musical. Canciones deliberadamente grandilocuentes, emociones al límite, una escenografía espectacular y orgullosamente excesiva, y todos los códigos del showbusiness expuestos con elegante ironía.

El resultado es un homenaje y, al mismo tiempo, una sutil parodia del teatro musical: brillante, afilada y sorprendentemente emotiva.
Porque, más allá del humor negro y las situaciones imposibles, la historia habla de algo profundamente reconocible: la familia, el amor adolescente y la necesidad —a veces desesperada— de ser aceptado tal y como uno es. Incluso si uno es un Addams.

Libreto de MARSHALL BRICKMAN y RICK ELICE
Música y letra de ANDREW LIPPA

Basada en los personajes creados por Charles Addams.

Producida originalmente en Broadway por Stuart Oken, Roy Furman, Michael Leavitt, Five Cent Productions, Stephen Schuler, Decca Theatricals, Scott M. Delman, Stuart Ditsky, Terry Allen Kramer, Stephanie P. McClelland, James L. Nederlander, Eva Price, Jam Theatricals/Mary LuRoffe, Pittsburgh CLO/Gutterman-Swinsky, Vivek Tiwary/Gary Kaplan, The Weinstein Company/Clarence, LLC, Adam Zotovich/Tribe Theatricals; por un Acuerdo Especial con Elephant Eye Theatrical.

Producida en España por LETSGO y beon. Entertainment.

Versión y dirección de Federico Bellone.

miércoles, 23 de septiembre de 2026

EN EL CORAZÓN DE LA BESTÍA: CRÍTICA DE CINE

En el corazón de la bestia, dirigida por David Ayer y con guion de Cameron Alexander.

En mitad de una carretera solitaria, una joven detiene su automóvil y se queda observando a un pastor alemán que permanece quieto frente a ella. La historia nos traslada entonces a una semana atrás en el tiempo. James Belmont (Brad Pitt), un oficial retirado de las Fuerzas Especiales, pilota un hidroavión rumbo a Alaska junto a Odín, su fiel perro de combate –el mismo animal que acabamos de ver en la carretera–. La tragedia se desata en pleno vuelo cuando James sufre un repentino infarto que le hace perder el control del aparato, provocando que se estrelle contra el agua. Tras lograr salir con vida del fuselaje y estabilizarse, James llama a gritos a su compañero, localizándolo herido en mitad de la espesura del bosque. A partir de ese instante, y arrastrando las secuelas del ataque cardíaco, hombre y animal emprenderán un agónico viaje de supervivencia a través de la implacable naturaleza salvaje, en un trayecto que pondrá a prueba sus límites físicos y mentales, mientras forjan un vínculo inquebrantable que se convertirá en su única posibilidad de regresar a la civilización.

David Ayer maneja los tiempos de la narración con una precisión quirúrgica, cocinando a fuego lento la tragedia y el dolor. Lejos de optar por el efectismo rápido, la cinta se toma su tiempo para instalarnos en el aislamiento de Alaska junto a James Belmont y Odín. Es en este inicio donde la película respira, regalándonos momentos de una gran belleza cotidiana y cómplice, como la simpática e inesperada escena en la que Odín sorprende a James atrapando un pez de gran tamaño con la boca; un destello de ligereza que alivia la tensión y afianza el apego del público hacia el animal.

Sin embargo, el verdadero triunfo de este primer acto radica en la sutil construcción del colapso físico de Belmont, un papel que le viene como anillo al dedo a un Brad Pitt que nos regala una madurez interpretativa verdaderamente impresionante. Ayer siembra pistas magistrales: esos gestos mudos de Belmont tocándose el pecho y el hombro que, en un primer momento, el espectador puede atribuir a las secuelas de su pasado militar. La revelación de que esos dolores eran el preludio de un infarto en pleno vuelo golpea con una fuerza tremenda en una escena sobrecogedora.

El verdadero corazón emocional de la película late en la desgarradora complicidad que se forja entre sus dos protagonistas. David Ayer introduce un elemento visual y dramático portentoso: Odín no es solo un acompañante, es un soldado mutilado al que le falta una pata, sustituida por una moderna prótesis metálica. Este detalle físico equipara al animal con James Belmont; ambos son náufragos de la misma guerra, rotos por dentro y por fuera. Dos solitarios que se necesitan para curar sus heridas en silencio. El Trastorno de Estrés Postraumático que comparten se materializa en una serie de pesadillas filmadas en un tono sepia muy real. Lejos de ser meros recuerdos estáticos, estas imágenes funcionan como un rompecabezas fragmentado que va cobrando cuerpo y construyéndose poco a poco ante el espectador a medida que avanza el metraje.

En este hostil escenario, el guion huye de la sensiblería barata para refugiarse en la sutileza. El sufrimiento de Odín se expresa a través de unas miradas silenciosas, brutales, estremecedoras y desbordantes de una profunda humanidad, al igual que las lamidas constantes en la cara de James. La química entre Pitt y el animal es magistral; cuando el perro despierta intranquilo a causa de los fantasmas del pasado, James lo devuelve a la realidad acariciándolo y susurrándole que todo aquello ya pasó, que es hora de olvidar. Es en ese lenguaje mudo, donde el animal parece comprender cada caricia y cada palabra, donde la película alcanza sus cotas dramáticas más altas y conmovedoras.

Más allá de su poderoso trasfondo dramático, la película funciona como un mecanismo de tensión impecable cuando se adentra en el cine de supervivencia más puro. David Ayer no da tregua al espectador ni suaviza la crueldad de la naturaleza salvaje de Alaska. La travesía de James y Odín se convierte en una carrera de obstáculos física y psicológica, donde el director filma con un realismo sobrecogedor los peligros que acechan en el camino. Desde la imponente y tensa presencia de la fauna local hasta la brutalidad de una geografía traicionera marcada por terrenos inundados, pasos imposibles entre troncos caídos y la furia de unas aguas bravas que se convierten en un enemigo implacable. El director demuestra una vez más su maestría para rodar la acción física, transmitiendo al espectador el frío, el cansancio y el dolor de una lucha desesperada por alcanzar la civilización.

Toca hablar del envoltorio técnico de la película, que no solo es impecable, sino que cobra el protagonismo de un personaje invisible que amplifica el torrente emocional de la historia. La banda sonora de Jared Michael Fry es, en esta ocasión, el auténtico latir del corazón del film. Con una partitura suave y penetrante a la vez, Fry compone una melodía que cala en los huesos y se clava en el cerebro del espectador, transportándolo con una sutil elegancia por los pasajes más dramáticos, tensos y humanos de la travesía propiamente dicha. Es una música que sabe ser silenciosa, que escucha al viento y a la naturaleza cuando la soledad lo requiere, pero que alcanza su cenit absoluto en el tramo final, fundiéndose de manera sobrecogedora con las imágenes de clausura y la profunda voz en off de Belmont.

A este triunfo sonoro se une la portentosa fotografía de Mauro Fiore. El oscarizado operador nos muestra la naturaleza de Alaska en todo su esplendor, logrando retratarla de manera bella y cruda a la vez. Fiore juega con una luz muy especial, tanto para las secuencias diurnas como para las nocturnas, regalando al espectador encuadres que por momentos parecen postales de colección y que, al segundo siguiente, te abofetean con la cruda realidad de los elementos. Un trabajo visual deslumbrante que equilibra la inmensidad del paisaje con la intimidad de los rostros. Con ella el frío se palpa y se siente y los rayos de sol calientan los músculos helados.

En el corazón de la bestia (Heart of the Beast) es muchísimo más que un relato de supervivencia extrema; es una radiografía desgarradora sobre el trauma, la redención y el amor incondicional en su estado más puro. David Ayer firma su obra más madura y humana gracias a la soberbia y física interpretación de un Brad Pitt crepuscular, formidablemente arropado por un coprotagonista de cuatro patas que roba el alma del espectador. Una película cruda, hermosa y profundamente conmovedora que rompe por dentro y se instala en la memoria mucho después de que se enciendan las luces de la sala. Cine con mayúsculas que merece ser vivido y sentido en la gran pantalla.

Mi nota es: 9

Estreno en España: 25 de septiembre.

Reparto: Brad Pitt, J.K. Simmons y Anna Lambe.

Productoras: Plan B Entertainment// Temple Hill Entertainment// Will Chickens Productions// Crave Films// Soho VFX

Distribuidora en España: Paramount Pictures Spain.

Filmografía: El guionista, productor y director, David Ayer, abandonó sus estudios de preparatoria por problemas familiares. Comenzó a trabajar de pintor de casas hasta que se alistó a la Marina de los Estados Unidos, como submarinista. En el mundo del cine se inició como guionista y debutó en la dirección con “Vidas al límite” (2005) continuando con “Dueño de la calle” (2008), “Sin tregua” (2012), “Sabotage” y “Corazones de acero” ambas en (2014), “Escuadrón suicida” (2016), “Bright” (2017), “Cuenta pendiente” (2020), “Beekeeper: El protector” (2024), “The Working Man” (2025) y este año nos ofrece “En el corazón de la bestia” (2026). También ha dirigido los videoclips: “LCD Soundsystem: Pow Pow” (2010), “Lil Wayne, Wiz Khalifa, Imagine Dragons, Logic, Ty Dolla Sign and Z Ambassadors: Sucker for Pain” (2016) y “Machine Gun Kelly feat. X Ambassadors & Bebe Rexha: Home” (2017). El video: “Sabotage: Alternate Endings” y capítulos de la serie: “Deputy” (2020).