NOTICIAS MOVISTAR PLUS+ SEPTIEMBRE 2026

'Ilustres ignorantes' cumple 20 temporadas de humor, ingenio y sabia ignorancia en Movistar Plus

Pocos programas pueden presumir de cumplir 20 temporadas. 'Ilustres Ignorantes', sí, aunque no alardean de ello, así son. Casi dos décadas siendo tan ilustres como ignorantes avalan el recorrido del programa capitaneado por Javier Coronas, junto a Pepe Colubi, Javier Cansado y el colaborador interino Raúl Cimas. El martes 8 de septiembre regresa a Movistar Plus con una nueva entrega de preguntas absurdas, respuestas brillantes (o no tanto) y ese humor tan inclasificable como inconfundible que lo ha convertido en un referente de la comedia.

En palabras de Javier Coronas: "Cumplir 20 temporadas con lo poco que hacemos, tampoco tiene tanto mérito. Lo verdaderamente importante es celebrar la 21. Eso si es algo gordo, y más aún si estamos todos. Nunca se llegó tan lejos haciendo tan poco, pero podemos asegurar con mucho orgullo que, durante todos estos programas, ningún cefalópodo ha sufrido daño alguno".

La vigésima temporada mantiene intacta la esencia del programa: invitados de primer nivel, colaboradores habituales y las ya imprescindibles imitaciones de Raúl Pérez. La primera entrega de la temporada, dedicada al humor, contará una vez más con el padrino del programa desde sus inicios, Pepín Tre, y con Raphael, interpretado por Raúl Pérez.

'El castillo', la nueva serie Original Movistar Plus sobre el auge de la mafia proxeneta en España, se estrena el 8 de octubre en la plataforma

'El castillo', la nueva serie Original Movistar Plus creada en colaboración con Caballo Films y Mafalda Entertainment, se estrena el 8 de octubre en la plataforma tras su paso por la Sección Oficial del Festival de San Sebastián.

Protagonizada por Raúl Arévalo, Valentina Vidal (que debuta en esta serie), Omar Ayuso y Laia Marrull, 'El castillo' es un policiaco de seis episodios que cuenta la historia real del auge de la mafia proxeneta española.

Isabel Peña, coguionista de 'Que Dios nos perdone', 'As Bestas', 'Antidisturbios' o la recientemente estrenada y preseleccionada para representar a España en los Premios Oscar® 'El ser querido', de la que Eduardo Villanueva también es productor, coguionista y productor de 'Antidisturbios', están detrás de la creación y escritura de la serie. Elena Martín Gimeno, autora de los largometrajes 'Júlia ist' y 'Creatura', es la directora principal. La acompaña en la dirección Sandra Romero ('Se tiene que morir mucha gente', 'Por donde pasa el silencio').

Sinopsis: Gerardo Liesa, un joven inspector de policía recién incorporado a la UCRIF (Unidad Central de Redes de Inmigración Ilegal y Falsedades Documentales) y su compañera Carmen Osés intuyen que algo está cambiando en los burdeles de toda España. Suizo y sus socios dirigen varios clubs de carretera donde explotan sexualmente a prostitutas llegadas de todo el mundo. Una de esas mujeres es Claudia, que con 18 años y un hijo pequeño en Colombia, acaba de llegar a España buscando un futuro mejor.

Reparto

Raúl Arévalo, Valentina Vidal (que debuta en esta serie), Omar Ayuso y Laia Marull encabezan el reparto principal. Marc Rodríguez, Claudio Villarrubia, Miguel Torrecilla, Rubén Martínez, Ángela Boix y Ana Ruano completan el elenco.

'Matar a un oso', serie Original Movistar Plus creada por Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, tendrá su estreno mundial en la 71ª edición de la Seminci

'Matar a un oso', la nueva serie Original Movistar Plus creada por Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, tendrá su estreno mundial el próximo 23 de octubre en la jornada inaugural de la 71ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI), con la proyección de sus tres primeros episodios.

En palabras de los creadores Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo: "Es un enorme placer presentar 'Matar a un oso' en la  Seminci, una historia tan sorprendente como real. Este relato nos ha llevado a entender un conflicto en apariencia pequeño, como la muerte de un oso, que encierra sin embargo mucha de la crispación que polariza la convivencia en nuestros días. La disputa que se ha generado entre la defensa de la identidad, el medioambiente y de una violencia latente en nuestras relaciones personales del día a día. Estamos deseando compartir con su público un trabajo que ha supuesto grandes retos narrativos, técnicos así como un enorme disfrute al trabajar con un elenco extraordinario".

Tras su paso por Valladolid, 'Matar a un oso' competirá en la Sección Oficial Nacional del Festival Serializados, donde también se proyectarán sus tres primeros episodios el próximo 27 de octubre.

Inspirada en hechos reales, 'Matar a un oso' arranca con la misteriosa muerte del oso Cachou en el Valle de Arán durante el confinamiento por la pandemia. El caso dio lugar a una investigación judicial sin precedentes en España, en la que la muerte del animal fue tratada como un asesinato, y sacó a la luz un conflicto que iba mucho más allá. A través de esta insólita investigación, la serie aborda el choque entre lo local y lo global, entre tradición y modernidad, y las distintas formas de entender nuestra relación con la naturaleza.

Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo conocieron la historia de Cachou a través de un artículo publicado en Le Monde y viajaron al Pirineo para conocer de primera mano a algunas de las personas implicadas. Sus testimonios les permitieron descubrir que, más allá de la investigación, el caso contenía el retrato de una comunidad, sus contradicciones y los conflictos que atraviesan su forma de vida. Esta mirada se traslada a la estructura de 'Matar a un oso', en la que en cada episodio se cuenta la historia desde el punto de vista de un personaje diferente.

El reparto está encabezado por Eduard Fernández, ganador de cuatro premios Goya –como actor protagonista por 'Marco' y 'Fausto 5.0' y como actor de reparto por 'Mientras dure la guerra' y 'En la ciudad'– y de la Concha de Plata al Mejor Actor por 'El hombre de las mil caras'; María Rodríguez Soto, ganadora de la Biznaga de Plata del Festival de Málaga y del Premio Gaudí a la Mejor Actriz Protagonista por 'Els dies que vindran'; Miki Esparbé ('Frontera', 'Anatomía de un instante'); Pol López, ganador del Premio Feroz al Mejor Actor de Reparto por 'Nos vemos en otra vida' y del Premio Gaudí al Mejor Actor Protagonista por 'Suro'; Nora Navas, ganadora de los premios Goya a la Mejor Actriz Protagonista por 'Pa negre' y a la Mejor Actriz de Reparto por 'Libertad', así como de dos premios Gaudí por 'Pa negre' y 'Tots volem el millor per a ella'; y Àlex Monner, ganador del Premio Gaudí al Mejor Actor Protagonista por 'Els nens salvatges'.

Creadores de series como 'Crematorio', Premio Ondas a la Mejor Serie Española, y 'La Zona', Premio Feroz a la Mejor Serie Dramática, Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo vuelven a colaborar con los guionistas Daniel Remón y Pablo Remón con quienes ya trabajaron en 'Nos vemos en otra vida'. Además, también participan en el guion Roberto Martín Maiztegui (también guionista de 'Nos vemos en otra vida') y Clara Botas (guionista de 'La Ruta').

Jorge Sánchez-Cabezudo dirige cuatro de los seis episodios y Borja Soler firma los otros dos. La banda sonora original corre a cargo de Olivier Arson, ganador de dos premios Goya a la Mejor Música Original por 'El reino' y 'As bestas' y compositor de 'Nos vemos en otra vida', 'La Zona', 'Antidisturbios' y 'El ser querido', y Abel Hernández, productor musical de 'La Zona, 'Que Dios nos perdone' o 'Los últimos románticos' y compositor de 'La casa Emak Bakia', 'Lucha de corazones' y 'Nos vemos en otra vida'.

'Matar a un oso' es una serie Original Movistar Plus, coproducida con ARTE France y en colaboración con Kubik Films (STUDIO TF1). Las ventas internacionales corren a cargo de Movistar Plus International.

Sinopsis: La muerte del oso Cachou en el Valle de Arán desencadena una investigación criminal nunca vista por la muerte de un animal. Los sospechosos son los habitantes del valle, que se convertirá en el escenario del choque entre lo global y lo ancestral y donde solo unos pocos lucharán por evitar que el conflicto estalle con consecuencias irreparables.

Movistar Plus estrena el documental 'Derecho a boxear', sobre las pioneras que se abrieron camino hasta el ring

En la Nueva York de los años setenta, subirse a un ring estaba prohibido por ley para una mujer. En el considerado deporte más masculinizado del planeta, un grupo de boxeadoras decidió no aceptar los límites impuestos y combatir fuera del ring los prejuicios hasta convertirse en profesionales. Esta es la historia que cuenta ‘Derecho a Boxear’, el documental que descubre los olvidados orígenes del boxeo femenino y que Movistar Plus estrena el próximo lunes 14 de septiembre.

El documental narra las vidas de tres mujeres de orígenes muy dispares que desafiaron las convenciones sociales y el machismo, racismo y homofobia de aquellos tiempos. Marian 'Lady Tyger' Trimiar creció en Harlem, marcada por un entorno familiar complejo y por las sesiones de boxeo de sombra que compartía con su padre mientras contemplaban los combates de Muhammad Ali. Ante el rechazo generalizado de los preparadores, imprimió sus propias tarjetas de presentación proclamándose la primera boxeadora negra para abrirse paso a la fuerza en los gimnasios, ganándose el respeto de sus compañeros tras soportar humillaciones y ritos de iniciación hostiles.

Por su parte, Cathy 'Cat' Davis abandonó las pretensiones de su conservadora familia de Luisiana para formarse como esgrimista en Nueva York. Después de que un entrenador que se negó a enseñarle sólo por ser mujer, recondujo su camino hacia el cuadrilátero de la mano del controvertido mánager Sal Alighieri. A ellas se sumó Pat 'Liberation' Pineda, quien tras superar abusos en la infancia, un matrimonio prematuro y una juventud asfixiante, fue introducida a escondidas en una sala de entrenamiento donde canalizó su dolor para encontrar su verdadera identidad deportiva.

Una deuda saldada con la memoria del boxeo femenino

'Derecho a boxear' aborda los golpes sistémicos que estas púgiles tuvieron que esquivar. Sin la opción de formarse en categorías amateurs, vetadas para ellas en la mayoría de los estados, arriesgaron sus vidas y su libertad, librando una dura contienda legal e institucional hasta convertirse en las primeras mujeres con licencia profesional para combatir en Estados Unidos.

A pesar de copar portadas y despertar un enorme interés mediático en su época, la historia oficial del pugilismo, escrita mayoritariamente por cronistas masculinos, relegó sus nombres al anonimato. ‘Derecho a boxear’ reivindica su legado indispensable para las actuales generaciones de boxeadoras de élite.

Movistar Plus presenta en el FesTVal de Vitoria la segunda temporada de 'Las Berrocal', su docureality Original

Movistar Plus ha presentado en el FesTVal de Vitoria la segunda temporada de 'Las Berrocal', su docureality Original producido en colaboración con The Pool. Al acto han asistido las cuatro protagonistas, Vicky Martín Berrocal, Rocío Martín Berrocal, Victoria Martín y Alba Díaz Martín; su directora, Amaia Saldise; Raquel Pérez, líder de Entretenimiento de Movistar Plus y Ángel Ayllón, director de Contenidos de The Pool. La rueda de prensa ha estado moderada por el presentador Boris Izaguirre. 

En la segunda temporada que se estrena el próximo 15 de septiembre en Movistar Plus, las Berrocal siguen manteniendo toda su esencia y su pasión por la vida: veremos su crecimiento personal y profesional, sus viajes, sus reuniones con familia y amigos, y volveremos a reír, llorar y disfrutar con ellas.

En la rueda de prensa y tras ver el avance de la segunda temporada, Vicky Martín Berrocal ha comentado: "Me sigue emocionado compartir este camino con las mujeres que amo. No solo habla de nosotras, de nuestra familia, habla de millones de mujeres que se identifican con nosotras. En esta temporada pasan muchas cosas y es lo que más me gusta. No somos una familia perfecta, pero somos tremendamente auténticas y verdaderas, y eso es lo que traspasa la pantalla. Me ha sorprendido la calidad, la imagen y el mimo que se ve en la pantalla. Gracias Movistar Plus porque no hay mejor compañero de viaje, estamos donde teníamos que estar". 

Para Amaia Saldise, directora de 'Las Berrocal': "Yo me lo he pasado muy bien haciendo este proyecto. He llorado y reído con ellas, yo no las conocía y ahora es como si las hubiera parido. Ha sido muy especial, son maravillosas. Me lo han puesto fácil y a veces difícil, pero eso también está muy bien. Ha sido enriquecedor, me ha parecido un regalo descubrirlas, entenderlas y saber por lo que estaban pasando. Espero que la gente lo vea como lo hemos vivido nosotros".

Por su parte, Raquel Pérez, líder de Entretenimiento de Movistar Plus ha comentado: "Para Movistar Plus es muy importante escuchar al cliente y entender las historias que quieren ver. La primera temporada fue un éxito, conectó con la gente, estaba muy bien hecha y además cuenta la historia de cuatro mujeres con las que sentirse identificadas. Esa conexión emocional es lo que hace que este proyecto sea bueno. Y en esta segunda temporada nos van a seguir sorprendiendo".

Ángel Ayllón, director de Contenidos de The Pool: "Cuando estábamos haciendo 'Las Berrocal' lo vivimos casi como espectadores. Cuando arrancamos con esta segunda temporada nos dimos cuenta de que no nos dejamos nada en la anterior. Empezamos relajados y queriendo disfrutar para recoger todo lo que nos dan, que es oro televisivo".

Sinopsis 'Las Berrocal' T2

Vicky se enfrenta a grandes cambios en su vida personal y continúa con una vida profesional muy intensa, que provocará algún que otro conflicto familiar, pero que también le llevará a seguir cumpliendo sueños como entrevistar a un buen amigo, su admirado Alejandro Sanz. Alba crece muchísimo en su vida profesional y en lo personal da el paso de comprar su propia casa para independizarse con su novio, marquitos. Por su parte, Rocío se adentra en una nueva etapa donde la visibilidad pública y los retos profesionales conviven con un desafío más íntimo: enfrentarse a sus propios miedos. Mientras tanto, Victoria continúa con sus ganas de vivir y cuidar de las mujeres de su vida, de las que recibirá más de una sorpresa, como conocer a uno de sus ídolos, Can Yaman. Además, en esta segunda temporada, las Berrocal hablan sin filtro de temas como el amor, el sexo, la salud mental, la menopausia o de la tiranía de tener que lucir siempre perfectas.

EL SER QUERIDO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Francia, El Ser Querido, está dirigida por Rodrigo Sorogoyen compartiendo guion con Isabel Peña.

Esteban Martínez (Javier Bardem) es un prestigioso director de cine, mientras que Emilia Vera (Vicky Luengo) es su hija, con quien lleva trece años sin verse. Ambos se reencuentran en un restaurante en el cual, desde los saludos iniciales y a medida que se ponen al día, percibimos que existen severas tensiones de un pasado no resuelto y marcado por el dolor. Él le hace saber que la ha citado para ofrecerle el papel protagonista en su nuevo proyecto y ella, un tanto a la defensiva y en estado de nerviosismo, le comenta que se lo pensará; pero pronto seremos testigos de que el rodaje ya está en marcha y ella lo está protagonizando. La cercanía forzada que provoca el set abrirá de par en par las heridas de un ayer cuyas cicatrices no se han cerrado.

Afrontar el análisis de este filme conlleva, inevitablemente, medirlo con el exigente rasero de la filmografía previa de Sorogoyen. Tras habernos regalado obras de la talla de la asfixiante As Bestas, la vibrante El Reino o esa potente miniserie como fue Antidisturbios, encontrarse ante su nuevo trabajo genera una cierta decepción. Es una lástima constatar que, en esta ocasión, Rodrigo e Isabel no han estado tocados por la varita mágica del ritmo y, quizás, tampoco de la profundidad al adentrarse en un terreno tan íntimo y delicado como los lazos destruidos de un padre y una hija distanciados por el tiempo y las sombras del pasado. Una cinta que tropieza en un guion poco afinado y en una duración a todas luces excesiva, que diluye el impacto del drama.

Es indiscutible el sello del director cuando te enfrentas a una de sus historias, pues cuida los detalles al milímetro. Todos los apartados técnicos sin discusión están perfectos, desde la fotografía, el sonido, la sutil banda sonora, la iluminación, la ambientación y cada decorado por sencillo que nos pueda parecer… No falta ni un solo detalle y la película se hace orgánica pero también terriblemente tediosa por ese elemento que en ocasiones se descuida o se está tan convencido de lo que se tiene entre manos, que no se lima como se deberia. Es como ya he dicho, el guion. Pero de este apartado ya hablaremos en su momento.

El cine dentro del cine es un recurso del que suelen nutrirse muchos directores y guionistas, y que pocas veces falla, soportando el peso de la trama principal. Al espectador, el ver los entresijos de una película le llama la atención; y si esa puesta en escena está bien llevada, presentada y equilibrada, la obra potencia un tema universal y complejo como son las relaciones entre padre e hija, como sucede en este caso.

Sin embargo, el error se hace evidente desde su mismo arranque. Sorogoyen configura esa esperada secuencia inicial mostrando primero a un Bardem nervioso mediante una sucesión de planos elípticos, cortados y muy parecidos que marcan el doloroso paso del tiempo. Cuando ella llega y se sientan, nos encierran en un clásico plano-contraplano con la cámara en mano y muy cerrada, creando una atmósfera de intimidad absoluta y ciertamente opresiva. Pero es justo en ese instante cuando el truco se rompe: la escena se atasca en una repetición inquietante de frases cotidianas ("¿Qué tal estás?", "Estoy bien, ¿y tú?", "También estoy bien") que no fluye con naturalidad y estanca la narrativa antes de que logre arrancar. A mi gusto ese inicio está atropellado, queriendo decir mucho en muy poco tiempo, para fortuna de la película va ganando enteros a medida que avanza el filme.

En el apartado interpretativo es donde El ser querido encuentra sus mayores virtudes, ofreciendo un duelo actoral de una intensidad apabullante. Javier Bardem despliega un repertorio colosal para dar vida a Esteban, un personaje complejo que transita con pasmosa facilidad entre el padre vulnerable y el tirano dominante. Bardem maneja los hilos de la trama con una presencia magnética, midiendo cada silencio, cada mirada y cada tono en la voz al pronunciar sus frases hasta que todo estalla en una escena cumbre en mitad del set de rodaje. Tras una discusión entre padre e hija la noche anterior, el plató se convierte al día siguiente en un auténtico campo de batalla camuflado bajo una gran mesa donde los comensales comen sopa de caballa. Una escena que cabalga a lomos del drama pero que por su presentación inicial y la manera en que se desarrolla, despierta carcajadas hasta quedar la sala en silencio. No es cosa de risa lo que hemos presenciado, sino algo terriblemente traumático, cruzándose todos los límites. Frente a este huracán, una soberbia Vicky Luengo responde desde una contención y una dignidad asombrosas; su mirada herida pero firme sostiene el pulso dramático sin dejarse devorar en ningún momento por el monstruo que tiene delante. El realismo con el que ambos actores se enfrentan el uno al otro corta la respiración del espectador, creándose en el propio filme, un antes y un después. Si bien Bardem y Luengo están brutales durante toda la película, en esta escena sacan todo lo que el cine exige a dos actores para que sus nombres se escriban con mayúsculas. Una secuencia memorable que funciona como el gran detonante de lo que está por venir. A todo ello cabe sumar el extraordinario trabajo del resto del reparto y es que si algo ha demostrado siempre Sorogoyen es su capacidad y entrega absoluta a la dirección actoral, logrando que cada papel, por pequeño que sea, esté milimetrado en el plano.

Más allá del torbellino interpretativo, es de justicia detenerse en la impecable factura técnica que sostiene el largometraje. La puesta en escena de Sorogoyen se revela soberbia en todo momento, demostrando un control absoluto del espacio cinematográfico. A ello contribuye de manera decisiva una labor de sonido inmersiva y una fotografía de Álex de Pablo que se convierte en un personaje más. Es fascinante observar cómo la imagen muta a lo largo del metraje, experimentando con los formatos de pantalla, alterando las relaciones de aspecto, jugando con la cámara en mano y los primeros planos y saltando con audacia del blanco y negro al color. Sin embargo, el elemento más sutil y brillante de este apartado es la banda sonora a cargo de Olivier Arson. Estamos ante una partitura breve y contenida; la mayor parte del filme carece deliberadamente de música de fondo. Lejos de ser un capricho, esta sutil economía musical es un acierto rotundo para cederle todo el protagonismo al texto dramático, permitiendo que las variaciones visuales impacten con más fuerza y que la crudeza de los diálogos y silencios atronadores golpeen al espectador sin filtros ni edulcorantes.

El ser querido nos deja una ironía cinematográfica difícil de ignorar. Rodrigo Sorogoyen e Isael Peña firman una obra demoledora y que regala un duelo interpretativo memorable, de los que justifican pagar una entrada de cine. Sin embargo, al estirar el metraje de forma innecesaria hasta unos extenuantes 135 minutos y supeditar el ritmo a un guion caprichoso, la película acaba cayendo en la misma trampa que pretende criticar. El virtuosismo técnico y los silencios atronadores intentan salvar de la quema a un drama familiar y geopolítico que, trágicamente, se ve lastrado por un inicio descuidado en sus diálogos y otros detalles a lo largo del metraje. Una obra impecable en su envoltorio, soberbiamente interpretada, pero penalizada por una autocomplacencia cansina que empaña el resultado final.

Mi nota es: 6,5

Estreno en España: 26 de agosto.

Reparto: Javier Bardem, Vitoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs, Raúl Prieto, Pepa Gracia, Melina Matthews, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Malena Villa, Mourad Ouani, Miguel Garcés, Laura Birn, Marta Megías, Agustin Otón, Miguel Ángel Puro, Didier Maes, Rulo Pardo, Alberto Raw, Ana Ruano, Chema Tena, Pedro Rubio, Nadia Torrijos, Claudio Villarrubia, Juan Vinuesa, Emmet Christakopoulos, Arlo Mapel, Nerea Moreno, Hiroki Mano, Ane Pikaza, Nourdin Batan, Timothy Cordukes, Nacho Vera, Carlos Javier González Pérez, Paco Perez, Oomen Jacob, Raquel Ferri, Conchi Espejo, Pablo Chaves y Saibon Wang.

Productoras: Caballo Films// Movistar Plus+ // El Ser Querido// Le Pacte

Distribuidora en España: A Contracorriente Films y Movistar Plus+

Filmografía del director: Rodrigo Sorogoyen es nieto del director de cine Antonio del Amo. Se licenció en Historia por la Universidad Complutense de Madrid, continuando su formación en 2001 en la Escuela de cine Séptima Ars en donde estudió guion Cinematográfico y seguidamente en 2004 en la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid (ECAM). Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con la televisión como guionista y director de algunos capítulos en series como, “Impares” (2008/2010), “La vida loca” y “La pecera de Eva” (2010/2011), “Frágiles” (2012), “Rabia” (2015), “En casa” y “Antidisturbios, ambas en (2020), “Historias para no dormir” (2021), “Apagón” (2022) y “Los años nuevos” (2024). Debutó en el largometraje junto a Peris Romano, en la película “8 citas” (2008) y como primer largometraje en solitario con “Stockholm” (2013), al que han seguido “Que Dios nos perdone” (2016), “El reino” 2018, (Premiada con 7 Goyas y 5 Feroz), “Madre” (2019), “As bestas” (2022) y este año nos ofrece “El ser querido” (2026). Cuenta con los cortometrajes: “El Iluso” (2014), “Disquisiciones de una pareja que lleva más de seis meses y menos de un año” (2016), “Madre” (2017)

CANTANDO BAJO LAS BALAS EN EL TEATRO APOLO DE BARCELONA

 

NUEVE CARTAS informa que ANE GABARAIN se convierte en MILLÁN ASTRAY en “CANTANDO BAJO LAS BALAS”, que se estrena en Barcelona con 6 únicas funciones en el TEATRO APOLO.

Ane Gabarain, una de las intérpretes más reconocidas y queridas del cine, la televisión y el teatro español, protagoniza «Cantando bajo las balas», que tendrá sen septiembre su estreno en Barcelona tras haberse presentado en País Vasco y Navarra. La obra podrá verse durante seis únicas funciones en el Teatro Apolo, del 29 de septiembre al 4 de octubre.

La actriz, ganadora del Goya y del Premio Feroz a mejor actriz de reparto por «20.000 especies de abejas» y nominada al Emmy Internacional por «Patria», se transforma en Millán Astray en un monólogo musical con humor negro, ritmo escénico y música en directo. El montaje propone al público una experiencia teatral singular, apoyada en la fuerza interpretativa de Gabarain y en la presencia sonora de Marc Servera sobre el escenario.

«Cantando bajo las balas» parte del enfrentamiento entre Millán Astray y Miguel de Unamuno el 12 de octubre de 1936 en el Paraninfo de la Universidad de Salamanca, episodio del que en 2026 se cumplen 90 años. A partir de ese punto de partida histórico, la obra construye una propuesta escénica viva, directa y abierta al gran público, en la que la palabra y la música permiten mirar aquel momento desde el teatro.

La propuesta no plantea una reconstrucción histórica convencional ni una lección académica. Es, ante todo, una pieza teatral sostenida por el cuerpo, la voz y la capacidad de transformación de Ane Gabarain. La intérprete aborda un personaje lleno de teatralidad, contradicciones y exceso, y lo convierte en el centro de un montaje que combina comedia negra, música en directo y una puesta en escena de gran energía.

El público encontrará una obra ágil, satírica y de fuerte personalidad, donde el humor nace del propio personaje y de su dimensión más teatral. La risa funciona como una puerta de entrada a una historia conocida, pero también como una forma de descubrir nuevos matices en un episodio que sigue formando parte de la memoria cultural del país.

Descrita por El País como “un fascinante monólogo cabaretero” sobre José Millán Astray, fundador de la Legión, la nueva producción de Luna Hiena recupera el texto de Antonio Álamo con una mirada escénica propia, marcada por la interpretación de Ane Gabarain, la dirección de Asier Andueza y la música y el espacio sonoro en directo de Marc Servera.

Gabarain asume aquí uno de los desafíos interpretativos más singulares de su trayectoria. La actriz ha desarrollado una carrera muy vinculada a personajes de gran fuerza popular y emocional. Sobre las tablas ha trabajado recientemente en «La casa de Bernarda Alba», dirigida por Alfredo Sanzol en el Centro Dramático Nacional.

Antonio Álamo, autor del texto, es uno de los dramaturgos españoles con mayor trayectoria. Sus obras han sido reconocidas con premios como el Tirso de Molina o el Premi Born. La dirección corre a cargo de Asier Andueza, creador con más de veinticinco años de recorrido en cine, televisión y teatro, y co-creador y guionista de «El Internado: Las Cumbres».

«Cantando bajo las balas» es una producción de Luna Hiena Interacciones Culturales, con música y espacio sonoro en directo de Marc Servera, iluminación de David Bernués, escenografía de José Luis Raymond, vestuario de Edurne Ibáñez y dirección de movimiento de Arturo Vargas.

LUNA HIENA

Luna Hiena es un proyecto impulsado por los hermanos Biktor y Asier Andueza. Nace de la experiencia acumulada de ambos en la producción cultural, la gestión, el cine, la televisión y el teatro, y desarrolla propuestas escénicas con una identidad propia, atención al trabajo interpretativo y vocación de conectar con públicos diversos.

Funciones y entradas

Barcelona

Teatro Apolo

Del 29 de septiembre al 4 de octubre

Entradas ya a la venta en https://teatreapolo.com/cartelera/cantando-bajo-las-balas/

Reparto

 Millán Astray: Ane Gabarain

DJ: Marc Servera

Equipo artístico y técnico

 Texto: Antonio Álamo

Dirección: Asier Andueza

Ayudante de dirección: Paul Alcaide

Música y espacio sonoro en directo: Marc Servera

Diseño de iluminación: David Bernués

Escenografía: José Luis Raymond

Vestuario: Edurne Ibáñez

Dirección de movimiento: Arturo Vargas

Producción y distribución: Biktor Andueza

Producción: Luna Hiena Interacciones Culturales S.L.

TEATRO LARA INFORMA SEPTIEMBRE 2026

 

La madre que me parió

Tres mujeres acuden a la boda de una amiga de la infancia acompañadas de sus madres. Durante el convite, la novia se arrepiente del enlace y pide ayuda desesperada a sus amigas. Se desata la locura mientras se ponen de manifiesto las complejas relaciones entre madres e hijas, se desvelan secretos, y se confirma que, no hay nada que sane más que compartirlos con tus amigas.

La opinión de la madre marca las decisiones de sus hijas, pero eso no debe impedir nunca que se viva conforme a los verdaderos sentimientos, porque toda madre siempre acabará justificando a sus hijos, por más que, en un principio, pueda mostrar su desacuerdo.

Una comedia de enredo, donde madres e hijas se ven reflejadas porque las hay de todos los perfiles. Un vodevil actual, porque aún es necesario reivindicar quién eres y qué sientes en realidad, a pesar de las trabas familiares y sociales.

Mitad

Maggie y Alex llevan 24 años casados. Una madrugada, en la cocina de su casa, ella le confiesa fríamente que ya no le quiere. A partir de ese momento, estalla un diálogo intenso, doloroso y a la vez cómico, donde ambos se enfrentan a sus miedos, frustraciones, deseos y sueños incump

Maldito bar

Maldito Bar es una comedia teatral trepidante y satírica que utiliza un bar como microcosmos para diseccionar la sociedad contemporánea. Cuatro actores versátiles se transforman en una multitud de personajes. A través de escenas cotidianas que se entrelazan, el bar se convierte en un escenario donde se reflejan las contradicciones, los vicios y las virtudes de la sociedad.

Lo que comienza como una representación realista de la vida en un bar, gradualmente se va distorsionando hasta alcanzar el absurdo y el esperpento. La obra utiliza el humor ácido y la ironía para exponer las miserias y las grandezas de la condición humana, llevando al extremo situaciones reconocibles para provocar la reflexión y la risa.

 Gris de ausencia

Una familia de migrantes regresa a Roma y abre un restaurante llamado “Trattoria La Argentina”. Un viernes “cualquiera” nos abren las puertas de la casa para contarnos su historia, llena de contradicciones con la dificultad de vivir entre dos culturas y sentir la ausencia de una patria verdadera.

A caballo entre el humor y la melancolía la obra aborda temas como el exilio, el desarraigo y la nostalgia en una constante añoranza de identidad.

Todos tenemos una historia propia o de nuestra familia que pueda espejarse con la de los personajes de Gris de ausencia. ¿Os gustaría ver la vuestra? ¿Cómo sería?

Josefina

Basada en la historia real entre Josefina Manresa y Miguel Hernández, esta obra es un puchero alicantino cocinado a fuego lento. Es la representación de las viudas, mujeres que se quedan hablando con el legado de sus maridos ya fallecidos. Josefina, musa y conservadora del legado del poeta Miguel Hernández, mezcla danza y palabra para reflexionar sobre cómo crear el cuerpo de esta historia.

A través de poemas de Miguel Hernández y recuerdos reales de Josefina Manresa se descubre un legado que hasta ahora permanece dormido.

¿Dónde quedaron las cartas que se escribieron durante la Guerra?

Madres

Madres es una comedia desesperada en la que cinco mujeres se quedan encerradas en la sala de espera de un colegio.

El aislamiento desbordará en una terapia de límites insospechados, sacando a relucir las sombras y las luces de la maternidad.

Última planta

En la antesala del Cielo, Herminia, una mujer que ha dedicado su vida a Dios, aguarda con impaciencia el momento de encontrarse cara a cara con el Creador. Muy pronto descubrirá que no es la única en espera: Margot, una travesti deslenguada y vital, aparece para hacer tambalear su idea de la eternidad. Pero no estarán solas. Poco a poco, el ascensor celestial irá dando paso a otros peculiares pasajeros: Carmen, una mujer fallecida en extrañas circunstancias; Paquito, un joven despistado que aún no entiende cómo ha llegado hasta allí y Gabriel, un ángel maniático y torpe que oculta un deseo inconfesable mientras trata, con poca eficacia, de guiarlos en su ascensión.

Entre confesiones, anhelos y cuentas pendientes, todos deberán enfrentarse a la prueba definitiva: alcanzar su propio cielo particular, donde la eternidad será su recompensa…

o su condena.

Recordad que algunas de estas funciones pueden tener ofertas especiales, consultar en taquilla.

CINE Y FESTIVALES (CCXIX)

 

VERTICE CINE nos informa que La Mostra de Venecia acogerá La Premiere Mundial de “THE ECHO CHAMBER”

Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel, estrenará en los cines españoles, THE ECHO CHAMBER, el drama romántico dirigido por Andrea Pallaoro, basado en una idea original del legendario director Bernardo Bertolucci.

El 6 de septiembre, la película celebró su premiere mundial dentro de la 83 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia donde se proyectará dentro de la Sección Oficial a competición.

La historia es una exploración emocional del amor y la dependencia protagonizada por Alicia Vikander, Luca Marinelli y Susan Sarandon en la que los límites entre la presencia y la ausencia, el cuidado, el deseo y el control se difuminan hasta desaparecer.

The Echo Chamber fue el último trabajo de Bertolucci antes de su fallecimiento en 2018. El director italiano completó, junto a las guionistas italianas Ilaria Bernardini y Ludovica Rampoldi, el primer borrador y, al retomar el proyecto años después ellas se encargaron de finalizar el libreto.

The Echo Chamber llegará próximamente a los cines españoles de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.

SINOPSIS: Una historia de amor en la que los límites entre la presencia y la ausencia, el cuidado y la dependencia, el deseo y el control se difuminan hasta desaparecer. Leo (Luca Marinelli), y Anne (Alicia Vikander) se persiguen, se tocan, se pierden, se buscan. No pueden soltarse ni liberarse. La voz de Ava (Susan Sarandon) resuena por las habitaciones, atravesando el tiempo y permitiendo que salga a la superficie aquello que se resiste o que ya no se puede retener.

SOBRE LA PELÍCULA

La fotografía es obra de Diego García y la música fue compuesta por Clément Ducol.

The Echo Chamber es una coproducción europea entre Indigo Film y Rai Cinema (Italia), junto con Versus (Bélgica). Cuenta con el apoyo del Fondo Europeo y el Ministerio de Cultura de Italia.

Paradise City Sales y UTA Independent Film Group manejan sus ventas internacionales.

FILMAX nos informa que “5 minutos más” de Javier Ruiz Caldera, se proyectará en el Festival de Sitges.

“5 MINUTOS MÁS”, película Original de Movistar Plus producida El Terrat e Ikiru Films, escrita por Berto Romero y protagonizada por Javier Cámara, el propio Berto Romero y Belén Cuesta y dirigida por Javier Ruiz Caldera, se proyectará en la sección Sitges Collection de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, tras su paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y del Fantastic Fest de Austin, en Estados Unidos.

Los productores de “5 minutos más” son Berto Romero, Bernat Elías, Javier Méndez, Edmon Roch y Movistar Plus.

“5 minutos más” es el debut como guionista cinematográfico de Berto Romero y marca un nuevo encuentro creativo entre Romero y Ruiz Caldera, tras su colaboración en las series ‘Mira lo que has hecho’ (Premio Ondas a mejor serie de comedia) y ‘El otro lado’ ambas también originales de Movistar Plus, producidos por El Terrat.

Javier Ruiz Caldera ha consolidado una de las trayectorias más versátiles del panorama audiovisual español. Su filmografía destaca por la libertad con la que combina géneros y por un humor muy personal que impregna sus historias. Con “5 minutos más” vuelve a colaborar con Berto Romero, compañero creativo habitual al que ha dirigido en ‘El otro lado’, ‘Mira lo que has hecho’, ‘Anacleto: agente secreto’, ‘Tres bodas de más’ y ‘Wolfgang’.

Sinopsis: “5 minutos más” narra la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.

En palabras del director Javier Ruiz Caldera, “Uno siempre busca que su siguiente película sea diferente a la anterior; que represente un nuevo reto y me obligue a enfrentarme a ella desde una perspectiva desconocida como director. En cuanto leí el primer guion de largometraje de Berto Romero supe que había encontrado el proyecto soñado. El desafío de "5 MINUTOS MÁS" era hacer creíble una premisa tan original como la que propone la historia”.

Completan el reparto Carlos Bernardino (‘Mano de hierro’), Marc Soler (‘UPA Next’), Clàudia Melo (‘En los márgenes’), Puchi Lagarde (‘Galgos’), Tian Tosas (‘La última noche en Tremor’) y Nia Tosas (‘El mal invisible’).

“5 minutos más” llegará a los cines el 22 de enero de 2027. Filmax se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales.

DIAMOND FILMS nos informa que competirá en el Festival de Sitges con “ANIQUILACIÓN” de Adam Wingard.

El Festival de Sitges anunció el 3 de septiembre en rueda de prensa los títulos que formarán parte de la 59.ª edición del certamen.

Entre las películas seleccionadas para formar parte de la Sección Oficial Fantàstic a Competición se encuentra Aniquilación, el nuevo proyecto de Adam Wingard (Tú eres el siguiente; The Guest). La historia sigue a Celeste (Adria Arjona), una francotiradora del ejército apartada de la sociedad, se da cuenta de que debe utilizar sus habilidades como exmilitar para proteger a su hija Daisy (Blake Kennedy) de una masacre. Esta tranquila y aislada comunidad se convierte en el objetivo de unos soldados, modificados genéticamente para ser más fuertes y violentos, que no dudan atacan a sus habitantes sin piedad.

Una mezcla de adrenalina y resiliencia que confirma a Arjona como la intérprete ideal para dar vida a esta madre coraje.

Aniquilación se estrena el 30 de octubre, solo en cines.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “SALITRE” de Norma Vila, competirá en la Sección Oficial del Festival de Sitges.

El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya acogerá el estreno mundial de SALITRE. El primer largometraje de la directora bilbaína Norma Vila es un thriller psicológico que examina, desde una mirada femenina, contemporánea y desmitificadora, el síndrome del nido vacío y el miedo visceral a la pérdida.

Protagonizada por Nagore Aranburu y Haizea Carneros, SALITRE sitúa el horror en un territorio cotidiano pero inquietante: la relación entre una madre y una hija que están a punto de separarse. El miedo al abandono comienza entonces a adquirir una dimensión física y sobrenatural.

La película parte de una idea original de la guionista Candela Echenique y cuenta con Nagore Aranburu al frente del su elenco. Ganadora del Premio Feroz a la Mejor Actriz Protagonista por Querer y del Premio Goya a la Mejor Actriz de Reparto por Los Domingos (ambas de Alauda Ruiz de Azúa), Aranburu es una de las intérpretes más reconocidas del cine español. Junto a ella, la joven actriz Haizea Carneros da vida a Nerea, una adolescente que sueña con abandonar el pueblo y comenzar una nueva vida lejos de su madre. Tras formar parte del reparto de films como Ilargi guztiak (Igor Legarreta) o Sacamantecas (David P. Sañudo), Carneros se ha convertido en una destacada actriz emergente.

SINOPSIS: Cuando su hija adolescente decide marcharse a estudiar fuera, Maite siente que el mundo que ha construido se desmorona. A medida que el miedo a la pérdida crece, una presencia extraña comienza a extenderse por la casa, contaminando el espacio y el vínculo que la une a su hija.

EL DEBUT DE NORMA VILA EN EL LARGOMETRAJE

El largometraje supone el debut en la dirección de largometrajes de Norma Vila, cineasta bilbaína con una amplia trayectoria en el cortometraje y cuya obra ha pasado por festivales nacionales e internacionales. En su equipo técnico destacan: el director de fotografía Kiko de la Rica -ganador del Premio Goya por Mediterráneo-; la directora de arte Idoia Esteban -habitual colaboradora de  Nacho Vigalondo y Paco León-; la compositora Aránzazu Calleja -ganadora del Goya a la Mejor Música Original por Akelarre- y el responsable de efectos visuales Iñaki Madariaga, ganador del Premio Goya y del Premio del Cine Europeo por su trabajo en El hoyo.

Con SALITRE, Norma Vila construye un relato sobre la maternidad, la dependencia emocional y el síndrome del nido vacío. En palabras de la propia directora: La película nace de una inquietud muy concreta: la imposibilidad de aceptar que el amor también implica dejar marchar."

"El largometraje se acerca al síndrome del nido vacío desde ese lugar incómodo, lejos de la melancolía, como una experiencia límite en la que el miedo a la pérdida lo contamina todo. Quería explorar cómo ese miedo, cuando no se nombra ni se gestiona, puede deformar el vínculo hasta convertirlo en algo asfixiante, violento y siniestro".

"No busco un terror basado en el sobresalto, sino en una incomodidad que se instala y permanece. Algo más cercano al desasosiego que al impacto inmediato. Una experiencia que se construye desde el silencio, desde lo que no se ve del todo, desde lo que intuimos."

UNA PELÍCULA RODADA ÍNTEGRAMENTE EN EL PAÍS VASCO

La película es una producción de Ipuin Kontalaria AIE, Euskadi Movie, Pris & Batty Films, Bondi Stories y Festival Films y cuenta con participación de EITB y RTVE y la colaboración del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco. Festival Films la distribuirá en cines.

HAYEDA CULTURA nos informa que “JUPITER” de Alexandre Smia, se presenta en la Venice Open de la Sección Oficial de La Mostra.

JUPITER, la ópera prima del cineasta Alexandre Smia -guionista de, entre otros, 13 días, 13 noches-, tendrá su estreno mundial el 4 de septiembre en la Venice Open - Fuera de Competición de la Selección Oficial de la 83ª edición del Festival de cine de Venecia. Protagonizada por el ganador del Goya por As bestas Denis Ménochet, en el papel del Presidente de la República Francesa, le acompañan en el reparto un "gabinete de crisis" formado por André Dussollier, Reda Kateb, Dominique Blanc, Ella Rumpf, Frédéric Pierrot, Céline Sallette, Cédric Kahn y Jérémy Lopez.

En este thriller político Smia ha recreado el hermético y legendario refugio francés llamado PC Jupiter, construido bajo el Elíseo durante la Segunda Guerra Mundial y transformado en un puesto de mando blindado a finales de los 70. Recuerda el director que el auténtico búnker "es un lugar 'mitológico' donde el presidente toma las decisiones más difíciles en absoluto secreto. Por eso -detalla- Thomas Finkielkraut, mi coguionista, y yo queríamos contar esta historia de la manera más realista posible".

No solo el espacio, Smia también ha recreado la tensión: "JUPITER -asegura- no es únicamente lo que se podría describir como una 'película de catástrofes'; es también una exploración brutal de lo que significa tener en las manos, literalmente, el poder de destruir el mundo. Una autopsia del poder, una inmersión en las profundidades de una decisión que podría aniquilarlo todo".

Tras su estreno mundial en el Festival de Venecia JUPITER llegará a las salas españolas próximamente de la mano de Divisa Films y Vercine.

SINOPSIS: Recién elegido, el presidente francés Paul Archambault es convocado de urgencia al búnker antiatómico Júpiter, situado bajo el Palacio del Elíseo. Debe hacer frente a una crisis internacional desatada tras el intento de asesinato de su homólogo ruso. Tras señalar a los ucranianos por el ataque, Rusia lanza un ultimátum nuclear. La tensión aumenta y la guerra se avecina: desde el puesto de mando Paul Archambault y sus asesores se enfrentan a una decisión que pone en juego el destino de la humanidad.

VÉRTICE 360 en la 59 Edición del Festival de Sitges.

Vértice 360 nos informa que la 59 edición del Sitges Festival Internacional de Cine de Catalunya, acogerá las premieres europea y española de dos de nuestros próximos estrenos en salas: “Boúna: la leyenda del Amazonas” y “Wicker”

Tras celebrar su premiere mundial en el Fantastic Fest 2026, BOIÚNA: LA LEYENDA DEL AMAZONAS, la vertiginosa propuesta de supervivencia y terror dirigida por Mike P. Nelson (Noche de paz, noche de horror, V/H/S/85, Wrong Turn: Sendero al infierno) y producida por el responsable de la saga Resident Evil, Jeremy Bolt, celebrará su premiere europea dentro de la 59 edición del Festival de Sitges.

Esta sangrienta e implacable lucha por la supervivencia revive el mito de una colosal serpiente prehistórica que despierta en las profundidades del Amazonas para reclamar su territorio y decidir quién vive y quién muere.

Boiúna: La leyenda del Amazonas” está protagonizada por Logan Marshall-Green conocido, entre otros, por sus papeles en La Odisea (Christopher Nolan) y Prometheus (Ridley Scott), Jessica Rothe, conocida por interpretar a Tree Gelbman en el slasher Feliz día de tu muerte y su secuela y Kiana Madeira conocida por las trilogías de La calle del terror y After.

El 17 de septiembre, “Boiúna: La leyenda del Amazonas” inaugurará el Fantastic Fest. y, tan solo un mes después, el 16 de octubre, tras pasar por el Fantastic Fest y el Festival de Sitges, “Boiúna: La leyenda del Amazonas”  llegará a los cines españoles, de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel. 

SINOPSIS: En lo más profundo del Amazonas, una misión médica se convierte en una lucha por la supervivencia cuando Boiúna, una colosal depredadora ancestral, despierta para reclamar su territorio. En la selva, donde la naturaleza ejerce un poder absoluto, ella decide quién vive y quién muere.

Dos semanas después de clausurar Sitges, WICKER llegará a los cines el 30 de octubre de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.

Mitad fábula, mitad comedia fantástica y totalmente excéntrica: “Wicker” nos invita a reconsiderar e incluso a incendiar las historias que nos hemos contado a nosotros mismos sobre el matrimonio, creando un espacio para que se desarrolle el verdadero romance. WICKER será la encargada de poner este año punto final a la 59 edición del Sitges Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya.

La película dirigida y escrita por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer se basa en el cuento corto The Wicker Husband de Ursula Wills-Jones, publicado en 2008, sobre la envidia, el compromiso y las trampas de las normas sociales. La pareja debutó en 2020 en el Festival de Sundance con ¡Desconectados!, su opera prima, y habitualmente escriben y dirigen a 4 manos.

WICKER cuenta con generosas dosis de humor irónico y un reparto estelar entre los que destacan Olivia Colman (Los Rose, The Crown), Alexander Skarsgård (Pillion, Lee Miller), Peter Dinklage (Hermanos, Juego de Tronos) y Elizabeth Debicki (The Crown, Tenet).

Olivia Colman da vida a la maloliente y sarcástica pescadora que desafía todas las expectativas y desmonta con seguridad las tradiciones mientras lucha por la relación que desea y el trato que se merece por parte del enigmático y sereno hombre de mimbre (Alexander Skarsgård).

SINOPSIS: «WICKER», una audaz fábula, en clave de comedia, sobre el sexo, el matrimonio y lo absurdo de las convenciones sociales, narra la original historia de amor de una pescadora socialmente marginada (Olivia Colman) que encarga al artesano local (Peter Dinklage) que le fabrique un marido de mimbre (Alexander Skarsgård).

Cuando su marido resulta ser más espectacular de lo que jamás había podido imaginar, su espíritu conmovedor y sus habilidades excepcionales despiertan algo en su interior. Lo que comienza como un simple plan de la protagonista para molestar a sus entrometidos vecinos, acaba convirtiéndose en un auténtico romance desencadenando una oleada de celos, fascinación y agitación que amenaza el propio tejido de la vida del pueblo.

NUEVE CARTAS nos informa que “GATIBU, AGUR ESAN BARIK” tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián.

«Gatibu, agur esan barik / Gatibu, sin decir adiós», el documental dirigido por Jabi Elortegi («El vasco») sobre la despedida de la banda de rock Gatibu, tendrá su estreno mundial en la 74ª. edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La película formará parte de Zinemira, la sección dedicada específicamente al cine vasco, y competirá por el Premio Irizar al Cine Vasco.

La película acompaña a los integrantes de Gatibu durante la gira con la que pusieron fin a 25 años de trayectoria. El recorrido combina grandes conciertos —como la despedida de Gernika y las tres actuaciones consecutivas con todas las entradas agotadas en el BEC-Bizkaia Arena— con paradas de carácter íntimo y simbólico: el bar Zeppelin, escenario de sus primeros encuentros; Urepel, la localidad que dio nombre a su primera canción; o Boise.

Más allá de la crónica musical, «Gatibu, agur esan barik» mira hacia atrás para reconstruir una historia que dejó once discos, más de 800 conciertos y canciones incorporadas a la memoria colectiva de varias generaciones. El documental aborda también el paso del tiempo, los cambios personales y colectivos, la madurez y la importancia de saber despedirse.

Rodada desde la cercanía, la película combina imágenes de los conciertos, material de archivo, momentos de backstage y entrevistas personales con los miembros del grupo y las personas de su entorno. La puesta en escena equilibra la dimensión épica de los grandes escenarios con la intimidad del viaje y de los silencios que acompañan al último adiós.

Dirigida y escrita por Jabi Elortegi, la película cuenta con Itziar Zeberio («El vasco», «Desaparecido», «Go!azen») y el propio Jabi Elortegi al frente de la producción ejecutiva. La dirección de fotografía corre a cargo de Lander Andonegi («Popel / Cenizas»), mientras que Hannot Mintegia («Popel / Cenizas», «Markak») firma tanto el montaje como la música original. Asier Renteria («Andy», «Cuatro paredes») es el responsable del diseño de sonido.

«Gatibu, agur esan barik» es una producción de Pausoka Entertainment. La película se estrenará próximamente en cines con distribución de Atera Films.

El director, Jabi Elortegi, explica que «no queríamos hacer un funeral, sino una celebración. Gatibu forma parte de los recuerdos sentimentales de mucha gente: sus canciones han estado presentes en celebraciones, viajes, rupturas y reconciliaciones. Hemos querido contar esta historia con emoción, cercanía y respeto; que quien vea la película sienta que está bailando bajo la lluvia».

SINOPSIS: Tras 25 años de trayectoria, el grupo de rock Gatibu se despide de los escenarios convertido en la banda sonora de toda una generación. El documental acompaña a sus integrantes durante esta última gira, captando momentos clave y pasajes íntimos cargados de emoción. Más allá de la crónica de una gira, la película reflexiona sobre el paso del tiempo, la transformación personal y colectiva, la madurez y la importancia de saber decir adiós.

NUEVE CARTAS nos informa que Tsai Ming-Liang expondrá “WALKER” en Tabakalera durante el Festival de San Sebastián.

El cineasta taiwanés Tsai Ming-Liang expondrá su  instalación “Walker” del 18 de septiembre al 6 de diciembre en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera de San Sebastián. La obra, concebida específicamente para este espacio, se podrá visitar en la Sala de Exposiciones 3 en horario de 11:00 a 13:00 y de 16:00 a 20:00 de martes a domingo. El cineasta estará disponible para entrevistas presenciales del 11 al 21 de septiembre en la capital guipuzcoana. 

Previo a su presentación en España en la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (Zabaltegi-Tabakalera), la undécima película de la serie «El caminante», tendrá su première mundial en la 83ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia dentro de la sección «Venice Open». El film se podrá ver en el certamen italiano el 8 de septiembre a las 16:30 en la Sala Giardino y el 9 de septiembre a las 9:00 en la Sala Astra 1. «La deriva» tendrá tendrá su estreno en cines de España el 9 de octubre.

La obra «Walker» está compuesta por tres piezas audiovisuales «No Form» (2012), «Walker» (2012) y «Journey to the West» (2014) donde invita a recorrer las calles de Hong Kong, Taipéi y Marsella desde una mirada contenida. Al hacer de la lentitud una virtud, el cineasta revela una manera distinta de afrontar la vida y de observar el entorno. La instalación se enmarca en la línea expositiva de Tabakalera dedicada a explorar la intersección entre el arte contemporáneo y el cine.

Desde 2012, la serie «El caminante» ha crecido hasta sumar once obras centradas en la relación entre cuerpo, espacio y duración. «La deriva», rodada durante el verano de 2025 en Gipuzkoa en espacios tan icónicos como el Peine del Viento, la Concha o Chillida Leku, retrata al monje interpretado por Lee Kang-Sheng caminando una vez más, esta vez en España. El recorrido del monje permite registrar los usos cotidianos del territorio, así como sus formas de habitar y mirar. El resultado es una meditación caminante, una reflexión en el cuerpo de la audiencia.

La serie completa de películas de “El caminante” se encuentra disponible en la plataforma Filmin.

YouPlanet sigue sumando títulos a Sitges: Father Joe, con Kiefer Sutherland y Al Pacino, y Sacrifice, de Romain Gavras, se añaden a la programación del festival

YouPlanet continúa reforzando su presencia en el Festival de Sitges con la incorporación de tres nuevos títulos a su selección para esta edición. A las ya anunciadas “Leviticus”, que competirá en Sección Oficial, The Carpenter`s Son, protagonizada por Nicolas Cage e incluida en Sitges Collection, y “Kill Me” que formará parte de la sección Òrbita, se suman ahora “Father Joe”, “Sacrifice” y “The Cycle”, consolidando una destacada presencia de la distribuidora en uno de los festivales de género más importantes del mundo.

Entre las nuevas incorporaciones destaca FATHER JOE, dirigida por Barthélémy Grossmann y protagonizada por dos nombres míticos del cine internacional: Kiefer Sutherland y Al Pacino. La película, que tiene su première mundial en Venecia, se presentará en la sección Òrbita de Sitges. Una combinación de thriller, crimen y acción a través de la historia de un sacerdote ex militar que, tras perder a toda su familia, emprende una cruzada secreta contra el crimen que domina su barrio. Su misión se verá alterada con la llegada de un poderoso capo interpretado por Al Pacino.

También llega a Sitges Collection SACRIFICE, el nuevo largometraje del cineasta francés Romain Gavras, conocido por títulos como Atenea y El mundo es tuyo. La película, una codistribución con Caramel Films, cuenta con un elenco internacional de primer nivel encabezado por Chris Evans, Anya Taylor-Joy, Salma Hayek, Vincent Cassel y John Malkovich, en una ambiciosa propuesta que combina acción, thriller y sátira social.

Completa las nuevas incorporaciones THE CYCLE, dirigida por Jordan Downey. La película, un thriller de terror, se incorpora también a Sitges Collection.

Esta presencia refuerza la apuesta de YouPlanet Distribution por el cine de género, el talento internacional y las propuestas capaces de conectar con el público de Sitges, consolidando una línea que combina títulos de cine de autor y nuevas voces con producciones de gran alcance y repartos internacionales.

KARMA FILMS nos informa que “EL MAL HIJO” de Jaime Lorente, inaugurará la Sección New Directors del Festial de San Sebastián el viernes 18 de septiembre.

“EL MAL HIJO”, ópera prima del director Jaime Lorente, inaugurará la sección New Directors de la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La premiere mundial tendrá lugar el viernes 18 de septiembre, día en el que arranca el prestigioso certamen. Después, el filme llegará a los cines el 16 de octubre de la mano de Karma Films y AF Pictures.

Jaime Lorente da el salto a la dirección con una historia inspirada en la novela homónima de Salvador S. Molina, que también firma el guion. La historia narra el viaje emocional de Rubén, un niño de once años que, tras la misteriosa desaparición de su padre, debe convivir con una abuela a la que apenas conoce junto a la que irá descubriendo una historia familiar marcada por el silencio, la culpa y las heridas que se transmiten de generación en generación.

“El mal hijo” está protagonizada por Susi Sánchez, ganadora de dos premios Goya a Mejor Actriz Protagonista por "La enfermedad del domingo" y a Mejor Actriz de Reparto por "Cinco lobitos", trabajo por el que también recibió el Premio Feroz, el Premio Platino y la Biznaga de Plata del Festival de Málaga, Miguel Ángel Puro ("Los años nuevos", "A diente de perro"), Hugo Arbués ("The Walking Dead: Daryl Dixon", "Las largas sombras"), Óscar de la Fuente, ganador del Premio Feroz a Mejor Actor de Reparto por su interpretación en "La casa", y Abel de la Fuente, en el papel de Rubén, el niño protagonista.

En el equipo técnico destacan los nombres de Elías M. Félix  en la dirección de fotografía; Fernando González en la dirección de arte; Marta Goenaga como jefa de vestuario; Ernesto Jiménez y Paco López como jefes de maquillaje y peluquería respectivamente y Antuan Mejías como jefe de sonido. La canción original, “Déjame que te sienta”, ha sido compuesta por Niño de Elche para la película.

 “El mal hijo” es una producción de El mal hijo la película en asociación con EMEDIA Canary Projects con la participación de AF Canary Islands Studios, Match Point y CREA SGR y con el apoyo de Canary Islands Film.

La película llegará a los cines el 16 de octubre codistribuida por Karma Films y AF Pictures. Las ventas internacionales estarán a cargo de Film Factory.

SINOPSIS: Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá de la mano de su abuela cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación y luchará a medida que crece por intentar sanarlas.