EL BCN FILM FEST 2026 ANUNCIA SU PROGRAMACIÓN AL COMPLETO

WILLEM DAFOE, FATIH AKIN, DAMIANO MICHIELETTO, JOSE LUÍS GARCI, HAIFA AL-MANSOUR, RÉMI BEZANÇON, HOMBRES G, JEAN-PAUL SALOMÉ, LOLITA FLORES,EMMA SUÁREZ, OUSMAN UMAR, MARINA SALAS, CARLOS CUEVAS, BRUNA CUSÍ, MARÍA VALVERDE i ÀLEX BRENDEMÜHL, ENTRE LOS INVITADOS DEL BCN FILM FEST

El Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST) anuncia la programación completa de su décima edición, que se celebrará del 16 al 24 de abril en los Cines Verdi como sede principal, coincidiendo con el centenario de estas emblemáticas salas. El certamen contará con 90 títulos, entre ellos 19 premières mundiales, 1 internacional, 1 europea, 21 españolas y 19 catalanas, y una destacada presencia de figuras internacionales y nacionales, consolidando su papel como una de las grandes citas cinematográficas del calendario europeo.

En esta edición tan especial, el BCN FILM FEST refuerza su identidad como festival vinculado a la literatura y la historia, con una programación que combina grandes nombres del cine contemporáneo, nuevas voces y una cuidada selección de obras que dialogan con el pasado y el presente del séptimo arte.

Películas de inauguración y clausura

El festival abrirá con “Viatge al país dels blancs”, una historia basada en la vida de Ousman Umar que narra el viaje de un joven ghanés que, impulsado por el sueño del “país de los blancos”, llega a Barcelona tras una dura travesía para descubrir una realidad muy distinta a la imaginada, transformada gracias al encuentro con una familia que le brinda apoyo y nuevas oportunidades. La clausura llegará con “Asesinato en la 3ª planta”, un homenaje al cine negro dirigido por Rémi Bezançon y protagonizado por Gilles Lellouche, Laetitia Casta y Guillaume Gallienne, un cierre marcado por la intriga y el entretenimiento.

José Luis Garci, Premio de Honor del BCN FILM FEST 2026 

José Luis Garci (Madrid, 1944) es uno de los grandes referentes del cine español, primer ganador del Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa por “Volver a empezar” y autor de obras clave como “El crack”, película que cumple 45 años y se presentará en el festival con copia restaurada, o “El abuelo”. Con un estilo clásico y melancólico influido por el Hollywood de John Ford y Billy Wilder, el ganador del Goya a Mejor Dirección por “Asignatura Aprobada” inició su carrera como guionista (coautor de “La cabina”) y destacó también como divulgador en ¡Qué grande es el cine!, acumulando premios como el Nacional de Cinematografía y la Medalla al Mérito en las Bellas Artes que reconocen su carrera que reúne méritos artísticos, históricos y pedagógicos. 

Novedades en Sección Oficial

La Sección Oficial refuerza con nuevas incorporaciones que destacan por su diversidad temática y mirada autoral, desde el drama social de “Hermanos”, de Carol Rodríguez Colás y Marina Rodríguez Colás, que retrata tensiones de clase y amistad en la periferia de Barcelona, hasta el thriller basado en hechos reales “La copia perfecta”, de Jean-Paul Salomé, ambientado en el París de posguerra y centrado en un sofisticado falsificador perseguido por la ley. Completan la selección títulos como “Las chicas de Praga”, los abusos de poder en un competitivo corazón femenino en un potente drama psicológico, inspirado en un caso real; el viaje emocional y revelador de “Todo lo que no vemos”, de Alberto Arvelo, con María Valverde y Bruna Cusí, y la comedia romántica con tintes fantásticos “You found me”, de Alice Vial, que aporta originalidad a una programación marcada por la riqueza de miradas y géneros.

Sección Oficial (Fuera de Competición)

La Sección Oficial (Fuera de Competición) amplía su alcance con propuestas como “Los mejores años de nuestra vida”, première mundial de Charlie Arnaiz y Alberto Ortega, un retrato generacional de Hombres G que recorre la trayectoria de uno de los grupos más populares del pop español a través de imágenes inéditas y acceso total a la banda. También destacan el drama íntimo sobre salud mental de “Corredora”, de Laura García Alonso, el thriller criminal “Mallorca confidencial”, de David Ilundain, con Lolita Flores al frente, la ambiciosa recreación histórica “Palestine 36”, de Annemarie Jacir, que aborda la resistencia palestina, y el suspense psicológico de “Un hijo”, de Nacho de la Casa, configurando un conjunto de títulos que refuerzan la solidez y pluralidad de la programación.

Cinema amb Gràcia

La sección Cinema amb Gràcia refuerza su carácter más desenfadado con una selección de comedias que combinan sátira, romanticismo y mirada social, como “Cada día nace un listo”, de Arantxa Echevarría, que mezcla humor y picaresca en torno a un robo imposible; “Casi todo bien”, retrato irónico del mundo literario y la noche madrileña; “Cowgirl”, de Cristina Fernández Pintado y Mireia Comas Llorens, que apuesta por el humor rural; o la comedia romántica “El placer es mío” de Reem Kherici, que aborda con frescura la intimidad de pareja. Completa la propuesta “Morir no siempre sale bien”, de Claudia Pinto, una comedia negra que ofrece un agudo retrato social, consolidando una sección que apuesta por el humor como vehículo de crítica y entretenimiento.

Nuevos títulos en Zona Oberta

La sección Zona Oberta apuesta por nuevas narrativas y miradas contemporáneas con títulos como “Homenatge a Catalunya”, que recupera imágenes de archivo para revisitar la Guerra Civil Española desde la obra de George Orwell; “Lia”, serie de 3CAT, que explora la inteligencia artificial, la identidad y la vulnerabilidad con Emma Vilarasau; y “Wasteman”, un intenso thriller carcelario premiado en los British Independent Film Awards, destacando por su fuerza interpretativa y su enfoque innovador, consolidando una sección abierta al riesgo y la experimentación.

Art al Cinema

El arte tendrá su espacio con documentales que exploran la vida y obra de grandes figuras de la historia del arte, como “Caravaggio”, retrato sobre la personalidad de Caravaggio en un documental sobre uno de los pintores más brillantes y complejos de la historia del arte, y “Los otros renacentistas”, documental para gozar de una cara poco conocida del Renacimiento a través de dos exposiciones y la conexión histórica entre España e Italia.

Secciones Anime Day y Cinema al Plat 

EL BCN FILM FEST contará de nuevo con la sección ANIME DAY, con el objetivo de presentar contenidos de anime japonés (estrenos, clásicos, documentales…) en la gran pantalla. Cinco serán las producciones que se presenten, la mayoría provenientes de mangas de éxito como “Valentina de Montblanc”, de la mano de 3CAT y Super3 que nos presentarán la primera serie de estética anime en catalán creada en Catalunya y basada en los cómics de Míriam Bonastre Tur, “A New Dawn”, “Assassination Classroom The Movie: Our time”, “Chainsaw Man-La Película: El arco de Reze” y “El viaje de Chihiro”.

También contará en esta edición con la Sección Cinema al Plat donde se proyectarán “Morte Cucina”,sorprendente venganza de una mujer a través de la cocina tailandesa, “Uno de los nuestros: Legado Joan Roca”, retrato único de uno de los mejores cocineras del mundo y el drama histórico “Vatel”.

Nous talents

El BCN FILM FEST continúa apostando y haciendo crecer la sección Nous Talents, la sección competitiva para estudiantes de cine, con una muestra de 20 cortometrajes seleccionados por ESCAC, Blanquerna -  Universitat Ramon Llull, La Casa del Cine, FX Barcelona Film School, Universitat de Vic-Universitat Central de Cataluña, Bande à Part Escuela de Cine Barcelona y Barcelona Cinema School & Actors Studio. Consultar el listado de los títulos de los cortos en la página web del festival.

Premio Screen International Award for Catalan Producer of the Year

El Screen International Award for Catalan Producer of the Year, galardón otorgado por la prestigiosa revista de cine internacional Screen International, este año reconocerá la trayectoria de Montse Triola, cuyo trabajo se caracteriza por una firme apuesta por la independencia creativa y su contribución a la proyección internacional del cine catalán. A lo largo de su trayectoria, ha apostado por propuestas arriesgadas y de gran valor artístico, logrando reconocimiento internacional. Entre sus principales logros se encuentran la producción de “Honor de cavalleria”, “Història de la meva mort”, “Liberté”, "Pacifiction" y "Tardes de soledad".

Jurado Oficial

El Jurado Oficial de esta próxima edición estará formado por: el director y guionista Joaquim Oristrell (que ejercerá de presidente del Jurado), la actriz Àngels Gonyalons y el actor Miki Esparbé.

Entradas a la venta el 1 de abril

Las entradas para el BCN FILM FEST continuarán a un precio asequible a partir de 5,90 €. El 30 de marzo se podrán consultar los horarios de las sesiones y las entradas se pondrán a la venta el 1 de abril.

A continuación, la programación completa del BCN FILM FEST 2026:

PELÍCULA DE INAUGURACIÓN

VIATGE AL PAÍS DELS BLANCS de Dani Sancho / Con: Ousman Umar, Emma Vilarasau. Jordi Bosch - España / Première catalana

PELÍCULA DE CLAUSURA

ASESINATO EN LA 3ª PLANTA de  Rémi Bezançon / Con: Gilles Lellouche, Laetitia Casta, Guillaume Gallienne - Francia / Premiére española.

SECCIÓN OFICIAL

HERMANOS de Carol Rodríguez Colás y Marina Rodríguez Colás / Con: Badr Oubahassou, Omar Mills, Pau Márquez – España/ Première mundial.

LA COPIA PERFECTA de Jean-Paul Salomé / Con: Reda Kateb, Sara Giraudeau  - Francia / Première española

LA ISLA DE AMRUM de Fatih Akin / Con: Jasper Billerbeck, Laura Tonke, Diane Kruger – Alemania/ Première española.

LAS CHICAS DE PRAGA de Ondrej Provaznik /  Con: Petra Bílková, Marek Cisovský / República Checa, Eslovaquia / Première española

PÁLIDA LUZ EN LAS COLINAS de Kei Ishikawa / Con: Suzu Hirose, Fumi Nikaidō, Yoh Yoshida Japón, Reino Unido, Polonia / Première española.

 POR QUÉ NO ESCRIBO NADA de Isabel Fernández / Con: Mónica López (voz) – España/ Première mundial

PRIMAVERA de Damiano Michieletto/ Con: Tecla Insolia, Michele Riondino - Italia / Première española

ROSEMEAD de Eric Lin / Con: Lucy Liu, Lawrence Shou – Estados Unidos, Taiwán / Première española

SOLOMAMMA de Janicke Askevold / Con: Trude-Sofie Olavsrud Anthonsen, Céline Engebrigtsen, Stine Fevik - Noruego, Letonia / Première española

THE CHORAL de Nicholas Hytner / Con: Ralph Fiennes, Roger Allam, Mark Addy - Reino Unido, Estados Unidos / Première española

TODO LO QUE NO VEMOS de Alberto Arvelo / Con: María Valverde, Bruna Cusi - España / Première europea

UNIDENTIFIED - de Haifaa Al-Mansour / Con: Abdullah Al-Qahtani, Mila Al Zahrani - Arabia Saudí / Première española

YOU FOUND ME de Alice Vial / Con: Jonathan Cohen, Magalie Lépine-Blondeau - Francia / Première española

SECCIÓN OFICIAL (FUERA DE COMPETICIÓN)

CORREDORA de Laura García Alonso / Con: Alba Sáez, Marina Salas, Àlex Brendemühl - España / Première catalana

DUSE de Pietro Marcello / Con: Valeria Bruni Tedeschi, Noémie Merlant
Italia, Francia / Première catalana

EL ANFITRIÓN de Miguel Ángel Jiménez / Con: Willem Dafoe, Joe Cole, Emma Suárez, Carlos Cuevas - Grecia, España, Paises Bajos y Reino Unido / Premiére española

LOS MEJORES AÑOS DE NUESTRA VIDA de Charlie Arnaiz, Alberto Ortega / Con: aniel Mezquita, David Summers, Javier Molina, Rafael Gutiérrez - España / Premiere mundial

LOVE ME TENDER de Anna Cazenave Cambet / Con: Vicky Krieps, Monia Chokri - Francia, Luxemburgo / Première catalana

MAGALLANES de: Lav Diaz / Con: Gael García Bernal, Ângela Azevedo - Filipinas, España, Portugal, Francia / Première catalana

MALLORCA CONFIDENCIAL de David Ilundain / Con: Lolita Flores, Asia Ortega, Jordi Sánchez - España / Premiére catalana

PALESTINE 36 de Annemarie Jacir / Con: Hiam Abbass, Kamel El Basha - Palestina, UK, Francia, Dinamarca, Noruega, Qatar, Arabia Saudí, Jordania / Première catalana

UN HIJO de Nacho La Casa / Con: Macarena Garcia, Hugo Silva
España / Premiére catalana

CINEMA AMB GRÀCIA

CADA DÍA NACE UN LISTO de Arantxa Echevarria / Con: Hugo Silva, Susi Sánchez, Dafne Fernández, Belén Rueda - España / Première catalana

CASI TODO BIEN de Andrés Salmoyraghi, Rafael López Saubidet/ Con: Marcel Borràs, Silma López, Lorenzo Ferro, Julián Villagrán -
España / Première catalana

COWGIRL de Cristina Fernández Pintado, Miguel Llorens / Con: Isabel Rocatti, Pep Munné, Carlos Cuevas - España / Première mundial

EL PLACER ES MÍO de Reem Kherici / Con: François Cluzet, Alexandra Lamy - Francia / Première española

MORIR NO SIEMPRE SALE BIEN de Claudia Pinto / Con: Tamara Casellas, Ana Wagener - España / Première mundial

UN TAXI EN TOKIO de Yôji Yamada / Con: Chieko Baishô, Takuya Kimura - Japón / Première española

 ZONA OBERTA

GOOD BOY de Jan Komasa / Con: Stephen Graham, Anson Boon, Andrea Riseborough - Polonia, Reino Unido / Première catalana

HOMENATGE A CATALUNYA de Frédéric Goldbronn / Con: Bruno Podalydés (voz en off) - Francia / Première española

LIA de Patricia Font , Ana Millan / Con: Cristina Colom, Clara Sans 
España / Première mundial

THE OZU DIARIES de Daniel Raim / Con: Yasujirô Ozu, Wim Wenders - Estados Unidos / Première española

WASTEMAN de Calum MacDiarmid / Con: David Jonsson, Tom Blyth
Reino Unido / Première española

ART AL CINEMA

CARAVAGGIO de Phil Grabsky, David Bickerstaff - Reino Unido / Première española

LOS OTROS RENACENTISTAS de Valeria Parisi / Italia, España / Première española

IMPRESCINDIBLES: CIEN AÑOS DE CINE, EN LOS VERDI

LOS NÁUFRAGOS DEL DESTINO (1921) de Chalux 

LOS NIBELUNGOS (1924) de Fritz Lang

ENCADENADOS (1946) de Alfred Hitchcock

EL SALARIO DEL MIEDO (1953)  de Henri-Georges Clouzot

ASCENSOR PARA EL CADALSO (1958) de Louis Malle

REPULSIÓN (1965) de Roman Polanski

GRITOS Y SUSURROS (1972) de Ingmar Bergman

FASCINACIÓN (1976) de Brian De Palma

EL CRACK (1981) de José Luis Garci

CINEMA PARADISO (1988) de Giuseppe Tornatore

EYES WIDE SHUT (1999) de Stanley Kubrick

LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA (2000) de Agnès Varda

AGUA (2005) de Deepa Mehta

LA CINTA BLANCA (2009) de Michael Haneke

ESTIU 1993 (2017) de Carla Simón

ROMA (2018) de Alfonso Cuarón

LA VIDA ÉS VERDI de Berta Garcia Lacht

ASIAN WOMAN BY CINEASIA

PECHOS ETERNOS de Kinuyo Tanaka - Japó / 1955

AGUAS TRANQUILAS de Naomi Kawase - Japón, Francia, España / 2014

LIPSTICK UNDER MY BURKHA de Alankrita Shrivastava/ India/ 2016

THE FAREWELL de Lulu Wang / China, Estados Unidos / 2019

MI POSTRE FAVORITO de Maryam Moghadam, Behtash Sanaeeha/ Irán, Francia, Alemania, Suecia / 2024

LOVE IN THE BIG CITY de Lee Eon-hee / Corea del Sur / 2024

ANIME DAY

A NEW DAWN de Shinomiya Yoshitoshi / Japón, Francia

ASSASSINATION CLASSROOM THE MOVIE: OUR TIME de Masaki Kitamura  / Japón

CHAINSAW MAN LA PELÍCULA: EL ARCO DE REZE de Tatsuya Yoshihara / Japón

EL VIAJE DE CHIHIRO de Hayao Miyazaki / Japón

VALENTINA DE MONTBLANC (Serie de 3 episodios) de Àlex Roca/ España

CINEMA AL PLAT

MORTE CUCINA de Pen-Ek Ratanaruang / Con Bella Boonsang, Kris Srepoomseth - Tailandia / Première catalana / 2025

UNO DE LOS NUESTROS: LEGADO JOAN ROCA de Jorge Fernández Mayoral, Virginia Jönas Urigüen - España / Première catalana / 2025

VATEL de Roland Joffé / Con Gerard Depardieu, Uma Thurman, Tim Roth - Francia, Reino Unido, Bélgica / 2000

Nueva Sección Made in Barcelona

La décima edición del BCN Film Fest refuerza su vínculo con Barcelona apostando por el cine como experiencia cultural compartida e incorporando la nueva sección Made in Barcelona, donde se proyectará “A tiro limpio” (1963) de Francisco Pérez-Dolz,  un retrato del hampa en la Barcelona de los años sesenta que sigue a un grupo de delincuentes decididos a dar un último gran golpe.  

El BCN FILM FEST celebrará su décima edición del 16 al 24 de abril de 2026, consolidando una década de compromiso con el cine, la cultura y la ciudad de Barcelona.

ATRAPANDO A UN MONSTRUO: CRÍTICA DE CINE

Atrapando a un monstruo está escrita y dirigida por Bryan Fuller. “Cuando la pelusa del olvido se convierte en sicario”

Aurora (Sophie Sloan) tiene 8 años y vive en la ciudad de Nueva York junto a sus padres. Una noche, mientras desde la escalera de incendios que da a su habitación ve a una luciérnaga que llama su atención hacia un hombre que camina por la calle, decide seguirlo hasta Chinatown. Allí presencia cómo el enigmático extraño, bajo la luz de los fuegos artificiales que estallan en la negra noche, elimina a los miembros de una banda armada que se ocultan bajo una gran marioneta de dragón. De regreso a casa, descubre que es el vecino del 5B (Mads Mikkelsen).

Aurora advierte a sus padres que no pisen el suelo de su habitación, ya que de lo contrario aparecerá un monstruo que vive debajo de su cama. Intentan tranquilizarla y no le hacen caso. Ella se oculta bajo su manta y escucha cómo sus padres son atacados. Se despierta sola, encontrando la habitación de sus padres destrozada. Acude a una iglesia y se lleva una de las cestas del dinero recaudado con el fin de contratar a su vecino, para que mate al monstruo. Él cree que los padres de Aurora han podido ser asesinados, por error, por sicarios que iban en su busca, decide protegerla y acude a Laverne (Sigourney Weaver), un personaje malévolo, a quien, tras contarle la historia de Aurora, pide ayuda. La relación entre Aurora y el vecino del 5B torna a un fuerte vínculo de confianza y misterio por todo cuanto rodea al sicario. Realidad y ficción se fusionarán en esta singular fábula.

Uno de los grandes miedos de la infancia es, sin duda, el monstruo que habita bajo la cama. Dust  Bunny, título original, me trajo recuerdos de esa niñez en la que nunca me atreví a mirar debajo, por si acaso, pese a estar seguro de que solo encontraría alguna pelusa despistada. Es precisamente a esa pelusa a la que la cámara sigue a ras de suelo por la habitación de Aurora, mientras se une a otras hasta llegar a ese rincón donde juntas dan forma a un tierno conejito. Sin embargo, este se irá transformando en un monstruo como metáfora de la violencia real que ronda los pasillos del quinto piso del edificio o, quizás, como protector de quien nunca ha estado protegido. Nadie dijo que en los cuentos modernos tendría que haber hadas, pero sí villanas y villanos: el verdadero mal de nuestra sociedad.

Fuller debuta en la dirección con este extraño cuento moderno, un filme que navega entre lo desconcertante y lo humano. En esta ocasión se apoya más en la estética visual que en los diálogos y, para lograrlo, trabaja mano a mano con Nicole Hirsch Whitaker, quien da rienda suelta a una fotografía recargada y a un terror terrenal que abraza la fantasía. La puesta en escena no deja espacio al vacío; satura cada ambiente de Nueva York con texturas y una paleta de color tan intensa que traspasa las fibras de lo irreal. Incluso el firmamento, con los fuegos de artificio, se suma a un relato que nos sumerge en el verdadero terror: el de la realidad más oscura que se oculta tras las sombras y que, sin duda, supera a la ficción.

Esta estética se vuelve especialmente asfixiante durante la irrupción en la casa, una secuencia cuyo fin es acabar con sus vidas. Bajo la mirada de Whitaker, los claroscuros crean volúmenes en una realidad desestructurada donde los sicarios, entre los que se incluyen presencias femeninas, refuerzan la falta de piedad del grupo. Por todo lo dicho, estamos ante una fotografía que se detiene en  detalles minúsculos con los que Fuller explota su propio lenguaje, contrastando la vulnerabilidad de Aurora con la frialdad de sus perseguidores. ¿Puede haber algo más terrorífico? Aquí los monstruos y el peligro tienen rostros humanos y mentes retorcidas.

Acompañando a este brillante y original despliegue visual, que no nos abandona hasta el fundido a negro final, me queda por mencionar la partitura de Isabella Summers, quien viste al relato con una atmósfera de ensueño roto. Sus notas no solo subrayan el suspense, sino que dotan a la relación entre la niña y el sicario de una sensibilidad fraternal que danza al son de la muerte.

En cuanto al elenco, destaca la magnífica química entre Sophie Sloan y Mads Mikkelsen desde el instante en que se encuentran. Resulta fascinante ver cómo la contención gestual de Mikkelsen choca y, a la vez, encaja con la expresividad innata de la joven Sloan, creando un equilibrio perfecto entre la experiencia de la veteranía y la vulnerabilidad de la juventud. Por su parte, los secundarios, entre los que figuran nombres de la talla de Sigourney Weaver, Sheila Atim, David Dastmalchian o Rebecca Henderson, cumplen con creces su cometido, aportando solidez al conjunto.

En definitiva, “Atrapando a un monstruo” es una fábula visualmente arrolladora que utiliza el terror fantástico para hablarnos de una oscuridad mucho más cercana. Bryan Fuller, en su debut, logra que esa pelusa inofensiva de nuestra infancia cobre vida como el reflejo de una violencia real que no entiende de magia ni de hadas. Estamos ante un filme perturbador y profundamente humano que nos recuerda que, aunque cerremos los ojos con fuerza y nos neguemos a mirar bajo la cama, los verdaderos monstruos caminan a nuestro lado a plena luz del día, con rostros demasiado familiares.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de abril.

REPARTO: Mads Mikkelsen, Sophie Sloan, Sigourney Weaver, David Dastmalchian, Rebecca Henderson, Sheila Atim, Wael Alroyly, Sute Zhao, Line Kruse, Armond Willis, Rea Milla, Caspar Phillipson, Tao Jia, Tibor Szauervein, Hisham Omer Abdelrahman Aburas, Ákos Inotay, Roland Szóka, Nóra Trokán, Ferenc Kovács, Tsogtsaikan Narantsogt, Ákos Szalai, Bence Ferenczi y Altamiro Junior Bubilee.

PRODUCTORA: Entertainment One / Thunder Road Pictures / Hero Squared / Dust Bunny Productions / Living Dead Gy Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:

El productor y guionista de televisión y director de cine, Bryan Fuller, se graduó en el Clarkston High School, se matriculó en el Lewis-Clark State College de Lewiston, saltando a la USC School of Cinematic Arts, pero tampoco en esta finalizó. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con el guion para series como “Star Trek: Espacio profundo nueve” (1997), “Star Trek: Voyager” (1997/01), “Tan muerto como yo” (2003/04), “Wonderfalls” (2004), “Criando malvas” (2007/09),  “Héroes (2006/09), “Hannibal” (2013/15), “Star Trek: Viajes cortos” (2018/19), “Dioses americanos” (2017/21), “Star Trek: Discovery” (2017/24). Para los telefilmes: “Carrie” 2002, “The Amazing Screw-On Head” (2005), “Calle del Mockingbird” (2012), “Luna alta” 2014 y el video  “Tan muertos como yo- La película” 2009. En la dirección debutó junto a Tom Maroney y Sam Wineman con el documental “Queer for Fear: The History of Queer Horror” (2022) y ya en solitario, con “Atrapando a un monstruo” (2025)

BUENA SUERTE, PÁSALO BIEN, NO MUERAS

Buena suerte, pásalo bien, no mueras, está dirigida por Gore Verbinski con guion de Matthew Robinson.

Un hombre del futuro (Sam Rockwell) irrumpe en un bar de Los Ángeles gritando que viene del futuro y que tiene la misión de reclutar a un grupo de personas para salvar el mundo de la IA. Explica a todos los presentes el daño que han provocado las nuevas tecnologías y, sobre todo, los móviles, que han convertido a los más jóvenes en zombis adictos al contenido que les ofrecen. Les informa que no es ninguna broma, que esta es la 117ª vez que regresa y que, en todas las anteriores fracasó;  tiene el pálpito de que esta vez lo logrará. La gente no le cree hasta que les va hablando a algunos de ellos de lo que conoce de sus vidas, y les dice que, aunque no lo sepan, están viviendo un día de la marmota. Se unirán a él: Ingrid (Haley Lu Richardson), Mark (Michael Peña), Janet (Zazie Beetz), Susan (Juno Temple) y Scott (Asim Chaudhry). Juntos iniciarán una aventura con el fin de salvar al mundo de una IA rebelde.

El verdadero corazón de la película, más allá de su premisa de ciencia ficción, de la crítica feroz a la IA y a todo lo que conllevan las redes sociales, en particular hacia los más jóvenes que están enganchados a ellas mañana y noche; reside en la química de un reparto coral excepcional y heterogéneo. La elección de Sam Rockwell como el catalizador del caos mostrando ese “aire conspiranoico” es un acierto absoluto; esa capacidad que tiene para dotar a sus personajes de genialidad y delirio extremo es perfecta para este estrambótico ser venido de otra época y al que nadie toma en serio hasta que él se pone muy serio (ya veréis cómo). Michael Peña encarna a Mark, un profesor novato que llega a un instituto donde todos los jóvenes usan sus móviles en clase sin hacerle el menor caso, él es el causante del caos que se forma al tocar la pantalla del móvil de un alumno. Por otro lado, Zazie Beetz, a la que recientemente hemos visto en otra locura maravillosa, “Te van a matar”, donde ya demostró que se mueve como pez en el agua en situaciones límite, ve cómo de nuevo aquí su vida corre peligro, recordándonos que en el mundo digital la desconexión puede ser una cuestión de supervivencia.

Estoy convencido de que Gore Verbinski sorprenderá de nuevo al público con este filme atmosférico, irónico, sucio y trepidante; y curiosamente lo hace en unos tiempos donde el cine actual abusa del CGI y de las estéticas digitales planas. Verbinski toma una decisión, a mi modo de ver, arriesgada y brillante: retrata la amenaza de la IA no como algo etéreo o invisible, sino como una forma visceral y opresiva. Su cámara se aleja de la pulcritud tecnológica y, apoyándose en la fotografía de  Jim Whitaker, nos ofrece una ciudad de Los Ángeles que se siente sucia, real y tangible, contrastando con la frialdad de los dispositivos móviles. Gracias al diseño de producción de David Brisbin, Verbinski convierte el bar donde comienza la trama en un búnker emocional, donde quienes se sientan en las mesas disfrutando de la comida nos van mostrando reacciones de lo más versátiles: desde la pasividad, pasando por el miedo, las dudas e incluso la intriga; todo envuelto en unos planos bien seleccionados y un juego de luces que actúan como partes cruciales en el papel narrativo. Un espacio analógico en el que la irrupción de la IA se siente como una amenaza directa a la privacidad del ser.

El ritmo que confiere al filme es vertiginoso pero muy consciente; para ello se apoya en un meticuloso montaje de Craig Wood que, a través de los flashbacks, nos va presentando imágenes esclarecedoras para ir conociendo partes importantes de la historia y sus personajes, a la vez que emula esa sensación de asfixia digital: Los cortes rápidos y los encuadres cerrados sobre las pantallas de los alumnos en el instituto de Mark, o más abiertos invadiendo casas, puentes u otros espacios, que generan una ansiedad que traspasa la cuarta pared. Verbinski no solo quiere que veamos una película sobre el fin del mundo; quiere que sintamos el agotamiento mental que produce el estar permanentemente conectados pero, a la vez, este thriller angustioso se abraza a la comedia delirante cuestionando lo más terrorífico: ¿Quién tiene el control, el usuario o el algoritmo?. Cabe tener muy en cuenta también la banda sonora de Geoff Zanelli, que eleva la tensión a medida que el filme avanza.

Para terminar, además de recomendarla a los amantes del thriller de acción, terror y suspense, cabe destacar el fantástico guion de Matthew Robinson. Robinson es capaz de equilibrar sátira inteligente con la tensión narrativa, evitando quedarse en la superficie de la crítica tecnológica para profundizar en el lado humano y, por supuesto, en una acción que no da tregua a lo largo de sus 134 minutos de metraje. Finalizo con una reflexión tras visionar y disfrutar de todo este espectáculo: lo incómodo que resulta mirarse al espejo y aceptar la realidad de que las redes sociales y los dispositivos móviles nos están deshumanizando poco a poco.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de abril.

REPARTO: Sam Rockwell, Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Juno Temple, Asim Chaudhry, Stevel Marc, Dino Fetscher, Mike Gassaway, Dominique Maher, Ethan Saunders, Gisela Coetsee, Georgia Goodman, Teddy Holton-Frances, Conrad Kemp, Riccardo Drayton, Tanya van  Graan, Loulou Taylor y Megan Alexander.

PRODUCTORA: Universal Pictures// Blind Wink// WAM Films// 3 Art Entertainment// Constantin Film// Robert Kulzer Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice 360

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR

El productor, guionista y director, Gore Verbinski, estudió en la Universidad de UCLA, cine y televisión, graduándose en 1987. Sus inicios estuvieron vinculados con la publicidad y los videos musicales. Cuenta con los videoclips: “NOFX: S&M Airlines”(1989), “Vicious Rumors: Don´t Wait for Me” y “L7: Fast and Frightening” ambas en (1990), “Vicious Rumors: Children” (1991), Bad Religion: Atomic Garden” (1992), “Bad Religion: American Jesus” (1993), “Bad Religion: Strager than Fiction”  y “Bad Religion: 21 st Century (Digital Boy) en (1994), “Budweiser: Frogs” y “Monster Magnet: Negasonic Teenage Warhead” las dos en (1995). Le siguió el cortometraje “The Ritual” (1996) y finalmente debutó en el largometraje con “Un ratoncito duro de roer” (1997) continuando con “The Mexican” en (2001), “The Ring (La señal) (2002), “Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra” (2003), “El hombre del tiempo” (2005), “Piratas del Caribe: El cofre del hombre muerto” (2006), “Piratas del Caribe: En el fin del mundo” 2007, “Rango” animación (2011), “El llanero solitario” 2013, “La cura del bienestar” (2016) y este año nos llega “Buena suerte, pásalo bien, no mueras” 2025. También cuenta con el videoclip “The Crystal Method: Born Too Slow” (2003)

HABITACIÓN Nº 13: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Suecia, Islandia y Estonia, Habitación nº13, está dirigida por Mattias Johansson Skoglund, quien comparte guion con Mats Strandberg. “Los monstruos no vienen de fuera, sino de las cicatrices del pasado”

Joel (Philip Oros) llega a la casa de su madre, Monika (Anki Lidén), donde el desorden y la suciedad le hacen presentir que algo no va bien.  Tras la puerta de una de las estancias la encuentra apoyada contra la pared; ella, en un principio, lo confunde con su hermano. Mientras conversan, Joel comprende que su madre ya no puede vivir sola. Cerca del cabecero de la cama descubre una mancha en la pared que, al tocarla y olerla, le provoca náuseas.

Tras dejar a Monika en la residencia Ekskuggan, el protagonista regresa a la vivienda familiar para limpiarla y ponerla en orden con la intención de venderla. Es allí donde, al salir de su habitación, se encuentra con Bengt, su padre fallecido, en actitud agresiva, lo que le obliga a recular y encerrarse en su cuarto. Esta no será la última presencia, pues el misterio se traslada de la casa a la propia residencia, concretamente a la habitación nº 13, donde, como si fuera un virus, acabará infectando a otros residentes. Allí conoceremos también a Nina (Gizem Erdogan), expareja y ahora mejor amiga de Joel, quien trabaja como cuidadora en el centro de mayores.

El peso dramático recae en las interpretaciones. Por un lado, Anki Lidén nos sobrecoge con una Monika cuya fragilidad física contrasta con momentos de una inquietante, feroz y doliente lucidez. El movimiento de sus manos y su demoledora mirada perdida, no solo reflejan el trastorno de la demencia, sino aquello que Joel se niega a aceptar: secretos mantenidos en silencio que ahora las palabras acusan. En el otro extremo se sitúa un misterioso Philip Oros. Vemos a su personaje evolucionar y desprenderse de sus fantasmas a medida que toma conciencia de la enfermedad de su madre, sintiéndose desbordado por un terror primario que oscila entre la culpa y el miedo que impregna cada escena. Es junto a Nina donde Joel finalmente deja fluir su homosexualidad, llegando incluso a utilizar el femenino para referirse a sí mismo. Por su parte, Gizem Erdogan nos ofrece una Nina llena de luces y sombras que prefiero que descubráis vosotros.

Se trata de un viaje dramático y terrorífico por la mente y el corazón de la tercera edad; una experiencia compleja, enigmática y tan necesaria como, por momentos, previsible. La obra resulta triste, melancólica y aterradora, navegando por el laberinto de sombras creado por las lagunas de la demencia. Ni el mejor de los expertos sería capaz de discernir los daños que pueden ocasionar ciertos recuerdos o historias personales (como la violencia doméstica sufrida por la mujer o la homofobia volcada en el hijo), tras toda una vida y, sobre todo, dependiendo de cómo esta ha sido vivida.

Acercándonos al apartado técnico, la película destaca por una fotografía de contrastes que transita entre el abandono, la suciedad y el desorden que ofrecen los espacios del hogar familiar, frente a la frialdad aséptica de la residencia Ekskuggan. Bajo la mirada de la directora de fotografía Malin Lundquist, cobran importancia las texturas de las paredes, la disposición de los cuadros y la profundidad de unas sombras que dominan los pasillos, cuyas puertas ocultan habitaciones con secretos guardados con celo. Todo ello se completa con una iluminación que penetra furiosa por las ventanas y una selección de encuadres muy precisa.

Lo que llama poderosamente la atención en esta obra de puesta en escena tan sencilla es, además de la fotografía, una atmósfera sonora compuesta tanto por sonidos sobrenaturales que abrazan al relato, como por silencios atronadores que pesan más que las palabras. Estos silencios subrayan  los secretos que se irán desvelando con crudeza a lo largo de la narración, rematada por la pieza minimalista, punzante y perturbadora de Þórarinn  Guðnason.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de junio. 

REPARTO: Philip Oros, Anki Lidén, Gizem Erdogan, Lottie Ejebrant, Malin Levanon, Ayan Ahmed, Lily Wahlsteen, Peter Jankert, Janna Granström, Emil Brulin y Bengt C.W. Carlsson.

PRODUCTORA: Inland Film// Sic Film AB

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Cinemaran

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:

El guionista, productor y director, Mattias Johansson Skoglund, cuenta con dos maestrías y una licenciatura en medios de comunicación, gestión audiovisual y comercio internacional. Debutó en el largometraje junto a Markus Marcetic con “Losers” (2013) y este año en solitario nos ofrece “Habitación Nº13” (2025). Cuenta con la serie pódcast “De Dödas Röster” 2016 y dos capítulos de la serie “Deg” (2021).

MOVISTAR PLUS+ ADQUIERE NUEVAS SERIES

Movistar Plus+ adquiere seis nuevas series de Sony Pictures Television

'El señor de las moscas', 'American Hostage', 'Up to No Good', 'The Lady', 'La otra hermana Bennet' y 'The Miniature Wife' se estrenarán solo en Movistar Plus+.

Sony Pictures Television ha anunciado que Movistar Plus+ será el hogar exclusivo en España de seis importantes series del estudio, que abarcan desde éxitos recientes hasta próximos lanzamientos destacados de su catálogo.

Los títulos incluidos en el acuerdo son:

'El señor de las moscas'. La reciente adaptación del clásico literario de William Golding escrita por primera vez para televisión por Jack Thorne ('Adolescencia'). Se estrenó con muy buenas críticas en Reino Unido y Australia y fue proyectada en el Festival Internacional de Cine de Berlín 2026 (Berlinale).

'American Hostage'. Un thriller psicológico ambientado en los años 70 que narra la angustiosa historia real de Fred Heckman, interpretado por el ganador de los premios Emmy® y Globos de Oro® Jon Hamm ('Vicios ocultos', 'Mad Men'). Heckman, un querido reportero de radio de Indianápolis, se ve envuelto en una crisis de vida o muerte cuando el secuestrador Tony Kiritsis (Giovanni Ribisi, 'Avatar', 'Sneaky Pete') exige ser entrevistado en su popular programa informativo.

'Up to No Good'. Protagonizada por la ocho veces nominada al Oscar® y triple ganadora de los premios Emmy® y Globos de Oro® Glenn Close como Maud Oldcastle, una mujer mayor hilarantemente brusca, gruñona y despiadada… y esas son sus cualidades más amables. También es una asesina. Completan el reparto Claudia Jessie ('Los Bridgerton', 'Ciudad tóxica'), Gloria Obianyo ('Andor', 'Anxious People') y Penelope Wilton ('Downton Abbey', 'After Life').

'The Lady'. Un intenso drama de Left Bank Pictures, de cuatro episodios, que narra el extraordinario ascenso y caída de Jane Andrew, desde el Palacio de Buckingham hasta su condena por asesinato, protagonizado por la ganadora del BAFTA Mia McKenna-Bruce ('Agatha Christie: las siete esferas') y la nominada a los Critics Choice Awards Natalie Dormer ('Juego de tronos', 'Los Tudor').

'La otra hermana Bennet' ('The Other Bennet Sister'). De Bad Wolf, es la adaptación de la novela superventas de Janice Hadlow ambientada en el universo de 'Orgullo y prejuicio', de Jane Austen, protagonizada por Ella Bruccoleri ('Llama a la comadrona) junto a Richard E. Grant ('Gosford Park', '¿Podrás perdonarme algún día?'), Ruth Jones ('Gavin & Stacey', 'Stella', 'En fuga') y Richard Coyle ('Coupling', 'Las escalofriantes aventuras de Sabrina').

'The Miniature Wife'. Producida por Media Res y basada en el relato corto de Manuel Gonzales, es una dramedia que examina los (dese)equilibrios de poder en una pareja tras un accidente tecnológico que provoca la crisis definitiva en su relación. La serie está protagonizada por la nominada a los premios Emmy® y Globos de Oro® Elizabeth Banks ('Pitch Perfect') y el ganador del Emmy® Matthew Macfadyen ('Succession').

Mark Young, vicepresidente ejecutivo de Distribución y Redes de Sony Pictures Television para EMEA, declara: “Es fantástico seguir ampliando nuestra larga colaboración con el equipo de Movistar Plus+. Esta completa colección ejemplifica realmente el amplio poder narrativo de Sony Pictures Television, y hemos recibido una respuesta extraordinaria a este catálogo premium desde que presentamos estos títulos en MIPCOM, la Berlinale y los London Screenings. Estamos deseando llevar estas series a los espectadores de toda España”.

Sobre Sony Pictures Television

Sony Pictures Television (SPT) es uno de los principales proveedores de contenido de la industria televisiva, produciendo, distribuyendo y ofreciendo programación en todo el mundo, en todos los géneros y para todas las plataformas. Además de gestionar una de las mayores bibliotecas del sector de largometrajes, series y formatos galardonados, SPT cuenta con un sólido negocio global de contenidos, con un amplio portfolio de productoras propias y en asociación en Estados Unidos, Europa, Latinoamérica y Asia-Pacífico, así como canales lineales y digitales en todo el mundo. SPT es una compañía de Sony Pictures Entertainment, subsidiaria del grupo Sony Group Corporation, con sede en Tokio.

Sobre Movistar Plus+

Movistar Plus+ es la oferta de entretenimiento audiovisual del grupo Telefónica líder en España. Nuestra propuesta incluye una arriesgada producción Original y los mejores contenidos premium de deportes, cine, series, documentales y programas, a los que se unen las mejores funcionalidades y el acceso bajo demanda, para que el usuario pueda disfrutar de la televisión donde, como y cuando quiera. Además, integramos la oferta de operadores internacionales de los que somos socio estratégico en España, así como plataformas nacional

NOTICIAS BREVES (CCXCIV)

FILMAX nos informa que ha finalizado el rodaje de “UNA FAMILIA”, ópera prima dirigida por Ricardo Gómez.

Ricardo Gómez debuta tras las cámaras con “Una familia”, su ópera prima como guionista y director, cuyo rodaje acaba de concluir tras cinco semanas en distintas localizaciones de la Comunidad de Madrid. Seleccionado en el Programa Rueda de la Academia de Cine 2023, el proyecto supone un paso decisivo en su trayectoria: una historia nacida de la necesidad íntima de mirar a sus propios orígenes y entender los vínculos que nos definen.

La película recorre tres momentos en la vida de un padre, una madre y un hijo, unidos por una misma herida y una misma pregunta: quiénes somos y quiénes queremos ser. Rodada en 16mm y ambientada en el Madrid de los años noventa, “Una familia” es también un retrato emocional de los barrios y el universo que marcaron al propio director.

En palabras de Ricardo Gómez: “Desde que me planteé la idea de saltar al otro lado de la cámara, tuve claro que ese paso solo tendría sentido si asumía un compromiso emocional importante con la historia, para así poder hacer una película honesta y sin artificios. Y exponer mi necesidad como autor de dar luz a mi propia voz.

Por eso comencé un proceso de investigación familiar, a través de largas conversaciones y búsquedas de materiales, para así abrirme a conocer un poco más en profundidad mi historia. Y así partir de hechos reales para después llevarlos al terreno de la ficción y del lenguaje cinematográfico, con la idea de contar la historia más pequeña, personal y concreta posible”.

La película está protagonizada por Claudia Traisac, Patrick Criado, Ana Wagener y la presentación del joven debutante Víctor Lite en uno de los papeles protagonistas. Completan el reparto Claudio Villarrubia, Ismael Martínez y María Moreno.

En el apartado técnico destacan profesionales como el productor Diego Betancor, la directora de fotografía Sara Gallego Grau, la directora de arte Teresa Montanuy, la diseñadora de vestuario Laura Renau, la jefa de sonido Tamara Arévalo, los jefes de maquillaje y peluquería Sarai Rodríguez  y Sergio López y el montaje de Miguel A. Trudu.

Sinopsis: Un niño actor deambulando entre la realidad y la ficción, un preso haciendo uso de su permiso de salida y una mujer atrapada en el bautizo de su hijo. Un día en la vida de cada uno de los tres miembros de una familia sobre cuyas cabezas sobrevuela la misma pregunta: ¿quién soy y quién quiero ser? Tres historias sobre la identidad, separadas en el tiempo, pero unidas por lazos de sangre y por una decisión que marcará la vida de los tres. 

“Una familia” es una coproducción hispano-peruana de El Desorden Crea (Carlos Montero), Lágrima Films (Diego Betancor), Estela Films (Félix Tusell), Tondero (Miguel Valladares) y Nuestro Ayer AIE, que cuenta con la participación de RTVE y Movistar Plus+, y la ayuda del ICAA, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid. De su distribución en cines en España se encargará Filmax.

NUEVE CARTAS nos informa que el escritor Jon Bilbao, llega al cine con “EL HERMANO DE LAS MOSCAS”, el nuevo largometraje de Haritz Zubillaga.

Haritz Zubillaga prepara «El hermano de las moscas», su nuevo largometraje, escrito junto a Aitor Eneriz y basado en la novela homónima de Jon Bilbao, una de las voces más singulares de la literatura española actual.

Publicado originalmente en 2008, «El hermano de las moscas» supuso el debut novelístico de Bilbao y anticipó algunas de las claves que han definido su trayectoria: una mirada inquietante sobre lo cotidiano, el interés por lo ambiguo y una narrativa que transita con naturalidad entre lo real y lo extraño. Autor de obras como «Basilisco» —Premio Euskadi de Literatura— o «Los extraños», Bilbao ha consolidado un universo literario propio en el que lo fantástico emerge sin estridencias, profundamente arraigado en la experiencia humana.

Esta historia producida por Bixagu Entertainment parte de una premisa tan insólita como sugerente: una vez al año, durante diez días y siempre en la misma fecha, Grego se convierte en un enjambre de moscas. Cuando su hermano mayor lo descubre, se verá obligado —como siempre— a ayudarle. A partir de este punto de partida, el relato se despliega como un drama psicológico sobre los vínculos familiares, los afectos y las tensiones que permanecen ocultas bajo la superficie.

Fiel al universo literario de Jon Bilbao, la adaptación cinematográfica apostará por una narrativa que rehúye las certezas y se construye desde la ambigüedad. Los silencios, las miradas y aquello que queda fuera de campo adquieren un peso decisivo en un relato que invita al espectador a habitar el misterio más que a resolverlo.

Tras su debut con «El ataúd de cristal» y una sólida trayectoria como montador en títulos de proyección internacional, Haritz Zubillaga se adentra ahora en un proyecto de marcado carácter autoral que explora los límites entre lo cotidiano y lo inquietante.

En palabras del propio Zubillaga, la película nace de una inquietud profundamente humana: «Todos guardamos pequeños secretos, pensamientos y sentimientos que nunca expresamos y que quedan atrapados dentro de nosotros. El hermano de las moscas propone explorar qué ocurre cuando esos secretos encuentran la forma de salir al exterior».

El equipo técnico reúne a colaboradores habituales del director y nombres destacados del panorama audiovisual: Jon D. Domínguez en la dirección de fotografía; Idoia Esteban en el diseño de producción; Aránzazu Calleja, Premio Goya, en la música original; Xanti Salvador, también galardonado con el Goya, en el diseño sonoro; y David Heras al frente de los efectos visuales.

El proyecto, cuyo rodaje está previsto en el primer trimestre de 2027, contará con la participación de EITB y RTVE.

FILMAX nos informa que Alba Flores rueda “BYPASS” de Lucía Casañ Rodríguez.

"BYPASS", la nueva película de Lucía Casañ Rodríguez, se rueda íntegramente en la Comunidad Valenciana: (Sagunto, Valencia, Gilet, Rocafort, Benifayó, Sueca, Massanassa y Buñol). Producida por Turanga Films, en coproducción con No solo films AIE, PC Ciudadano Ciskul, Helsinki Films y la uruguaya MontelonaCine, esta road movie protagonizada por una mujer de 35 años y una cerdita, reflexiona sobre nuestra propia humanidad, sobre la diferencia entre ser y sobrevivir, entre lo animal y lo “humano”.

Para la directora, Lucía Castañ “Bypass es una película existencialista que, a través de lo fantástico y la comedia absurda, reflexiona sobre la dualidad del ser humano, ese estado entre el ser y no ser.” “Esta historia, al menos para mí, empezó el 11 de enero de 2022. Ese fue el día en que la prensa de todo el mundo daba la siguiente noticia: “Trasplantado con éxito por primera vez un corazón de cerdo a un hombre.” “Supongo que la pregunta inicial que germinó en mí la necesidad de contar esta historia es la siguiente: ¿podríamos seguir considerándonos “nosotros mismos” si tuviésemos un corazón animal?”.

En palabras de las productoras (Ana Camacho y Lina Badenes): "Rodar con Lucía Casañ está siendo una delicia, nos fascina observar el oficio que tiene a su corta edad. Alba Flores está realizando un papel excelente, es una actriz camaleónica, sensible y con una fuerte mirada propia que está aportando mucho valor a la historia de BYPASS. Y rodar con un cerdita como coprotagonista es parte de la aventura de la producción de cine; está suponiendo un desafío, aunque muy divertido y con resultados que esperamos sean sorprendentes. Francisco, su cuidador, se encarga de acompañarla en todo y está siendo clave para garantizar su bienestar durante el rodaje."

Sinopsis: Amal (Alba Flores), una joven que ha pasado gran parte de su vida en hospitales, decide someterse a un experimento para mejorar su calidad de vida: el trasplante de corazón de un cerdo. Aunque la operación es exitosa, es criticada duramente por la sociedad, lo que lleva a Amal a cuestionarse su humanidad. BYPASS es una road movie en clave de comedia irónica protagonizada por una mujer de 35 años y una cerdita.

"BYPASS" es una producción de Turanga Films, en coproducción con No solo films AIE, PC Ciudadano Ciskul, Helsinki Films, y la uruguaya MontelonaCIne. Con la participación de Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), Instituto Valenciano de Cultura (IVC), Agencia del Cine y el Audiovisual del Uruguay (ACAU), RTVE, HBO, À Punt, el Ayuntamiento de Sagunto, CREA SGR y Triodos Bank. Filmax estrenará la película en cines de toda España.

"BYPASS" participó en Curso de Desarrollo de Proyectos Audiovisuales Iberoamericanos (CDPAI) y la Residencia Navarra (LRN).

NUEVE CARTAS nos informa que “SAL & DEAN: TRAS LOS PASOS DE KEROUAC” llega a los cines el 22 de mayo.

El largometraje documental 'Sal & Dean. Tras los pasos de Keroauc` de Rosa García Loire y Miguel Hualde tendrá su estreno en cines el próximo 22 de mayo. Antes de su estreno, los músicos Jimmy Barnatán y Miguel Hualde (Mike Inverno), que emulan en ese film a Sal Paradise y Neal Cassady, protagonistas de la novela 'On the Road' (En el camino) de Jack Keroauc, acercarán la banda sonora original del film al público con una gira de conciertos en Madrid, Barcelona, Cantabria y Navarra. Además, de cara al estreno, se publicará un vinilo con las canciones de la película. 

La travesía que Jimmy y Mike emprenden en este largometraje sugiere que el sueño americano no es una verdad universal, sino una construcción cambiante, reinterpretada constantemente por quienes lo persiguen o lo cuestionan, reflejando las tensiones y riquezas de una sociedad profundamente plural. 

Rosa García Loire, codirectora de 'Sal&Dean', explica que "este largometraje documental realiza un retrato de la sociedad estadounidense actual, siguiendo una obra literaria universal como es 'On the Road'. A lo largo del camino, personajes secundarios dan su visión del sueño americano y lo que queda de él. Recorremos el camino de Keroauc, revisitando el paisaje y los espacios. Creo que es interesante esa combinación de viaje, sociedad y cultura para mostrar, desde una óptica contemporánea, lo que queda de aquel viaje que el autor realizó hace más de medio siglo". 

Dirigido por Rosa García Loire y Miguel Hualde con guion de Jimmy Barnatán, 'Sal&Dean' cuenta con Javier Rodríguez como director de fotografía. Ignacio Maquirrain se encarga del montaje y Álvaro Soto del diseño gráfico. Jimmy Barnatán y Mike Inverno firman la música. Juan San Martín, Jordi Carbonell y Oriol Cardús son los productores. La película cuenta con el apoyo de incentivos fiscales, tanto navarro como de territorio común.

SINOPSIS: Jimmy Barnatán y Mike Inverno emprenden un viaje por la América profunda en el que  recorren el interior de Estados Unidos descubriendo a sus gentes, sus rincones y contrastes, tan fotografiados como desconocidos. Un viaje lleno de encuentros con músicos, camareras, camioneros y otros personajes anónimos que, aunque secundarios como ellos mismos, se convierten en protagonistas.

Emulando a Sal Paradise y Neal Cassady, protagonistas de 'On the Road' (En el camino), la novela definitiva de la generación beat publicada por Jack Kerouac en 1957, estos viajeros, acompañados de una guitarra y una pluma, tratan de entender el sueño americano, descubriendo la complejidad y diversidad cultural que definen a este fascinante país.

SURIA nos informa que FLINS & PINÍCULAS estrenará “GIGANTE” de Rowan Athele. Llegará a los cines el 15 de mayo.

Gigante (Giant), la última película de Rowan Athale, se estrenará en salas el 15 de mayo. La cinta tuvo su première mundial en el prestigio BFI London Film Festival en 2025 y posteriormente, su estreno nacional en la Seminci de Valladolid. Como colofón de un gran año para la película, el pasado mes de diciembre, Gigante inauguró el Festival de Cine del Mar Rojo (Red Sea International Film Festival).

EL VIAJE DEL HÉROE A TRAVÉS DE UN PRÍNCIPE

Gigante está protagonizada por Pierce Brosnan y el actor egipcio-británico Amir El-Masry. En la película, Brosnan interpreta a Brendan Ingle, un empleado de la industria siderúrgica inglesa que pasa a ser entrenador de boxeo, llevando a lo más alto al joven Naseem Hamed. El cineasta británico-indio Rowan Athale, dirige esta inspiradora película basada en la historia real del boxeador británico-yemení, que recorre su vida desde sus orígenes humildes en la ciudad de Sheffield hasta que se coronó como campeón del mundo.

Sylvester Stallone y Braden Aftergood participan como productores ejecutivos en este sugerente biopic basado en los libros de Geoff Beattie, profesor de psicología que coincidió con Naseem en el mismo gimnasio. En sus investigaciones, Beattie analiza cómo el boxeo funcionó como vía de escape y herramienta de transformación personal en un contexto marcado por la precariedad laboral derivada del cierre de las minas y la crisis de la industria metalúrgica en Inglaterra.

SINOPSIS: Inspirada en la historia real del príncipe Naseem "Naz" Hamed, un boxeador británico-yemení, y su trayectoria desde unos orígenes humildes hasta convertirse en campeón del mundo y su entrenamiento con Brendan Ingle, que desempeñó un papel crucial en su triunfo.

UNA PELÍCULA CON UNA INTENSA PREPARACIÓN

Amir El-Masry, protagonista de este biopic sobre el célebre boxeador británico, explicó cómo transformó su mente y cuerpo para encarnar al ícono pugilista. Entrevistado por la revista Esquire, detalló la entrega total ante los desafíos más exigentes de su carrera actoral. "El joven actor se sometió rápidamente a un riguroso programa de entrenamiento de cuatro semanas que consistía en jornadas de 12 horas en el gimnasio, una estricta dieta alta en calorías y clases de dicción para perfeccionar el acento de Sheffield de Hamed." 

La preparación actoral de El-Masry incluyó sesiones de trabajo con la especialista en movimiento Polly Bennett. Sin embargo, el actor prefirió no mantener encuentros personales con Hamed durante el proceso, pues consideraba que tomar distancia le permitía evitar una posible idealización del personaje y quiso centrarse plenamente en las necesidades del guion que le proponía Rowan Athale.

BROSNAN, STALLONE Y UN SUEÑO CUMPLIDO

Rowan Athale presentó Gigante en la inauguración del Festival de Cine del Mar Rojo, donde destacó que Pierce Brosnan formaba parte de su “lista de sueños”. Aunque lo consideraba inalcanzable, gracias a la insistencia de su productor, decidieron contactarlo. “Dos semanas después recibí una llamada suya y, tras una conversación de veinte minutos, aceptó el papel”. Al igual que su personaje en la película, Pierce Brosnan es de origen irlandés y tuvo la fortuna de alcanzar a ver pelear en directo al boxeador Prince Naseem en los años noventa en Nueva York. Por aquel entonces, también conoció al entrenador Brendan Ingle, que falleció en 2018 y que entrenó a otros tres campeones mundiales.

La película cuenta con la participación de Sylvester Stallone como productor ejecutivo, que entró en el proyecto tras posponerse uno previo que tenían en común, 'Little América'. Stallone aportó su experiencia en el cine de boxeo y ofreció su visión creativa además de su “sello de aprobación”, que resultó clave para fortalecer la credibilidad de esta producción dentro del mundo del boxeo.

YOUPLANET nos informa que “MARSUPILAMI” se estrenará en cines el 12 de agosto.

MARSUPILAMI, dirigida por Philippe Lacheau, llegará a los cines españoles el 12 de agosto, distribuida por YouPlanet. La película ha triunfado en la taquilla francesa, convirtiéndose una de las películas más vistas del año con casi seis millones de espectadores.

Con su combinación de comedia de aventuras, ritmo imparable y humor para todas las edades, “Marsupilami” se consolida como una de las propuestas familiares más potentes del año.

La película está protagonizada por el propio Philippe Lacheau, Jamel Debbouze (Amélie), Tarek Boudali y Elódie Fontan, y cuenta con la participación del célebre Jean Reno. El fenómeno confirma el enorme tirón del personaje creado por Franquin y el pulso popular del cine de Lacheau, que vuelve a conectar con el gran público a través de una aventura tan disparatada como espectacular. 

“Marsupilami” llegará a nuestras salas dispuesta a repetir la hazaña de Francia y a contagiar al público español de su energía salvaje y su humor sin complejos.

YouPlanet Distribution estrenará MARSUPILAMI solo en cines el 12 de agosto

EVA CALLEJA y PRISMA IDEAS nos informan que “LAS CATADORAS DE HITLER” de Silvio Soldini Llegará a los cines el 22 de mayo.

LAS CATADORAS DE HITLER, la nueva película de Silvio Soldini llegará a las salas españolas el 22 de mayo de la mano de Mirror Audiovisual.

La película, que acaba de pasar por el Festival de Málaga, en la sección Mosaico: Panorama Internacional, es una producción entre Italia, Bélgica y Suiza.

“Las catadoras de Hitler” está basada en el libro "La Catadora" de Rosella Postorino.  En 2012, a los 95 años, poco antes de morir, Margot Wölk reveló que había sido una de las jóvenes alemanas obligadas a probar los platos de Hitler. Nadie sabía de la existencia de los catadores. Margot Wölk fue la única de ellas que sobrevivió al final de la guerra. Su historia inspiró tanto la novela como la película.

Silvio Soldini, con una carrera muy consolidada a sus espaldas, consiguió su gran éxito internacional con Pane e tulipani, La película ganó 9 premios David di Donatello, 5 Nastri d'Argento, 9 Ciak d'Oro y recibió 3 nominaciones a los Premios de la Academia Europea.

SINOPSIS: Otoño de 1943. La joven Rosa huye de un Berlín bombardeado y se refugia en un pueblo donde viven sus suegros. Rosa descubre rápidamente que en el bosque adyacente se encuentra el cuartel general de Hitler, la llamada "Guarida del Lobo". El Führer ve enemigos por todas partes. Su obsesión es que lo envenenen. Rosa es forzada, junto con otras mujeres, a probar la comida preparada para él. Divididas entre el miedo a la muerte y el hambre, las "catadoras" aceptan su destino no sin contradicciones. ¿Hay lugar para el amor a las puertas del infierno?

El reparto está encabezado por Elisa Schlott, Max Riemelt, Alma hasun, Esther Gemsch, Jürgen Wink, Emma flack, Olga Von Luckwald, Berit Vander

DIAMOND FILMS ESPAÑA nos informa que “EL ARBOL MUY MUY LEJANO” llegará próximamente a los cines.

Polly, Tim, y sus tres hijos son una familia moderna que se ve obligada a mudarse a la remota campiña inglesa. Poco después de su llegada, los niños descubren un árbol mágico y a sus extraordinarios y excéntricos habitantes. Conocen a personajes entrañables como Cara de Luna, Seditas, el Señor Comosellame, Doña Lavamucho o el Señor Cazuelas. En la copa del árbol, son transportados a mundos desconocidos y fantásticos y, a través de los desafíos de sus aventuras, la familia aprende a reconectar y a valorarse mutuamente por primera vez en años.

REPARTO: Andrew Garfield como Tim Thompson, Claire Foy como Polly Thompson, Nicola Coughlan como Seditas, Rebecca Ferguson – Doña Gritona, Jessica Gunning - Doña Lavamucho.

EN EL EQUIPO TÉCNICO: Ben Gregor (Director) y Simon Farnaby (Guionista) quien adapta la novela del mismo título escrita por Enid Blyton.

FILMAX nos informa que “EL CHICO DE LOS PANTALONES ROSAS” de Margherita Ferri, llegará a los cines el 17 de abril.

Más de una década después de que la muerte de Andrea Spezzacatena conmocionara a Italia, su historia sigue generando un profundo impacto social. Unos pantalones rojos que se vuelven rosas tras un error de lavado son el detonante de una espiral de acoso que lo condena a un aislamiento silencioso. Su caso, considerado el primer suicidio de un menor vinculado al ciberacoso reconocido en el país, abrió un debate nacional que obligó a repensar la prevención, la detección y la respuesta ante el acoso escolar.

También inspiró la película “El chico de los pantalones rosas”, dirigida por Margherita Ferri, y que se convirtió en un fenómeno en Italia, donde ha superado el millón y medio de espectadores. Tuvo su premiere en el Festival de Cine de Roma y en el Black Nights de Tallin y su estreno en España en el Festival de Málaga. Llegará a los cines de España de la mano de Filmax el 17 de abril.

Transformar el duelo en compromiso

La voz de Teresa Manes, madre de Andrea y autora del libro que da origen a la película, Andrea oltre il ragazzo dai pantaloni rosa, nace del dolor para transformarse en una poderosa herramienta de cambio. Desde 2012, ha recorrido centros educativos de toda Italia compartiendo la historia de su hijo y alertando sobre las consecuencias devastadoras del acoso y el silencio. Su testimonio ha contribuido a generar conciencia colectiva y a impulsar cambios en la manera en que escuelas y sociedad abordan el bullying y, especialmente, el ciberacoso y la violencia por motivos de identidad. “El enemigo más grande de esta historia es el silencio. Si mi hijo o las personas que vieron lo que estaba pasando hubieran hablado de esto, hoy Andrea estaría vivo”, recuerda Teresa Manes, que presentará la película en España del 14 al 17 de abril junto a Roberto Proia, productor, guionista e impulsor del proyecto.

Tras dirigir diversos documentales, Margherita Ferri debutó en el largometraje con Zen sul ghiaccio sottile (2018), estrenado en la 75ª Mostra de Venecia. Como guionista, recibió una mención especial en el Premio Tonino Guerra (Festival de Cine de Locarno) por The Nest (2019). Il ragazzo dai pantaloni rosa es su segundo largometraje, a partir del guión de Roberto Proia, impulsor del proyecto, y con el joven Samuele Carrino como protagonista.

Sinopsis: Andrea Spezzacatena tiene 15 años y necesita encajar en su nueva escuela. Unos pantalones rojos que se vuelven rosas tras un error de lavado son el detonante de una espiral de acoso que lo condena a un aislamiento silencioso. Basada en una historia real que conmocionó a Italia en 2012, la película muestra la vulnerabilidad adolescente, el primer amor y el peso de la mirada ajena.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “WINNIPEG de Beñat Beitia Urresti y Elio Quiroga, el barco de la esperanza” se estrenar el 5 de junio en cines.

Winnipeg, el barco de la esperanza se estrenará en cines en castellano, catalán y euskera el próximo 5 de junio. El film se basa en los hechos reales ocurridos a finales de los años treinta, en plena ola de exiliados españoles a las costas latinoamericanas.

“Winnipeg” es el nombre de un barco carguero francés que, con capacidad para 100 oficiales y tripulantes, acaba transportando a más de 2.200 personas. Estos refugiados que huyeron de los campos de concentración franceses, llegaron finalmente a Valparaíso (Chile), después de un mes de travesía incierta por el Océano Atlántico y el Pacífico. La iniciativa la tomó el poeta Pablo Neruda, por entonces Cónsul para la inmigración española en París, ayudando junto a su pareja Delia del Carril a miles de republicanos españoles que habían partido primero a Francia huyendo de la guerra.

Winnipeg, el barco de la esperanza narra la travesía de un padre y su hija que, perseguidos por el conflicto bélico y la sinrazón humana, se aferran a su última posibilidad de libertad. Ambientada en el contexto del éxodo y el exilio republicano, la película aborda temas universales como la pérdida, la memoria y la esperanza.

El film explora además las distintas dimensiones del amor (paterno-filial, humano y entre los pueblos), y habla sobre la responsabilidad individual y colectiva, cuestionando el papel de los ciudadanos, los gobiernos y los Estados.

SINOPSIS: Víctor, un padre viudo y su pequeña hija Julia, abandonan España, a la caída de Barcelona a manos de los franquistas en enero de 1939. En Francia les aguardan campos de concentración y penurias. Pero hay una posibilidad de huir: embarcar en el Winnipeg un carguero que Neruda y los cuáqueros de París han fletado, para llevarlos a salvo a un nuevo destino: Valparaíso, Chile, donde una nueva vida es posible.

Winnipeg, el barco de la esperanza fue una de las películas de animación iberoamericanas que formaron parte de Animation! WIPs by Annecy 2024 y estuvo presente en la pasada edición de Ventana Sur, el mercado de contenidos audiovisuales más grande de Latinoamérica, que en 2025 se celebró en Buenos Aires. El largometraje inició su andadura en 2019. A lo largo de siete años de sumar esfuerzos diversos equipos y talentos de los tres países han desarrollado esta ambiciosa producción realizada mayoritariamente en técnica de animación 2D y con elementos de 3D. 

En su equipo técnico destacan el compositor de la BSO Diego Navarro -creador de las partituras de Mariposas Negras y Atrapa la bandera, ambas ganadoras en la categoría de Mejor Película de Animación en los Premios Goya- y de la premiada El fotógrafo de Mauthausen, entre otras, y el creador de personajes Miguel Francisco, con amplia experiencia liderando proyectos como Angry Birds, Best Friends, Kokoon o Stella.

Winnipeg, el barco de la esperanza ha sido producida por Dibulitoon Factory AIE, Dibulitoon Studio, El Otro Film, La Ballesta y Malabar Producciones. El film cuenta además con la participación de RTVE, RTVC y 3Cat. El próximo 5 de junio llegará a los cines de la mano de Barton Films.

NOTAS DE PRODUCCIÓN:

"Winnipeg, el barco de la esperanza es una historia que habla de la lucha, de la solidaridad, de la esperanza, del reconocimiento y del agradecimiento. El relato pone también en valor el penoso y dramático contexto de los españoles refugiados, cuyo destino inicial (y final, para muchos y muchas) fueron las decenas de campos de detención, concentración y de trabajos forzados que les esperaban en el sur de Francia. En pocos meses, y durante la travesía hacia Valparaíso, sin embargo, entra en juego otro factor: el inicio de la Segunda Guerra Mundial, y la declaración de guerra de Francia a Alemania, por la invasión de Polonia por los nazis.

"La película es también la historia de amor y de determinación de un padre viudo con su pequeña hija, quienes huyen a Francia y consiguen ser dos de las personas elegidas para el viaje del Winnipeg. El éxodo desde Barcelona, la reclusión en los campos, la subsistencia en ellos, luego en París y más tarde en Burdeos hasta conseguir pasaje, la travesía (con sus alegrías y con sus inevitables penurias e incertidumbres), y la llegada a Valparaíso, símbolo de la esperanza y del inicio de una vida nueva, son hechos vividos y narrados con una mirada desde la niñez, tan cruda e inocente a la vez.

Winnipeg fue el resultado del esfuerzo y de la determinación de algunas personas por hacer de este mundo un mundo un poco mejor. Luchando contra enormes impedimentos, a veces contra la sinrazón; personas que tuvieron que seleccionar, y por tanto tuvieron que descartar a otros tantos miles de compatriotas. Pero personas responsables, solidarias y luchadoras."

FESTIVAL FILMS nos informa que “HANGAR ROJO” de Juan Pablo Sallato, ganadora de cuatro Biznagas de Plata en el Festival de Málaga, se estrena en cines el 8 de mayo.

Tras su premiere mundial en la 76ª edición de la Berlinale (a competición en la Sección Perspectives), Hangar Rojo (2026), la opera prima del director chileno Juan Pablo Sallato, ha triunfado en el palmarés de la 29ª edición del Festival de Málaga obteniendo cuatro Biznagas de Plata: a la Mejor Interpretación Masculina (Nicolás Zárate), al Mejor Montaje (Valeria Hernández y Sebastián Brahm), Premio Jurado de la Crítica y Premio del Público El País.

INSPIRADA EN HECHOS REALES

Ambientada en los días del golpe militar, la película sigue al capitán Jorge Silva, exjefe de Inteligencia de la Fuerza Aérea, quien ha sido reasignado para entrenar a jóvenes cadetes. A medida que el golpe se extiende por todo el país, Silva recibe una orden que cambiará su vida para siempre: transformar ese espacio en un centro de detención y tortura.

El largometraje está basado en el libro Disparen a la bandada, de Fernando Villagrán. La cinta narra un capítulo largamente silenciado de la historia chilena, la de los oficiales y suboficiales de la Fuerza Aérea que se opusieron al golpe militar y que fueron violentamente reprimidos por sus propios compañeros. Entre ellos se encontraba el propio capitán, Jorge Silva. Villagrán, quien fue encarcelado durante la dictadura, reconstruye un relato inédito de resistencia interna dentro de la Fuerza Aérea de Chile, una historia mantenida en secreto y en el olvido durante décadas. Villagrán y el capitán Jorge Silva estuvieron presos en el mismo centro de detención, recluidos a pocas celdas de distancia.

Coproducida entre Chile, Argentina e Italia, Hangar Rojo es la primera película latinoamericana que explora el funcionamiento interno del mundo militar durante las dictaduras de los años setenta. El film, un thriller político centrado en sus personajes, retrata a hombres atrapados dentro de la maquinaria del poder militar en el preciso instante en que la historia los obliga a tomar partido.

SINOPSIS: Santiago de Chile, 11 de septiembre de 1973. Mientras el golpe militar se despliega por el país, el Capitán Jorge Silva, ex jefe de Inteligencia de la Fuerza Aérea,  recibe una orden que cambiará su vida para siempre: transformar la Escuela de Aviación, donde hoy enseña a jóvenes cadetes, en un centro de detención y tortura.

NOTAS DE DIRECCIÓN

“Mientras el país se derrumba bajo el peso del golpe militar, la película observa ese momento fundacional del horror, cuando el aparato represivo aún no ha tomado forma definitiva. La cámara recorre pasillos donde lo no dicho resuena más fuerte que los gritos. Aquí no hay héroes —solo hombres atrapados entre la lógica del poder y el peso de la culpa— y un espectador invitado a mirarse en ese espejo y preguntarse qué papel habría desempeñado.”

El capitán Jorge Silva falleció el 19 de agosto de 2024 en Londres, ciudad donde decidió vivir en el exilio tras su encarcelamiento durante la dictadura. Murió apenas dos meses antes del inicio del rodaje, después de colaborar estrechamente con la producción hasta el final, compartiendo su testimonio y reflexiones con el equipo creativo.

Un gesto que dialoga directamente con nuestro presente, marcado por el auge de discursos autoritarios y la normalización de la impunidad. Decisiones -o silencios- que no solo definen un momento histórico, sino que proyectan sus consecuencias a lo largo de generaciones.”