SCROOGE y los fantasmas de la Navidad: CRÍTICA DE CINE

SCROOGE y los fantasmas de la Navidad está dirigida por Ti West, con guion adaptado de Nathaniel Halpern.

Ebenezer Scrooge (Johnny Depp) es un rico hombre de negocios infeliz y tacaño, que odia la Navidad y que tiene como socio comercial a Jacob Marley (Ian McKellen). Marley fallece y, en la noche de Nochebuena, se le aparece a Scrooge cargado de pesadas cadenas, avisándole de que, si no cambia, se verá igual que él. Le advierte de que esa noche recibirá la visita de tres espíritus: el fantasma de las Navidades pasadas (Andrea Riseborough), el fantasma de las Navidades presentes (Tramell Tillman) y el fantasma de las Navidades futuras (Robert Strange). Los tres le mostrarán realidades en las que él nunca había reparado debido a su forma de ser.

Si una obra ha sido adaptada sin tregua desde que Charles Dickens la escribiera en la Navidad de 1843, esa, sin duda, ha sido Cuento de Navidad (A Christmas Carol). Entre esas numerosas adaptaciones encontramos los inicios mudos con el cortometraje británico “Scrooge, or, Marley’s Ghost” de Walter R. Booth (1901), seguido por la versión estadounidense de J. Searle Dawley “A Christmas Carol” (1910). Saltamos unas décadas hasta llegar a la que muchos consideran su versión definitiva, “Scrooge”, de Brian Desmond Hurst (1951), con un inolvidable Alastair Sim, para continuar con el famoso musical dirigido por Ronald Neame “Muchas gracias, Mr. Scrooge” (1970). Tampoco podemos olvidar el mediometraje animado de Disney “Una Navidad con Mickey” (1983), la aclamada versión televisiva “Cuento de Navidad” (1984), protagonizada por George C. Scott, la comedia satírica y moderna de Richard Donner “Los fantasmas atacan al jefe” (1988), con Bill Murray; “Los Teleñecos en Cuento de Navidad”, dirigida por Brian Henson (1992); la versión de animación por captura de movimiento “Cuento de Navidad” de Robert Zemeckis (2009) con Jim Carrey; la obra de animación musical de Netflix “Scrooge: Cuento de Navidad” (2022) o la comedia musical “El espíritu de la Navidad” (2022). Ahora, en pleno 2026 y mirando a las próximas Navidades, el testigo lo recoge Ti West para ofrecernos una versión mucho más oscura y gótica con “Scrooge y los fantasmas de la Navidad”, una adaptación que respeta la estructura literaria original dividiendo el relato en cinco estrofas y que supone un caramelo para su protagonista, el camaleónico Johnny Depp.

Aunque la puesta en escena de Ti West pueda recordar en ciertos momentos a adaptaciones previas del clásico de Dickens, resulta de lo más potente y envolvente. West nos sumerge de lleno en un Londres victoriano sucio, frío y muy físico, donde cada detalle cuenta: desde los cristales empañados por el vaho del invierno hasta el ir y venir de las carretas de caballos y los viandantes ataviados con ropajes gruesos y bastos. Todo ello se apoya en la fotografía de Checco Varese a través de colores apagados y desaturados que refuerzan esa atmósfera gótica, entre calles húmedas y encharcadas, chimeneas humeantes, espesas nieblas londinenses, una nieve que anuncia la llegada de la Navidad y sin olvidarse de mostrar la luna llena en las noches despejadas. Dentro de este retrato social, donde la brecha entre ricos y pobres está muy presente, llama especialmente la atención cómo el director rompe esa paleta sucia y gris para enfatizar elementos concretos, como el tono de ciertos vestidos o el brillo de las velas de colores llamativos que iluminan determinados espacios. Asimismo, West juega con maestría con la iluminación en los interiores, apostando por las sombras en los rincones donde habita Scrooge frente a la calidez de los candelabros en hogares más acomodados, como el de su sobrino. También merece especial atención el efecto de la llama de la farola cuando algo va a suceder.

Lejos de ese cine amable navideño, Ti West no puede evitar conferir a la película un enfoque mucho más adulto, rescatando los pasajes más oscuros del relato original de Dickens frente al tono blanco de otras adaptaciones para todos los públicos. Aquí el componente fantasmagórico resulta más latente y perturbador. No se puede hablar de terror al uso, pero sí de una atmósfera más desconcertante y densa en determinados pasajes, como aquellos en los que muestra a muertos vivientes encadenados suplicando ser liberados, la presencia constante de los cuervos o la inquietante apariencia de los tres espíritus de la Navidad, a los que no duda en presentar con un aspecto grotesco y un marcado aire gótico-terrorífico; lo que, de entrada, la convierte en un filme no apto para ser visto por un público infantil. Esta propuesta se apoya en la banda sonora de Tyler Bates, que alterna pasajes con ese impacto de terror –mezclados con golpes de efecto, ruidos de objetos cayendo, ventanas que se abren o el chisporroteo inquietante de las llamas de algunas farolas– con otros apartados profundamente emotivos. Entre estos últimos destaca un instante de gran carga dramática donde suena el villancico Noche de paz –iniciándose con el sonido de dos violines para seguidamente ser acompañado por una voz femenina y el coro– mientras se intercalan imágenes del pasado y el presente que, en esta ocasión, sirven de recordatorio y potencian el drama.

En el apartado interpretativo, Johnny Depp está brillante. Se percibe desde el primer minuto que disfruta metiéndose en la piel de este amargado Scrooge, tal y como ha hecho a lo largo de su carrera con otros personajes camaleónicos e inolvidables como Eduardo Manostijeras, Jack Sparrow o el mismísimo Sweeney Todd. Aquí vuelve a mostrarse totalmente irreconocible. Para quienes valoramos especialmente el poder expresivo de la mirada en el cine, resulta fascinante comprobar cómo, aunque en un par de instantes fugaces mira hacia la cámara y deja intuir al actor muy al fondo, la transformación es absoluta: la fuerza del maquillaje, su lenguaje corporal encorvado y hasta el trabajo con su propia voz –que ha modificado y envejecido de forma notable para la ocasión– consiguen que Depp desaparezca por completo tras el personaje. Por ello, y no es la primera vez que lo digo, si verdaderamente se desea apreciar todo el potencial de su interpretación, es más que recomendable ver la película en su versión original subtitulada (VOSE).

Resumiendo, esta versión de Cuento de Navidad me ha resultado de lo más satisfactoria. West, junto a su guionista, ha profundizado en la psique de los personajes. Nos muestra ese lado humano y deshumanizado de una diferencia de clases sociales muy acentuada, así como la manera en que los miedos, el acoso, el dolor, la soledad, el hambre, el abandono, las enfermedades o la pérdida pueden moldear y transformar a una persona, pasando de la felicidad a la amargura, de la bondad al odio o de la luz a las tinieblas. No sé si una nueva versión era necesaria, pero, personalmente, yo la he disfrutado mucho.

Mi nota es: 7

Estreno en España: 13 de noviembre.

Reparto: Johnny Depp, Rupert Grint, Andrea Riseborough, Sam Claflin, Arthur Conti, Daisy Ridley, Ellie Bamber, Henry Lloyd-Hughes, Tramell Tillman, Charlie Murphy e Ian McKellen.

Productora: Skydance Productions.

Distribuidora en España: Paramount Pictures Spain.

Filmografía: El actor, director de fotografía, guionista, editor, productor y director Ti West es un todo en uno que estudió en la School of Visual Arts. En la dirección se inició en el cortometraje con las obras “The Wicked” y “Prey” (2001) y en el largometraje con “El cobertizo” (2005) para continuar con “Trigger Man” (2007), “La casa del diablo” y “Cabin Fever 2” (2009), “Los huéspedes” (2011), “The ABCs of Death” y “V/H/S” (2012), “The Sacrament” (2013), “El valle de la venganza” (2016), “X” y “Pearl” (2022), “MaXXXine” (2024) y este año nos ofrece un clásico, “Scrooge y los fantasmas de la Navidad” (2026). En televisión ha participado en la miniserie “Dead and Lonely” (2009), las series “Scream” y “South of Hell” (2015), “Wayward Pines” (2016), “Outcast” y “The Exorcist” (2017), “The Passage”, “Chambers”, “The Resident” y “Soundtrack” (2019), “Historias del bucle” (2020), “Them” (2021/24), “Poker Face” (2025) y “La maldición de Widow’s Bay” (2026). El corto “Remnants” (2026). Los videoclips “Justin Timberlake: No Angels” (2024) y “Kid Cudi: Neverland” (2025) y el vídeo “Remnants” (2026).

VICTORIAN PSYCHO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido e Irlanda, Victorian Psycho, está dirigida por Zachary Wigon con guion de Virginia Feito. “Me llamo Winifred Notty y soy la persona más cuerda que conozco”

Estamos en 1858. La institutriz Winifred Notty (Maika Monroe) nos relata cuál es su profesión y que ha estado en casas muy importantes de las que, por diversos motivos, siempre ha tenido que irse. Desde el primer instante, tanto por lo que cuenta como por sus expresiones corporales y faciales, sin perder nunca la compostura de una estricta educación, despierta la sospecha de que esconde algo, como si una densa sombra la persiguiera. A pesar de esto, es bien recibida en el remoto caserón de la familia Pounds, compuesta por el Sr. Pounds (Jason Isaacs), su esposa (Ruth Wilson) y sus dos hijos, Andrew (Jacobi Jupe) y Drusilla (Evie Templeton). Sin embargo, bajo su impecable fachada de etiqueta victoriana, Notty no tardará en liberar a su lado más oscuro y violento; una fuerza reprimida a la que ella llama “Fred” y que promete cambiar las reglas del juego de la mansión.

Antes de desgranar la locura que se desata en la pantalla, es de justicia detenerse en el origen de esta obra. Aunque nos encontremos ante una producción de atmósfera puramente británica, el cerebro detrás de esta truculenta historia tiene sello español: Virginia Feito. La escritora madrileña, que en su momento conquistó a la crítica internacional con La señora March, adapta aquí su propia novela demostrando nuevamente su pulso único para retratar la neurosis y el terror psicológico.

La propuesta de Feito y del director Zachary Wigon nos hace viajar en el tiempo hasta 1858 para utilizar las asfixiantes normas, el clasismo y la estricta etiqueta de la era victoriana como el detonante perfecto de una mente criminal. Lejos de los grandes exteriores, la película se apoya en una puesta en escena sobria de herencia casi teatral; un relato claustrofóbico que se cocina de puertas para adentro en la mansión y que bebe directamente del espíritu del Grand Guignol, donde la comedia burlesca, el horror desagradable y el terror más grotesco se dan la mano sin ningún tipo de pudor, sirviendo como escenario perfecto para una venganza minuciosamente ideada.

Si bien todos los personajes están bien diseñados y son creíbles, sin duda el peso absoluto de la película recae sobre los hombros de una descomunal Maika Monroe, quien entrega una interpretación soberbia basada en el contraste. Lo más terrorífico de su comportamiento no es el estallido de violencia, sino su inquietante tranquilidad bajo una educación exquisita. Monroe clava una mirada inquisidora y es capaz de contestar con una total agresividad sin inmutar un solo músculo de la cara. Ejecuta sus actos más despiadados con una naturalidad pasmosa, sin piedad ni vacilación, movida por la firme convicción de que está cumpliendo un destino. Lo podría describir como un “ángel vengador” de tintes góticos, su misión es impartir una justicia sangrienta allí donde cree que es necesario y aquí, precisamente en esta mansión, existen motivos muy específicos que el espectador irá descubriendo.

La actriz borda esa dualidad física y verbal. Mientras que de cara a los señores mantiene la rigidez propia de su estricta educación, el espectador asiste a pequeños momentos perturbadores donde algunas partes de su cuerpo se convulsionan y su rostro se desfigura, rompiendo la pulcritud victoriana. Además, el guion de Feito nos regala perlas absolutas que definen su psicología a través de una voz en off sobrecogedora: “Siento una oscuridad dentro de mí, como un animal enjaulado”, frases que repite como un mantra, o las más inquietantes e ininteligibles que escuchamos en otros instantes, como si brotaran de su interior; en contraste con la irónica lucidez de sus propias palabras al inicio, cuando va en el carruaje: “Me llamo Winifred Notty y soy la persona más cuerda que conozco”.

Es precisamente en su nombre donde la película esconde su juego más perverso. En un momento de la trama, Notty le confiesa al joven Andrew antes de acostarse: “Fred es el nombre del demonio que vive dentro de mí”. Un espectador atento –y ahí radica uno de los grandes aciertos de la cinta– se dará cuenta de que “Fred” no es una entidad ajena, sino el propio final de su nombre: Wini-fred. Es la liberación de su propio yo, ese reverso oscuro que se desata cuando la dueña de la casa pronuncia la asfixiante frase que detona el conflicto: “Las institutrices no deben ser creativas”.

El magnífico trabajo de Maika Monroe se ve respaldado por unos secundarios de lujo que encarnan a la perfección la hipocresía y el señorío dominante de la época. Jason Isaacs y Ruth Wilson están correctísimos a la hora de retratar el clasismo rancio de la familia Pounds. Ella brilla como una matriarca severa y altiva, mientras que él clava al típico aristócrata depredador de dicha era; un hombre que utiliza burdas excusas pseudocientíficas –como la moda de medir el cráneo a las sirvientas para supuestamente analizar su intelecto y descubrir sus emociones– como pantalla para camuflar sus abusos y malas artes de conquista.

Este choque social se cocina dentro de una puesta en escena impecable. Wigon encierra al espectador en un ambiente sombrío y puramente gótico, donde el suspense se respira en la densa niebla que rodea los exteriores de la mansión. De puertas para adentro, la fotografía de Nico Aguilar saca un partido extraordinario a la iluminación natural. El filme se llena de claroscuros opresivos, donde la luz de las velas y los quinqués guían los misteriosos paseos nocturnos por los pasillos y las escaleras de la casa, proyectando sugerentes sombras que amplifican la sensación de peligro inminente. Esta aura dantesca tiene su punto álgido en la austera habitación de la protagonista, presidida por un gran tapiz con jabalíes cuyos ojos parecen iluminarse de forma inquietante cuando ella lo contempla. Un envoltorio visual fascinante que atrapa y asfixia a partes iguales, siempre subrayado por la banda sonora de Ariel Marx.

En definitiva, Victorian Psycho se descubre como una propuesta sumamente disfrutable que esquiva con inteligencia los recursos fáciles del género. Zachary firma una obra muy bien narrada que destaca por no necesitar de un gore desmedido o gratuito para incomodar al espectador; de eso también se encarga el magnífico sonido. La violencia está firmemente controlada y el verdadero terror –así como la diversión– brota de un afilado humor negro y de unas conversaciones memorables donde la más pura maldad se disfraza de cortesía victoriana.

Cuenta además con un metraje muy adecuado que jamás decae en su ritmo, apuntalado por una interpretación de Monroe que se grabará en la retina del cinéfilo, recordándonos tal vez a la inquietante señora Danvers de la extraordinaria Rebecca e incluso al humor ácido y negro que estilaba la impasible Miércoles de la familia Addams, que hemos podido disfrutar últimamente. El filme se convierte en una de las sorpresas más estimulantes de la temporada. Una cinta elegante, perversa y sumamente magnética.

Mi nota es: 8

Estreno en España: 13 de noviembre.

Reparto: Maika Monroe, Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Ruth Wilson, Jacobi Jupe, Evie Templeton, Paul Reid, Katherine Moran, Amy De Bhún, Alan Devally, Simon Coury y Dagmar Döring.

Productora: Traffic// Anonymous Content.

Distribuidora en España: Diamond Films España.

Filmografía: Zachary Wigon estudió en la prestigiosa Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York. Se inició con los cortometrajes “Passed” (2007), “Don’t Walk Away in Silence” (2008) y “Someone Else’s Heart” (2012); debutando con el largometraje “The Heart Machine” (2014), continuando con “El templo” (2022) y este año nos presenta en las salas “Victorian Psycho” (2026).

EL FICX NOS INFORMA SOBRE LAS COMPETICIONES INTERNACIONALES ALBAR Y RETUEYOS

El FICX nos informa que 33 películas internacionales toman el pulso al presente en ALBAR y RETUEYOS

El Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón revela las competiciones internacionales Albar y Retueyos de su 64.ª edición con el estreno absoluto en España de 33 largometrajes, algunos de ellos procedentes de las principales citas cinematográficas del año. Cannes, Berlín, Venecia, Locarno, Sundance, Róterdam, Karlovy Vary o Visions du Réel trazan parte del recorrido previo de unas películas que combinan nombres fundamentales del cine contemporáneo con cineastas emergentes y debuts internacionales. Entre ficciones, documentales y propuestas híbridas, ambas competiciones exploran desde perspectivas muy distintas los vínculos familiares y afectivos, las formas del deseo, la memoria histórica y personal, las desigualdades económicas, la experiencia migratoria o las tensiones entre individuo y comunidad.

Albar: vidas bajo presión

La Competición Internacional Albar incorpora a su selección Todo el mundo quiere a Bill Evans (Everybody Digs Bill Evans) (Irlanda, Reino Unido, 2026), con la que Grant Gee obtuvo el Oso de Plata a la Mejor Dirección en la Berlinale. El documentalista británico, autor de trabajos musicales dedicados a Radiohead y Joy Division, debuta en la ficción con un retrato del pianista Bill Evans centrado en los meses posteriores a la muerte de su contrabajista Scott LaFaro, cuando el músico interrumpió su actividad. Anders Danielsen Lie protagoniza esta adaptación de la novela Intermission, de Owen Martell, acompañado por Bill Pullman y Laurie Metcalf. La película será distribuida en España por Cinemaran.

También desde la Berlinale, donde tuvo su estreno mundial en Panorama, llegará Mouse (Estados Unidos, 2026), de Kelly O’Sullivan y Alex Thompson. Tras Ghostlight, el dúo estadounidense vuelve a explorar las complejidades de los afectos y las relaciones familiares con una historia ambientada en Arkansas en 2002. Minnie, una adolescente marcada por la muerte de su mejor amiga, establece una relación cada vez más estrecha con la madre de esta, mientras intenta descubrir quién es fuera de la identidad que ambas compartían. Katherine Mallen Kupferer y Sophie Okonedo encabezan un reparto que incluye a Chloe Coleman, Iman Vellani y David Hyde Pierce. Flamingo Films distribuirá la película en España.

El cineasta húngaro László Nemes, ganador del Óscar y del Gran Premio de Cannes con El hijo de Saúl, regresará al FICX con Moulin (Francia, 2026), estrenada en la Competición Oficial de Cannes. Gilles Lellouche interpreta al resistente francés Jean Moulin durante los días posteriores a su detención en junio de 1943, enfrentado a los interrogatorios de Klaus Barbie, encarnado por Lars Eidinger. Lejos de las convenciones del biopic, Nemes concentra su relato en la percepción del protagonista y en la experiencia física de la resistencia en un trabajo que discurre entre el polar francés y el thriller psicológico. El director mantiene además un vínculo con Gijón/Xixón, donde estrenó su cortometraje The Counterpart en 2008. BTeam Pictures distribuirá Moulin en España.

Jeanne Herry llegará a Albar con Garance (Francia, 2026), estrenada mundialmente en la Competición Oficial de Cannes. Adèle Exarchopoulos (La vida de Adèle) interpreta a una joven actriz cuya vida se despliega durante ocho años entre trabajos, mudanzas, relaciones sentimentales y una dependencia del alcohol que condiciona progresivamente sus vínculos personales. Acompañada en el reparto por Sara Giraudeau, la protagonista atraviesa un proceso de transformación que Herry construye a partir del testimonio real de una mujer sobre su adicción y recuperación. La directora combina así su habitual atención a los afectos con una exploración de la fragilidad, el deseo y la posibilidad de reconstruirse.

Desde la Competición Internacional de Locarno llegará Princesa Burro (Chile, Francia, Uruguay, Países Bajos, Alemania, 2026), de Cristóbal León y Joaquín Cociña, autores de videoclips para The Smile o PJ Harvey y de La casa lobo, ganadora del Premio Caligari de la Berlinale y presentada en Llendes del FICX en 2018. Los cineastas chilenos reinterpretan libremente el imaginario de los cuentos de hadas, combinando imagen real, animación, marionetas y efectos artesanales. Antonia Giesen interpreta a una princesa que, después de que su padre destierre al hombre del que está enamorada, emprende un viaje a través de diferentes mundos. Con música de Jean-Benoît Dunckel, integrante de Air, la película prolonga una investigación artística que convierte el propio proceso de fabricación de las imágenes en parte esencial de la experiencia cinematográfica.

La ópera prima del danés Mads Mengel, La invitada (Gæsten, Dinamarca, 2026), llegará a Gijón/Xixón tras obtener el Premio Especial del Jurado y el Premio a la Mejor Dirección en Karlovy Vary. Durante una celebración familiar en un hotel junto al mar, la aparición inesperada de Vibeke, una madre que llevaba años apartada de su hijo, desata una sucesión de enfrentamientos y antiguos resentimientos. Trine Dyrholm, Simon Bennebjerg y Josephine Park protagonizan este drama que indaga en los mecanismos de la culpa, las heridas heredadas y los límites del perdón, utilizando la reunión familiar como un espacio donde las convenciones sociales apenas consiguen contener los conflictos. Su distribución española correrá a cargo de Karma Films.

También competirá en Albar Fujiko (Japón, 2026), segundo largometraje de Taichi Kimura, ganador del Golden Mulberry —máximo galardón del Far East Film Festival de Udine— y del Black Dragon Audience Award. Inspirada en la historia de la madre del propio cineasta, la película se sitúa en el Japón de finales de los años setenta y sigue a una mujer que decide criar sola a su hija, desafiando las presiones familiares y las convenciones de una sociedad poco dispuesta a aceptar su independencia. Yuki Katayama encabeza esta historia de emancipación femenina que evita el melodrama convencional para reivindicar el vitalismo, la determinación y la conquista de una vida propia. La Aventura Cine se encargará de su distribución en España.

El actor Noah Segan debuta en la dirección de largometrajes con The Only Living Pickpocket in New York (Estados Unidos, 2026), presentada en Sundance antes de pasar también por la Berlinale. John Turturro interpreta a Harry, un veterano carterista neoyorquino cuyo oficio parece condenado a desaparecer en una ciudad dominada por los pagos electrónicos y las tecnologías digitales. El robo de una cartera que contiene información comprometida lo arrastra a una carrera por recuperar aquello que ha sustraído. Steve Buscemi, Giancarlo Esposito, Tatiana Maslany y Jamie Lee Curtis completan el reparto de un relato criminal que recupera el espíritu del cine negro neoyorquino para reflexionar sobre la obsolescencia, el paso del tiempo y la transformación de la ciudad.

Otro regreso al FICX será el de Nicolas Pariser, cuya película Le parfum vert clausuró la 60.ª edición del Festival. Su cuarto largometraje, Un peu avant minuit (One Minute to Midnight, Francia, 2026), tuvo su estreno mundial en la Competición Oficial del Festival de Venecia. Melvil Poupaud interpreta a Léo, un hombre cercano a los cincuenta años que, mientras afronta una separación, descubre que ha muerto su padre biológico, al que nunca conoció. Antes de viajar a Italia para resolver una herencia, regresa a París y comienza a revisar su pasado sentimental y sus relaciones con las mujeres. Chiara Mastroianni, Anaïs Demoustier y Golshifteh Farahani completan el reparto de esta exploración de la identidad masculina y sus contradicciones. La película será presentada fuera de competición como parte de la Sección Oficial Albar.

Entre los títulos ya anunciados, varias películas convierten las imágenes y la representación en materia central de sus relatos. Adieu monde cruel (Goodbye Cruel World), de Félix de Givry, reivindica el artificio y la fabulación frente a la crueldad del realismo; Diario de una camarera, de Radu Jude, mezcla diarios, teatro y comunicaciones audiovisuales; Les Indes de Pauline Julier y Nicolas Chapoulier, parte del viaje de un retrato de Velázquez para interrogar sobre la función política de las imágenes; y La noche de la infancia, de Xisi Sofia Ye Chen, entrelaza memoria familiar, cine y diáspora. También Nowhere to Lay My Eyes, de Hong Sangsoo, hace de la creación artística el motor de un reencuentro entre generaciones.

Por su parte, I See Buildings Fall Like Lightning, de Clio Barnard, confronta a las viejas amistades con la irrupción de diferentes trayectorias económicas y vitales. My Wife Cries de Angela Schanelec, explora la distancia emocional a través de silencios, cuerpos y gestos; Shame and Money, de Visar Morina, convierte la precariedad en una cuestión de dignidad; y The Dreamed Adventure, de Valeska Grisebach, desplaza su mirada a un universo masculino atravesado por el contrabando, el poder y antiguas lealtades.

Retueyos: otras voces para un presente en transformación

La Competición Internacional Retueyos tendrá como película inaugural Flesh and Fuel (Du fioul dans les artères, Francia, Polonia, 2026), ópera prima de Pierre Le Gall, estrenada mundialmente como sesión especial de la Semana de la Crítica de Cannes y galardonada durante el festival con la Queer Palm Révélation. Alexis Manenti y Julian Świeżewski encarnan a dos camioneros que intentan construir una relación sentimental sometida a rutas incompatibles, horarios de trabajo y miles de kilómetros de distancia. Le Gall convierte así la carretera en un espacio donde la precariedad laboral y la organización económica del tiempo determinan también la posibilidad misma de amar. Elástica será la encargada de distribuir la película en España.

La alemana Women as Lovers (Alemania, Luxemburgo, 2026), debut en el largometraje de Koxi, tuvo su estreno mundial en el Forum de la Berlinale. La cineasta traslada al presente la novela homónima publicada por la Premio Nobel de Literatura (y autora de La pianista) Elfriede Jelinek en 1975 para confrontar a Brigitte, una azafata de ferias de mediana edad interpretada por Johanna Wokalek, con Paula, una joven encarnada por Hannah Schiller que busca notoriedad en internet. Redes sociales, autoexplotación y mercado afectivo actualizan la corrosiva reflexión de Jelinek sobre el valor económico atribuido al cuerpo femenino y las promesas del capitalismo como vía de realización personal.

El documental Meanwhile in Namibia (Alemania, Namibia, 2026), primer largometraje de Jonas Spriestersbach, llegará después de su estreno mundial en la Competición Internacional de Visions du Réel y de obtener la VIKTORIA DOK.deutsch en DOK.fest München. Más de un siglo después del genocidio de los herero y nama durante la colonización alemana, Spriestersbach observa la permanencia de aquellas estructuras en el turismo y determinados proyectos de cooperación. Entre ellos aparecen los llamados «Living Museums», donde comunidades locales representan para visitantes una cultura precolonial que la propia colonización contribuyó a destruir. Sin narración explicativa, la película confía a la observación y al montaje su crítica de la memoria colonial europea y de sus supervivencias contemporáneas.

Tras el éxito internacional de Hive, Blerta Basholli presenta Dua (Kosovo, Suiza, Francia, 2026), segundo largometraje de la cineasta kosovar, estrenado mundialmente en competición en la Semana de la Crítica de Cannes, donde obtuvo el Premio SACD. Ambientada en Pristina a finales de los años noventa, sigue a una adolescente de trece años mientras las tensiones étnicas y la guerra penetran progresivamente en una vida que hasta entonces parecía gobernada por problemas cotidianos. Basholli, que tenía quince años cuando comenzó el conflicto, parte de recuerdos de su propia generación y mantiene buena parte de la violencia fuera de campo para hacerla llegar a través del miedo, los sonidos y las conversaciones adultas. Dua es además la candidata oficial de Kosovo al Óscar a la Mejor Película Internacional.

La Competición Internacional de Locarno acogió el estreno mundial de Objet a (Alemania, Luxemburgo, Grecia, 2026), segundo largometraje de ficción de Ann Oren tras Piaffe. Interpretada por Aenne Schwarz, Louis Hofmann y Simone Bucio, la película parte del concepto lacaniano del objet petit a, aquello que provoca el deseo sin poder llegar nunca a satisfacerlo plenamente. Oren sitúa en el centro a un matrimonio de cirujanos especializados en las manos y construye a partir de ellos una exploración física del tacto, los objetos, los fetiches y el cuerpo. Si Piaffe nacía de una investigación sobre el sonido, Objet a desplaza esa búsqueda hacia lo táctil y lo visual en un film de una gran y perturbadora belleza estética.

Las Giornate degli Autori de Venecia acogieron I Plant My Hand in the Garden (Alemania, Serbia, Estados Unidos, 2026), primer largometraje de Hoda Taheri y Boris Hadžija. Los propios cineastas interpretan versiones de sí mismos en una ficción inspirada en sus experiencias: Hoda, refugiada iraní embarazada en Berlín, y Boris, hombre queer de origen serbio, deciden casarse y criar juntos al futuro hijo. La burocracia, las familias y las ideas heredadas sobre pareja y paternidad someten a prueba ese proyecto de familia elegida. Con largos planos, discontinuidades temporales y constantes desplazamientos entre autobiografía e invención, Taheri y Hadžija convierten también en materia narrativa la dificultad de separar la vida de su representación cinematográfica.

Maria Bäck compitió en Locarno con Brave New Love (Dinamarca, Suecia, Grecia, 2026), en cuyo guión participa Eskil Vogt, colaborador habitual de Joachim Trier y doblemente nominado al Oscar por La peor persona del mundo y Valor sentimental. Kathrine Thorborg Johansen interpreta a Kate, una hipnoterapeuta casada y madre de una hija que mantiene desde hace años otra relación sentimental con Andreas, encarnado por Anders Danielsen Lie. En lugar de convertir el triángulo amoroso en un problema cuya única salida sea elegir entre dos personas, Bäck utiliza el humor, la incomodidad y el extrañamiento para interrogar las convenciones sobre fidelidad, pareja y posesión afectiva, y preguntarse hasta qué punto esas reglas responden todavía a la experiencia real del deseo.

El Premio Orizzonti a la Mejor Película del Festival de Venecia avala Un détour par Diane (Bélgica, Francia, 2026), de Ann Sirot y Raphaël Balboni. Diane descubre que su madre fue violada tres años antes de que ella naciera y decide buscar al responsable, mientras la mujer a quien pretende vengar quiere precisamente dejar atrás ese episodio. Los directores cruzan los códigos del wéstern y el relato de venganza con el drama familiar y su característica veta cómica, desplazando el enfrentamiento decisivo hacia dos formas radicalmente distintas de relacionarse con un mismo trauma: la necesidad de recordar frente al derecho a olvidar. La película llegará a las salas de la mano de Elástica.

En Retueyos, varias de las películas ya anunciadas se construyen alrededor de personajes obligados a redefinir su lugar en el mundo. Supporting Role de Ana Urushadze, convierte la pérdida de protagonismo de una antigua estrella en crisis de identidad; Memorizu de Miiku Sakanishi, aborda la memoria y la ausencia a través de las imágenes familiares; I’ll Be Gone in June, de Katharina Rivilis, acompaña a una joven en una experiencia de descubrimiento marcada por el viaje, el deseo y la conciencia de que algunos vínculos están destinados a ser provisionales.

La familia aparece como otro elemento de fricción en Honey Bunny, de Igor Jelinović, donde una disputa inmobiliaria entre hermanas revela agravios y sacrificios acumulados; A Family, de Mees Peijnenburg, que observa una separación desde la experiencia de los hijos; Las convulsiones, de David Gutiérrez Camps, que enfrenta un proyecto de autosuficiencia con una incertidumbre imposible de controlar; y Las Mantis, de Dídac Gimeno, que se aproxima al duelo adolescente desde la posibilidad que lo sobrenatural abra una vía hacia aquello de lo que resulta imposible despedirse.

SECCIÓN OFICIAL - COMPETICIÓN ALBAR

Adieu monde cruel (Goodbye Cruel World) — Félix de Givry

Todo el mundo quiere a Bill Evans (Everybody Digs Bill Evans) — Grant Gee

Fujiko — Taichi Kimura

Garance — Jeanne Herry

I See Buildings Fall Like Lightning — Clio Barnard

La noche de la infancia — Xisi Sofia Ye Chen

Diario de una camarera (The Diary of a Chambermaid) — Radu Jude

Les Indes — Pauline Julier y Nicolas Chapoulie

Moulin — László Nemes

Mouse — Kelly O’Sullivan y Alex Thompson

My Wife Cries (Meine Frau weint) — Angela Schanelec

Nowhere to Lay My Eyes — Hong Sangsoo

Princesa Burro — Cristóbal León y Joaquín Cociña

Shame and Money — Visar Morina

The Dreamed Adventure — Valeska Grisebach

La invitada — Mads Mengel

The Only Living Pickpocket in New York — Noah Segan

Un peu avant minuit (One Minute to Midnight) — Nicolas Pariser (Fuera de Competición)

SECCIÓN OFICIAL - COMPETICIÓN RETUEYOS

A Family — Mees Peijnenburg

 Brave New Love — Maria Bäck

Dua — Blerta Basholli

Flesh and Fuel (Du fioul dans les artères) — Pierre Le Gall (Película Inaugural)

Honey Bunny — Igor Jelinović

I Plant My Hand in the Garden — Hoda Taheri y Boris Hadžija

I’ll Be Gone in June — Katharina Rivilis

Las convulsiones — David Gutiérrez Camps

Las Mantis — Dídac Gimeno

Meanwhile in Namibia — Jonas Spriestersbach

Memorizu — Miiku Sakanishi

Objet a — Ann Oren

Supporting Role — Ana Urushadze

Un détour par Diane — Ann Sirot y Raphaël Balboni

Women as Lovers — Koxi

CINE Y FESTIVALES (CCXXVI)

BTEAM PICTURES nos informa que “ALTAS CAPACIDADES” continúa su recorrido internacional en El Monte-Carlo Film Festival.

Tras alzarse con los premios a Mejor Película y Mejor Guion en el Festival de Santander y consolidarse entre las películas más vistas de Movistar Plus+, Altas Capacidades competirá en la sección oficial de la 23.ª edición del Monte-Carlo Film Festival el próximo 11 de noviembre.

Altas Capacidades, escrita por Borja Cobeaga y Víctor García León y dirigida por este último, sigue sumando reconocimientos y ampliando su recorrido internacional. La película participará el próximo 11 de noviembre en la sección oficial del Monte-Carlo Film Festival, festival internacional dedicado al cine de comedia y contará con la presencia de Borja Cobeaga.

Con la participación de RTVE, de Movistar Plus+, ORANGE y la financiación del ICAA, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, la participación en este festival supone un nuevo paso en la trayectoria internacional de una película que, desde su estreno en el Festival de Málaga y su posterior paso por salas, no ha dejado de cosechar éxitos y conectar con el público.

Monte-Carlo Film Festival

Creado y dirigido por Ezio Greggio, el festival se ha consolidado como una cita internacional dedicada a reivindicar y celebrar el cine de comedia en todas sus formas, reuniendo películas y profesionales de distintos países. Celebrará su 23.ª edición en Grimaldi Forum de Mónaco entre los días 11 y 14 de noviembre.

Altas Capacidades competirá en una edición que contará con un jurado internacional presidido por el director y guionista italiano Fausto Brizzi, acompañado por Paul Belmondo, Vanessa Incontrada e Yvonne Sciò. Entre los invitados especiales a la gala de clausura, prevista para el 14 de noviembre, destacan el cineasta Luc Besson y el actor y director Sergio Castellitto.

Esta nueva participación internacional se suma al recorrido de la película, que también ha formado parte del Festival Internacional de Cine de San Sebastián y ha ampliado su presencia en el circuito internacional con su estreno en Taiwán y su participación en el London Spanish Film Festival.

Festival de Santander

Altas Capacidades ha sido distinguida con dos galardones en la Sección Oficial Cantabria Infinita del Festival de Santander, donde se ha alzado con los premios a Mejor Película y Mejor Guion

Un éxito también en Movistar +

Desde su llegada a Movistar Plus+ el pasado 31 de julio, Altas Capacidades ha mantenido una excelente trayectoria en la plataforma. Durante sus dos primeras semanas se situó en el número uno de visionados y, mes y medio después de su estreno, continuaba entre las diez películas más vistas.

SINOPSIS: Alicia y Gonzalo, una pareja de clase media, se encuentran con la oportunidad de matricular a su hijo Fer en un colegio laico de élite. Para los padres supone asomar la cabeza en la clase alta, nuevas amistades, mayores ingresos, ventajas incontables. Dicen hacerlo por su hijo y sus «supuestas» altas capacidades.

En esta maravillosa contradicción entre los miedos y los principios morales, las altas aspiraciones de la pareja revelarán hasta dónde están dispuestos a llegar para cambiar de clase.

A Contracorriente Films nos informa que “ONCE UPON A TIME IN A CINEMA” de David Gleeson, clausurará el Festival de Sevilla.

ONCE UPON A TIME IN A CINEMA será la película encargada de clausurar el Festival de Sevilla, el próximo 14 de noviembre, dentro de la Sección Oficial (Fuera de Competición). La nueva película del director y guionista irlandés David Gleeson ("Tolkien") se estrenará en 2027 de la mano de A Contracorriente Films.

Concebida como una oda a las salas de cine, “Once upon a time in a cinema” transcurre durante una única noche de viernes en un cine de una pequeña localidad irlandesa en 1984. Mientras en la pantalla se proyecta "Vivir sin aliento", remake estadounidense de "Al final de la escapada" de Godard y protagonizada por Richard Gere, el gerente de la sala debe hacer frente a una sucesión de contratiempos que dan lugar a una noche en la que lo que sucede fuera de la pantalla acaba siendo tan revelador como la propia película que se proyecta.

Protagonizada por Colin Morgan, junto a Niamh Cusack, Stanley Townsend y Calam Lynch, la película combina humor y emoción en una historia sobre el vínculo entre el cine y el peso que tiene en las comunidades que lo acogen.

La cinta tiene un marcado carácter autobiográfico para David Gleeson, que creció en una familia dedicada a la exhibición cinematográfica durante tres generaciones. Su padre, Eddie Gleeson, dedicó 78 años de su vida a la industria del cine, una trayectoria que constituye el punto de partida de este homenaje a quienes han mantenido vivas las salas de cine.

Sinopsis: Earl Clancy es el propietario de un cine al borde del desastre en una pequeña población irlandesa. Un viernes por la noche se enfrenta a una serie de complicaciones, mientras intenta lidiar con sus problemas personales y el caos de una sala abarrotada.

FILMAX nos informa que “HEYSEL 85” se estrenará en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Gijón

Filmax se complace en anunciar que el largometraje "HEYSEL 85", dirigido por Teodora Ana Mihai, se estrena en España tras un largo recorrido por festivales internacionales como la Berlinale Special Gala, Sydney Film Festival, los BFI London Film Festival, Tokyo International Film Festival y el BAFICI, donde se alzó con el premio a Mejor Dirección en la sección Vanguardia y Género.

Ambientada en Bruselas en 1985, "HEYSEL 85" aborda la tragedia ocurrida durante la final de la Copa de Europa entre el Liverpool y la Juventus, en la que murieron 39 personas. A través de Marie, hija del alcalde y su responsable de prensa, y Luca, un periodista italiano, la película desplaza la mirada más allá de las gradas para adentrarse en la tensión política, institucional y mediática que rodeó los acontecimientos. Lejos de limitarse a reconstruir la violencia, Mihai indaga en sus mecanismos subterráneos, en los pasillos del poder y en los dilemas que emergen cuando el deber profesional, la lealtad familiar y la responsabilidad moral entran en conflicto. ¿Cómo actuar cuando la neutralidad deja de ser una opción?

"HEYSEL 85" es el tercer largometraje de ficción de Teodora Ana Mihai. Su primer documental, 'Waiting for August' (2014), obtuvo numerosos reconocimientos internacionales, entre ellos una mención especial en Visions du Réel y una nominación en los EFA. En 2021 estrenó 'La Civil', su primer largometraje de ficción coproducido por los hermanos Dardenne y Christian Mungiu y distinguido con el Prix de l’Audace en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. 'Traffic' (2024), su segunda película, fue la representante de Rumania en la carrera de los premios Oscar 2025.

Coproducida entre Bélgica, Países Bajos y Alemania, "HEYSEL 85" se presentará en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de Gijón el próximo 14 de noviembre, en una proyección que contará con la presencia de su actriz protagonista, Violet Braeckman. La película llegará a las salas españolas de la mano de Filmax el próximo año.

Sinopsis: Bruselas, 1985. Minutos antes de la final de la Copa de Europa entre el Liverpool y la Juventus, se desata la violencia en el estadio de Heysel dejando 39 muertos. En medio del caos, la hija del alcalde y un periodista se ven arrastrados al centro de la tragedia, atrapados entre el deber profesional, la lealtad familiar y la responsabilidad moral.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “CRISPR: LA SECUENCIA DE LA VIDA” se estrena en el Festival Márgenes con una experiencia que une cine, música y arte digital.

CRISPR: La secuencia de la vida, el nuevo documental experimental de Pablo Macías y Paloma Peñarrubia, ha sido seleccionado en el Festival Márgenes, donde celebrará su estreno absoluto con una propuesta que trasciende la pantalla y conecta cine, música y arte digital. La película se presentará acompañada de un espectáculo, en una experiencia que refleja la naturaleza híbrida de un proyecto situado en el encuentro entre la creación artística, la investigación científica y las nuevas tecnologías. El documental se proyectará dentro de la sección PLAYLIST el 26 de noviembre y el concierto será el día 27 de noviembre en La Casa Encendida.

SINOPSIS: ¿Puede la música ser creada a partir del ADN? CRISPR: La secuencia de la vida es un viaje a través del conocimiento, la ciencia y las artes en la cultura europea contemporánea. La película sigue a la compositora andaluza Paloma Peñarrubia y al colectivo de arte digital BROMO en un proyecto de creación y divulgación científica inspirado en CRISPR, la innovadora herramienta de edición genética. A través de la experimentación artística y de conversaciones con científicos de reconocido prestigio, el documental explora las aplicaciones de esta tecnología y los desafíos éticos que plantea.

MÁS ALLÁ DE LA DIVULGACIÓN CIENTÍFICA

A lo largo de este recorrido, el proyecto establece un diálogo entre arte y conocimiento científico a través de encuentros con investigadores de Andalucía y de otros puntos de Europa, cuyos trabajos han contribuido al avance de la genética. Entre ellos figuran Francisco J. Martínez Mojica, Lluis Montoliu y Eudald Carbonell, junto a otros especialistas que aportan distintas perspectivas sobre la biotecnología, la evolución y los límites de la intervención humana sobre la vida.

CRISPR: la secuencia de la vida propone una aproximación creativa a las transformaciones que la tecnología introduce en nuestra manera de comprender el mundo. La música, las imágenes y el arte digital se convierten en herramientas para explorar una cuestión de creciente relevancia, acerca de qué posibilidades abre la capacidad de modificar el ADN y qué preguntas éticas, sociales y filosóficas surgen cuando la ciencia amplía sus posibilidades de intervenir en los procesos de la vida.

UN PROYECTO ENTRE EL CINE, LA MÚSICA Y LA CIENCIA

La propuesta del colectivo Bromo va más allá de un concierto audiovisual de música experimental y arte generativo. CRISPR the pattern of life es su nuevo espectáculo. Un tránsito hacia el conocimiento, un acercamiento a uno de los avances más emocionantes en la historia de la biotecnología.

¿Estamos preparados para asumir los cambios derivados de CRISPR?

Desde el descubrimiento de los sistemas CRISPR por Francis Mojica, hasta el desarrollo de las primeras aplicaciones, esta tecnología capaz de modificar nuestra secuencia de ADN ha revolucionado la historia de la ingeniería genética. Editar al ser humano, diseñarnos, mejorarnos... ¿Hacia dónde nos dirigimos como especie? Del Transhumanismo a la Des-extinción de especies, este espectáculo muestra algunas de las aplicaciones y límites éticos que plantea esta tecnología.

Sonidos contundentes con pasajes emocionantes y abstractos, durante el espectáculo desfilan una amalgama de texturas orgánicas y conceptos sonoros que nos harán bailar, emocionarnos y cautivar nuestra atención. Así, la experiencia se convierte en un viaje musical y visual cargado de significados y mensajes, de paisajes imposibles de imágenes generativas y naturalezas reinterpretadas que sumergen al espectador en el universo de la biología sintética y la filosofía de la evolución.

UN DOCUMENTAL ESCRITO Y DIRIGIDO A CUATRO MANOS

Paloma Peñarrubia es compositora de cine, publicidad y artes escénicas. Ha realizado la banda sonora original para más de 20 largometrajes, numerosos cortometrajes y producciones teatrales y más de una treintena de anuncios. Nominada en dos ocasiones a Mejor Canción Original en los Premios Goya por Un paraíso en el Sur de la película La Vida Chipén, y La arepera por Caigan las rosas, así como en el Festival Vashon Film de EEUU, por la película Secaderos. Peñarrubia ha sido galardonada en numerosas ocasiones por sus bandas sonoras en premios tan prestigiosos como la Biznaga de Plata del Festival de cine de Málaga con Bajo la piel de lobo. Miembro de la academia de cine de España, con CRISPR la secuencia de la vida se estrena como codirectora, coguionista y coproductora junto a Pablo Macías. Además de firmar, como no, la banda sonora del documental.

Pablo Macías es cineasta, guionista y realizador audiovisual con más de veinte años de trayectoria vinculada al cine documental, la música y la creación contemporánea, con especial interés por la memoria, la identidad y los procesos creativos. En 2019 se dirigió La vida perra, reconocido como Mejor Largometraje de No Ficción en los Premios ASECAN y Mejor Documental en el Festival Nuevo Cine Andaluz de Casares. En 2021 codirigió (A)plomo, que obtuvo una Biznaga de Plata en la Sección Oficial del Festival de Málaga y fue nominado a los Premios Carmen. También participó en la creación escénica de Dar Ghost, premiada como Mejor Espectáculo de Teatro para Adultos en los Premios Ateneo de Teatro de 2026. Su trayectoria incluye proyectos vinculados a la cultura independiente, como Meet the Creators, realizado junto a Staf Magazine, y la creación de visuales para ABARAZ, espectáculo audiovisual de la banda de Portland Seffarine, presentado en Estados Unidos en 2026. En CRISPR: La secuencia de la vida comparte con Paloma Peñarrubia la dirección, el guion y la producción del largometraje, del que también firma la dirección de fotografía y el montaje.

ELLAS COMUNICACIÓN nos informan que “CRISTINA Y LOS OTROS MUNDOS”, tendrá su estreno mundial en RIZOMA FILM FESTIVAL el 22 de noviembre.

“Cristina y los otros mundos”, la película documental escrita y dirigida por Cristina Andreu sobre la escritora Cristina Fernández Cubas, tendrá su estreno mundial el próximo 22 de noviembre en RIZOMA Film Festival, donde se proyectará en Cineteca Madrid en el marco de la programación del certamen.

Con motivo de su estreno mundial, “Cristina y los otros mundos” presenta su primer teaser tráiler, un avance de este recorrido por el universo personal y creativo de Fernández Cubas, que propone descubrir a la escritora a través de sus recuerdos, sus paisajes y su particular manera de observar y narrar el mundo.

Rodado en Barcelona, Madrid, Montblanc y Arenys de Mar, cuatro lugares especialmente vinculados a la vida de la escritora, “Cristina y los otros mundos” construye un retrato íntimo y riguroso que se adentra en sus raíces, sus viajes, los espacios que ha habitado y su relación con la escritura.

La película se aproxima a una autora que ha desarrollado una voz absolutamente propia, capaz de transformar situaciones aparentemente cotidianas en relatos donde irrumpen el misterio, la extrañeza y lo inesperado.

Cristina Fernández Cubas (Arenys de Mar, 1945) es una de las grandes referentes de la narrativa breve en lengua española. Autora de títulos como Mi hermana Elba, El ángulo del horror o Lo que no se ve, su obra, traducida a numerosos idiomas, ha influido en varias generaciones de lectores y escritores. La escritora acaba de ser distinguida con el Premio Cervantes 2026, el máximo reconocimiento de las letras en lengua española, que se suma a una trayectoria literaria singular, marcada por una exploración constante de las fronteras entre la realidad y la imaginación.

La directora Cristina Andreu, que fue la primera en llevar al cine una obra de Fernández Cubas, Brumal, construye con este documental una mirada de amistad y, a la vez, de gran precisión sobre la figura de la escritora: sus raíces en la costa catalana, su relación con los lugares que ha habitado, sus viajes por el mundo y su manera de entender la escritura como territorio propio.

El documental es una coproducción de Isabel Coixet para Miss Wasabi, y por CaixaForum+, y podrá ser visto próximamente en la plataforma CaixaForum+.

CaixaForum+ es la plataforma de streaming gratuita de la Fundación ”la Caixa” dedicada a la divulgación de la cultura y la ciencia, un espacio digital que cuenta con más de 1.200 horas de contenido que incluyen música, artes, literatura, cine, ciencia y pensamiento, diseñados para acercar el conocimiento a todos los públicos.

“Cristina y los otros mundos” se suma a una tradición de documentales sobre escritores que no buscan únicamente el archivo o la efeméride, sino capturar el pulso vivo de una sensibilidad literaria.

ESTRENOS SERIES INTERNACIONALES NOVIEMBRE 2026

 

Estrenos series internacionales noviembre 2026: 'American Hostage' con Jon Hamm, 'Agallas' y una nueva entrega de 'Objetivo: Apolo' en Movistar Plus

'American Hostage' - Completa desde el jueves 5 de noviembre (ocho episodios) en Movistar Plus.

Cuando la noticia se convirtió en espectáculo. Ambientada en los años setenta, 'American Hostage' sigue el enfrentamiento entre un prestigioso periodista radiofónico (Jon Hamm) y un secuestrador (Giovanni Rivisi) que exige contar su versión de los hechos en directo.

A medio camino entre el true crime, el drama periodístico y el thriller psicológico, convierte una negociación policial en una partida psicológica sobre la verdad, la ética y el poder de los medios de comunicación. Es la adaptación de un podcast en el que participó el propio Jon Hamm.

La serie compite en la Sección Oficial Ficción del South International Series Festival de Cádiz.

'Colin de cuentas' T3 - Completa desde el miércoles 11 de noviembre (ocho episodios) en Movistar Plus.

Lo que un perro ha unido, que no lo separe nadie. Tres años después, Ashley (Harriet Dyer) y Gordon (Patrick Brammall) han seguido caminos separados y han intentado rehacer sus vidas. Sin embargo, un encuentro inesperado vuelve a cruzar sus caminos y a despertar sentimientos que creían superados. Y, por supuesto, Colin, el perro que los unió, sigue formando parte de sus vidas.

Fiel a su estilo, la serie combina humor incómodo, ternura y situaciones tan absurdas como profundamente reconocibles para explorar las contradicciones del amor y la dificultad de pasar página.

Tercera y última temporada de una de las comedias románticas australianas de mayor proyección internacional. Creada, escrita y protagonizada por el matrimonio formado por Harriet Dyer y Patrick Brammall, la serie ha conquistado al público gracias a su humor irreverente, sus personajes imperfectos y una mirada desarmantemente honesta sobre las relaciones de pareja.

Ponte al día: las dos primeras temporadas están disponibles en M+.

'Objetivo: Apolo' - Completa desde el miércoles 18 de noviembre (ocho episodios) en Movistar Plus.

Una nueva misión. Una amenaza global. Una operación de vigilancia del MI6 en Libia se convierte en una crisis internacional cuando el grupo paramilitar Voltov secuestra a una prestigiosa microbióloga con el objetivo de desarrollar un arma biológica capaz de provocar una catástrofe en Europa. Zara Taylor (Ritu Arya) y Vincent Taleb (Tewfik Jallab) vuelven a unir fuerzas para detener una conspiración que los llevará desde Libia hasta Madrid y que parece alcanzar al propio servicio de inteligencia británico.

Segunda entrega de la franquicia televisiva 'Objetivo', continuación directa de 'Objetivo: París' y heredera de la saga cinematográfica protagonizada por Gerard Butler. Más acción, una amenaza biológica de dimensión europea y una trama que se despliega por varios países, manteniendo en el centro la relación entre sus dos protagonistas.

Creada y escrita por Howard Overman, esta segunda entrega potencia su vocación de thriller de acción internacional, con cada episodio planteado alrededor de grandes secuencias de acción y una constante carrera contra el tiempo.

Entre las principales incorporaciones destaca Jacek Koman, como Yuri Mishkin, líder del grupo paramilitar Voltov y gran antagonista de la temporada, y Richard Dormer, como Keane Lawson, antiguo mentor de Zara.

Ponte al día: la primera entrega ('Objetivo: París') está disponible en M+.

'Yellowjackets' - A episodio semanal desde el sábado 21 de noviembre (diez episodios) en Movistar Plus.

El bosque revela sus últimos secretos. La tercera temporada batió récords y su estreno se convirtió en el episodio más visto en la historia de la serie en EE UU. Posteriormente, el final de la tercera temporada superó dicho récord, al alcanzar los tres millones de espectadores a nivel mundial en siete días, sumando tanto la emisión lineal como el streaming.

Sophie Nélisse, Jasmin Savoy Brown, Samantha Hanratty, Sophie Thatcher, Courtney Eaton, Liv Hewson y Nia Sondaya encabezan la línea temporal del pasado, mientras que en la línea temporal del presente figuran Melanie Lynskey, Tawny Cypress, Christina Ricci, Simone Kessell, Warren Kole, Sarah Desjardins y Elijah Wood. Molly Ringwald y June Squibb se incorporan al reparto en la cuarta temporada.

'Yellowjackets' narra la historia de un equipo de fútbol femenino de secundaria que, tras sufrir un accidente aéreo, termina sobreviviendo en una remota región salvaje del norte. La serie relata su transformación: de ser un equipo con dinámicas complejas pasan a convertirse en clanes salvajes. Al mismo tiempo explora las vidas que, casi 25 años después, han intentado reconstruir. La serie está creada por Ashley Lyle y Bart Nickerson, que también ejercen como showrunners, y está producida por Lionsgate Television.

Ponte al día: las tres primeras temporadas están disponibles en M+.

'Babylon Berlin' T5 - Completa desde el miércoles 25 de noviembre (ocho episodios) en Movistar Plus.

El final de una época. El comienzo de una pesadilla. La quinta y última temporada de Babylon Berlin sitúa la acción en febrero de 1933, apenas unos días después del nombramiento de Adolf Hitler como canciller de Alemania. En una ciudad dominada por el miedo, la violencia política y el colapso de las instituciones democráticas, el inspector Gereon Rath (Volker Bruch), un detective marcado por los traumas de la guerra que deberá enfrentarse al desmoronamiento moral de su país, y Charlotte Ritter (Liv Lisa Fries), ya consolidada como una de las investigadoras más brillantes de la policía berlinesa, afrontan la investigación más peligrosa de sus vidas mientras el régimen nazi comienza a consolidar su poder.

La quinta y definitiva temporada del aclamado thriller histórico creado por Tom Tykwer, Achim von Borries y Henk Handloegten. Considerada una de las producciones televisivas europeas más prestigiosas y ambiciosas jamás realizadas, mezcla cine negro, thriller policial, drama político e historia para retratar el derrumbe de la República de Weimar.

En esta última entrega regresan algunos de los rostros más emblemáticos de la serie, entre ellos Lars Eidinger, Mišel Matičević, Benno Fürmann, Ronald Zehrfeld y Fritzi Haberlandt, que vuelven a interpretar a personajes atrapados en una sociedad que desaparece ante sus ojos.

Ponte al día: las cuatro primeras temporadas están disponibles en M+.

'Agallas' - Completa desde el jueves 26 de noviembre (ocho episodios) en Movistar Plus.

Dos mujeres. Una misma meta. Solo una puede ganar. Anna (Roosa Söderholm), una esquiadora de fondo que siempre ha vivido a la sombra de las grandes estrellas, ve aparecer la oportunidad que lleva toda su vida esperando cuando una de las integrantes del equipo desaparece poco antes de una competición. Esto le permite comenzar a entrenar junto a Maria (Sannah Nedergård), la enigmática reina del equipo nacional. Pero cuanto más se acerca Anna al éxito que siempre ha deseado, mayor es el precio que debe pagar. La obsesión por ganar empieza a poner a prueba sus relaciones, sus límites morales y su propia identidad, mientras la aparentemente invulnerable Maria comienza también a resquebrajarse.

Un thriller psicológico finlandés ambientado en el mundo del esquí de fondo de élite que utiliza la competición deportiva para construir una historia sobre ambición, dependencia, sacrificio y obsesión. Creada por Jemina Jokisalo, se adentra en un deporte profundamente ligado a la identidad finlandesa para explorar qué ocurre cuando la persona que más puede ayudarte a alcanzar tu sueño es también quien tiene mayor capacidad para destruirte. La relación entre Anna y Maria se convierte así en el verdadero motor de una serie donde la rivalidad deportiva funciona casi como una relación tóxica, oscilando continuamente entre admiración, necesidad y competencia.

CANNESERIES la definió como una serie adictiva que muestra los sacrificios que esconde el deporte de alto nivel. Dos mujeres, un entorno extremadamente competitivo, la búsqueda obsesiva de la perfección y una rivalidad que progresivamente desdibuja la frontera entre admiración y destrucción.

La serie recibió el premio a Mejor Interpretación en CANNESERIES 2026 para Roosa Söderholm.