EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS: CRÍTICA DE CINE

El reino del planeta de los simios está dirigida por Wes Ball con guion de Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver y Patrick Aison. “Para sobrevivir recuerda tu fuerza, tu compasión, tu misericordia”.

El prólogo nos sitúa en el emotivo entierro de Cesar, frente a una gran roca. Un ritual que finaliza con la cremación de su cuerpo. 300 años después la historia nos traslada a una hermosa selva en donde conoceremos a Noa (Owen Teague), Soona (Lydia Peckham) y Anaya (Travis Jeffery); tres amigos chimpancés que deben buscar un huevo de águila para su iniciación. Cada uno tomará el que le llame, regresando a la colonia en la que todos viven en armonía con las águilas, pero pronto la tranquilidad se ve alterada cuando Proximus Caesar (Kevin Durand), quien ha violado las enseñanzas de Cesar, les ataca, quemando el poblado y llevándose a los supervivientes como esclavos. Noa se queda solo y decide emprender un viaje en busca de su familia. En dicho periplo, lleno de peligros y aventuras, Noa se encontrará con Raka (Peter Macon) y May (Freya Allan).

El artista de efectos visuales, el artista gráfico y el director de cine, Wes Ball, se graduó en la Universidad FSU de las Artes con un BFA en 2002. Debutó con los cortometrajes “Jacob: The Movie” y “A Work in Progress” ambas en 2002 y “Ruin” 2011 y en el largometraje con “El corredor del laberinto” 2014, “El corredor del laberinto: Las pruebas” 2015, “El corredor del laberinto: La cura mortal” 2018 y este año nos ofrece “El reino del planeta de los simios” 2024.

La saga de “El Planeta de los Simios” cuenta con 10 películas, 2 series de televisión, 1 telefilme, 2 documentales y 3 cortometrajes.  Recordemos, en primer lugar, que están basadas en la novela de Pierre Boulle, escrita en 1963 y que cinco años más tarde de su publicación llegaría la primera versión cinematográfica que alcanzó un gran éxito “El Planeta de los Simios” 1968 de Franklin J. Schaffner, interpretada por Charlton Heston encarnando al astronauta George Taylor, a la que siguió “El regreso al planeta de los simios” 1970 de Ted Post, “Huida del planeta de los simios” 1971 de Don Taylor, “La rebelión de los simios” 1972 de J. Lee Thompson y “La batalla por el planeta de los simios” 1973, también de J. Lee Thompson con la que cierra la primera saga de la franquicia. Tendríamos que esperar hasta el comienzo de este siglo, cuando Tim Burton nos presenta “El planeta de los simios” 2001y diez años más tarde se iniciaría una nueva saga compuesta por “El origen del planeta de los simios” 2011 de Rupert Wyatt, “El amanecer del planeta de los simios” 2014 de Matt Reeves y “La guerra del planeta de los simios” 2017 repitiendo en la dirección Matt Reeves y finalizando la segunda saga. Esta magnífica franquicia, ha sido distribuida por 20th Century Fox.

Además cuenta con una serie de televisión “El planeta de los simios” 1974, la serie de animación “Regreso al planeta de los simios” 1975, el telefilme “La vida en el planeta de los simios” 1981 de Alf Kjellin y Arnold Laven, los documentales “Detrás del planeta de los simios” 1998 de Kevin Burns y David Comtois y  “Making Apes: The Artists Who Changed Film” 2019 de William Conlin y para finalizar los cortometrajes “The Gun” 2014 de Dylan Southern y Will Lovelace,  “Quarantine” 2014  de Isaiah Seret y “All Fall Down” de Daniel Thron, las tres en 2014.  Ahora la gran pantalla se felicita en recibir de nuevo a estos simios en lucha constante con los humanos “El reino del planeta de los simios 2024 de Wes Ball.

La nueva entrega de la franquicia sorprende para bien. Una auténtica epopeya disfrutable de principio a fin. Extraordinaria la calidad de los efectos visuales en el uso de la técnica de captura de acción que recrean los cuerpos y rostros de los simios, con absoluta credibilidad. Las miradas, las gesticulaciones, el lenguaje corporal y la forma que tienen de comunicarse; los humaniza y el espectador empatiza al instante con ellos.

Partiendo de un excelente guion escrito por los cuatro guionistas en el cual no dejan nada al azar, pues cada conversación, escena y plano resultan necesarios para el desarrollo de la aventura y del drama que perseguirá a los personajes, el director Wes Ball, desde el inicio, nos expone la filosofía del clan del águila, como se denomina a esta colonia de simios, mostrándonos una hermosa estampa de la comunión existente entre chimpancés y águilas, acatando reglas como dejar al menos un huevo en cada nido de estas majestuosas aves. Una vida sencilla y tranquila en un entorno familiar en el que el paso del tiempo, no ha borrado la huella del hombre, pues entre la maleza, se vislumbran los restos de una ciudad. Esa paz se verá alterada por la presencia de Proximus Caesar.

La lucha del bien y del mal, de la supervivencia y de quienes buscan venganza, del valor de la convivencia, del aprender las lecciones que la vida nos va regalando, de aquellos que se creen dueños por la fuerza y de una verdad incuestionable, que el ser humano es destructivo por naturaleza y de algo aun peor, el no aprender o no querer aprender de los errores, prefiriendo los conflictos antes que la paz, pues de ellos se obtiene mayor rendimiento.

El filme cuenta con un magnífico reparto destacando a Owen Teague, como el protagonista indiscutible que encarna a Noa, un joven valiente que buscará la forma de rescatar a su tribu. Entre el variopinto ramillete de personajes interesantes de analizar, nos topamos con el sabio orangután Raka con su especial sentido del humor y frases incisivas (Peter Macon), la salvaje humana Mae (Freya Allan) dando vida a un personaje desconcertante y clave en el último tramo de la historia o el temeroso e inteligente Trevathan (William H. Macy) y por supuesto mención especial se merece el despiadado rey Proximus Caesar (Kevin Durand); aunque me repetiré que cada actor y actriz están magníficos, pues cada uno tiene una misión que cumplir y lo logra sobradamente.

Resumiendo, estamos ante un filme que contiene todos los ingredientes de una buena película. Posee intensas escenas de acción muy bien coreografiadas, algunas con tal grado de suspense que nos obliga a no apartar la mirada de la pantalla; no faltarán las emociones y sentimientos revelados en las miradas, las respiraciones y los gestos, absolutamente creíbles y por supuesto, el excelente guion y la dirección que dotan, junto al montador Dan Zimmerman, de un gran ritmo que no cesa hasta el final, en sus casi dos horas y media de duración. Destacar también la extraordinaria fotografía de Gyula Pados, quien con sus vigorosos movimientos de cámara, la iluminación, las tramas y la selección de planos, favorece a que nos adentremos en ese universo con total naturalidad y por supuesto, no podría faltar la épica banda sonora de John Paesano, predominando los instrumentos de percusión que elevan aún más la tensión que requiere el filme. Sinceramente, la he disfrutado de principio a fin.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de mayo

REPARTO: Owen Teague, Freya Allan, Peter Macon, Kevin Durand, Travis Jeffery, Lydia Peckham, Neil Sandilands, Sara Wiseman, Ras-Samuel Welda´abzgi, William H. Macy, Eka Darville y Dichen

PRODUCTORA: 20th Century Studios// Fox Studios Australia

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

HASTA EL FIN DEL MUNDO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos, México, Canadá y Dinamarca, Hasta el fin del mundo está escrita y dirigida por Viggo Mortensen.

La acción nos sitúa en un mercado de San Francisco en el siglo XIX. Vivienne Le Coudy (Vicky Krieps), una mujer muy independiente conoce a Holger Olsen (Viggo Mortensen) un inmigrante danés. Tras una pequeña conversación ambos deciden viajar al pueblo de Elk Flats, donde Olsen posee una cabaña. Un lugar desértico que pronto Vivienne  convertirá en un hogar con la ayuda de Holger. Estalla la Guerra de Secesión y él decide alistarse, pues está en contra de la esclavitud. Vivienne se queda sola trabajando la granja y a la vez en el Saloon, como camarera. Una noche, Weston Jeffries (Solly McLeod), el hijo de un importante ganadero de la zona, Alfred Jeffries (Garret Dillahunt), le hace una visita y contra su voluntad, la fuerza.

El actor, compositor, productor y director, Viggo Mortensen, Aprendió castellano en Argentina donde vivió hasta que sus padres se divorciaron, regresando a Nueva York. Se graduó en Política y Español, en la Universidad de Saint Lawrence en 1980. Tras varios años decidió estudiar interpretación en el Warren Robertson´s Theatre Workshop. Los primeros años los dedicó al teatro, primero en Nueva York y más tarde en Los Ángeles, ciudad donde ganó el premio Dramalogue Critics`Award por la obra Bent. Su primer papel para la gran pantalla fue el de Moses Hochleitner en “Único testigo” 1985 de Peter Weir. Ha interpretado a personajes muy importantes pero quizás por el que más se le recuerda es el de Aragorn, en la trilogía de “El Señor de los Anillos” de Peter Jackson. En la dirección debutó con “Falling” 2020 y este año estrena “Hasta el fin del mundo”

Mortensen nos ofrece un western romántico, duro y sucio, en el que no falta ningún ingrediente del género: Espacios abiertos y polvorientos, su Saloon, ranchos con sus caballos, granjas que cultivar, villanos fuera y dentro de la ley, el Alcalde, el Sheriff  y los siempre ciudadanos tranquilos a los que los malos pretenden oprimir. En esta ocasión Viggo, quien realiza gran parte de las funciones del filme, pues dirige, escribe, produce, compone la banda sonora y se reserva el personaje principal; crea una interesante historia de amor a primera vista, entre sus dos protagonistas, un exsoldado y una mujer, que ya de entrada nos la presenta libre y decidida, no dejándose aminorar por nadie ni física ni verbalmente. Un filme en el que los flashback cobran gran importancia.

Como ya he comentado en la sinopsis, se instalan en la granja, un tanto destartalada, que posee Olsen, viviendo una vida sencilla, tranquila y sin altibajos, en donde la verdadera riqueza reside en la relación que ambos alimentan con cada amanecer y anochecer. El punto de inflexión llega cuando Olsen determina unirse a los ejércitos del Norte, para luchar contra la esclavitud; es a partir de ese instante cuando el peso de la narración recae en Vivienne, en sus miradas, trabajo y soledad. Un personaje rico en matices que nos adentrará en el drama más intimista y la violencia explícita que el destino y la tierra le tienen reservado, bajo la magistral interpretación de Vicky Krieps y que Mortensen, no ha dudado en otorgarle todo el protagonismo, aunque él también configura un personaje interesante a través de las miradas que no precisan de palabras, de las palabras necesarias que marcan las pequeñas conversaciones, de las gesticulaciones y de los silencios que van colmando de pequeños detalles su tranquila personalidad. Los dos está bien rodeados de un nutrido grupo de secundarios entre los que destaco a Solly McLeod, interpretando al malo malísimo Weston Jeffries, personaje al que se le odia de principio a fin.

Finalizo comentando que Viggo Mortensen dirige con mano firme esta película, quien además es autor del excelente guion y de la sutil y dramática  banda sonora. Al frente de la fotografía se encuentra Marcel Zyskind, quien retrata con acierto el viejo y polvoriento Oeste. Un sinuoso western para amantes del cine en general.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de mayo.

MUSICA: Viggo Mortensen.

REPARTO: Vicky Krieps, Viggo Mortensen, Garret Dillahunt, W. Earl Brown, Dany Huston, Solly McLeod, Jason Clarke, John Getz, Ray McKinnon, Colin Morgan, Alex Breaux, Michael Weaver, Shane Graham, Luke Reilly, Nadia Litz y Rodrigo Santacruz.

PRODUCTORA: Talipot Studio// Cameio Film Fyn// MStudios// Motor// Tonestyrelsen.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Wanda Visión.

THE PALACE: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Italia, Suiza, Polonia y Francia, The Palace está dirigida por Roman Polanski quien comparte el guion con Jerzy Skolimowski y Eva Piaskowska.

En la mañana del 31 de diciembre de 1999, Hansueli (Oliver Masucci), el gerente del hotel Palace, un castillo construido a principios del siglo XX,  situado en un valle nevado de Suiza, da las últimas instrucciones al personal para que todo salga perfecto y termina con la advertencia de que el paso al nuevo milenio, no será el fin del mundo, como algunos han augurado. Contará con el apoyo de Tonino (Fortunato Cerlino), Mrs. Fraustschi (Beatrice Frey), el Chef (Teco Celio) y el Maître del hotel (Niccolò Senni)

Entre los millonarios excéntricos, que no le pondrán nada fácil la noche al personal, desfilarán: Bill Crush (Michey Rourke), Magnolia (Bronwyn James), el Dr. Lima (Joaquim de Almeida), la Sra. Robinson (Sydne Rome), Caspar Tell (Milán Peschel), Zula (Morgane Polanski) o Anton (Alexander Petrov)

El actor, guionista, productor y director de cine, Roman Polanski, en su juventud estuvo marcado por la invasión nazi en Polonia, viviendo en el Gueto de Varsovia, donde vio como sus padres eran separados en diferentes campos de concentración. Tras finalizar la guerra y regresar a Cracovia, comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Cine de Lodz, trabajando como actor en “Generación” 1955 de Andrzej Wajda. Se inició en el cortometraje, con obras como: “Dos hombres y un armario” 1958, “Ángeles caídos” 1959, “La lámpara” 1959 o  “Mamíferos” 1962. En el largometraje debutó con “El cuchillo en el agua”1962 al que siguió “Respulsión” 1965, “Callejón sin salida” 1966, “El baile de los vampiros” 1967, “Rosemary´s Baby” 1968, “Cinema Different 3” 1970, “Macbeth” 1971, “¿Qué?! 1973, “Chinatown” 1974, “Le Locataire” 1976, “Tess” 1979, “Piratas” 1986, “Frantic” 1988, “Bitter Moon” 1992, “La muerte y la doncella” 1994, “The Ninth Gate” 1999, “El pianista” 2002, “Oliver Twist” 2005, “A cada uno su cine” 2007, “El escritor fantasma” 2010, “Un dios salvaje” 2011, “La Venus de las pieles” 2013, “Basada en hechos reales” 2017, “El oficial y el espía” 2019 y este año nos ofrece “The Palace” 2023.

Creo que he comentado en alguna ocasión, que nunca juzgo a un artista por su vida personal, en esas cuestiones no me meto nunca, por lo que esta crítica es mi opinión personal sobre lo visto en la gran pantalla. Dicho esto, debo reconocer  que personalmente salí impactado e intentando asimilar el aluvión de imágenes, los diálogos sin sentido y el impresionante elenco actoral con el que ha contado Polansky; así que decidí darme algo más de un día para enfrentarme a esta reseña. Puede ser defendible que Roman, el director de obras ya mencionadas y que forman parte de la gran historia del cine, tenga 90 años y aunque merezca todos los aplausos por seguir con energía al pie del cañón, “The Palace”, no le hace ningún bien. Como decía Napoleón “una retirada a tiempo es una victoria” y Polanski, quien no tiene nada que demostrar a estas alturas, en el mundo del cine, no debería dejarnos, al final de su carrera, con este sabor agridulce.

Hablando de lo positivo, el filme cuenta con una soberbia puesta en escena. Una brillante composición de planos y un uso vertiginoso de la cámara, que no se detiene en ningún instante, persiguiendo a cada uno de los invitados a la gran celebración de fin de año y de siglo, pues nos retrotrae al último día de 1999. La iluminación y la fotografía de Pawel Edelman junto al vestuario retro de Carlo Poggioli, el montaje de Hervé de Luze y la banda sonora en la partitura del maestro Alexandre Desplat, lo mejor sin ninguna duda; y lo peor, el desastroso guion que lleva al filme a un precipicio de auténtico despropósito.

Es… como la he terminado bautizando, la comedia Frankenstein, pues está hecha de retazos que pretenden provocar risa y en contadas ocasiones lo consigue. Una mascarada de fin de año por la que desfilan viejas glorias decrépitas, ricachones excéntricos, mafiosos, charlatanes, un pingüino e incluso asistir a través del televisor, al nombramiento de Vladímir Putin como el nuevo presidente de Rusia; todo ello aderezado con viejos chistes que se han quedado demasiado obsoletos, el recurso fácil de la coprofagia, que siempre me ha resultado desagradable o el mal gusto en el uso caricaturesco del maquillaje y peluquería, por mucho que quisiera ridiculizar a la clase media alta. Polanski lleva el exceso a límites que molesta y eso le pasa factura a la película en su conjunto. Un humor grueso y casposo que me ha costado digerir y que en el fondo quiero creer, que ese ha sido su propósito, aunque se ha pasado de frenada.

MI NOTA ES: 5,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de abril.

REPARTO: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Michey Rourke, Bronwyn James, Joaquim de Almeida, Morgane Polanski, Luca Barbareschi, Milán Peschel, Fortunato Cerlino, Sydne Rome, Alexandre Petrov, Beatrice Frey, Anton Pampushnyy, Irina Kastrinidis, Matthew T. Reynolds, Felix Mayr, Teco Celio, Michelle Shapa, Davide Gagliardi, Mía Farrow, Olga Calpajiu, Angelica Barbareschi, Danny Exnar, Emmanuelle Seigner, Suzana Borges, Ema Kovac, Marina Strakhova, Lukas Jakobski, Viktor Dobronravov, Alfredo Tavares, Ilia Volok, Naike Anna Silipo, Kamil Krejčí, Lara Pictet, Francis Chapman, Annick Christiaens, Jay Natelle, Vicent Leittersdorf, Amelie Hug y Stefania Seimur.

PRODUCTORA: Eliseo Cinema// RAI Cinema// CAB Productions// Lucky Bob// R.P. Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España. 

CIVIL WAR: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, Civil War, está escrita y dirigida por Alex Garland.

Sentada sobre la cama de una habitación de hotel, con su cámara entre las manos, la fotógrafa y periodista de guerra Lee Smith (Kirsten Dunst), escucha  a través de la televisión al presidente (Nick Offerman), informar que los miembros de la alianza de Florida y las fuerzas occidentales de Texas y California, serán bienvenidos de nuevo a los Estado Unidos, una vez que su gobierno ilegal y secesionista sea derrocado. Dichas fuerzas se están abriendo camino hacia la Casa Blanca, con la finalidad de matar al presidente.

Lee es consciente de que la guerra está en el punto más álgido y tanto ella como su compañero Joel (Wagner Moura), deciden viajar por carretera hasta Washington D. C. para entrevistar al presidente, antes de que sea demasiado tarde. Junto a ellos viajarán el veterano periodista del New York Time Sammy (Stephen McKinley Henderson) y la joven aspirante a fotógrafa Jessie (Cailee Spaeny), que idolatra a Lee. El viaje se convertirá en un auténtico infierno.

El novelista, guionista, productor de cine y director, Alex Garland, se diplomó en la Universidad de Mánchester en 1992. Su primera novela, “La Playa”, se publicó en 1996 y en 2002, tras varias novelas llevadas al cine, escribe el guion de “28 Days después”. En la dirección debuta con el filme “Ex Machina” 2015, “Aniquilación” 2018, “Men” 2022 y “Civil War” 2024. Para televisión ha dirigido capítulos para las  miniseries “Batman: Black and White” 2008 y “Dews” 2020.

Garland, nos invita a acomodarnos en el auto de estos reporteros de guerra, para viajar junto a ellos, conocerlos y recorrer los 1379 kilómetros que distan hasta la ciudad de Washington. Una odisea colmada de peligros que el director, en más de una ocasión, maneja para hacer crítica política y social sobre el país. Una Road Movie tensa, dramática e intensa. ¿Correctamente política? No lo sé, no conozco tanto ese país como para aventurarme a decir un sí o un no rotundo, pero tampoco importa mucho o sí, ¿Quién sabe?, lo que se puede afirmar es que estamos ante un nuevo filme de acción trepidante, no dando tregua al espectador, entre lo que muestra, insinúa y se escucha.

El director, una vez más, nos demuestra su maestría en la dirección actoral y en esta ocasión se ciñe a cuatro personajes que aun compartiendo la misma afición y ocupación, cada uno acarrea a sus espaldas los fantasmas del pasado, como le sucede al personaje de una soberbia Kirsten Dunst, como lee, cuyo carácter áspero, frío y un tanto cínico, se va aclarando a lo largo del metraje y aun estando acostumbrada a su trabajo, se sigue sorprendiendo ante algunos actos “humanos” y como antagonista, cuenta con una sorprendente Cailee Spaeny, dando voz a Jessie. Su jovialidad y hambre de aventura, serán calmados al enfrentarse a la cruda realidad. Junto a ellas se posiciona Wagner Moura, dando vida a  Joel, un hombre dicharachero, atento a cuando le rodea, apoyo del grupo y adicto a la adrenalina; de su boca oiremos la frase, mientras se escucha y se ve al fondo los reflejos de la guerra, “esto me pone muy palote” y para terminar, Stephen McKinley Henderson, en el papel de veterano periodista, quien conociendo sus limitaciones por la edad, no desea perderse una nueva “aventura”. Cuatro magníficas interpretaciones con las que el espectador empatiza desde el primer instante, pues ofrecen puntos de vista muy diferentes y humanos. Mención especial también merece la breve y a la vez despiadada e impactante interpretación de Jesse Plemons, encarnando a un soldado psicópata. Difícil de olvidar los instantes que permanece en pantalla. Sin duda, uno de esos personajes retorcidos con los que tanto disfruta Garland.

Un viaje por la entrañas del país que muestra más de lo que tal vez, en un primer instante pueda captar el espectador, pero que llegando al final, cuando todo termina y las luces aún permanecen apagadas, nuestro cerebro se esfuerza en ordenar y asimilar cuanto ha visto. Garland, como buen novelista, escribe un guion inteligente aunque se tome ciertas licencias para ganarse el interés del espectador, a quien arrastra en ese periplo hasta ofrecerle un desenlace demoledor, atronador, brutal y de una violencia explícita que nos deja sin respiración. De fotografiar este éxodo, por un país roto por la guerra civil, se encarga el fotógrafo Rob Hardy, quien tomando la cámara en mano, apresa la esencia de los efectos devastadores de la batalla desde los planos psíquicos y físicos, sin ignorar los detalles más simples como los casquillos de las balas sembrando el suelo o las instantáneas de los soldados en el frente, llevadas al blanco y negro. No se precisan palabras cuando las imágenes son tan claras y van acompañadas de una gran aliada, la banda sonora, en esta ocasión de Geoff Barrow y Ben Salisbury; una partitura original e inquietante que juega con temas sobradamente conocidos, con los que pretende quitar cierta tensión al drama que se expone, logrando que esbocemos una sonrisa y por supuesto, el magnífico sonido que abraza al filme.

Mi nota es: 8.5

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de abril

REPARTO: Kirsten Dunst, Wagner Moura, Stephen McKinley Herderson, Cailee Spaeny, Jesse  Plemons, Nick Offerman, Karl Glusman, Sonoya Mizuno, Jonica T. Gibbs. Jefferson White, Karl Glusman, Jonica T. Gibbs, Alexa Mandour, Juani Feliz, Tawan Vihokratana, Jin Ha, Jess Matney, Edmund Donovan, Jared Shaw, Nelson Lee, Christopher Cocke, James Yaegashi, Melissa Saint-Amand, Nelson Leigh, Justin James Boykin, Jeff Bosley, Xavier Mills, Evan Holtzman, Tywaun Tornes, Petey  Majik Nguyen, Brent Moorer Gaskins, Robert Tinsley, Kevin Kedgley, Greg Hill.

PRODUCTORA: A24// DNA Films// VC

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DEAPLANETA.

DRAGONKEEPER: GUARDIANA DE DRAGONES: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y China, DRAGONKEEPER: GUARDIANA DE DRAGONES está dirigida por Salvador Simó Busom y Jianping Li, con guion de Carole Wilkinson, Pablo I. Castrillo, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini y Wang Xianping, basándose en la novela de Carole Kilkinson. “A veces el camino más corto hace el viaje más largo”

Una voz en off nos narra que en otra época, los dragones fueron amigos y aliados de los hombres, pero en la actualidad, en la China Imperial Han, llevan años siendo cazados y encerrados en mazmorras.

Entre las pertenencias de unos comerciantes, dejan abandonada a una niña bebé, cuando estos llegan al poblado, una mujer mayor se hace cargo de la pequeña a la que llama Ping. Ping descubre a dos dragones que están esclavizados y decide ayudarlos. En el intento la dragona muere y el dragón macho entrega a la pequeña un huevo que desprende una fuerte energía azul, mientras intenta librarse de sus captores. Una vez liberado, los dos emprenden una gran aventura en busca de las aguas mágicas en las que debe nacer el pequeño dragón y de esta forma, salvar la estirpe de la extinción.

El animador, guionista y director de cine, Salvador Simó Busom, estudió en la Academia de Arte Taure de Barcelona, graduándose en la especialidad de técnicas de animación. Para continuar con su formación se desplazó hasta Los Ángeles, en donde realizó un curso de animación en el American Animation Institute y más tarde en el Europa de Sony y Pixar. Se inició en el cortometraje con “Aquarium” 2000 y debutó en el largometraje con “Paddle Pop Adventures 2: Journey Into the Kingdom” 2010 continuando con “Petualangan Singa Pemberani” 2012 y “Buñuel en el laberinto de las tortugas” 2018. Para televisión ha dirigido “Las aventuras de Max” 2005, “Paddle Pop Adventures” 2011, la miniserie “Tikis & Mikis” 2012, el especial para televisión “Los descendientes: La boda real”  y el cortometraje “La Autoestima” ambas en 2021. Este año nos presenta  “Dragonkeeper: Guardiana de dragones” 2024 junto a Jianping Li. Jianping es profesor de la Academia de Cine de Pekin, Decano de la Escuela de Animación, secretario General del Comité de Artes de Animación de la Asociación de Artistas de China, vicesecretario General de la Asociación de Animación de China y presidente de la Beijing Film Animatiion Association. De él se conocen tres obras como director: “Journey to the West” 1997, “Zui Ke Ai De Ren” 2020 y la que presenta junto a Salvador “Dragonkeeper: Guardiana de dragones”. También ha producido la serie de 2009 “Dong bei ai qing gu shi”

Estamos ante la adaptación de la primera de las seis novelas de la saga literaria homónima escrita por Carole Wilkinson. Seis novelas divididas en dos trilogías. La primera de ellas la compone “Dragonkeeper: Guardiana de dragones”, “Jardín del Dragón Púrpura” y “Dragón Luna”. La segunda trilogía está formada por “Blood Brothers”, “Shadow Sister” y “Bronze Bird Tower”. A estos seis ejemplares se une la precuela de la original conocida como “Dragon Dawn”

En Dragonkeeper encontramos claras referencias a filmes juveniles de aventuras y acción y en especial a la gran saga “Star Wars” (La guerra de las galaxias)”, en guiños como la importancia de la fuerza interior, la disciplina, el ver como se levantan piedras con el poder de la mente o por poner otro ejemplo, al entrar en contienda no usarán las espadas láser  sino las propias manos de las cuales emanan los colores representativos del bien (azul) y del mal (rojo). También encontramos ciertas similitudes entre Luke Skywalker y  Ping, pues ambos son apartados de sus familias y deberán descubrir cuál es su destino y camino a seguir.

Ping, nos roba el corazón con su nobleza y sencillez, siempre protegida por su amuleto, del cual, en un principio, desconoce su poder. La amistad que surge entre ella y el dragón nos llevará a una gran aventura de la que disfrutan grandes y pequeños, contando con una excelente animación realizada a mano que nos muestra los hermosos paisajes y espacios en los cuales, no falta el más mínimo de los detalles. Luz y color, energía, vida, acción y ritmo, caracterizan a este filme en el que la familia, la unidad, el amor y la lucha por la verdad, serán los temas más relevantes.

Si bien Simó ha sabido captar la atención del espectador, con sus obras, resaltando las emociones y los sentimientos de sus personajes animados, en esta ocasión ha contado con la mano y la experiencia del maestro Jianping Li, enriqueciendo el filme con toda clase de detalles de la China Imperial, escrupulosamente representados entre los tejidos, el vestuario, las texturas, los colores, los adornos, los peinados y complementos en general, instrumentos musicales e incluso el diseño de los dragones o las propias armaduras. Un regalo para la vista y disfrute de los sentidos.  

Estamos por tanto ante una emotiva aventura, la aventura de la vida, del destino, del aprendizaje y del hallar el espacio propio; el que corresponde a cada ser, a cada individuo; todo ello beneficiado por una virtuosa paleta de colores y  la cautivadora banda sonora en la partitura de Arturo Cardelús.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de abril

PRODUCTORA: Guardián De Dragones A.I.E// China Film Animation// Movistar Plus+// Atresmedia Cine

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films. 

ANIMALIA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Marruecos y Francia, Animalia, está dirigida por Sofia Alaoui compartiendo guion con Laurie Bost y Raphaëlle Valbrune-Desplechin. “El mundo físico se basa en uno más complejo”

Itto (Oumaïma Barid), es una joven marroquí de clase humilde casada con Amine (Mehdi Dehbi), un hombre de clase alta que trabaja junto a su padre Mustapha (Az Elarab Kaghat). Está embarazada y le gusta relacionarse con el servicio, algo que su suegra Hajar (Souad Khouyi), desaprueba. Amine le comenta a Itto que pronto serán ricos y que tendrán su propia casa. Salvo Itto, todos deciden acudir a la fiesta que organiza el gobernador, ella prefiere quedarse para descansar, pero los acontecimientos que se avecinan, la llevarán a vivir situaciones insospechadas.

La guionista, productora, ingeniera de sonido, directora de fotografía y directora, Sofia Alaoui, se graduó en bachillerato en el Instituto de Casablanca y se trasladó a París para realizar sus estudios de cine. Una vez finalizados regresó a Casablanca en 2014, creando su propia productora “Jiango Film” y dirigiendo ese mismo año el cortometraje “Los niños de Nablus”. “Kenza des Choux” llegaría en 2017, el mediometraje documental “Las olas o nada” 2019, “¿Qué importa si los animales mueren” 2020 y este año nos ofrece su debut en el largometraje con “Animalia” 2023. También ha dirigido la serie “Bite Size Halloween” 2020

La directora toma como telón de fondo lo desconocido y las supersticiones para adentrarse en el mundo que ella bien conoce, el día a día de un país en el que impera el machismo, mostrándonos situaciones cotidianas en las que ver viajar a una mujer sola o alojarse en un hotel, sin compañía, no están bien vistas por el sexo masculino. Sofía somete a su personaje a un viaje de regreso y a la vez de iniciación en torno a la Existencia, el Todo y el Yo. El valor del instante, la importancia de lo esencial e incluso la negación de Dios.

Animalia resulta una experiencia mística y misteriosa que Alaoui comparte con el espectador a quien conquista desde el inicio con sus precisos movimientos de cámara, a la que dota de personalidad propia, a la vez que nos deleita con una historia colmada de matices que expone con calma, denunciando las claras diferencias entre la ostentación que rodea a los más poderosos habitando lujosas mansiones de espacios colosales y recargadas con una decoración apabullante, frente a la miseria en la que se ven sumidas las gentes humildes y carentes de lo primordial. Es en ese contraste y en ese “regresar” a sus orígenes donde Itto encontrará la clarividencia para sobrevivir en el nuevo orden, en busca de su objetivo.

Dicen que una imagen vale más que mil palabras y aunque el guion escrito a seis manos resulte enérgico y doloroso, conduciéndonos a una necesaria reflexión, será esa cámara, la verdadera compañera y amiga fiel de Itto, quien nos muestre cuanto nos es necesario saber en medio de un nutrido ramillete de planos angulares, generales y medios, sin olvidar los más intimistas y detalle, para sin llegar a saber la razón de ese fenómeno misterioso, que nunca se nos explica, comprender mejor a la protagonista y lo que se genera a su alrededor; en donde los animales como los perros, ovejas o pájaros, formarán parte del entramado dramático, psicológico y hasta terrorífico de la narración. Una fotografía que recae en la mirada incisiva de Noé Bach.

El filme se viste de elegante y dura crítica social, política y religiosa. Una fábula apocalíptica cuya protagonista, una mujer en estado avanzado de embarazo, viajará en busca de su marido y que supondrá toda una revelación para ella, en cuanto a las vivencias y experiencias que percibirá en ese viacrucis personal. Narración que podríamos dividir en tres partes: La primera de ellas descubriendo la humanidad que encierra la joven Itto, la segunda el viaje en sí, entre lo fantástico y lo material y la tercera; el desenlace en el que no queda ningún cabo por atar. Sofia descarga todo el peso de la obra sobre la excelente interpretación de Oumaïma Barid, que en calidad de Itto, nos guiará por la que se podría definir como un encuentro en la tercera fase marroquí

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril.

REPARTO: Oumaïma Barid, Mehdi Dehbi, Fouad Oughaou, Oumaïma Oughaou, Souad Khouyi, Rajaa Essaaidi, Az Elarab Kaghat, Mohamed Lahbib, Mohamed Oughaou y Khadija Chatir.

PRODUCTORA: Wrong Films// Srab Films// Dounia Productions// Jiango Films// arte France Cinéma.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films y Filmin.

GODZILLA Y KONG: EL NUEVO IMPERIO: CRÍTICA DE CINE

 

GODZILLA Y KONG: El nuevo imperio, está dirigida por Adam Wingard compartiendo guion con Terry Rossio, Simon Barrett y Jeremy Slater.

La acción nos sitúa en la Tierra Hueca, un ecosistema similar al que hubo en Isla Calavera. Allí Kong se enfrenta a una manada de lobos hambrientos. Kong atrapa a uno de ellos y delante del resto, lo despedaza, dejando que el líquido verdoso de su interior, caiga sobre su cuerpo; la manada atemorizada decide huir.

En el puesto de observación creado por Monarch en la Tierra Hueca, nos encontramos con personajes ya conocidos como: la lingüista antropológica Rebecca Hall (Ilene Andrews), su hija adoptiva Jia (Kaylee Hottle), una niña huérfana perteneciente a la tribu Iwi que tiene una conexión especial con Kong y Bernie Hayes (Brian Tyree Henry), un teórico de la conspiración quien posee su propio podcast; a ellos se une, en esta nueva aventura, Trapper (Dan Stevens), un osado veterinario. La aparente tranquilidad se ve alterada cuando Kong y Godzilla se alían contra una gran amenaza escondida dentro de nuestro mundo.

El editor, director de fotografía, guionista, productor, compositor y director, Adam Wingard, se graduó en Full Sail University en 2002. Se inició con los cortometrajes “The Little One” 2004, “The Girlfriend” 2005, “Enfermizo” y “1000 Year Sleep” 2007 además de su debut en el largometraje con “Pop Skull” 2007 continuando con “Una manera horrible de morir” 2010, “Autoerotic” junto a Joe Swanberg, “What Fun We Were Having”, “Tú eres el siguiente” y el fragmento de “60 Seconds of Solitude in Year Zero” todas en 2011, “V/H/S junto a un buen número de compañeros 2012, “The Guest” 2014, “Blair Witch” 2016, “Death Note” 2017 y este año nos ofrece “Godzilla y Kong: El nuevo imperio” 2023. También ha dirigido capítulos para la serie “Outcast” 2016 y algunos segmentos de películas junto a otros directores.

Estamos ante la quinta entrega de la franquicia bautizada como el MonsterVerse, en donde los protagonistas absolutos son Godzilla y King Kong y cuya distribución corre a cargo de Warner Bros. y Legendary Entertainment. Haciendo un poco de historia recordamos que todo comenzó con Godzilla 2014 de Gareth Edwards y “Kong: La Isla Calavera” 2017 de Jorda Vogt-Roberts. Ambas se presentaron al público como el reinicio de sus propias franquicias para continuar con “Godzilla: Rey de los monstruos” 2019 de Michael Dougherty, “Godzilla vs. Kong” 2021 de Adam Wingard y tras el éxito de este último título, Adam repite en la dirección junto a algunos de los actores de la anterior entrega con “Godzilla y Kong: El nuevo imperio” 2023.

Reconozco que soy fan absoluto de King Kong desde que siendo muy niño vi en televisión la original de 1933 dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.  Quedé fascinado con las emociones que ofrecía aquel gigantesco y salvaje gorila, hasta el punto que la he visto en varias ocasiones, al igual que las diferentes versiones que se han realizado sobre este monstruo, que nunca lo he visto como tal; en cambio, Godzilla me ha resultado siempre un tanto aburrido y hasta antipático, con esos movimientos tan pesados y la falta absoluta de gesticulación. Mis disculpas a todos los fans de Godzilla. Lo más curioso es que cuando ambos titanes comparten protagonismo, la gran pantalla cobra una magia especial, como ha sucedido desde 1963 con “King Kong contra Godzilla” de Ishirô Honda hasta llegar a la actualidad.

Godzilla y Kong: El nuevo imperio, se presenta al público como un filme de puro entretenimiento para una tarde de primavera. Es sin duda una  de esas películas que no te exige pensar más de lo necesario pero te reclama atención, atención a cuanto el guion nos ofrece, que no es poco, pues no se limita a las batallas campales entre los dos titanes, sino el conocer las emociones de Kong, que ya nos ha mostrado en otros filmes y en mayor o menor medida, las historias de los personajes humanos que les rodean, tanto a él como a Godzilla.

Entre las diversas tramas que traza el guion destacaré a un Kong que se siente solo, se aburre y no cesa en la búsqueda de miembros de su especie, hasta que esa esperanza llega cuando conoce a un pequeño y travieso gorila y del otro lado, están ellos, los humanos, primando la importancia de la familia, de la unidad del grupo y las raíces; conceptos que irán desarrollándose a lo largo de la narración, principalmente en la figura de Jia y de sus antepasados.

Y como no quiero desvelar más, finalizo comentando que cuenta con escenas de acción muy potentes, interpretaciones acordes a sus personajes, el excelente montaje de Josh Schaeffer y por supuesto un cuidadísimo despliegue de efectos visuales, destacando el realismo que alcanza la gran presencia de King Kong, entre otros.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo

REPARTO: Rebecca Hall, Dan Stevens, Brian Tyree Henry, Kaylee Hottle, Fala Chen, Alex Ferns, Rachel House, Millie Bobby Brown, Nicola Crisa, Alexander Skargård, Mercy Cornwall, Julian Dennison, Lance Reddick, Kyle Chandler, Eiza González, Shun Oguri, Jordy Campbell, Eric Lee,

PRODUCTORA: Legendary Pictures// Screen Queensland// Marzano Films// Warner Bros// Toho.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

VINCENT DEBE MORIR: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Francia y Bélgica, Vincent debe morir está dirigida por Stéphan Castang con guion de Mathieu Naert. “La verdadera pregunta no es “por qué”, sino: ¿Cuánto tiempo nos queda?”

Vicent Borel (Karim Leklou) es agredido, en su puesto de trabajo, por un joven en prácticas con un ordenador. Al día siguiente es atacado con un bolígrafo por un contable, clavándoselo repetidas veces en una mano, mientras charlaba con otro compañero. Tras finalizar la jornada queda con una chica, Léna (Léna Dia), en un restaurante y durante la conversación observa, a través de la cristalera, que un mendigo se acerca a él con cara de pocos amigos. El mendigo es atropellado y él aprovecha para salir del restaurante, presintiendo que algo extraño está sucediendo. Lo único que se sabe de sus agresores, es que no recuerdan lo que les llevó a atacarle.

El actor y director, Stéphan Castang, estudió en la École Supérieure D´Art Dramatique de Pierre Debauche. Ha trabajado en teatro a las órdenes de importantes directores, ha colaborado con la compañía L´Artifice y ha puesto en escena textos clásicos y contemporáneos. Es miembro del comité de lectura del Théâtre national de la Colline. Para cine ha dirigido y escrito  los cortometrajes “Jeunesses françaises” 2011, “Fin de campagne” 2014, “Servicio compris” 2015, “Panthéon Discount” 2016 y “Finale “2020” saltando al largometraje con “Vincent debe morir” 2023.

Vicent debe morir nos sitúa en una fábula sobre la violencia generalizada en la sociedad de hoy en día, en la cual el protagonista de un día para otro comienza a ser agredido por cuantos le miran directamente a los ojos, sin ningún motivo, lo que le llevará a huir a una casa familiar abandonada en medio del campo, mientras reflexiona sobre lo que le está pasando. En ese viaje descubrirá que no está solo, pues a otras personas les sucede lo mismo e incluso en ese extraño viaje, que le llevará a diferentes escenarios, conocerá a personajes de lo más variopinto. Su empeño por salir airoso del apocalipsis en el que se ve envuelto, no cesará.

Stéphan Castang debuta con este largometraje que a mi gusto peca de excesivo metraje aunque vaya por delante decir, que el tiempo que se toma para meternos en situación, nos hace empatizar aún más con el personaje y el entorno, obligándonos a pensar, en algunos instantes, cómo actuaríamos nosotros ante un acontecimiento similar y es que Karim Leklou, quien acepta la identidad de Vincent, nos lo pone fácil con su correctísima y creíble actuación. Extrae de Vincent su carácter introvertido, sus gestos, miradas penetrantes e interrogativas, los miedos que le acechan e incluso los pensamientos que llegamos a dilucidar. Él es el motor del filme y lo sabe desde el instante en que el becario le golpea con el ordenador o tal vez desde que se siente diferente en una ciudad en la que siempre ha vivido en perfecta sintonía, sin ocasionar ningún conflicto.

El guionista, Mathieu Naert, escribe una historia con un toque de originalidad muy interesante, bajo una perspectiva que nos invita a cuestionarnos lo que el personaje ve, escucha y siente; que no es otra que la realidad de nuestra sociedad. Una crítica a la violencia gratuita y no sólo física que se desboca en tantas ocasiones en pequeñas y grandes ciudades, tomando el control de las calles e incluso de espacios difíciles de imaginar.

Un thriller psicológico con toques de comedia negra, en donde el drama se desencadena a través de la mirada, esas miradas fijas entre dos o más personas. ¿Qué revelan los ojos que desata tanto temor?, mientras que el toque de comedia suaviza las tensiones que se generan, logrando que esbocemos en nuestros rostros algunas sonrisas, eso sí, sonrisas tristes y dolorosas, pues no podemos evitar preguntarnos si el ser humano está perdiendo su humanidad y cuándo se prendió dicha chispa.

Para terminar comentaros que la fotografía ha corrido a cargo de Manuel Dacosse, quien logra  potenciar la angustia  en medio de la iluminación y los encuadres seleccionados.

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de marzo.

Mi nota es: 7,5

REPARTO: Karim Leklou, Vimala Pons, François Chattot, Karoline Rose Sun, Ulysse Genevrey, Jean-Rémi Chaize, Sébastien Chabane. Emmanuel Vérité, Benoît Lambert, Léna Dia, Michaël Perez, Pierre Maillet, Anne-Gaëlle Jourdain, Guillaume Bursztyn, Maurin Olles, Jean-Christophe Folly y Suzy.

PRODUCTORA: Capricci Films// Bobi Lux, arte France Cinéma// Ciné+// Gapbusters// Goodfellas Media// Canal+// RTBF (Télévision Belge)// CNC // Centre du Cinéma et de l`Audiovisuel.

DISTRUIDORA EN ESPAÑA: La Aventura Audiovisual.

DREAM SCENARIO: CRÍTICA DE CINE

DREAM SCENARIO está escrita y dirigida por Kristoffer Borgli “La fama puede venir con efectos secundarios”

La vida del profesor Paul Matthews (Nicolas Cage) casado con Janet Matthews (Julianne Nicholson) con quien tiene dos hijas: Sophie (Lily Bird) y Hannah (Jessica Clement), se ve alterada cuando un gran número de personas, sin conocerle, sueñan con él; en el sueño siempre aparece en la escena sin hacer nada, solo caminando, mirando o en estado de absoluta quietud, algo que le molesta a Paul cuando se lo comentan. Pronto las redes sociales y los diferentes medios de comunicación lo encumbran deseando entrevistarle o que trabaje con ellos en spot publicitarios, pero él solo busca tranquilidad y escribir un libro. Un buen día todo se tuerce en su vida y en la de su familia, cuando los sueños de las personas se convierten en pesadillas y el protagonista de las mismas, es él.

El director, editor y guionista, Kristoffer Borgli, posee una larga trayectoria en el cortometraje con obras como “Molo” y “Síndromes 2011, “Lo que sea” 2013, “Famosos de Internet” 2014, “Un lugar que llamamos realidad” 2018,  “No es una fase” y “El perdedor” 2019, “Former Cult Member Hears Music for the First Time”, “El altruista” y “Suave” 2020, “Sí” 2021 y “Willem Dafoe” 2023. En el largometraje debutó con “DRIB” 2017, “Sick of Myself” 2022 y este año nos ofrece “Dream Scenario” 2023.

No sé si clasificar este trabajo a la medida de Nicolas Cage o es él quien se apropia de la narración. Creo que ya lo he comentado en otras ocasiones,  Cage es un actor de culto, un todoterreno que salta de la comedia al drama pasando por el terror, la ficción o el surrealismo más absurdo. Nadie como él es capaz de interpretar los personajes que se le ofrecen y nadie como él los aborda con esa naturalidad innata, mientras disfruta y contagia a los espectadores. Nicolas es como un imán para estas historias que parecen imposibles de ser rodadas y más de ser expuestas en la gran pantalla; él las insufla vida y las colma de matices que nunca pasan inadvertidos. Con cada trabajo nos brinda una nueva lección que surge de lo más profundo de sus entrañas, desde el conocimiento y sabedor de lo que se espera de él. Un actor que se abre en canal para que el espectador goce de él y con él. Sin duda, Dream Scenario, es uno de sus mejores trabajos.

De nuevo las redes sociales en el punto de mira y una de las primeras preguntas que me asaltaron a la mente, mientras las imágenes desfilaban ante mis ojos, fue si desgraciadamente vivimos en una sociedad tan desnaturalizada, en la cual no nos detenemos a pensar sino que nos dejamos llevar por nuestros instintos más primarios y aquellos que están cobrando importancia, ante lo que se nos muestra, como algo natural. Parece que ya no importa el sufrimiento o la verdad de nuestros semejantes, sino el espectáculo que esas personas puedan proporcionar y hasta donde, en ocasiones, se les puede rentabilizar, para una vez logrado, tirarles como clínex a una papelera. Este es una vez más, el tema central con el que parece que la gran pantalla, desea poner freno y lanzar una potente crítica entre la comedia y el drama. Un guion construido con diálogos y situaciones afiladas, dividido en dos partes bien diferenciadas y escrito por el propio director Kristoffer Borgli, para mayor gloria de su actor principal Nicolas Cage, del que ya he hablado. Vaya por delante que Dream Scenario, se muestra al espectador como una comedia negra con un toque aleccionador.

Una tragicomedia dividida en dos actos, como mencionaba, el primero de ellos visto desde el ángulo más cómico y revoltoso en el que se nos presenta a  los personajes y la situación tan rocambolesca a la que se tiene que enfrentar y lidiar Paul y el segundo, el drama que se genera cuando el miedo a lo desconocido y la ignorancia, se apoderan de la conciencia colectiva. ¿Hasta qué punto una sucesión de sueños, se pueden transpolar a la realidad presente? y quizás lo más importante, ¿por qué en la sociedad en la que vivimos le damos más valor a un bulo difundido por internautas que no conocemos, que detenernos a analizar la realidad que tenemos ante nuestros ojos? Preguntas, como otras tantas que surgen de este curioso filme.

En resumen, Dream Scenario nos habla de la vulnerabilidad del ser, puesta al límite; de la intimidad violada por desconocidos que buscas lucrarse de las desgracias ajenas, de quienes controlan las redes sociales jugando a ser jueces y dioses, refugiándose muchas veces en el anonimato de un nick y que sedientos de noticias por ofrecer, son capaces de ensalzar y destruir, con el único propósito de sobrevivir en sus mundos de fantasía y vacíos de realidad. Un fantástico ejercicio de análisis que no pasa indiferente a ningún espectador, dirigida con temple y que cuenta con la fotografía de Benjamin Loeb.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de marzo.

REPARTO: Nicolas Cage, Julianne Nicholson, Tim Meadows, Dylan Gelula, Michael Cera, Dylan Baker, Kate Berlant, Lily Bird, Jessica Clement, David Klein, Cara Volchoff, Nicholas Braun, Noah Centineo,  Amber Midthunder, Lily Gao, Star Slade, James Alexander Warren, Marnie Mcphail, Krista Bridges, Paula Boudreau, Jennifer Wigmore, Agape Mngomezulu, Sofia Banzhaf, Maev Beaty, Richard Jutras, Noah Lamanna, Domenic Di Rosa, Jessie-Ann Kohlman, William Corno y James Collins.

PRODUCTORA: A24// Square Peg// Wildling Pictures// Ari Aster.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

PRISCILLA: CRITICA DE CINE

PRISCILLA está escrita y dirigida por Sofía Coppola, basándose en las memorias de Priscilla Presley.

En el año 1959  Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) se encontraba viviendo en Alemania con su madre Anna Lillian Iversen (Dagmara Dominczyk) y su padrastro el capitán de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, Paul Beaulieu (Ari Cohen). En ese año y en la ciudad de Wiesbaden, Priscilla es invitada a una fiesta que celebraba Elvis Presley (Jacob Elordi), que en aquella época además de gozar de un importante éxito, era soldado del ejército estadounidense. Los dos se sintieron atraídos desde el mismo instante en que se conocieron, comenzando una relación que se vio interrumpida cuando Elvis finalizó su servicio militar y regresó a Graceland, su finca en Memphis. En 1962, con el consentimiento de sus padres, Priscilla viaja a Estados Unidos gracias a un pasaje en primera clase, regalo de Elvis. Allí conocerá a sus amigos, socios y a su querida abuela “Dodger” (Lynne Griffin)

La guionista, productora, actriz y directora, Sofía Coppola, estudió en la Escuela Secundaria de Santa Elena donde se graduó en 1989, continuando su formación en el Mills College y el Instituto de Artes de California. Debutó con el cortometraje “Lick the Star” 1998 y en el largometraje con “Las vírgenes suicidas” 1999 continuando con “Lost in Translation” 2003, “María Antonieta” 2006, “Somewhere” 2010, “The Bling Ring” 2013, “The Bequiled” 2017, “On the Rocks” 2020 y este año nos ofrece “Priscilla” 2023. Cuenta con un buen ramillete de cortometrajes, algunos documentales, telefilmes y numerosos videoclips.

En el 2022 se estrenó “Elvis” dirigida por Baz Luhrmann, cosechando un importante éxito de público y crítica y era de esperar que tarde o temprano, le tocara a su esposa Priscilla. Ha sido Sofía Coppola, que adaptando las memorias de la propia Priscilla Presley, nos ofrece ahora esta versión entre el drama y el romanticismo, entre la soledad y la frustración, entre el amor y los celos, en definitiva, entre las luces y las sombras; pero... ¿Se nos cuenta la verdad de cómo era en la intimidad el rey del rock and roll?  Lo que sí se nos detalla es la versión de su mujer desde que conoció a Elvis cuando ella contaba con 14 años y él 24. Una primera etapa idílica, de compromiso, amor, amistad y de respeto, pues Elvis no tuvo relaciones sexuales con ella hasta que se casaron.  Tras finalizar ese primer periodo en Alemania y asentarse en Estados Unidos, Priscilla sin saberlo, quedaría presa en una jaula de oro, en la cual nunca le faltó de nada salvo él, que trabajaba incansablemente entre conciertos y películas. Graceland, las largas ausencias de Elvis, los celos que se apoderaron de ella al leer las supuestas o no relaciones que su marido mantenía con otras mujeres, la soledad, el vacío que sentía aun ocupándose de la pequeña Lisa; fueron quebrando el amor por el ídolo, hasta llegar al divorcio. Nada se desvela que no se sepa.

Sofía Coppola se adentra en la intimidad, que la propia Priscilla le permite, entre la verdad y lo que se reserva, hasta traspasar su alma y con ello, percibir cuanto sintió y vivió junto a la gran estrella. Una primera parte en la que su inocencia e impulsos por el artista, como ya he comentado, la llevaron a soñar con vivir una vida “¿excitante?” y la segunda, morando y deambulando en la mansión como si fuera un fantasma abrazada a su soledad, cuando él no estaba y resurgiendo como una flor en primavera, a su regreso con sus amigos, músicos y socios.

Me hubiera gustado, que al igual que en “Elvis” de Baz Luhrmann, tanto Sofía como Priscilla se hubieran atrevido a ir un poco más allá de lo escrito en esas memorias, mostrando la otra cara de Priscilla y no solo la sumisa, el reflejo de la mujer de los años 50, complaciente, ama de casa, siempre bien arreglada y esperando paciente el regreso de su marido; aunque se nos deje ver ese coqueteo con las pastillas, el cómo compaginaba las interminables fiestas con los estudios, su embarazo, las disputas, el control que él ejercía sobre ella y los celos; porque desgraciadamente la historia se va apagando poco a poco y Sofia no sabe cómo avivar la llama, ante la falta de argumento y es que hay un detalle muy importante que se queda fuera de la narración. ¿Elvis amaba sexualmente a Priscilla o simplemente, que no deja de ser importante, la idealizaba? Porque da la sensación de que para él más que su mujer, es su juguete y confidente y las escenas en que están juntos, así lo muestran.

Voy a ir finalizando y para ello quiero destacar en primer lugar la magnífica interpretación de Cailee Spaeny, quien ofrece todos los registros que exige el personaje. La delicada y elegante fotografía de Philippe Le Sourd y la sutil banda sonora en la partitura de Phoenix. Priscilla es una de esas películas que te hace pasar un buen rato.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de febrero

REPARTO: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Dagmara Dominczyk, Ari Cohen, Tim Post, Lynne Griffin, Dan Beirne, Rodrigo Fernandez-Scoll, Dan Abramovici, Tim Dowler-Coltman, R. Austin Ball, Matthew Shaw, Olivia Barrett, Stephanie Moore, Luke Humphrey, Deanna Jarvis, Josette Halpert, Jorja Cadence,  Evan Annisette, Stephanie Moran, Raine Monroe Boland, Daniel Lipka, Emily Mitchell, Kamilla Kowal, Gwynne Phillips, Conni Miu, Megan Dallan, Tonia Venneri, Erin Mackinnon, Mary Kelly, Piage Leblanc, Anna Mirodin, Sarah Dodd, Alanis Peart, Kelaiah Guiel, Andrew Mackay, Kelly Irene Whyte, Shawn Gordon Fraser, Kassandra C.A. Gray, Fegan DeCordova y Kelly Penner.

PRODUCTORA: American Zoetrope// Stage 6 Films// The Apartment

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures.

FERRARI: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos e Italia, FERRARI, está dirigida por Michael Mann con guion de Troy Kennedy-Martin. “Si te subes a uno de mis coches, te subes para ganar”

Enzo Ferrari (Adam Driver) se despierta junto a su amante Lina Lardi (Shailene Woodley) y antes de salir de la casa contempla como su segundo hijo, Piero Lardi (Giuseppe Festinese) duerme apaciblemente. Entre sus actividades diarias está la de visitar la tumba de su primer hijo, Dino Ferrari que sufrió una grave enfermedad y ya en el hogar familiar, se encuentra con su mujer Laura Ferrari (Penélope Cruz), que le reprocha sus flirteos. En el hogar también vive la madre de Enzo, Adalgisa Ferrari (Daniela Piperno). Tras presentarnos a los personajes y las tiranteces familiares, la historia nos conduce a la vida profesional de Enzo y su lucha porque su marca, Ferrari, no desaparezca; para ello, deberá  fortalecer su escudería con los mejores pilotos y presentarse a la famosa carrera de la Mille Miglia, cuyo desenlace, para quienes no conozcan la historia, no desvelaré.

El guionista, productor y director, Michael Mann, estudió literatura inglesa en la Universidad de Wisconsin-Madison pero no finalizó dichos estudios pues se enamoró del cine he ingresó en la London´s  International Film School para cursar cinematografía entre los años 1965/67. Comenzó su carrera profesional en la televisión en la década de los 70 pero antes dirigió dos cortometrajes “Jaunpuri” 1971 y “17 Days Down the Line” 1972. Para televisión dirigió “Las vegas” 1978 y el telefilme “Hombre libre” 1979, para debutar en el largometraje con “El ladrón” 1981, continuando con “La fotaleza” 1983, “Hunter” 1986, “El último mohicano” 1992, “Heat” 1995, “El dilema” 1999, “Ali” 2001, “collateral” 2004, “Corrupción en Miami” 2006, “Enemigos públicos” 2009,  “Blackhat: Amenaza en la red” 2015 y “Ferrari” 2023. En televisión también cuenta con series como “Corrupción en Miami” 1984/89, “La historia del crimen” 1987 y “Luck” 2011; la miniserie “Camarena (La guerra de las drogas) 1990 y “Tokyo Vice” 2022.

Lo primero que quiero detallar es que la película tiene dos partes muy diferenciadas, que se van entrelazando entre sí a lo largo del metraje. Por un lado, el drama propiamente dicho que rodeó a la vida de Enzo Ferrari, el creador de la gran escudería y del otro el espectáculo de las carreras de los Fórmula 1. Dicho esto comencemos con el drama.

La historia se ubica en el año 1957 en los meses previos a la última carrera que se celebraría de la famosa Mille Miglia, mostrándonos en un momento determinado, con absoluto e impactante realismo, el motivo por el que dicha carrera no volvería a celebrarse. Durante esos meses Enzo deberá lidiar con la crisis económica que atraviesa, tratar de contratar a los mejores pilotos y crear el motor que proporcione mayor potencia a sus coches y en la parte más íntima, entenderse o al menos intentarlo, con sus dos amores: Lina, con quien tiene un hijo no reconocido, Piero, al que adora y Laura, una mujer de armas tomar que no le perdona la muerte del hijo que ambos tuvieron y por supuesto sus escarceos. Dos relaciones muy distintas que el espectador irá descubriendo entre el ritual que suponen los entrenamientos, las puestas a punto de los coches y las rivalidades.

Un drama intenso de corte muy italiano despuntando los dos personajes principales. Adam Driver totalmente irreconocible en su caracterización de Enzo, irradia frialdad, seriedad hermética y rigidez en sus movimientos; aunque en la intimidad apunta atisbos de humanidad, sobre todo cuando está con su hijo; una humanidad  de la que parece carecer durante todo el filme, pues son varios los instantes en que deja sin aliento al espectador, como la escena en la que un piloto se sale de la pista y muere y él mira a un piloto que desea entrar en su escudería y le dice que le llame el lunes. En su rostro no aparece el mínimo gesto de dolor. Y llega el momento de ella, de la gran estrella del filme. Penélope Cruz se come la pantalla cada vez que hace acto de presencia. De entre la capa de maquillaje y un vestuario que no la favorecen en absoluto, florece la estrella internacional que ya es por méritos propios. Relucen sus ojos y se impone su temperamento. Pe está brutal, descomunal, increíble. Su donna italiana resulta totalmente creíble: furiosa por sentirse engañada, dolida por la pérdida de un hijo, inquebrantable ante la sociedad que tiene con su marido, pues ambos fundaron la marca Ferrari; frágil dentro de su fortaleza y luchadora incansable. Ella, nuestra querida Penélope, junto con las carreras de autos, lo mejor del filme.

Toca hablar del espectáculo que demanda el espectador y Mann no decepciona. Las carreras resultan impresionantes. La ejecución brilla en cada movimiento de cámara y la espectacular selección de planos, para situarnos en primera línea y no perder detalle, pues de detalles Mann sabe mucho y lo demuestra con la atmósfera que logra entre los rugidos de los motores, el fuego que desprenden los tubos de escape, el frío que se percibe en el exterior, la salida de los coches uno a uno, las cortas conversaciones, que en ese momento Enzo mantiene con sus pilotos; el ambiente festivo que rodea a la prueba o la lluvia que cae sobre los coches y los pilotos que vemos incluso estrellarse en los faros de los coches. No falta detalle y cada uno de ellos han sido recogidos por la fotografía de Erik Messerschmidt, con un extraordinario uso de la luz y el color. Un filme al que también le acompaña la dramática e intensa banda sonora de  Daniel Pemberton y no me puedo olvidar del milimétrico montaje de Pietro Scalia.

Resumiendo, un filme entretenido aunque con algunas carencias que se olvidan cuando ese tramo final hace acto de presencia.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 9 de febrero.

REPARTO: Adam Driver, Penélope Cruz, Shailene Woodley, Gabriel Leone, Sarah Gadon, Jack O`Connell, Patrick Dempsey, Michele Savoia, Valentina Bellè, Brett Smrz, Ben Collins, Lino Musella, Sergio Scaglietti, Tommaso Basili, Massi Furlan, Guiseppe Bonifati, Wyatt Carnel, Andrea Bruschi, Erik Haugen, Leonardo Caimi, Luca Della Valle, Samuel Hübinette, Peter Arpesella,  Daniela Piperno, Andrea Dolente y Gianfilippo Grasso.

PRODUCTORA: Moto Productions// Iervolino&Lady Bacardi Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.