sábado, 10 de julio de 2021

CINE Y FESTIVALES (IX)

BTEAM PICTURES nos informa que “THE STORY OF MY WIFE” estará en la Sección Oficial a Competición en el Festival de Cannes.

La ganadora del Oso de Berlín por “En Cuerpo y Alma”, Ildiko Enyedi, vuelve con “The Story of My Wife”. Protagonizada por Léa Seydoux,  Anders Baasmo Christiansen y Louis Garrel, llegará a nuestras pantallas de la mano de Bteam Pictures en otoño.

La película se inspira en la novela de Milán Füst «La historia de mi mujer». Milán Füst es un autor húngaro que en la línea de Kafka o Proust describieron el desconcierto del hombre moderno ante un mundo en construcción.

SINOPSIS: Un capitán de barco apuesta en un bar con un amigo que se casará con la primera mujer que entre.

BTEAM PICTURES, estrenará “THE STORY OF MY WIFE” en otoño.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que dos de sus films se presentarán en el Festival de Cannes 2021: “A HERO” de ASGHAR FARHADI y “ALINE” de VALÉRIE LEMERCIER.

A CONTRACORRIENTE FILMS contará con dos películas en la 74 edición del Festival de Cannes: A HERO de Asghar Farhadi en la Sección Oficial a Competición, y ALINE de Valérie Lemercier en la Sección Oficial (Fuera de Competición). El Festival se celebrará del 6 al 17 de julio.

Asghar Farhadi, director y guionista de dos películas ganadoras del Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa (“El viajante” y “Nader y Simin, una separación”), vuelve a Cannes con su esperada nueva película: A HERO. Farhadi se ha convertido en un habitual del certamen francés, donde ha presentado sus últimas películas: “El pasado” (2013, Premio a la Mejor Actriz), “El viajante” (2016, Premio al Mejor Guion y Mejor Actor) y “Todos lo saben”, con Javier Bardem y Penélope Cruz, que inauguró la edición de 2018.

Por su parte, ALINE es la nueva película escrita, dirigida y protagonizada por Valérie Lemercier inspirada en la vida de la reconocida cantante francocanadiense Céline Dion. La película, producida por los productores de “Intocable” y “Ballerina”, es una de las más esperadas del cine francés de este año, que se estrenará de la mano de Gaumont. Una ficción inspirada en la vida de Céline Dion, una de las artistas femeninas más exitosas de todos los tiempos. Un delicado retrato de la cantante, una mujer impulsada por la pasión y el amor, contado al ritmo de sus grandes éxitos.

A CONTRACORRIENTE FILMS estrenará “A HERO” y “ALINE” en el primer semestre de 2022.

AVALON nos informa que “LIBERTAD”, de Clara Roquet, tendrá su premiere mundial en la 60ª Semaine de la Critique del Festival de Cannes.

Libertad, la ópera prima de Clara Roquet, tendrá su premiere mundial en la 60ª edición de la Semaine de la Critique, que se celebrará del 7 al 15 del próximo mes de julio, en el marco del Festival de Cannes.

Una producción de Lastor Media y Avalon PC en coproducción con Bulletproof Cupid (Bélgica), con el apoyo de MEDIA, ICAA, ICEC, Eurimages, TVE, TV3, Movistar+ y Catalan Films.

La película está protagonizada por María Morera y Nicolle García en los papeles de Nora y Libertad. Un reparto que cuenta con actrices de prestigio como Nora Navas y Vicky Peña, y que completan Maria Rodríguez Soto, Carol Hurtado, David Selvas, Óscar Muñóz, Sergi Torrecilla y Mathilde Legrand.

Libertad supone el salto al largo de Clara Roquet, coguionista de 10.000KM, por la que recibió junto a Carlos Marques-Marcet la Biznaga de Plata al Mejor Guionista Novel y el Premio Gaudí al Mejor Guion. Además, ha colaborado como guionista con Jaime Rosales en su último largometraje, Petra.

Su primer proyecto como directora fue el cortometraje El Adiós (2015), ganador de la Espiga de Oro en la SEMINCI, nominado a los European Film Awards, estrenado en el Festival Internacional de Toronto y ganador del Gaudí al Mejor Cortometraje en 2016. Su segundo cortometraje Les Bones Nenes (2017) recibió el premio "Movistar + proyecto en corto" y consiguió la Mención Especial al Mejor Cortometraje Iberoamericano en el Festival Internacional de Guadalajara (México), entre otros. 

Previo a su rodaje, el proyecto de Libertad fue seleccionado en el Mediterranean Sundance Lab, así como en los mercados internacionales Mia Market en Roma o el Foro de Coproducción Europa-América Latina asociado al Festival de San Sebastián, donde ganó el Premio ARTE-Kino.

Las ventas internacionales de Libertad corren a cargo de Playtime y en España se estrenará en cines el próximo 19 de noviembre de la mano de Avalon D.A.

Sinopsis: Después de mucho tiempo sin coincidir en su casa de verano, la familia Vidal pasa las últimas vacaciones con la abuela Ángela, que sufre Alzheimer avanzado.

Por primera vez en su vida, Nora (14), siente que no encuentra su lugar: los juegos de niños le parecen ridículos y las conversaciones de los adultos todavía le van grandes. Pero todo cambia con la llegada de Libertad (15), la hija de Rosana, la mujer colombiana que cuida a Ángela.

Rebelde y magnética, Libertad se convierte en la puerta de entrada a un verano distinto para Nora y las dos niñas rápidamente forjan una amistad intensa y desigual. Juntas salen de la burbuja de protección y confort que supone la casa familiar y descubren un mundo nuevo en el que Nora se siente más libre que nunca.

VÉRTIGO FILMS distribuirá “TRE PIANI (TRES PISOS” y ¿WHERE IS ANNE FRANK? (¿DÓNDE ESTÁ ANA FRANK?) Seleccionadas en la próxima edición del Festival de Cannes.

TRE PIANI (TRES PISOS). Sección Oficial a Competición

Es la nueva película del aclamado actor y director italiano Nanni Moretti. Con Riccardo Scamarcio, Alba Rohrwacher, Tommaso Ragno, Nanni Moretti, Stefano Dionisi, Margherita Buy y Adriano Gianni.

Sinopsis: Tres familias viven en tres apartamentos en el mismo edificio, puramente burgués, en una bella región italiana...

¿WHERE IS ANNE FRANK? (¿DÓNDE ESTÁ ANA FRANK?) - Fuera de Competición.

La nueva cinta de animación del nominado al Oscar Ari Folman (Vals con Bashir, El Congreso).

Se trata de la única película de animación seleccionada este año en Cannes.

Tras su adaptación de El Diario de Ana Frank a formato de novela gráfica en 2017, Ari Folman lanza ahora una nueva visión de la historia en forma de película animada. Aquí conocemos a una amiga de Ana Frank, llamada Kitty, a quien la pequeña dedicó su famoso diario. Esta joven despertará en la Amsterdam actual y recorrerá los pasos de Ana.

Golem Distribución presente en el Festival de Cannes con “Everything Went Fine” de François Ozon.

François Ozon regresa al Festival de Cine de Cannes para participar con la película EVERYTHING WENT FINE en la Sección Oficial de su próxima 74º edición, que se celebrará del 6 al 17 de julio de 2021.

“Everything Went Fine” es el 20º largometraje del cineasta francés, quien adapta la novela “Tout s'est bien passé” de Emmanuèle Bernheim. El aclamado director François Ozon y la muy aplaudida actriz Sophie Marceau trabajan juntos por primera vez plasmando en la pantalla la conmovedora historia de un padre y una hija. Los veteranos André Dussolier y Charlotte Rampling completan el elenco principal del filme.

Sinopsis: André, de 85 años, sufre un infarto y Emmanuèle se precipita a su lado. Enfermo, medio paralizado en la cama de un hospital, André pide a su hija que le ayude a acabar con su vida. Pero ¿cómo podrá cumplir semejante petición tratándose de su propio padre?

François Ozon es uno de los directores de cine franceses más relevantes e influyentes de la actualidad, con una prolífica carrera y enorme talento para saltar de género en género en grandes películas. Aplaudido por la crítica y apreciado por el público, tiene en su haber galardones de diferentes festivales europeos como la  Concha de Oro del Festival de San Sebastián por “En la casa”, el Oso de Plata, Gran Premio del Jurado del Festival de Berlín con “Gracias a Dios”, Premio al mejor guion europeo otorgado por la Academia de cine Europeo para “En la casa” o el Premio TVE- Otra Mirada del certamen donostiarra con “Joven y Bonita”. Su último largometraje “Verano del 85” fue distinguido con el sello Cannes Label, al no celebrarse el festival de manera presencial debido a la pandemia.

Aquellos medios que vayáis a cubrir el festival y estéis interesados en solicitar entrevistas con el director y la actriz y el actor protagonistas, os rogamos que nos lo comuniquéis lo antes posible en el correo prensa@ golem.es, indicando la siguiente información: correo, teléfono, medio y fechas de asistencia. 

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que GONZALO SUÁREZ recogió el Premio Luis Buñuel del 49º Festival Internacional de Cine de Huesca. 

SUÁREZ estrena en la cita altoaragonesa su último proyecto, el cortometraje “Alas de Tiniebla”. ANNE-HÉLÈNE SUÁREZ, autora del relato en el que se basa el corto y PABLO AULADELL, ilustrador, también estarán presentes en la proyección.   

“Algo que se parezca al cine no se hace solo”. Gonzalo Suárez, director, escritor y guionista, hizo una defensa de todas las personas implicadas en la creación de una película en la rueda de prensa dedicada a la presentación del Premio Luis Buñuel del 49º Festival Internacional de Cine de Huesca, que este año recibe.

“Conozco pocas personas a las que les siente mejor el Luis Buñuel que a Gonzalo”, destacó Luis Alegre, también presente, alegando que “los dos son creadores que han hecho lo que no hacía nadie de una forma singular. Suárez es un género en sí mismo y ha creado una obra literaria y cinematográfica que ya es historia por su audacia y sus ganas de ir más allá”. Suárez ha recibido los piropos comentando que “es la primera vez que me alegra tener una mascarilla para que no se note el abochornamiento que me has producido. Efectivamente, es un género degenerado el mío, pero me gusta más ese que los que siguen el cauce previsible. Si no tienes un punto de aventura, la vida resulta incluso aburrida”.

A la hora de hablar del cineasta aragonés que da nombre al premio, Suárez dijo que “le gustaría eludir lo obvio”, siendo lo obvio que era un genio, concedió. “Pasamos toda una noche tomando vino y sardinas con Joaquim Jordà y nos contó historias de toda índole. Por aquel entonces yo practicaba el periodismo, y escribí una entrevista muy extensa sobre esa noche. Se la llevé antes de publicarla y se puso hecho una furia porque, claro, él no sabía que yo tenía planeado eso, que no lo tenía, sino que se me ocurrió después. Le dije que no pasaba nada, que la entrevista se rompía y me dijo: ‘No, que está bien escrita. Si hablara de mi portero también me interesaría’. Eso sí, Buñuel me censuró su entrevista, como estaba en su derecho, y cortó las cosas que pudiesen molestar”.

ESTRENO MUNDIAL DE SU ÚLTIMO TRABAJO

Suárez también presenta su último cortometraje, Alas de tiniebla, que adapta una historia de Anne-Hélène Suárez con dibujos de Pablo Auladell y que tendrá su estreno mundial en el festival, tras la entrega del Luis Buñuel en un acto en el Teatro Olimpia en el que también se presentará el mediometraje El sueño de Malinche, creado igualmente al alimón con Auladell.

Además del trabajo de la escritora y el ilustrador, Suárez destacó la importante participación del productor Joaquín García de Quirós (productor también El sueño de Malinche), el papel de Juanjo Reguera, editor de sus últimos trabajos, y de los intérpretes Ana Álvarez, José Sacristán y Charo López. “Cuando en los coloquios de cine se habla de una película y se atribuye solo a su director, por ejemplo Blade Runner a Ridley Scott, siempre me parece muy injusto. También están los guionistas, Philip K. Dick…”, comentó, añadiendo que “el caso es que estoy feliz de estar aquí”. “Poco después de la niñez estuve en Huesca, en una montaña y un río, que no recuerdo cómo se llamaban. Pero así es mejor, porque pueden ser todas sus montañas y todos sus ríos”.

Anne-Hélène Suárez explicó que Alas de tiniebla nace de un sueño propio en el que, en medio de una noche, descendían unas aves inmensas y oscuras que, sin embargo, eran a su vez apaciguadoras. “Todas esas aves hacen que la noche esté llena de luces, de matices... Al principio iba a ser un cuento para niños que tuviesen miedo a la noche, para que dejasen de tenerlo”, contó, añadiendo que después lo entremezcló con la leyenda china del arquero Yi.

“Lo que más ilusión me hace es presentar estas dos películas”, que nacieron, según Suárez, porque “yo había grabado unas voces con unos actores y no sabía qué hacer con ellas. Las grabé por desesperación, al haberme fallado un proyecto de peli… o dos, o tres… o cuatro. Ahí entra Pablo Auladell, que no solo encaja por su talento y sus dibujos tan sugerentes, sino porque tiene un talante que soporta muy bien mi sentido del humor y mis juegos de palabras, ambos a menudo insoportables. Pablo es el que realmente ha traducido la historia a imágenes. Yo, como les pasa a la mayoría de los directores, soy el que menos ha hecho”.

“La vida es una formidable maestra del sarcasmo y siempre nos baja los humos”, explicó Auladell. “Antes de conocer a Gonzalo, me llamaba la atención que mis compañeros ilustradores siempre dijesen que su trabajo estaba muy influido por el cine. A mí se me llenaba la boca diciendo que el mío no era tan cinematográfico y que, con el paso del tiempo, aún lo sería menos. Así me quería diferenciar. En 2016 me llama Gonzalo y desde entonces estoy trabajando en cine. El sueño de Malinche y Alas de tiniebla son los dos proyectos más disparatados en los que he participado”, confesó entre risas. “Digo disparatados en el sentido de que, por ejemplo, un lunes me llamaba Gonzalo para decirme: ‘Mira Pablo, he pensado que esta secuencia podría ser un tríptico como El jardín de las delicias pero en azteca’. Y el martes por la tarde ya me estaba preguntando si lo tenía, porque estaban ahí él y Juanjo y querían editar algo”. También añadió que estos trabajos le habían dado la opción de realizar “dos obras muy luminosas”.

“Tenía miedo de que El sueño de Malinche no gustase en México, porque trata un asunto peliagudo, pero tuvo mucho éxito, se proyectó en varios festivales. Y ahora se edita el libro en Francia. Los dibujos le dan un carácter artístico que, a su vez, proporciona distancia y esa distancia nos permite reflexionar. Es otra forma de contar algo que nunca podremos abarcar del todo”.

Con el Premio Luis Buñuel, Gonzalo Suárez se une a una larga lista de personalidades que han recibido este galardón y donde aparecen nombres tan destacados como Bertrand Tavernier, Marisa Paredes, Stephen Frears, Carlos Saura, Ángela Molina, Jean-Claude Carrière, Costa-Gavras, Álex de la Iglesia, los hermanos Taviani o Isabel Coixet, entre muchos otros.

UNA PERSONALIDAD INCLASIFICABLE

Gonzalo Suárez (Oviedo, 1934) es una figura imprescindible en el cine español, destacado en festivales como Cannes, Berlín, Río de Janeiro, Moscú, Chicago, París o San Sebastián.

El cineasta, que se define como un “escritor que hace cine”, firma una obra cinematográfica y literaria en la que se entremezclan constantemente la realidad y la imaginación. Suyas son algunas de las películas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX en España, como las multipremiadas: Ditirambo, Remando al viento (por la que consiguió la Concha de Plata del Festival de San Sebastián y el Goya a Mejor Director), Epílogo (Premio de la juventud en el Festival de Cannes) o Don Juan en los infiernos, entre otras muchas. En su palmarés figuran el Premio Nacional de Cinematografía, la Medalla de Oro de Bellas Artes, ha sido nombrado Caballero de las Artes y las Letras de Francia y de la Orden de Alfonso X el Sabio, la primera vez que se otorgaba esta condecoración a un director de cine; además de contar con ocho premios Goya para sus películas.

Su carrera como escritor ha ido paralela a su carrera como director de cine, y ha seguido publicando libros, como Gorila en Hollywood (1980), La reina roja (1981), Ciudadano Sade (1999), El hombre que soñaba demasiado (2005), Las fuentes del Nilo (2011) o La musa intrusa (2019).

El Festival Internacional de Cine de Huesca está patrocinado por Ministerio de Cultura y Deporte, Gobierno de Aragón, Diputación Provincial de Huesca, Ayuntamiento de Huesca, Fundación Anselmo Pié y con la colaboración de CaixaBank a través de una aportación económica de Fundación “la Caixa”, Embou, Alumbra Energía, TuHuesca y el Instituto Aragonés de la Mujer. El Festival cuenta también con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española (PICE).

SURIA COMUNICACIÓN informa que “LA SALA DE CRISTAL” de Christian Lerch,  ha obtenido el Premio del Público del Festival de Cine Alemán de Madrid. La película se estrenará en septiembre en cines.

Os comunicamos que “La Sala de Crista” de Christian Lerch ha ganado el Premio del Público en la 23ª edición del Festival de Cine Alemán. El cineasta presentó la película en el certamen. El largometraje se estrenará en cines en septiembre, de la mano de las distribuidoras Empatía Media y Barlovento.

“La sala de cristal” es una fábula humanista dirigida al público familiar cuya trama gira en torno a la toma de conciencia civil. La habitación a la que alude el título es el ático donde Felix, el pequeño protagonista, descubre un misterioso espacio en el que poder evadirse con sus juegos, lejos del horror cotidiano causado por la II Guerra Mundial en Alemania. 

El veterano realizador alemán Christian Lerch dirige a un inspirado reparto encabezado por joven actor Xari Wimbauer y secundado por intérpretes como Lisa Wagner, Hans Löw y Philipp Hochmair.

“La sala de cristal” ha participado en prestigiosos certámenes cinematográficos como el CineKid Festival Amsterdam 2020, el Luxembourg City Film Festival y el SCHLINGEL International Film Festival 2020.

SINOPSIS: 1945, justo antes del final de la Segunda Guerra Mundial: Anna y su hijo Felix, de 11 años, tienen que huir de la bombardeada Múnich hacia el campo. Mientras que Anna sufre interpretando a una nacionalsocialista convencida, Felix se siente cada vez más seducido por la propaganda nazi y sus partidarios. La película está basada en los recuerdos de la infancia del guionista Josef Einwanger.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “UN CIELO TAN TURBIO (So Foul a Sky), de Álvaro F. Pulpeiro, una inmersiva road movie desde una Venezuela al borde del colapso, compite en IndieLisboa.

El largometraje, cuya première internacional tuvo lugar en el CPH:DOX, compite en la Sección Silvestre por el Premio al Mejor Largometraje.

Tras participar en la 18ª edición del prestigioso festival danés CPH:DOX dentro de la sección Next Wave, el film Un cielo tan turbio (So Foul a Sky) competirá por el Premio al Mejor Largometraje de la Sección Silvestre en la 18ª edición de IndieLisboa. 

El segundo largometraje de Álvaro F. Pulpeiro (Nocturno: Fantasmas del mar en puerto) toma como punto de partida la novela Nostromo, el clásico de Joseph Conrad, adaptándolo a la realidad actual de Venezuela, un estado al borde del colapso económico, político y simbólico. En palabras del director, la película “tiene la ambición de poder habitarse como una pieza lírica que oscila entre lo mundanamente realista y lo radicalmente íntimo. Ilustramos el concepto de paria, huérfano, de sujeto desprovisto de identidad o derechos nacionales, a través de una serie de encuentros con personas que viven, consciente o inconscientemente, de espaldas a aquello que los fuerza a tomar un bando concreto dentro del conflicto asolando el país. De la mano de peregrinos y piratas viajamos por territorios descolonizados de manera simbólica por una estirpe, posiblemente ficcionalizada por la película, que en su destierro parece haber hallado un verdadero hogar”.

Un cielo tan turbio (So Foul a Sky) es una coproducción entre Colombia (Laura C. Solano - Cámara Lenta), España (Víctor Paz Morandeira - Cuarta Parede Films) y Reino Unido (Clive Patterson - Insight TWI).

SINOPSIS: A la sombra de monumentales refinerías que emergen cual templos cromados, Un cielo tan turbio viaja por diversos paisajes fronterizos de Venezuela, el primer petro-estado, hoy golpeado por la peor crisis política y humanitaria que Sudamérica ha vivido en el siglo XXI. Bajo cielos que auguran tormenta, somnolientos militares acechan en medio del mar Caribe, migrantes vagan por lúgubres pueblos fronterizos entre Venezuela y Brasil, y contrabandistas apuran los últimos barriles de gasolina cruzando clandestinamente por las trochas del hostil Desierto Guajiro. Todo ello al son de las esquizofrénicas noticias del conflicto político que emite una radio desde la lejanía capitalina. Esta es una película que retrata peregrinos y piratas, hijos huérfanos de una tierra que han hecho suya sin necesidad de plantar banderas, o imponer himnos; anárquicos como la tormenta que amenaza poner fin a este limbo en donde se encuentran suspendidos.

SURIA COMUNICACIÓN, nos informa que “SYCORAX” de Lois Patiño y Matías Piñeiro participará en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes.

La premier internacional del film precede al rodaje de un largometraje que se titulará “Ariel”, con el que comparte su inspiración: los enigmáticos personajes de “La  Tempestad” de William Shakespeare.

El cortometraje de ficción “Sycorax” del cineasta gallego Lois Patiño y el argentino Matías Piñeiro  participará en la 53ª edición de la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes.

Su premier internacional tendrá lugar en el Théâtre Croisette el próximo 13 de julio a las 14:45 horas. “Sycorax” supone la primera colaboración entre los dos directores y tendrá continuidad con el largometraje titulado “Ariel”, que rodarán en 2022-. Ambas son adaptaciones libres de La Tempestad de William Shakespeare. Ambientado en las islas Azores y con el ganador del Premio Goya Mauro Herce en la dirección de fotografía, el cortometraje se centra en el personaje de la bruja Sycorax y en él se funden teatro y paisaje.

Según los dos cineastas, en “La Tempestad” hemos encontrado un cruce de caminos entre nuestras visiones, que nos ha ayudado a fundir texto y silencio, movimiento y quietud, en una propuesta que nos ayudará a definir el tipo de películas que rodaremos en el futuro. Con “Sycorax” recuperamos este texto clásico con un toque contemporáneo, que diluye los límites de la representación permitiéndonos poner en cuestión la visión patriarcal de un personaje femenino sin voz, la madre de Calibán, recordado como la primera bruja que pisó la isla. 

“Sycorax” es una coproducción entre España (Beli Martínez - Filmika Galaika) y Portugal (Rodrigo Areias - Bando à Parte). Las actrices Agustina Muñoz, Diana Diegues & Susana Abreu interpretan a sus personajes principales.

SINOPSIS: ¿Quién es Sycorax? 

El primer personaje en pisar la isla de La Tempestad de William Shakespeare. Pero el problema en la obra es que Sycorax no tiene voz. Es apenas mencionada por Próspero como una bruja mala, vieja y encorvada, que encerró vilmente a Ariel, el espíritu del aire, en un árbol.

Pero, ¿por qué encerraría a Ariel en un árbol? Aquí, nosotros, no le creeríamos tanto a Próspero.

KARMA FILMS nos informa que la película “BETWEEN TWO WORLDS” (LE QUAI DE OUISTREHAM) estará presente en el Festival de Cine de Cannes.

Protagonizada por Juliette Binoche y dirigida por el escritor Emmanuel Carrère, Premio Princesa de Asturias de las Letras 2021, “Between two worlds” inaugura la 53ª Quincena de los Realizadores el próximo miércoles 7 de julio en La Croisette.

Catorce años después de dirigir “La Moustache” el director Emmanuel Carrère, recientemente galardonado con el premio Princesa de Asturias de las Letras 2021, regresa al cine con la adaptación de la novela autobiográfica de la periodista francesa Florence Aubernas, “BETWEEN TWO WORLDS (LE QUAI DE OUISTREHAM)”. La actriz Juliette Binoche encarna a esta inquieta reportera que se propone investigar la realidad social de los más desfavorecidos por la crisis económica actual en una ciudad de tamaño medio como la portuaria Caen, en Normandía. 

La película cuenta la historia de Marianne Winckler, una conocida autora que decide escribir sobre el trabajo precario viviendo la experiencia de cerca. Para ello Marianne se hace pasar por limpiadora, para descubrir en primera persona lo que significa vivir contando cada euro y siendo invisible para la sociedad. Además de vivir una dura experiencia, Marianne conseguirá durante su inmersión establecer verdaderos lazos de amistad con algunos de sus compañeros de infortunio. La solidaridad dará paso a la amistad y la amistad a la confianza pero ¿dónde queda todo esto cuando estalla la verdad?

PRISMA IDEAS y EVA CALLEJA nos informa que “ESPÍRITU SAGRADO” de CHEMA GARCÍA IBARRA tendrá su premier mundial en el Festival de Locarno.

Chema García Ibarra presentará su ópera prima “Espíritu Sagrado en la sección Competición Internacional del Locarno International Film Festival, uno de los encuentros cinematográficos más importantes del mundo.

SINOPSIS: José Manuel y el resto de miembros de la asociación ufológica Ovni-Levante se reúnen semanalmente para intercambiar información sobre mensajes extraterrestres y abducciones. Julio, su líder, muere inesperadamente, dejando a José Manuel como el único conocedor del secreto cósmico que puede alterar el porvenir humano. Mientras tanto en España se busca a una niña que desapareció hace semanas.

García Ibarra nos señala sobre su nuevo trabajo: “Me interesa mostrar lo esotérico como parte de la rutina diaria. Quiero resaltar la convivencia entre lo natural y lo sobrenatural (la naturalización de lo sobrenatural) y crear un diálogo entre lo realista y lo fantástico. Me interesa el juego de opuestos: que haya risa oscura y que el drama contenga una comedia. Con esa idea del contraste extremo, quiero partir del naturalismo doméstico para llegar hasta su opuesto máximo: la ciencia ficción. Me gusta la incomodidad, la estupefacción y sentir la presencia de lo inesperado.”

Rodada principalmente en Carrús (Elche), el barrio del director, “Espíritu Sagrado” ha querido filmar a sus habitantes desde dentro, rostros reales y que no han sido modelados por el oficio de actor. Con esto Chema García Ibarra ha querido lograr la máxima naturalidad posible. Acentos reales, expresiones verdaderas y miradas limpias. El reparto está encabezado por Nacho Fernández, Llum Arques, Joanna Valverde y Rocío Ibáñez.

La película ha sido rodada en 16mm y 35mm, con Ion de Sosa como director de fotografía y producida por Miguel Molina, Leire Apellaniz, Marina Perales Marhuenda, Xavier Rocher y Enes Erbay.

“Espíritu Sagrado” fue seleccionada para los encuentros ICAA del Marché du Film online dentro de los 10 Promising Spanish Projects in Development. Formó parte de Oxbelly Screenwriters Lab y del TIFF Filmmaker Lab del Festival de Cine de  Toronto y de la Residencia de Film Independent/HFPA siendo en todos el único proyecto español.

Es uno de los cinco proyectos de largometraje que participó en la II Edición de La Incubadora de The Screen, programa de ECAM.

“Espíritu Sagrado” es una producción de Apellaniz y de Sosa, Jaibo Films, La Fabrica Nocturna Cinéma y Teferruat Film. Con la financiación del ICAA, Institut Valencià de Cultura, Aide aux Cinémas du Monde (CNC, Institut Français), Ministerio Turco de Cultura y Turismo y Eurimages.

Con la participación de RTVE, À Punt Mèdia, Movistar+ y TRT. Distribuida en España por La Aventura.

FILMAX informa que “SEIS DÍAS CORRIENTES”, de Neus Ballús, tendrá su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Locarno.

La película “Seis Días Corrientes”, de Neus Ballús ha sido seleccionada para competir en el Festival Internacional de Cine de Locarno (Suiza, 4 - 14 de agosto), dentro de la sección Concurso Internacional, principal sección competitiva del certamen.

En esta sección, donde se presenta una selección de estrenos mundiales de una gran variedad de géneros cinematográficos, han participado películas de cineastas como Wong Kar-Wai, Claire Denis, Jim Jarmush y Mia Hansen-Løve, entre otros.

Un total de 17 títulos competirán en esta nueva edición por el “Leopardo de Oro”, la máxima distinción del festival. El jurado está compuesto por cinco personalidades internacionales del cine y la cultura.

Fundado en 1946, el Festival de Locarno es uno de los 15 festivales del mundo de Categoría A, así como uno de los más históricos, celebrando este año su 74 edición.

“Seis Días Corrientes” es el tercer largometraje de Neus Ballús tras su ópera prima La Plaga (Berlinale, 2013) y El viaje de Marta (Berlinale, 2019). Basada en situaciones y personajes reales, la película relata el día a día de la vida de Moha, Valero y Pep, trabajadores de una pequeña empresa de fontanería y electricidad en la periferia de Barcelona. Durante una semana Moha, el más joven, tendrá que demostrar que está preparado para sustituir a Pep, que se jubila. Pero Valero considera que Moha “no da el perfil”, y duda de que los clientes acepten a un trabajador marroquí en sus casas.

Con guion de la propia directora y de Margarita Melgar (pseudónimo tras el que se encuentran Montse Ganges y Ana Sanz-Magallón), el film está producido por Miriam Porté para Distinto Films y El Kinògraf y se estrenará en cines próximamente de la mano de Filmax.

“Seis Días Corrientes”, igual que La Plaga, es una película de género híbrido, que conjuga la ficción con elementos prestados de la realidad. El film conserva la sensibilidad característica de su autora pero esta vez Ballús se aleja del drama para adentrarse en un tono aparentemente ligero, convirtiendo la propuesta en una singular comedia.

Como es habitual en su filmografía, en “Seis Días Corrientes” Ballús trabaja con un casting formado íntegramente por no actores que se interpretan a sí mismos. Tras dos años de casting y documentación en el universo de los fontaneros y electricistas, Ballús eligió al trío de protagonistas -fontaneros reales- interpretando la gran variedad de situaciones que surgen cuando entran en casa de un cliente para hacer una reparación. Todo el elenco, sin experiencia en el mundo del cine, pasó por un taller de preparación antes del rodaje. La filmación se realizó de forma cronológica. Así mismo, en el rodaje Ballús incorporó metodologías del documental para obtener de los protagonistas interpretaciones y situaciones frescas, auténticas y sorprendentes a la vez.

Bajo una capa de humor, ligereza y cotidianidad las seis historias que conforman el film (correspondientes a seis días de una semana laboral), esconden una profunda reflexión sobre los prejuicios que se activan cuando nos vemos obligados a convivir con alguien distinto a nosotros. En un momento en el que las muestras de intolerancia y racismo están muy presentes, la película quiere ofrecer una nueva mirada sobre uno de los mayores retos a los que se enfrenta nuestra sociedad, diversa y multicultural: el reto de comprender al otro.

Distribuida en España por Filmax, “Seis Días Corrientes” es una producción de Distinto Films y El Kinògraf; y la producción asociada de Slot Machine (Francia). Cuenta con la participación de Radio Televisión Española, Televisió de Catalunya y Movistar+ y el apoyo del ICAA y el ICEC. Con el impulso del Máster en Documental de Creación de la UPF. Internacionalmente distribuye Beta Cinema GmbH.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que tres de sus películas, se presentarán en el Festival de Cannes 2021: “A HERO” de Asghar Farhadi, “ALINE” de Valérie Lamercier y “BELLE” de Mamoru Hosoda.

A las ya anunciadas películas de Asghar Farhadi y de Valérie Lemercier, se une el nuevo trabajo del nominado al Oscar Mamoru Hosoda.

A CONTRACORRIENTE FILMS contará con tres películas en la 74 edición del Festival de Cannes: A HERO de Asghar Farhadi en la Sección Oficial a Competición, ALINE de Valérie Lemercier en la Sección Oficial (Fuera de Competición) y BELLE de Mamoru Hosoda en la sección Cannes Premiere. El Festival se celebrará del 6 al 17 de julio.

Asghar Farhadi, director y guionista de dos películas ganadoras del Oscar a la Mejor Película de Habla no inglesa, vuelve a Cannes con su esperada nueva película: “A HERO”. Farhadi se ha convertido en un habitual del certamen francés, donde ha presentado sus últimas películas: “El pasado”, “El viajante” y “Todos lo saben”, con Javier Bardem y Penélope Cruz, que inauguró la edición de 2018.

Por su parte, ALINE es la nueva película escrita, dirigida y protagonizada por Valérie Lemercier inspirada en la vida de la reconocida cantante francocanadiense Céline Dion. La película, producida por los productores de “Intocable” y “Ballerina”, es una de las más esperadas del cine francés de este año, que se estrenará de la mano de Gaumont. Una ficción inspirada en la vida de Céline Dion, una de las artistas femeninas más exitosas de todos los tiempos. Un delicado retrato de la cantante, una mujer impulsada por la pasión y el amor, contado al ritmo de sus grandes éxitos.

Y “BELLE” (“Ryû to Sobakasu no Hime”), el esperado largometraje de animación del cineasta japonés nominado al Oscar Mamoru Hosoda, quien vuelve a formar equipo con Studio Chizu tras las aclamadas “El niño y la bestia” y “Mirai. Mi hermana pequeña”. Esta última se estrenó mundialmente en la Quincena de Directores de Cannes en 2018, ganó el Premio Annie a la Mejor Película Animada y obtuvo una nominación al Oscar. Esta vez, la película cuenta con animadores como el coreano Jin Kim, diseñador de personajes en varias películas de Disney o los animadores del estudio Cartoon Saloon nominados al Oscar Tomm Moore y Ross Stewart. “BELLE” llegará a nuestro país de la mano de SHERLOCK FILMS.

A CONTRACORRIENTE FILMS estrenará A HERO, ALINE y BELLE
en el primer semestre de 2022.

VÉRTICE CINE nos informa que “MOTHERING SUNDAY” tendrá su premier mundial en el Festival de Cannes.

La película está protagonizada por Odessa Young, Josh O'Connor, Olivia Colman  y Colin Firth y podrá verse dentro la sección, recientemente creada, Cannes Premiere.

SINOPSIS: 30 de marzo de 1924, Beechwood (Inglaterra). El matrimonio Niven (Olivia Colman & Colin Firth) perteneciente a la aristocracia inglesa y que ha perdido a sus hijos en la guerra, se prepara para celebrar el Día de la Madre y el compromiso de Paul (Josh O'Connor), el hijo de sus vecinos, con Emma Hobday (Caroline Harker).

Los Niven han dado el día libre a su criada, Jane Fairchild (Odessa Young), huérfana de nacimiento y, durante siete años, amante de Paul.

Con la casa vacía, Paul y Jane se encontrarán por primera vez en el dormitorio de Paul. La joven pareja dará rienda suelta a la pasión clandestina sabiendo que la aventura llega a su fin y que será su último día como amantes….

Vértice Cine estrenará la película en las salas españolas próximamente. 

SOBRE LA PELÍCULA

Mothering Sunday, es un drama británico que cuenta con un guion de Alice Birch, basado en la novela del mismo nombre de Graham Swift y está dirigido por Eva Husson, directora, guionista y actriz francesa.

Olivia Colman y Josh O'Connor habían trabajado juntos previamente al interpretaron a la reina Isabel II y a su hijo, el príncipe Carlos, en la aclamada serie The Crown (2016).

RELABEL COMUNICACIÓN informa que el cortometraje español rodado en Hollywood “THE CADDY” ha sido seleccionado por el Festival de los Ángeles. Está protagonizado por Ron Perlman y Manu Vega y diritido por Gabriel Beristain.

La película tendrá su estreno mundial en el certamen y podrá verse en streaming bajo demanda desde la web del festival el 5 de julio.

El corto se presenta como aperitivo del largometraje que ya preparan las productoras españolas Esto también pasará y Bowfinger International Pictures.

El prestigioso Festival Internacional de Cortometrajes de Los Ángeles, el más destacado de Hollywood y uno de los más importantes del mundo en su categoría, ha seleccionado THE CADDY, la producción española rodada en la meca del cine y dirigida por el mexicano Gabriel Beristáin, reconocido director de fotografía colaborador habitual del universo Marvel y protagonizado por el actor estadounidense Ron Perlman y el joven español Manu Vega.

El festival, que este año celebrará su 25ª edición, forma parte del circuito seleccionado por las Academias de cine americana, británica y canadiense, que acreditan la cinta para su acceso a la carrera por los Oscar®, los BAFTA y los ACCT respectivamente. A lo largo de su trayectoria, el festival se ha constituido como la mejor rampa de lanzamiento para cortometrajistas de todo el mundo. 60 directores seleccionados por el festival fueron nominados a los Premios de la Academia y 16 de ellos obtuvieron el ansiado Oscar.

El estreno mundial de THE CADDY tendrá lugar así dentro de la sección oficial del festival el próximo 5 de julio. El certamen, que este año se celebra online y cuya selección se divide en categorías por género, ofrecerá la posibilidad de disfrutar la película en streaming bajo demanda dentro del programa “CRIME”, que reúne los thrillers más destacados de la temporada en todo el mundo.

THE CADDY, que no podía empezar con mejor pie, arranca así en Los Ángeles su recorrido por festivales antes de saltar a salas comerciales como avance de la historia que tendrá su desarrollo en un largometraje que ya preparan los productores españoles Álvaro Ariza y María Luisa Gutiérrez.

Con guion de Carroll Brown y basado en una idea original del propio Beristáin, THE CADDY explora, en tono de comedia negra, la mente y acciones de los hombres cuando se encuentran ante situaciones límites en un maravilloso ejemplo de la complejidad de las relaciones humanas.

Ron Perlman, una de las leyendas vivas del Cine de Hollywood se mete en la piel de Jerry, un empresario norteamericano secuestrado en un campo de golf. Manu Vega es Enrique, un joven diplomático que tras perder su fortuna por un giro inesperado en su vida, termina ejerciendo de caddy en un campo de golf y planeando el errático secuestro del empresario americano.

El reparto lo completan Fernando Noriega, Antonio Mauri y Allison Dumbar.

Ampliamente reconocido como director de fotografía Gabriel Beristáin (Blade II, Encontrarás dragones, Caravaggio) salta a la dirección con THE CADDY mientras se ultima el estreno de su último trabajo para la producción de Marvel Black Widow.  “Mi trabajo como director, habiendo sido un cinematógrafo toda mi vida profesional, me obliga  a un cambio radical de percepción, pues no solo necesito pasar la batuta a otra persona para interpretar visualmente mis historias, sino que siempre estoy a la búsqueda de una visión integral y un estilo propio que me ayude a contar- para quien lo quiera oír- las aventuras, las vicisitudes, los peligros, los amores, los dolores y las risas, lo mágico y lo absurdo, lo diabólico y lo divino que he encontrado en mi trayectoria vital” – afirma el director.

Justo tras finalizar el rodaje de La Casa del Caracol en Málaga siguiendo el más estricto protocolo anticovid, las productoras españolas Esto también pasará (Alvaro Ariza) y Bowfinger International Pictures (María Luisa Gutiérrez) y las americanas Hippo Entertainment Group (Toño Mauri), El Hombre Orquesta, Vedado Films y Talking Horse Productions,  se embarcaron el pasado año en este nuevo proyecto que concluyó  su rodaje en otoño en la meca del cine, la ciudad de Los Ángeles, California.  

Con THE CADDY, Esto también pasará, Bowfinger International Pictures y Hippo Entertainment Group repiten tandem tras La Casa del Caracol, mientras preparan ya nuevos proyectos conjuntos que seguro darán qué hablar.

Para THE CADDY, Beristáin utiliza cámaras Sony Venice y cuenta con la española afincada en Hollywood Raquel Gallego como responsable de la fotografía y Jonathan Levi como director de producción.

THE CADDY está ya lista para su estreno y en breve arrancará su recorrido por algunos de los principales festivales internacionales de la próxima temporada.

VÉRTIGO FILMS distribuirá dos de las películas seleccionadas en la 74 edición del Festival de Cannes. El certamen, que ha arrancado hoy 6 de julio, presentará a la prensa y al público las películas:

TRE PIANI (TRES PISOS), de Nanni Moretti y WHERE IS ANNE FRANK? (¿DÓNDE ESTÁ ANA FRANK?), de Ari Folman

TRE PIANI (TRES PISOS) - Sección Oficial a Competición

Llega la nueva y esperada película del aclamado actor y director italiano Nanni Moretti.

Con Riccardo Scamarcio, Alba Rohrwacher, Tommaso Ragno, Nanni Moretti, Stefano Dionisi, Margherita Buy y Adriano Gianni.

Sinopsis: Tres familias viven en tres apartamentos en el mismo edificio, puramente burgués, en una bella región italiana...

WHERE IS ANNE FRANK? (¿DÓNDE ESTÁ ANA FRANK?) - Fuera de Competición

La nueva cinta de animación del nominado al Oscar Ari Folman (Vals con Bashir, El Congreso).

Se trata de la única película de animación seleccionada este año en Cannes.

Tras su adaptación de El Diario de Ana Frank a formato de novela gráfica en 2017, Ari Folman lanza ahora una nueva visión de la historia en forma de película animada. Aquí conocemos a una amiga de Ana Frank, llamada Kitty, a quien la pequeña dedicó su famoso diario. Esta joven despertará en la Amsterdam actual y recorrerá los pasos de Ana.

viernes, 9 de julio de 2021

MISS MARX: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia y Bélgica, Miss Marx, está escrita y dirigida por Susanna Nicchiarelli.

1883. Eleonor (Romola Garai), la hija menor de Karl Marx, se encuentra frente a la tumba de su padre, hablando a los asistentes al entierro, de cómo se conocieron él y su madre, de la fuerte oposición por parte del padre de Karl, por ser tan joven y que finalmente, tras casarse, vivieron años difíciles de pobreza, amargura, soportando calumnias y fría indiferencia; pero jamás dejaron de amarse, siendo fieles hasta la  muerte. Tuvieron siete hijos, pero solo tres llegaron a la edad adulta: Jenny (Maria Vera Ratti), Laura (Emma Cunniffe) y Eleonor. Ahora, por fin los dos, Karl y su esposa, descansan juntos.

Tras el entierro, vemos a Eleonor en el despacho de su padre con Friedrich Engels (John Gordon Sinclair), Paul (George Arrendell), marido de Laura a quien entrega la correspondencia que mantuvieron su padre y ella, y el marido de Jenny, al que niega las cartas de su esposa, que ha reservado para su hijo Johnny (Célestin Ryelandt). Tras terminar una partida de ajedrez con Helena (Felicity Montagu),  la mujer que cuidó de su padre hasta el último día y hablar con su sobrino Johnny, se va al despacho y comienza a leer una carta que le había enviado a ella. Unos instantes para el recuerdo y vuelta a su presente. 

Para conocer un poco al personaje de Eleonor, es bueno echar la mirada atrás y saber quién fue su progenitor. Karl Heinich Marx, conocido por Karl Marx, nació el 5 de Mayo de 1818 en la ciudad alemana de Tréveris y falleció el 14 de Marzo de 1883 en Londres. Fue un filósofo, sociólogo, economista, intelectual, periodista y militante comunista alemán, que dejó una gran cantidad de obras literarias relacionadas con los campos que cultivó, donde su pensamiento buscaba la unión entre teoría y práctica. Está considerado, junto a Friedrich Engels, su mejor amigo en la vida real, como uno de los padres del socialismo científico, marxismo y comunismo moderno. Termino mencionando las dos obras más conocidas y de la cuales se habla en el filme “El Capital” y  El Manifiesto del Partido Comunista”

La actriz, guionista y directora, Susanna Nicchiarelli, se licenció en Filosofía en la Universidad Sapienza de Roma, obtuvo un doctorado en Filosofía en la Scuola Normale de Pisa y el Título en Dicción en el Centro Sperimentale di Cinematografía en 2004. Comenzó escribiendo y dirigiendo cortometrajes y documentales, hasta que en 2009 llegó su ópera prima en la dirección con “Cosmonauta” continuando con “La scopeta dell`alba” 2012, “Nico, 1988” 2017 y este año llega “Miss Marx” 2020. Para televisión ha dirigido la serie “Luna Nera” 2020.

Tras lo ya mencionado, continúa la histoia con Leonor, que siguió las teorías de su padre y el trabajo en el que creía; la lucha por unas condiciones dignas y de seguridad en el trabajo, la defensa de la mujer trabajadora y de los niños, explotados; en donde ambos, mujeres y niños, en la gran mayoría de las ocasiones, estaban obligados a dormir en el mismo edifico donde trabajaban, en literas y sin ver la luz del sol, durante días. Un filme bien documentado, que se apoya en imágenes de archivo, para mostrar la realidad que presenta la narración. 

Un interesante filme, desde el punto de vista social y cinematográfico,  para ser conscientes de cuanto hemos evolucionado y lo que aun nos queda, pues desgraciadamente, en muchos países, los trabajadores siguen estando explotados, tanto hombres como mujeres y no digamos los niños, que no viven sus infancias, sino que prácticamente desde que comienzan a caminar, ya están trabajando, para poder salir de la pobreza, algo que el sistema, tiene bien calculado, para que nunca se cumplan esos sueños.

Una película que no habla solo de política y sociedad, sino que nos invita a conocer la vida personal de la activista, ante todo mujer,  quien conocerá a Edward Avelin (Patrick Kennedy), un vividor, mujeriego y machista, que nunca dio un palo al agua y vivió a costa de Eleonor toda su vida.  Esta cuestión nos resulta un tanto chocante y un punto de inflexión en la vida de Eleonor, pues ella era una mujer liberada y feminista, pero el amor, el verdadero amor que ella sintió por él, la obnubiló, siendo consciente de todo lo que él le estaba ocasionando, pero no poniendo remedio; tal vez por ese motivo, su lado más feminista, no está tan representado, en la historia.

Los momentos más potentes de la obra son cuando ella está sola, absorta en sus pensamientos y en los instantes que habla a la cámara citando textos de la obra de su padre y la suya propia, en torno al capitalismo, socialismo y sociedad. Esas miradas intensas, casi sin pestañear y una voz serena, penetran con fuerza en el espectador. La obra hará un recorrido desde el año 1883 muerte de Karl Marx hasta 1898, siempre en esa lucha constante por lograr la ilegalización de la explotación infantil en el trabajo, la igualdad de educación entre hombres y mujeres y por el sufragio universal, sus tertulias con los  intelectuales de su tiempo, amigos  y su vida más íntima y personal. 

A destacar la dirección de Susanna Nicchiarelli, la extraordinaria interpretación de Romola Garai, como Eleonor, junto a un fantástico reparto de secundarios. La magnífica fotografía de Crystel Fournier, la cuidada ambientación y  por supuesto, la banda sonora compuesta por Gatto Ciliegia Control il Grande Freddo y otros temas que os dejo al final.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Julio

REPARTO: Romola Garai, Patrick Kennedy, Felicity Montagu, Karina Fernández, Oliver Chris, Emma Cunniffe, John Gordon Sinclair, Philip Gröning, George Arrendell y Célestin Ryelandt.

PRODUCTORA: Vivo Film// Tarantula// RAI// VOO// BE TV// Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo// Eurimages.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures.

BANDA SONORA: “Fantasmagoria” de Gatto Ciliegia Contro il Grande Freddo, “Campanella on the beach” de Franz Liszt, “Fantasia estemporanea per Tussy”, “Sonata utópica  Movimiento largo” y “Eroica Miss Mark” de Frédéric Chopin, “L´Internationale”, “Waves of History”, “A Wall”, “I´m Enough” y “Dancing in the dark” por Dowtown boys.

jueves, 8 de julio de 2021

VIUDA NEGRA: CRÍTICA DE CINE

Viuda Negra, está dirigida por Cate Shortland con guion de Eric Pearson, basándose en el Cómic de Stan Lee, Don Heck y Don Rico con historia de: Ned Benson y Jac Schaeffer. “¿Pensabas qué conocías a la Viuda Negra? Entonces piensa de nuevo”

El prólogo nos sitúa en 1995 donde dos niñas Natasha (Ever Anderson) y Yelena (Violet McGraw) tras jugar en el jardín, se disponen a cenar con la madre, Melina Vostokoff  (Rachel Weisz). Llega el padre, Alexei Shostakov (David Harbour) y les comenta que se tienen que ir. A gran velocidad salen de la casa, subiéndose a un todoterreno. Por el camino son perseguidos y tiroteados, pero logran escapar a bordo de una avioneta que guardaban en un hangar, llegando hasta Cuba. Allí las dos niñas son separadas de sus padres, para internarla en lo que denominan: La Habitación Roja.  

Han pasado 21 años y mientras Natasha (Scarlett Johansson), apodada la Viuda Negra, ex asesina entrenada por la KGB, ex agente de S.H.I.E.L.D. y actual miembro de los Vengadores; su “hermana” Yelena (Florence Pugh), una guerrera despiadada, se convierte en su rival, pues sigue bajo el control de la KGB y forma parte del grupo conocido como las Viudas Negras.  Ambas mantienen una pelea y en el transcurso de la misma, Natasha logra liberar a su hermana con un antídoto. Las dos emprenden un viaje en busca de sus padres. 

El Universo Marvel retorna a la gran pantalla tras dejar atrás la pandemia y volver a la deseada normalidad, y para ello lo hace con uno de los personajes más queridos y a la vez misteriosos, pues de ella se sabía muy poco: “La Viuda Negra”. La película número 24 del Universo Marvel (MCU) está producida por Marvel Studios, distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures, dirigida por Cate Shortland y escrita por Eric Pearson. El filme está ambientado después de Capitán América: Civil War 2016 dirigida por los hermanos Russo, Joe y Anthony. El filme ha sido rodado en: Budapest, Marruecos, Noruega, en las ciudades de Atlanta y Macon en Georgia y en los estudios de cine y televisión británicos, Pinewood Studios.

Sobre su directora, Cate Shortland, comentaros que además de directora es guionista. Estudió en la Universidad de Sydney licenciándose en 1991 y se graduó en la Escuela de Cine, Televisión y Radio de Australia,  recibiendo el premio Southern Star Award como estudiante más prometedora, en el año 2000. Sus primero trabajos para el cine fueron los cortometrajes “Strap on Olympia” 1995, “Pentuphouse” 1998, “Flowergirl” 1999 y “Joy” 2000 para llegar a su primer largometraje con “Somersault” 2004 (Premio Un Certain Regard en Cannes y Premio Mejor Directora y Guionista en el Instituto de Cine Australiano), continuando con “Lore” 2012 (Obtuvo diversos premios entre ellos el Seminci de Valladolid a Mejor Nueva Directora), “El Síndrome de Berlín” 2017 y antes de “Viuda Negra”, ha dirigido capítulos de series como “Vidas secretas” 2002/03, “Bad Cop, Bad Cop” 2002/03, el telefilme “The Silence” 2006 y “SMILF” 2019.

De entrada creo poder afirmar que “Viuda Negra” es el Marvel más atrevido y diferente hasta la fecha, apartándose, en parte, del canon de los superhéroes, a los que estamos acostumbrados; entre sus aventuras y algunas desventuras y de las batallas sin cuartel, con las que tanto disfrutamos. Viuda Negra es la historia de una superheroína, con un pasado oscuro, con una extraña familia de procedencia rusa y de un grupo de mujeres que dan nombre a las viudas negras. Tras lo expuesto, no quiero decir que no tenga acción, que la tiene y a raudales, sino que en gran medida la violencia es sustituida por el espectáculo visual con el que nos atrapa en la butaca, en coreografías fantásticas e incluso, algunas tan imposibles como difíciles de imaginar, recordándonos filmes recientes de espías, porque Viuda Negra, nos sumerge en ese género, en ese cine de espías y contraespías,  entre esas potencias siempre rivales, con sus enrevesados complots con el viciado deseo de controlar el mundo. Virus que alteran la consciencia, lugares secretos por descubrir, espacios de entrenamiento de las futuras asesinas que deben ser reconducidas o enemigos con los que combatir a muerte. Un universo en el que nuestra heroína se interna, mientras conocemos su historia entre flashbacks. La historia que nunca se nos contó y que al igual que otros fans, opino que se merecía una película propia. ¿Es viuda negra, el filme más oscuro de Marvel?

Nuevamente estamos ante un filme femenino, pues junto a Natasha, la viuda negra, magníficamente interpretada por Scarlett Johansson, conoceremos a su “hermana” Yelena, encarnada por Florence Pugh, en una soberbia interpretación, que sin duda conquistará a los seguidores de la saga. Este tándem de actrices, funciona como un reloj de precisión, sobre todo cuando ambas están juntas, pues devoran la pantalla, adueñándose de cada fotograma y logrando que disfrutemos, como requiere la narración. Junto a ellas no puedo olvidar y sí reconocer la sobresaliente dirección de Cate Shortland, quien ha sabido equilibrar acción, aventura, ficción, espionaje, drama y por supuesto, ese lado irónico y cómico, como sello indiscutible de Marvel. Comicidad que nos provocan las dos heroínas y quien nos hará esbozar más de una sonrisa y carcajada, David Harbour, encarnando al Guardián Rojo.

Como siempre, cuando tengo que hacer una crítica de un filme Marvel, escribo y escribo y luego tengo que recortar para no caer en el spoiler, que luego os enfadáis y con razón. Sobre los aspectos técnicos nada que decir. Marvel cuenta con unos profesionales como la copa de un pino, que además de toda la pirotecnia de efectos visuales y sonoros, destaco la extraordinaria banda sonora a cargo de Lorne Balfe. Así que cerraré comentando que por fin la esperada 4ª Fase del Universo Mavel Cinematográfico ha llegado a la gran pantalla, pues en la pequeña nos ha y está ofreciendo suculentos aperitivos desde hace unos meses, que si no habéis visto, os invito a que visionéis: “Bruja Escarlata y Visión (WandaVisión) Enero 2021 dirigida por Matt Shakman, “Falcon y el Soldado de Invierno” Marzo 2021 dirigida por Kari Skogland y en junio se inició y continúa en la actualidad, “Loki” dirigida por Kate Herron; todas ellas se pueden ver en Disney+

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Julio

REPARTO: Scarlett Johansson, Florence Pugh, Rachel Weisz, David Harbour, William Hurt, Ray Winstone, O.T. Fagbenle, Michelle Lee, Olivier Richters, Nanna Blondell, Joakim Skarli, Obie Matthew y Paul O`Kelly.

PRODUCTORA: Marvel Studios// Zak Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Pictures.

miércoles, 7 de julio de 2021

QUERIDOS CAMARADAS: CRÍTICA DE CINE

Queridos Camaradas, está dirigida por Andrei Konchalovsky, compartiendo guion con Elena Kiseleva.

Estamos en el año 1962, nos encontramos con Lyudmila (Yuliya Vysotskaya), miembro del partido comunista y una gran defensora de los ideales del régimen, levantándose de la cama para ir a buscar la ración diaria de comida, que le corresponde. Mientras se viste, conversa y discute con su amante, que permanece en la cama, sobre la subida de los precios y lo imposible que se está poniendo la situación política y económica.

Svetka (Yulia Burova) es hija de Lyudmila y activista contra el régimen. Acude a la manifestación convocada en protesta por la bajada de los salarios en la empresa del motor. El gobierno tiene como ley no atentar contra ningún ciudadano, pero esa ley se la saltan, cuando en medio de la manifestación, los soldados disparan a los manifestantes, provocando una masacre. Lyudmila vive la revuelta con estupefacción, aunque su único objetivo, en esos momentos, es encontrar a su hija desaparecida, viva o muerta. 

Para poner en situación al lector/espectador, cabe reseñar que la huelga obrera, en la que se centra la película, tuvo lugar en la ciudad rusa de Novocherkassk en 1962, bajo el mandato de Khrushchev, en la Planta de Locomotoras Eléctricas. La tragedia se desencadenó ante el hartazgo de los obreros de las fábricas por la subida de los precios en los productos básicos, principalmente la carne, y la bajada de los salarios. La chispa saltó cuando Kurochkin, el gerente de la fábrica mencionada, estaba hablando a los manifestantes y dos mujeres se acercaron a los trabajadores ofreciéndoles una bebida y unas pastas. Kurochkin observó la escena en silencio y no se sabe si molesto o queriendo hacer una gracia, les comentó “Ustedes dicen que no hay dinero para carne o salsa y aquí están mojando pastas redondas con Pluck”. La ira se desató entre los trabajadores respondiendo “Además los bastardos tienen las agallas de burlarse de nosotros”. La sirena de la fábrica resonó con fuerza y a los huelguistas se fueron uniendo más ciudadanos. Los disparos, supuestamente al aire, que se produjeron durante la manifestación, terminaron con la vida de 30 obreros, en una ciudad con una población inferior a los 180.000 habitantes. Este hecho fue ocultado y guardado en secreto por la KGB y el Ministerio Soviético de Interior, hasta que salió a la luz a finales de los años 80. 

El guionista, productor y director de cine, Andrei Konchalovsky, estudió durante 10 años en el Conservatorio de Moscú, con el fin de ser pianista. Continuó sus estudios graduándose en el programa de dirección del VGIK con Mikhail Romm. Rueda su primer cortometraje “El niño y la paloma” en 1961 y debuta en el largometraje con dos obras, “La felicidad de Asia” y “El primer maestro” en 1966, a las que siguieron  “Nido de nobles” 1969 y “Tío Vania” 1971(Concha de Plata Festival de San Sebastián). Debido a su extensa filmografía, solo mencionaré algunos de sus éxitos como “Siberiada” 1978 (Premio especial del Jurado en el Festival de Cannes), “El tren del infierno” 1985 (Nominada y premiada en diversos certámenes), “Vidas distantes” 1987 (Nominada y premiada en diversos certámenes), “El círculo del poder” 1991,  “Lumière y compañía” 1995, “La casa de los engaños” 2002 (Gran Premio del Jurado en Venecia), “A cada uno su cine” 2007, “El cartero de las noches blancas” 2014 (León de Plata a Mejor Director en Venecia), “Paraíso” 2016 (Nominada y premiada en diversos festivales) o la dirigida el pasado año y que ahora llega a nuestras pantallas “Queridos Camaradas” 2020 (Nuevamente nominada y premiada en diversos festivales)

Ambientada en los años 60 y  en un impoluto blanco y negro, “Queridos Camaradas”, se presenta al público como un filme duro, desgarrador y dramático. Está rodado en formato 4:3, lo que provoca que el espectador sea testigo directo de uno de los episodios más dolorosos de la historia de la Unión Soviética, de la tensión que se vivió, de la cercanía e intimidad de los personajes con el espectador, quienes nos van desvelando, a través de una narración escrupulosamente cuidada en sus imágenes y diálogos, el fracaso de un régimen que en vez de cuidar del pueblo, como presumían, lo estaban asfixiando. Pero el director no solo recrea la parte histórica, que ya de por sí resulta interesante y cruel, sino que toma como protagonista a una mujer, defensora del régimen, que tendrá que lidiar con sus ideales, mientras que busca a su hija entre los muertos, pues sabía que la joven estaba en la manifestación.

Andrei Konchalovsky ejecuta un trabajo pulcro, sin que le tiemble el pulso y cuidado en los detalles, apoyándose en la magnífica fotografía en blanco y negro del directo Andrey Naidenov, quien nos sobrecoge con el realismo con que dota a las imágenes. Destacar las excelentes interpretaciones de sus actores y actrices, entre quienes sobresale el deslumbrante trabajo de  Yuliya Vyotskaya, en el papel de mujer política y madre coraje.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Julio

REPARTO: Yuliya Vysotskaya, Vladislav Komarov, Alexander Maskelyne, Andrei Gusev, Yulia Burova y Sergei Erlish.

PRODUCTORA: Production Center of Andrei Konchalovsky

DISTRIBUIDORA: VERCINE

martes, 6 de julio de 2021

LA MUJER DEL ESPÍA: CRÍTICA DE CINE

 

La Mujer del Espía está dirigida por Kiyoshi Kurosawa compartiendo guion con Ryûsuke Hamaguchi y Tadashi Nohara.

Estamos en 1940 en Kobe (Japon). Yusaku (Issey Takahashi) es director de una compañía comercial y está casado con Satoko (Yū Aoi). Durante un viaje a Manchuria, Yusaku se encuentra con un dramático secreto nacional y en nombre de la justicia y en contra del gobierno, decide hacerlo público. Satoko, a quien Yusaku le oculta la verdad, investigará qué está sucediendo, descubriendo en una caja fuerte, que oculta su marido, unos documentos y una grabación cinematográfica, con la que queda impactada. Al regresar a casa, pide explicaciones a su marido.

El guionista y director de cine, Kiyoshi Kurosawa, se graduó en la Facultad de Sociología de la Universidad de Rikkyo. En su etapa de estudiante rodaba con su cámara de 8mm y en 1980 ganó un premio en el Festival de Cine de PIA (Japón). Estuvo trabajando como ayudante de dirección con tres directores: Kazuhiko Hasegawa en “The Man Who Stole the Sun” 1979, Shinji Somai en “Sailor Suit and Machine Gun” 1981 y Banmei Takahashi en “Ookami” 1982. En 1983 dirigió el mediometraje “Kandagawa Wars” al que han seguido los largometrajes “The Excitement of the Do-Re-Mi-Fa Girl” 1985, “Abunai hanashi mugen monogatari” y “Dulce Hogar” ambas en 1989, “The Guard from the Underground” 1992, “893 Taxi” 1994, “Door 3” y “The Revenge I: A Visit from Fate” 1996,  “The Revenge II” y “Cure” 1997, “Permiso para vivir (License to Live”, “Los ojos de la araña” y “La senda de la serpiente” 1998, “Barren IIIlusions” y “Carisma” 1999, “Kairo (Pulse)” 2001, “Doppelganger” y “Bright Future” 2003, “House of Bugs” y “Loft” 2005, “Retribution” 2006, “Tokyo Sonata” 2008, “Beautiful New Bay Area Proyect”, “Seventh Code” y “Real” 2013, “Journey to the Shore” 2015, “Le secret de la chambre noire” y “Creepy” 2016, “Bofore We Vanish” 2017,  “Foreboding” 2018 y “To The Ends of the Earth” 2019. También ha trabajado para televisión y este año pasado estrenó “La mujer del espía” que llega ahora a nuestras pantallas.

Thriller de espías al más puro estilo norteamericano, recordándonos obras clásicas en su puesta en escena e incluso en el tratamiento de la fotografía. Una narración interesante que te mantiene expectante ante todo lo que nos va mostrando y aunque resulta en ocasiones pausada, esa sutil lentitud, confiere a la obra personalidad e incluso ese carácter de cine negro entre el drama, en ocasiones más intrínseco y propio del país, que el de los personajes en la propia historia. El suspense que se origina en medio de las situaciones o a través de los elementos, como es el caso de la película guardada en su caja de metal, vista desde dos puntos muy diferentes y con ello, crispando a los poseedores y a quienes desean poseerla. Las pasiones que se desatan entre las verdades y las mentiras, que arrastran ese extraño amor de la pareja protagonista y por supuesto, el universo de los espías y su entorno, internándonos en el mundo oscuro en el cual, como ya he citado en otras ocasiones, nada parece lo que es o sí. Verdugos y víctimas, en el juego del gato y el ratón, a través de esa necesidad de ocultar los sucesos o de sacarlos a la luz. Un filme que reserva mucho más de lo que aparentemente creemos ver y que subyace entre la moralidad de Yusaku y Satoko.

La mujer del espía, cuenta con una dirección sobria, elegante, meditada y un tanto teatralizada por parte de Kiyoshi Kurosawa, apoyándose en la atractiva y sugerente fotografía de Tatsunosuke Sasaki, quien junto a la dirección artística, logra sumergirnos en la densa atmósfera de los años 40 del siglo pasado, mientras se abraza a una potente y a la vez emotiva banda sonora en la partitura de  Ryosuke Nagaoka. En cuanto a las interpretaciones, cumplen sobradamente con su cometido, destacando a Yū Aoi en el papel de Satoko. Un personaje, en parte, poco convencional en el cine nipón. 

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Julio

REPARTO: Yû Aoi, Issei Takahashi, Ryôta Bandô, Chuck Johnson, Yuri Tsunematsu, Minosuke, Hyunri, Masahiro Higashide, Takashi Sasano.

PRODUCTORA: NHK

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sherlock Films.

ESTRENO SERIES INTERNACIONALES VERANO 2021 EN MOVISTAR+

VERANO 2021: estrenos de series internacionales que llegarán en julio y agosto a Movistar+

“The Good Fight” T5. Estreno el 2 de julio en dual en Movistar+ (desde el 25 de junio en VSO).

Ante la inminente salida de Adrian y Lucca de la firma, Diane empieza a cuestionar si su lugar está realmente dirigiendo, junto a Liz, un bufete mayoritariamente afroamericano. Mientras tanto, Marissa se ve involucrada en un conflicto de intereses con un tal Hal Wackner (Mandy Patinkin), un ciudadano de Chicago sin experiencia legal que decide abrir su propio tribunal en la parte de atrás de una copistería. 

“Animal Kingdom” T5. Estreno el 21 de julio en dual en Movistar+.

Los Cody ya no tienen a mamá. La muerte de Smurf ha dejado al clan de los Cody tocado. Ahora que se han librado de la tóxica influencia de la matriarca de la familia, Pope, Craig, Deran y J por fin son los dueños de sus propias vidas, pero todavía se ven afectados por las cuentas pendientes de su madre. Mientras Pope y J se disputan el liderazgo de la banda, los Cody no dejan de buscar información sobre Pamela Johnson: la amiga y cómplice a la que Smurf decidió dejar toda su herencia. Muy a su pesar, no son los únicos... Paralelamente, en 1984, somos testigos de cómo una volátil Smurf forja su destino, criando a Pope y Julia a sus 29 años y poniéndose a la cabeza de varios trabajos peligrosos junto a nuevos y antiguos aliados. 13 episodios. Cada miércoles un nuevo episodio. Todas las temporadas disponibles.

“Riverdale” T5 (segunda parte). Estreno el 12 de agosto en Movistar+.

Vuelve “Riverdale” con nuevos episodios para concluir la quinta temporada tras un largo parón. El pasado nunca muere en Riverdale: viejos fantasmas y nuevos misterios esperan a sus protagonistas. Tras graduarse y reencontrarse años después, Archie, Betty, Jughead, Veronica, Cheryl, Toni y Kevin siguen tratando de salvar la ciudad que los vio crecer de los nuevos misterios e intrigas que amenazan en cada esquina. Lejos de encontrar tranquilidad, descubren que la vida es mucho más complicada –si cabe– que cuando tenían 18 años.

“L: Generación Q” T2. Estreno el 15 de agosto en dual en Movistar+

Segunda temporada del regreso de la icónica serie que revolucionó a una generación. Bette, Alice y Shane vuelven junto a un grupo de nuevos personajes LGTBIQ+ más empoderados y más diversos que navegan entre el amor, el desamor, el sexo, las contradicciones y el éxito en el corazón de Los Ángeles. Nuevas incorporaciones: Rosie O’Donnell, Donald Faison, Griffin Dune y Vanessa Williams. La primera temporada ya disponible. 

“Todo va a ir bien” T2. Estreno el 20 de agosto en Movistar+.

Poco después de volver de Nueva York, Nicholas, Mathilda, Genevieve y Alex tratan de sobrevivir al día a día confinados en su casa de Los Ángeles por la pandemia del Covid-19. Entre rutinas, llamadas telefónicas y mucho tiempo en casa, Mathilda se plantea si su relación con Drea es real o no, mientras intenta averiguar qué quiere hacer con su futuro tras haber rechazado su plaza en Juillard. Por su parte, Nicholas y Alex se deben enfrentar a la realidad de vivir juntos, y Genevieve saca a relucir su creatividad para encontrar su propia voz y prueba suerte como youtuber. La primera temporada, actualmente en emisión.

lunes, 5 de julio de 2021

SUEÑOS DE UNA ESCRITORA EN NUEVA YORK: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Canadá e Irlanda, Sueños de una escritora en Nueva York, está dirigida por Philippe Falardeau, adaptando la novela de Joanna Rakoff. “Mis emociones eran mudas”

El prólogo nos presenta a una joven, Joanna (Margaret Qualley), llena de sueños y deseos de convertirse en escritora en la gran manzana, la ciudad de Nueva York, como lo hacen, según su imaginario, los aspirantes a escritores que viven en apartamentos cutres y escriben en bares.

Nueva York 1995. Joanna se instala en el apartamento de su amiga Jenny (Seana Kerslake) y encuentra trabajo en una agencia literaria como asistente de Margaret (Sigourney Weaver), la agente literaria de J.D. Salinger (Tim Post), el autor de “El guardián entre el centeno”. Esa será una de sus responsabilidades, leer las cartas que le envían sus fans y seleccionar las importantes. En su tiempo libre se reúne con un grupo de amigos relacionados con la literatura, entre los que se encuentra Don (Douglas Booth), con quien mantendrá una relación sentimental.

El guionista y director, Philippe Falardeau, estudió Ciencias Políticas en la Universidad de Ottawa. Realizó un viaje alrededor del mundo filmando cortometrajes para el programa televisivo, Course Destination  Monde. Su ópera prima en el largometraje llegó en el año 2000 con “La moitié gauche du frigo (El lado izquierdo del refri)” continuando con “Congorama” 2006 (Premio Genie al mejor guion original 2007), “No he sido yo, ¡lo juro!” 2008, “Monsieur Lazhar” 2011(Premio Genie: Mejor película, Premio Mejor Película, Festival de Toronto, Premio del Público Festival de Locarno y Mejor Guion Premio FIPRESCI en la Seminci), “La buena mentira” 2013, “My internship in Canada” 2015, “Chuck (The Bleeder) 2016 y en este pasado año, estrenó “Sueño de una escritora en Nueva York”, que ahora se puede ver en Movistar+ Cine.

Tal vez sea por ese amor a los libros y a la escritura, que este filme me ha llegado, me ha acariciado con su barita suave y gentil, con ese toque romántico y de ensoñación que despiertan las páginas de una novela, los personajes que en ella se encierran y los secretos que cada uno guarda celosamente y que van descubriendo al lector, a través de la mano del escritor. De su pluma o del teclado. Un filme delicado que nos habla de literatura, de escritores que alcanzan la fama y de aquellos que llegan por primera vez, con una obra entre sus manos y con ese nerviosismo del principiante, que jamás se olvida, aferrándote a él como un tesoro. De las agencias y de lo que se mueve entre esas paredes y por supuesto, de los fans. Esos lectores que conectan con la obra del autor, con su forma de ver la vida y de hacerles sentir, porque  ante todo, escribir una obra es un derroche de generosidad emocional, que se ve sobradamente recompensada cuando un lector, se dirige al escritor.

La película trata el tema con un lenguaje sencillo, cercano y directo al espectador. Una narración que no solo nos habla del mundo que gira entorno a la literatura, sino de esas frustraciones, miedos, celos, deseos y sueños de principiantes y veteranos, sean escritores o profesionales del medio. De hombres y mujeres cuyas emociones reprimen o exponen según el grado de vulnerabilidad que les invade o de quienes, refugiándose entre las páginas de esos libros, dejan aflorar los sentimientos, surgiendo las inseguridades, el vacío e incluso la soledad. Esos lectores que empatizan con los personajes descritos entre las páginas y que les transportan a mundos irreales dentro de la realidad, cuando creen que sus vidas carecen de sentido.

El filme cuenta con todos los ingredientes para gustar al gran público, destacando, además de la impecable dirección de Falardeau, la apacible banda sonora en la batuta de Martin León, pasando por la delicada fotografía de Sara Mishara y por supuesto, con las afables y correctas interpretaciones, entre diálogos más que interesantes. Sobresalen Margaret Qualley y Sigourney Weaver. Una película que te mecerá en tu sofá o sillón favorito, pues la podrás disfrutar en Movistar+

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Junio en cines y a partir del 16 de Julio en Movistar+

REPARTO: Sigourney Weaver, Margaret Qualley, Douglas Booth, Colm Feore, Matt Holland, Théodore Pellerin, Seána Kerslake, Jonathan Dubsky, Xiao Sun, Yanic Truesdale, Leni Parker, Romane Denis y Gavin Drea.

PRODUCTORA: Micro_Scope// Parallel Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

domingo, 4 de julio de 2021

MANDÍBULAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia y Bélgica, MANDÍBULAS, está dirigida por Quentin Dupieux, quien además se encarga del guion y de la fotografía.

Manu (Grégoire Ludig) recibe el encargo de recoger un maletín, llevarlo en el maletero del coche hasta un lugar determinado y a la entrega, ser recompensado con 500 Euros. Manu no tiene coche, por lo que decide robar uno y llamar a su amigo Jean-Gab (David Marsais), para que le acompañe. Durante el trayecto escuchan ruidos en el maletero, deciden parar y en su interior se encuentran con una mosca gigante. Tras la sorpresa, Jean-Gab le comenta a Manu que podrían adiestrarla para robar en un banco. Bautiza al insecto con el nombre de Dominique. Cabe decir que ninguno de los dos es demasiado listo.

El director de fotografía, músico, guionista y director de cine, Quentin Dupieux, con tan solo 18 años se dedicó a la fotografía. Un año más tarde se inclinó por la música, con idea de ilustrar cuanto fotografiaba. Ha logrado un importante éxito como productor y compositor de música electro house, bajo el nombre de Mr. Oizo.  En 1999 dirigió el video clip “Mr Oizo: Flat Beat, continuando con el medio metraje experimental “Nonfilm” 2001 y los largometrajes “Steak” 2007, “Rubber” 2010,  “Wrong” 2012,  “Wrong Cops” 2013, “Réalité” 2014, “Bajo arresto” 2018, “La chaqueta de piel de ciervo” 2019 y llegando a su último trabajo, “Mandíbulas” 2020. También ha dirigido los cortometrajes “Wrong Cops: Chapter1” 2012, “Das foto-shoot” 2013 y “Being Flat” 2015.

“Mandíbulas” es un filme disparatado, como sello indiscutible de su director, que nos tiene acostumbrados a comedias muy personales y con personajes aún más inverosímiles, pues si bien a través de su filmografía hemos visto objetos inanimados acaparar el protagonismo  de la narración, como la rueda de  “Rubber” o la chaqueta en “La chaqueta de piel de ciervo, en esta ocasión no iba a ser menos, presentándonos  a un adorable insecto, uno de esos a los que tenemos especial cariño, una mosca gigante que parece haber sido adiestrada por el mismísimo Rambo, en sus buenos tiempos y que sus alocados compañeros, deciden tratarla como una mascota y entrenarla para que les ayude a resolver sus problema económicos. Por si todo esto fuera poco, el moscardón, se comporta como un cachorro, aunque cuidado con los lindos perritos, que no se pongan a su alcance. El director, una vez más, asume las responsabilidades de guion, fotografía y montaje.

Los dos actores principales, son sobradamente conocidos en el país galo, como pareja cómica, habiendo intervenido en numerosos filmes juntos como “Se os fue de las manos” 2014 de Philippe Lacheau y Nicolas Benamou, “La loca historia de Max y León” 2015 de Jonathan Barré, “Santa Claus & Cia” 2017 de Alain Chabat o “Adiós, Idiotas” 2020 de Albert Dupontel. En esta ocasión, Grégoire Ludig y David Marsais, nos recuerdan mucho a dos tontos muy tontos, sus homólogos norteamericanos, quienes con sus locas ideas y esa inocencia innata que ofrecen, como niños dentro de cuerpos de adultos, no podemos por menos que esbozar sonrisas y soltar alguna que otra carcajada, a la vez que sentir vergüenza ajena.

Mandíbulas puede ser considerada como una película estúpida, que lo es, como un sinsentido, que por supuesto estaremos de acuerdo e incluso rocambolesca, a lo que no diré que no; pero Mandíbulas es uno de esos filmes directos, honesto, campechano, alocado y de una ingenuidad que raya en el desconcierto, pero que te hace sentir bien, pues ante todo, es una película optimista, preguntándote a la salida de la proyección, si la verdadera intención del director es utilizar como Macguffin a Dominique, para contarnos una historia de amistad, valorando lo importante de la vida, de lo que nos ofrece día a día, tomando aquello que nos hace más felices, sin complicarnos; dejando atrás todo lo negativo, porque ese, en realidad, parece ser el mensaje que desea transmitir Dupieux, aunque viniendo de él, con la ironía que le caracteriza y por absurda que nos pueda parecer la narración, todo es posible. 

Por todo lo dicho, además de encariñarnos con el bichejo, el correcto metraje del filme, 77 minutos justos; la crítica a una cierta burguesía, los alocados diálogos del guion y que nos hace olvidarnos de todo lo que aun está pasando a nuestro alrededor, agradezco que alguien como Quentin Dupieux, logre sacarme de la realidad y me sumerja en su mundo sin sentido y sin complejos, por un rato, solo por un rato.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Julio

REPARTO: Grégoire Ludig, David Marsais, Adèle Exarchopoulos, India Hair, Roméo Elvis, Dave Chapman, Anaïs Demoustier, Coralie Russier, Bruno Lochet y Raphaël Quenad.

PRODUCTORA: Chi-Fou Mi Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Karma Films.

EL CINE DE ESTRENO QUE LLEGA A MOVISTAR + JULIO 2021

 

El cine de estreno que llega en julio a Movistar+

En julio, cine para todos los gustos en Movistar+. Desde los estrenos para toda la familia, como la nueva aventura de la familia cavernícola en “Los Croods: una nueva era”, a uno de los recientes éxitos del cine español, “Hasta el cielo” dirigido por Daniel Calparsoro, o “Sueños de una escritora en Nueva York”, la última película de Sigourney Weaver que llega a Movistar+ sólo seis semanas después de su estreno en cines.

“LOS CROODS: UNA NUEVA ERA”. DESDE EL VIERNES 23

La famosa familia cavernícola se asoma de nuevo a la gran pantalla en esta segunda aventura en la que los Crood, tras haber sobrevivido a bestias prehistóricas de inmensos colmillos y hasta al mismísimo fin del mundo, deberá afrontar ahora su mayor desafío: conocer a otra familia.
Cine de animación para toda la familia en el que Anna Castillo y Raúl Arévalo (que participan por primera vez en un proyecto de estas características) ponen voz en español a dos nuevos personajes.
En versión original, también voces muy famosas como las de Nicolas Cage, Emma Stone, Ryan Reynolds, Catherine Keener o Peter Dinklage.

“HASTA EL CIELO”. DESDE EL VIERNES 9

Daniel Calparsoro en la dirección y Jorge Guerricaechevarría en el guion revisitan y actualizan el cine quinqui en este 'thriller' de acción basado en hechos reales.

Acción, romance y ambición desmedida son las claves de esta cinta protagonizada por Miguel Herrán, Luis Tosar y Carolina Yuste que sigue a Ángel, un chico que, tras pelearse con Poli -el posesivo novio de una chica que conoce en una discoteca-, es invitado por el propio Poli a unirse a una banda de atracadores que tiene en jaque a toda la policía de Madrid.

SUEÑOS DE UNA ESCRITORA EN NUEVA YORK. DESDE EL VIERNES 16

Sigourney Weaver y la joven Margaret Qualley protagonizan esta película basada en la autobiografía de la periodista y escritora Joanna Rakoff “Mi año con Salinger”, en la que narra su etapa en la agencia literaria con la que trabajaba J. D. Salinger, el mítico y excéntrico autor de “El guardián entre el centeno”.

Dirigido y escrito por Philippe Falardeau (nominado al Oscar a la mejor película en lengua no inglesa por 'Profesor Lazhar'), este tierno y optimista drama está ambientado a mediados de la década de 1990, cuando la joven Joanna, una prometedora estudiante de posgrado, lo deja todo para intentar cumplir su sueño de convertirse en escritora.

Movistar+ en colaboración con A Contracorriente Films estrena el viernes 16 de julio, seis semanas más tarde de su estreno en salas de cine.

“MADAME CURIE”. DESDE EL VIERNES 2

Biografía de la polacofrancesa Marie Curie -probablemente, la científica más inspiradora de la historia- y de su marido, Pierre Curie. Dirigida por Marjane Satrapi y protagonizada por Rosamund Pike, Sam Riley y Anya Taylor-Joy, “Madame Curie” está basada en la novela gráfica de Lauren Redniss “Radiactivo. Una historia de amor y efectos colaterales”, que muestra la vida personal y profesional de Marie Curie, su lucha contra los prejuicios de la época sobre las mujeres... y contra los efectos de sus investigaciones.

“NIEVA EN BENIDORM”. DESDE EL DOMINGO 25

Isabel Coixet (que estuvo nominada al Goya 2021 a la mejor dirección) dirige y escribe este “thriller noir” con “femme fatale” y antihéroe incluidos.

Producida por los hermanos Almodóvar a través de El Deseo y protagonizada por Timothy Spall y Sarita Choudhury, la película cuenta también con la participación de Carmen Machi, Ana Torrent, Pedro Casablanc, Edgar Vittorino y, por supuesto, el peculiar universo de la ciudad de Benidorm, poblada por españoles e ingleses cuyos mundos rara vez se cruzan.

“MARTIN EDEN”. DESDE EL LUNES 12

Luca Marinelli ganó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia de 2019 por esta espectacular actuación en la que da vida a Martin Eden, un marinero que, tras salvar a un joven de clase alta, entra en el ambiente de la alta sociedad, en donde conoce a la hija de una rica familia de empresarios.
Adaptación de la novela semiautobiográfica del mismo título publicada por Jack London en 1909, “Martin Eden” ha ganado también, entre otros premios, el Giraldillo de oro a la mejor película en Sevilla, el David di Donatello al mejor guion adaptado y el Platform (que premia el mérito artístico y la visión de dirección) de Toronto por ser “una historia clásica contada de una manera novedosa (…), con modos de expresión muy poco convencionales, incluso irreverentes y anacrónicos, y que, sin embargo, honran tanto como aportan a la historia del cine”.

“NUESTROS MEJORES AÑOS”. DESDE EL LUNES 5

El italiano Gabriele Muccino regresa a sus orígenes en este nostálgico y emocionante drama sobre la relación de cuatro amigos a lo largo de 40 años. Victorias y derrotas, amores y desamores, encuentros y desencuentros marcarán la vida de los protagonistas en esta cinta inspirada en “Una mujer y tres hombres (Nos habíamos amado tanto)” de Ettore Scola (1974).
“Nuestros mejores años” ofrece un emotivo y entrañable viaje sobre el paso del tiempo y el perdón que se apoya en unas inspiradas interpretaciones y unos simpáticos diálogos a cámara que rompen la cuarta pared.

sábado, 3 de julio de 2021

STARZPLAY DESTACA DOS GRANDES SERIES ORIGINALES.

 PRISMA IDEAS e Iván Del Barrio nos destacan dos grandes series originales de STARZPLAY.

Power Book III: Raising Kanan que llegará a STARZPLAY el próximo 18 de julio y que nos retrotrae al año 1991 al sur de Jamaica, Queens. Raising Kanan forma parte de el Universo Power con una primera temporada cuyo historia se centra en la máxima "Cosechas lo que siembras". En otras palabras, las acciones tienen consecuencias; las traiciones siempre se descubren; los secretos se revelan inevitablemente; las gallinas vuelven al gallinero al caer la noche.

Y destacamos la serie que ha sorprendido desde su estreno: Run The World. Una serie que está demoliendo prejuicios y levantando un nueva perspectiva y nuevos códigos para un nuevo siglo XXI. Una serie que aborda con inteligencia y sentido del humor la cuestión de identidad en Estados Unidos. Una serie que si no la has empezado ya, debes descubrir. Recuerda que el último capítulo de la temporada será el próximo 11 de julio.

¡Nos vemos en STARZPLAY!

SERIES

Power Book III: RAISING KANAN. A PARTIR DEL 18 DE JULIO. Todas las semanas un nuevo capítulo.

Ambientada en el sur de Jamaica, Queens, en 1991, Raising Kanan es una precuela de la franquicia original de Power. Este drama familiar gira en torno a la mayoría de edad de Kanan Stark, el hijo de 15 años de Raq Thomas, un distribuidor de cocaína con una red emergente de traficantes por toda la ciudad de Nueva York. Raising Kanan explora temas como la identidad, la violencia y el legado, pero también se adentra en la psicología de la familia, descubriendo que los más cercanos son los que más nos traicionan. La primera temporada explora estas traiciones, secretos y mentiras y las formas en que se enconan, hacen metástasis y finalmente estallan.

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RUN THE WORLD. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY. Todas las semanas un nuevo capítulo. Final de temporada el 11 de julio.

“Run the World” es una serie de ocho episodios de media hora de duración que cuenta la historia de un grupo de mujeres afroamericanas, grandes amigas y ferozmente leales, que trabajan, viven y se divierten en Harlem mientras se esfuerzan por dominar el mundo. En el fondo, es un programa genuinamente femenino sobre una amistad envidiable y sobre la posibilidad de sobrevivir y prosperar juntas.

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THE GIRLFRIEND EXPERIENCE S3. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY. Todas las semanas un nuevo capítulo. Final de temporada el 4 de julio.

Conocidas como GFEs, son mujeres que ofrecen “The Girlfriend Experience” (la experiencia de novia): relaciones emocionales y sexuales a un precio muy alto. La tercera entrega de la serie antológica está ambientada en la escena tecnológica londinense. Iris, una licenciada en neurociencias que comienza a explorar el mundo transaccional de The Girlfriend Experience, sólo para a renglón seguido encontrarse en lo más profundo del mundo misterioso con las relaciones que crea. Iris aprende rápidamente que sus sesiones con clientes le proporcionan una ventaja competitiva en el mundo de la tecnología y viceversa. Entonces empieza a preguntarse si sus acciones estarán impulsadas por el libre albedrío o por algo totalmente distinto adentrándose en un proceso profundo de exploración.

Temporada 1 y 2 también disponibles en STARZPLAY

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BLINDSPOTTING. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY. Todas las semanas un nuevo capítulo. 

“Blindspotting” retoma la historia seis meses después de la película homónima y se centra en Ashley, que se encuentra en la cresta de ola de una vida de clase media en Oakland hasta que Miles, su pareja desde hace 12 años, y padre de su hijo, es encarcelado repentinamente dejándola caer en una crisis existencial caótica y humorística cuando se ve obligada a mudarse con la madre y la hermanastra de Miles.

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ANIMAL KINGDOM T4. A PARTIR DEL 1 DE JULIO

La despiadada familia Cody será una amenaza tanto para sí misma como para sus objetivos. Janine “Smurf” vuelve al mando y les recuerda a todos quién manda, caiga quien caiga.

Temporadas 1, 2 y 3 ya disponibles en STARZPLAY

PELICULAS

TYLER PERRY'S DADDY'S LITTLE GIRLS. A PARTIR DEL 1 DE JULIO

Un mecánico cuenta con la ayuda de un brillante abogado para pelear por la custodia de sus tres hijas con su traicionera exmujer y su nuevo novio.

IRON MAN. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY

Capturado en Oriente Medio por un grupo de insurgentes, el industrial Tony Stark (Robert Downey Jr.) utilizará su ingenio para crear una armadura que le permita escapar.

CORAZONES DE ACERO. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY

A medida que los aliados avanzan en el teatro de operaciones en suelo europeo, un sargento llamado Wadaddy avanza tras las líneas enemigas con su escuadrón en un tanque Sherman.

ASALTO AL PODER. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY

Mientras recorre la Casa Blanca con su hija pequeña, un policía del Capitolio entra en acción para salvar a su hijo y proteger al presidente de un grupo de invasores paramilitares fuertemente armados.

GHOST RIDER. El Motorista fantasma. YA DISPONIBLE EN STARZPLAY

Hace mucho tiempo, la superestrella de las acrobacias en moto, Johnny Blaze hizo un trato con el diablo para proteger a los que más quería: su padre y su novia de la juventud, Roxanne