domingo, 17 de mayo de 2026

TEATRO LARA INFORMA MAYO 2026 (I)

 

Viva la vida

Viva la vida es una historia de caída a los abismos y resurgimiento que trata, con una mezcla única de drama y comedia, temas complejos como las adicciones, la salud mental, el paso del tiempo, las decepciones vitales y el miedo a envejecer.

Este espectáculo es una celebración de la vida, con sus alegrías y sus miserias, confiando en que siempre hay una luz, por pequeña que sea, que puede vencer a la oscuridad.

Atrapadas en la ofi

Cuatro trabajadores de una compañía van a ver truncado su ansiado descanso de fin de semana al quedar inesperadamente encerrados en su lugar de trabajo. Con toques de humor, emoción y la mejor música de los 80, esta obra de teatro refleja un día en la oficina que presenta una oportunidad única para escapar de las presiones de la vida y descubrir la importancia de la conexión humana.

Clase turista

Súbete a bordo de la aerolínea más disparatada: una compañía donde los vuelos se retrasan, las maletas desaparecen, las excursiones acaban en terapia de grupo y los auxiliares de vuelo intentan mantener la cordura mientras todo a su alrededor vuela por los aires.

Si te atreves a acompañarnos: ajusta el respaldo de tu asiento, guarda el sentido común en el compartimento superior y prepárate para despegar hacia los destinos más divertidos.

Bernarda y Poncia

La acción se encuadra 8 años después de la muerte de Adela, hija menor de Bernarda Alba, transcurre durante doce horas de un día de verano, entre el amanecer y el atardecer, donde diálogo a diálogo de nuestros personajes se van desvelando los secretos de una familia marcada por la tragedia.

¿Qué pasó con el resto de hijas de Bernarda? ¿Dónde está Martirio? ¿Qué esconden de aquella trágica noche? ¿Todo es lo que parece en esa casa?

Frankie y Johnny en el Claro de Luna

En un pequeño, pequeñísimo apartamento, en un barrio de Manhattan, los dos protagonistas, Frankie y Johnny están haciendo el amor, llegando al clímax de la que ha sido -para Frankie- una relación de una noche; -para Johnny- la conexión, el inicio del camino hacia el amor. A medida que transcurre la noche en este “aquí y ahora” que es Frankie y Johnny en el claro de luna vamos conociendo el pasado y las reveladoras circunstancias de cada uno. 

Y gradualmente, los miedos, las diferencias y los argumentos tan contrarios entre los protagonistas empiezan a convivir con la esperanza, la posibilidad y las coincidencias.

Felipe V, el rey que nos salió rana

Felipe V fue el primer Borbón que se sentó en el trono de España. Heredó el trono de Carlos II, el Hechizado, el último Austria. Los españoles depositamos en él todas nuestras esperanzas. Y, sin embargo, Felipe nos salió rana. Es el rey más quijotesco de nuestra Historia. Melancólico, depresivo, paranoico, alucinado y maníaco sexual. Del mucho temer y el poco dormir se le secó el cerebro, de manera que vino a perder el juicio, como don Quijote. Su locura más famosa es la que le hizo creer que era una rana. Pero no fue la única.

Toda persona vista de cerca es un monstruo

Dos parejas, cuatro personas. En crisis cada una consigo misma y cada pareja en consecuencia. Se juntan a cenar y los otros a modo de espejo ponen de relieve los modos más monstruosos e íntimos de cada uno. Lo que aparentan, lo que son y lo que desean se debate en un encuentro que los conducirá a revelar verdades, y a rebelarse ante definiciones ancestrales y universales. Esta noche la situación los llevará a un paroxismo inesperado.

La noche del gato negro

Una mansión. Un crimen imposible. Cinco sospechosos que no deberían estar juntos… y una noche que cada vez se pone más absurda. 

Un musical de humor desenfrenado en el que nada es lo que parece: un cadáver aparece en el momento menos oportuno, los secretos salen peor que un cuchillo mal escondido y todos tienen algo que ocultar. Todos parecen culpables… incluso el gato.

Entre números musicales inesperados, situaciones delirantes y un misterio que se descompone a carcajadas, el público se convierte en cómplice de una noche tan peligrosa como divertidísima, donde la lógica se rinde y el sentido del humor toma el control.

Vocal Express

Cinco amigos se preparan para emprender el viaje de sus vidas con una misión aparentemente sencilla: llegar a tiempo a una cita muy importante. Sin embargo, una ristra inacabable de contratiempos se suceden sin parar: retrasos, turbulencias, controles de seguridad descabellados... Alguien muy importante les espera al otro lado del mundo, pero la vida parece haberse empeñado en ponérselo muy, pero que muy difícil. ¿Conseguirán llegar a tiempo ¿Sobrevivirán a la aventura? Y lo más importante: ¿Serán capaces de aguantarse unos a otros? 

No lo sabemos. Solo sabemos que no ha existido jamás un viaje en avión tan complicado. Pero tampoco tan divertido.

Una noche con Federico

Todo está listo para la fiesta. Rosita, La Colorina, Poncia, La Zapatera y tantos otros seres nacidos de la imaginación de Federico García Lorca recuperan su voz en esta gran celebración de la vida. Una noche con Federico es un viaje sensorial por las pasiones, aromas, colores y heridas del poeta: sus gozos y sus temores, los instantes que dejaron huella y que él supo transformar en personajes eternos. 

Porque en cada uno de ellos late Federico.

¿Lo escuchas? Son los chopos que bailan: la fiesta está a punto de comenzar.

La madre que me parió

Tres mujeres acuden a la boda de una amiga de la infancia acompañadas de sus madres. Durante el convite, la novia se arrepiente del enlace y pide ayuda desesperada a sus amigas. Se desata la locura mientras se ponen de manifiesto las complejas relaciones entre madres e hijas, se desvelan secretos, y se confirma que, no hay nada que sane más que compartirlos con tus amigas.

Una comedia de enredo, donde madres e hijas se ven reflejadas porque las hay de todos los perfiles. Un vodevil actual, porque aún es necesario reivindicar quién eres y qué sientes en realidad, a pesar de las trabas familiares y sociales.

El secuestro

Paco es un carnicero al que están a punto de cerrarle el mercado donde lleva trabajando toda su vida, desesperado, decide que su mejor opción es secuestrar al hijo del ministro de cuyo voto depende el cierre… pero llega su hermana… y su cuñado… y todo se complica… más… y aún más… mucho más. Una obra de gente de la calle y políticos, de familia que se quiere como se quieren las familias y que nos recuerda que con humor y una escopeta de cartuchos las penas se llevan mucho mejor.

Háblame que te escucho

“Háblame que te escucho” es la visita inesperada de una hermana, un viaje por los recuerdos del pasado, un intento desesperado de entender el presente y de cuestionarse el futuro. La relación de dos hermanas completamente distintas, con conversaciones pendientes y ambas llenas de verdades a medias. La incertidumbre, la esperanza, la pérdida, la superación, el amor, la familia, la vida y lo que hay después de ella.

sábado, 16 de mayo de 2026

LOS PROYECTOS DE ETXE BETEA SE PRESENTAN EN BILBAO

 

NUEVE CARTAS nos informa que los proyectos de ETXE BETEA se presentan en Bilbao.

El próximo 18 de mayo se presenta en una sesión de pitching una selección de los proyectos participantes en los programas de residencias para mujeres cineastas Una Habitación Propia, Elkarrekin Sortzen y A Shelter of One's Own. El evento, que tendrá lugar a las 10:00 en BBK Kuna (Bilbao), cuenta con la colaboración de BBK y el apoyo del Ayuntamiento de Bilbao y la Diputación Foral de Bizkaia.

En la cuarta edición de Elkarrekin Sortzen, los proyectos seleccionados en el grupo de trabajo en euskera son "Herra" de Jone Arriola, "Josefina" de Carmen Echeverria, "Leize" de Saioa Miguel y "Snow Globe" de Itsaso Pol. Por otro lado, están los proyectos seleccionados en castellano: "Yolanda" de Alazne Astorga, "Caldo de zancarrón y compota de manzana" de Adriana Laespada, "Magma" de Noelia Chañe, "La grieta tras el ciervo" de Ana Serna y "Pajarracos" de Zaira Zanguitu. 

Además, en la sexta edición de Una Habitación Propia se presentan "Utländsk" de Alba Lozano, de la residencia en euskera, y "Préstame tus ojos" de Natalia Grande, de la residencia en castellano.

Con respecto a A Shelter of One's Own, participa la cineasta Shuruq Harb.

UNA HABITACIÓN PROPIA

La residencia artística Una Habitación Propia, creada por Gariza Films, está impulsada por Basque Know How y cuenta con el apoyo de entidades vascas como BBK, Ayuntamiento de Bilbao y Diputación Foral de Bizkaia. 

Una residencia está destinada a una cineasta con proyecto en euskera y otra con un proyecto en cualquier otro idioma (castellano, catalán, gallego, aranés, valenciano, inglés, otros...). Cada residente dispone de una habitación propia física en uno de los edificios más emblemáticos de Bilbao, un apoyo económico de 5.000 euros, además de mentorías mensuales, presenciales y online.

En ediciones anteriores han participado cineastas como Naiara Carmona, Estibaliz Urresola, Ainhoa Rodríguez, Mikele Landa, María Herrera, Naia Arantzamendi  o Tamara Lucarini.

ELKARREKIN SORTZEN

Elkarrekin Sortzen es un grupo de trabajo de cineastas dividido en dos grupos, uno en castellano y otro en euskera.

Elkarrekin Zortzen incluye encuentros entre otras cineastas donde cada creadora comparte su proyecto audiovisual y entre todas trabajan en propuestas y mejoras para la pieza; sesión de pitching de los proyectos; y una semana de trabajo intensivo en una casa rural.

En anteriores ediciones han participado: Naiara Carmona, Lara Izagirre, Mikele Landa, Tamara Lucarini, Nerea Sciarra, Tessa Andonegi, Ainhoa Aierbe, Naia Arantzamendi, Itxaso Díaz, Maitane Carballo, Itziar Lamarka, Sara Martorana, Lucía Montero, Aizpea de Atxa, Estibaliz Maguregi, Estibaliz Curiel, María Monreal, Mònica Cambra, Soledad Santelices, Yolanda García y Sonia Estévez.

Elkarrekin Zortzen está apoyado por la Diputación Foral de Bizkaia. y la Dirección para la Igualdad.

SHELTER OF ONE’S OWN

A Shelter of One’s Own es una residencia artística internacional que brinda un espacio seguro, de creación y reflexión, exclusivo para mujeres cineastas provenientes de países en conflicto armado, contextos de represión política, ausencia de libertad de expresión, o con escasa infraestructura y apoyo para la producción cinematográfica.

ETXE BETEA

Etxe Betea es un espacio creativo para mujeres creativas en el centro de Bilbao. En 2022 el equipo de la productora independiente y feminista Gariza Films, creada por Lara Izagirre Garizurieta, impulsó la creación de este espacio, desde el cual pusieron en marcha diferentes convocatorias destinadas a apoyar la creación de películas realizadas por mujeres. Etxe Betea es un espacio de encuentro para mujeres de diferentes ámbitos artísticos, donde poder trabajar juntas, establecer nuevas relaciones interculturales y fomentar nuevas líneas de trabajo con perspectiva feminista.

Tras sus exitosas convocatorias, a partir de 2025 Gariza Films decide externalizar esta actividad no lucrativa a la fundación Basque Know How Fundazioa. 

Etxe Betea cuenta con el apoyo de BBK, Ayuntamiento de Bilbao y Diputación Foral de Bizkaia.

PALMARÉS FANT 2026

PALMARÉS FANT 2026 “BUZZHEART”, dirigida por Dennis Iliadis, gana el Premio del Jurado al Mejor Largometraje de la Sección Oficial del Festival de Cine Fantástico-fant 2026

El Jurado del Festival de Cine Fantástico de Bilbao – FANT, organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, formado en su Sección Oficial por Ángel Agudo, Alicia Albares y Álex Mendíbil, han concedido el Premio al Mejor Largometraje de esta 32 edición a “Buzzheart”, de Dennis Iliadis “por descomponer las relaciones humanas en un contexto familiar y encontrar el terror en los juegos de la psicología conductivista”, tal y como lo ha valorado el Jurado.

En cortometrajes, el galardón al Mejor Cortometraje de la Sección Oficial ha sido para “HYENA”, de Altay Ulan Yang “por la creación de una atmósfera tan magnética como onírica para retratar un tema tan recurrente como el bullying de una manera muy original”, según el Jurado. En esta 32 edición, “Cara de cona” corto dirigido por Guillermo de Oliveira ha obtenido una Mención especial “por ofrecernos el reverso luminoso de As Bestas”.

Además, los miembros del Jurado han escogido a “El cuerpo de Cristo”, de Bea Lema, como Mejor Cortometraje Vasco. En este caso, lo ha destacado “por la audacia de trasladar su comic a una técnica de animación que une la tradición con la modernidad”. En esta edición 2026, la Asociación de Guionistas Vascos – Euskal Gidoigileak ha considerado que el título merecedor del Premio Al Mejor Guion de Largometraje de la Sección Oficial es para “La torre de hielo”, de Lucile Hadzihalilovic, porque “propone, a través del cuento ‘La reina de las nieves’, una narración sobria y contenida sobre cómo el paso a la madurez conduce, inevitablemente, a “matar al ídolo” que una misma construye”.

Asimismo, el Premio a la Dirección más Innovadora Cineclub FAS ha sido para “Camp”, película de Avalon Fast, “por tener más inventiva visual y personalidad estética que películas con cien veces más presupuesto, por saber transformar espacios mundanos en mágicos y por su exploración sincera, cruda y grunge de las roturas internas y el poder d la amistad femenina”.

Por su parte, la Unión de Actores Vascos – Euskal Aktoreen Batasuna (EAB) ha decidido que el premio a la mejor interpretación de FANT en cortos vascos 2026 recaiga en Lorena Mariñelarena por su papel de Joxepi en “Erreka Zoko Hortan”, de Ekaitz Bertiz. Según su criterio “es un trabajo actoral involucrado, con una presentación de personaje natural y contenida, que va desplegándose en expresividad a medida que se desarrolla el arco del personaje de Joxepi. La actuación de Lorena Mariñelarena refleja las contradicciones propias de la edad de su personaje en relación a las responsabilidades que carga y sus circunstancias: el temor, la vulnerabilidad, la inocencia y el no tener elección, frente a la fuerza, la responsabilidad, el convencimiento, el empoderamiento y el arrojo. La joven actriz sustenta el peso del corto con un trabajo interpretativo continuado y equilibrado”.

Las y los espectadores han otorgado el Premio del Público a la Mejor Película de la Sección Oficial “La ventana abierta”, de Ana Graciani. Y en cuanto a cortometrajes de la Sección Oficial, el público ha decidido que el ganador sea ‘Pobre marciano’, de Álex Rey.

SECCIÓN PANORAMA FANTÁSTICO

El Jurado de la Sección Panorama Fantástico, formado por Iván Barredo, María Larrea y Miriam P. Álvarez ha otorgado el Premio al Mejor Largometraje de la Sección Panorama Fantástico “Sasyq”, Yerden Telemissov por “ser una obra redonda de cine fantástico y ciencia ficción pensada para todos los públicos, aproximándonos a temas sociales y familiares con especial humanidad y ternura”.

En esta sección, Premio al Mejor Cortometraje ha recaído en “Tenéis que verlo”, de Nacho Solana “por reflejar de manera irónica y angustiosa el miedo de los padres primerizos al verse abducidos por un nuevo ser en sus vidas”. En esta edición, el jurado ha decido otorgar una Mención especial al corto “The Veil”, de Gabriel Motta por “crear una esotérica atmósfera que traslada al espectador bajo el velo”.

MÉLIÈS DE PLATA

Este año, y como novedad, se ha formado un Jurado específico para escoger al Premio Méliès de Plata Al Mejor Cortometraje Europeo Fantástico de la Sección Oficial. Bego del Teso, Benja de la Rosa y Andrea G. Bermejo han coronado al proyecto “Lo que te falta”, de Sara Bermejo que, -junto con otros once cortometrajes que reciban este reconocimiento en los festivales que forman parte de la Federación de Festivales Internacionales Meliés- está automáticamente clasificado para la competición al premio Meliés D’Argent, galardón de Oro a un cortometraje europeo de género fantástico.

PREMIO CONCURSO MEJOR GUION DE CORTOMETRAJE

El Festival de Cine Fantástico de Bilbao muestra su apoyo a los trabajos cinematográficos realizados por creadoras. Muestra de ello es la colaboración con GIDOI- Guionistas de Euskadi y la III edición del Concurso de Guion de Cortometrajes para Autoras, que cuenta con el apoyo de (H)emen, centrado exclusivamente en guiones de género fantástico y de terror, en consonancia con FANT.

En la modalidad estatal del certamen, la ganadora ha sido Gigi Romero, quien recibirá 300 euros. Y en la modalidad vasca, dotado con 600 euros, Tania García de Pedro se ha alzado con el premio.

El Palmarés principal se proyectará el domingo, 17 de mayo, en la Sala BBK. A las 17:00 horas las películas ganadoras de la Sección de Panorama Fantástico, y a las 19:30 horas, los títulos premiados en la Sección Oficial.

PALMARÉS FANT-BILBAO 2026

SECCIÓN OFICIAL

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN OFICIAL

Buzzheart”, dirigida por Dennis Iliadis

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN OFICIAL

“Hyena”, de Altay Ulan Yang

Mención especial para “Cara de cona”, de Guillermo de Oliveira

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR CORTOMETRAJE VASCO

“El cuerpo de Cristo”, Bea Lema

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN EN LOS CORTOMETRAJES VASCOS

Lorena Mariñelarena por su papel de Joxepi en Erreka Zoko Hortan, de Ekaitz Bertiz.

PREMIO A LA DIRECCIÓN MÁS INNOVADORA EN LARGOMETRAJES DE SECCIÓN OFICIAL DE CINECLUB FA

“Camp”, de Avalon Fast

PREMIO AL MEJOR GUION DE LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN OFICIAL DE LA ASOCIACIÓN DE GUIONISTAS VASCOS – EUSKAL GIDOIGILEAK

“La torre de hielo” de Lucile Hadzihalilovic

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE LA SECCIÓN OFICIAL

“La ventana abierta”, de Ana Graciani

PREMIO DEL PÚBLICO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA SECCIÓN OFICIAL

“Pobre marciano”, de Álex Rey

SECCIÓN PANORAMA

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR LARGOMETRAJE DE PANORAMA
“Sasyq”, Yerden Telemissov

PREMIO DEL JURADO AL MEJOR CORTOMETRAJE DE PANORAMA
“Tenéis que verlo”, de Nacho Solana

Mención especial para “The Veil”, de Gabriel Motta

PREMIO MÉLIÈS DE PLATA AL MEJOR CORTOMETRAJE EUROPEO FANTÁSTICO DE LA SECCIÓN OFICIAL

“Lo que te falta”, de Sara Bermejo

PREMIO AL MEJOR PROYECTO PARA LA PRODUCCIÓN DE UN CORTOMETRAJE EN EUSKERA

“Gaua da luze”, de Itziar Lamarka y Ane Álvarez

PREMIO AL MEJOR GUION DE CORTOMETRAJE DEL III CONCURSO DE GUION DE CORTOMETRAJE PARA AUTORAS

Modalidad estatal: Gigi Romero

Modalidad vasca: Tania García de Pedro

PREMIO ESTRELLA DEL FANTÁSTICO

Eugenio Mira

PREMIO FANTROBIA

Bruno Martín

PREMIOS FANT DE HONOR

Aránzazu Calleja y Fabio Testi

viernes, 15 de mayo de 2026

HOKUM: CRITICA DE CINE

 

La coproducción entre Irlanda, Emiratos Árabes y Estados Unidos, Hokum está escrita y dirigida por Damian McCarthy.

Las primeras imágenes se mezclan con dos personajes caminando por un desierto: un hombre ataviado con un uniforme de la época de los conquistadores (Austin Amelio) y detrás de él un niño (Ezra Carlisle); con las de un escritor de nuestros tiempos, Ohm Bauman (Adam Scott), que está intentando escribir el epílogo de su trilogía literaria, Conquistador. Un golpe seco le saca de su concentración, viendo entre la oscuridad el rostro de su madre fallecida. Decide entonces emprender un viaje a un hotel rural en Irlanda, donde sus padres pasaron la luna de miel y de este modo cumplir el deseo de ellos de esparcir sus cenizas en los alrededores. En el hotel conocerá a su propietario Cob (Brendan Conroy), el recepcionista Mal (Peter Coonan), el jardinero Fergal (Michael Patric), la camarera Fiona (Florence Ordesh) y el botones Alby (Will O`Connell). Entre los lugareños, Ohm, conocerá a Jerry (David Wilmot), que vive en una furgoneta y tiene como costumbre tomar leche mezclara con setas alucinógenas.

En el bar del hotel, Fiona y Alby, en medio de una conversación sobre el lugar y el hotel, comentarán a Ohm que la suite nupcial está cerrada porque corren los rumores de que Cob encerró en ella a una poderosa bruja y que solo él tiene las llaves.

Lo primero que atrapa al espectador es su impecable puesta en escena, que abraza el estilo neogótico adaptado a la Irlanda rural. El director McCarthy, apoyado en la fotografía de Colm Hogan – que huye de los alardes visuales para mostrarnos una estética sucia y deliberadamente opaca –, busca la textura del abandono utilizando la oscuridad no como un vacío, sino como un personaje más. Los numerosos apliques de pared parecen exhalar una luz de gas mortecina, obligando al espectador a escudriñar entre una penumbra que parece manchar la pantalla, convirtiéndonos en cómplices de la paranoia del protagonista.

El hotel The Bilberry Woods se siente como un organismo vivo latiendo al ritmo de un corazón decadente; nada nuevo en el cine de terror, pero que en esta ocasión cuenta con efectos más inquietantes. Los pasillos estrechos y el ascensor no son meros lugares de paso, sino conductos de una tensión que se respira en cada encuadre.

Sin embargo, el elemento arquitectónico más perturbador es el montacargas. En un giro visual y narrativo asombroso, este aparato deja de ser un utensilio funcional para convertirse en un vehículo hacia lo que podríamos denominar el “inframundo”. Ese descenso físico al sótano simboliza la caída a los estratos más profundos de la culpa humana, un lugar donde el óxido, la humedad y lo espectral se mezclan para dar forma a los miedos que la luz del día se niega a aceptar. Todo ello envuelto en esos pasillos iluminados con alientos de luces que parecen a punto de apagarse, rompiendo aún más los esquemas de nuestro subconsciente más consciente.

En medio de este escenario claustrofóbico se encuentra Ohm Bauman, un escritor que no solo se enfrenta al folio en blanco de su epílogo, sino al vacío dejado por su madre. Bauman llega a The Bilberry Woods cargando literalmente con el peso de sus muertos en dos tubos, que contienen las cenizas; a través de un viaje que busca ser una despedida y termina siendo una autopsia de su propia psique. Scott interpreta con gran acierto esa frialdad del intelectual que usa la arrogancia como escudo, especialmente en sus tensas interacciones con el personal del hotel, para ocultar un trauma que lo tiene paralizado.

Es aquí donde la película se convierte en ese ejercicio de “espiar las culpas”. Ohm no es un visitante pasivo; es un hombre que, empujado por la atmósfera del lugar y el encuentro con personajes como Jerry – El lugareño cuyas “leches alucinógenas” actúan como la llave de una puerta que nunca debió abrirse –, se ve obligado a mirar por la cerradura de su propio pasado. La búsqueda del final para su trilogía Conquistador se entrelaza con la necesidad de resolver el nudo de su pasado: un trauma de la infancia que el hotel, como un espejo deformante, se encarga de proyectar en cada rincón oscuro, recordándose que hay secretos que no se pueden enterrar bajo las cenizas.

Damian demuestra una paciencia narrativa encomiable y nos arrastra con ella, alejándose del ritmo frenético del terror más convencional para apostar por un suspenso que se cuece a fuego lento, aunque pueda parecer irritante. Su dirección no busca el sobresalto gratuito – que los hay, os lo aseguro –, sino el de una duda constante en el espectador. A través de esos secundarios, a cada cual más inquietante y una dosificación precisa de la información, muchas veces velada, McCarthy nos plantea el gran dilema de Hokum: ¿Estamos ante una presencia ancestral o ante el colapso mental de un hombre drogado por la culpa y las setas alucinógenas?

Es una duda que el director estira hasta el último aliento, dejándonos pistas físicas que desafían nuestra lógica racional. Al final, nos puede quedar la sensación de que, como decía Jerry, el plano sobrenatural es real, pero solo visible para quienes se atreven a abrir sus mentes cerradas. Claro está que esta afirmación de Jerry, no comulgará con muchos espectadores, ante la duda de si existe un plano más elevado o inferior, más allá de lo tangible en nuestro espacio-tiempo.

En resumen, Hokum es una pieza rara, que lo es y fascinante, también; que se atreve a caminar por el filo de la navaja entre el drama psicológico y el horror folclórico. Aunque el protagonismo de Adam Scott es absoluto, no podemos olvidar el trabajo de unos secundarios donde destaco a Peter Coonan dando vida a Mal, cuya presencia encarna la maldad más terrenal y cobarde; a David Wilmon como Jerry o Will O´Connel como el botones Alby, que terminan de apuntalar un purgatorio donde nadie es inocente o sí; la última palabra la tiene siempre el espectador con el permiso del guionista y director.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de mayo.

REPARTO: Adam Scott, Peter Coonan, David Wilmot, Florence Wilmot, Florence Ordesh, Michael Patric, Austin Amelio, Brendan Conroy, Will O`Connell, Ezra Carlisle, Mallory Adams y Siox C.

PRODUCTORAS: Cweature Geatures// Imagenation Abu Dhabi FZ// Neon Films// Spooky Pictures// Team Thrives// Waypoint Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Beta Fiction Spain y Madfer Films.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: Damian McCarthy estudió Producción de Cine y Televisión en el St. John`s College de Cork, graduándose en 2003 con honores en guion y dirección por la FETAC. Se inició en el cortometraje con “Escotilla” (2009), para continuar con “Muere al final” y “Nogal hambriento” ambas en (2010), “Nunca Jamás lo abras” (2011), “Grabaciones embrujada de Jeremy Dyson” (2012), “Cómo Olin perdió su ojo” (2013) y “Manos” (2017). En el largometraje debutó con “Advertencia” (2020) y ha continuado con “Oddity” (2024) y este año nos ofrece “HoKum) 2026.

NUEVE CARTAS NOS INFORMA SOBRE "NOIR HOLLOW"

NUEVE CARTAS nos informa que “Noir Hollow” debuta como nuevo sello español de cine de terror en el Marché du Film de Cannes

Noir Hollow es un nuevo sello español independiente de cine de terror que apuesta por una experiencia sensorial intensa. Especializado en cine de género, Noir Hollow desarrollará proyectos de terror con impacto directo en el espectador.

Fundado por Fede Pajaro y Carlota Amor, el sello apuesta por propuestas que prioricen la atmósfera, la tensión y una puesta en escena artesanal, recurriendo para ello a efectos orgánicos—látex, prótesis, sangre...—.  Noir Hollow propone así un cine físico, visceral y sensorial, que invite al espectador a viajar de lo narrativo a la experiencia, y que cuestione los límites de la corrección política predominante, dando cabida a lo incómodo, lo excesivo y lo perturbador. 

En definitiva, Noir Hollow reivindica los orígenes del género y la experiencia sensorial a través de la pantalla, frente a la fórmula actual, dando prioridad a un cine donde el espectador es parte de la vivencia.

Noir Hollow participará en el Fantastic Pavilion del Marché du Film —uno de los principales mercados cinematográficos del mundo— que acogerá Cannes del 12 al 29 de mayo, donde “La casa de los monstruos” celebrará su Market Premiere el próximo 18 de mayo. Esta presentación marcará la primera puesta de largo del sello ante la industria internacional.

El largometraje dirigido por David Hebrero y protagonizado por Antonio Resines y Jaime Lorente presenta a Goio, que regresa a la casa familiar para cuidar de su padre enfermo durante una noche. Lo que comienza como un simple reencuentro pronto se transforma en una pesadilla: los secretos familiares, viejos rencores y traumas enterrados resurgen, y la presencia de su hermano, que jamás logró marcharse, convierte cada habitación en un laberinto de terror y secretos.

Ambientada en un entorno cerrado e inquietante, 'La casa de los monstruos' combina suspense con elementos de horror explícito, con el objetivo de conectar con el público de género y compradores internacionales en busca de propuestas comerciales dentro del terror. La película cuenta con ventas internacionales de la agencia Raabta International.

jueves, 14 de mayo de 2026

JUGADA MAESTRA: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Reino Unido y Francia, Jugada Maestra, que está escrita y dirigida por John Patton Ford, nos presenta a Becket Redfellow (Glen Powell) en una situación límite: conversando con el padre Morris (Adrian Lukis) sobre los motivos que lo han llevado al corredor de la muerte. Su historia se inicia con su madre, Mary Redfellow (Nell Williams), quien fue repudiada por su adinerada estirpe al decidir tener al hijo que llevaba en su vientre. Pese al abandono familiar, Becket recibe una educación exquisita, convirtiéndose en un joven culto, pianista y experto arquero.

Tras la muerte de su madre y bajo la promesa de reclamar la vida que “merece”, Becket inicia una metódica y letal escalada hacia la herencia familiar, al ser de nuevo rechazado por su abuelo Whitelaw Redfellow (Ed Harris). Con frialdad y elegancia, comienza a eliminar a sus parientes: desde su primo Taylor (Ley Raff), arrojado al mar con un ancla en el pie, hasta el fotógrafo Noah (Zach Woods), cuyos productos de revelado acaban siendo “misteriosamente” letales. Mientras “poda” el árbol genealógico, Becket se infiltra en el corazón del imperio financiero de su tío Warren (Bill Camp), que le ofrece el puesto de Taylor. ¿Logrará el éxito antes de que su jugada maestra sea descubierta?

Jugada Maestra se consolida como una de las sorpresas más refrescantes de la temporada al recuperar el espíritu de la comedia negra más sofisticada. No se limita a ser un thriller de venganza al uso, sino que se despliega como una sátira social y punzante que disecciona con elegancia los privilegios de clase. Para ello, descarga todo el peso sobre los hombros de un Glen Powell magnético, quien dota a su Becket del equilibrio perfecto entre el saber estar y su refinada maldad. Becket no es un asesino común, sino un estratega que utiliza su exquisita educación como el arma definitiva contra el linaje que lo repudió. Junto a él, las dos mujeres que le llevarán de cabeza, su novia Ruth (Jessica Henwick) y Julia (Margaret Qualley), su amiga de la infancia. Este trío bien o mal avenido, según se mire, bordan sus personajes junto al magnífico elenco de secundarios. El guion brilla por su precisión, regalando diálogos afilados que funcionan como estocadas y situaciones de lo más surrealistas, especialmente cuando la trama gira hacia las traiciones cruzadas.

La película te atrapa y despierta carcajadas con cada una de esas “podas” del “querido” árbol genealógico de Becket, en un ejercicio de justicia poética visualmente impecable, donde el contraste entre los entornos lujosos y la aniquilación metódica subrayan lo absurdo de esa aristocracia deshumanizada y cínica. Apoyada en unos secundarios de lujo que encarnan a la perfección la excentricidad del poder, la obra logra que el espectador se convierta en cómplice del protagonista, ofreciendo un entretenimiento inteligente que demuestra que la verdadera barbarie a menudo, viste de etiqueta. Es, en definitiva, una propuesta implacable en su ritmo y mordaz en su mensaje; una verdadera lección de estilo que cumple con creces la promesa de su título y que el propio espectador agradece no verse manchado de sangre, como en tantos filmes de muertes, con poca clase.

En definitiva, Jugada Maestra se erige como una pequeña y elegante pieza de orfebrería cinematográfica que se disfruta fotograma a fotograma, donde la puesta en escena, junto a la cuidada banda sonora de Emile Mosseri, subraya con ironía cada uno de los pecados de la estirpe Redfellow. Ford no solo nos regala un ejercicio de estilo vibrante, sino que logra que nos deleitemos con el ascenso de este amoral protagonista, convirtiendo la pantalla en un espejo de nuestras propias contradicciones sociales. Es una propuesta imprescindible para quienes recordamos obras como Puñales por la espalda; una cinta que demuestra que el cine de género aún puede ser una de las bellas artes. Sin duda, una jugada bien diseñada.

Mi nota es: 7

REPARTO: Glen Powell, Margaret Qualley, Ed Harris, Jessica Henwick, Zach Woods, Raff Law, Topher Grace, Bill Camp, James Frecheville, Nell Williams, Sean Michael, Martin Munro, Ethan Saunders, Steve Marc, Andre Jacobs, Loulou Taylor, Robert Hobbs, Bianca Amato, Gabe Gabriel, Maggie Toomey, Grady Wilson, Roxanne Prentice, David Chevers, Motsi Tekateka, Natasha Mayet y Nathan Roberts.

PRODUCTURA: Blueprint Pictures// Studiocanal.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:  El guionista y director, John Patton Ford, asistió a la Universidad de Carolina del Sur y posee una Maestría en Bellas Artes (American Film Institute). Comenzó dirigiendo comerciales y videos musicales. Debutó con el cortometraje “Patrulla” (2010) y en el largometraje con “Emily la estafadora” (2022) y este año nos presenta “Jugada maestra” (2026)

ACONTRA+ INAUGURA UN CICLO DE CINE ESPIRITUAL

ACONTRA+ INAUGURA UN CICLO DE CINE ESPIRITUAL CON EL ESTRENO MUNDIAL EN EXCLUSIVA DE “RECEN POR MÍ: LA HISTORIA DE FRANCISCO” Y “EL TIEMPO DE MONTSERRAT”

“EL TIEMPO DE MONTSERRAT”

Con motivo de la visita del Papa León XIV a España en junio, acontra+ pone de forma totalmente gratuita seis películas de su catálogo al servicio de parroquias, colegios, comunidades, familias y grupos que deseen preparar, vivir y prolongar este acontecimiento a través del cine, la reflexión y el encuentro.

De este modo, acontra+ se posiciona como una herramienta para generar espacios de conversación y reflexión en comunidades, centros educativos y colectivos que quieran acompañar este proceso.

La visita del Papa no se prepara solo con información práctica. También se prepara con mirada, silencio, conversación y comunidad y, en este contexto, acontra+ es un facilitador para activar todo esto.

Seis películas para seis semanas de reflexión

El ciclo se desarrollará entre el 18 de mayo y el 28 de junio de 2026 y estará compuesto por seis proyecciones cuidadosamente seleccionadas. Este recorrido audiovisual se articula en torno a los cuatro bloques propuestos por la Conferencia Episcopal Española (CEE) con motivo de la visita del Pontífice: La visita del Papa, Alza la mirada a la cruz, Quédate con nosotros y Artesanos de acogida.

A través de esta selección, acontra+ busca convertir cada proyección en un punto de encuentro entre la fe, la cultura y la comunidad.

Formato del ciclo

acontra+ pondrá a disposición de los participantes una película exclusiva cada semana y facilitará acceso gratuito a la plataforma durante todo el periodo de la iniciativa. Además, cada título irá acompañado de una guía de preguntas orientadas a fomentar la reflexión y el diálogo.

Dos estrenos mundiales en exclusiva 

Dentro de las seis películas que conforman el ciclo, acontra+ estrenará dos títulos inéditos pocos días antes de su llegada a las salas de cine.

El 1 de junio se estrenará RECEN POR MÍ: LA HISTORIA DE FRANCISCO, la producción argentina que narra la historia del Papa Francisco. Le sigue el 15 de junio EL TIEMPO DE MONTSERRAT ("El temps de Montserrat"), un largometraje que recorre la vida en el emblemático monasterio catalán. Ambos títulos se estrenarán comercialmente en salas después de su debut en acontra+.

Con esta doble apuesta, acontra+ refuerza su vocación de plataforma al servicio de la cultura y la espiritualidad.

DESCALZOS

DESCALZOS se adentra en el fenómeno de Hakuna, el mayor movimiento de música católica actual, capaz de llenar auditorios y conectar con miles de jóvenes a través de un lenguaje contemporáneo. A través del fenómeno de Hakuna y de la música como lenguaje universal, DESCALZOS conecta con una nueva generación que busca vivir la fe de manera cercana, comunitaria y actual, en línea con el espíritu de encuentro que propone la visita del Papa.

Más allá del éxito musical, la propuesta revela una experiencia real de comunidad, búsqueda y encuentro que conecta especialmente con nuevas generaciones.

La película se vincula directamente con el bloque 1 de la CEE, "la visita del Papa".

Disponible del 18 al 24 de mayo

TIERRA DE MARÍA

TIERRA DE MARÍA es una película documental dirigida y protagonizada por Juan Manuel Cotelo (“La última cima, “Tengamos la fiesta en paz”, “Leonas”). La cinta muestra el testimonio de diferentes personal que han vivido una experiencia con la Virgen María. Entre los testimonios, encontramos personalidades como John Rick Miller, Amada Rosa Pérez o Lola Falana.

Juan Manuel Cotelo propone un recorrido de conversión, esperanza y búsqueda espiritual que conecta directamente con la invitación de la CEE a “Alzar la mirada a la cruz” y redescubrir el sentido profundo de la fe.

Disponible del 25 al 31 de mayo

RECEN POR MÍ: LA HISTORIA DE FRANCISCO (ESTRENO EN EXCLUSIVA)

RECEN POR MÍ: LA HISTORIA DE FRANCISCO es un documental que ofrece una mirada única al Papa Francisco a través de imágenes de archivo nunca vistas hasta ahora. La película sigue de cerca su trayectoria, su forma de entender la Iglesia y su manera de situarse ante los grandes retos del mundo actual.

El documental pone el foco en una Iglesia viva, humana y cercana, reforzando la dimensión de comunión y acompañamiento presente en  el tercer bloque “Quédate con nosotros”.

Disponible del 1 al 7 de junio

THE CHOSEN (LOS ELEGIDOS)

THE CHOSEN (Los Elegidos) es un fenómeno mundial que ha conectado con más de 280 millones de espectadores. La serie ha sido doblada a más de 50 idiomas y cuenta con una sólida base de seguidores y una gran repercusión en España, donde ha superado los 100.000 espectadores en salas de cine.

acontra+ ofrecerá los dos primeros episodios de la temporada 1. Estos primeros episodios, enmarcados en el tercer bloque "Quédate con nosotros", muestran el encuentro con quienes vivían en los márgenes y cómo la acogida, la escucha y la compasión se convierten en el punto de partida de una nueva comunidad. 

Disponible del 8 al 14 de junio

EL TEMPS DE MONTSERRAT (ESTRENO EN EXCLUSIVA)

EL TEMPS DE MONTSERRAT (“El tiempo de Montserrat”) es un documental inédito que se adentra en uno de los espacios espirituales más emblemáticos de España, ofreciendo una mirada íntima a su vida, su significado y su papel como lugar de encuentro y acogida.

La película muestra aquello que no está a la vista del público: cómo vive, puertas adentro, la comunidad monástica. Esto ha sido posible gracias al vínculo que se estableció entre el equipo de rodaje a lo largo de los últimos cuatro años con esta comunidad.

EL TEMPS DE MONTSERRAT se vincula con el cuarto y último bloque de la CEE, "Artesanos de Acogida", que ayuda a comprender qué significa acoger, proteger e integrar de manera real un compromiso personal y comunitario que pueda mantenerse en el tiempo.

Disponible del 15 al 21 de junio

EL REY DE REYES

Como cierre del itinerario, EL REY DE REYES devuelve la mirada a lo esencial: la figura de Jesús como centro del mensaje, fuente de esperanza y sentido último del camino recorrido.

Inspirada en la tradición de Charles Dickens de contar el Evangelio a su familia cada Navidad, la película nos sitúa en unas navidades en las que el propio Dickens, como narrador y protagonista, descubre a su hijo Walter una historia jamás contada: la vida de Jesús.

Lo que comienza como un cuento antes de dormir se convierte en un viaje que cambiará sus vidas para siempre. A través de la imaginación, el niño camina junto a Jesús en una historia llena de aventuras, ángeles, reyes malvados y milagros.

Disponible del 22 al 28 de junio

Sobre acontra+

acontra+ es la plataforma de streaming de A Contracorriente Films, pensada para quienes buscan cine de calidad desde casa sin renunciar a la experiencia de la gran pantalla. Ofrece un catálogo único con más de 1600 títulos, algunos de ellos en exclusiva: grandes clásicos (colecciones de Chaplin u Ozu), cine europeo (la filmografía de Wim Wenders, "La sociedad literaria y el pastel de piel de patata") e internacional ("Oldboy", "Diarios de motocicleta"), películas feel-good ("Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?"), documentales de arte ("Pintores y Reyes del Prado", "Frida"), series exclusivas ("The Chosen (Los Elegidos)"), cine inspiracional ("Una mujer italiana (Cabrini)","Tierra de María"), cine español ("Solas", "La escopeta nacional", "El crack"), películas familiares ("Volando juntos", "Ballerina") y óperas ("La Traviata", "Madama Butterfly").

Lanzada en 2022, acontra+ combina la mejor selección con una experiencia accesible y flexible, disponible en suscripción o alquiler. Es la única plataforma que incluye una entrada de cine con su plan Premium. Cada semana suma estrenos y nuevos contenidos, para seguir emocionando, sorprendiendo y conectando con públicos de todas las edades.

Disponible en web, iOS, Android, Apple TV, Android TV, Amazon Fire TV, LG y Samsung Smart TV.

miércoles, 13 de mayo de 2026

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA: CRÍTICA DE CINE

Bajo la dirección y guion de Bill Condon, esta nueva adaptación de la novela de Manuel Puig (basada en su exitoso musical) nos traslada a la Argentina de 1983. En el complejo tránsito entre la dictadura y la democracia, la celda de una prisión une a dos hombres muy opuestos: el activista político Valentín Arregui Paz (Diego Luna) y el gay soñador Luis Molina (Tonatiuh). Para evadirse de la crudeza del encierro, Molina narra a su compañero una fascinante historia de cine titulada El beso de la mujer araña, donde el glamour de Aurora (Jennifer Lopez) se entrelaza con su realidad en un juego de espejos donde los propios presos se convierten en protagonistas de la fantasía.

Hay películas de las que, aunque se hayan visto hace unas cuantas décadas, algunas secuencias permanecen intactas en nuestra retina – quizás por la sensibilidad que alberga la juventud – ante la dureza de una historia que navega entre la política y la sexualidad. Recuerdo la versión de Héctor Babenco como un drama psicológico potente, puro y descarnado, con escenas impactantes donde la relación entre los personajes resultaba más intimista.

En cambio, esta nueva entrega en las manos de Bill Condon se aleja de esa sobriedad para centrarse en el musical de Broadway de 1992. Es una propuesta arriesgada que transforma no solo la estructura original de la obra de Manuel Puig, sino también la intensidad del drama y la oscuridad de la cinta de 1985, dándole un matiz completamente distinto, sobre el que profundizaré a lo largo de esta reseña.

En primer lugar, lo que cautiva poderosamente es la simbiosis entre la fotografía y la música. Tobias A. Schliessler – quien ya demostró su maestría visual junto a Condon en Dreamgirls y La Bella y la Bestia – firma aquí una propuesta impresionante. Cada plano y el uso cromático actúan como narradores, separando con nitidez las dos realidades de la historia. Por un lado, la puesta en escena de la cárcel de los años 80 nos sumerge en la angustia y la opresión de la época; por otro, la fantasía cinematográfica de Molina nos transporta al glamour de los años 40. Es ahí donde el uso de un Technicolor vibrante y saturado aporta sofisticación e intensidad, creando un juego de espejos que invita al divertimento y la evasión, mientras el dolor se cuece a fuego lento en la celda.

Acompañando a esa potencia visual, la banda sonora se convierte en el latido del corazón del filme. La partitura original de John Kander y Fred Ebb – los artífices de Cabaret y Chicago – junto al libreto de Terrence McNally, eleva la obra a una dimensión distinta. La música no solo acompaña y decora la fantasía de Molina, sino que sirve de contrapunto dramático a la sordidez del encierro. A través de melodías que evocan el bolero, el tango y el esplendor del Broadway clásico, las canciones funcionan como el oxígeno que permite a los protagonistas sobrevivir. Es una música que sabe ser grandilocuente en los números que interpreta con brillantez Jennifer Lopez, pero que a la vez se vuelve íntima y desgarradora cuando el silencio de la celda se rompe por una confesión emocional o por los sonidos que les rodean.

Este despliegue técnico, que por momentos resulta chocante, no tendría alma sin el duelo interpretativo de sus protagonistas, donde la política y la piel se funden. Tonatiuh realiza un trabajo extraordinario al encarnar a un Molina que utiliza su fantasía como un acto de resistencia. Frente a él, un Diego Luna soberbio y visceral da vida a un Valentín cuyas convicciones se ven sacudidas no por la tortura, sino por la inesperada humanidad de su compañero.

La película proyecta su mayor luz en los detalles más crudos. Cuando Valentín enferma y, angustiado por la pérdida de control de su cuerpo, confiesa su humillación, es Molina quien, haciendo de tripas corazón frente al asco y al olor, lo adecenta y lo cuida con una dignidad conmovedora. Esa entrega se confirma cuando Molina manipula al alcaide para conseguir pollos asados y comida, asegurándole a Valentín que es un envío de su madre y a este que sacará de compañero la información que precisa.

Es en el despacho del alcaide donde se produce un diálogo revelador: ante la sospecha de que Molina se está enamorando, él responde con una lucidez aplastante: “No es amor, es compañerismo”. Es en ese gesto de solidaridad donde Condon logra demostrarnos que, incluso cuando la guerra exterior bloquea la empatía, la humanidad de Molina encuentra una grieta para redimirlos. En tiempos de represión, este compañerismo, esta amistad, acaba siendo el acto más revolucionario de todos.

En resumen, esta nueva incursión de Bill Condon es una actualización vibrante que conecta la represión de los 80 con la sensibilidad de hoy. Sin embargo, un consejo para quien se acerque a esta nueva adaptación: debe saber que Condon se toma licencias creativas y estructurales que alejan esta versión de la sobriedad y dramaturgia de Babenco para ofrecer algo más operístico y simbólico. Si se abraza como algo nuevo, aceptando su propia identidad, se descubrirá una obra imprescindible donde el compromiso humano sigue siendo el acto más revolucionario de todos. Una película que, sin duda, les dejará pensando.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de mayo.

REPARTO: Jennifer Lopez, Diego Luna, Tonatiuh Elizarraraz, Bruno Bichir, Josefina Scaglione, Lynn Favin, Aline Mayagoitia, Will Fitz, Driton “Tony” Dovolani, Kevin Michael Brennan, Thomas Canestraro, Christian Galvis, Odain Watson, David Turner, Debra Cardona, Vin Scialla y Maile Makaafi.

PRODUCTORA: 1000 Eyes// Artists Equity// Josephson Entertainment// Nuyorican Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:  El guionista, director y productor, Bill Condon, estudió filosofía en la Universidad de Columbia. Su primer contacto con el mundo del cine fue al trabajar como periodista para una revista cinematográfica, decidiéndose un día a probar suerte y debutar como director. Esa primera obra fue “Sister, sister” (1987) otras películas para la gran pantalla han sido “Candyman 2” (1995), “Dioses y monstruos” (1998), “Kinsey” (2004), “Dreamgirls” (2006), “La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte1” (2011), “La saga Crepúsculo: Amanecer-Parte 2” (2012), “El quinto poder” (2013), “Mr. Holmes” (2015), “La bella y la bestia” (2017), “La gran mentira” (2019) y este año nos ofrece “El beso de la mujer araña” (2025). Para televisión ha dirigido los telefilmes “Asesinato”, “Mentiras blancas”  y “Muerte bajo el agua” las tres en (1991), “Relaciones peligrosas” (1993), “El inmortal” (1994), Capítulos para series como “Al otro lado” (2000), “Con C mayúscula” (2010) y “Tilda” (2011) y también cuenta con el videoclip “The Jonas Brothers: Fly with Me” (2009).