KAYARA: LA GUERRERA DEL IMPERIO INCA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Perú y España, Kayara, la guerrera del imperio Inca está dirigida por Cesar Zelada y Dirk Hampel con guion del Cesar Zelada, Brian Cleveland y Jason Cleveland.

Kayara (Naomi Serrano) nace en la familia de un Chasqui. Los Chasquis eran hombres fuertes y rápidos que llevaban mensajes de paz, esperanza y prosperidad a lo largo del vasto Imperio Inca. Kayara desde niña sueña con ser uno de ellos y para alcanzar tal  reconocimiento, tendrá que desafiar las normas y las tradiciones de la tribu. Tras la muerte del emperador, su hijo Paullu (Charles González) decide organizar una carrera con motivo de su coronación, de la que saldrá la nueva generación de Chasquis, Kayara se presentará disfrazada con una máscara de pájaro.

El productor, guionista y director, César Zelada Mathews, estudio dirección de cine en el New York Film Academy y comunicación y publicidad en IPP. Cuenta con un estudio cinematográfico en Panamá. Ha sido productor de “Ainbo” 2021 de Richard Claus y Jose Zelada  y coproductor de “Mariposas Negras” 2024 de David Baute. Este año debuta en la dirección con “Kayara: La guerrera del Imperio Inca”

El empoderamiento femenino llega a la gran pantalla bajo los trazos de este filme de animación que nos recuerda, salvando las distancias, a “Mulan, pues las dos jóvenes protagonistas, quieren formar parte de una élite que estaba destinada exclusivamente a los hombre; en Mulan ella se convierte en una guerrera disfrazada con la coraza de su padre y Kayara se ha entrenado toda su vida para ser una Chasqui, camuflada por un casco de guerra con forma de pájaro y mientras que a Kayara la acompañará siempre su fiel y divertida cobaya Wari  a Mulan la protegerá el pequeño dragón de nombre Mushu. Pero vuelvo a repetir, las diferencias entre ambas películas son más que notorias.

Como es habitual en la animación para los más pequeños, no pueden faltar la unidad familiar, la nobleza, la villanía, la amistad, el valor e incluso la orfandad o el primer amor, además de mucho color y formas sencillas, con las que cualquier niño queda cautivado bajo el poder de despertar su imaginación. Ofrece una cuidada ambientación andina que nos transporta a los tiempos incaicos entre sus edificaciones, representaciones, Joyería, símbolos etc., sin olvidar el nutrido grupo de animales, que no pueden faltar en un filme de animación y que el director centra en la cultura Inca; desde el majestuoso cóndor, las divertidas cobayas, como la que acompaña a nuestra heroína en su aventura particular, despertando algunas sonrisas; los caballos montados por los conquistadores, cuyas corazas reflejan la época, las llamas salvajes, domesticadas e incluso aquella que representa al espíritu sagrado.

Un filme con el que los más pequeños disfrutaran pues además los diálogos están ideados para ellos, en donde no faltarán los mensajes sociales como la igualdad de género, el respeto a las culturas, las tradiciones y por supuesto la naturaleza y en lo más personal, la superación, la determinación, la lucha, el coraje o las responsabilidades; pero también el saber escuchar, obedecer y aprender.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de abril.

PRODUCTORAS: Tunche Films// B-Water Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Flins y Piniculas.

ROCK BOTTOM: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Polonia, Rock Bottom está dirigida por María Trénor compartiendo guion con Joaquín Ojeda.

Nos encontramos en Nueva York en el inicio del verano de 1973. Dos jovencitas entran en una tienda de discos y ponen un LP sobre el tocadiscos. Mientras cantan la canción, se nos muestra la vida que se respira entre las calles de la ciudad con sus singulares personajes. Las dos chicas salen del comercio y se cruzan con Bob (Voz Fermí Delfa) quien sin hacerlas el menor caso continúa su camino hasta llegar a un edificio; tras hablar con los porteros, entra en el interior. En el pasillo de uno de los pisos vemos a un joven tirado en el suelo metiéndose un pico, él pasa por encima del joven y se introduce en una de las casas. En ella están celebrando una fiesta. David (Voz Roger Riu), el dueño de la casa le da la bienvenida, pues Bob ha estado viviendo una larga temporada en Mallorca. Será en esa fiesta donde sabremos que el motivo de su regreso lo ha ocasionado la ruptura con su pareja Alif (Voz Laura Casaña Pardo), una directora de cine experimental. Ni en la lejanía, podrá olvidar la experiencia vivida con Alif.

María Trénor, se licenció en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la UPV de Valencia. Ha participado con diversas instituciones, en conferencias, masterclasses y mesas redondas sobre cine. También ha colaborado en publicaciones de la Filmoteca Valenciana y la Editorial Ocho y Medio. En la actualidad ejerce de profesora de Medios Audiovisuales en la Escuela de Artes y Superior de Diseño de Valencia. Ha dirigido los cortometrajes “¿Con qué la lavaré?” 2003, “Exlibris” 2009 y ¿Dónde estabas tú? 2016 y este año debuta en el largometraje con “Rock Bottom” 2024

“El 26 de julio de 1974 se lanzó el álbum “Rock Bottom”, la obra maestra de Robert Wyatt que creó en Deyá (Mallorca). Un disco único producido por Nick Mason (Pink Floyd), en colaboración con algunos músicos de la época. Ese mismo día Robert Wyatt se casó con la artista Alfreda Benge. El disco relata la historia de amor al límite entre Bob y Alif, que está inspirada en la del propio Wyatt con la ilustradora y letrista Benge. Para celebrar su 50º aniversario se ha masterizado todas las canciones del álbum que han servido de inspiración para este musical.” Así comienza este más que interesante filme.

Lo primero que hay que resaltar es que estamos ante una película de animación para mayores y no es una broma. Tanto los temas que toca como las imágenes, están destinadas a un público adulto, pues la historia se centra en los convulsos años 70, el movimiento hippie, la libertad sexual, el consumo de drogas, las fiestas orgiásticas y cuanto rodeaba a la juventud de la época, incluida la cultura.

María Trénor, ha creado una película compleja y dramática, más allá de la animación psicodélica que nos ofrece, cuya virtud, además de atrapar al espectador, radica en las potentes imágenes y la música compuesta por Robert Wyatt, abrazando una narración con alma y unos personajes viviendo entre las luces y las sombras. El brillo de la genialidad y del amor que parecen dispensarse en medio de la naturaleza y la oscuridad que provocan las drogas, el alcohol y la monotonía que inevitablemente deben aceptar, aunque no lo deseen. Una combinación explosiva que si no se sabe canalizar, te precipita a los infiernos. Un viaje que viviremos junto a los dos personajes de carne y hueso, con alma y corazón, diseñados con trazo sencillo pero de gran fuerza expresiva en las miradas y gesticulaciones, y que estarán siempre arropados por la música como hilo conductor.

Una animación teñida del humo provocado por el incienso, las cachimbas o los porros consumidos durante las fiestas ya mencionadas, que se apoderaba de cuantos espacios y rincones se encontraba en el camino, en contrate directo con la urbe que les rodea o esa naturaleza viva, lejos de la ciudad que ahora habita Bob, como es la isla de Mallorca de la que ha regresado y con quien volveremos a través de los diversos flashbacks. Pero la animación también posee el componente relajante e hipnótico, originado por ese calidoscopio de formas y colores producto de la psicodelia, en las mentes activas, turbadas, liberadas y estimuladas por los estupefacientes. No podemos olvidarnos del elemento histórico viendo pasar el tiempo a través de un televisor por el que desfilarán escenas como la dimisión de Richard Nixon ante el escándalo Watergate o la presencia de Arias Navarro anunciando la muerte de Franco, la llegada de los primeros videojuegos hasta presenciar otras guerras, los juegos olímpicos de Barcelona o la caída de las Torres Gemelas, por poner algunos ejemplos que nos llevarán hasta nuestro presente.

En resumen, Trenór nos involucra en una obra experimental en pleno siglo XXI con la esencia de los años 70 del siglo pasado, derrochando todo su saber a la vez que nos deleita con una espectacular banda sonora. Un filme feminista en el que la mujer disfruta de su libertad codo a codo con el hombre. Es difícil no dejarse contagiar por esta película a la que considero una pequeña joya de la animación por su originalidad y puesta en escena.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre.

MUSICA: Robert Wyatt.

PRODUCTORA: Alba Sotorra// Jaibo Films// GS Animation// Alba Sotorra Cinema Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon.

ÍCARO Y EL MINOTAURO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Luxemburgo, Francia y Bélgica, Ícaro y el minotauro, está dirigida por Carlo Vogele, compartiendo guion con Isabelle Andrivet.

En la isla de Creta, bajo el reinado del rey Minos, los humanos adoran y temen a los Dioses del Olimpo. Solo un tonto se atrevería a ofenderlos. Con esta introducción comienza la historia de Ícaro y el minotauro, un niño que vive junto a su padre, el gran escultor e inventor Dédalo. Un día, Dédalo le lleva al Palacio de Cnosos, pues desea obsequiar a la reina Pasiphae con la última escultura que ha creado para ella, complacida le agradece el regalo mientras Minos, le pide que cree un laberinto. Dédalo envía a Ícaro a palacio para entregar a la princesa Ariana un ovillo de hilo y ella le pide que se lo lleve a sus criados. Ícaro corre persiguiendo a un pájaro y el ovillo cae al interior de un patio. Ícaro desciende para recuperarlo y se encuentra con un pequeño minotauro de nombre Astérion, confinado en ese lugar por orden del rey Minos. Entre los dos surgirá una bonita amistad.

El director y guionista, Carlo Vogele, estudió en Berlín en La Freie Universität Artes Teatrales y en 2008 se graduó en La Escuela de Animación Gobelins dirigiendo, como proyecto final, el cortometraje “For Sock´s Sake”. Ha trabajado en el departamento de animación en Pixar para películas como “Toy Story 3” 2010 de Lee Unkrich, “Cars 2” 2011 de Brad Lewis y John Lasseter o “Brave (Indomable)” 2012 de Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcella. En la dirección debutó con los cortometrajes “For Sock´s Sake” 2008, “Una Furtiva Lagrima” 2012 y “Wurst” 2014 lanzándose al largometraje con “Ícaro y el minotauro” 2022.

En el imaginario de la isla de Creta, contamos con Zeus, el padre de los dioses, rodeado de personajes mitológicos y escarceos amorosos como el que mantuvo con Europa, engendrando a Minos, quien con los años se convirtió en rey de Creta. Minos se casó con Pasiphae y en uno de esos juegos caprichosos de los dioses, Poseidón envió a un imponente toro como regalo a la reina y producto de ese encuentro, Pasiphae alumbró a un minotauro. Este ser se convirtió en el mito más importante de Creta desde el instante en que Minos ordenó encerrarlo en el laberinto creado por Dédalo.

Una tragedia griega para toda la familia. Una obra didáctica en la que los más pequeños se inician en la mitología a través de una sugerente, vistosa y sencilla animación dotada de un gran colorido, que les llevará a empatizar con el pequeño minotauro, mientras los adultos navegan en medio de las líneas del inteligente guion, tocando temas importantes e imperecederos en el tiempo. Una leyenda que nos muestra la cara de los dioses, reyes y vasallos. Las traiciones, la ambición, el maltrato y los abusos, la violencia y el desprecio rivalizando con el poder de la verdadera amistad, la soledad, la resignación, el olvido y hasta la pérdida. 

En un mundo en el que prima la digitalización y las películas de animación que compiten directamente con las de imagen real, debido a la alta calidad de sus diseños, nos encontramos con historias como Ícaro y el minotauro, en donde la plasticidad de sus imágenes evocan la animación tradicional de personajes en dos dimensiones, moviéndose en decorados sin volúmenes e incluso el disfrutar de como la cámara se desplaza para otorgarle ese efecto de mayor movimiento entre los trazos de las calles, los bazares, el palacio o los hogares.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de noviembre.

PRODUCTORA: Iris Films// Iris Group// Iris Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Cinemaran.

THE DEER KING (EL REY CIERVO): CRÍTICA DE CINE

The Deer King (El rey ciervo), está dirigida por Masayuki Miyaji y Ando Masahi con guion de Taku Kishimoto, basándose en la novela de Nahoko Uehashi. “El miedo y el odio, pueden cegar al ser humano”  

Han pasado algunos años desde que el imperio de Zol se hiciera con el control casi absoluto del reino de Aquafa. El temor ante una misteriosa afección, el mittsual, frustró el avance de las tropas a las puertas de la aldea sagrada del Caballo de Fuego. A pesar de las escaramuzas posteriores, no se obtuvieron nuevas conquistas. Las dos naciones mantienen ahora un delicado equilibrio.

En el interior de una mina de sal, propiedad ahora de Zol, vemos esclavos entre los que se encuentra Van, un ex soldado. Una manada de lobos ataca a los esclavos y guardianes, sobreviviendo Van y una niña pequeña, llamada Yuna. Logran salir a la superficie y tras aprovisionarse en la casa de Van, caminan por el monte, encontrándose con un Pyuika. El mittsual, la fiebre del lobo negro, ha regresado y aunque Van y Yuna han sido mordidos por ellos, parece no haberles afectado.

El director de animación, Masayuki Miyaji, se graduó en la Escuela de Cine del Departamento de Arte de la Universidad de Nihon y tras finalizar los estudios, participó en el programa de capacitación Higashi-Koganei Sonjoku de los Studios Ghibli en 1998, siendo seleccionado como asistente de dirección de Hayao Miyazaki en Spirited Away. Debutó en televisión con la serie “Overman King-Gainer” 2002/03 continuando con otras series como “Sukurappudo Purinsesu” 2003, “Eureka Siete: Salmos de los planetas” 2005, “Bônen no zamudo” 2008,  “Space Dandy” 2014 y “Ataque a los titanes” 2015. En el largometraje debutó con “Fuse: teppô musume no torimonochô” 2012 y en este año 2020 nos ofrece “El rey ciervo” junto a Ando Masahi quien estudió en la Facultad de Arte de la Universidad de Nihon y fue aceptado en los Studios Ghibli. Ha trabajado en el departamento de animación en filmes muy importantes y ahora se inicia en la dirección junto a Masayuki Miyaji en este filme. 

Tras el final de la proyección  y mientras disfrutaba de los títulos de crédito con la música y las últimas imágenes, pensaba en la saga literaria que la compone. Una serie de novelas escritas por la escritora Nahoko Uehashi, que originalmente fue publicada en dos volúmenes en septiembre de 2014 y luego reeditada en cuatro volúmenes entre junio y julio de 2017. Debido al extenso material, es muy probable que esta adaptación al cine con una duración inferior a las dos horas, no contente a algunos de los fans más exigentes. Como desconozco la obra escrita, no la compararé con la cinematográfica. Os comentaré, por tanto, que el filme me ha deslumbrado con su épica historia y la excelente realización y animación, tratando temas  muy importantes en medio de esa lucha por el poder, entre lo humano y la naturaleza existente, entre las luces y las sombras y en donde el amor se abre camino a través del sufrimiento personal, los pensamientos más íntimos, el pasado que ha dejado huella tras la guerra, la pérdida de seres queridos y la soledad; esa soledad que flanquea las puertas del alma y el corazón, aunque como veremos, siempre hay quien las desbloquee, al menos, en parte. La familia y el amor, son parte de la brújula que guían a nuestro héroe.

Este anime ha reunido a nombres importantes, pues además de los directores Masayuki Miyaji y Masashi Ando en donde Ando se ha encargado de diseñar los personajes, uno de sus puntos fuertes. Cuenta con  guion de Taku Kishimoto adaptando esta extensa obra y una extraordinaria banda sonora a cargo de Harumi Fuuki. Una partitura tan épica como el propio filme, que ha sabido captar con sus notas, las emociones, los sentimientos y el drama que se genera a lo largo del filme. Una película no exenta de referencias cinematográficas. Como ejemplo, citar la bucólica escena que nos recuerda a “Gladiator” 2000 de Ridley Scott, entre otras grandes obras.

La naturaleza más enigmática y la más luminosa se abren paso en medio de ese mundo medieval expuesto por la escritora, mostrando las tradiciones niponas, el vestuario y otros elementos que iremos viendo a lo largo del metraje entre las aventuras y los misterios que se escoden tras el  mittsual. Esa enfermedad mortal que transportan los lobos negros. Un filme que conjuga lo fantástico con lo humano y lo humano con la ecología, junto a ese espíritu del bosque representado por el rey ciervo y el mal, siempre presente, a través de esa manada de lobos negros y su fiebre mortal.

En definitiva, estamos ante una correcta dirección, una impactante animación junto a esa paleta de colores pastel a la que ya estamos acostumbrados y tan propios del anime; una interesante historia y un metraje que no deja, a mi gusto, decaer nunca la obra. La he disfrutado de principio a fin principalmente en esa relación tan emotiva y humana que va surgiendo entre Van y Yuna.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de junio.

PRODUCTORA: Production I.G.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión

BUSCANDO A LA MÁGICA DOREMI: CRÍTICA DE CINE

Buscando a la Mágica Doremi, está dirigida por Junichi Sato y Haruka Kamatani, con guion de Midori Kuriyama. “¿Cuándo dejamos de creer en la magia?”

El filme nos muestra a unas niñas caminando por el campo, preguntando una de ellas, qué les gustaría ser de mayores, ante el silencio por parte de todas, se escucha el viento y cientos de dientes de león, invaden el espacio. Uno de ellos llega volando hasta el edificio de una gran empresa, donde conoceremos a Mire Yoshizuki (27 años), empleada de una empresa de comercio y que se cuestiona abandonarla, porque se siente infravalorada; seguidamente veremos a Sora Nagase (22 años), estudiante universitaria que duda sobre su capacidad de ser profesora de niños especiales y por último, el diente de león nos presentará a Reika Kawatani (19 años), trabajadora a tiempo parcial.

Las tres son fans de la serie la Mágica Dorremi y las tres coinciden el mismo día frente a la casa donde se rodó dicha serie; será Mire quien las invite a entrar en el interior, pues ha conseguido, a través de una agencia, la llave. A las  tres les espera una aventura muy especial.

Junichi Sato, se graduó a los 20 años en la Universidad de Nihon, comenzando a trabajar en las oficinas de producción de Nihon, antes de dedicarse al dibujo. Debutó en televisión con la serie “La aldea del arce” 1986 y en el cine con “Junkers Come Here” 1995. En el cine continuó con “Jigokudou Reikai Tsuushin” 1996,  “Buscando a la mágica Doremi” y “Amor de gata” 2020, “Aria the Benedizione” y “Aria the Crepuscolo” 2021. En televisión ha dirigido capítulos de las series: “Akuma-kun” 1989/90, “Kingyo chûihô!” 1991/92,  “Escuela de brujas” 1996, “Sailor Moon Sailor Stars” 1992/95, “Yume no crayón oukoku”1997, “Sailor Moon” 1995/98, “Ojamajo Doremi” 1999, “Strange Dawn” y “Gate Keepers” 2000, “Pretear” 2001, “Purinsesu Chuchu”  y “Gêto Kîpâzu 21” 2002, “Kaleido Star” 2003, “Aria: The Animation” 2005, “Gushigi boshi no futago hime” 2005/06, “Fushigi boshi no futago hime: Gyu! y “Aria the Natural” 2006, “Chougekijouban Keroro Gunsou 2: Shinkai no purinsesu de arimasu!”, “Aria the OVA: Arietta” y “Romio x Jurietto” 2007, “Aria the Origination” 2008, “Sargento Keroro” 2004/09, “Umi monogatari: Anata ga itekureta koto” 2009, “Chou gekijôban Keroro gunsô: Tanjou! Kyuukyoku Keroro- Kiseki no Jikuujima de Arimasu!!”, “Mayoi neko overrun!”, “Tamayura: Disuki ga ippai no machi, nanode” y “Tamayura: Mizuiro no chiisana kippu, nanode” 2010, “Tamayura: Hitotose” 2011, “Phi Brain: Puzzle of God” 2011/12 2012, “M3: Sono Kuroki Hagane” 2014, “Tamayura: Sotsugyou Shasin – Dai -1-bu- Kizashi”, “Tamayura: Sotsugyou Shasin – Dai -2-bu- Hibiki”, “Tamayura: Sotsugyou Shasin – Dai -3-bu- Akogare”, “Tamayura: Sotsugyou Shasin – Dai -4-bu- Ashita”, “Hugtto Prescure” 2018, “Amanchu!” 2016/18 y Haruka Kamatani, debutó junto a Junichi en “Buscando a la mágica Doremi” 2020.

Junichi Sato y Haruka Kamatani, han dirigido, con guion de Midori Kuriyama, la nueva adaptación del universo anime, Magica Doremi, convirtiéndose en la tercera película de la marca y celebrando de esta manera, el 20 aniversario de la mítica serie ideada por Izumi Todo y producida por Toei Animation. Esta serie que consta de 201 episodios en cuatro temporadas, comenzó su andadura en televisión entre los años 1999 hasta el 2003. En España se pudo disfrutar en los canales autonómicos con un importante éxito en Andalucía, Extremadura y Cataluña. También tuvo su difusión en Nickelodeon. Además de la serie y las películas, ha contado con adaptaciones manga y una secuela de novelas cortas. 

Buscando a la mágica Doremi, nos presenta una animación de trazo sencillo, cuidando los detalles y apoyándose en la vistosa paleta de color, en tonos pastel, tan característica en el anime japonés. En esta ocasión, el tema principal será la amistad, la que irá surgiendo entre  las tres jóvenes, tan diferentes entre ellas, pero con un mismo vínculo, el ser fans de la serie que les marcó de forma diferente, a cada una de ellas. En ese viaje que las tres realizan en busca del mundo de Doremi, sin ellas darse cuenta, surgirá un nuevo despertar en sus mentes y corazones, gracias a la complicidad que emana de las conversaciones que mantienen, el desahogo de aquello que precisan compartir o los miedos que les atenazan, y con ello, brotar de lo más profundo de su interior, el coraje y la determinación que creían no poseer. Un filme marcadamente femenino.

Una película que nos invita a no abandonar nunca a nuestro niño interior, al que avivaba nuestra imaginación, al que nos hacía reír a carcajadas ante las situaciones más sencillas o quien nos sumergía en mil y una aventuras, con nuestros amigos de pandilla, internándonos en espacios secretos sellados bajo solemnes juramentos infantiles, escenarios prohibidos por los mayores que nos despertaban curiosidad o viviendo situaciones que creíamos límites. ¿Quién no ha entrado en casas abandonadas, pensando que estaban encantadas, con el propósito de encontrarnos con lo desconocido, por mucho miedo que nos diera o en bosques creyendo haber visto seres mágicos, cuyas visiones, realmente  eran provocadas por las sombras del sol sobre la vegetación o algún tronco caído?. La película, si bien está destinada a los más pequeños de la casa, a los mayores, les hará esbozar esa sonrisa inocente, recordando el tiempo pasado, que se ha dejado atrás.

No se olvida de tocar temas como los divorcios y el efecto que produce en los hijos, las malas elecciones en la pareja o el sentirse atrapado en una relación tóxica, los trabajos a media jornada, las envidias y zancadillas, entre los propios compañeros de trabajo; la añoranza de la familia perdida, la importancia de crear planes de estudios para niños con problemas, las redes sociales, la motivación, el consumo de alcohol, la familia que surge entre las amistades y lo más importante, el descubrir que la verdadera magia, la llevamos en nuestro interior, entre esos sueños a los que debemos aferrarnos, con la esperanza de que un día se cumplan.

En resumen, un filme sencillo en su animación, con un guion interesante. Un disfrute para los más pequeños y una reflexión para los más mayores.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de enero.

PRODUCTORA: Toei Animation

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

EARWIG Y LA BRUJA: CRÍTICA DE CINE

 

Earwig y la bruja está dirigida por Goro Miyazaki con guion adaptado por Hayao Miyazaki, sobre la novela de Diana Wynne Jones.

En el prólogo vemos a una joven en moto sorteando cuantos vehículos se ponen a su alcance en plena carretera, buscando esquivar a un coche que la persigue. Una vez que lo logra, llega a la puerta de un orfanato y le comenta a la pequeña que lleva sujeta a su cuerpo, que su nombre es Earwig, que sabe que en ese lugar la cuidarán bien, que entre otros alimentos, degustará un exquisito pastel de carne y que ella, su madre, es una bruja que renegó formar parte del grupo al que pertenecía y que por ese motivo la persiguen.

Earwig crece feliz en el orfanato San Morwald, pues siempre consigue todo lo que desea gracias a su carácter afable y forma de camelar a los demás. Un día en el orfanato se presentan una bruja llamada Bella Yaga y un demonio bajo el nombre de Mandrake, ambos disfrazados con la intención de adoptar a la pequeña. Aunque Earwig protesta, la pareja se la llevan a  la mansión que poseen, una casa muy peculiar.

Earwig y la Bruja ha sido producida por el Studio Ghibli,  dirigida por Goro Miyazaki y  cuyas voces originales, han recaído en: Earwig (Kokoro Hirasawa), Bella Yaga (Shinobu Terajima), Mandrake (Etsushi Toyokawa), Thomas (Gaku Hamada), Madre de Earwig (Sherina Munaf) y Mr. Jenkins (Yūji Ueda). Comentaros que es la primera película del estudio realizada íntegramente por animación digital y en 3D. En la banda sonora, compuesta por Satoshi Takebe, nos encontramos con los temas “Don´t Disturb Me” y “Atashi no Sekai Seifuku” interpretados por Hiroki Kamemoto, Kiyokazu Takano, Sherina Munaf, Kawka Shishido y Takebe. El filme se basa en la novela de Diana Wynne Jones que ha sido adaptado por Hayao Miyazaki. 

Arquitecto, guionista y director de cine, Goro Miyazaki, se graduó en Arquitectura del Paisaje en la Escuela de Agricultura de la Universidad de Shinshu, pasando a trabajar como paisajista como consultor de construcción en la planificación y diseño de parques y jardines.  Toshio Suzuki le convenció para trabajar en el Museo Ghibli, donde pronto se relacionó con el Studio Ghibli, a través del cual le pidieron que se hiciera cargo de los guiones de “Cuentos de Terramar”. Cuando Suzuki vio los resultados, le ofreció encargarse de dirigir dicha película. Su primera obra llegó en 2005 con el documental “Hayao Miyazaki y el Museo Ghibli” continuando con el filme de animación “Cuentos de Terrarmar” 2006, “La colina de las amapolas” 2011 y este año llega a las pantallas con “Earwig y la bruja” 2020. Para televisión ha dirigido la serie “Ronja, la hija del bandolero” 2014.

Estamos, nuevamente, ante un filme de animación muy realista, solo hay que contemplar y dejarse llevar por los primeros minutos de la proyección, en esa persecución por la carretera en la cual los coches, la moto y el entorno, parecen reales. Sensación que continuará con los detalles, por pequeños que sean, durante todo el metraje. Utiliza una paleta de color muy variada, separando con acierto los dos mundos en los que la joven se moverá, por una parte el orfanato, lleno de luz y colores vivos y el segundo en tonos más apagados, destacando los marrones y los negros, para los ambientes tétricos, que no de terror, pues la pequeña no le tiene miedo a nada. 

Un filme que nos habla de orfandad, de aceptación, valor, amistad, trabajo, libertad o  maternidad entre un orfanato lleno de vida, alegría y amor, en el cual nuestra protagonista es feliz y la casona de la bruja, con olores nauseabundos, suciedad, habitaciones invisibles, diablos, libros de hechizos, pociones mágicas y hasta un gato negro con la facultad de hablar, que pronto se hará amigo de Earwig; pero ella, en vez de acobardarse ante el cambio tan radical, se envalentonará y demostrará quien manda en ella, como lo ha hecho siempre. Una película que los más jóvenes de la casa la disfrutarán, entre la variedad de personajes que ofrece. 

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Abril

PRODUCTORA: Studio Ghibli// NHK Enterprises

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

GUARDIANES DE LA NOCHE: TREN INFINITO

 

GUARDIANES DE LA NOCHE: TREN INFINITO está dirigida por Haruo Sotozaki basándose en el manga de Koyoharu Gotōge.

Al Tren del Infinito se suben Tanjiro y sus compañeros: Nezuko, Zenitsu e Inosuke, con la intención de unirse a Kyojuro Rengoku, el espadachín más poderoso del cuerpo de matademonios y actual Pilar de las Llamas, para combatir con dos demonios que van a bordo del tren. Tras luchar con los dos y vencerlos, caen en la trampa de Enmu, el demonio de los sueños, quien les sumerge, junto a los 200 pasajeros, en el sueño más feliz que se pueden imaginar, pero pronto Tanjiro será consciente de que está soñando y busca la manera de despertar. Tras lograrlo, se enfrentará a Enmu, mientras planea la forma de despertar a sus amigos.

El filme es una secuela de la serie de anime de 2019, que fue estrenado en Japón el 16 de octubre del 2020 alcanzando un gran éxito, convirtiéndose en la película japonesa más taquillera del año,  uno de los filmes de anime más taquilleros de la historia, la sexta más taquillera del mundo durante dicho año y obtener un BO de más de 380 millones de dólares. Las voces originales han sido: Tanjiro Kamado (Natsuki Hanae), Nezuko Kamado (Akari Kitō), Inosuke Hashibira (Yoshitsugu Matsuoka), Zenitsu Agatsuma (Hiro Shimono), Kyōjurō Rengoku (Satoshi Hino), Enmu (Daisuke Hirakawa), Akaza (Akira Ishida), Ruka Rengoku (Rikiya Koyama) y Senjuro Rengoku (Junya Enoki).

El director de animación, Haruo Sotozaki, estudió en Hokkaido Muroran Technical High School. Entre sus obras encontramos “Tales of Symphonia the Animation” 2007, “Tales of Symphonia the Animation: Tethe`alla-hen” 2010, “Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba: Bonds of Siblings” 2019 y ahora llega “Guardianes de la noche: Tren Infinito” 2020. Entre las series destacar “Tales of Zestiria the X” 2016 y “Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba” 2019.

Si bien en algunas ocasiones los largometrajes procedentes de series o cómics japoneses, pueden despistar un poco al espectador ajeno a dichas historias, por no conocer las aventuras y desventuras de los personajes; en esta ocasión, desde el comienzo en el que los jóvenes suben al tren, luchan con los demonios, se  unen a Rengoku y visualizamos sus sueños, quedamos atrapados ante el deseo de saber cuál va a ser la epopeya  en la que nos va a embarcar el director, pues lo que también se tiene claro, cuando el espectador asiste a la proyección de un manga de estas características, es que si está bien narrado y dibujado, va a vivir una auténtica odisea visual y Haruo Sotozaki, tomando el manga de Koyoharu Gotōge, lo logra  junto a la extraordinaria banda sonora de Yuki Kajiura y Go Shiina.

Guardianes de la noche: Tren infinito, ofrece una animación sobresaliente, partiendo de la extraordinaria paleta de color que utiliza, unida al realismo y los movimientos de los personajes, hasta culminar con la nitidez con que se presentan las batallas, sin empastarse en ningún momento los protagonistas con los escenarios en los cuales se desarrolla la acción, a espada y a muerte, junto con los poderes que poseen. Entre dichos personajes destacaría a Rengoku, el pilar de las llamas, quien siendo conocedor de su gran poder, presume de cierta bravuconería, siempre divertida, entre esa mezcla de bondad y compañerismo que rezuma. En el lado opuesto tenemos a Enmu, el demonio del sueño, por quien, aun siendo un ser animado, sentimos desprecio y rechazo, debido a sus actos. Además de la parte épica, el filme nos ofrece un extraordinario guion con una historia interesante de  ser escuchada y reflexionada, destacando las conversaciones que mantienen Rengoku y Tanjiro, así como los flashback, que ayudan a conocer mejor a dichos personajes. Por todo ello, Guardianes de la noche: tren infinito, resulta un filme muy recomendable y entretenido para los amantes del manga y de la animación en general. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Abril

PRODUCTORA: Ufotable.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Selecta Visión

RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN

 

Raya y el Último Dragón, está dirigida por Don Hall y Carlos López Estrada, con guion de Adele Lim. “La confianza y la unidad, logran alcanzar objetivos impensables”

La historia nos narra que hace mucho tiempo, en el reino de Kumandra, los seres humanos y los dragones convivían en armonía, hasta que unas oscuras y malvadas criaturas conocidas como los Druun, amenazaron el territorio. Los dragones se sacrificaron por la humanidad y ésta se dividió en cinco clanes: Cola, Garra, Colmillo, Columna y Corazón; este último, es clan al que pertenece Raya, una joven que se ha preparado para custodiar la gema que los dragones entregaron a la humanidad para librarles de los Druun, junto a su padre el jefe Benja.

Han pasado 500 años de aquellos acontecimientos y el padre de Raya, Benja, un hombre noble y justo, tiene un sueño, volver a juntar a los cinco clanes y crear de nuevo Kumandra; pero Namaari, una joven princesa guerrera de la tierra de los colmillos, engaña a Raya y deja caer la reliquia, rompiéndose en cinco trozos. Los Druun aniquilarán todo lo que se encuentran en el camino y Raya se salva, cuando su padre la lanza al agua. Es entonces cuando Raya emprenderá su gran aventura, decidida a reunir los trozos de la gema, que se han repartido por los diferentes territorios y encontrar, al último dragón.

Walt Disney Animation Studios firma su película número 59,  dirigida por Carlos López Estrada y Don Hall, codirigida por  Paul Briggs y John Ripa bajo guion de Adele Lim y Qui Nguyen y producida por Osnat Shurer y Peter Del Vecho. Un filme que por fin llega a la gran pantalla y a la plataforma Disney+, simultáneamente, el 5 de este mes de marzo. Las voces principales y originales han corrido a cargo de Kelly Marie Tran como la guerrera y heroína Raya. Awkwafina como el dragón de agua Sisu, el último dragón que tendrá la facultad de transformarse en humana y se convertirá en la gran compañera de Raya. Gemma Chan quien pondrá la voz a Namaari, entre otras voces asiática-estadounidenses como Daniel Dae Kim (padre de Raya), Benedict Wong (El guerrero Tong), Izaac Wang (El joven cocinero Boun), Sandra Oh (madre de Namaari), Thalia Tran (La pequeña Noi) o Alan Tudyk (Tuk Tuk).

Lo primero que destaca en la nueva obra de Disney,  es su inspiración en el continente asiático, tanto delante de las cámaras, como detrás de las mismas y con una fuerte presencia femenina, pues Disney ha vuelto a apostar por una heroína o nueva princesa Disney, como prefiráis; aunque siendo justos, en esta ocasión hay dos princesas, Raya y Namaari y por supuesto, como es de esperar, también cuenta con importantes mensajes no solo destinados a los más pequeños de la casa, sino a los adultos, como ya viene siendo habitual en su sello familiar. Un sello del que Disney siempre ha hecho gala. En esta ocasión la familia la formarán un grupo de huérfanos, cuyo objetivo es encontrar la forma de reencontrarse con sus seres queridos, entre grandes aventuras épicas, dotadas de un gran ritmo y no exentas de emociones. La verdadera magia, de nuevo, reside en el interior, la comunión y la confianza en los demás. En la vida podemos recibir reveses sintiéndonos engañados, robados e incluso olvidados, pero jamás debemos perder la confianza, pues en ella se asienta el verdadero poder con el que vencer los grandes obstáculos y las sombras, que en ocasiones nos rodean. Confianza y unidad, una de las mejores combinaciones en la vida.

Kumandra bien podría representar la unidad entre los pueblos, que tanto necesitamos en nuestro mundo, dejando atrás las rencillas que hayan existido a lo largo de la historia. Kumandra es el sueño que persiguen todos los idealistas, los amantes de la paz y del amor universal, logrando el tan ansiado equilibrio en el planeta, que se perdió cuando el ser humano se volvió ambicioso y egocéntrico. Menos violencia y más amor. Menos conflictos y más hermandad. Kumandra es la utopía que persiguen soñadores como Disney y quienes aun creemos en la humanidad.

Raya y el último dragón nos ofrece una gran aventura a través de cinco reinos, asombrosamente “filmados” y muy diferentes entre ellos, con elementos que nos recuerdan al mencionado continente, en medio de maravillosas tramas y un colorido espectacular, enriquecido de pequeños detalles que os invito a ir descubriendo durante ese largo y emotivo viaje que emprenden los personajes a los que gustosamente, acompañamos. 

Destacar la banda sonora compuesta por James Newton Howard quien logra atrapar al espectador, entre sus notas. James comentó “Escribir sobre Raya y el Último Dragón fue una experiencia musical alegre y creativamente inspiradora. Trabajar en animación es un proceso especialmente colaborativo donde los directores, elenco y animadores dieron vida a los personajes de una manera emocionante”. La canción original “Lead the Way” está escrita e interpretada por Jhené Aiko quien afirmó “Lo que me encanta de la canción es que es optimista y divertida, pero también tiene un mensaje importante para todos. Un mensaje muy oportuno ahora mismo. Los temas principales son la confianza y atreverse a dar el primer paso para confiar en los demás y cómo podemos lograr mucho más cuando estamos unidos. Fue una canción fácil de escribir porque son cosas en las que realmente creo”. También se incluye el tema “Hasta Vencer” interpretado por Danna Paola durante los créditos finales, quien desveló, “Estoy feliz de participar en la película con una canción tan mágica como “Hasta Vencer”, sé que los fans se emocionarán muchísimo al escucharla”.

Para finalizar, pues no os quiero descubrir nada de este magnífico filme, al que os invito a ver y disfrutar, apostillar que cuenta con uno de los finales más potentes que he visto en una película de la Factoría Disney y eso, que siempre se han caracterizado por cerrar de forma brillante sus filmes. Con Raya y el Último Dragón, no solo lo vuelven a conseguir, sino que lo bordan con hilo de oro o debería decir, de seda.

Mi nota es: 9

PRODUCTORA: Walt Disney Pictures y Walt Disney Animation Studios

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Marzo

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

ANGRY BIRDS 2 LA PELÍCULA: CRÍTICA DE CINE

Angry Birds 2, la película está dirigida por Thurop Van Orman y John Rice, con guion de Peter Ackerman, basándose en los personajes creados por Jon Vitti.

La isla pájaro sigue en guerra contra la isla cerdo. Recordemos que en la isla pájaro se encuentra Red (Santiago Segura), un pájaro de color ojo, con mal genio. Chuck (José Mota), el pájaro hiperactivo de color amarillo.  Bomb (Carlos Kaniowsky), el pájaro negro que como su nombre sugiere, siempre está explotando y Águila Poderosa (Luis Bajo). En el lado de los cerdos, estará Leonardo (Álex de la Iglesia), un cariñoso cerdo de color verde; pero una nueva isla ha surgido, donde vive la malvada Zeta (Cristina Castaño), la isla de hielo. Zeta lanzará una bola de hielo contra la isla de los cerdos y estos pedirán una tregua a los pájaros, para luchar en contra de su nuevo enemigo. Los pájaros en un principio se niegan, pero cuando Zeta les lanza otra bola a ellos, unirán fuerzas para combatir. 

Thurop Van Orman, hombre polifacético en el mundo de la industria, especializado en: Doblaje, animación, cantante, productor, director, dibujante, guionista de televisión... Estudió animación en el Instituto de Artes de California. Su primer trabajo en televisión, como guionista y director artístico, fue en la serie "Las Supernenas" en 2004 al que siguieron series como "Las maravillosas desventuras de Flapjack" 2008. Produjo series como “Sanjay y Craig” 2013/16 y “Home: las aventuras de Tip y Oh” 2016 y en cine  ha dirigido, este año,  “Angry Bird2, la película”. En cuanto a su compañero en la dirección John Rice, os puedo comentar que es director de fotografía, guionista, director y animador. Se inició en televisión con el cortometraje “Swamp and tad in “Mission Imfrogable” en 1997, entre los años 1997/2003 trabajo en la serie “King of the Hill” por la que fue nominado en dos ocasiones a los premios Emmy. En 2005 dirigió el mediometraje “El elfo feliz” y en 2016 realizó el corto “Angry Birds: The Early Hatchling Gets the Worm” y colaboró en el largometraje “Angry Bird” 2016; ahora en 2019 dirige la segunda entrega de este largometraje junto a Thurop Van Orman.

De nuevo los personajes que nacieron como video juego para los móviles desarrollado por Rovio Entertainment, regresan a la gran pantalla. Más compañeros, más aventuras y más locuras, todo aderezado para el disfrute de los más pequeños de la casa. Si con dos islas no era suficiente para montar el desmadre, una malvada de nombre Zeta, quiere conquistarlas, porque está cansada de vivir en un mundo de hielo, donde siempre hace frío; además desea vengarse de alguien que la dejó plantada cuando se iban a casar. Una obra con un humor muy fresco, con diálogos sencillos, dirigidos a los niños y con muchas situaciones disparatadas, aunque también, como sucede en gran parte de las obras de animación, dejará esos mensajes que sin aleccionar, van instruyendo.  

Simon Dunsdon es el fotógrafo de la animación a la cual aporta un rico y excepcional colorido e iluminación, entre encuadres de gran vistosidad, a lo que hay que añadir, el frenético ritmo que proporcionan sus dos directores, Thurop Van Orman y John Rice. La acción no cesa en ningún instante, los personajes parecen desatados, provocando que siempre esté sucediendo algo, entre los pájaros y los cerdos y como remate, les acompañará la alocada banda sonora de Heitor Pereira.

Una obra para que los más jóvenes de la casa disfruten y rían a carcajadas,  en una de estas tardes de verano.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Agosto

PRODUCTORA: Columbia Pictures// Rovio Animation// Rovio Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures releasing de España.

UGLYDOLLS: EXTRAORDINARIAMENTE FEOS

Uglydolls: Extraordinariamente feos, está dirigida por Kelly Asbury y cuenta con guion de Larry Stuckey, Blaise Hemingway y Erica Rivanoja, basándose en la historia de David Horvath y Sun-min Kim.

Moxy (Voz Nerea Rodríguez) es una peluche descartada en el proceso de fabricación, llegando a un mundo llamado Uglyville, donde todos los juguetes imperfectos viven felices y en armonía, sin importarles las taras que cada uno posee. Entre ellos se encuentran: suertudo,  Babo, el conejo OX o el perro feo (Voz de Pitbull) entre otros.

Moxy tiene un sueño, encontrarse con el niño al que poder hacer feliz. Cuando se entera de que ese día no le llegará, pues su destino es vivir en Uglyville, no se resigna y buscará llegar a la ciudad mágica, en la cual  viven los muñecos perfectos, un mundo liderado por el bello y arrogante Lou (Voz Blas Cantó), donde conocerá a Mandy (Voz de Chenoa) y las tres espías enamoradas de Lou.

Kelly Asbury es un reconocido director de animación, entre sus obras cuenta con la extraordinaria “Spirit: El corcel indomable” 2002, “Shrek2” 2004,  “Gnomeo y Julieta” 2011 o  “Los pitufos, la aldea escondida” 2017. Ahora nos deleita con esta divertidísima comedia musical. Un trabajo en el que se ha basado en los famosos juguetes de peluche que fueron creados por David Horwath y Sun-Min Kin en 2001.

Uglydolls: extraordinariamente feos y yo diría que maravillosos, es una gran aventura, compitiendo lo feo con lo bello, tanto físicamente como interiormente. Cuántas veces hemos escuchado que la belleza está en el interior  y en otras tantas ser rebatida dicha teoría, afirmando que lo que se ve, es lo que entra por los ojos. Con ese planteamiento se nos presenta este filme a través de un cuidado y didáctico guion escrito por Larry Stuckey, Blaise Hemingway y Erica Rivanoja. Dos mundos muy diferentes, el uno donde reina la felicidad entre seres que han sido desechados en la fábrica por diversas taras y el otro, donde viven bajo la “tiranía” de un ser perfecto que exige  la perfección, en sus semejantes.

No soy el único que piensa que en la imperfección radica la perfección. Hay que tener imperfecciones para ser únicos y  hay que ser únicos para conformar nuestra personalidad. Además si todos fuéramos iguales, sería muy aburrido.  

Este mensaje, como otros tantos, está presente en toda la historia. Una aventura que se convierte en musical, un musical cargado de emotividad y una emotividad que contagia al espectador, despertando sonrisas. Estoy convencido que los más jóvenes al salir de la proyección, buscarán a esos feos maravillosos, los cuales también enamoran a los mayores.

Un filme familiar exquisitamente dirigido, con un guion pedagógico y una animación cuidada al milímetro entre dos paletas de colores y texturas muy diferentes, una para los feos y otra para los guapos ¿Con cuáles te quedas tú? Ve al cine en familia, disfrútalo y vívelo.

Mi  nota es: 7,5

PRODUCTORA: STX Entertainment// Troublemaker Studios

ESTRENO en ESPAÑA: 1 de Mayo

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

EL PARQUE MÁGICO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y España, El parque mágico, está dirigida por Dylan Brown, con guion de Josh Appelbaum y André Neme,   quienes comparten historia junto a Robert Gordon.

 

June es una niña feliz, hiperactiva y con una gran imaginación, que alimenta cada día su madre. Entre ambas han creado un gran universo, un parque mágico dirigido por diversos animales, entre los que se encuentran: el relaciones públicas del parque, un oso azul y bonachón (boomer). Una inteligente y siempre positiva jababí (Greta). El guarda de seguridad, el puercoespín (Steve). Los juguetones castores (Gus y Cooper) y el creador de juegos del parque, el chimpancé (Peanut), quienes además cuidan de las instalaciones y de entretener a los visitantes.

La mamá de June tiene que ser ingresada en un hospital y le hace saber a su hija, que debe pasar un periodo de tiempo en el hospital para curarse y que ella, deberá portarse bien con su padre. June se queda triste y renuncia al gran juego que habían creado las dos, sin ser consciente de que ese mundo ha cobrado vida en otro espacio, en el que entrará por casualidad, descubriendo que todo ha cambiado, tras haberlo abanado.
El filme ha sido producido por Paramount Pictures y Nickelodeon Movie, contando con el estudio español de animación llion Animation Studios, quienes se han encargado de llevar la historia a la gran pantalla;  por eso no os extrañéis ver tantos nombres  de artistas españoles en los títulos de crédito. Un estudio que aun siendo tan joven (se fundó en 2002),  debe sentirse orgulloso de desarrollar películas con  tan magnífica calidad, recordemos su anterior filme  “Planet 51” y ahora “El parque mágico”

El parque mágico, es un espectáculo delicioso, divertido y entretenido, cargado de acción y con un gran ritmo. En todo momento están sucediendo cosas. Los más pequeños vivirán aventuras  junto a unos personajes entrañables, en torno a la pequeña June y el mundo que ha creado junto a su madre. Entre juegos aprenderán lecciones tan importantes como el no dejarse abatir,  no olvidarse de desarrollar la imaginación y conservar los sueños, ser positivos ante las adversidades y luchar siempre en defensa de la luz ante la oscuridad. Del bien ante el mal. En definitiva,  aprender a madurar y  valorar lo importante de la vida.

Una comedia de aventuras, creada por ordenador y contando con una espectacular paleta de color, haciendo las delicias de los más pequeños. Extraordinaria iluminación rodeada de tonalidades vivas y muy visuales. Un divertimento para toda la familia, sin decaer en ningún momento; despertando sonrisas entre sus sencillos diálogos y dejando ese poso emocional, que no confundir con sensiblero. Una propuesta perfecta para estas fechas que se avecinan.

Mi nota es 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Abril

PRODUCTORA: Ilion Animation// Nickelodeon Movies// Paramount Animation// Midnight Radio// Village Roadshow.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.