DUMBO: CRÍTICA DE CINE

La nueva y emocionante versión del clásico, DUMBO, está dirigida por el maestro Tim Burton, con guion de Ehren Kruger, basándose en el cuento infantil escrito por Helen Aberson.

La guerra ha terminado y los soldados regresan a casa, entre ellos Holt Farrier (Colin Farrell), cuyo hogar es el circo de Max Medici (Danny DeVito) en Kentucky, propietario y  maestro de ceremonia de la pista. Holt ha perdido un brazo en la guerra y es recibido por sus dos hijos en la estación. Milly (Nico Parker) y Joe (Finley Hobbins), huérfanos de madre.

Las cosas en el circo han cambiado, han tenido que vender muchas de las pertenencias para poder sobrevivir a la crisis. Todas las esperanzas las han depositado en una elefanta embarazada, soñando que el nuevo bebé, traiga más público. El día del nacimiento, todos se asombran ante las grandes orejas que posee el pequeño, al que bautizarán como Dumbo, tras su primera actuación. Max, pondrá al cuidado de los elefantes y del recién nacido, a Holt y sus hijos.

Para quienes desconozcan quien dio vida a este pequeño, encantador y orejudo paquidermo, comentaros brevemente que está basado en el cuento escrito por Helen
Aberson e ilustrado por Harold Pearl, convirtiéndose en el cuarto largometraje de animación de Walt Disney en el año 1941.

En cuanto al director, Tim Burton, no hace falta mucha presentación, sobre todo para los amantes del cine fantástico, ya que la gran mayoría de sus filmes están rodeados por mundos imaginarios envueltos en ambientes góticos y oscuros, de los cuales la mayoría de sus personajes, son seres inadaptados, grotescos o rodeados de cierto misterio.

No es la primera vez que Burton adapta una obra de Disney a la gran pantalla, en cuya compañía trabajo al principio de su carrera, dirigiendo algunos cortometrajes. En 2012 llevó al largometraje, “Frankenweenie” que ya había realizado como cortometraje en 1984. Cuenta además con dos versiones de Alicia. En 2010 “Alicia en el país de las maravillas” y en 2016 “Alicia a través del espejo” dotando a todas sus obras, con su característico e inimitable sello.

Creo que la gran mayoría estaba de acuerdo, que si Dumbo se adaptaba a personajes de carne y hueso, nadie como Tim para llevarla a la gran pantalla. Un personaje inadaptado y con un gran defecto físico, mostrando a través de su dulce vulnerabilidad, la necesidad de cariño y aceptación, mientras nos ofrece su ternura y carisma tan especial. La alianza, una vez más,  entre Disney y el gran maestro Burton, no podía funcionar mejor. Disney aporta la magia de uno de sus personajes más querido y añorado por quienes ya tenemos una edad y estoy convencido, que por muchos de las nuevas generaciones. La fragilidad que ofrece un personaje tan maravilloso como Dumbo, traspasa el tiempo y las fronteras, aportando ese gran mensaje que Disney y Burton quieren ofrecer. El hábitat de un animal es la libertad y no el encarcelamiento o el maltrato.

La gran estrella indiscutible, el alma de la película, es Dumbo, el pequeño elefantito, quien se ha sabido rodear de un buen ramillete de humanos que desean protegerlo y algún que otro villano que busca poseerlo y explotarlo, como atracción circense. Entre esos humanos nos encontramos con un magnífico Colin Farrel en el lado más compasivo y como villano, el siempre impecable Michael Keaton.

Esa empatía que Burton posee hacia los personajes  diferentes o excluidos por la sociedad, nos los ofrece, en esta ocasión,  bajo el amparo del circo, en dos espacios muy diferentes. El uno protegido bajo  una carpa sencilla, ambulante, en la cual todos forman una familia cómplice y  por  otro lado, el  enclavado en el gran complejo que forma: Dreamland, acentuándose con más fuerza, esa  imagen gótica, recargada y tenebrosa, que nos estremece, ante algo que debería hacernos sonreír. Pero Burton tiene  sus razones y nos las mostrará. Entre el bien y el mal, navega la inocencia.  La inocencia de los dos niños y del pequeño elefantito.

Brillante, emotiva y espectacular, son algunos de los calificativos con los que se puede definir esta admirable obra, que cuenta con grandes estrellas, destacando  a Colin Farrell, como el padre que busca lo mejor para sus hijos, mientras de adapta a la vida civil. Danny DeVito en una brillante interpretación como maestro de pista y director del pequeño circo. El siempre correcto Michael Keaton, en un personaje que logra que odiemos, y finalizo con la sutilidad y encanto que transmite Eva Green, la sensual trapecista. Pero como se puede leer en el impresionante reparto, la película cuenta con un casting de lujo, aportando credibilidad, fuerza y vida al filme.

Más que nunca hay que mencionar al equipo técnico, comenzando con la elegante y fascinante fotografía de Ben David. A Danny Elfman, con su sobrecogedora y sensitiva banda sonora. El montaje de Chris Lebenzon. La dirección artística a cargo de: Andrew Bennett y Oli van der Vijver. Los decorados de Rick Heinrichs y el magnífico vestuario en las manos de Colleen Atwood; cabezas principales de todo un gran equipo de profesionales en sus diversas especialidades.

Y cuando creemos que todo ha terminado, Burton y Disney nos regalan un maravilloso y emocionante final. Un canto a la vida, a la unidad, a la familia y  sobremanera, a la libertad.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Marzo

REPARTO: Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito, Eva Green, Alan Arkin, Nico Parker, Finley Hobbins, Deabia Oparei, Joseph Gatt, Sharon Rooney, Michael Buffer, Frank Bourke, Jo Osmond, Douglas Reith, Roshan Seth, Philip Rosch, Lucy DeVito, Sandy Martin, Lars Eidinger, Zoe Scott, Bern Collaco, Zak Holland, Bernardo Santos, Sarah Bennani, Jessie Vinning, Joakim Skarli, Richard Price, Erick Hayden, Amerjit Deu, Harry Taylor, Ian Porter, Phil Zimmerman, Eleanor Ham, Philips Nortey, Alfie Allen, Clive Brunt, Nick Bartlett, Jason Shillingford, Arthur Wilde, Ragevan Vasan, Joseph Macnab, Christian Wolf-La´Moy, Matthew David McCarthy, Chris Rogers, Craig Thomas Lambert,  Ndongo Faye, Jackson Kai, Stephen Samson, Mickey Lewis, Tim Ingall, Georgie-May Tearle, Ken Byrd, Scott Haney, Mark Cross, Tomasz Dabrowski, Kamil Lemieszewski, Hugh O, Brien y Stuart Whelan.

PRODUCTORA: Walt Disney Pictures // Tim Burton Productions// Infinite Detective// Secret Machine  Entertainment// MPC

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Picture Spain.

LA CAÍDA DEL IMPERIO AMERICANO: CRÍTICA DE CINE

La comedia, con pinceladas de drama, La caída del imperio americano, está dirigida por el quebequés Denys Arcand.

Pierre-Paul Daoust (Alexandre Landry) es un joven repartidor de paquetería, aunque posee un doctorado en Filosofía. Toda su vida gira en torno al pensamiento de los grandes filósofos griegos. Un día mientras está realizando un reparto, se ve en medio de un doble atraco. Dos de los ladrones mueren y otro sale corriendo y herido. Junto a él quedan dos grandes bolsas llenas de dinero, no se lo piensa dos veces y las introduce dentro del furgón entre los paquetes. Espera a la policía y tras la declaración se va con el furgón, aunque los dos policías:  Carla McDuff (Maxim Roy) y Pete LaBauve (Louis Morissette) lo seguirán sin él saberlo. Su aventura no ha hecho más que empezar.

En la filmografía del canadiense, Denys Arcand, encontramos títulos como “El declive del imperio americano” 1986 o sus secuelas “Las invasiones bárbaras”,  que se alzó, entre otros premios con el Óscar a la mejor película de habla no inglesa 2003 y el cierre de la trilogía con “La edad de la ignorancia” 2007 donde tocaba temas como: la familia, la amistad, el amor, las infidelidades, la sexualidad o las enfermedades, entre otros; siempre con esa dosis de drama y sátira sobre la moral de nuestra época.

En la caída del imperio americano, continua con esa ironía entre diálogos perspicaces que nos llevan a la reflexión sobre el sistema, que como ha comentado su autor “Todos estamos sometidos al imperio americano, incluso en los rincones más remotos de nuestro planeta”. “Ese imperio se está muriendo y sus convulsiones nos afectan con toda su brutalidad”.

Aquí nos presenta, de entrada, a un joven inteligente pero poco experimentado en la vida e incluso en la sexualidad, donde parte de sus valores se van al traste cuando ante él se presenta la oportunidad de convertirse en millonario de la noche a la mañana, aunque ese dinero esté manchado de sangre.

Arcand muestra la cruda realidad que nos rodea creando un interesante triángulo entre el filósofo y repartidor Pierre-Paul, la chica de compañía Aspasia (Maripier Morin)  y el motero recién salido de la cárcel Sylvain (Rémy Girard) y así, junto al ingenioso y bien tramado guion entre conversaciones con muy mala leche y crítica despiadada, exponernos, en una gran función y ficción,  las dos caras  de nuestra sociedad; de un lado aquellos que están protegidos y controlan el poder - sin generalizar -, moviéndose entre paraísos fiscales, corrupción política, delincuencia, sobornos, blanqueo de dinero  o prostitución,  y del otro lado, los desamparados, los sin techo, los  invisibles e incluso las ONG´s. Dos caras de una misma moneda, que retrata con  agudeza y elegancia el fotógrafo, Van Royko, diferenciando las clases bajas frente a las clases altas, entre sus exquisitos encuadres e iluminación.

Una tragicomedia que entre risas, sonrisas y carcajadas, nos va abriendo los ojos a una verdad que aunque creamos conocer, en su planteamiento sin tapujos, seremos conscientes de la tela de araña que los más poderosos han tejido alrededor nuestro. Hay instantes que son simplemente magistrales y de estudio minucioso. No, no desvelo nada. Estamos ante un cineasta comprometido con su tiempo y con la sociedad que le rodea.

Una reflexión sobre su país, Canadá, a través de lo que nos muestra visualmente, en medio de frases de grandes filósofos a los que cita constantemente Pierre-Paul, por los que siente devoción y esa visión, de nuevo en la gran pantalla, sobre los sin techo, haciendo  hincapié en el abandono de los nativos, especialmente en los Innus.

Resumiendo, un filme con interpretaciones donde el espectador conecta desde el primer momento, sobre todo, con el trío protagonista, aunque cada secundario cumple sobradamente con su personaje, y un cuidado divertimento, durante algo más de dos horas, a través de una refinada  y feroz dirección. Os dejo con otra de las frases de su director.

“Hago películas intentando, a mi manera, cumplir con una consigna secular: actuar como espejo de la vida y el tiempo”

Mi nota es: 8

REPARTO: Alexandre Landry, Maripier Morin, Rémy Girard, Louis Morissette, Maxim Roy, Pierre Curzi, Vincent Leclerc, Yan England, Claude Legault, Florence Longpré, Paul Doucet, James Hyndman, Benoît Briére, Gaston Lepage, Geneviève Schmidt, Mathieu Lorain-Dignard y Denis Bouchard.

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Marzo

PRODUCTORA: Cinémaginaire Inc

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

AVANCE DE CINE: EL HIJO DEL ACORDEONISTA

De la mano de FILMAX y BARTON FILMS, el próximo 12 de abril llegará a los cines “EL HIJO DEL ACORDEONISTA”

Después del éxito de su adaptación teatral, el director de televisión, cine y teatro Fernando Bernués lleva a la gran pantalla la famosa novela de Bernardo Atxaga con actores de la talla de Aitor Beltrán, Iñaki Rikarte, Cristian Merchán, Bingen Elortza, Joseba Apaolaza, Mireia Gabilondo, Frida Palsson, Miren Arrieta, Laia Bernués y Eneko Sagardoy (Premio Goya 2018 al mejor actor revelación), entre otros.

Este emocionante relato sobre la amistad, la traición y la violencia, abarca tres épocas distintas de los protagonistas (primero de niños, luego con unos 20 años y finalmente pasados los 50), para indagar a la vez en la historia reciente del País Vasco.

Para Fernando Bernués “El hijo del acordeonista” discurre, narrativamente, al abrigo del difícil reencuentro de dos amigos tras una amistad, drásticamente acallada durante veinticinco años. Quizás la última oportunidad que tengan de nombrar el pasado y poner fin a un silencio que bien podría ser, socialmente, metafórico”.

SINOPSIS: David Imaz tuvo que huir del País Vasco a mediados de los setenta, repudiado por los suyos, acusado de traición. A pesar de encontrar la felicidad en California, su pasado le sigue pesando y el sentimiento de culpa no le permite afrontar con serenidad sus últimos días de vida.

Joseba Altuna, su amigo de la infancia, acude a despedirse de él y de paso, a ajustar cuentas pendientes. Han pasado mucho tiempo sin verse, pero llegó la hora de enfrentarse a la verdad.

La novela del mismo nombre es una de las más personales y representativas de Bernardo Atxaga, el más importante y reconocido escritor vasco de nuestros días, y sin duda el más premiado y traducido de todos los tiempos.

En esta producción de Abra Prod y Tentazioa, el guion ha sido adaptado por Patxo Telleria y la música es de Fernando Velázquez (Lo imposible, Un monstruo viene a verme - Premio Goya 2017 a mejor música original).

Dentro del equipo técnico también destacan Gonzalo F. Berridi (Ocho apellidos vascos, La buena nueva) como director de fotografía; Peio Villalba (Igelak, Lasa y Zabala) en la dirección de arte; Raúl López (Lasa y Zabala, Handia – Goya 2018 al mejor montaje); Saioa Lara (El mejor verano de mi vida, Handia - Goya 2018 al mejor vestuario); Karmele Soler (Lasa y Zabala, La piel que habito - Goya 2012 al mejor maquillaje y peluquería); y Olga Cruz (Bajo la piel del lobo, Handia - Goya 2018 al mejor maquillaje y peluquería).

“El hijo del acordeonista” cuenta con la ayuda del Gobierno Vasco, del ICAA y la participación de ETB. Será distribuida por Filmax y Barton Films.

CONOCIENDO A ASTRID: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Suecia y Dinamarca, Conociendo a Astrid, está dirigida por Pernille Fischer Christensen con guion compartido con Kim Fupz Aakeson.

Astrid Lindgren (Alba August) se encuentra sentada frente a su mesa escritorio, abriendo los sobres que por sacos han llegado por correo, con motivo de su cumpleaños. Sobres con dibujos y cartas de los niños que han leído o les han contado sus historias, sus padres.

Los recuerdos nos llevarán hasta el pequeño pueblo rural en Vimmerby, donde ella nació, cursando estudios más tarde en Estocolmo, pasando a trabajar para un periódico, enamorarse de su director, Reinhold Blomberg (Henrik Rafaelsen) tener un hijo con él y… Un recorrido por la vida de esta escritora, que aunque con sus miedos, tenía muy claro quién era y lo que deseaba hacer en la vida.

Interesante biopic sobre la escritora sueca Astrid Lindgren, amante de los animales, de las teorías feministas y conocida mundialmente por sus historias para niños, destacando con la archiconocida Pippi Calzaslargas, que se llevó a la televisión como serie televisiva. Pero la historia que nos  narra en su guion,  Pernille Fischer Christensen y Kim Fupz Aakeson, poco tiene que ver con su literatura y mucho con su vida personal.

Nacida en una familia con unas fuertes convicciones religiosas y una férrea moral, Astrid se abrió camino sola, cuando su madre rechazó primero la relación con Reinhold Blomberg y más tarde el ser madre soltera. Nunca decayó ante las adversidades, trabajando sin descanso y dedicando todo el amor que llevaba dentro, a su hijo y a las historias que escribía, entre reflexiones profundas sobre las relaciones entre los más jóvenes y los mayores.

Un filme suave, que te va acunando en la butaca sin el menor sobresalto, narrándote una extraordinaria historia vista a través del objetivo de la cámara, que con  ingenio maneja Erik Molberg Hansen, entre una deliciosa fotografía que se va enriqueciendo con la partitura musical del compositor Nicklas Schmidt y el sutil montaje de Asa Mossberg.

He dejado, una vez más, para final, a la gran protagonista del filme, quien lleva todo el peso de la obra y quien nos hace sumergirnos en ese mundo, en las experiencias, en la vida no solo del personaje que encarna y nos muestra con total naturalidad, sino el de quienes la rodean, en el día a día. Alba August, se filtra por cada poro de la escritora, para mostrarnos su verdad; a la mujer independiente y libre en cuerpo y espíritu, que sabía muy bien lo que quería y lo que deseaba ser, sin pensar en lo que los demás pudieran opinar de ella y luchando contra el infortunio en la soledad, entre una sociedad y una familia severa, hipócrita y estrictamente religiosa. Un inteligente trabajo de dirección de Pernille Fischer Christensen.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Marzo

REPARTO: Alba August, Trine Dyrholm, Björn Gustafsson, Magnus Krepper, Maria Bonnevie, Henrik Rafaelsen, Liv LeMoyne, Sofia Karemyr, Lars Väringer, Saga Wetterqvist, María Alm Norell, Mira Mitchell, Moa Niklasson, Marius Damslev, Le Bradhe, María Fahl-Vikander, Marlon Mitchell y Tuva Berglund.

PRODUCTORA: Nordisk Film Production Sverige AB// Avanti Film// DCM Productions// Det Danske Filminstitut// Film I Väst// Nordisk Film Production.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

LAS INVISIBLES: CRÍTICA DE CINE

Louis-Julien Petit dirige, Las Invisibles, con guion compartido con Marion Doussot y Claire Lajeunie.

“L´Envol” es uno de los centros de acogida de mujeres sin techo en Francia, donde se intenta ofrecer un servicio digno a quienes se acercan a sus instalaciones, mientras buscan la manera de reinsertarlas en la sociedad. Todo va bien hasta que un día reciben una noticia municipal de que el centro se cerrará en tres meses, debido a unos recortes. Las trabajadoras sociales, emprenderán una carrera contra reloj, para que ninguna mujer se quede desamparada, sondeando entre los contactos más cercanos, inflando los currículums de las que más posibilidades tienen de trabajar, provocando citas con solteros para emparejar a las que así lo desean y un largo etcétera, lo que les llevará  a momentos un tanto descabellados.

Louis-Julien Petit, logra convertir un tema tan serio como es la falta de trabajo, de un  hogar o de una vida digna, por la que atraviesan tantas mujeres que viven en centros de acogida a tiempo total o parcial, cuando no en la calle, confinadas en cajas de cartón o durmiendo a la intemperie, por falta de lugares donde refugiarse; en una comedia cargada de crítica social, mordaz, sutil pero eficaz.

Una comedia con ese telón tan presente como es la miseria, la dejadez o el abandono, por las circunstancias que sean, pues cada una tiene una historia que nos contará. Aunque  los motivos poco importan, cuando la urgencia real es que ninguna de ellas vuelva a la calle. Los dos grandes pilares sobre los que se sustenta este filme son: La mujeres sin techo y las trabajadoras sociales.

Una obra interpretada en su mayoría por no profesionales, a las que Petit extrae lo mejor de ellas, pues la naturalidad, la sencillez y la forma de ofrecer sus verdades a la gran pantalla, atrapa al espectador, deseoso de conocer más de sus vidas y lograr que la divina providencia, porque la humana parece resistirse, no las abandone de nuevo.

Un filme muy feminista, aun contando con algunos actores masculinos, pero serán las mujeres las protagonistas absolutas, que unidas ante la adversidad, luchando por demostrar de lo que son capaces y enfrentándose, con su verdad o medio verdad,  a la sociedad; probar que todo o casi todo se puede lograr, si se cree en la causa y esa causa es justa. ¿Utopía? Prefiero pensar que no, prefiero creer que siempre hay una salida lógica ante tantas conductas absurdas y egoístas, por parte de nuestros dirigentes.

Louis-Julien Petit, consigue lo más importante, que el público empatice, gracias a una dirección  sutil, que apenas percibiremos, entre correctísimas interpretaciones, jugando con la ficción y el lado documental, para fortalecer la narración. Un filme tratado con gran sensibilidad y humanidad. Una película en la cual Petit, logra sus dos objetivos primordiales; por una parte entretener y por otra, hacer visible en la gran pantalla, un tema tan importante y necesario que "grita" soluciones urgentes.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Marzo

REPARTO: Fatsah Bouyahmed, Marianne Garcia, Audrey Lamy, Déborah Lukumuena, Noémie Lvovsky, Corinne Masiero, Pablo Pauly y Sarah Suco.

PRODUCTORA: Elemiah

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.