SIN LIMITES (LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q): CRÍTICA DE CINE

Sin límites (Los casos del departamento Q), está dirigida por Ole Christian Madsen con guion adaptado de Jakob Weis, basándose en la novela de Jussi Adler-Olsen. “La luz es fuerza, la luz es poder”

El detective Carl Mørck (Ulrich Thomsen) envía a la inspectora Rose Knudsen (Sofie Torp) a Bornholm para ayudar a Christian Habersaat, quien está a punto de jubilarse, aunque él no lo desea. Durante la celebración Christian se dirige a todos los asistentes, saca su pistola y se pega un tiro. Tras el impacto que sufren todos los asistentes, Rose informa a su compañero Carl y este se persona en la isla junto a Assad (Afshin Firouzi). Los tres buscarán el motivo por el que se ha suicidado su amigo, a la vez que retoman un viejo caso sin resolver, el de una joven que apareció muerta sobre la rama de un árbol.

El guionista, productor y director, Ole Christian Madsen, se graduó en dirección en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca en 1993. Formó parte de la llamada “cohorte dorada” de la Escuela Nacional de Cine a principios de los noventa que incluía a Thomas Vinterberg y Per Fly. Debutó en la televisión con la serie “Taxa” 1996 y en el largometraje con “Pizza King” 1999, continuando con “Kira`s Reason: A love Story” 2001, “Nordkraft” 2005, “los amantes de Praga” 2006, “Flame y Citron” 2008, “Noche de vino y copas” 2011, “Steppeulven” 2014, “El día que todo cambió” 2020 y este año nos llega “Sin límites (Los casos del departamento Q). Para televisión ha dirigido: 6 cap.  “Edderkoppen” 2000, 4 cap. “Unit One” 2002/04,  2 cap. “Banshee Origins” 2014, 10 cap. “Banshee” 2013/16 y 3 cap. “The Shift” 2020

La saga de los casos del departamento Q, adapta las novelas del escritor danés Jussi Adler-Olsen. Los personajes principales son los agentes Carl Mørck y Assad, que tratan de resolver antiguos crímenes archivados. La colección completa, hasta la fecha, la componen: “Misericordia: Los casos del Departamento Q” 2013 de Mikkel Nørgaard, “Profanación: Los casos del Departamento Q” 2014 de Mikkel Nørgaard, “Redención: Los casos del Departamento Q” 2016 de Hans Petter Moland, “Expediente 64: Los casos del Departamento Q” 2018 de Christoffer Boe, “El efecto Marcus: Los casos del Departamento Q” 2021 de Martin Zandvliet y “Sin límites: Los casos del Departamento Q” 2024. Ole Christian Madsen.

La gran pantalla recibe un nuevo título de esta esperada saga y al quinto director que pasa por ella e incluso, en el cambio de algunos de los actores, como sucede con el personaje de Assad, que en esta ocasión recae en Afshin Firouzi, quien se une a Ultrich Thomsen (Carl) y Sofie Torp (Rose). Lo que sí conserva es la esencia, la atmósfera y la tensión que se va generando a lo largo del metraje. Una narración en la cual los tres detectives deberán enfrentarse a nuevos retos y  acontecimientos, por un lado descubrir el por qué se ha suicidado el amigo de Carl y del otro, recuperando el caso de la chica muerta sobre la rama de un árbol. Una intrincada historia que jugará con el espectador a destapar quién es quién, creando pistas falsas y presentándonos personajes de lo más misteriosos, salpicada con dosis de gore.

Estamos ante un filme en el que el suspense se adueña de la narración, tocando temas tan importantes y de rabiosa actualidad en nuestra sociedad como son las sectas que no dejando nunca de crecer, originan a su paso un reguero de destrucción y dolor. En torno a dicha secta se promueven los suicidios, las inseguridades, los miedos, los celos, los abusos sexuales en la infancia y fuera de ella, con algunas escenas más o menos explícitas; el poder del control mental o el fanatismo, entre personajes endiosados.

Ese mundo sectario se nos muestra en toda su crudeza y realismo. Un entorno en el que sabemos, desde que cruzamos sus puertas, que nada bueno se cuece tras esas paredes y espacios paradisiacos a los cuales nadie puede acceder sino es invitado o forma parte de ese grupo e imposible o casi imposible de salir, si alguien desea abandonar, por miedo a las represalias.

Los personajes están bien desarrollados y aunque el espectador, acostumbrado a esta saga, se pueda sentir un tanto contrariado por el cambio de actores, pronto empatizará con mayor o menor facilidad con algunos de ellos. Personalmente me quedo con los personajes de Rose, que arrastra un pasado traumático y que interpreta una excepcional y creíble Sofie Torp y Ulrich Thomsen, encarnando a un siempre duro y en esta ocasión misterioso Carl Mørck, quien guarda celosamente algunos secretos del pasado muy importantes para el desarrollo de la historia, aunque de nuevo cabe mencionar que el elenco actoral cumple con su cometido.

De algún modo el filme me recordó a “Midsommar” de Ari Aster, quizás porque ambas películas renuncian a la oscuridad tan característica de algunas películas del género y opta por la luz que lo inunda todo e incluso, en los espacios menos esperados, haciendo gala de la frase que escuchamos “No hay miedo, solo luz”. Es aquí donde entra el impecable trabajo del director de fotografía Jorgen Hohansson, cuyos planos e iluminación, provocan desasosiego; la banda sonora de Jonas Struck y Lasse Ziegler, también se filtra hasta nuestro sistema nervioso. Ambos, fotografía y música, comparte junto con el guion, el drama y la tensión emocional del filme.

Mi nota es: 7,5

REPARTO: Ulrich Thomsen, Afshin Firouzi, Sofie Torp, Hedda Stiernstedt, Søren Malling, Joachim Fjelstrup, Helle Fagralid, Marina Bouras, Lisa Carlehed, Rasmus Bjerg,  Ken Vedsegaard, Mette Lysdahl, Josefine Twermoes, Henrik Noël Olesen, Mads Reuther, Signe Thielsen, Rasmus Hammerich, Peter Mygind y Marie-Louise Ottesen.

PRODUCTORA: Nordisk Film Production// Nadcon Film// Det Danske Filminstitut// Eesti Filmi Sihtasutus// Hyæne Film.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

THE PALACE: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Italia, Suiza, Polonia y Francia, The Palace está dirigida por Roman Polanski quien comparte el guion con Jerzy Skolimowski y Eva Piaskowska.

En la mañana del 31 de diciembre de 1999, Hansueli (Oliver Masucci), el gerente del hotel Palace, un castillo construido a principios del siglo XX,  situado en un valle nevado de Suiza, da las últimas instrucciones al personal para que todo salga perfecto y termina con la advertencia de que el paso al nuevo milenio, no será el fin del mundo, como algunos han augurado. Contará con el apoyo de Tonino (Fortunato Cerlino), Mrs. Fraustschi (Beatrice Frey), el Chef (Teco Celio) y el Maître del hotel (Niccolò Senni)

Entre los millonarios excéntricos, que no le pondrán nada fácil la noche al personal, desfilarán: Bill Crush (Michey Rourke), Magnolia (Bronwyn James), el Dr. Lima (Joaquim de Almeida), la Sra. Robinson (Sydne Rome), Caspar Tell (Milán Peschel), Zula (Morgane Polanski) o Anton (Alexander Petrov)

El actor, guionista, productor y director de cine, Roman Polanski, en su juventud estuvo marcado por la invasión nazi en Polonia, viviendo en el Gueto de Varsovia, donde vio como sus padres eran separados en diferentes campos de concentración. Tras finalizar la guerra y regresar a Cracovia, comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Cine de Lodz, trabajando como actor en “Generación” 1955 de Andrzej Wajda. Se inició en el cortometraje, con obras como: “Dos hombres y un armario” 1958, “Ángeles caídos” 1959, “La lámpara” 1959 o  “Mamíferos” 1962. En el largometraje debutó con “El cuchillo en el agua”1962 al que siguió “Respulsión” 1965, “Callejón sin salida” 1966, “El baile de los vampiros” 1967, “Rosemary´s Baby” 1968, “Cinema Different 3” 1970, “Macbeth” 1971, “¿Qué?! 1973, “Chinatown” 1974, “Le Locataire” 1976, “Tess” 1979, “Piratas” 1986, “Frantic” 1988, “Bitter Moon” 1992, “La muerte y la doncella” 1994, “The Ninth Gate” 1999, “El pianista” 2002, “Oliver Twist” 2005, “A cada uno su cine” 2007, “El escritor fantasma” 2010, “Un dios salvaje” 2011, “La Venus de las pieles” 2013, “Basada en hechos reales” 2017, “El oficial y el espía” 2019 y este año nos ofrece “The Palace” 2023.

Creo que he comentado en alguna ocasión, que nunca juzgo a un artista por su vida personal, en esas cuestiones no me meto nunca, por lo que esta crítica es mi opinión personal sobre lo visto en la gran pantalla. Dicho esto, debo reconocer  que personalmente salí impactado e intentando asimilar el aluvión de imágenes, los diálogos sin sentido y el impresionante elenco actoral con el que ha contado Polansky; así que decidí darme algo más de un día para enfrentarme a esta reseña. Puede ser defendible que Roman, el director de obras ya mencionadas y que forman parte de la gran historia del cine, tenga 90 años y aunque merezca todos los aplausos por seguir con energía al pie del cañón, “The Palace”, no le hace ningún bien. Como decía Napoleón “una retirada a tiempo es una victoria” y Polanski, quien no tiene nada que demostrar a estas alturas, en el mundo del cine, no debería dejarnos, al final de su carrera, con este sabor agridulce.

Hablando de lo positivo, el filme cuenta con una soberbia puesta en escena. Una brillante composición de planos y un uso vertiginoso de la cámara, que no se detiene en ningún instante, persiguiendo a cada uno de los invitados a la gran celebración de fin de año y de siglo, pues nos retrotrae al último día de 1999. La iluminación y la fotografía de Pawel Edelman junto al vestuario retro de Carlo Poggioli, el montaje de Hervé de Luze y la banda sonora en la partitura del maestro Alexandre Desplat, lo mejor sin ninguna duda; y lo peor, el desastroso guion que lleva al filme a un precipicio de auténtico despropósito.

Es… como la he terminado bautizando, la comedia Frankenstein, pues está hecha de retazos que pretenden provocar risa y en contadas ocasiones lo consigue. Una mascarada de fin de año por la que desfilan viejas glorias decrépitas, ricachones excéntricos, mafiosos, charlatanes, un pingüino e incluso asistir a través del televisor, al nombramiento de Vladímir Putin como el nuevo presidente de Rusia; todo ello aderezado con viejos chistes que se han quedado demasiado obsoletos, el recurso fácil de la coprofagia, que siempre me ha resultado desagradable o el mal gusto en el uso caricaturesco del maquillaje y peluquería, por mucho que quisiera ridiculizar a la clase media alta. Polanski lleva el exceso a límites que molesta y eso le pasa factura a la película en su conjunto. Un humor grueso y casposo que me ha costado digerir y que en el fondo quiero creer, que ese ha sido su propósito, aunque se ha pasado de frenada.

MI NOTA ES: 5,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de abril.

REPARTO: Oliver Masucci, Fanny Ardant, John Cleese, Michey Rourke, Bronwyn James, Joaquim de Almeida, Morgane Polanski, Luca Barbareschi, Milán Peschel, Fortunato Cerlino, Sydne Rome, Alexandre Petrov, Beatrice Frey, Anton Pampushnyy, Irina Kastrinidis, Matthew T. Reynolds, Felix Mayr, Teco Celio, Michelle Shapa, Davide Gagliardi, Mía Farrow, Olga Calpajiu, Angelica Barbareschi, Danny Exnar, Emmanuelle Seigner, Suzana Borges, Ema Kovac, Marina Strakhova, Lukas Jakobski, Viktor Dobronravov, Alfredo Tavares, Ilia Volok, Naike Anna Silipo, Kamil Krejčí, Lara Pictet, Francis Chapman, Annick Christiaens, Jay Natelle, Vicent Leittersdorf, Amelie Hug y Stefania Seimur.

PRODUCTORA: Eliseo Cinema// RAI Cinema// CAB Productions// Lucky Bob// R.P. Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España. 

EL RAPTO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Francia y Alemania, El Rapto, está dirigida por Marco Mellocchio compartiendo guion con Susanna Nicchiarelli, Edoardo Albinati y Daniela Ceselli.

Nos encontramos en el barrio judío de Bolonia en el año 1858, en el hogar de la familia Mortara. Una familia humilde y numerosa cuyos progenitores son Salomone (Fausto Russo Alesi) y su esposa Marianna (Barbara Ronchi). Viven felices hasta que un día irrumpen en el hogar soldados del Papa Pío IX (Paolo Pierobon), reclamando a su sexto hijo, Edgardo Mortara (Enea Sala/Leonardo Maltese), pues afirman que siendo muy pequeño estuvo enfermo y la cuidadora que tenían, Anna Morisi (Aurora Camatti), lo bautizó, dejando de ser judío a ojos de la iglesia católica. El sacerdote Feletti (Fabrizio Gifuni) lo aparta de la familia para entregárselo al Papa. Los padres del pequeño hacen todo lo posible para alertar e informar sobre lo sucedido, provocando la indignación de los intelectuales europeos y no europeos, mientras el Papa Pío IX, se toma el asunto de manera muy personal.

El director y guionista, Marco Mellocchio, estudió en la Escuela de los Salesianos de Bobbio. Asistió al Centro Sperimentale di Cinematografia en 1959, en 1962 se convirtió en director bajo las órdenes de Andrea Camilleri y más tarde, se trasladó a Londres para seguir con sus estudios de cine en la Slade School of Fine Arts. Sus primeros trabajos fueron los cortometrajes “Abbasso il zio” y “La colpa e la pena” ambas en 1961 y en el largometraje con “Los puños en los bolsillos” 1965, “China está cerca” 1967, “En el nombre del padre” 1971, “Marcha triunfal” 1976, “Salto en el vacío” 1978, “Vacanze in Val Trebbia” 1979, “Los ojos, la boca” 1982, “Enrique IV”  1984, “El diablo en el cuerpo” 1986, “La visione del Sabba” 1988, “La condena” 1990, “Il sogno della farfalla” 1994, “El príncipe de Homburg” 1996, “La balia” 1998, “La sonrisa de mi madre” 2002, “Buenos días, noche” 2003, “Il regista di matrimoni”, “Sorelle” ambas en 2006, “Vincere” 2009, “Hermanas Mai” 2010, “Bella Addormentata” 2012, “Felices sueños” 2016, “El traidor” 2019, “Esterno notte” 2022 y este año llega “El Rapto” 2023. Además de los largometrajes mencionados, cuenta con un buen número de cortometrajes, documentales y series de televisión.

Estamos ante un filme de corte clásico en el que se nos narra la historia de esta familia judía, con la que Mellocchio logra, no solo captar la atención de espectador desde el inicio, sino que lo incomoda en la butaca, ante la crueldad de los hechos, exponiendo con naturalidad y credibilidad un tiempo pasado controlado por la iglesia católica, a la que nadie se atrevía a enfrentarse. El abuso de poder del clero desde los sacerdotes hasta culminar en el Papa, estaban por encima de cualquier orden social. Ellos imponían y disponían y los demás a bajar la cabeza e incluso a besar sus pies. Eran tiempos oscuros, dominados por el miedo y las supersticiones, aunque en la actualidad, vemos  casos que nos siguen escandalizando.

El Rapto cuenta con una excepcional y tenebrista fotografía de Francesco Di Giacomo que como postales entre las luces y las sombras, arropa a los personajes; a la vez que sentimos ese peso gravitatorio papal sobre algunos de ellos, como siempre, en los más vulnerables y que aun teniendo derecho a protestar, se desoían las súplicas. Cada estancia y cada espacio esta fotografiado con esmero y detalle, así como las entradas y salidas de los personajes de escena, creándose con ello las diferentes atmósferas que se apoyan en la dramática banda sonora compuesta por Fabio Massimo Capogrosso. 

Si bien la excepcional puesta en escena, recreando la época, brilla durante toda la narración; la cuidada dirección de Mellocchio analizada desde su prisma tan personal, la sociedad italiana en ese tiempo pasado y el escrupuloso guion que el director comparte con Susana Nicchiarelli, Daniela Ceselli y Edoardo Albinati, resultan perfectos; será sin duda el elenco actoral el que asume una parte importante del proyecto, complaciendo al espectador con la naturalidad y verdad que destilan en sus interpretaciones. Entre todos esos personajes, me voy a decantar, primero por el jovencísimo Enea Sala encarnando a Edgardo en su tierna infancia. Sus miradas, silencios y expresiones corporales, destrozan al más sereno, sin olvidar la fuerza que impone a cada frase que pronuncia. En el lado adulto subrayo a Barbara Ronchi dando vida a Marianna. Esa madre amantísima, esa mujer destrozada ante el robo de su hijo, en medio de las luchas internas y externas con las que tiene que lidiar y Paolo Pierobon, en la piel del Papa Pío IX. Un hombre cruel, inhumano, prepotente, falto de escrúpulos y de toda ética, que en el cuerpo de Pierobon, llegamos a aborrecer.

En definitiva, un drama que cala en el espectador y lo mantiene en tensión, mientras resulta casi imposible despegar la mirada de la pantalla. Una vez más, somos testigos de otra de esas atrocidades cometidas por la Iglesia Católica; en esta ocasión en el siglo XIX, pero que en la actualidad, desde algunas esferas, no se quedan atrás.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de enero.

REPARTO: Barbara Ronchi, Paolo Pierobon, Enea Sala, Leonardo Maltese, Fabrizio Gifuni, Fausto Russo Alesi, Filippo Timi, Rhea Perlman, Paolo Calabrasi,Corrado Invernizzi, Duilio Pizzocchi, Federica Fracassi, Fabrizio Contri, Walter Lippa, Bruno Cariello, Orfeo Orlando, Renato Sarti, Giustiniani Alpi, Alessandro Fiorucci, Nikolai Selikousky, Samuele Teneggi, Alessandro Bandini, Andrea Gherpelli, Daniele Aldrovandi, Marco Golinucci, Filippo Marchi, Samuel Teneggi y Aurora Camatti.

PRODUCTORA: Kavac Film// IBC Movie// Ad Vitam Production// Match Factory Productions// RAI Cinema// Emilia-Romagna Film Commission.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

NO TENGAS MIEDO (COBWEB): CRÍTICA DE CINE

No tengas miedo (Cobweb), está dirigida por Samuel Bodin con guion de Chris Thomas Devlin.

Peter (Woody Norman) es un niño de ocho años, tímido, poco hablador y que sufre bullying en el colegio. Le vemos realizar las tareas en su día a día: paseando, aburrido en clase y en el hogar, en donde aprende a tocar el piano con su madre, juega solo a la pelota o aseándose antes de irse a la cama. Una noche escucha extraños ruidos en una de las paredes de su habitación y se lo comenta a sus padres Mark (Antony Starr) y Carol (Lizy Caplan), quienes no le dan importancia.

La nueva profesora, la señorita Divine (Cleopatra Coleman) observa con atención un dibujo de Peter y tras no convencerle la respuesta que le da el joven, acude a la casa para hablar con los padres, estos insisten que su hijo tiene mucha imaginación. Un acontecimiento dramático en el colegio, determina que el pequeño no vuelva al colegio y que éste, comience a dudar de sus padres. ¿Qué esconden las paredes de la casa? ¿Existe algo oscuro que Mark y Carol ocultan? Las respuestas, tras ver la peli.

El guionista, actor y director, Samuel Bodin, estudió en el Conservatorio de Tours y en la Escuela de Arte Dramático de Cannes y Marsella (ERACM). A los 20 años fundó la Compañía Les Gueuriban. Debutó en 2008 con el videoclip “Gojira: Vacuity” y el corto “Folles d`Adam” al que le siguieron: “Batman: Ashes to Ashes” 2009 y “Nuyya” 2010, para saltar a la televisión con las series “Lazy Company” 2013,  “T.A.N.K.” 2018 y “Marianne” 2019. Este año debuta en el largometraje con “No tengas miedo (Cobweb) 2023.

Nos hallamos ante a una habitación en penumbras, un niño introvertido, unos extraños padres sobreprotectores y en un principio unos golpes que parecen surgir de una pared de dicha habitación, en el silencio de la noche; de esos que si los escuchamos cuando estamos dormidos y nos despertamos, saltan todas las alarmas en nuestro interior; pero la narración da  un paso más provocando que el niño, intrigado, imite dichos ruidos golpeando la pared y esta, le responda. La alerta inicial se transforma en misterio y el misterio, en tensión. Bajo este prisma el director Samuel Bodin y el guionista Chris Thomas Devlin, nos invitan a que nos adentremos en esa casa encantada cuyo protagonista principal es Peter, al que llegaremos a conocer en profundidad, no así a sus padres, pues nos quedamos con las ganas de saber más de ellos y con ciertas sospechas, que no se nos aclaran.

Con lo expuesto ya se tendría suficiente material para dar cuerpo a un filme de terror al uso, pero el guionista no se conforma y da una vuelta de tuerca, revistiendo al misterio de drama psicológico, por el cual desfilarán el acoso escolar, la sobreprotección, el maltrato infantil, lo desconocido, la soledad o el no escuchar o no querer escuchar a los más pequeños, cuando estos lo demandan; por poner algunos ejemplos. Temas en los que no se profundiza, como quizás le gustaría al espectador, pues simplemente se muestran para que comprendamos la personalidad y el comportamiento de los protagonistas. Bodin, en su ópera prima en el largometraje, consigue crear tensión y logra, en gran medida, la atmósfera que el filme requiere, exhibiendo la realidad y la ficción, entre lo que vemos en escena y lo que se supone o no, esconden las paredes.

Una premisa que de entrada convence, pero el problema surge cuando la dirección y los movimientos de cámara que nos habían atrapado sin remisión en una primera parte, comienzan a bascular y repetirse, como si el director dudara o le faltara atrevimiento, calando esa sensación en el espectador a quien saca de la tensión narrativa que se había generado hasta ese instante. Lo curioso y sin saber muy bien cómo lo consigue, nos vuelve a introducir  y sacar de la historia hasta que llegamos a un final que no sabe cerrar. No se puede ser tan perezoso, ante un filme que dura escasamente hora y media y el espectador teniendo que sufrir la indecisión que persigue a muchos directores que saltan de corto al largo. Si te atreves a dar el salto, tienes que prever cómo caer. Aun así, confiaremos en su próximo trabajo.  

Cobweb es una película sencilla, rodada prácticamente en el interior de la casa y sustentada por interpretaciones interesantes, entre las cuales y sin dudar, el joven Woody Norman, encarnando a Peter, se convierte en la absoluta estrella de esta singular pesadilla, acompañado por un trío cuyos personajes navegan entre la oscuridad, Antony Starr como Mark y Lizy Caplan como Carol y la luz que proyecta Cleopatra Coleman, como la profesora sustituta Divine.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de agosto.

REPARTO: Antony Starr, Lizzy Caplan, Cleopatra Coleman, Woody Norman, Luke Busey, Steffanie Sampson,  James Robinson, Jay Rincon, Anton Kottas, Ellen Dubin y Jesse Sarah Vilinsky.

PRODUCTORA: Lionsgate// Vertigo Entertainment// Point Grey Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine. 

CLOSE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Bélgica, Francia y Holanda, CLOSE, está dirigida por Lukas Dhont compartiendo guion con Angelo Tijssens.

Léo (Eden Dambrine) posee una mente despierta que aprovecha para contar historias  y crear situaciones con las que divertirse junto a su gran amigo  Rémi (Gustav de Waele), quien toca el Oboe y es miembro de una pequeña orquesta. Ambos disfrutan de cada instante durante sus vacaciones de verano. Léo tiene como costumbre quedarse a dormir en casa de Rémi. Todo resulta natural entre los dos, hasta que comienzan las clases de 2º de Primaria y una niña, en un momento determinado, le pregunta a Léo si él y Rémi son pareja. Sorprendido le responde que no, que son amigos, como hermanos, como lo puede ser ella con su mejor amiga; pero la pregunta se queda grabada a fuego en la mente de Léo y poco a poco se va cerrando en sí mismo. Comienza a ocupar sus horas libres en deportes como el Hockey sobre hielo, a rodearse de nuevas amistades, aunque su mente esté ocupada en otros asuntos, mientras en el cambio, decide alejarse de Rémi.  Y una vez más, hasta aquí puedo escribir y recomendaros, que no os perdáis esta maravillosa película.

El guionista y director, Lukas Dhont, se licenció en la Real Academia de Bellas Artes  en la rama de Audiovisuales por el conservatorio Kask. Se inició con los cortometrajes “Corps perdu”  y el corto documental “Huid von Glas” ambas en 2012, el también corto “L`Infini” 2014 hasta llegar al debut con el largometraje “Girl” 2018, continuando con el corto “Our Nature” 2021 y llegando a este 2022 con “Close”

Demoledor drama exponiendo un tema y una realidad tan quebradiza como la amistad golpeada por el acoso en la vida de dos preadolescentes, conscientes del mundo en el que viven. Un filme directo al alma del espectador, en una narración delicada que golpea a puño cerrado las mentes enfermas, despejando dudas y avergonzando a quien habla por hablar, causando con ello tanto sufrimiento. Aclarando conceptos a quien tiende a confundir, para demostrar que al amor no se le puede encarcelar ni privar de su existencia y mucho menos, cuando a la verdadera amistad, a la amistad más pura y tierna, se la confunde con aquello que algunos llaman depravación. El amor es universal, como tantas veces me habréis escuchado y no conoce de género, salvo quienes lo utilizan para dividir a la sociedad.

Close es un filme que nace para concienciar mentes confusas y mezquinas,  liberar las almas oprimidas y templar los corazones afligidos. Posiblemente pocas veces las lágrimas correrán por las mejillas del espectador de manera tan espontánea, ante lo expuesto en cada plano y escena, pues la historia se presenta con una realidad pasmosa, una sencillez asombrosa y una verdad que duele y quiebra nuestro ser.

Claudicamos ante las magníficas interpretaciones que con gran sensibilidad dirige Lukas Dhont, destacando a su actor principal Edén Dambrine en una interpretación contenida entre sus estremecedoras expresiones corporales. No precisa de palabras para saber lo que piensa y cuando conocemos sus pensamientos…Hay tanto dolor, resentimiento, culpa, deseos, sueños rotos, vacío, amargura, soledad y oscuridad, que su pre adolescencia muta a una madurez temprana, en un tiempo que le devora y se vuelve irrespirable, sabiendo que más pronto que tarde deberá enfrentarse a su secreto más inconfesable. Atrás quedaron las risas, los juegos inocentes en retos amistosos, la naturaleza que les arropaba mientras se desplazaban en sus bicicletas, los campos de flores que cultiva la familia de Léo y la complicidad. He destacado a Edén porque indudablemente lleva todo el peso de la narración, pero junto a él, su compañero Gustav De Wale, en el papel de Rémi, despierta vulnerabilidad y credibilidad a partes iguales.

Lukas Dhont da de lleno en la diana con una obra redonda y que espero sea vista por un público mayoritario, pues películas como estas son muy necesarias para despertar conciencias y acallar muchas bocas venenosas y amargadas. Recordad que una crítica puede hacer mucho, pero que es el boca a boca del espectador, el que revienta las taquillas. Yo he puesto mi granito de arena, entre las lágrimas derramadas en la sala, y ahora está en vuestras manos, convertirlo en una montaña. Finalizo destacando la bucólica y luminosa fotografía de Frank van den Eeden y la deliciosa banda sonora de Valentin Hadjadj.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de noviembre.

REPARTO: Eden Dambrine, Gustav De Waele, Émilie Dequenne, Léa Drucker, Igor van Dessel, Kevin Janssens y Marc Weiss.

PRODUCTORA: Menuet Producties// Diaphana Distribution/ Topkapi Films// Versus Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

¿DÓNDE ESTÁ ANNE FRANK?: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Bélgica, Francia, Países Bajos (Holanda) y Luxemburgo, ¿Dónde está Anne Frank?, está dirigida por Ari Folman, basándose en las memorias de Ana Frank.

Han transcurrido 75 años desde que Anne Frank escribiera su diario en Ámsterdam y en la calle donde se encuentra su museo, se puede ver una larga cola de gente esperando a que abran las puertas. En su interior, en una urna, reposa un libro con una pluma. La urna se rompe y de la pluma cae una gota de tinta dando vida a Kitty, la amiga imaginaria a la que Anne Frank escribía cartas en su famoso diario. Kitty no es consciente de que ha pasado el tiempo y busca a Anne, hasta que se da cuenta y piensa, que si ella está viva, por qué no lo va a estar Anne.

El compositor, actor, productor, guionista y director, Ari Folman, estudió en la Universidad de Tel Aviv y en la Hebrew Reali School. Además de interpretar, producir y escribir diferentes obras, debutará en la dirección con el cortometraje “Saint Clara” 1996, continuando con “Made in Israel” 2001, el documental “Vals con Bashir” 2008, la película de animación “El congreso” 2013 y este año nos llega otro filme animado “¿Dónde está Anne Frank? 2021

Con una animación de trazo sencillo, colores pastel e interesantes detalles plasmados entre los instantes más gratos y los dramáticos, ¿Dónde está Anne Frank?, no solo narrará parte de la historia que Ana escribiera en su diario, sino también el presente en el que vivimos. De cómo su historia ha influido en las diversas generaciones o de los dramas que en la actualidad la sociedad está padeciendo, como pueden ser la migración y los refugiados. Escucharemos frases que nos invitarán a la reflexión: “Ana no escribió este diario para que la idolatraseis… Lo importante es hacer cuanto esté en tu mano para evitar que una sola persona llegue a sufrir. Una sola alma” O el ver como se representa en imágenes animadas a  los nazis en sus paseos y desfiles.

Anne Frank, cuyo nombre completo era Annelies Marie Frank, nació en Fráncfort del Meno el 12 de junio de 1929 y murió en Bergen-Belsen entre febrero o marzo de 1945. De nacionalidad alemana con ascendente judía fue mundialmente conocida por el Diario de Ana Frank. Un diario en el que dejó constancia de los casi dos años y medio que pasó ocultándose junto a su familia y cuatro personas más de los nazis en Ámsterdam, durante la Segunda Guerra Mundial. Tras ser descubiertos por los nazis, fueron enviados a diversos campos de concentración. Ana pasó por dos de esos campos, primero Auschwitz y posteriormente en Bergen-Belsen, donde murió de tifus. El diario fue publicado por su padre Otto Frank en 1947 bajo el título de “La casa de atrás”. El escondite en el cual vivieron, fue preparado por Otto, quien falleció en 1980, en la parte trasera de la empresa, como le había sugerido uno de sus colaboradores. En su diario Anne escribía sobre los hechos que estaban ocurriendo, además de sus sentimientos, creencias, ambiciones y cómo definía ella la naturaleza humana. El diario fue publicado, tras el artículo que sobre el libro escribió Jan Romein, en el periódico Het Parool, en los Países Bajos en 1947 por el editor Contact, de Ámsterdam. En el año 1955 se tradujo y publicó en español con la Editorial Garbo, Barcelona. Esta obra fue llevada al teatro en 1955, al cine en 1959 y al musical en 2008 en Madrid, bajo el título “El Diario de Ana Frank- Un Canto a la vida”. En 2001, se incluyeron al diario cinco páginas que Otto había eliminado del mismo, porque en ellas criticaba la relación matrimonial de sus padres. Ahora nos llega este nuevo filme desde la visión de su amiga imaginaria Kitty, quien hará de guía por los lugares en donde Ana estudió, vivió y se relacionó con sus vecinos y amigos, antes de que se escondieran. Veremos la estatua dedicada a la joven, conoceremos la Fundación de Ana Frank, la casa en la que vivió y el museo que lleva su nombre.

Un filme delicado en el que se homenajea a la joven y su legado, que siempre estará presente gracias a los numerosos lugares que la recuerdan. Edificios importantes como su museo, el hospital, teatros o la casa en la que vivió, además de las innumerables estatuas y calles dedicadas en su memoria, incluyendo un puente, a lo largo del planeta. El filme mostrará de forma amena instantes de la vida de Ana, desde su cumpleaños en el que recibió el diario como regalo, las conversaciones con sus padres, los encuentros con sus compañeros o el tener que abandonar el hogar para ocultarse en el refugio que preparó su padre; pero será el presente en el que más hincapié se hace, con los problemas que asolan a nuestra sociedad, principalmente con la migración de familias que huyen de las guerras que se han originado en sus países de procedencia o buscando un lugar en el que sobrevivir, ante la falta de lo esencial. El holocausto fue el mayor horror que vivieron millones de personas, pero parece que el ser humano no ha aprendido la lección, pues siguen surgiendo holocaustos a los que desgraciadamente nos estamos acostumbrando a ver en nuestro día a día, como algo natural, cuando no lo es. NO, no es natural ver sufrir a la gente. NO, no es natural ver morir de hambre a una parte de la humanidad. NO, no es natural que abandonen sus casas por el horror de la guerra. NO, no es natural… ¿Dónde quedan los Derechos Humanos?

El filme grita en silencio en un clamor por la libertad, por la vida, al desprecio por cualquier régimen totalitario y a las guerras; buscando la fraternidad entre los pueblos y las familias. Ese camino que emprende Kitty la irá llevando a conocer a niños pobres y refugiados, muchos de ellos escondidos junto a sus familias y seres queridos,  pues se enfrentan a la deportación, con el temor de regresar al lugar del que en su día huyeron en un éxodo doloroso porque les habían arrebatado cuanto tenían, salvo la vida, que ahora vuelve a peligrar.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA:  29 de abril

PRODUCTORA: Samsa Film// Walking The Dog// Bridgit Folman Film Gang// Submarine// Highly Spirited// Le Pacte// Magellan Films// Purple Whale Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España. 

LAMB: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Islandia, Suecia y Polonia, LAMB, está dirigida por Valdimar Jóhannsson compartiendo guion con Sjón Sigurdsson.

En una granja aislada, en medio de la naturaleza y rodeada de montañas, vive una pareja de granjeros. María (Noomi Rapace) y su marido Ingvar (Hilmir Snær Guðnason), dedicados en cuerpo y alma a sus ovejas, que están en época de parto. Mientras asisten a uno de los nacimientos, la pareja se ve sorprendida, pues el recién nacido posee cuerpo humano y cabeza de cordero. Deciden criarlo como si fuera su propia hija, llamándola Ada. Un día les visita el hermano de Ingvar, Pétur (Björn Hlynur Haraldsson), quien considera a Ada un engendro e intenta matarla, pero en el último momento se arrepiente, no así María, que ante la insistencia de la oveja, madre de la pequeña, balando todo el día frente a la ventana, la mata de dos tiros. La niña cambia a la pareja, devolviéndoles la alegría, pero…

Valdimar Jóhannsson, estudió en la Film Factory de la escuela de cine de Bela Tarr, en donde tuvo la oportunidad de visionar un gran número de películas, además de  asistir a todas las conferencias que organizaban. Entre los oradores se encontró con  Carlos Reygadas y Tilda Swinton. Su profesor Bela Tarr, ha sido el productor ejecutivo de su ópera prima en el largometraje, “Lamb”.  Entre sus trabajos anteriores se encuentran el ser director de fotografía de “Punk in Iceland” 2004 de Þorkell S. Harðrson y Örn Marinó Arnarson, electricista en la serie “Juegos de Tronos”, asiste de cámara en varias producciones y especialista en efectos especiales en otras tantas. También dirigió el cortometraje “Harmsaga” 2008.

La productora A24, nos viene sorprendiendo año tras año, con filmes de terror, sobrenaturales o cuyo contenido, encierra cierto misterio; siempre abordados desde perspectivas muy diferentes, a lo puramente convencional e incluso algunos, absolutamente desconcertantes. Así nos podemos encontrar con  títulos recientes como “A Ghost Story” 2017 de David Lowery,  “Hereditary” 2018 y “Midsommar” 2019 ambas de Ari Asater,  “Lo que esconde Silver Lake” 2018 de David Robert Mitchell o “Saint Maud” 2019 de Rose Glass. Ahora le toca a “Lamb”, un filme intimista, una fábula de corderos que nos habla de la maternidad, la soledad, el aislamiento y el deseo de aferrarse a alguien o algo tras una dolorosa pérdida, que aliente a los personajes a seguir luchando, y por otro lado, surgiendo los incuestionables dilemas éticos y morales, metáforas e incluso la iconografía cristiana, que en este filme están muy presentes, desde ese inició en el que nos invitan a la oración nocturna a través de las ondas de radio, pasando por los corderos, el nombre de la propia protagonista y el nacimiento de ese ser, entre humano y cordero, claro simbolismo de lo terrenal y lo espiritual o lo natural, por poner algunos ejemplos. 

Y digo natural, porque la naturaleza, una vez más, como sucediera en la mencionada, Midsommar, tendrá un gran protagonismo, aunque vista desde planos diferentes. En esta ocasión asistiremos a esa crítica en clave de cuento, hacia la apropiación indebida y devastación que el hombre está ejerciendo sobre la naturaleza, desde el mismo día en que pisó el planeta, considerando que todo le pertenece y de todo se puede adueñar, pues la madre naturaleza tan viva y presente, aparentemente no se queja y no se puede defender, ante el maltrato que recibe. Craso error, pues en el día a día ya lo estamos padeciendo, sirva como ejemplo, el cambio climático. En esta ocasión, su respuesta, ante los ataques, será muy diferente e inesperada.

Un filme con tantas lecturas que estoy convencido que si escuchamos la opinión de varios espectadores tras la proyección, cada uno tendrá un punto de vista dispar y muy seguramente, todos sean válidos, pues hasta el propio director, Jóhannsson, contestando a una pregunta  que le realizó Inverso, sobre determinados momentos del filme, contestó “Creo que no es interesante saber lo que pienso al respecto” y quizás sea una de las respuestas a tener en cuenta; pues en mi modesta opinión, cada uno debe de sacar su propia conclusión. Llegando a este punto, lo que sí puedo afirmar, como ocurre con otros  filmes de la misma productora, que nada o poco tiene que ver lo que aparentemente se muestra en pantalla, con respecto a la realidad que esconde, en ocasiones, dura, oscura y realista.

Una película minimalista que no precisa de alardes visuales, ni grande diálogos, para sorprender al espectador, pues la propia naturaleza que rodea a la casa, se encarga de ello; mostrándonos el mejor de los decorados compuesto por las majestuosas e imperecederas montañas, las grandes llanuras con el mejor de los pastos y el espectacular lago, respirando y dando paso a cada una de las estaciones y hasta las nieblas, que provocan imágenes inexistentes o esconden lo no deseado; todo ello retratado con gran delicadeza en la fotografía de Eli Arenson, sin olvidarnos de los sonidos que nos ofrece la creación, ninguno igual, aunque lo parezca. Esa banda sonora de la vida, que de forma sutil, Þórarinn Guðnason, acompaña con su partitura personal. 

Para finalizar, comentaros que uno de los instantes que me resultó más  revelador, fue cuando Ada descubre que no es totalmente humana, como ella piensa, sino que es parte oveja, cuestionándose en sus silencios, quién es y cuál es su verdadera identidad. Destacar la cuidada dirección y las interpretaciones de sus dos protagonistas, principalmente Noomi Rapace, como madre que no es capaz de olvidar, la pérdida de su hija. Lamb en filme que te va atrapando, en su extraña atmósfera.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Noviembre

REPARTO: Noomi Rapace, Björn Hlynur Haraldsson, Hilmir Snær Guðnason, Ingvar Eggert Sigurðsson y Ester Bibi.

PRODUCTORA: A24// Black Spark Film & TV// Film I Väst// Go to Sheep// Madants.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

UN SEGUNDO: CRÍTICA DE CINE

Un Segundo, está dirigida por Zhang Yimou compartiendo guion con Jingzhi Zou. “Proyectar película aquí, no es tarea fácil”

Vemos avanzar a un fugitivo (Yi Zhang), entre las dunas de un desierto. Llega a un poblado, cuyos habitantes salen de ver una película. Los encargados de transportarla a otro pueblo, guardan las cajas con las bobinas en las alforjas de una moto, y se van a tomar algo al bar.  El fugitivo conversa con el encargado del cine y éste le comenta que la película se proyectará en el siguiente pueblo. Desesperado aguarda a que nadie le vea para intentar robar el rollo de película donde sale su hija, pero una joven desarrapada se le adelanta, la huérfana Liu Guinu (Haocun Liu), quien extrae dicho rollo de las alforjas y sale corriendo. El fugitivo la persigue y ambos vivirán una extraña Road Movie, llena de momentos surrealistas, hasta llegar al siguiente pueblo, en el que la película será proyectada y en el cual ambos, conocerán a Don películas (Fan Wei), el encargado del cine. Pero esto solo es el principio.

Zhang Yimou, estudió en el Instituto de Cine de Pekín, pasando a formar parte de la llamada Quinta Generación, al ser la quinta que se licenció en dicho instituto. Su ópera prima llegó con “Sorgo rojo” 1988, para continuar con “Code Name: Cugar” 1989, “Ju Dou: Semilla de crisantemo” 1990, “La linterna roja” 1991, “Qiu Ju, una mujer china” 1993, “¡Vivir!” 1994, el documental “Lumière y compañía” y “La joya de Shanghai” 1995, “Keep Cool (Mantén la calma) 1997, “Ni uno menos” y “El camino a casa” 1999, “Happy Times” 2000, “Hero” 2002, “La casa de las dagas voladoras” 2004, “La búsqueda (Un largo y doloroso camino)” 2005, “La maldición de la flor dorada” 2006, “A cada uno su cine” 2007, “Una mujer, una pistola y una tienda de fideos chinos” 2009, “Amor bajo el espino blanco” 2010, “Las flores de la guerra” 2011, “Regreso a casa” 2014, “Lady of the Dynasty” 2015, “La gran muralla” 2016, “Sombra” 2018 y “Un segundo” 2020. A lo largo de su carrera, ha obtenido los más importantes premios internacionales.

Yimou no solo brinda un homenaje al cine, recreando las aventuras y desventuras de un rollo de película y sus dos personajes principales, que viajan de un pueblo a otro, a través de parajes inhóspitos; sino que nos trae el recuerdo de obras indiscutibles como son “El chico” 1921 de Charles Chaplin o “Cinema Paradiso”1984 de Giuseppe Tornatore, entre otros guiños cinematográficos y para los españoles que ya tenemos una edad, la memoria del famoso NODO, que se proyectaba antes de las películas y cuyo propósito no era otro que ensalzar al régimen franquista; en esta ocasión, a la dictadura comunista china. Su título, un segundo, hace referencia a lo que dura en pantalla la imagen de la hija del protagonista, único motivo por el que desea ver el noticiario, no dudando en escaparse de la cárcel para verla en la pantalla de un cine. Una comedia con tintes dramáticos, no exentos de crítica política y social,  motivo por el que la película, sufrió retraso en su estreno.

El filme seduce al espectador ante su naturalidad, sencillez y ese humor blanco y hasta nostálgico, pues ya es muy difícil, por no decir imposible, de disfrutarlo en la gran pantalla. Un humor envuelto en sentimientos y emociones que se filtrarán a lo largo del metraje, hasta calar en el espectador. Disfrutaremos de momentos impagables como la persecución entre el fugitivo y la huérfana, ante el deseo de poseer el rollo de película, por motivos diferentes. La gran fiesta que monta el pueblo, en torno a la proyección y por supuesto, la ceremonia que implicaba proyectar una película; partiendo de los ya desaparecidos rollos de celuloide transportados en cajas de metal, para continuar con el montaje de los mismos, en las empalmadoras, evitando así la espera entre los cambios de bobinas, cuando solo se contaba con un proyector, o el ritual de pasar la banda de celuloide por los diferentes espacios, hasta engancharla a la segunda bobina. En “Un Segundo” además, seremos testigos de cómo limpian la suciedad de los fotogramas, con agua destilada y secarlos con el aire de los abanicos. Todo un espectáculo visual, maravillosamente fotografiado por Zhao Xiaoding a quien acompaña la deliciosa banda sonora de Lao Zai. Inolvidable la escena casi al final, en la cabina de proyecciones, ante el montaje que realiza Don Películas.

Resumiendo, “Un Segundo” es un filme entretenido y emocionante a partes iguales, con un excelente ritmo y montaje, una dirección correctísima y unas extraordinarias interpretaciones, a cargo del trío protagonista Yi Zhang, Haocun Liu y Fan Wei

 “El cine nos enseña a ser mejores”

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Octubre.

REPARTO: Yi Zhang, Haocun Liu y Fan Wei

PRODUCTORA: Huanxi Media Group

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

WORTH: CRÍTICA DE CINE

WORTH, está dirigida por Sara Colangelo, compartiendo guion con Max Borenstein. ¿Cuánto vale la vida de una persona?

Entre el testimonio de una madre afligida por la pérdida de su hijo pequeño, que murió en medio de uno de los incendios que se provocaron en las torres y la clase que imparte Kenneth Feinberg (Michael Keaton), a sus alumnos de derecho, sobre el valor que tiene la vida de una persona; Colangelo, nos prepara para su nuevo filme, conociendo la figura de Kenneth Feinberg, un afamado abogado de Washington D.C. que se ofrece para supervisar los fondos destinados por la tragedia del 11 de Septiembre de 2001y a su opositor más directo, Charles Wolf (Stanley Tucci)

La actriz, guionista, productora y directora, Sara Colangelo, se licenció en Historia en la Universidad de Brown en 2001 y seguidamente realizó una maestría en Cine en la Tisch School of the Arts de Nueva York. En la dirección debutó con el cortometraje documental “Halal Vivero” 2006, continuando con los cortos “Un attimo di respiro” 2007 y “Little Accidents” 2010. En 2014 adaptó su cortometraje “Little Accidents” al largometraje al que han seguido “La profesora de parvulario 2018 y el pasado año “Worth” 2020.

Worth es una película dura, realista y sincera, que aborda un tema escabroso, ante preguntas que nos hemos hecho en incontables ocasiones. ¿Qué somos realmente los ciudadanos para los gobernantes? Ni más ni menos que aquello que nos hemos contestado: Un número, cuyo valor dependerá principalmente de nuestro estatus social. Números disfrazados con nombres, para que no parezcan tan fríos. Un valor numérico que comienza, aunque en la película no se diga, desde el mismo instante en que se nos “ficha” legalmente, como individuos, para identificarnos (DNI) y a partir de ese instante, todo son números, y aunque muchos ya lo sabemos, llega esta película para dejarlo aun más claro, con un ejemplo doloroso, que sucedió en ese país que presume, de igualdad y libertad, como es Estados Unidos. Un país cuyo gobierno, ante el terrible luto por el que estaban pasando sus ciudadanos, tras el trágico atentado, intenta cubrir las espaldas a las compañías aéreas, evitando que sean demandadas; creando una fórmula con la que indemnizar a las familias que habían perdido a seres queridos y a la vez, impedir que el país se vea envuelto en una crisis. Establece para ello “El Fondo Compensatorio para las Víctimas del 11 de Septiembre”. Al frente de dicho organismo, estuvo Kenneth Feinberg, rodeado de un importante equipo de abogados, entre los que bien pudieron encontrarse  Camille Biros (Amy Ryan) y Priya Khundi (Shunori Ramanathan), aunque ambas sean personajes ficcionados. 

Presenciaremos los testimonios de numerosas víctimas de aquel atentado, familiares directos, otros no tanto o quienes lograron sobrevivir, escapando de las explosiones y las llamas. Revelaciones que resultan impactantes, como el escuchar a una mujer decir “Ya no creo en Dios y ya no creo en este país, porque no nos han protegido”. La película contiene una crítica socio-política importante y os pondré algunos ejemplos: El primero que resulta chocante y provoca un gran revuelo entre los afectados, es que  la fórmula inicial que idearon, discriminaba a los indemnizados según la edad y estatus social. El segundo, al contemplar como la comunidad latina se conformaba con lo que les ofrecían, pues para ellos era una importante suma de dinero, mientras abogados buitres y hambrientos de dinero, buscaban que las compensaciones más altas, las de sus importantes clientes, lo fueran aún más y tercero, para no desvelar mucho, el ver como un gay que había perdido a su pareja, no podría percibir ninguna ayuda o el descubrir como un padre ejemplar, no lo era tanto. Colangelo nos muestra las dos caras de la moneda y más, durante el pulso que mantienen el frío y calculador Kenneth Feinberg frente al solidario Charles Wolf, interpretados de forma excepcional por Michael Keaton y Stanley Tucci, respectivamente. 

Son demasiadas las ocasiones en las que nos hemos cuestionado, como escuchamos durante la narración, ¿Cuánto vale la vida de una persona?. Es alrededor de esta pregunta, sobre la que gira todo el filme, que desgraciadamente no llega a ser contestada, como tampoco ver resueltas algunas  incógnitas que van surgiendo en las subtramas, entre los diferentes personajes, a cada cual más interesante; pues en realidad se precisarían más de las dos horas de metraje, que dura el filme. Colangelo, además de traernos una dura realidad a la gran pantalla, ha buscado que el filme sea entretenido, dinámico y emotivo, lográndolo con nota. Ha dirigido con firmeza un drama que el espectador disfruta de principio a fin, por cuanto se ve y  se escucha. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 10 de Septiembre.

REPARTO: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Laura Benanti, Talia Balsam, Chris Tardio, E.R. Victor Slezak, Zuzanna Szadkowski, Wass Stevens, Steve Vinovich y Anthoula Katsimatides.

PRODUCTORA: MadRiver Pictures// Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

LA INCREÍBLE HISTORIA DE DAVID COPPERFIELD: CRÍTICA DE CINE

 

La increíble historia de David Copperfield está dirigida por Armando Iannucci compartiendo guion con Simon Blackwell.

El escenario de un teatro recibe la presencia de David Copperfield (Dev Patel) bajo el sonoro aplauso de todos los asistentes. Sentándose comunica que va a escribir una nueva historia basándose en su vida y para ello, como él mismo comenta, nada mejor que remontarse al día de su nacimiento, que veremos entre los gritos de su madre, la histeria por no saber qué hacer de la criada/comadrona Peggotty (Daisy May Cooper) y de otros personajes que van llegando a la casa y a partir de ahí, seremos testigos de como su padrastro lo abandona, trabajará en una empresa de envases de vidrio, de la cual se marcha, arrojándolo todo a su paso, tras ser informado que su madre ha muerto, la han enterrado y él, último en enterarse. Es en ese momento cuando nuestro personaje comienza su aventura.

Al hablar de David Copperfield hay que diferenciar entre el David ilusionista, del que todos hemos visto trucos increíbles a través de los años del Copperfield escrito por el gran Charles Dickens, a quien se dedica esta película. Es la octava novela que escribió Dickens y como sucedía en aquellos tiempos, se publicó por entregas mensuales hasta llegar al formato libro en 1850. Una obra en gran parte autobiográfica y como dejó escrito en un prólogo el propio autor “De todos mis libros, éste es el que más me gusta”… “Como muchos padres, tengo un hijo preferido, un hijo que es mi debilidad, este hijo se llama David Copperfield” Una novela que se ha llevado al teatro, a la televisión y a la gran pantalla, destacando: “David Copperfield” 1935 de George Cukor, el telefilme “David Copperfield 1969 de Delbert Mann, el telefilme de animación “David Copperfield” 1993 de Don Arioli, el telefilme “David Copperfield” 1999 de Simon Curtis  y el telefilme “David Copperfield” 2000 de Peter Medak.

El director y guionista Armando Iannucci, se graduó en Literatura inglesa por la Universidad de Oxford, ha trabajado en programas de radio humorísticos en la BBC Radio 4 y comenzó en televisión con series como: “Knowing Me, Knowing You with Alan Partridge” y “The Day Today” ambas en 1994, en 1997 participó en “I´m Alan Partridge” continuando con otras como “The Armando Iannucci Shows” 2001, “The Tnick of it” 2005, “Time Trumpet” 2006 y “Veep” 2012. Su primer trabajo para el cine llegó con “Tube Tales” 1999 compuesto por 9 cortometrajes dirigidos por diferentes realizadores. Ya en solitario si primer largo sería “In the Loop” 2009 al que han seguido “La muerte de Stalin” 2017 con la que obtuvo diversos premios internacionales y este año llega “La increíble historia de David Copperfield”

Si alguien está esperando una nueva versión clásica del personaje de Charles Dickens “David Copperfield”, esta no es la película, pues si bien  los decorados, el vestuario, la puesta en escena e incluso la fotografía, nos acercarían al clásico, Armando Iannucci, como se esperaba de él, da su propia versión. Una versión más alocada, atrevida y desconcertante; por momentos brillante y en otros, asfixiante, rodeándose de un magnífico reparto actoral. Vuelve a la carga con sus interminables diálogos muy teatralizados, entre espacios por los que constantemente están entrando y saliendo personajes de escena. Sin duda el exceso es la mejor manera de definir a  la película y por supuesto a su director; también es cierto, que la obra de Dickens es complicada de adaptar al cine, pero no imposible, como ya demostró el gran maestro George Cukor. En esta ocasión, además, el drama de la novela queda solapado por las constantes pinceladas de humor, en ocasiones burlesco y en otras, crítico; a través del guion que Iannucci comparte con Simon Blackwell.

Entre las muchas rarezas que presenta la película, nos encontramos con la diversidad racial de la que se rodea, confundiendo totalmente al espectador pues es testigo, de entrada, que de la relación entre un hombre blanco y una mujer blanca nazca un niño moreno de pelo rizado, que es nuestro protagonista, Copperfiel, quien con los años será interpretado por Dev Patel, el cual aun siendo británico, es desciende e inmigrante de indios; pero no será el único, pues los personajes más importantes y la gran mayoría de los secundarios, estarán representados por una gran variedad étnica, habitando ciudades y  campiñas británicas, eso sí, siempre soleadas. Se ve que a los creadores de la historia  y al propio director, les molestaba el mal tiempo, sello de identidad de la isla.

A tener en cuenta, la banda sonora a cargo de Christopher Wills que fluye como una protagonista más, siguiendo los avatares de cada uno de los personajes y acompañando a la fotografía que Zac Nicholson  nos brinda. Una obra, muy teatralizada, pero con un ritmo frenético, excesivamente frenético, que no da tregua para respirar.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 1 de Enero en Movistar+

REPARTO: Dev Patel, Tilda Swinton, Hugh Laurie, Peter Capaldi, Morfydd Clark, Ben Whishaw, Benedict Wong, Darren Boyd, Gwendoline Christie, Paul Whitehouse, Aneurin Barnard, Daisy May Cooper, Nikki Amuka-Bird, Jairaj Varsani, Nigel Betts, Fisaya Akinade, Aimee Kelly, Anthony Welsh y Rosalind Eleazar.

PRODUCTORA: Filmnation Entertainment// Searchlight  Pictures// Film 45

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

NUESTROS MEJORES AÑOS: CRÍTICA DE CINE

NUESTROS MEJORES AÑOS está dirigida por Gabriele Muccino compartiendo guion con Paolo Costella. “Por lo que nos hace sentir”

Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo (Kim Rossi Stuart) y Riccardo (Claudio Santamaria) son cuatro amigos, que desde muy jóvenes, disfrutaban de sus salidas juntos y que a través de los años, seguirán en contacto, acudiendo a los actos más importantes que los cuatros experimentarán, desde el final de los estudios, la graduación de algunos de ellos, las bodas, etcétera.

Una historia que abarca cuatro décadas, desde los 80 del siglo pasado hasta la actualidad, pasando de la adolescencia a la edad adulta, con todo lo que eso representa. Crear familias, abrirse camino en las profesiones elegidas, los sueños, los éxitos y fracasos, las separaciones, los tiempos felices, el amor y la amistad y hasta los pesares por lo que se va perdiendo por el camino. Historias cotidianas repletas de emociones y anécdotas, no exentas de sorpresas y no todas agradables.

Gabriele Muccino, comenzó estudiando Filología Italiana en la Universidad La Sapienza, pero pronto se dio cuenta que aquello no era lo que buscaba como profesión y se inclinó por inscribirse en el Centro Spreimentale Cinematográfico. Tras graduarse, por una parte trabajó como ayudante de dirección y por la otra, dirigiendo sus primeros cortometrajes y proyectos televisivos para la RAI. Continuó su formación como guionista en el Centro Sprimentale de Cinecittá y dirigiría su ópera prima en 1998 con “Ecco fatto” continuando con “Ahora o nunca” 1999, “El último beso” 2001, “Ricordati di me” 2003, “En busca de la felicidad” 2006, “Siete almas” 2008, “Baciami ancora” 2010, “Un buen partido” 2012, “De padres a hijas” 2015, L´estate addosso” 2016 y “A casa tutti bene” 2018. Entre los cortometrajes encontramos: “Heartango” 2007, “Timeless” 2010 y “She Was Here” 2012. Este año llega a nuestras pantallas con “Nuestros mejores años.

Una narración que incluye los acontecimientos importantes sucedidos en esas décadas, como la caída del muro de Berlín el 9 de Noviembre de 1989, el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de Septiembre de 2001 o los cambios políticos en Italia en 1992 con el proceso judicial conocido como Mani Pulite (Manos Limpias) contra la corrupción política; por poner algunos ejemplos, integrados de forma sutil e ingeniosa, entre las vivencias de estos cuatro personajes, que tienen mucho que decir y vivir. Vivir, disfrutar y decir a través de un  guion muy bien escrito,  navegando entre el drama y la comedia, equilibrando los tiempos de intervención de los personajes y así conocer sus personalidades, sus puntos fuertes y aquellos que les hacen más vulnerables, pero ante todo, fuertemente unidos por los lazos de la amistad y en algunos casos, del amor.

Resulta interesante escuchar las conversaciones que mantienen, a través de  las diferentes épocas, como la que celebran en un momento determinado ya de adultos, alrededor de una mesa, entre copas de vino. Una conversación en la que reflexionan como la vida se repite generación a generación y que aquello que antes se veía como natural, cuando se era joven, al paso de los años, se critica en los nuevos jóvenes, cuando se es adulto. La misma retahíla que los padres repiten una y otra vez a los hijos, incluyendo la clásica frase de “Aquellos eran otros tiempos, no se puede comparar”, y es que la vida es muy sencilla, sino la complicamos y que las experiencias y la madurez, nos hacen más cautos que cuando nuestras mentes gozaban de libertad y estaban exentas de la contaminación social y política. La inocencia frente a las responsabilidades y en ocasiones, las responsabilidades, como freno a la libertad de acción.

Gabriele Muccino no solo dirige con mano firme y ladina una historia que mantiene al espectador expectante ante los acontecimientos narrados, sino que borda la dirección actoral con estos cuatro magníficos actores, quienes penetran por cada poro de los personajes, hasta hacerlos propios, por lo que felicito a todos por igual; así como extiendo mi felicitación al montaje de Claudio Di Mauro, la extraordinaria banda sonora, propia en la batuta de Nicola Piovani y la selección de otros temas musicales y por descontado, a la fotografía de Eloi Molí. Dos horas y cuarto de metraje de buen cine, para ser disfrutado.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Diciembre

REPARTO: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaria, Francesco Centorame, Andrea Pittorino, Nicoletta Romanoff, Paola Sotgiu, Francesco Acquaroli.

PRODUCTORA: Lucky Lotus Production// RAI Cinema// Leone Film Group.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.