NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN: CRITICA TEATRAL

Nunca he estado en Dublín, está escrita por Markos Goikolea y dirigida por Mireia Gabilondo. Se puede disfrutar desde el 5 de febrero al 27 de abril en el Teatro Pavón.

La familia Amesti formada por La Madre (Eva Hache), (El padre) Iñigo Aranburu y El hijo, Martín (Iñigo Azpitarte), están muy ilusionados porque después de tres años sin saber nada de Elena, la hija (Carolina Rubio), que vive en la actualidad en Londres, está punto de llegar para cenar con ellos, además viene acompañada de su novia irlandesa Cindy.

Una divertida comedia de situación llega al teatro Pavón, con cuatro personajes de lo más singulares. Una madre ludópata que se ha arruinado con la compra de criptomonedas y debe 30.000 euros, si no los paga se queda sin la casa. Un padre en paro practicando una filosofía de vida un tanto peculiar, eso sí, muy positiva; Martín que vive con los padres, tiene un hijo y está en proceso de divorcio, el cual lleva retrasando un tiempo porque aún piensa que su mujer le pedirá que vuelva y Elena, que no solo se ha pasado tres años sin dar señales de vida, sino que viene acompañada de su novia que es invisible. Sí, claro, producto de su imaginación.

Un cuarteto preparado para provocar situaciones de lo más disparatadas cuando, durante la cena y en medio de las conversaciones, salgan a relucir los problemas personales que no asumen y que les ha llevado al punto en el que se encuentran. Los dardos dialécticos se disparan de un lado a otro, como los fuegos artificiales que escuchamos de fondo en un momento determinado, a través de la gran cristalera. Dardos adornados con frases que buscan justificar lo injustificable y que despertarán las sonrisas y carcajadas en el espectador, eso sí, hay que decirlo, la verdadera protagonista es Cindy, sí, la chica invisible, ella lo pone todo patas arriba. Una obra no exenta de crítica social en medio de las tradiciones, las costumbres, la falta de autoestima, los engaños, las apariencias y por supuesto, de las debilidades y virtudes.

La obra cuenta con una interesante puesta en escena por parte de Mireia Gabilondo, que aprovecha cada rincón y elemento de la escenografía ideada por Fernando Bernués, para situar a los personajes de forma que la obra resulte aún más dinámica. Por su parte Bernués, con su trabajo ha logrado recrear y captar la atmósfera que precisa un salón en una fecha tan señalada, dividiendo el espacio en cuatro partes: El fondo lo compone una gran cristalera que da a la terraza, en la cual se encuentra un árbol de Navidad iluminado con sus lucecitas. Ya en el interior del hogar y siempre desde la mirada del espectador, en la zona izquierda vemos un sofá y una mesa baja; en el centro está dispuesta la mesa de comedor vestida con un mantel rojo sobre el que aguardan los platos, vasos y cubiertos y ya en la parte de la derecha, un mueble bajo con una gran lámpara. Dos alfombras de un tamaño medio adornan el suelo y una lámpara a juego con las demás, en el techo. Escenografía a la que no le falta ningún detalle, pues hasta el cuadro que cuelga de una de las paredes, tendrá su protagonismo.

Y, como no quiero desvelar nada más, pues os aseguro que si decidís asistir a la función os lo vais a pasar muy bien, solo me queda hablar de los cuatro actores. Sin ninguna duda, Eva Hache, a la que ya había tenido el placer de ver y escuchar en uno de sus monólogos, se convierte en el centro de atención, sus frases lapidarias, su espontaneidad, las miradas y cada gesto, provocan que incluso cuando hablan los demás, estemos atentos a ella, pues nunca deja indiferente. Los mejores momentos de Carolina Rubio, son cuando conversa y debate con su novia invisible. Por su parte Iñigo Aranburu nos brinda un personaje un tanto desconcertante con su manera de ver la vida y el personaje de Iñigo Azpitarte, se merecería más de una colleja, para que despertara a la realidad. Todos convencen y todos nos hacen pasar una hora y media, de lo más divertida.  El Teatro Pavón, os espera con las puertas abiertas.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Markos Goikolea

Dirección: Mireia Gabilondo

Reparto: Eva Hache, Carolina Rubio, Iñigo Aranburu e Iñigo Azpitarte

Escenografía: Fernando Bernués

Vestuario: Ana Turrillas

Diseño iluminación: Xabier Lozano

Música: Iñigo Azpitarte

Ayte. dirección: Virginia Rodríguez

Regidora: Cristina Berhó

Dirección de producción: Nadia Corral

Producción: Octubre Producciones y La Tentación

Duración Aprox. 90 minutos.

LA OBRA ESTARÁ EN CARTEL  HASTA EL 27 DE ABRIL DE 2025

THE MONKEY: CRÍTICA DE CINE

The Monkey está escrita y dirigida por Osgood Perkins, basándose en una historia de Stephen King. “No le des cuerda al mono, que luego pasa lo que pasa”

El capitán Petey Shelburn (Adam Scott) entra en una casa de empeño, con cara desencajada y un juguete entre sus manos (Un mono con un tambor y las baquetas en las manos. Uno de sus brazos está en lo alto), pretende endosárselo al vendedor pero este lo rechaza e intenta bajar el brazo del mono, ante la advertencia de Petey de que no lo haga. El brazo desciende, toca el tambor, se detiene y de la figura de un buzo que lleva un fusil de pesca, sale un arpón que se clava en el cuerpo del comerciante. Petey saca al mono fuera del comercio y lo prende fuego con un lanzallamas.

Tras el prólogo nos encontramos en el domicilio de los hermanos gemelos Hal y Bill (Christian Convery). Viven con su peculiar madre Lois Shelburn (Tatiana Maslany). Un día, los dos hermanos, encuentran en el ático el mono tamborilero que escondió su padre Petey. A partir de ese instante, los chicos asisten a una serie de extrañas muertes, desde ver como la canguro que los lleva a cenar termina con la cabeza en la mesa hasta asistir al entierro de su propia madre, por poner dos ejemplos. Tras varias desgracias, se van a vivir con sus tíos Chip (Oz Perkins) y tía Ida (Sarah Levy), pero da igual donde vayan,  la cosa parece no mejorar, incluso empeora al llegar a la edad adulta. En esta edad serán interpretados por Theo James.

El actor, guionista y director, Oz Perkins, de casta de artistas, debutó en la interpretación con “Psicosis II: El regreso de Norman” 1983 de Richard Franklin, secuela de la obra maestra de Alfred Hitchcock, interpretando a Norman Bates de joven, junto a su padre Anthony Perkins, que encarnaba al personaje de adulto y en cuanto a la dirección debutó con  “la enviada del mal” 2015, continuando con  “Soy la bonita criatura que vive en esta casa” 2016, “Gretel y Hansel” 2020, “Longlegs (Piernas largas)” 2024 y en este año nos ofrece “The Monkey” y su próximo estreno para octubre  “Keeper”

Longlegs me dejó tan buen sabor de boca que ya tenía ganas de disfrutar del nuevo trabajo de Perkins, quien tiene a bien traernos dos obras en el mismo año, pero de momento, nos quedamos con este mono un tanto… ¿suelto el taco? No, mejor lo dejamos en que le va lo de asesinar tras la última nota que provoca su tambor, mientras sonríe maliciosamente e inevitablemente provoca las nuestras. Muertes, que aunque parezca extraño, despiertan las carcajadas en la sala de cine y es que Perkins posee un humor de lo más mordaz, otorgando a sus películas su particular sello, aunque en esta ocasión se aleje de sus anteriores trabajos. Ahora adapta un relato corto del maestro Stephen King, que se publicó por primera vez en 1980.

The Monkey nos ofrece una premisa sencilla para un filme alocadamente divertido, sí, no es terror al uso sino que Perkins nos regala un festín de muertes absurdas que van a cañón. No, no se toma su tiempo, el mono deja de tocar y la muerte llega al instante. Seguramente que mientras adaptaba el relato se preguntó, ¿para qué alargar la escena si el espectador vaticina el final? Y acierta en la diana, para algarabía de quienes estamos sentados en la butaca. El impacto visual es absoluto y una vez que conocemos la técnica, esperamos qué ha ideado para la siguiente muerte y seguir sorprendiéndonos y de esta manera pasamos de ver como  una cabeza rueda por encima de una mesa de restaurante, que un tiro reviente otra cabeza bañando todo de sangre o que el arpón, ya mencionado en la sinopsis, se clave en el cuerpo del propietario del negocio, pintando las paredes de rojo; pero esto, es solo el aperitivo, el plato fuerte no lo voy a desvelar.

Perkins ha contado con un narrador, Hal, el hermano pequeño, quien nos relatará lo que él y su hermano Bill vivieron siendo muy niños hasta que ahora, pasados 25 años, para ellos, se ven obligados a actuar, pues el puñetero monito les quiere seguir tocando los bemoles.

En este trecho final de la película, Hal se verá acompañado por su hijo Petey (Colin O`Brien), pues además de las dosis de gore a gogó que nos ofrece el filme, también tiene tiempo para, sin profundizar, adentrarnos en el drama familiar que les rodea; por un lado los tiempos vividos con su madre siendo niños y por el otro, la familia que Hal forma con su mujer e hijo y por supuesto, el tener que arrastrar el trauma de infancia, tan presente en los dos.

La obra cuenta incluso con un claro aire tarantiniano, que no deja que el espectador se distraiga, siempre, os lo aseguro, está sucediendo algo en escena, hasta llegar al mismísimo final, que por fin nos deja respirar, no por ocasionar terror sino debido a las carcajadas y sonrisas que desencadena, el sarcástico guion.

Una comedia de terror digna de ser disfrutada. La fotografía de Nico Aguilar, nos recuerda las texturas y colores de la década de los 70, con encuadres y planos ajustados al milímetro, para conquistar su propósito. No obstante, Perkins es un gran creador de atmósferas y lo demuestra sobradamente. La banda sonora es de Edo Van Breemen.

Amantes del horror, de la comedia, del gore y de lo inverosímil, no os la podéis perder.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero.

REPARTO: Theo James, Elijah Wood, Laura Mennell, Tatiana Maslany, Sarah Levy, Colin O`Brien, Kingston Chan, Zia Newton, Danica Dreyer, Osgood Perkins, Rohan Campbell, Corin Clark y Christian Convery.

PRODUCTORA: Atomic Monster// Black Bear International// Range Media Partners//Star ollective Films Entertainment Group// C2 Motion Pictures GrouP.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: YouPlanet Pictures y Beta Fiction Spain.

TU COLOR: CRÍTICA DE CINE

Tu Color está dirigida por Naoko Yamada con guion de Reiko Yoshida “Hay colores que se pueden “sentir” en lugar de “ver””

Totsuko tiene la habilidad de la sinestesia, en esta ocasión ve a la gente como colores, esos colores ofrecen a Totsuko (Voz de Sayu Suzukawa) una idea de la esencia real de esa persona y sus emociones. Totsuko estudia en un colegio  católico, como interna, al que también acude Kimi que es una estudiante ejemplar. Totsuko  se entera por un grupo de estudiantes de que Kimi ha abandonado los estudios por diversas razones. Un día escucha que Kimi (Akari Takaishi) está trabajando en una librería de un centro comercial y decide hacerle una visita. Mientras Kimi y Totsuko conversan sobre música, aparece Rui (Taisei Kido), un chico que les pregunta si se puede unir a ellas y formar una banda.

Naoko Yamada tras finalizar el instituto se matriculó en la “Kyoto University of Art and Design” eligiendo como asignatura “Pintura al Óleo”. Tras graduarse ingresó en el estudio de animación Kyoto Animation entre los años 2005/2020, en la actualidad trabaja en el estudio de animación Science Saru. Se inició en la televisión con capítulos de series como “La melancolía de Haruhi Suzumiya” 2006 continuando con “Lucky Star” 2008, “Clannad: After Story” 2008/09, “K-On!” 2009/2011, “Nichijou” 2011, “Hyouka” 2012, “Tamako Market” 2013, “Kyoukai no kanata” 2013, “Love, Chunibyo & Other Delusions: Depth of Field- Love and Hate Theater” 2012/14, “Hibike! Euphonium” 2015, “Kobayashi-san Chi No Maid Dragon” 2017, “Free!” 2013/2018, “Tsurene: Kazemai koukou kyuudowbu” 2018, “Modern Love Tokyo” 2022, la miniseries “Heike monogatari” 2021. Los cortometrajes “La desaparición de Haruhi Suzumiya” 2010, “Garden of Remembrace” 2022 y ya en el largometraje debutó en “K-On!: La película” 2011, “Tamako rabu sutôrî” 2014, “A Silent Voice” 2016,  “Rizu to aoi tori” 2018 y este año nos ofrece “Tu Color” 2024.

El mundo de los colores y su importancia son el motor de este filme, pues ya desde el prólogo, escucharemos a Totsuko ofrecernos una MasterClass sobre la importancia de los colores y el por qué los vemos. Una clase didáctica, sencilla, esquemática y destinada a los más pequeños de la casa, como obertura de una historia que va más allá, de lo simplemente visual y en donde el relato se hace adulto. Totsuko considera que los colores que ella ve se encuentran en un lugar ligeramente diferente. ¿Es quizás el color el uniforme del alma, de nuestro ser más íntimo? Totsuko se pregunta que si ella fuera un color, qué color sería y para descubrirlo, como todo en la vida, tendrá que esperar el momento indicado.

Estos tres jóvenes no solo llenarán de colores la pantalla, con el permiso de su creadora Naoko Yamada, sino del sonido, del  que emite la música que surge de las emociones y los anhelos que les persiguen, los miedos que les atenazan, las dudas que no les hacen avanzar y la soledad que muchos adolescentes sufren, al no encontrar el camino que les corresponde y que en ocasiones resulta tan sencillo como abrazar a la amistad, al amor y a la verdad. A esa amistad con quien se puede compartir los sueños e intentar hacerlos realidad, al amor desinteresado que no busca más que la felicidad en las cosas simples y la verdad, que nunca debe de ser ocultada, pues puede llegar a provocar una oscuridad innecesaria, separándonos de nuestro verdadero objetivo. Estos tres jóvenes, en apariencia inadaptados, tienen mucho que decir y ofrecer. ¿Por qué no les escuchamos?

Como es habitual en el perfecto tándem que forman la directora y la guionista Reiko Yoshida, tras varios proyectos juntas, destacaría la inolvidable “A Silent Voice”, se enfrentan de nuevo a problemas que afectan, en particular, a los adolescentes y que si no se toman en serio, acarrearán daños irreparables, pues la vulnerabilidad ante la sociedad que se abre ante ellos, les puede hacer perder el equilibrio emocional. En “A Silent Voice” nos adentraron en la discapacidad, el Bullying y el suicidio. En esta ocasión, aunque con una obra más tierna y menos oscura, nos habla de la soledad y del miedo. Miedo a mantener una conversación directa con los adultos, principalmente con los padres, exponiendo lo que piensan sin tapujos, cuáles son sus aspiraciones o simplemente el ser escuchados, atendidos y respondiendo a las dudas; pues de lo contrario, ese abandono, no premeditado, puede desembocar en la angustia y la introversión, cuando no a algo más radical. Una vez más, directora y guionista clavan el tono en el que deben dirigirse a los jóvenes y a los adultos, por lo que el visionado debería ser obligatorio para los padres  e hijos en esas edades tan críticas.

En esta ocasión Yamada nos vuelve a sorprender con su cuidada y delicada paleta de color que juega con lo onírico, realista y surrealista. En algunas escenas los colores y fondos resultan tan diluidos, que nos recuerdan a algunas obras realizada en acuarela, casi imperceptibles a la vista, pero que Naoko aprovecha para acentuar lo que desea ser visto, incluyendo el vacío existencial de la protagonista, quien busca paliar su melancolía con el color que desprenden las personas de su alrededor, llegando a alcanzar el éxtasis, y si el color tiene gran protagonismo, no será menor el que se le otorga a la música, como curación y liberación. Como elemento de cohesión entre los tres amigos y como vía de escape para contar sus historias. Color y música se fusionan en exaltación a la vida.

“Serenidad para aceptar las cosas que no puedo cambiar y valor para cambiar las cosas que sí puedo”

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero.

MUSICA: Kensuke Ushio.

PRODUCTORAS: Science SARU.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

AÚN ESTOY AQUÍ: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Brasil y Francia, Aun estoy aquí, está dirigida por Walter Salles con guion de Murilo Hauser y Heitor Lorega.

Río de Janeiro 1970, en plena dictadura militar conoceremos a la familia del diputado Rubens Paiva (Selton Mello), su mujer Eunice (Fernanda Torres) y sus hijos Marcelo (Ghilherme Silveira/Antonio Saboia), Vera (Valentina Herszage/Maria Manoella), Eliana (Luiza Kosovski/ Marjorie Estiano), Nula (Barbara Luz/ Gabriela Carneiro da Cunha) y María Beatriz (Cora mora/ Olívia Torres). Una familia que vive feliz en su casa cerca del mar, aunque con la inquietud que les provocan las noticias de los secuestros de embajadores que se están llevando a cabo en el país. Un día reciben la visita de miembros del ejército vestidos de paisanos y se llevan a Rubens preso, desde ese instante, Eunice se comprometerá como activista política, mientras intenta mantener alejados al resto de la familia de lo que está sucediendo.

El director, Walter Saller, estudió economía en la Pontificia Universidad Católica en Río de Janeiro y una maestría en Comunicación Audiovisual en la Universidad de California. Se inició como director en la televisión dirigiendo capítulos para la serie “Japão-Uma Viagem no Tempo” 1986 y en el largometraje con “El arte de matar” 1991, para continuar con “Terra Estrangeira” 1995, “Estación Central de Brasil” y “Midnight: El primer día” ambas en 1998, “Abril Despedaçado” 2001, “Diarios de motocicleta” 2004, “Dark Water (La huella)” 2005, “Paris, je t´aime (segmento)” 2006, “To Each His Own Cinema (segmento)” 2007, “Linha de Passe” 2008, “En el camino” 2012,  “Jia Zhang-ke, um Homem de Fenyang” 2014, “Where Has the Time Gone? (Segmento)” 2017 y este año llega “Aún estoy aquí” 2024. También ha dirigido los documentales “Krajcberg- O Poeta dos Vestígios 1987 y “Venice 70: Future Reloaded” 2013. Los telefilmes “Marisa Monte” 1988, “Chico ou o País da Delicadeza Perdida” 1989, “João & Antônio 1992. Capítulos para la serie “Un siècle d`écrivains” 1995, de la miniserie “2000 vu par… Une collection Internationale” 1998. Los cortometreajes, “Socorro Noble” 1996, “Somos Todos Filhos da Terra” 1998,  “Castanha e Caju Contra o Encouraçado Titanic” 2002, “Quando a Terra Treme” 2017 y los video clips, “Bosa Nova Music & Reminiscenses” 1993, “Antonio Carlos Jobim: An All-Star Tribute” 1995, “Armas e Paz” 2003 y “Yep Roc Heresy” 2023.

Un nuevo hecho real, basado en un episodio histórico brasileño, llega a las salas de cine. Da la sensación de que la gran pantalla ha descubierto que puede servir de plataforma para acercarnos la historia desde diferentes puntos de vista, siempre interesantes, algunos sorprendentes, la mayoría críticos, para no volver a caer en los errores del pasado y otros didácticos;  todo al amparo del entretenimiento que ofrece la sala de cine, aunque como ocurre en ocasiones, el alma se nos encoja por cuanto se nos muestra. En este caso en particular, se nos brinda el doloroso drama vivido y sufrido bajo la dictadura que padeció el pueblo brasileño entre el 31 de marzo de 1964 cuando Humberto de Alencar Castelo Branco, derrocó al gobierno democrático del presidente João Goulart, hasta su finalización con la victoria electoral del Movimiento Democrático Brasileño el 15 de marzo de 1985, al convertirse José Sarney en el  primer presidente civil. Durante esas décadas hubo años convulsos como los que se narran en este filme y que afecto a esta familia, entre otras.

Rubens Paiva, casado y padre de 5 hijos, fue un ingeniero civil y político brasileño que militó en el Partido Laborista Brasileño (PTB),  siendo elegido diputado en 1962. Se opuso a la dictadura militar en 1964, lo que le obligó a autoexiliarse. Cuando regresó se ocupó de los negocios y mantuvo contacto con los exiliados, lo que motivó que en 1971 fuera detenido por las fuerzas militares y tras torturarlo, lo asesinaron. Su cuerpo nunca fue encontrado.

La película no seguirá la figura del empresario, ingeniero y político, aunque lo veremos durante el primer tercio de la película, sino la de su mujer y sus cinco hijos, cuatro chicas y un varón, Marcelo, autor de la novela en la que se ha inspirado esta película. Desde el preciso instante de la detención de Rubens, Eunice toma las riendas, el protagonismo y a quien seguimos en cada uno de sus pasos, de los encuentros con las personas en las que ella confía, pidiendo consejo e incluso con algunas que no estaban en su mente, investigando hasta donde estaba vinculado su marido con la causa; causa que desde ese instante, la hace propia y nos hace partícipes de ella, además de su lucha incansable a lo largo de los años, con el único objetivo de que el gobierno  reconozca la muerte de su marido. Muerte que ella ya presentía y que le lleva a exigir la prueba con el certificado de defunción.

Un drama socio-político que nos induce a la reflexión sobre el grave problema que ocasionan las dictaduras, secuestradoras del pueblo y en particular de quienes no comulgan con los dictadores, sometiendo, a la sociedad en general, a la oscuridad y al miedo. Una dura crítica y denuncia que nos  exhorta a que meditemos sobre lo que en la actualidad está ocurriendo con los extremismos en algunos países, para que no caigamos en los mismos errores del pasado que, como podemos ver, solo causan sufrimiento por codicia y ansias de poder. La pérdida y los estados emociones por los que pasó esta familia, están retratados con delicadeza, realidad y empatía por parte de los guionistas y el director.

Desde los primeros planos, Salles no envuelve en la atmósfera de los setenta, apoyándose en la cuidada fotografía de Adrian teijido, quien da gran importancia al color, la iluminación y los encuadres intimistas. El vestuario de Cláudia Kopke y Helena Byington junto a la excepcional dirección de arte por parte de Juliana Tolentino y la banda sonora de Warren Ellis, forman un conjunto equilibrado que funciona a la perfección para transportarnos a la década de los 70 del siglo pasado.

Termino con ellos, con quienes dan vida a la familia Paiva, en un acertadísimo casting, pues cada uno de ellos logra proyectar a sus personajes la verdad y la pasión de sus propios viacrucis, destacando a Fernanda Torres, que encarna a la madre y mujer coraje, luchadora por su familia, la realidad y los sueños que les arrebataron. Os la recomiendo a todos.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero

REPARTO: Fernanda Torres, Selton Mello, Antonio Saboia, Guilherme Silveira, Valentina Herszage, Maria Manoella,  Luiza Kosovski, Marjorie Estiano, Barbara Luz, Gabriela Carneiro, Cora Mora, Olivia Torres, Humberto Carrão, Maeve Jinkings, Caio Horowicz, Camila Márdila, Charles Fricks, Luana Nastas, Isadora Ruppert, Daniel Dantas, Carla Ribas y Maitê Padilha.

PRODUCTORA: VideoFilmes// RT Features// MACT Productions// Cospiraçao Filmes// arte.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films. 

PADDINGTON: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido, Francia, Estados Unidos y Canadá, Paddington: Aventura en la selva, está dirigida por Dougal Wilson con guion de Mark Burton, Jon Foster y James Lamont. “Hace una animalada de años”

Paddington es un osezno que vive feliz en la selva. Un día se sube a lo alto de un árbol para coger una hermosa naranja y la rama se rompe cayendo al río. La fuerza de la corriente le separa de su hogar. Cuando está a punto de ahogarse, le rescata una osa adulta que lo cuida como si fuera un hijo. Él la  llamará tía Lucy (Voz de Imelda Staunton). Le comenta que si un día se vuelve a perder, que ruja muy fuerte y que ella le devolverá el rugido.

Pasados unos años vemos a Paddington (Voz de Ben Whishaw) viviendo en Londres en el hogar de la familia Brown, compuesta por Henry (Hugh Bonneville), Mary (Emily Mortimer) y sus hijos Judy (Madeleine Harris) y Jonathan (Samuel Joslin). Un día Paddington recibe una carta de la  madre reverenda (Olivia Colman) que regenta un hogar para osos jubilados en Perú, informándole que su tía Lucy ha desaparecido y Paddington y la familia al completo, viajarán hasta Perú… Aquí comienza la nueva aventura de este pequeño osito.

El director, Dougal Wilson, En su época joven tocó en una serie de bandas de música. Estudió Ciencias Naturales en la Universidad de Durham hasta graduarse en 1992. Durante su etapa de estudiante diseñó carteles para conciertos y obras teatrales de la universidad, así como la creación de decorados para algunas de esas obras. Ha dirigido diversos comerciales y un gran número de video musicales. En el cine se inició con el cortometraje “Rubbish” 2007 acompañado de Ed Roe y ya en solitario “Largo al Factotum” 2009, “Sin presión” 2010 y “We`re the Superhumans” 2016, debutando en el largometraje con “Paddington: Aventura en la selva” 2024.

El oso Paddington, nació de la imaginación del escritor Michael Bond cuando vio un oso de peluche en un estante de una tienda cerca de la Estación de Paddington, al oeste de Londres, en 1956.  El osito fue un regalo de Navidad para su esposa. La primera, de muchas historias de este personaje, se tituló “A Bear called Paddington” publicada el 13 de octubre de 1958. En la obra se narraba que el osito era encontrado por la familia Brown en la estación ya mencionada. Paddington se ha convertido en todo un icono de la literatura infantil británica. Sus libros se han traducido a 30 idiomas y se han vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo.  Antes de llegar a la gran pantalla, pasó por televisión como serie en 1975 para la BBC y dando el salto al cine el 2014 con “Paddington” de  Paul King, continuando con “Paddington 2” 2017 del mismo director y ahora, con un nuevo director, nos llega la tercera entrega, “Paddington: Aventura en la selva” 2024.

Una nueva aventura familiar, muy divertida y con un buen ritmo, llega a los cines de toda España, para ser disfrutada en buena compañía. En esta ocasión el entrañable osito viajará al Perú  en busca de su tía Lucy y ya que están por esos lares, internándose en la frondosa selva, por qué no intentar descubrir El Dorado, aunque a Paddington le va más otro tipo de Dorado, sin olvidar su mermelada favorita.

Una obra no exenta de homenajes como el divertido número musical que interpreta Olivia Colman junto a todas las monjas, nos trae recuerdos de “Sonrisas y Lágrimas” de Robert Wise, al igual que la famosa foto de los Beatles cruzando el paso de cebra, la gigantesca piedra que rememora la archifamosa escena de “En busca del arca perdida” de Steven Spielberg o la caída de una fachada como se vio por primera vez en “El héroe del río” de Buster Keaton; pero todo esto es tan solo una pincelada de lo que le espera al espectador, pues Paddington, nos tiene reservadas muchas sorpresas en este filme ingenioso, juguetón, divertido, familiar y con un importante elenco actoral, además de contar con un metraje perfecto, gracias en gran parte al excelente montaje de Úna Ní Dhonghalíle.

Entre el elenco actoral del que os hablaba, destacan la siempre maravillosa Olivia Colman, que aquí está divertidísima al igual que nuestro querido Antonio Banderas, que da vida a Hunter Cabot, un ambicioso y un tanto trastornado capitán de barco, que lleva años buscando El Dorado. Se nota que los dos están disfrutando de cada segundo que les toca estar en escena y junto a ellos repiten personaje: Hugh Bonneville, Madeleine Harris, Samuel Hoslin o Ben Whishaw que cederá su voz a Paddington e incluso Hugh Grant, que contará con una pequeña escena. Quien sí ha sido reemplazada es Sally Hawkins por Emily Mortimer, tomando el relevo para encarnar a Mary. Para terminar mencionaré la excelente fotografía de Erik Wilson y la banda sonora de Dario Marianelli. Si queréis pasar un buen rato al abrigo de una sala de cine, os la recomiendo

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero.

REPARTO: Hugh Bonneville, Antonio Banderas, Emily Mortimer, Olivia Colman, Julie Walters, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Carla Tous, Madeleine Harris, Samuel Joslin, Ben Whishaw que regresa como la voz de Paddington y Hugh Grant.

PRODUCTORA: Heyday Films// Marmalade Films Ltd// Studiocanal Comedia// Studio Canal Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures.

PREMIOS BAFTA 2025

                     LISTA COMPLETA DE GANADORES.

MEJOR PELÍCULA

Cónclave

MEJOR DIRECCIÓN

Brady Corbet por The Brutalist

MEJOR ACTRIZ

Mikey Madison por Anora

MEJOR ACTOR

Adrien Brody por The Brutalist

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

Zoe Saldaña por Emilia Pérez

MEJOR ACTOR DE REPARTO

Kieran Culkin por A Real Pain

MEJOR GUION ORIGINAL

A Real Pain

MEJOR GUION ADAPTADO

Cónclave

MEJOR PELÍCULA BRITÁNICA

Cónclave

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA

Emilia Pérez

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Wicked

MEJOR MONTAJE

Cónclave

MEJOR MÚSICA ORIGINAL

Daniel Blumberg por The Brutalist

MEJOR SONIDO

Dune: Parte Dos

MEJOR FOTOGRAFIA

The Brutalist

MEJORES EFECTOS VISUALES

DUNE: Parte dos

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO

Wicked

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA

La sustancia

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN BRITÁNICO

Wander to Wonder

MEJOR DOCUMENTAL

SuperMan: The Christopher Reeve Story

MEJOR CORTOMETRAJE BRITÁNICO

Piedra, papel y tijera

MEJOR CASTING

Anora

MEJOR DIRECTOR, GUIONISTA O PRODUCTOR BRITÁNICO NOVEL

Kneecap ― Rich Peppiatt (director, escritor)

PREMIO A LA ESTRELLA EMERGENTE

David Jonsson

MEJOR PELÍCULA INFANTIL Y FAMILIAR

Wallace y Gromit: La venganza se sirve con plumas

 

NOTICIAS DEL TEATRO LARA FEBRERO 2025 (II)

 

MUJER NO REEDUCABLE

Es un monólogo que surge de la necesidad de la agrupación Coraje Teatro de expresar, a través de la periodista Anna Politkóvskaya, los desastres de la guerra y la destrucción que un pueblo opresor inflige sobre otro. Habla de la resiliencia de la víctima y la violencia del victimario. Habla de la destrucción de la moral en ambos bandos, del miedo de la propia protagonista y de la necesidad de hacer ver lo que ella vio y vivió. El público es el receptor de las imágenes y hechos contados por la periodista.

LA EXTINCIÓN DE LOS DINOSAURIOS.

La obra de Fran Nortes, se erige como un penetrante retrato de la complejidad humana, explorando las intersecciones tumultuosas entre el abuso de poder, el trabajo, la familia, el dinero y la muerte.

Un viaje introspectivo, que desentraña las capas de la existencia humana con una profundidad y agudeza inigualables, en clave de comedia negra.

FELIPE V EL REY QUE NOS SALIÓ RANA

Es un stand up histórico muy loco sobre el primer Borbón que se sentó en el trono de España.

Melancólico, depresivo, paranoico, alucinado y maníaco sexual. Del mucho temer y el poco dormir se le secó el cerebro, de manera que vino a perder el juicio, como don Quijote.

CON LA BOCA ABIERTA

La suerte de cinco desconocidos cambia radicalmente cuando una visita celestial les sorprende en medio de la consulta de un dentista. Armonio, un dios joven y terriblemente torpe, elige a cinco tipos al azar con el objetivo de convertirlos en algo que parece imposible... un grupo a capela. A través de diferentes pruebas que llevan al límite su destreza musical y su capacidad para trabajar en equipo, la obra explora el potencial fascinante de la voz humana de una forma divertida y sorprendente.

Pero ¿quién dijo solo música? Teatro, coreografías y elementos escenográficos espectaculares componen una de las experiencias más extraordinarias que se pueden disfrutar este año en Madrid.

BULLYING

El show es como si un ex gordo, un actor y un amante de la tercera edad se juntaran para hacer el monólogo de sus vidas. Lo sé, es raro de cojones, pero ya lo entenderéis… Este show es comedia, es un viaje en un 4 latas con el maletero cargado de sarcasmo, este show es un adolescente virgen maquillándose los granos de la cara antes de ir a su primera cita, pero también son anécdotas y reflexiones que dejan espacio a la sorpresa. 

 

EL SILLÓN K. Cartas desde el olvido: Un poético de la mano de Carmen Conde y Katherine Mansfield.

El sillón K. Cartas desde el olvido: un poético de la mano de Carmen Conde y Katherine Mansfield.

SILLÓN K en el Teatro de La Abadía desde el 14 de febrero al 2 de marzo.

“Sillón K” está protagonizado por Manuela Velasco y Estela Merlos y  dirigida por Paula Paz, en el Teatro de La Abadía del 14 de febrero al 2 de marzo.

El sillón K. Cartas desde el olvido: un poético viaje entre la vida y la muerte de la mano de Carmen Conde y Katherine Mansfield

En 1935 la escritora comienza una relación epistolar unidireccional con Katherine Mansfield, fallecida doce años atrás. Estas cartas, de una viva hacia una muerta, emanan fascinación y una complicidad que no entiende de tiempo, distancia o idioma y que, con una belleza mágica, difumina la frontera entre la vida y la muerte.

La obra rinde homenaje a Carmen Conde, figura clave de la Generación del 27, y a Katherine Mansfield, destacada escritora neozelandesa. Se vertebra a través de estas cartas y se completa con el cuerpo poético de ambas escritoras, fragmentos del diario de Katherine Mansfield y con el discurso de entrada a la RAE de Carmen Conde. Esta producción que mezcla el español y el inglés (en pequeños fragmentos), el teatro y la danza, la obra epistolar y poética, será interpretada por la actriz Manuela Velasco y la bailarina Estela Merlos.

Esta obra, protagonizada por la actriz Manuela Velasco y la bailarina Estela Merlos, rinde homenaje a Carmen Conde, figura clave de la Generación del 27, y a Katherine Mansfield, destacada escritora neozelandesa. Una producción de José Velasco para Okapi Producciones y Paula Paz, bajo la dirección de esta última. Es la segunda vez que Paula Paz visita como dramaturga y directora el Teatro de La Abadía tras su éxito, en la temporada 2022-23, de Cartas vivas. Carmen Laforet y Elena Fortún.

Pregunta: La obra gira alrededor de Carmen Conde… ¿La conocías antes de embarcarte en el proyecto?

Manuela Velasco: Tengo que confesar que no la conocía. Recuerdo el día que la directora, Paula Paz, me hizo esta misma pregunta y yo solo pude responderle que me sonaba su nombre, pero no la ubicaba dentro de su propio universo poético. Después de involucrarme en el proyecto y comenzar a investigar, aprender y a buscar textos de Carmen Conde, en distintas librerías, me he dado cuenta de que casi nadie la conoce. Ahora que me toca de cerca su historia, me enfada que no sea reconocida.

P: Por tanto, ¿El sillón K. Cartas desde el olvido: Carmen Conde y Katherine Mansfield surge por la necesidad de homenajear su figura?

M: Absolutamente. Creo que el hecho de poder hacer esta función y que a Paula Paz le haya nacido la idea de llevar su historia a escena es algo absolutamente necesario. Está siendo un viaje maravilloso para, dentro de poco, darla a conocer al público.

P: ¿Cómo te llega el proyecto?

M: Cuando leí el texto que estamos trabajando por primera vez, íntegro de obras de Carmen Conde y Katherine Mansfield, me puse a llorar por la belleza, complejidad y profundidad de lo que ellas plasman. De pronto, sentí una fuerte necesidad de decir todo lo que leía sobre un escenario. Pienso que no voy a tener otras oportunidades tan hermosas, como esta, en el teatro

P: ¿Qué destacarías de Carmen Conde?

M: Ella tenía incontinencia creativa. Lo primero que me llamó la atención y, poderosamente, ahora me sigue emocionando es que era una niña que lo tenía todo en contra y que no tenía posibilidad económica para estudiar. Tenía una necesidad tan grande de expresarse que buscaba la manera de educarse. Su afán, su empeño y su necesidad de aprender se abrió paso como una cuestión de supervivencia. Ella misma decía que sin la poesía le hubiese resultado imposible vivir.

En palabras de la directora, Paula Paz

“Cuando me topé, en una librería, con las Cartas a Katherine Mansfield de Carmen Conde, me quedé hechizada, de pie, ante el libro, hojeando e imaginando ya esta obra de teatro.

¿Cómo podía ser que siendo referente literario y la primera mujer que ingresó en la RAE, no la hubiésemos leído y estudiado en el colegio? ¿Que la mayoría de las personas a las que mencionaba su nombre no la hubieran leído y que para algunas incluso fuera una total desconocida?

No podía quitarme de la cabeza a estas dos autoras, unidas por unas cartas unidireccionales. Ambas, mujeres superlativas, de extraordinario talento, que abrieron camino a pesar de las dificultades y que se entregaron en cuerpo y alma a la poesía.

Las cartas vuelven para poner el foco en otro tándem de magníficas escritoras. Ya pusimos encima de este escenario las cartas entre Carmen Laforet y Elena Fortún.

ENTRADAS:

https://teatroabadia.koobin.com/abadia-sillon-k?referer=YGdgYHBicHxzUXdudGJrfXVsYm98d0ZgcWhmeXBkRiMg

CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD: CRÍTICA DE CINE

Capitán América: Un nuevo mundo está dirigida por Julius Onah compartiendo guion con Malcolm Spellman, Dalan Musson, Rob Edwards y Peter Glanz. “Capitán América, atrapado sin sus alas”

Tras un prólogo intenso y lleno de acción, la historia salta unos años más tarde, en donde Sam Wilson/Capitán América (Anthony Mackie) es invitado a una recepción organizada por el presidente de los Estados Unidos, Thaddeus Ross (Harrison Ford). A dicha fiesta acude con su compañero Joaquin Torres/Falcon (Danny Ramirez) e Isaiah Bradley (Carl Lumbly). Ross y Wilson se reúnen en uno de los despachos en donde Ross convence a Wilson para perfeccionar a los Vengadores, así como que él sea la nueva imagen del tratado del adamantium. Tras esta reunión se unen al resto de los invitados y en pleno discurso del presidente, Bradley y otros cuatro hombres intentan asesinarlo desatándose un fuerte tiroteo en el que tienen que intervenir el Capi, Falcón, el servicio secreto y los soldados presentes. De ese caos surge una pregunta. ¿Qué le ha sucedido a Bradley para atentar contra Thaddeus?

El director, Julius Onah, siendo muy joven se mudó a Estados Unidos graduándose en Dirección Cinematográfica en la Tisch School of the Arts. En 2015 y durante el programa de postgrado, finalizó su primer largometraje “The Girl Is in Trouble, aunque unos años antes realizó algunos cortometrajes: “Nigger” y “Meditations/A Love Story en 2004, “She Waits in the Restless Horizon” 2005, “Lunus”, “Babette” y “Szmolinsky” en 2007, “The Boundary” y “Nie patrz wstecz” en 2008, “Goodby Chicken, Garewell Goat” 2010, “Drik un Agnes” 2011 y “Big Man” 2012. En el largometraje, además del ya citado, ha dirigido “Avicii: Broken Arrows 2015, “The Cloverfield Paradox” 2018, “Luce” 2019 y “Capitán América: Brave New World 2025.

Llega la cuarta entrega de la serie de “Capitán América” producida por Marvel Studios y distribuida por Walt Disney Studios Motion Pictures. Se adjudica el número 35 del Universo cinematográfico de Marvel (UCM). Dicha tetralogía se inició en 2011 con “Capitán América: El primer vengador” de Joe Johnston continuando con “Capitán América y el Soldado de invierno” 2014 y “Capitán América: Civil War” 2016 ambas dirigidas por  Anthony y Joe Russo y por el momento finaliza con “Capitán América: Un nuevo mundo 2025 de Julius Onah, que se estrena ahora. También ha contado con la miniserie de televisión “Falcon y el soldado de invierno” 2021. Forma parte de la V Fase y como sabréis, Chris Evans, al finalizar la trilogía consideró que era tiempo de dejar al Capi siendo relevado por Anthony Mackie, conocido por “Falcon” en la miniserie “Falcon y el soldado de invierno” 2021, ahora Mackie defiende su propia película, encarnando al Capitán.

¿Nos ponemos al día? Entramos en la quinta película de la V fase que comenzó con “Ant-Man y la Avispa: Quantumanía” de Peyton Reed, “Guardianes de la Galaxia vol.3”de James Gunn, “The Marvels” de Nia DaCosta todas en 2023, “Deadpool y Lobezno” 2024 de Shawn Levy y este año nos llega “Capitán América: Brave New Worl” 2025 de Julius Onah.

Como afirmaba al final de la sinopsis, Onah nos ofrece un buen espectáculo combinando acción y narración. Una historia construida en torno a cuatro personajes principales, el nuevo Capitán América, su compañero Joaquin Torres, que asume el rol de  Falcon; el presidente de los Estados Unidos y por supuesto, el villano que nunca puede faltar, Samuel Sterns (Tim Blake Nelson); un malvado que usa el intelecto como arma mortal contra sus adversarios.

Será ese componente, el de controlar las mentes de los demás cuando suena una canción determinada, el que aporta un aire diferente a los momentos de batallas, impecablemente coreografiadas y quizás, más realistas, lo que se agradece. La acción, que nunca intuimos cuando se va a desatar y la tensión que se genera al tener que enfrentarse al complot político que origina la perturbada mente de Sterns, son el origen de un filme oscuro que se disfruta a lo largo de las dos horas de metraje, un “thriller político-paranoico”, como se ha llegado a definir.

De las cuidadas escenas de acción, junto al potente prólogo, destacaría la que se desarrolla en el aire con el Capitán América y Falcon intentando detener el lanzamiento de bombas por parte de la aviación norteamericana sobre los japoneses y por supuesto, la que se entabla en la última media hora, sin duda de lo mejor de la película. Recomiendo, una vez más, que si aún no habéis visto ningún tráiler, que no lo hagáis, os perderíais la sorpresa. Como decía, además de esas escenas y otras que también causan impacto, me quedo con los momentos de reflexión como los que nos ofrece el presidente de los Estados Unidos y el propio Capitán América; del primero prefiero no descubrir nada y del segundo solo decir, que aún siente una gran presión por tener que llevar el manto del Capitán América. La breve conversación entre el Capi y Falcon, no tiene desperdicio. Estos instantes dan ese enfoque humano tan necesario a la película, como creo que no se había visto nunca desde la apoteósica “Avengers: Endgame” de los hermanos Russo. Detalles que enriquecen la historia pues entre tanta fantasía, peleas, paranoias y oscuridad, se abre el camino de la razón y lo vulnerables que podemos llegar a ser.

Toca hablar de quienes encarnan a estos seres, aunque de algunos ya he ido hablando a lo largo de la reseña y por tanto, podéis intuir que voy a destacar a cuatro de ellos, aunque podrían ser algunos más, pues entre los secundarios se encuentran personajes interesantes de estudio. Esos cuatro son, en primer lugar Anthony Mackie, como el nuevo Capi, que sorprende para bien aportando fuerza, energía y valor como los que se solicitan a un héroe y de paso, dejar que la vulnerabilidad del humano que es, haga acto de presencia. En segundo lugar mención especial también merece su compañero fiel, al hombre que no solo le acompaña en sus hazañas sino que también le sabe escuchar y dar consejos, me refiero a Danny Ramirez, que asume con alegría el rol de Falcon, me ha sorprendido positivamente su interpretación. En tercer lugar, me quedo con el presidente de los Estados Unidos, Harrison Ford lo clava, simplemente eso y ya veréis algunas de sus acciones y reacciones y pensaba mencionar a un cuarto, pero esta vez voy a hacerlo de forma diferente, quiero que seáis vosotros quienes al finalizar la película, penséis quien se lo merece. No, no tiro balones fuera, es para jugar entre todos, pues, como bien decía, entre los secundarios, hay personajes muy jugosos.

No quiero desvelar más y aunque también sé, por lo que pude observar entre los compañeros en el pase de prensa, que el filme va a crear divisiones, entre quienes opinan que es una película buena y quienes creen lo contrario, pero aun así, estoy seguro, que la vais a disfrutar mucho y termino, como siempre, mencionando la épica banda sonora de Laura Karpman y la sobresaliente fotografía de Kramer Morgenthau.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de febrero.

REPARTO: Anthony Mackie, Harrison Ford, Danny Ramirez, Giancarlo Esposito, Liv Tyler, Rosa Salazar, Tim Blake Nelson, Shira Haas, Carl Lumbly, Rachael Markarian, Xosha Roquemore, Takehiro Hira, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Betty Ross, Phuong Kubacki, Colby Lopez y Seth Rollins.

PRODUCTORA: Marvel Studios// The Walt Disney Company.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Pictures Spain.

FlixOlé ESTRENA "SIERRA MALDITA"

ZENIT COMUNICACIÓN nos informa que FlixOlé estrena “SIERRA MALDITA”, insólito drama lorquiano sobre el control a la mujer en un pueblo andaluz

La plataforma FlixOlé ha estrenado el viernes 31 de enero, el clásico del cine rural: Sierra maldita (Antonio del Amo, 1954), película insólita para la época que, conjugando drama, misterio y western con referencias lorquianas en torno a las tradiciones del interior peninsular, asienta una trama de odio, pasiones y control hacia las mujeres. Destacado título de la corriente realista en España fue recibido con buenos ojos por la crítica y premiado en distintos certámenes para luego permanecer como una perla oculta del audiovisual nacional.

Puebla de Arriba es un pequeño municipio de la serranía almeriense condenado por la superstición y que vive bajo la creencia de que las mujeres allí nacidas son estériles a causa de la maldición de un fantasma, la Niña Negra. Mientras las ‘cobijadas’, como así se conoce a las vecinas de dicha localidad, acuden a Puebla del Valle a rezarle a la virgen para acabar con el castigo, los varones lo hacen para encontrar esposa y procrear. Juan (Rubén Rojo), vecino de dicha aldea, está enamorado de Cruz (Lina Rosales), natural del pueblo maldito. Ambos contraen matrimonio e intentan sobreponerse al enconamiento entre los dos pueblos, a las habladurías y envidias de la gente, así como al acoso incesante de Lucas (José Guardiola) hacia Cruz.

Además de representar, con tono realista y sin recurrir a aspavientos folclóricos, la Andalucía agreste, Sierra maldita se adentra en la España profunda para mostrar su lado más áspero, atávico y opresivo. Ello queda reflejado en las escenas de violencia y en el ensañamiento al que someten los lugareños a la pareja; especialmente al personaje femenino, quien es víctima también de violencia sexual. Asimismo, la cinta evidencia la estigmatización de aquellas mujeres que no pueden concebir un hijo o simplemente permanecen solteras cuando alcanzan cierta edad; todas ellas son condenadas a vestir el negro en Puebla de Arriba.

Bodegón realista, incómodo y premiado

En su búsqueda de un cine de alta calidad, Antonio del Amo se aproximó al documental para abordar los aspectos sociales y culturales del entorno rural andaluz. Para ello, el equipo de rodaje se trasladó a Mojácar, Níjar y Garrucha, municipios almerienses que sirvieron al director para capturar los paisajes, la vida de los habitantes y el arraigo a tradiciones ancestrales. Del Amo animó a los actores a desenvolverse en dicho espacio campestre y, entre carboneros, el elenco aprendió a manejar el hacha y a cortar árboles. Al mismo tiempo, el realizador aclimató ciertas partes del metraje al western americano para insuflar crispación a la atmósfera y a los personajes.

En el guion del filme intervinieron Alfonso Paso, el popular dramaturgo cuyas funciones teatrales colgaban siempre el cartel de “No hay localidades”, y el escritor y productor José Luis Dibildos. Junto al director, tuvieron que modificar el proyecto original por la censura, que obligó a suprimir varias escenas pasionales, a esclarecer que la trama se desarrollaba en otra época (por eso de que la superstición y los hechos narrados no tenían lugar en la España franquista) y a reducir la seducción colectiva a un triángulo amoroso. Además de las cortapisas del régimen, la producción se vio condicionada por problemas derivados del presupuesto y la infraestructura.

Aunque el estreno de la película obtuvo una tímida repercusión comercial, las imágenes impactaron en la crítica y tuvieron su recorrido por importantes circuitos fílmicos: el largometraje se proyectó en el Festival de Venecia y regresó con el premio a Mejor película en el Festival de San Sebastián; asimismo, recibió tres galardones del Círculo de Escritores Cinematográficos (en las categorías de Mejor película, Argumento original y Actor secundario, otorgándose este último a José Guardiola).

Un clásico de un director renovador

Sierra maldita suscitó un interés que ha perdurado hasta la actualidad entre las personas cinéfilas, a pesar de la escasa difusión del título en las salas y en los libros de historia cinematográfica. No ayudó tampoco que Del Amo fuese recordado como el director que encumbró a Antonio Molina y Joselito, exitosa etapa basada en un cine más comercial (El pescador de coplas, El ruiseñor de las cumbres, Saeta del ruiseñor, Escucha mi canción, entre otras) que opacó la trayectoria por la que fue incluido dentro de la generación de ‘los renovadores’ (junto a Manuel Mur Oti, José Antonio Nieves Conde y Arturo Ruiz-Castillo).

Considerada por el propio Del Amo como su mejor película, Sierra maldita fue uno de los escasos ejemplos del cine reflexivo, comprometido socialmente y de calado artístico que el director pudo llevar a efecto. Los apuros económicos impidieron que el director y ensayista cinematográfico siguiese explotando dicha vía, lamentándose con posterioridad por no haber regresado a la misma cuando los ‘films con niño’ le procuraron los recursos que necesitaba.

Con la incorporación del citado largometraje a su catálogo, FlixOlé recupera y pone en valor el legado del realizador por un cine español que remueve conciencias, sumándose así al otro título ya disponible en la plataforma con el que Del Amo cerró su etapa más experimental: El sol sale todos los días (1956).

La plataforma está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Fire TV, Orange TV, ZapiTV, Amazon Prime Vídeo, Movistar Plus+ y a través del ordenador, además las películas se pueden descargar para verlas sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.