RETURN TO SILENT HILL: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Alemania, Serbia, Reino Unido, Japón y Estados Unidos, Return to Silent Hill está dirigida por Christophe Gans, compartiendo guion con William Schneider y Sandra Vo-Anh “Nuestro lugar, nuestra ciudad, nuestro amor”

James Sunderland (Jeremy Irvine) viaja en su coche descapotable por una carretera escuchando música y fumando; aparta la mirada de la carretera por unos segundos, para quitarse la ceniza que ha caído sobre los pantalones. A levantar la mirada se encuentra de frente con un camión cargado de troncos de madera, al que logra esquivar, pero tras pasar, se topa con una joven Mary Crane (Hannah Emily Anderson), quien porta varias maletas; una de ellas cae al suelo, se abre y se rompe el cierre. Llega el autobús y aunque él la ayuda, lo pierde. James se ofrece a llevarla. Mientras se miran estalla una tormenta. El rostro de ella se refleja bajo el agua y James se despierta en el interior de un bar. Está borracho y le echan a la calle. Ya en casa, encuentra una carta de Mery, su gran amor, en el suelo. En ella le pide que por favor regrese al lugar especial donde se conocieron. James acude a la cita, pero cuando llega a Silent Hill, descubre que el pueblo está abandonado y cubierto de cenizas. Cenizas que caen del cielo como copos de nieve. James se pregunta que ha podido suceder.

El productor, guionista y director, Christophe Gans, estudió en el Instituto de Estudios Superiores Cinematográficos (IDHEC). Fundo las revistas de cine “Rhesus Zero” y “Starfix”. Debutó con el cortometraje “Silver Slime” 1981, el capítulo titulado The Drowned de “Necronomicon” 1994 y en el largometraje con “Crying Freeman: Los paraísos perdidos” 1995; para continuar con “El pacto de los lobos” 2001, “Silent Hill” 2006, “La bella y la bestia” 2014 y este año nos presenta “Return to Silent Hill” 2026.

“Silent Hill” nació como un videojuego allá por el año 1999 en Norteamérica, a través de PlayStation, continuando su viaje por  Japón y Europa. Ha vendido más de 2 millones de copias. Esta obra de terror psicológico sobrenatural cuenta con tres películas “Silent Hill” 2006 de Christophe Gans, “Silent Hill 2: Revelación 3D” 2012 de M.J. Bassett y ahora, pasados 20 años, Gans nos ofrece “Return to Silent Hill” 2026.

Desconocía la existencia de este juego y tampoco he visto las anteriores entregas de esta franquicia cinematográfica, por lo cual entré en la sala, sin saber nada y sinceramente, la he disfrutado, quizás, como he comentado, al desconocer el material original o porque estas extrañezas donde el terror juega con el consciente y el subconsciente de un personaje golpeado por el dolor, la culpa, la pérdida y hasta el autoengaño, en busca de la expiación; siempre me han atraído.

Debo reconocer que al principio me sentí un poco perdido, hasta que comprendí que estaba ante una de esas películas con tintes psicológicos donde la razón coquetea con la locura, la realidad con la fantasía y lo natural con lo antinatural o sobrenatural. Y si te dejas llevar, te puedo asegurar que vivirás una experiencia sensorial, que tal vez no llegues a entender del todo lo que se te está mostrando a través de la potente fotografía de Pablo Rosso, pero que no te dejará indiferente ni te desagradará el resultado final. Una obra cargada de un fuerte simbolismo místico que puede rozar el alma de quienes han sufrido una gran pérdida o tienen la certeza de que en algunas situaciones, no se estuvo a la altura. El mea culpa resuena en las entrañas del laberinto de la mente, de ese infierno del que tantas veces resulta imposible salir o deshacerse de él.

Un filme oscuro, angustioso y desolador, donde la banda sonora compuesta por Akira Yamaoka, te hipnotiza, al igual que el sonido y la terrorífica  atmósfera, hasta arrastrarte a los confines del infierno en donde James cae en su desesperación por recuperar el amor perdido. Sus miedos los vemos representados por personajes como: Pyramid Head, Lying figure, los maniquís o las aterradoras enfermeras; todos ellos personajes del juego, por lo que he podido comprobar. Las bandadas de polillas, como símbolo de los cambios o la muerte y por supuesto, los sueños, a modo de flashbacks, en donde James nos trae instantáneas de los felices tiempos vivido junto a Mary. Tanto Jeremy Irvine como James y Hannah Emily Anderson dando vida a Mary Crane y María, realizan convincentes interpretaciones.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Jeremy Irvine, Hannah Emily Anderson, Evie Templeton, Pearse Egan, Emily Carding, Martine Richards, Eve Macklin, Matteo Pasquini, Howard Saddler y Robert Strange.

PRODUCTORA: Davis Films// Supermix// The Electric Shdow Company// Work in Progress// Ashland Hil Media Finance//Konami// Bloody Disgusting// Maze Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Tripictures.

SIN PIEDAD: CRÍTICA DE CINE

Sin Piedad está dirigida por Timur Bekmambetov con guion de Marco van Belle.

Debido al alto índice de delincuencia, los legisladores implantaron Mercy, que actúa como juez, jurado y verdugo, manteniendo segura la ciudad. Uno de sus creadores es el inspector Chris Raven (Chris Pratt), que ahora se encuentra sentado y desconcertado en una silla frente a la juez Maddox (Rebecca Ferguson). Una juez creada por I.A.

Maddox explica a Chris que está acusado de haber matado a su mujer de una puñalada y que el cuerpo fue descubierto por su hija Britt (Kylie Rogers). Chris se enfada afirmando que no recuerda nada y que sería incapaz de hacer daño a su mujer. La jueza le muestra lo sucedido en la pantalla y le comenta que tiene 90 minutos para demostrar su inocencia, poniendo a su alcance todos los dispositivos para esclarecer la verdad, pues de lo contrario será ejecutado.

El productor, guionista y director, Timur Bekmambetov, se graduó en el Instituto de Artes y Cultura de Ostrovsky en 1987 y continuó en la Escuela de Postgrado de Guionistas y Directores. Debutó con “Peshavarskiy vals” 1994, “Gladiadoras/Gladiatrix” 2001, “GAZ. Russkie mashiny” 2002, “Guardianes de la noche” 2004, “Nochnoy bazar” 2005, “Guardianes de día” 2006, “Ironiya sudby. Prodolzhenie” 2007, “Wanted (Se busca)” 2008, “Yolki” 2010, “Abraham Lincoln: Cazador de vampiros” 2012, “Yolki 1914” 2014, “Ben-Hur” 2016, “Yolki 5” 2016, “Profile” 2018, “Devyataev” 2021 y “Sin piedad” 2025. También ha dirigido los videoclips “Chicherina: Zhara”, “Zapreshchyonnye Barabanshchiki: Kuba ryadom”, “Chicherina: Ukhodya-ukhodi” y “Chicherina: Tu-lu-la” todos en 2000, “Chicherina: Doroga” 2001, “Linkin Park: Powerless” 2012 y “Till Lindermann: Lybimiy Gorod” 2021. El video “Escape from Afgahanistan” 2002 y la miniserie “Nashi 90-e” 2000.

Una vez más el género screenlife visita las salas de cine para ofrecernos un filme intenso, frenético, angustioso e incluso con una chispa de humor que se agradece, para soltar las tensiones presentes en un guion que lleva al límite a su personaje y por ende al espectador, pues Timur nos brinda todas las pistas necesarias, plasmadas sobre las páginas del dramático guion de Marco van Belle, para que el espectador no solo empatice con Chris, sino que también tenga la oportunidad de descubrir al asesino de este homicidio, en el que de entrada os digo que nada parece lo que es.

A mi juicio, al filme no le sobra ni un minuto, pues todo lo que vemos es necesario. Un filme narrado en tiempo real, tiempo que de vez en cuando veremos avanzar en la parte superior de la derecha, entre las múltiples pantallas que Bekmambetov despliega, pues utiliza todo tipo de dispositivos e incluso de tamaños de pantalla. Como podemos escuchar en un momento determinado a la juez, “la nube municipal de la ciudad está a disposición del inspector”. Timur elabora un puzle digno de un maestro orfebre compuesto por imágenes de videoconferencias, de calles tomada por drones, cámara de móviles o la “vulneración” de los circuitos cerrados de televisión dispuestos por la ciudad. Todo al servicio de Chris para demostrar su inocencia, en esa carrera sin freno que emprende a lo largo de una hora y media. No hace falta decir que la fotografía en este filme cobra gran relevancia y que el director de fotografia Khalid Mohtaseb, ha realizado un excelente trabajo, al igual que Austin Keeling y Lam T. Nguyen, con el extraordinario montaje.

Si bien el filme cuenta con un nutrido grupo de secundarios, los verdaderos protagonistas son Rebecca Ferguson que da vida a la juez creada por I.A. Un personaje frío, calculador y distante, aunque en algunos instantes  parezca ofrecernos destellos de esa humanidad de la que carece, y en el otro lado se sitúa Chris Pratt, quien se remueve en su asiento como pez fuera del agua. Su tensión emocional se percibe desde el instante en que despierta en la silla desconcertado, sin saber que ha pasado y una vez superado ese trance, proceder como el profesional que es, en busca de la verdad, porque él y creo que la mayoría de los espectadores, deseamos que no sea culpable. ¿Cómo logrará, sin poder salir de dicha sala, encontrar al verdadero culpable? O si él fuera el culpable, porque no se acuerda de lo que hizo el día anterior, ¿Intentará engañar a la I.A.? En 90 minutos, todo queda aclarado. Dos interpretaciones correctas que gozan de complicidad entre ellos y cuyos diálogos, no están exentos de reflexión.

Nada más os quiero contar, pues si eres un amante del cine de acción esperando que la adrenalina recorra todo tu cuerpo, buscando pasar un buen rato en una sala de cine y devorando palomitas sin despegar la mirada de la pantalla, “Sin piedad”, es tu película. Un filme inmersivo diseñado para entretener, que  en definitiva, es el gran objetivo del séptimo arte.

Una pregunta que os hago, si bien la I.A., puede ser y yo creo que lo es, una gran herramienta en la sociedad que vivimos. ¿Debería tener poder para tomar decisiones y ejecutarlas?

Mi nota es: 7,5                                 

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Chis Pratt, Rebecca Ferguson, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers, Kali Reis, Noah Fearnley, Kenneth Choi, Rafi Gavron, Jeff Pierre, Jamie McBride, Philicia Saunders, John Bubniak, Michael C. Mahon, Mike Tarnofsky, Carlos Antonio, Konstantin Podprugin, Tom Rezvan, Renata Ribeiro II, Ryan Hailey, Mick Gallagher, Haydn Dalton y Marco Vazzano.

PRODUCTORA: Atlas Entertainment//Amazon MGM Studios// Bazelevs Production// Big Indie Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España y Amazon MGM Studios.

TEATRO LARA INFORMA ENERO 2026 (III)

 

El lector de Galdós

En su último invierno en Madrid, un Benito Pérez Galdós casi ciego recibe en su casa a su lector y amigo, el joven actor Pepe López Alonso que acude para leerle y acompañarle. En la intimidad nace un diálogo donde el escritor repasa su vida, recuerda a sus personajes más queridos, evoca sus batallas políticas y reflexiona sobre la España que retrató en sus novelas. La obra muestra al Galdós más humano: irónico, lúcido y cercano.

La carta perdida

Es un concierto? ¿Es una función de teatro? ¿Es un musical?“La carta perdida desde los 80” es todo eso y mucho más.Un espectáculo que muestra la cara y la cruz de los 80. Una historia entrelazada con las canciones que todos conocemos y añoramos, que siguen vivas en nuestro recuerdo y en nuestras fiestas. Una reivindicación al madrileño barrio de Malasaña y las relaciones entre padres e hijos.Un relato que te llegará al corazón, escondido en una carta perdida desde los años 80.

es una obra llena de sentimiento que nos teletransporta a la época de la movida madrileña y al mítico barrio de Malasaña. Su historia, la mella que la droga hizo en la gente en aquellos años. En los jóvenes, en las familias, en los músicos y sus sueños.Una obra que te hace reflexionar, sin dejar de disfrutar, cantar, bailar, reír y llorar.

Bullying

Bullying es el primer show en solitario del actor y cómico Carlos Suárez. Es un show de stand-up comedy en el que el muchacho va sin filtros y reina el gamberreo.

Por cierto, el chaval tiene toda la cara del primo de Harry Potter, ¿o es cosa mía? 

Este show es comedia, es un viaje en un 4 latas con el maletero cargado de sarcasmo, este show es un adolescente virgen maquillándose los granos de la cara antes de ir a su primera cita, pero también son anécdotas y reflexiones que dejan espacio a la sorpresa. 

Bernarda y Poncia

La acción se encuadra 8 años después de la muerte de Adela, hija menor de Bernarda Alba, transcurre durante doce horas de un día de verano, entre el amanecer y el atardecer, donde diálogo a diálogo de nuestros personajes se van desvelando los secretos de una familia marcada por la tragedia.

Resolviendo los conflictos que existen entre los personajes, hasta volcar las emociones una sobre la otra, desde una edad temprana hasta la ancianidad. 

La madre que me parió

Tres mujeres acuden a la boda de una amiga de la infancia acompañadas de sus madres. Durante el convite, la novia se arrepiente del enlace y pide ayuda desesperada a sus amigas. Se desata la locura mientras se ponen de manifiesto las complejas relaciones entre madres e hijas, se desvelan secretos, y se confirma que, no hay nada que sane más que compartirlos con tus amigas.

Una comedia de enredo, donde madres e hijas se ven reflejadas porque las hay de todos los perfiles. Un vodevil actual, porque aún es necesario reivindicar quién eres y qué sientes en realidad, a pesar de las trabas familiares y sociales.

Soy una persona horrible

Soy una persona horrible  es una obra para una actriz y muchos personajes que aborda temas de relevancia universal con una mezcla única de humor y drama que logra sumergir al espectador en una montaña rusa de emociones.

Una historia que a ritmo vertiginoso explora con honestidad y mucho humor los desafíos de hacerse mayor,  la búsqueda de uno mismo y la complejidad de las relaciones familiares.

El secuestro

Paco es un carnicero al que están a punto de cerrarle el mercado donde lleva trabajando toda su vida, desesperado, decide que su mejor opción es secuestrar al hijo del ministro de cuyo voto depende el cierre… pero llega su hermana… y su cuñado… y todo se complica… más… y aún más… mucho más.

Nuestro protagonista vive una tragedia muy real, casi cotidiana en nuestros días; tiene cincuenta años, una hipoteca, una hija pequeña y se ve en la calle y sin futuro. Paco se convierte en justiciero, como Charles Bronson, como Batman… pero Paco no es Charles Bronson, ni Batman, Paco es Paco…  y al final del día no tenemos más remedio que aceptar quienes somos y confiar en que todo salga bien.

Frankie y Johnny en el Claro de luna

En un pequeño, pequeñísimo apartamento, en un barrio de Manhattan, los dos protagonistas, Frankie y Johnny están haciendo el amor, llegando al clímax de la que ha sido -para Frankie- una relación de una noche; -para Johnny- la conexión, el inicio del camino hacia el amor. Son compañeros de trabajo desde hace tiempo. Él, cocinero y ella camarera en un restaurante griego de algún lugar de Nueva York. Johnny es persistente, intenso, implacable, entrometido y romántico.

A medida que transcurre la noche en este “aquí y ahora” que es Frankie y Johnny en el claro de luna vamos conociendo el pasado y las reveladoras circunstancias de cada uno. Gradualmente, los miedos, las diferencias y los argumentos tan contrarios entre los protagonistas empiezan a convivir con la esperanza, la posibilidad y las coincidencias.

Vocal Express

Cinco amigos se preparan para emprender el viaje de sus vidas con una misión aparentemente sencilla: llegar a tiempo a una cita muy importante. Sin embargo, una ristra inacabable de contratiempos se suceden sin parar: retrasos, turbulencias, controles de seguridad descabellados... Alguien muy importante les espera al otro lado del mundo, pero la vida parece haberse empeñado en ponérselo muy, pero que muy difícil.

¿Conseguirán llegar a tiempo ¿Sobrevivirán a la aventura? Y lo más importante: ¿Serán capaces de aguantarse unos a otros? No lo sabemos. Solo sabemos que no ha existido jamás un viaje en avión tan complicado.

Pero tampoco tan divertido.

Historia de España en 70 minutos

Un minucioso trabajo de documentación fue la base para construir esta obra vertiginosa, imbuida de humor inteligente y cargada de detalles, datos e interés, que pueden disfrutar tanto un grupo de estudiantes como el público general. Observamos la historia como un conjunto completo, un todo unido, no como una serie de apartados o secciones separadas y organizadas en compartimentos estancos.

Todos menos Jack

Una historia sobre el entretenimiento y el morbo. Tres true crimers quieren exprimir al máximo una historia de una desaparición para dar con el prestigio que anhelan hace tiempo.

Tres youtubers de true crime de poca monta preparan el caso sobre la desaparición de un chico joven. Éste es un caso misterioso en el que incluso puede haber la implicación de altas esferas. A lo largo de la preparación, realización y publicación de dicho programa, debatirán sobre el rumbo creativo que deben tomar y cada uno luchará por su visión para obtener el anhelado éxito.

20 poemas de amor y una canción desesperada

Espectáculo musical a cuatro voces acompañadas de una bailarina y música de guitarra y violín. A través de la música, las coreografías y las armonías corales, las figuras e imágenes que Neruda describe en sus poemas cobran vida y salen del papel.

Una noche en el Alhelí

Un bar de carretera a las tantas de la noche. Dos hombres trajeados con un día muy complicado y la necesidad imperiosa de encontrar un lugar donde esconderse y poder comunicarse. Un local cochambroso, lleno de deudas que preocupan a su propietaria que no sabe cómo sacarlo hacia delante. Dos primas, una cocinera y otra prostituta, intentando sobrevivir. Un maletín que desprende una luz que deslumbra a todos los presentes. Una noche que promete ser muy larga… Una noche en el Alhelí.

 

ÍDOLOS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España e Italia, IDOLOS, está dirigida por Mat Whitecross con guion de Jordi Gasull, Inma Cánovas y Ricky Roxburgh “No le eches la culpa a tu compañero, échale la culpa a tu miedo”

Edu Serra (Óscar Casas) es un piloto de MotoGP, quien tras caerse al tomar una curva durante una carrera, discute con su entrenador y se va de mala gana. Trabaja como repartidor y una mañana descubre que debajo de su casa, una joven tatuadora, Luna Cardona (Ana Mena), acaba de abrir un estudio de tatuaje. La atracción entre ambos surge al instante.

A Edu le dan la oportunidad de formar parte de la escudería Aspar Team de Moto2, con la condición de ser entrenado por Antonio Belardi (Claudio Santamaria), a lo que él se niega y se cabrea, porque Antonio es su padre,  quien tras tener un aparatoso accidente durante una carrera y fallecer en ella su mejor amigo, se retira de las competiciones y les abandona a él y a su madre (ahora fallecida). Edu siempre tiene presente la memoria de su madre, repudiando a su padre.

Mat Whitecross, se inició en la industria como asistente. En la dirección cuenta con  los cortometrajes: “Job Street” 2005 y “Red Nose Day Actually” en 2017. Los  largometrajes: “Camino a Guantánamo” 2006, “La doctrina del shock”,  “Moving to Mars” y “Sexo, drogas y rock`s roll” todas en 2009, “Spike Island” y “Ashes” en 2012, “Oasis: Supersonic” 2016, “Coldplay. A head full of dreams” 2018, “El sonido de 007” 2022 y este año nos ofrece “Ídolos” 2026. Ha dirigido capítulos para las series: “Nearly Famous” 2007, “Spooks: Code 9” 2008, “Vic and Bob´s Big Night Out” 2018/19 y “Rising Phoenix: Road to Tokyo” 2024. Para las miniseries: “Fleming” 2014, “The Kings” 2021 y “This England” 2022. El telefilme “Bauhaus 100” 2019. El especial para TV “Coldplay`s Game of Thrones: The Musical” 2015, el vídeo: “Riz MC: Post 9/11 Blues” 2006 y  numerosos videoclips entre los que encontramos: “Coldplay: Bigger Stronger” 2005, “Coldplay: Violet Hill (Dancing Politicians Version),  “Coldplay: Lost!”, Coldplay:Lovers in Japan” y “Coldplay Feat. Jay-Z: Lost+” todos en 2008, “Take That: The Flood” y “Coldplay: Christmas Lights” en  2010, “Take That: Kidz”, “Coldplay: Paradise” y “The Rolling Stone: No Spare Parts” en 2011, “Coldplay: Every Teardrop Is a Waterfall” y “Coldplay: Charlie Brown” en  2012, “Coldplay: A Sky Full a Stars” 2014, “Coldplay: Adventure of a Lifetime” 2015, “Take That: Giants”, “The Chainsmokers & Coldplay: Something Just Like This (Tokyo Remix) y “Vic & Bob`s Night Out” en  2017, “Liam Gallagher: Paper Crown” y “Coldplay Live in São Paulo” en 2018, “Coldplay: Orphans” 2019, “Pink Floyd feat: Andriy Khlyvnyuk of Boombox: Hey Hey Rise Up” y “Coldplay:Biutyful” en 2022.

Si el pasado año nos visitó el automovilismo con “F1: La Película” de Joseph Kosinski, en este inicio del 2026 nos llega el motociclismo aupado por Mat Whitecross. Ambos títulos se pueden dar la mano, pues aunque las producciones presenten algunas diferencias notables, Ídolos posee la fuerza, el arrojo y  una latente rivalidad que visten en el día a día y en cada competición, al joven Edu, piloto de MotoGP, cuya ira enraizada en un pasado triste y oscuro, le persigue como fantasma en el presente, no dejando que se desarrolle todo su potencial.

El rugir de las motos en la pista se percibe con toda intensidad desde la butaca, gracias al extraordinario sonido; mientras que el amor y las luchas internas del personaje, alimentados por el duelo del pasado, la rabia contenida, la ausencia de una madre y del abandono de un padre e incluso de los enfrentamientos con su entrenador y otros compañeros; compiten  con el amor que, como bálsamo renovador llega a la vida de Edu, curando las heridas y lo más importante, disipando las sombras que ocultan la luz de un nuevo tiempo, aunque para ello deba vivir su propio viacrucis.

En el reparto nos encontramos con Claudio Santamaria como el padre y el nuevo entrenador de Edu. Los roces entre ambos resultan de lo más convincentes. Padre e hijo deben hacer frente a sus propios demonios, si quieren alcanzar la paz que sus mentes y cuerpos demandan. Enrique Arce se mete en la piel del jefe de la escudería del equipo Aspar Team de Moto2, quien ve en Edu esa rabia, valor y potencial para ser un campeón y que en la actualidad está desperdiciando; además, Eli será el “culpable” del acercamiento entre Antonio y su hijo Edu, que tanto se necesitan. Una interpretación con altas dosis de humanidad, respeto y entrega; tan natural como contundente. Llega el momento de la pareja romántica, tanto en la escena como en la vida real. Un Óscar Casas que me sigue recordando mucho a su hermano. Está claro que están cortados por el mismo patrón y  que Mario le ha enseñado muy bien el oficio. La complicidad entre los dos, es más que evidente, pues hasta algunos gestos son fácilmente reconocibles y sobre todo, el afán de mostrar sus cuerpos bien cuidados. Que puñetas, si la naturaleza ha sido generosa con ellos, hay que lucirlo. Óscar realiza una dramática interpretación que cala en el espectador, al igual que la de su compañera Ana Mena, como Luna, la tatuadora que instala su centro en los bajos del edificio donde vive Edu. El amor que se profesan, traspasa la pantalla. No perdáis de vista los numerosos cameos de pilotos reales, durante las carreras, como sucedía en F1; en esta ocasión veremos a Marc Márquez, Aleix Espargaró  e incluso a Jorge Martínez Aspar.

Para ir terminando, comentaros que cuenta con una cuidadísima puesta en escena, destacando la sobresaliente fotografía de Félix Bonnin y Xavi Giménez, el vertiginoso montaje de Ascen Marchena, la banda sonora en la partitura de Sara Josa Cercós, que incluye dos temas originales de Ana Mena, y el apabullante sonido, que hace vibrar el suelo y la butaca. Un filme muy recomendable para los amantes del motociclismo y de quienes disfrutan de una buena película.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Òscar Casas, Ana Mena, Claudio Santamaria, Enrique Arce, Saul Nanni, Simone Baldasseroni, Nadal Bin, Alessandra Carrillo, Mario Ermito, Adrian Grösser, José Milán, Tarina Patel, Jorge Rueda y Desirée Popper.

PRODUCTORA: 4 Cats Pictures// Warner Bros. España// Mogambo// Anangu Grup// greenBoo Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warmer Bros. Pictures España.

ARCO: CRITICA DE CINE

      ARCO está dirigida por Ugo Bienvenu compartiendo guion con Félix De Givry.

Arco (Voz de Oscar Tresanini), es un niño de 10 años, que vive en un futuro lejano. Sus padres y hermana lo han dejado al cuidado de los animales y el huerto. En el cielo se dibuja un gran arcoíris y al verlo, corre tras él. Al final de dicho arcoíris surgen tres personajes con capas con los mismos colores. Son su hermana, que lo abraza con cariño y sus padres. Durante la cena, Arco comenta que desea ir con ellos en el próximo viaje, pero su padre (Voz de Oxmo Puccino), le explica  que la ley no permite volar antes de los 12 años. Al llegar la noche y cuando todos duermen, se viste con el traje de su hermana y salta al vacío. Al principio pierde el equilibrio pero pronto lo recupera y emocionado, decide explorar.

La acción nos sitúa en un futuro más cercano, en el 2075. Una niña de nombre Iris (Voz de Margot Ringard Oldra) y su hermano pequeño, están al cuidado de Mikki (Voz de Louis Garrel), un robot doméstico, mientras sus padres trabajan en la ciudad. Un día Iris ve caer a Arco del cielo y decide llevarlo a casa, porque presenta algunas heridas. Tras recuperarse le pregunta quién es y de dónde viene. Arco solo le desvela lo que puede, haciéndole saber que nadie debe conocer el futuro. Arco se intranquiliza al darse cuenta que ha perdido el diamante que llevaba en su traje, pues sin él no podrá regresar. Iris sin pensarlo dos veces, decide protegerlo y ayudarlo.

Ugo Bienvenu, estudió en la Ècole Estienne de París donde se especializó en Artes Aplicadas y Diseño (STD2A), graduándose en ilustración. Finalizados sus estudios se incorporó al programa de animación de Gobelins y tras pasar por el California Institute of the Arts de Los Ángeles, se dedicó a la animación experimental. Sus inicios llegaron con los cortometrajes “Jelly Sunday” 2009, “Jean-Luc” 2010, “Une île” y “La Fin du monde” ambos en 2012 y “Maman” 2013. El videoclip “Jabberwocky feat. Ana Zimmer: Fog” 2015, capítulos para la miniseries “Ant-Man” 2017 y regreso al cortometraje con “Dolly.Zero” 2017, “L`entretien” 2019, “Métal Hurlant” 2021, la miniserie documental de animación junto a François de Riberolles “Magallanes: la primera vuelta al mundo” 2022 y por fin debuta en el largometraje con “Arco” 2025.

Arco es una historia aparentemente sencilla pero que tras su visionado, al menos en el público adulto, deja posos de lo más interesantes, en nuestras mentes. La historia de estos dos jóvenes, que no es por casualidad se llaman Arco e Iris y que sea este fenómeno óptico y meteorológico el transporte idóneo para viajar al pasado o al futuro, nos hablarán de las emociones y sentimientos, de la amistad, la familia, la complicidad, la protección o el tender una mano desinteresada a quien lo necesita, sin mirar la procedencia del otro, simplemente confiando en la nobleza del ser.

Sus mundos son muy diferentes. El de Iris, sufriendo el cambio climático con fuertes tormentas, vientos, incendios y otros desastres naturales. Solo cuando el sol brilla, disfrutan del entorno. Los robots realizan tareas como cortar el césped, recoger la basura, limpiar las calles, cuidar d los niños e incluso ejerciendo de maestros. Es un mundo más frío en el cual muchos de los objetos están creados por hologramas, incluyendo las llamadas telefónicas; mientras que el mundo de Arco es un lugar idílico. Viven entre las nubes rodeados de naturaleza y belleza, cuidan de los animales y cultivan sus propios huertos, además de tener la capacidad de comunicarse con las aves.

Un filme rico en matices que iréis descubriendo a lo largo del metraje, pues si bien los más pequeños disfrutarán con una animación apoyada en el 2D, que sinceramente se agradece toparse con una obra artesanal que se regocija en su exquisita paleta de color, la cual logra acentuar los sentimientos, emociones, drama o paz que respira la obra; los adultos tendrán tiempo para reflexionar y cuestionarse qué estamos haciendo con nuestro ecosistema, con el planeta que nos sustenta y nos da la vida. ¿Sucumbiremos como lo hicieron los dinosaurios? Un detalle que no pasa inadvertido, es la similitud en la narración, con E.T., la inolvidable película de Spielberg. Y si bien el drama está muy presente, Ugo y Félix, no se olvidan de crear algunas páginas de humor en el guion, que además de dar esperanza, liberan tensiones con momentos cómicos a través de tres personajes excéntricos y patosos, que no son malos, sino curiosos.

Resumiendo, pues espero que os haya despertado las ganas de ir a verla, sobre todo a los amantes de la animación, que cada vez somos más. Estamos ante una película tranquila y amable que te acomoda en la butaca, sin sobresaltos y con emociones a flor de piel. Un filme para toda la familia. Una obra contemplativa, pues aunque cuenta con pocos elementos en los decorados, son lo suficientemente atractivos como para disfrutar de cada uno de ellos, junto a la banda sonora relajante, potente y atractiva, en la partitura de Arnaud Toulon, que rematan esta obra tan bien diseñada.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO DE VOCES DE LOS PERSONAJES: Oscar Tresanini, Margot Ringard Oldra, Alma Jodorowsky, Louis Garrel, Swann Arlaud, Vincent Macaigne, William Lebghil, Oxmo Puccino y Sophie Más.

PRODUCTORA: Remembers// MountainA// France 3 Cinéma// CNC// Fit Via Vi Film Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Caramel Films España.

LA BANDA SONORA DE RIADAS ESTÁ COMPUESTA POR ENEKO VADILLO

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “ENEKO VADILLO” firma la Banda Sonora de “RIADAS”

RIADAS', LOS SONIDOS QUE GUARDA LA MEMORIA

Riadas, es un largometraje documental dirigido por José Luis Rancaño y Raúl Cerezo y producido por La Dalia Films y Blue Bee Productions. Un año después de la tragedia de la DANA que asoló los pueblos del litoral de la provincia de Valencia, Riadas se ha convertido en uno de los documentales más vistos en la plataforma Amazon Prime Video. En palabras de unos de sus directores, "Riadas es el documental más visto en Amazon Prime gracias a los confidenciales". La película recupera los testimonios de las víctimas de las grandes inundaciones que provocó la Dana y genera un relato colectivo a través de los afectados y los voluntarios, con el objetivo de que éstos no caigan en el olvido.

La banda sonora de Eneko Vadillo sostiene ese testimonio colectivo desde la emoción contenida. El compositor y pianista explica que su música “refleja el amargo dolor de las pérdidas, la épica de la reconstrucción y la tierna compasión entre los afectados”. Para él, componer Riadas fue un proceso exigente y profundamente personal: “Fue un ejercicio de contención, pero también una liberación, una catarsis y una forma de ayudar al documental. Era una música que era necesario que hiciera yo porque nadie más hubiera querido o podido abordarla así”.

La partitura apuesta por un lenguaje minimalista y respetuoso, que prioriza la palabra y el recuerdo. El violín y el chelo marcan el pulso emocional, acompañados por un tempo pausado y una escritura sin estridencias que permite que la música funcione como un velo íntimo entre el pasado y el presente. Vadillo destaca que, si tuviera que elegir una pieza que resumiera el espíritu del film, sería Elegía o Lachrymae: “Un memento, un planto por las víctimas”.

Más allá de su impacto artístico, Vadillo confía en que la acogida del documental contribuya a abrir una reflexión colectiva: “Espero que recuerde que no vivimos aislados. Nos necesitamos. Y necesitamos acciones voluntarias que no busquen el lucro, sino el bienestar del alma, la solidaridad con nuestros congéneres y el cuidado de nuestro entorno”.

EN LA SENDA DE LA DENUNCIA SOCIAL

Entre sus futuros proyectos que pronto verán la luz, Eneko Vadillo firma la banda sonora de un nuevo documental centrado en la realidad de las personas afectadas por ELA en distintas comunidades de España. La obra, concebida y producida por José Luis Rancaño, se enmarca en la tradición de proyectos sociales como Riadas las producciones de La Dalia Films, poniendo el foco en colectivos vulnerables y en la necesidad de reforzar la conciencia pública sobre su situación.

Para esta producción, Vadillo ha creado una partitura en la que una orquesta de cuerda, cuerdas solitas y arpa se combinan para generar una atmósfera profundamente emotiva, al tiempo que incorpora elementos sonoros novedosos que aportan una identidad propia al proyecto.

En el formato cortometraje, Eneko Vadillo colabora de nuevo con un proyecto que gira en torno a los afectados por la riada. La misma productora -La Dalia Films-, prepara un corto documental centrado en la figura de David Lafoz, agricultor voluntario durante la Dana que acabó suicidándose, y cuyo relato pone el foco en la precariedad y la falta de respuestas institucionales ante situaciones de emergencia. El proyecto titulado David Lafoz: lo que nos queda por decir se encuentra en fase de montaje y cuenta con la música original compuesta por Vadillo. Tanto esta como la BSO del documental sobre el ELA, se publicarán online el próximo mes, ampliando así la vida de sus composiciones más allá del ámbito audiovisual.

ENEKO VADILLO

Doctorado en Musicología, docente, ensayista e investigador, Eneko Vadillo es un compositor que trabaja desde una profunda conciencia narrativa. Su música mezcla precisión técnica, exploración tímbrica y una sensibilidad muy fina hacia el ritmo interno de las imágenes y los relatos. Su catálogo abarca obras orquestales, piezas camerísticas, espectralismo aplicado y proyectos donde conviven color, textura y tecnología. 

En el audiovisual ha firmado trabajos para largometrajes y documentales -entre ellos 'Viejos', 'La ciudad de los signos', 'Oscuro y Lucientes', 'La Caja de Medea' o la video danza 'Los mundos lisérgicos', consolidando un estilo muy narrativo y emocionalmente contenido. Su música para cine destaca por la elegancia tímbrica, la contención expresiva y una manera muy personal de acompañar la palabra y la imagen. En proyectos recientes como Riadas, donde su banda sonora sostiene el relato desde la emoción mínima y el respeto absoluto hacia los testimonios, Vadillo confirma su madurez artística y su capacidad para transformar la música en un lugar de memoria y diálogo.

PELÍCULAS ORIGINALES MOVISTAR PLUS+ EN LOS GOYA 2026

 

Las películas originales Movistar Plus+, con 'Los domingos' y 'Sirat', a la cabeza, triunfan en los Goya con 34 nominaciones

Movistar Plus+ vuelve a situarse en el centro de la carrera hacia los Premios Goya. La lista de películas candidatas, hecha pública este martes 13 de enero por la Academia de Cine, vuelve a subrayar el compromiso de la plataforma con el mejor cine español. Entre las producciones favoritas figuran cinco películas originales Movistar Plus+ con 34 nominaciones: 'Los domingos', 'Sirat', 'Los Tigres', 'Flores para Antonio' y 'Hasta que me quede sin voz'. Además, Movistar Plus+ también ha participado en otras 16 películas, que suman 51 nominaciones. En total, Movistar Plus+ acumula así 85 candidaturas. La gala de los Premios Goya 2026 se celebrará el sábado 28 de febrero en Barcelona.

De ellas, 'Sirat' (producida en colaboración con Filmes da Ermida, El Deseo, Uri Films y 4a4 Productions) y 'Hasta que me quede sin voz' (producida con Blur) ya están disponibles en la plataforma, mientras que 'Los Tigres' (en coproducción con Kowalski Films, Feelgood Media, Mazagón Fims AIE en coproducción con Le Pacte) se estrenará el 20 de febrero, 'Los domingos' (producida junto Buenapinta Media, Colosé Producciones, Sayaka Producciones, Encanta Films, Think Studio, Los Desencuentros Película A.I.E. en asociación con Le Pacte) el 27 de febrero y 'Flores para Antonio' (producida por Flower Power Producciones, LACOproductora, Caballo Films y Flores para Antonio la película AIE) llegará en marzo. Junto a estas cinco películas originales, Movistar Plus+ ofrece y ofrecerá próximamente otros títulos destacados de la temporada. 

19 Películas de los Goya 2026 ya disponibles en Movistar Plus+

Sirat. 11 nominaciones.

Sorda. 7 nominaciones.

Romería. 6 nominaciones.

Los Tortuga. 2 nominaciones.

Tardes de soledad. 2 nominaciones.

Muy lejos. 2 nominaciones.

La furia. 2 nominaciones.

Hasta que me quede sin voz. 1 nominación. 

El talento. 1 nominación.

Cónclave. 1 nominación.

La buena letra. 1 nominación. 

Ángulo muerto. 1 nominación.

El cuento de una noche de verano. 1 nominación.

Sexo a los 70. 1 nominación.

Una cabeza en la pared. 1 nominación.

El corto de Rubén. 1 nominación. 

El estado del alma. 1 nominación.

Buffet Paraíso. 1 nominación. 

Carmela. 1 nominación.

15 películas más, pronto en Movistar Plus+

Los domingos. 13 nominaciones. Estreno 27 de febrero.

Maspalomas. 9 nominaciones. Estreno 22 de enero.

Los Tigres. 7 nominaciones. Estreno 20 de febrero.

La cena. 8 nominaciones. Estreno 13 de febrero.

Ciudad sin sueño. 5 nominaciones. Próximamente.

Flores para Antonio. 2 nominaciones. Estreno en marzo.

Estrany Riu. 2 nominaciones. Estreno 3 de febrero.

Eloy de la Iglesia. Adicto al cine. 1 nominación. 17 de enero.

Mi amiga Eva. 1 nominación. Estreno 23 de enero.

Decorado. 1 nominación. Estreno 24 de febrero.

Un simple accidente. 1 nominación. Estreno 7 de febrero.

Rondallas. 1 nominación, Próximamente.

On Falling. 1 nominación. Próximamente.

Valor sentimental. 1 nominación. Próximamente.

Olivia y el terremoto invisible. 1 nominación. Próximamente.

Ganadoras de años anteriores

En Movistar Plus+, el canal Los Goya por M+ (dial 15) reunirá los contenidos vinculados a los premios de la Academia de Cine y más de un centenar de películas galardonadas, también disponibles bajo demanda. Entre los títulos destacados figuran ‘La infiltrada’, ‘El 47’, ‘Belle époque’, ‘Blancanieves’, ‘¡Ay, Carmela!’, ‘El Bola’ o ‘Tesis’. Los Goya por M+ estará disponible del jueves 12 de febrero al martes 3 de marzo y reunirá a las grandes favoritas de la edición de 2026 junto a títulos premiados en años anteriores.

Homenaje a Gonzalo Suárez

El cineasta Gonzalo Suárez recibirá el Goya de Honor 2026, un premio a su trayectoria tras 60 años de carrera cinematográfica. Dos de sus películas más emblemáticas, 'La regenta' y 'El portero', se pueden disfrutar ya en Movistar Plus+.

28 AÑOS DESPUÉS: EL TEMPLO DE LOS HUESOS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, 28 AÑOS DESPUÉS: El templo de los huesos, está dirigida por Nia DaCosta con guion de Alex Garland. “Luci soltó a sus demonios sobre el mundo del hombre”

El líder de una secta satánica, Sir Jimmy Crystal (Jack O`Connell), contempla como sus miembros: Jimmy Ink (Erin Kellyman), Jimmima (Emma Laird), Jimmy Jimmy (Robert Rhodes), Jimmy Jones (Maura Bird), Jimmy Snake (Ghazi Al Ruffai) y Jimmy Fox (Sam Locke), intimidan y preparan al nuevo integrante, Spike (Alfie Williams), que tras una prueba de valor, es admitido en el grupo, tras ser bautizado como un nuevo Jimmy.

En otro espacio, no muy lejos, vemos al Doctor Ian Kelson (Ralph Fiennes) en su tempo de huesos, siendo sorprendido por Samson (Chi Lewis-Parry), un Alpha infectado al que se enfrenta y apacigua lanzándole un dardo tranquilizador, con su cerbatana. Samson le visita de nuevo e Ian, piensa en si existe la posibilidad de curarlo con los medios que tiene a su alcance, naciendo entre ambos una interesada amistad.

La guionista y directora, Nia DaCosta, se graduó en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York, donde conoció a uno de sus directores favoritos, Martin Scorsese, mientras trabajaba como ayudante de producción en televisión. Debutó con “Little Woods” 2018, continuando con “Candyman” 2021, “The Marvels” 2023, “Hedda” 2025 y este año nos ofrece la nueva entrega de “28 años después: El templo de los huesos”. Para televisión ha dirigido episodios de “Top Boy” 2011 y “Behind the Monsters” 2021, además del cortometraje de animación “Candyman: Animated Prequel” 2020 y el documental “Así se hizo The Marvels” 2024.

El primer título de esta saga llegó en 2002 con “28 días después” de Danny Boyle, al que han seguido “28 semanas después” de Juan Carlos Fresnadillo 2007, “28 años después” de nuevo dirigida por Danny Boyler 2025 y de momento, nos quedamos con “28 años después: El templo de los huesos” 2026 de Nia DaCosta, a falta del desenlace de la trilogía, eso si no deciden continuar, que no sería de extrañar, al menos si siguen poniendo tanto empeño en sorprender al espectador.

Entré a la sala esperando ver una continuación de “28 años después” y la sorpresa ha sido muy positiva, más de lo que podía esperar, pues Alex Garland ha elaborado un guion en el que no solo continúa con la historia, sino que la enriquece abriendo nuevas vías para una franquicia más grande, más intensa, más inquietante, más crítica, mucho más violenta con grandes dosis de gore y con nuevos y refrescantes enfoques, en ese mundo distópico invadido por humanos infectados por el virus, que en su día se escapó de un laboratorio de armas biológicas, como ya sabéis.

Si la anterior entrega se nos presentó como un viaje de iniciación y redención, a la vez que los supervivientes intentaban mantener las distancias y sobrevivir a la furia desatada en los infectados, protegidos por los muros de una fortificación; en esta ocasión los ataques de los “zombis” quedan en un segundo plano, aunque el guionista y la directora no se privan en deleitarnos con algunas escenas de fuerte impacto, llevadas a cabo por estos seres, aunque algunos de los supervivientes no se quedan atrás, en cuanto a la violencia se refiere.

La egolatría, la locura y el fanatismo, se confabulan para dar aliento a la secta que dirige un cruel y cínico superviviente, convirtiéndose en el tema principal que chocará con la nobleza de quien busca una solución al grave problema que les afecta. Estamos por tanto ante un espeluznante Yin Yang marcado por dicho grupo sectario liderado por el perturbado Sir Jimmy Crystal, quien tiene a su servicio a jóvenes belicosos, entre los que se encuentra  Spike, y en el otro lado de la balanza se sitúa la mente lúcida y pacifista del doctor Ian Kelson, quien está esperanzado en hallar la cura para los infectados, tomando como “Paciente” al terrorífico Samson. Una narración, que esconde mucho más que el terror visual que nos mantiene pegados en la butaca, pues exhibe metáforas sutiles de una aguda crítica socio – política, cuestionando a la humanidad.

Esta nueva entrega, cuenta con excelentes interpretaciones donde despunta un brillante Ralph Fiennes, quien logra empatizar con el espectador, al ofrecerle el rico e interesante abanico de matices que ostenta la fuerte personalidad de Ian, haciéndonos partícipes de cuanto se cuestiona en la soledad de su templo, entre los escasos recuerdos del pasado, sus sueños, miedos, experiencias y deseos. Roza, sin tal vez ser consciente,  la fina línea que separa el bien del mal, la vida de la muerte, lo correcto de lo incorrecto. Jack O`Connell, en un papel sobreactuado, como el guion exige, encarna la maldad más perversa, demoledora y cínica e incluyo a Chi Lewis-Parry  como Samson, el infectado, que no sé por qué razón, me recordó, salvando las distancias, al monstruo de Frankenstein. Un monstruo que busca paz, ser entendido y dejar de ser el monstruo que le ha tocado en “suerte”.

También merece subrayar la extraordinaria puesta en escena, resaltando la impactante fotografía de Sean Bobbitt, entre planos estremecedores y vistas de pájaro inquietantes. El uso del color y la iluminación que sobrecogen, hasta logar hipnotizar al espectador más curtido y para terminar, Hildur Guðnadóttir, nos asfixia con su amenazadora y trepidante banda sonora, en donde escucharemos un tema del mítico grupo Iron Maiden, en una escena que bascula entre el terror y el humor negro.

Mi nota es: 8.5

ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de enero.

REPARTO: Ralph Fiennes, Emma Laird, Alfie Williams, Jack O`Connell, Chi Lewis-Parry, Robert Rhodes, Maura Bird, Ghazi Al Ruffai, Natalie Cousteau, Sam Locke y Elliot Benn.

PRODUCTORA: Columbia Pictures// DNA Films// BFI// Decibel Films// Sony Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing España.