TE VAN A MATAR: CRÍTICA DE CINE

Te van a matar dirigida por Kirill Sokolov compartiendo guion con Alex Litvak. “Un festín de sangre, fuego y humor negro en el corazón de Manhattan”

La película arranca con un impactante prólogo: Asia Reaves (Zazie Beetz) dispara y mata a su padre en un acto desesperado por proteger a su hermana María Reaves (Myha`la Herrold), frenando años de maltrato. Pasados 10 años, Asia reaparece frente al The Virgil, edificio que, como se nos relata, fue uno de los más emblemáticos de Manhattan. Tras llamar al timbre, es recibida por Lily (Patricia Arquette), la directora. Asia se presenta como la nueva empleada. El lujo y la tranquilidad del lugar son tan solo una fachada, pues tras instalarse, es asaltada por figuras encapuchadas y vestidas de negro, desatándose la primera escena de acción y gore, que nos advierte que los residentes esconden un secreto sangriento tras su apariencia de éxito. Lo que los residentes no sospechan es que Asia no es una víctima fácil; su verdadera misión es infiltrarse en las entrañas del edificio para rescatar a su hermana.

Será a partir de esta primera escena donde Sokolov imprime un ritmo endiablado en un escenario casi único. El edificio acogerá un festín de pasillos infinitos y puertas que esconden secretos, como si estuviéramos en el interior de una compleja casa del terror, un escenario donde el director despliega un abanico de referentes. Se percibe la genialidad de Tarantino en trabajos como el western “Django desencadenado” o la inolvidable “Kill Bill” pasando por la mala leche de la protagonista en “Noche de bodas” de Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett o la secuencia del ojo en “Terroríficamente muertos” del más gamberro Sam Raimi. La secuencia del ojo, en esta ocasión un “ojo espía”, no es solo un homenaje a Terroríficamente muertos, sino una declaración de intenciones: aquí la sangre se salpica con carcajadas y al espectador no le importa verse rodeado de vísceras de todo tipo.

Esta función llevada al extremo casi teatralizado, no alcanzaría su cenit si no fuera por las interpretaciones de sus dos protagonistas principales, pues el resto son peones indispensables de este ritual endiabladamente sádico, cómico y sangriento. Por un lado la increíble Zazie Beetz, dando vida a una desatada, violenta y furiosa Asia Reaves, quien es capaz de matar sin pensárselo dos veces, con tal de que su hermana esté a salvo. Su interpretación es difícil de describir, hay que verla en acción para justificar mis palabras. Está simplemente brutal. Aquí no existe la palabra contención sino desenfreno. Y Patricia Arquette quien encarna, y nunca mejor dicho, a Lily. Una mujer en apariencia elegante que realmente exuda cinismo y maldad por cada uno de sus poros. Es la anfitriona perfecta para elevar esta pesadilla en donde lo inimaginable se hace realidad. Donde los muertos no mueren al ser inmortales pero sí derrochan litros y litros de sangre, como si de aspersores se tratara.

“Este edificio es un templo a Satán. Cada mes tenemos que ofrecer un sacrificio humano”

Todo este festín visual y visceral está recreado por la excelente fotografía de Isaac Bauman, dotando a cada planta del edificio y espacios determinados de una atmósfera única inspirada en los círculos del infierno de Dante. Los tonos ocres contrastan con los marrones de las maderas y los contraluces potencian el infierno en el que se ve envuelta Asia. Frente a esas puertas abiertas donde la oscuridad absoluta la espera, ella sabe contraponerse convirtiendo el hacha en un arma y antorcha a la vez. Un recurso vital, ya que en este templo los residentes poseen una regeneración grotesca; si los despedazas, vuelven a encajar cada miembro amputado en su sitio. El fuego es el único elemento para su aniquilación, y el hacha llameante, además de un efecto visual perfecto entre la oscuridad reinante, le sirve a Asia para iluminar su camino y, al mismo tiempo, ejecutar el golpe de gracia definitivo.

Como el mejor amante que puede tener la fotografía en el cine, entre todo ese despliegue de fuego y acero se abre camino la banda sonora de Carlos Rafael Rivera, quien entre sus notas inyecta un pulso frenético que no da tregua, convirtiendo cada hachazo en una nota de esta sinfonía del caos y al pentagrama, navegando entre el drama emocional y el terror más sádico.

En definitiva, “Te van a matar” es un festín de gore muy disfrutable, no solo por los golpes de terror, sino por ese humor negro que consagra a Kirill Sokolov como un maestro del exceso que sabe cómo dibujar una sonrisa en el espectador tras el caos vivido y sufrido. Un filme por el que desfilan todo tipo de armas e incluso aquello que nunca se ha utilizado como tal. Al salir del cine, es como haber estado en una montaña rusa no apta para todos los estómagos, pero me atrevo a decir que imprescindible para quienes buscan experiencias salvajes, divertidas y visualmente impecables.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo.

REPARTO: Zazie Beetz, Myha`la Herrold, Paterson Joseph, Tom Felton, Patricia Arquette, Heather Graham, Darron Meyer, Gabe Gabriel, Megan Alexander y Chris van Rensburg.

PRODUCTORA: Film Afrika Entertainment// New Line Cinema// Skydance Productions.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros. Pictures España.

Filmografía del director

El montador, guionista y director de cine Kirill Sokolov, se graduó en la Universidad Politécnica Pedro el Grande de San Petersburgo en Física y Tecnología de Nanoestructuras obteniendo un máster en 2012. Asistió a Cursos Avanzados para Directores de Cine y Guionistas (VKSR). Se inició con los cortometrajes “Sizif schastliv” y “Byvaet i Khuzhe” en (2012), “The Outcome” (2014) y “Ogon” (2015) en el largometraje, debutó con “¿Por qué no te mueres?” (2018), “Sin mirar atrás” (2021) y este año estrena “Te van a matar” (2026).

UN ALTRE HOME (OTRO HOMBRE): CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre España y México, Un Altre Home (Otro hombre), está escrita y dirigida por David Moragas. “Creo que deberíamos follar”

Marc (Lluís Marquès) es diseñador gráfico y Eudald (Quim Àvila) trabaja en la industria del cine; son pareja y viven juntos. Un día, Marc recibe la llamada de su hermana Marta (Bruna Cusí), quien le comunica que su madre se ha suicidado. Por otro lado, la estabilidad en la pareja comenzará a resquebrajarse cuando Marc, que trabaja desde casa, se empieza a interesar por un nuevo vecino (José Cerdá) que se ha instalado al otro lado de la calle. Sus ventanas y balcones quedan a la misma altura. Un día lo ve junto a otro chico y surgen esos celos infundados, alimentados por el poder de la atracción sexual. A la vez, su hermana le comunica que está embarazada y que duda si seguir o no con su marido,  Pere (Joan Solé). Una obra donde la homosexualidad y la heterosexualidad van de la mano.

Moragas divide el filme, a mi juicio innecesariamente, en tres partes: I (Un año después), II (Madre) y III (Otro hombre), colocando en el epicentro de la historia el vínculo entre Marc y Eudald y abordando las relaciones de pareja, la pérdida, los miedos, la maternidad y los deseos “prohibidos”, entre otros temas. Lo que más se agradece es la forma en que se presenta esta relación homosexual como una pareja natural, bajo el foco de los problemas del día a día, las inquietudes innatas en el ser humano e incluso la cotidianidad en el hogar, que puede verse afectada por el cansancio, la falta de comunicación, la depresión por falta de estímulos o la necesidad de más atención.

Sin embargo, lo que desilusiona es que todos estos temas se quedan en la superficie, sin profundizar en ellos. Y es que, una vez más, lo que podría haber sido un drama con tintes de comedia se pierde en la pantalla al no ser conscientes de que el guion es una de las piedras fundamentales para que una película funcione. No basta con una buena dirección o unas buenas interpretaciones: si no se insufla el suficiente corazón y alma a las páginas,  todo se desmorona.

Toca hablar de las interpretaciones y debo decir que la química  entre Lluís Marquès y Quim Àvila no solo es perfecta, sino que anima y engancha al espectador. Esa magia y complicidad del principio nos hace desear que la relación no decaiga pese a las zancadillas que encuentran en el camino, tanto en el plano físico como en el mental, siendo este último el más peligroso.

Marc es introvertido, quizás por permanecer demasiado tiempo solo en casa, mientras que Eudald es más extrovertido y quien busca mantener en equilibrio la relación. El amor es juguetón y en ocasiones nos pone entre la espada y la pared, para saber si somos o no merecedores de él y en esta relación no iba a pasar de largo.

Moragas les pone a prueba en una escena donde ambos son invitados por unos amigos del trabajo de Eudald, también pareja gay. Las miradas, las palabras y el encuentro dialéctico que mantienen Marc y uno de los anfitriones deja claras las posiciones. Como tercer pilar fundamental en esta obra se encuentra Bruna Cusí, encarnando a Marta, la hermana de Marc. Ambos no solo están pasando el duelo por la muerte de su madre, sino que Marta le confiesa que está de nuevo embarazada y sus dudas debido a los problemas con su marido.

En resumen, estamos ante una historia homosexual de nuestros tiempos y, a pesar de un guion superficial que no se atreve a profundizar en temas  importantes, el magnetismo de sus protagonistas hace que el visionado merezca la pena, aunque no satisfaga del todo, pues Un Altre Home no inventa nada nuevo y la dirección resulta perezosa. Me quedo con el mensaje de que, en ocasiones, la mayor batalla no es contra molinos de viento, sino contra la monotonía que se instala en el balcón de enfrente.

Mi nota es: 5,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo.

REPARTO: Quim Àvila Conde, Lluís Marquès, Bruna Cusí, David Teixidó, Ramon Pujol, Joan Solé, Roc Bernadí, Luka Martín, José Cerda, Eduard Galiá y Lluís Garau.

PRODUCTORA: Oberon Media// Monstro Films// Un Altre Home// 3Cat.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA. Filmax.

FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR:

El escritor, guionista y director, David Moragas, se graduó en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra (Barcelona) y realizó un máster en Dirección de Cine en la NYU Tisch School of the Art (Nueva York). Se inició con los cortometrajes: “El jardí de la Marta” (2016), “When He Left” (2017), “Only Fools In” (2018), “Novio” (2019), “Detox” (2020), “Men tres tant” 2021 y  “Demà ho Deixem” 2022. En el largometraje debutó con “A Stormy Night” (2020) y este año nos ofrece “Un Altre Home” (2026).

PROYECTO SALVACIÓN: CRÍTICA DE CINE

Proyecto salvación está dirigida por Phil Lord y Christopher Miller, con guion adaptado de Drew Goddard. “Un chute de energía positiva en estos  tiempos difíciles”

Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta de un coma inducido, inquieto, desconcertado, sin saber dónde está y quién es. La voz de un ordenador le comunica que está a bordo de una nave, en una misión especial. Poco a poco irá recordando quién es y cómo Eva Stratt (Sandra Hüller), la jefa del Proyecto Salvación, le enroló. Su misión es resolver el enigma de la misteriosa sustancia que está enfriando el sol. Pero aunque todos sus compañeros han fallecido, no estará solo, pues se encontrará con un extraterrestre, cuya misión es muy parecida, Rocky (Voz de James Ortiz). Sus planetas están en peligro porque algo extraño está destruyendo el sol.

Es inevitable no pensar en “Enemigo mío”, “ET” e incluso “2001: Una odisea espacial” por poner tres ejemplos y a la vez sentirla tan original, naturalista y vital, que cuando sales de la sala, te llevas de regalo un chute de buena energía, de vida, felicidad y de fe; gracias a la conexión que surge entre el humano y el alienígena, de amistad verdadera y sincera. Una historia, que en los tiempos que vivimos nos recuerda de qué materia estamos hechos y lo que estamos perdiendo por las prisas, los egos o el materialismo mal entendido, sumergiéndonos con ellos en una espiral de la que parece que no podamos salir o no quieren que lo hagamos; por el contrario, en esta obra, desde el primer momento se busca la manera de hallar un puente para entenderse y ese puente, como ya nos mostrara el maestro Steven Spielberg en Encuentros en la tercera fase, serán las matemáticas y la música. De hecho, hay un precioso guiño al clásico de Spielberg, cuando Ryland tararea la melodía. Ver a Gosling, el entusiasmo que pone para crear ese lenguaje, es brillante y es que sin duda Ryan ejecuta una interpretación impecable, divertida, emotiva y muy juguetona.

Una gran odisea en los confines del sistema estelar, que brilla por el optimismo y la química que nace entre Ryland y Rocky. Seres diferentes físicamente pero alimentados por emociones y sueños similares. Ellos dos son el corazón y el alma de la película y aunque los flashbacks, que se nos ofrecen, sean necesarios para explicarnos quién es Ryland y el motivo de su presencia en la nave, en ocasiones molestan, pues ansías seguir disfrutando de la comunión surgida entre ambos, de sus conversaciones amigables, de sus pullas, sus chistes malos y de esa necesidad imperiosa de compartir conocimientos para sobrevivir y resolver el conflicto en el que se encuentran.

Visualmente la película es un prodigio de contrastes que refuerza esta dualidad. Greig Fraser nos regala una elegante fotografía que disecciona  los recuerdos de la vida en la Tierra a través de los flashbacks, frente al espacio estelar y los interiores de las naves. La profundidad de los espacios, el sentirse orgánica entre los elementos metálicos, la luz y sobre todo, el color. Hay una escena fantástica que parece homenajear de nuevo la obra de Kubrick, en donde las naves se encuentran y mantienen durante unos instantes un juego de coqueteo, de ritual en el que parece que estén bailando al son de un extraño tango. Cada plano, cada secuencia, cada escena tiene vida propia creando una maravillosa paleta cromática, que por momentos nos hipnotiza. A la fotografía se une Daniel Pemberton, quien crea una partitura que juega entre la nostalgia, el divertimento y los instantes dramáticos, que también los tiene.

En resumen, estamos ante una obra genuina, de cine amable y muy blanco, tremendamente evocador y optimista; con un elenco actoral de secundarios muy bien interpretados, destacando a Sandra Hüller que encarna a Eva Stratt, la jefa del proyecto Salvación y superiora de Ryland y no os puedo contar más de ella, pues es una pieza clave entre el choque emocional que provoca la ética y la supervivencia del planeta, que Sandra defiende con mucha credibilidad. Deciros, para terminar que está basada en la novela de Andy Weir.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo.

REPARTO: Ryan Gosling, Sandra Hüller, Milana Vayntrub, Lionel Boyce, Ken Leung, Isla McRae, Bastian Antonio Fuentes, James Ortiz, James Wright, Liz Kingsman, Robert Smith, Travis Jay, Aaron Neil y Orion Lee.

PRODUCTORAS: Lord Miller// MGM// Amazon MGM Studios// Pascal Pictures// General Admission// Waypoint Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

FILMOGRAFÍA DE LOS DIRECTORES:

En esta vida, nada es fruto del azar, sino del trabajo y la complicidad como la que disfrutan estos dos directores desde que se conocieron siendo muy jóvenes: Phil Lord estudió en Ransom Everglades y Dartmouth College y Christopher Miller  en Lakeside y Dartmouth College. El primer contacto lo tuvieron escribiendo columnas en periódicos universitarios y se ha convertido en uno de los motores más creativos del Hollywood actual. Su filmografía comenzó en la animación con “Lluvia de albóndigas” (2009), continuando con “Infiltrados en clase” (2012) e “infiltrados en la universidad” (2014) y el filme animado “The Lego Movie” (2014). También han trabajado para televisión con series como “Clone High” (2002/03), “Brooklyn Nine-Nine” (2013) y “El último hombre en la tierra” (2015). Este año con “Proyecto Salvación” (2026) firman su obra más ambiciosa, con un mensaje claro, que incluso en los confines del sistema estelar, lo que realmente nos salva es la capacidad de conectar con el otro.

SHELTER: EL PROTECTOR : CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, SHELTER: El Protector está dirigida por Ric Roman Waugh con guion de Ward Parry. “El instinto oculto, desconocido y paternal de Jason Statham”

En una isla desierta, vive retirado Michael Mason (Jason Statham), un ex militar del Corps of Royal Marines y ex agente del MI6. Cada semana se acerca un barco tripulado por un compañero del ejército junto a su sobrina Jessie (Bodhi Rae Breathnach), para abastecerle con los suministros que precisa. Será Jessie quien deje la mercancía en tierra firme.

Un día, al regresar al barco, Jessie se ve en medio de una gran tempestad y la barca se hunde. Michael sale en su busca y la salva. Jessie presenta una herida en la pierna que termina infectándose y Michael decide acercarse al pueblo para comprar todo lo que precisa para curarla y una cámara le capta, alertando a las autoridades y enemigos del pasado, quienes se ponen en acción para intentar matarlo y digo intentar, porque es complicado capturar a Jason.

Ric  Roman Waugh, es un hombre todoterreno: Especialista, actor, productor, escritor y director. Comenzó su carrera ejerciendo de doble de riesgo en películas como: “Arma Letal 2” (1989), “Días de Trueno” (1990), “Soldado Universal” y  “El último mohicano” ambas en (1992) o “Blanco Humano” (1993), por poner algunos ejemplos. Como actor trabajó en “Kuffs” (1992) de Bruce A. Evans y en la dirección debutó con “Exit” (1996) a la que han  seguido “La próxima víctima (La sombra del crimen) (2001), “Criminal” (2008), “El mensajero” (2013),  “That Which I Love Destroys Me” (2015), “Maestro del crimen” (2017), “Objetivo: Washington D.C.” (2019), “Greenland: El último refugio” (2020), “National Champions” (2021), “Operación Kandahar” (2023),  y este año nos ofrece “Greenland 2” y “Shelter: El protector”.

Jason Statham nos tiene acostumbrados a ofrecernos personajes con una imagen de hombre tranquilo en la cotidianidad, y de rudo y violento cuando las circunstancias ponen al límite a quien tiene que encarnar. En esta ocasión se añade un elemento más, la vulnerabilidad del ser, pues aunque por naturaleza luche contra las injusticias, en esta coyuntura, tras conocer a la joven Jessie y cuanto acontece a su alrededor, se despierta en él ese instinto primario de protección paternalista, que sinceramente le sienta muy bien al personaje, como podemos observar en algunas escenas.

Cuenta con dos partes bien diferenciadas, la primera, en la que vemos al personaje deambulando como un fantasma en la casa que pertenece a un faro abandonado, pasando los días con la única compañía de su perro fiel y dejando pasar la vida, sin ningún aliciente. La monotonía parece haberse apoderado de él, contemplando como el día deja paso a la noche, sin altibajos. Esa extraña, angustiosa y dolorosa soledad, que percibe el espectador en Mason, le hace cuestionarse qué está sucediendo, pues nada se nos ha desvelado hasta la fecha, solo que subsiste porque así debe ser o tal vez esperando la chispa que active de nuevo mente y cuerpo. Es aquí donde entra la segunda parte, cuando las circunstancias le llevan a salvar a Jessie y con ello ponerse al descubierto, pues el instinto de protección, dispara los resortes que permanecían dormidos, liberando a la bestia que lleva dentro y si bien el espectador ya estaba disfrutando de la trama al llegar a este punto, sabe muy bien lo que se avecina pues Jason Statham, nunca decepciona.

Este thriller de espías, aunque no nos presente nada novedoso, si cuenta con alma, como me gusta definir a algunas películas, pues esta trepidante aventura de acción con pocos buenos y muchos malos, en donde los giros acrobáticos tienen su espacio, así como las explosiones y los disparos que si no se tiene cuidado pueden alcanzar a algún espectador despistado; sin embargo, logra mantener la mecha de vulnerabilidad y humanidad encendida entre los dos personajes principales. Un tándem que funciona a la perfección entre la veteranía de Jason Statham y la profesionalidad de una joven Bodhi Rae Breathnach, que nos está hechizando a todos con sus trabajos.

Poco más me queda por mencionar. Película palomitera para disfrutar en buena compañía y que como no puede faltar nunca en mis reseñas, deciros que en esta ocasión cuenta con una interesante fotografía de Martín Ahlgren con planos muy correctos y una buena iluminación, destacando las escenas nocturnas. En cuanto a la partitura de David Buckley, equilibra con acierto el drama, la tensión y la acción, que el filme demanda.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de marzo.

REPARTO: Jason Statham, Bill Nighy, Naomi Ackie, Daniel Mays, Billy Clements, Harriet Walter, Bronson Webb, Bally Gill, Anna Crilly, Adam Collins, Sofian Francis, Tom Wu, Tomislav Stojanovic, Ryan Fletcher, Bodhi Rae Breathnach, Gordon Alexander, Steven Blades, Erand Hoxha, Bryan Vigier y Rodaidh Findlay.

PRODUCTORAS: Black Bear International / RVK Studios / CineMachine Media Works / Punch Palace Productions / Stampede Ventures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España. 

LOS PREMIOS PLATINO XCARET ANUNCIAN LAS PRESELECCIONES DE SU XIII EDICIÓN

 

Zenit Comunicación nos informa que los Premios PLATINO XCARET anuncian las preselecciones de su XIII Edición

Los Premios PLATINO XCARET anuncian las preselecciones de su XIII edición. Veinte de los veintitrés países iberoamericanos cuentan con obras preseleccionadas entre las 258 producciones escogidas para alzarse con los galardones en la gala que se celebrará el sábado 9 de mayo y tendrá lugar en el Teatro Gran Tlachco del mexicano Parque Xcaret, en Riviera Maya.

LOS PRESELECCIONADOS ESPAÑOLES A LOS XIII PREMIOS PLATINO XCARET

En la categoría a la Mejor Película Iberoamericana de Ficción aspiran a la nominación Los Domingos (Alauda Ruiz de Azúa), Maspalomas (Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga), Sirât (Oliver Laxe) y Sorda (Eva Libertad).

Anatomía de un instante (Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez), Animal (Víctor García León), Poquita fe (Pepón Montero y Juan Maidagán) y Yakarta (Diego San José) hacen lo propio con el premio a Mejor Miniserie o Teleserie. Por su parte, los títulos preseleccionados a Serie de Larga Duración son La encrucijada, La promesa, Sueños de libertad (Beatriz Duque y Verónica Viñé) y Valle salvaje.

Las preselecciones a Mejor Dirección quedan repartidas entre Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga (Maspalomas); Alauda Ruiz de Azúa (Los Domingos) y Oliver Laxe (Sirât). Como Mejor Creador en Miniserie o Teleserie están preseleccionados Diego San José (Yakarta), Rafael Cobos, Fran Araújo y Alberto Rodríguez (Anatomía de un instante) y Víctor García León (Animal).

Para el galardón cinematográfico a Mejor Interpretación Femenina quedan preseleccionadas las actrices Blanca Soroa y Patricia López Arnáiz (Los Domingos), mientras que en el de Mejor Interpretación Masculina quedan Alberto San Juan (La cena) y José Ramón Soroiz (Maspalomas). Elvira Mínguez (La cena) y Nagore Aranburu (Los Domingos) figuran en la preselección a Mejor Interpretación Femenina de Reparto, mientras que para su equivalente masculino encontramos a Álvaro Cervantes (Sorda), Juan Minujín (Los Domingos) y Kandido Uranga (Maspalomas).

En la categoría Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie están preseleccionadas Candela Peña (Furia), Carla Quílez (Yakarta) y Esperanza Pedreño (Poquita fe) mientras que Álvaro Morte (Anatomía de un instante), Javier Cámara (Yakarta) y Luis Zahera (Animal) son los candidatos a Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie. Por su lado, Julia de Castro  (Poquita fe), Lucía Jiménez (Cuando nadie nos ve) y Pilar Gómez (Yakarta) son precandidatas a Mejor Interpretación Femenina de Reparto en Miniserie o Teleserie, mientras que David Lorente y Eduard Fernández (Anatomía de un instante), Roberto Álamo (Innato) y Secun de la Rosa (Superestar) están preseleccionados a Mejor Interpretación Masculina de Reparto en Miniserie o Teleserie.

Alauda Ruiz de Azúa (Los Domingos), Jose Mari Goenaga (Maspalomas) y Oliver Laxe y Santiago Fillol (Sirât) son los precandidatos al Premio a Mejor Guion. En la categoría Mejor Música Original se postulan Aránzazu Calleja (Maspalomas) y David Cerrejón (Los Domingos) mientras que en la de Mejor Música Original en Miniserie o Teleserie se encuentran Fernando Velázquez (Anatomía de un instante) y Lucas Vidal (Yakarta).

En la categoría de Mejor Película Documental se encuentran en la preselección El último arrebato (Marta Medina y Enrique López Lavigne), Flores para Antonio (Elena Molina e Isaki Lacuesta), Tardes de soledad (Albert Serra) y The Sleeper. El Caravagio perdido (Álvaro Longoria), mientras que Decorado (Alberto Vázquez) y La luz de Aisha (Shadi Adib) están presentes en la categoría Mejor Película de Animación, lista en la cual también aparece preseleccionada Norberto (José Corral Llorente), producida entre España y Argentina. La cena (Manuel Gómez Pereira), Las delicias del jardín (Fernando Colomo), Padre no hay más que uno 5 (Santiago Segura) y Rondallas (Daniel Sánchez Arévalo) figuran como precandidatas a Mejor Comedia Iberoamericana de Ficción.

Como Mejor Ópera Prima, las obras preseleccionadas son Ciudad sin sueño (Guillermo Galoe) y Sorda (Eva Libertad). Asimismo, La deuda (Daniel Guzmán), Los Domingos (Alauda Ruiz de Azúa) y Sorda (Eva Libertad) se postulan en la categoría de Premio al Cine y Educación en Valores.

En las categorías técnicas resultan preseleccionados Jaime Anduiza (Un fantasma en la batalla), Juan Pedro de Gaspar (El cautivo), Koldo Vallés (La cena) y Zaloa Ziluaga (Los Domingos) a Mejor Dirección de Arte; Bet Rourich (Los Domingos) y Mauro Herce (Sirât) a Mejor Dirección de Fotografía; Andrés Gil (Los Domingos) y Cristóbal Fernández (Sirât) a Mejor Dirección de Montaje; Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas (Sirât) y Urko Garai, Enrique G. Bermejo y Alejandro Castillo (Sorda) a Mejor Dirección de Sonido;  Paula Gallifa Rubia y Ana Rubio (Los tigres), y Pep Claret (Sirât) a Mejores Efectos Especiales; Ana Martínez Fesser (Los Domingos) y Helena Sanchís (La cena) a Mejor Diseño de Vestuario; y Ainhoa Eskisabel y Jone Gabarain (Los Domingos), y Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver (El cautivo) a Mejor Maquillaje y Peluquería.

En esta misma línea quedan preseleccionados Jorge Fernández de Soto (La vida breve) y Pepe Domínguez del Olmo (Anatomía de un instante) a Mejor Dirección de Arte en Miniserie o Teleserie; Álex Catalán (Anatomía de un instante) y Juan Carlos Franco y Carlos de Miguel (Ena. La reina Victoria Eugenia) a Mejor Dirección de Fotografía en Miniserie o Teleserie; Jose M. G. Moyano (Anatomía de un instante) y Mapa Pastor y Marta Nebot (Poquita fe) a Mejor Dirección de Montaje en Miniserie o Teleserie; Alberto García (La vida breve) y Daniel de Zayas (Anatomía de un instante) a Mejor Dirección de Sonido en Miniserie o Teleserie; Nacho Díaz (Anatomía de un instante) y Óscar del Monte (Silencio) a Mejores Efectos Especiales en Miniserie o Teleserie; Ana Sanchís (La vida breve) y Fernando García (Anatomía de un instante) a Mejor Diseño de Vestuario en Miniserie o Teleserie; y Paty López y Anaís Parejo (Ena. La reina Victoria Eugenia) y Yolanda Piña (Anatomía de un instante) a Mejor Maquillaje y Peluquería en Miniserie o Teleserie.

Durante la gala también se concederá el Premio PLATINO de Honor que, en otras ediciones, ha recaído sobre personalidades destacadas del audiovisual iberoamericano, como han sido Eva Longoria, Cecilia Roth, Benicio del Toro, Carmen Maura, Diego Luna, Raphael, Adriana Barraza, Edward James Olmos, Ricardo Darín, Antonio Banderas y Sonia Braga. Igualmente, y como en cada edición, se entregarán también los Premios del Público a Mejor Película Iberoamericana, a Mejor Interpretación Masculina, a Mejor Interpretación Femenina, a Mejor Miniserie o Teleserie, a Mejor Interpretación Masculina en Miniserie o Teleserie y Mejor Interpretación Femenina en Miniserie o Teleserie.

En esta fase, realizada por EGEDA y FIPCA en colaboración con las asociaciones de productores y las Academias de Cine iberoamericanas, los países con mayor cantidad de títulos preseleccionados han sido España (34), México (34), Argentina (22), Brasil (22) y Portugal (19). En categorías para largometrajes, el mayor número de títulos lo ostentan España (20), México (20), República Dominicana (16), Portugal (15) y Argentina (14); en categoría para miniserie o teleserie, los países que más títulos agrupan son España (10), México (9), Argentina (8), Colombia (7) y Brasil (6); mientras que en la categoría Series de Larga Duración, los países participantes son México (5), España (4), Brasil (2), Colombia (1), Estados Unidos (1) y Paraguay (1).

Al anuncio de las preselecciones lo sucederá, próximamente, la selección de veinte obras o profesionales por categoría de las que, finalmente, se extraerán cuatro finalistas que competirán en el Teatro Gran Tlachco del mexicano Parque Xcaret, en Riviera Maya, por alzarse con el galardón en la gala que se celebrará el 9 de mayo.

La tendencia al alza del número de producciones participantes es muestra de la favorable situación del audiovisual iberoamericano, que se erige con seguridad y constancia como uno de los sectores clave en la producción de cine y series a nivel internacional. Tras los 812 estrenos iberoamericanos de 2021, el crecimiento y la paulatina recuperación pospandémica de la industria quedaron evidenciados con las 994 obras estrenadas en 2022, las 1.121 producciones de 2023, las 1.196 obras estrenadas en 2024 y los 1.208 títulos de 2025, de entre los cuales entre las cuales 590 son largometrajes de ficción, 416 son largometrajes documentales, 18 son largometrajes de animación, 158 figuran como miniseries o teleseries y 26 son series de larga duración.

La XIII edición de los Premios PLATINO XCARET es posible gracias al apoyo de Quintana Roo, Riviera Maya y Grupo XCARET, así como de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid.

Los Premios PLATINO XCARET están promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) y FIPCA (Federación Iberoamericana de Producción Cinematográfica y Audiovisual), en colaboración con FIACINE (Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas). Además, cuentan con el respaldo de ONU Turismo, las Academias e Institutos de Cine iberoamericanos, WAWA e ICAA, así como con la colaboración de patrocinadores como AIE, Telemundo, Universo, TNT y HBOMAX.

Asimismo, IBERIA continúa como compañía aérea oficial, conectando culturas y subrayando su apoyo al talento. Y cumpliendo este año 12 años del patrocinio del Premio del Público. Además IBERIA posibilita —como lo ha hecho desde los inicios de los Premios PLATINO— que los invitados puedan estar presentes en la gran fiesta del audiovisual iberoamericano.

Desde la organización, agradecemos profundamente contar con estas alianzas, que contribuyen a ensalzar las producciones y a reconocer a los creadores más destacados de cada año en los 23 países iberoamericanos.

WANTED EL MEJOR WESTERN EN LA BATUTA DE LA FSO

 

Del duelo al amanecer al galope sinfónico FSO cabalga hacia el lejano Oeste en WANTED, un concierto dedicado a las grandes bandas sonoras del western. Cuatro conciertos únicos en Madrid, Valencia, Gijón y Valladolid. Estreno 10 abril en el Auditorio Nacional.

Silbidos que atraviesan el desierto, guitarras que suenan a polvo y horizonte y la tensión de un duelo al amanecer. Las melodías que definieron el cine del Oeste regresan al escenario con WANTED, el nuevo espectáculo de Film Symphony Orchestra, un concierto que rinde homenaje a las bandas sonoras más míticas de la historia del western en un viaje musical que transportará al público a los paisajes infinitos del lejano Oeste.

Un viaje épico por los títulos más legendarios del western, en el que no faltará la Trilogía del Dólar de Ennio Morricone —Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo—, con sus silbidos inconfundibles, guitarras polvorientas y el tenso latido del duelo al sol. O su época más moderna y sombría de Los odiosos ocho.

También sonará el inolvidable tema de Los siete magníficos de Elmer Bernstein, himno del género que sigue cabalgando en nuestra memoria colectiva. Los clásicos de Bruce Broughton, Silverado o Tombstone. O joyas como Los cowboys de un joven John Williams, que aportó frescura a un género en plena transformación.

Temas que cabalgan por paisajes infinitos, donde cada acorde nos evoca el polvo en el horizonte, héroes solitarios y caballos al galope como en Horizontes de Grandeza, y duelos cargados de tensión como el de Wyatt Earp, musicado por James Newton Howard; o temas inolvidables de películas que marcaron la historia del género como El Álamo o Solo ante el peligro del maestro Dimitri Timkin, o La conquista del Oeste del gran Alfred Newman… entre otras.

“La música del western tiene una fuerza muy especial: en pocos acordes es capaz de evocar paisajes infinitos, tensión dramática y personajes inolvidables. Con WANTED queremos que el público reviva toda esa épica del cine del Oeste a través de la experiencia única de la música sinfónica en directo”. Afirma Constantino Martínez-Orts, fundador y director de la orquesta y conocido divulgador musical.

Las composiciones inmortales de los grandes maestros del género cobrarán nueva vida este espectáculo sinfónico que recrea toda la épica de las historias que marcaron para siempre la historia del cine y que sonarán en todo su esplendor en cuatro únicos conciertos.

Madrid – 10 de abril – Auditorio Nacional de Música

Valencia – 24 de mayo – Palau de la Música

Gijón – 13 de junio – Teatro de La Laboral

Valladolid – 14 de junio – Centro Cultural Miguel Delibes

Seguidos por una auténtica legión de fans, con WANTED, Film Symphony Orchestra vuelve a demostrar por qué se ha consolidado como la orquesta sinfónica especializada en música de cine más popular del país, reuniendo cada temporada a miles de espectadores en auditorios de toda España, y acercando la emoción de las bandas sonoras al gran público, con espectáculos únicos y experiencias musicales inolvidables.

Un viaje épico por las melodías más legendarias del western… donde no habrá disparos, pero sí auténticas ráfagas de emoción.

Programa completo (por compositores):

Alfred Newman: La conquista del Oeste

Bruce Broughton

Tombstone

Silverado

Dimitri Tiomkin

El Álamo

Solo ante el peligro

Rawhide (Emboscada)

Elmer Bernstein: Los siete magníficos

Ennio Morricone

La muerte tenía un precio

El bueno, el feo y el malo

Por un puñado de dólares

Érase una vez en el Oeste

Los odiosos ocho

James Newton Howard:  Wyatt Earp

Jerome Moross:  Horizontes de grandeza

John Barry:  Bailando con lobos

John Williams: Los Cowboys

5       curiosidades sobre la música del western

El silbido más famoso del cine

El silbido de El bueno, el feo y el malo, compuesto por Ennio Morricone, se convirtió en uno de los sonidos más reconocibles de la historia del cine.

La música que definió un género

Bandas sonoras como Los siete magníficos o Horizontes de grandeza ayudaron a crear el sonido épico que hoy asociamos automáticamente al western.

Instrumentos poco habituales

Morricone revolucionó el género incorporando guitarras eléctricas, silbidos, látigos, campanas y efectos sonoros poco habituales en la música de cine de la época.

Un sonido que evoca paisajes

La música del western está pensada para transmitir amplitud y aventura, utilizando melodías amplias y ritmos que evocan caballos al galope y horizontes infinitos.

Un legado que sigue vivo

Décadas después de su época dorada, la música del western sigue inspirando a compositores actuales y continúa emocionando al público en conciertos sinfónicos de todo el mundo.

NOTA BREVE para AGENDAS CULTURALES

Film Symphony Orchestra presenta WANTED, un espectáculo sinfónico dedicado a las bandas sonoras más legendarias del cine western. El concierto propone un viaje musical por algunas de las melodías más icónicas del género, con partituras de películas como La conquista del Oeste, Los siete magníficos, El bueno, el feo y el malo, Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio, Horizontes de grandeza o Los odiosos ocho. Un recorrido emocionante por la música que definió el espíritu del lejano Oeste.

Y en paralelo, Film Symphony Orchestra continúa con ‘TOON STORY’ su gran gira para esta temporada con la que continúa recorriendo los escenarios de toda España, haciéndonos vibrar con la música del mejor cine de animación.

WHISTLE: EL SILBIDO DEL MAL: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Canadá e Irlanda, Whistle: el silbido del mal, está dirigida por Corin Hardy con guion de Owen Egerton. “El día que naces, también nace tu muerte”

Una cancha de baloncesto nos ofrece los últimos minutos del encuentro. Mason Raymore (Stephen Kalyn), la estrella del equipo de Los Lobos, está en plena forma, pero sufre de alucinaciones viendo entre el público a un hombre quemado rodeado de humo. Tras finalizar el partido se va a su taquilla, saca una figura antigua y, aterrado, la destruye. Mientras se relaja bajo el agua de la ducha, se le aparece el hombre de sus pesadillas y lo quema vivo en presencia de algunos de sus compañeros, entre ellos su mejor amigo Dean (Jhaleil Swaby).

La acción nos lleva a 6 meses más tarde, viendo cómo al pueblo llega Chrys Willet (Dafne Keen), quien se muda a la casa familiar de su prima Rel Taylor (Sky Yang). Chrys asiste al instituto junto a Rel, heredando la taquilla de Mason. Dean, al ver que la joven abre la taquilla, va hacia ella junto a sus amigos para que desista. Rel la defiende y cuando Dean se entera del pasado de Chrys, lo utiliza para jugar con su traumático dolor, es entonces cuando se entabla una bronca que es interrumpida por el profesor Sr. Craven (Nick Frost), castigando a todo el grupo, incluyendo a Ellie Gains (Sophie Nélisse) quien intenta defender a Chrys y a Grace (Alissa Skovbye). Y… lo dejamos aquí.

El videógrafo, productor y director Corin Hardy, estudió Diseño Teatral en la Escuela de Arte de Wimbledon. Debutó en el cortometraje con “Butterfly” (2003) y en el largometraje con “The Hallow” (2015) continuando con “La monja” (2018) y este año nos ofrece “Whistle: El silbido del mal” (2025). Otros de sus trabajos han sido los videoclips “Keane: Somewhere Only We Know” y “Keane: Bedshaped” en (2004), “The Prodigy: Warrior`s Dance” y “Paolo Nutini: Pencil Full of Lead” ambas en (2009), “Olly Murs: Busy” y “Olly Murs Feat. Rizzle Kicks: Heart Skips a Beat – Version 1” ambas en (2011), “Devlin Feat. Ed Sheeran: (All Along The) Watchtower” (2012), “John Newman: Losing Sleep” (2013). Los vídeos “Strangers” (2005), The Horrors “She Is the New Thing” (2008) y “Biffy Clyro 'God  & Satan'” (2011). El cortometraje  “In the Back” (2012) y capítulos para la serie “Gangs of London” (2020/22).

Si bien por un lado estamos ante una nueva película de terror adolescente con tópicos muy típicos, este silbido del mal tiene la virtud de captar tu atención, sin saber muy bien el motivo, aunque quizás sea por esos sonidos  que como susurros hacen presagiar a sus personajes que el momento de su muerte está cerca, logrando intrigar al espectador con lo que muestra o, algo que para mí es muy importante: la duración del metraje. No es una película que se detenga agónicamente en situaciones que no llevan a ningún lado, estirando el chicle, sino que va al grano desde el inicio. Sabemos que hay algo maligno que se oculta en un extraño silbato de procedencia desconocida y que mata. Eso es todo, nada se esconde psicológicamente tras la trama, ni siquiera te dejará ningún mensaje entre las líneas de los diálogos, repito, simplemente es muerte, muertes violentas. Hardy, como ya nos demostró en The Hallow, es un artesano de “criaturas” que, apoyándose en los efectos prácticos, logra dotar de una textura inquietante a sus seres, mientras otros directores lo resolverían con simples golpes de ordenador.

Esa sensación de alarma que se va generando en el espectador de una forma orgánica, con olor y presencia a una muerte inminente, no sería posible sin la envolvente atmósfera que Hardy construye con determinación; para ello se apoya en la fotografía de Björn Charpentier, quien capta, no solo lo que está sucediendo en primer plano, sino tras los personajes u oculto entre aquellos por medio de sombras; el color que transita entre lo cotidiano y lo sobrenatural o la desconcertante iluminación, consiguiendo que los espacios comunes como las duchas, las aulas e incluso la piscina, se sientan claustrofóbicos.

¿Pero qué sería la fotografía sin el sonido en una película y más de terror? El diseño de sonido junto a la banda sonora, cobran un gran protagonismo. El silbido no es simplemente un recurso sonoro, sino el alma de la presencia que se retuerce entre las notas musicales de Doomphonic, quien alcanza a crear una disonancia que mantiene al espectador en un estado de alerta constante, no apartando la mirada de cada rincón de la pantalla, convirtiendo el silencio en algo casi más aterrador que el propio grito. Sin duda, es lo que más me impactó y que en pocas películas he disfrutado. El director sabe muy bien golpear las fibras del espectador, con los elementos justos, incluso incluyendo esa relación queer que el guionista Owen Egerton nos ofrece entre Chrys y Ellie.

Todo este conjunto no sería posible sin ellos: los actores y actrices que hacen sufrir a sus personajes para que nosotros disfrutemos. Destaco a Dafne Keen, quien nos vuelve a demostrar con su oscuro y romántico personaje por qué es una de las actrices más magnéticas de su generación. Su Chrys no es la típica final girl plana; Keen le otorga veracidad y profundidad emocional a través de un lenguaje corporal palpable, cargando con el peso de la película. A su lado, cabe mencionar a Sky Yang, quien da vida a Rel, su prima. El vínculo familiar entre ambas aporta un engranaje vital a la trama, potenciado por su lado humano más vulnerable. Por último, destaca Nick Frost como el profesor Sr. Craven, encarnando a esa autoridad que termina sucumbiendo en su propio pecado.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de marzo.

REPARTO: Dafne Keen, Sophie Nélisse, Nick Frost, Percy Hynes White, Sky Yang, Alissa Skovbye, Lanette Ware, Mika Amonsen, Stephen Kalyn, Julia Dyan, Ruth Chiang, Jhaleil Swaby, Clayton Scott, Christine Sahely, Louis Adams, Ray Francis, Mikayla Kong, Jack Beeston, Maynuka Sarwar, Michael Koras, Liam Chase Trefry, Janaya Stephens y Troy James.

PRODUCTORA: No Trace Camping// Wild Atlantic Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Beta Fiction Spain.

NOTICIAS MOVISTAR PLUS+ MARZO 2026 (I)

Movistar Plus+ estrena ‘Montezemolo: Corazón Rojo’, la historia no contada del hombre que reconstruyó Ferrari

El afamado periodista automovilístico Chris Harris (Top Gear), viaja al corazón de Italia para conocer personalmente a Luca Cordero di Montezemolo en ‘Montezemolo: Corazón Rojo’, un documental que narra la historia no contada del hombre que reconstruyó el sueño Ferrari y creó los coches más bellos que el mundo ha conocido.

“No vendíamos coches, vendíamos sueños”, cuenta Luca Cordero di Montezemolo. 

Elegido personalmente por Enzo Ferrari en 1974 para liderar su proyecto, el empresario italiano salvó Ferrari no una sino dos veces. 

‘Montezemolo: Corazón Rojo’, regresa a aquellos años a través del testimonio de su protagonista, apoyándose de cautivadores paisajes italianos y cientos de imágenes de archivo de una de las escuderías más legendarias de la Fórmula 1. 

Grabado en una fabulosa odisea de dos semanas, Luca enseña a Chris a comprender Italia, imprescindible para entender Ferrari, y le cuenta la historia entrelazada de su vida, la de Gianni Agnelli y la de escudería. 

“Después del señor Ferrari, Luca fue Ferrari”, dijo Bernie Ecclestone, resumiendo la importancia del precursor de muchos de los grandes capítulos de Il Cavallino Rampante con éxitos incomparables de Niki Lauda, Michael Schumacher y coches fabulosos. Los últimos campeonatos del mundo, Scudería Ferrari los consiguió bajo su mandato, el de pilotos en 2007 y el de constructores, en 2008. Desde entonces, Ferrari sigue sin ganar un campeonato. Montezemolo abandonó la marca en 2014.

Bajo su gestión, Ferrari se convirtió no solo en una potencia del automovilismo, sino en un icono global del lujo, rivalizando con las marcas más reconocidas del mundo, como Apple, Nike y Coca-Cola.

‘Montezemolo: Corazón Rojo’ llega a Movistar Plus+ el lunes 2 de marzo. Dirigido y producido por Manish Pandey y Jiva Maya, conocidos por documentales como Senna (2010), ganador de tres premios BAFTA.

Podrás ver 'Montezemolo: Corazón Rojo' y otros grandes documentales gracias a la nueva oferta de la plataforma. Además, las mejores competiciones deportivas, cine y series están disponibles, seas del operador que seas, por solo 9,99€/mes. 

Y si quieres acceder al contenido sin límites en un solo lugar, a las competiciones al completo y tener toda la programación de Movistar Plus+, estará a tu disposición en miMovistar.

Movistar Plus+ ofrece en directo y en exclusiva los Oscar® 2026, con su película original 'Sirat' nominada en dos categorías

La película original Movistar Plus+ 'Sirat', dirigida por Oliver Laxe, compite el domingo 15 de marzo por los Oscar a Mejor película internacional y Mejor sonido. Movistar Plus+ ofrecerá la gala en directo y en exclusiva con una programación especial que arrancará a las 22.30h con 'La noche de los Oscar', conducido por María Gómez, que incluirá las primeras conexiones con la alfombra roja de Cristina Teva y los comentarios de moda de María Escoté. A partir de las 23.30h se emitirá la alfombra roja con la señal oficial, seguida de la gala, que comenzará a las 00:00h. La retransmisión contará además con una mesa de comentaristas formada por Carlos Areces, Alberto Rey, Juan Sanguino y Elena Neira.

YA DISPONIBLES EN MOVISTAR PLUS+

En esta edición, ya están disponibles en Movistar Plus+, o llegarán próximamente, 13 largometrajes y 4 cortometrajes con 44 nominaciones.

Sirat - 2 nominaciones

Los pecadores - 16 nominaciones

Un simple accidente - 2 nominaciones

La hermanastra fea - 1 nominación

Mr. Nobody Against Putin - 1 nominación

El drama de época de Jane Austen  - 1 nominación

Dos personas intercambiando saliva  - 1 nominación

Plan de jubilación - 1 nominación

La chica que lloraba perlas  - 1 nominación

Próximamente en Movistar Plus+ tras su paso por cines:

Valor sentimental - 9 nominaciones - Estreno 27 de marzo

El agente secreto - 4 nominaciones – Próximamente

La voz de Hind - 1 nominación - Estreno 13 de marzo

Blue Moon - 1 nominación – Próximamente

Si pudiera, te daría una patada - 1 nominación – Próximamente

Cutting Through Rocks - 1 nominación – Próximamente

Arco - 1 nominación – Próximamente

Little Amelie - 1 nominación – Próximamente.

Desde el 19 de febrero y hasta el 22 de marzo, el canal Los Oscar por M+ (dial 18 y contenidos disponibles bajo demanda) emite 24 horas al día una amplia selección de títulos nominados en esta edición, junto con grandes ganadoras de años anteriores. Entre las películas ganadoras en años anteriores destacan 'La sustancia', 'Cónclave', 'Emilia Pérez', 'No other land', 'Aún estoy aquí', 'A Different Man', 'Memorias de un caracol', 'El paciente inglés', 'Gandhi', 'Gravity' y 'Chicago', entre muchas.

Movistar Plus+ desvela el tráiler y el cartel de su serie original 'Por cien millones' tras su paso por el Festival de Málaga

Movistar Plus+ estrenará el próximo 26 de marzo 'Por cien millones', su nueva serie original creada y dirigida por Nacho G. Velilla y Oriol Capel. La plataforma presentó la serie el domingo 8 de marzo en el Festival de Málaga, donde estuvieron Nacho G. Velilla y los actores Vito Sanz, Gabriel Guevara y Agustín Otón.

Inspirada en hechos reales, la ficción recrea el secuestro en 1981 del delantero del FC Barcelona Enrique Castro 'Quini', cuando tres mecánicos zaragozanos, asfixiados por las dificultades económicas, idearon un plan desesperado: raptar al máximo goleador de la Liga y exigir un rescate de cien millones de pesetas, una cifra inédita para la época.

La serie, compuesta por tres episodios, está protagonizada por Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara, que dan vida a los tres secuestradores, junto a Agustín Otón en el papel de Quini. El reparto se completa con Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Nacho Guerreros, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros. 

Sinopsis: Esta es la historia de uno de los secuestros más famosos de la historia de España, el de Enrique Castro 'Quini', delantero centro del FC. Barcelona, que desapareció el 1 de marzo de 1981 tras marcar dos goles al Hércules en el Camp Nou y apareció veinticuatro días después en un zulo en un taller mecánico en un barrio humilde de Zaragoza. Pero, sobre todo, es la historia de Alfonso, Raúl y Salva, tres currantes en paro, que quisieron salir de una situación económica desesperada y descubrieron, por las malas, dos cosas: que la vida no es como las películas, y que ser malo, cuando eres malo, no es tan fácil como parece.

'Más que rivales', tras su éxito en la plataforma la segunda temporada llegará proximamente a Movistar Plus+ 

'Más que rivales' ha contribuido significativamente a la hora de hacer llegar la marca Movistar Plus+ a un público muy amplio y a una audiencia más joven y diversa. La serie fenómeno del año llegó antes a España gracias a Movistar Plus+, adelantándose a su emisión en otros países como Alemania, Francia o Italia. Cumplió las altas expectativas en su estreno en la plataforma, donde los espectadores tuvieron la posibilidad de verla doblada y en el idioma original con subtítulos.

La serie, además, ha generado muchísima conversación en redes sociales, liderando los rankings de la conversación social en febrero. 'Más que rivales' muestra la tendencia en el catálogo de Movistar Plus+ por innovar, explorar nuevos formatos y consolidar una oferta más atractiva, dinámica y alineada con las demandas actuales.

Sobre la serie

'Más que rivales' ('Heated Rivalry' en versión original) narra la complicada relación entre dos jugadores de hockey, uno canadiense y otro ruso, rivales en la pista de hielo pero amantes en secreto. Basada en la segunda entrega de la exitosa saga de culto 'Game Changers' de Rachel Reid, un éxito de ventas compuesto por el momento por seis novelas. Creada por Jacob Tierney, está protagonizada por Hudson Williams ('Tracker'), como Shane, y Connor Storrie ('Joker: Folie à Deux'), como Ilya.

Sinopsis: Shane Hollander e Ilya Rozanov son dos de las mayores estrellas de la liga de hockey sobre hielo, unidos por la ambición, la rivalidad y una atracción magnética que ninguno de los dos comprende del todo. Lo que comienza como una aventura secreta entre dos novatos se convierte en un viaje de años de amor, negación y autodescubrimiento. Mientras buscan la gloria sobre el hielo, luchan por comprender sus sentimientos mutuos. Divididos entre el deporte que les apasiona y el amor que no pueden ignorar, Shane e Ilya deben decidir si hay espacio en su mundo ferozmente competitivo para algo tan frágil y poderoso como el amor verdadero.

En palabras del productor ejecutivo, director y guionista Jacob Tierney…

"Sí, puedes ser jugador de hockey. Sí, puedes ser la estrella de tu propia historia. Y sí, lo más importante, puedes enamorarte y tener un final feliz. Pretendo hacer todo lo posible para que 'Más que rivales' sea diferente a todo lo que la televisión ha visto jamás. Usando todo lo que he aprendido sobre la grabación de hockey, todo lo que sé sobre ritmo y ritmo cómico, y todo lo que siempre he querido mostrar sobre el amor. Quiero que sea algo icónico, algo especial. Pero para cuando te seques las lágrimas de felicidad al final del sexto (y último episodio), apuesto a que te estarás preguntando dónde ha estado toda tu vida".

En palabras de la autora del libro Rachel Reid:

"No es solo una historia romántica, es una historia sobre el miedo a ser visto y la valentía de amar".

En palabras de Connor Storrie:

"Para que podamos creer en estos dos personajes juntos, tenemos que creer realmente en ellos por separado. Y hay tanta locura en la vida de Ilya que… quiero decir, está todo ahí".

En palabras de Hudson Williams:

"Me enamoré de Shane inmediatamente. Incluso mientras leía solo las escenas de audición… al terminar el capítulo seis estaba llorando. Sentí que nadie más podía interpretarlo. Necesitaba interpretarlo yo".

'Yo siempre a veces', la serie original Movistar Plus+ creada por Marta Bassols y Marta Loza, se estrenará el 23 de abril

'Yo siempre a veces', la serie original Movistar Plus+ creada por Marta Bassols y Marta Loza y producida en colaboración con Suma Content por Javier Calvo y Javier Ambrossi, llegará completa (seis episodios) a la plataforma el 23 de abril.

La ficción, dirigida por Claudia Costafreda, Ginesta Guindal y Marta Loza, cuenta la historia de una madre soltera por accidente que tiene dificultades para salir adelante en Barcelona. El rodaje ha tenido lugar en diversas localizaciones de Barcelona y de Berlín.

'Yo siempre a veces' es un retrato generacional honesto y realista sobre las dificultades para madurar en la treintena, atravesado por la precariedad y las expectativas. Una comedia dramática sin tapujos, una serie que desmitifica la  familia y la pareja perfectas como respuesta a las expectativas de una generación.

Sinopsis: Laura (Ana Boga) se quedó embarazada una semana después de conocer a Rubén (David Menéndez), estando muy ciega de amor y de droga. Seis meses después de que naciera su hijo, Mario, ya se estaban separando y no precisamente de buen rollo. Un libro expedido en el registro civil dice que son una familia; sin embargo, Laura se hace cargo casi sola del niño. Lo hace con amor inmenso, fe, chispa y alegría, aunque a veces no tenga más ideas o herramientas para hacerse cargo de sí misma.

Reparto:Protagonizada por Ana Boga y David Menéndez. Con Marta Bassols, Paco Tous, Belén Ponce de León, María de Medeiros y Diane Guerrero. Además, cuenta con Neus Asensi, Juani Ruiz  y Jordi Vilches.

'Los pecadores', 'Valor sentimental' y 'Mr. Nobody contra Putin': las películas premiadas en los Oscar® 2026 que puedes ver en Movistar Plus+

Movistar Plus+ ha vuelto a consolidarse esta temporada como la casa de los grandes premios del cine internacional y, muy especialmente, de los Oscar® de Hollywood. La 98ª edición de los premios de la Academia, celebrada esta madrugada y emitida en directo y en exclusiva en Movistar Plus+, ha dejado una destacada presencia de títulos premiados que ya están disponibles o se estrenarán próximamente en la plataforma, como 'Los pecadores', 'Valor sentimental', 'Mr. Nobody contra Putin', 'Dos personas intercambiando saliva' y 'La chica que lloraba perlas'.

La película original Movistar Plus+ 'Sirat', dirigida por Oliver Laxe, hizo historia en estos premios Oscar al recibir dos nominaciones, el de Mejor película internacional y el de Mejor Sonido para Yasmina Praderas, Amanda Villavieja y Laia Casanovas (por primera vez se nominaba a un equipo íntegramente femenino es esta categoría).

YA DISPONIBLES EN MOVISTAR PLUS+

En esta edición, ya están disponibles en Movistar Plus+, o llegarán próximamente, 13 largometrajes y 4 cortometrajes con 44 nominaciones.

Los pecadores - 4 Oscar (Mejor actor para Michael B. Jordan, Mejor guion original, Mejor fotografía, Mejor banda sonora)

Mr. Nobody Against Putin - 1 Oscar (Mejor película documental)

Dos personas intercambiando saliva  - 1 Oscar (Mejor corto de acción real

La chica que lloraba perlas  - 1 Oscar (Mejor corto de animación)

Sirat - 2 nominaciones

Un simple accidente - 2 nominaciones

La hermanastra fea - 1 nominación

El drama de época de Jane Austen  - 1 nominación

Plan de jubilación - 1 nominación

Un amigo de Dorothy - 1 nominación

Mariposa  - 1 nominación

Siempre verde  - 1 nominación

Las tres hermanas  - 1 nominación

Próximamente en Movistar Plus+:

Valor sentimental - 1 Oscar (Mejor película internacional) - Estreno 27 de marzo

El agente secreto - 4 nominaciones – Próximamente

La voz de Hind - 1 nominación - Estreno 13 de marzo

Blue Moon - 1 nominación – Próximamente

Si pudiera, te daría una patada - 1 nominación – Próximamente

Cutting Through Rocks - 1 nominación – Próximamente

Arco - 1 nominación – Próximamente

Little Amelie - 1 nominación – Próximamente

El carnicero - 1 nominación - 10 de marzo

Desde el 19 de febrero y hasta el 22 de marzo, el canal Los Oscar por M+ (dial 18 y contenidos disponibles bajo demanda) emite 24 horas al día una amplia selección de títulos nominados en esta edición, junto con grandes ganadoras de años anteriores. Entre las películas ganadoras en años anteriores destacan 'La sustancia', 'Cónclave', 'Emilia Pérez', 'No other land', 'Aún estoy aquí', 'A Different Man', 'Memorias de un caracol', 'El paciente inglés', 'Gandhi', 'Gravity' y 'Chicago', entre muchas.

La serie original Movistar Plus+ 'Por cien millones' se estrena al completo el 26 de marzo

Movistar Plus+ estrenará al completo el próximo 26 de marzo 'Por cien millones', su nueva serie original dirigida por Nacho G. Velilla y creada por él mismo y Oriol Capel. Inspirada en hechos reales, la ficción recrea el secuestro en 1981 del delantero del FC Barcelona Enrique Castro 'Quini', cuando tres mecánicos zaragozanos, asfixiados por las dificultades económicas, idearon un plan desesperado: raptar al máximo goleador de la Liga y exigir un rescate de cien millones de pesetas, una cifra inédita para la época.

Reparto

La serie, compuesta por tres episodios, está protagonizada por Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara, que dan vida a los tres secuestradores, junto a Agustín Otón en el papel de Quini. El reparto se completa con Aixa Villagrán, Natalia Huarte, María de Nati, La Dani, Julia de Castro, Nacho Guerreros, Teresa Rabal y Josele Román, entre otros. 

Sinopsis

Esta es la historia de uno de los secuestros más famosos de la historia de España, el de Enrique Castro “Quini”, delantero centro del FC. Barcelona, que desapareció el 1 de marzo de 1981 tras marcar dos goles al Hércules en el Camp Nou y apareció veinticuatro días después en un zulo en un taller mecánico en un barrio humilde de Zaragoza. Pero, sobre todo, es la historia de Alfonso, Raúl y Salva, tres currantes en paro, que quisieron salir de una situación económica desesperada y descubrieron, por las malas, dos cosas: que la vida no es como las películas, y que ser malo, cuando eres bueno, no es tan fácil como parece.