HERE (AQUÍ): CRÍTICA DE CINE

HERE (AQUÍ) está dirigida por Robert Zemeckis compartiendo guion con Eric Roth.

El objetivo de la cámara se nos presenta como una gran ventana al mundo, para hacernos testigos del nacimiento y evolución de la Tierra desde la prehistoria hasta nuestros tiempos. En un lugar concreto, los primeros colonos levantan una casa y será el salón de la misma, el escenario por el que desfilarán los diferentes personajes, a través de los años, décadas y siglos.

Esta es la quinta vez que Tom Hanks se pone a las órdenes de Robert Zemeckis, desde aquel año 1994 con la icónica Forrest Gump,  ganadora de 6 Oscar, 3 Globos de Oro y numerosos premios internacionales; tras ella pudimos ver: “Náufrago” 2000, “The Polar Express” 2004, “Pinocho” 2022 y en este año 2024 nos llega “Here”. Películas muy diferentes entre ellas, pero siempre, impecablemente interpretadas y dirigidas.

El nuevo trabajo de Zemeckis, Here, se nos presenta como un curioso experimento a través del cual el espectador se verá inmerso durante los 104 minutos de metraje y para ello, el director, amante como sabemos de la alta tecnología y los efectos visuales, se ha valido de un nuevo sistema bautizado con el nombre de “Methaphysic Live”. Recurso que mediante la técnica del hiperrealismo admite innovar en la creación de efectos de rejuvenecimiento en directo y a tiempo real sobre la cara de los actores, sin la necesidad de usar efectos especiales. Gracias a esta práctica, los actores pueden contar una historia abarcando distintas etapas de sus vidas. El juego al que nos invita Robert, obtiene los efectos deseados, pues el filme resulta atractivo, ameno y muy interesante, aunque el guion no esté demasiado pulido.

Una obra, como se puede apreciar, teatralizada, en un único escenario: el salón de la casa o el espacio que esta ocupa, pues la cámara siempre o casi siempre, permanecerá fija. Por ese salón desfilarán diferentes personajes desde los primeros colonos hasta la actualidad, contando con la presencia de un aviador de primeros del siglo XX, de carácter tranquilo y paciente junto a su mujer, un tanto protestona e irritante; con el presunto inventor del sillón reclinable y su esposa. Para mi gusto, esta pareja provoca los momentos más disparatados y divertidos y entre otros, llegamos a la familia de los protagonistas principales. En su orden genealógico están Rose (Kelly Reilly) y Al (Paul Bettany) antes de tomar el relevo el hijo de estos, Richard (Tom Hanks) y su mujer Margaret (Robin Wright), sobre los que recae en gran medida el peso de historia. En cuanto al espacio que ocupa ese lugar enmarcado en la pantalla, nos mostrará a los dinosaurios como pobladores, los meteoritos estallando contra la corteza terrestre hasta llegar de nuevo al resurgir de la vida para saltar a los primero nativos americanos, conociendo a la pareja interpretada por Dannie McCallum y Joel Oulette; damas y caballeros de diferentes épocas paseando por jardines y realizando diferentes actividades o al nacimiento de Benjamin Franklin, por poner algunos ejemplos. Cabe resaltar por un lado que este puzzle que toma como telón de fondo la historia norteamericana, no siempre parece respetar un orden cronológico y por otra parte, que cada personaje está defendido por un correcto y nutrido elenco actoral, en sus entradas y salidas de escena o debería decir, de campo.

Here respira nostalgia de un tiempo pasado y de una humanidad que ha ido dejando la huella de su existencia. De las decepciones ante lo que algunos deseaban alcanzar y lo que finalmente terminan aceptando. De tantas frustraciones y enfrentamientos en las relaciones de pareja por dejadez, monotonía, ambiciones e incluso ante los embarazos no deseados en contraste con aquellos que se recibían con alegría. El desempleo, los logros, el cambio radical de trabajo o el tener que abandonar los sueños por que las situaciones lo requerían. Una obra imperfecta que te va atrapando, entre los pequeños grandes detalles que enriquecen la narración y que prefiero descubráis, como se hace al visitar un museo de historia, en este caso norteamericana.

Finalizo subrayando lo que sin duda resulta más destacable del filme, además de las interpretaciones y la dirección, llevándose todos los aplausos; estos son la extraordinaria fotografía de Don Burgess y el sobresaliente montaje de Jesse Goldsmith. Ambos, sin la menor duda, no solo deberían estar nominados a los Oscar, sino ganar sendos premios. Para terminar comentaros una pequeña anécdota y es que Zemeckis, después de 30 años, ha logrado reunir a la pareja protagonista: Robin Wright y Tom Hanks y al guionista Eric Roth, de su obra maestra Forrest Gump. En esta ocasión, aunque me ha gustado mucho, no le ha quedado tan redonda, como la joya mencionada.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de diciembre

REPARTO: Tom Hanks, Robin Wright, Paul Bettany, Kelly Reilly, Beau Gadsdon, Leslie Zemeckis, Michelle Dockery, Dexter Sol Ansell, Jonathan Aris, Ben Wiggins, Lilly Aspell, David Fynn, Lauren McQueen, Joel Oulette, Stephanie Siadatan, Isla Ashworth, Faith Delaney, Mitchell Mullen, Dannie McCallum, Billie Gadsdon, Harry Marcus, Mamie Barry, Jack Bennett, Callum Macreadie, Phil Aizlewood, Finn Guegan, Matt Ledray, Anya Marco Harris, Frances Barry, Albie Salter Jamie de Villiers, Mark Khan, Louis Philpott, Albie Mander, Nikki Amuka-Bird y Ophelia Lovibond.

PRODUCTORA: ImageMovers// Playtone// Miramax

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:

El productor, guionista y director, Robert Zemeckis, estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California y en la Universidad del Norte de Illinois. Se inició con los cortometrajes “The Lift” 1972 y “A Field of Honor” 1973 y debutó con el largometraje “Locos por ellos” 1978, “Frenos rotos, coches locos” 1980, “Tras el corazón verde” 1984, “Regreso al futuro” 1985, ¿Quién engañó a Roger Rabbit” 1988, “Regreso al futuro II”  1989, “Regreso al futuro III” 1990, “La muerte os sienta tan bien” 1992, “Forrest Gump” 1994, “Contact” 1997, “Lo que la verdad esconde”  y “Náufrago” 2000, “Polar Express” 2004, “Beowulf” 2007, “Cuento de Navidad” 2009, “El vuelo” 2012, “El desafío” 2015, “Aliados” 2016,”Bienvenidos a Marwen” 2018, “Las brujas de Roald Dahl” 2020, “Pinocho” 2022 y este año nos llega “Here (Aquí)” 2024. Ha  dirigido el telefilme “Cuentos asombrosos” 1986 y “Nuevas historias de la cripta” 1992 y colaborado en las series “Cuentos asombrosos” 1986, “Johnny Bago” 1993, “Historias de la cripta” 1989/95 y “Tooned Out” 2023.

EN NOMBRE DE LA TIERRA: CRÍTICA DE CINE

En nombre de la tierra está dirigida por DK Welchman y Hugh Welchman adaptando la novela de W.S. Reymont. “El amor va y viene, pero la tierra prevalece”

La joven campesina, Jagna Paczeiównam (Kamila Urzedowska) y Antek Boryna (Robert Gulaczyk), sienten atracción el uno por el otro, pero Antek está casado con Hanka (Sonia Mietielica). La madre de Jagna acuerda el matrimonio de su hija con Maciej Boryna (Miroslaw Baka), viudo y padre de Antek. Antek siente celos de su padre y se pelea con él, tras la disputa el padre expulsa de  la granja a su hijo, su nuera y nieto. El drama está servido, ahora toca disfrutarlo de la mano de este original matrimonio de directores.

La guionista, productora y directora, DK Welchman, se graduó en la Academia de Bellas Artes de Varsovia y obtuvo 4 becas del ministerio de cultura por méritos especiales en pintura e imagen y diseño visual. Es miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Debutó en la animación con el largometraje “La máquina voladora”  y el cortometraje con “Little Postman” 2011, para continuar con “Loving Vincent” 2017 junto a su marido Hugh Welchman. Este año nos presentan “En nombre de la tierra” 2023. En cuanto a Hugh Welchman, estudió en Dolphin School en Hurst, se graduó en el Keble College de Oxford, licenciándose en Política, Filosofía y Economía (PPE) y en la Escuela Nacional de Cine y Televisión del Reino Unido (NFTS). Su película de graduación fue “Crowstone” 2001 que obtuvo el Premio Cinefoundation, en Cannes. En 2002, fundó la compañía cinematográfica BreakThru Films con la que ha producido numerosos cortos, entre ellos el oscarizado “Peter & the Wolf” 2006 y  dos largometrajes. Junto a su esposa ha dirigido “Loving Vincent” 2017 y “En nombre de la Tierra” 2023.

En 2017 nos sorprendieron con su magnífico “Loving Vincent”, un filme rodado con actores en escenarios reales bajo la técnica del Paint-on-glass. En esta ocasión han sido 90 artistas en diferentes estudios de Lituania, Polonia, Serbia y Ucrania, los que pintan al óleo cada uno de los fotogramas que compone la obra, para retratar a la perfección la atmósfera de la campiña polaca de finales del siglo XIX, entre sus tradiciones, costumbres y modos de vida. La película está dividida en cuatro partes, comenzando con el otoño al que siguen el invierno, la primavera y termina en el mes de la luz, el verano, en el que se desarrolla la parte más amarga y oscura.

Una obra visitada por las envidias, las infidelidades, los chismorreos, los celos, los resentimientos, las imposiciones, la necesidad, el machismo y la pobreza cara a cara con la riqueza. Un filme que cuenta con momentos brillantes y dramáticos, en donde destaco el rito de la boda y en especial el baile de Jagna y Maciej. La energía, la rabia y lucha que se desata entre ambos contrayentes, enfatiza las diferencias entre ambos, caracteres y pensamientos; juventud lozana en contienda con la ya perdida, rebeldía frente al deseo de posesión o la afabilidad enfrentándose a la fuerza bruta. Un filme de contrastes que subraya la vida ruda de la campiña y de quienes marcan la diferencia, que en ocasiones al no ser entendida, se rechaza y odia. La escena final, es de las más crueles, emocionalmente hablando, que uno se puede imaginar.

La película te atrapa gracias a la potente y dramática narrativa y la belleza del entorno pictórico en movimiento. Un trabajo minucioso y laborioso, sin la menor duda, aunque debo confesar que en algunos instantes me mareaba e incluso, secuencias, en donde el uso excesivo de los óleos, empastaba las imágenes, perdiéndose la profundidad de campo. Aun con sus pequeños defectos, siempre es bienvenida una obra original, que enriquece al séptimo arte.

Mi nota: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de diciembre

REPARTO: Kamila Urzedowska, Robert Gulaczyk, Miroslaw Baka, Sonia Mietielica, Ewa Kasprzyk, Cyprian Grabowski, Andrzej Konopka, Julia Wieniawa-Narkiewicz, Cezary Lukaszewicz, Malgorzata Kozuchowska, Helena Korczycka, Sonia Bohosiewicz y Mateusz Rusin y Dorota Stalinska.

PRODUCTORA: BreakThru Films// Polski Instytut Sztuki Filmowej.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Karma Films.

PETER VON KANT: CRÍTICA DE CINE

Peter Von Kant está escrita y dirigida por François Ozon, adaptando la obra de Rainer Werner Fassbinder.

Peter Von Kant (Denis Menochet) es un famoso director de cine. Vive en una lujosa casa con su silencioso asistente Karl (Stefan Crepon), quien parece estar enamorado de él. Peter tiene una hija, Gaby (Aminthe Audiard) a la que hace mucho tiempo no ve. Un día Peter recibe la visita de su musa y gran actriz Sidonie (Isabelle Adjani), que viene acompañada de un joven apuesto, Amir (Khalil Ben Gharbia), del que Peter se enamorará al instante, ofreciéndole que deje el hotel en el que se aloja y se vaya a vivir con él, además de prometerle que le ayudará a entrar en la industria del cine.  Pasado un tiempo, Amir decide abandonar a Peter.

El guionista y director, François Ozon, recibió una educación católica. Se graduó con doctorado de cine en Paris I y en 1990 entra a formar parte del departamento de dirección de la Femis, redactando una tesis sobre Pialat e iniciándose en la dirección de cortometrajes: “Photo de Famille” y “Les Doigts dans le Ventre” ambos en 1988, “Mes Parents un Jour D´ètè” 1990, “Une goutte de sang”, “Peau contre peau (les risques inútiles)”, “Le Trou madame” y  “Deux plus un” en 1991, “Thomas reconstitué” 1992, “Victor” 1993, “Une rose entre nous” y “Action Vérité” en 1994, “La Petite Mort” 1995, “Une robe d´été” 1996, “Scènes de lit” y “Mirando al mar” en 1997, “X2000” 1998, “Une Lever de rideau” 2006 y “Quand la peur dévore l´âme” 2007. Ha dirigido el documental “Jospin S`éclaire” 1995 y el mediometraje “Mirando al mar” 1997. Debutó en el largometraje con “Sitcom” 1998 y continuó con “Amantes criminales” 1999, “Gotas de agua sobre piedras calientes” y “Bajo la arena” ambas en 2000, “8 mujeres” 2002, “Swimming Pool” 2003, “5x2 (Cinco veces dos)” 2004, “El tiempo que queda” 2005, “Ángel” y “Un lever de rideau et autres histoires” 2007, “Ricky” y “El refugio” 2009, “Potiche, mujeres al poder” 2010, “En la casa” 2012, “Joven y bonita” 2013, “Una nueva amiga” 2014, “Frantz” 2016, “El amante doble” 2017, “Gracias a Dios” 2018, “Verano del 85” 2020, “Todo ha ido bien” 2021 y ahora nos ofrece “Peter von Kant” 2022.

El maestro Ozon nos deleita con otra de sus interesantes obras. Algunos le consideran el Almodóvar francés, pero a mi modo de ver, cada uno en su genialidad, resultan muy diferentes, afortunadamente para el espectador que disfruta de sus ideas originales, inspiradoras y algunas veces descabelladas. Lo que sí me ha llamado siempre la atención en ambos realizadores, es el cuidado que  prestan a la dirección actoral, la fotografía y la música y en esta ocasión, sí me atrevo a considerar que Peter von Kant posee esos rasgos característicos almodovarianos en la puesta en escena, en el color y hasta el ofrecernos un intenso drama queer, tan propio en la filmografía del director manchego. Un drama en el amplio sentido de la palabra, nutrido de pequeños destellos humorísticos, que ayudan a suavizar las tensiones que se generan a medida que transcurre el metraje. La película cuenta con una excelente ambientación y unas magníficas interpretaciones, de las que paso a hablar a continuación.

François ha contado con un reducido elenco de grandes actores y actrices, abriendo la obra el siempre impecable y extraordinario Denis Menochet, un actor que se supera a sí mismo con cada trabajo que asume y este Peter, lo borda, saltando de la comedia al drama, con una gran naturalidad y credibilidad; por su parte Stefan Crepon, la indiscutible estrella de la escena, pues aun siendo Peter el personaje principal, el Karl de Crepon capta toda la atención y las miradas del espectador, esperando cada una de sus brillantes salidas en ese gran salón en el cual, se desarrolla prácticamente toda la función o en el lugar menos esperado. Un personaje que no pronuncia una sola palabra durante toda la obra, pero no lo precisa, es perfecto tal y como nos lo ofrece Ozon. Virtuosismo interpretativo el que nos brinda Stefan, atrapando al espectador; y aunque siempre dicen que las damas primero, he preferido dejarla para el final, porque ella se merece entrar por todo lo alto con su saber estar y esa elegancia que emana, hablo de la maravillosa Isabelle Adjani. Una mujer que estoy seguro mantiene un pacto con los ángeles, no con el diablo, pues cada día está más hermosa y radiante. Con su presencia llena la escena y con sus palabras, nos conquista a todos. También, mención especial merecen Hanna Schygulla en su breve papel de Rosemarie, la madre de Peter, un lujo verla en pantalla y  como anécdota comentaros que conoció en persona a Fassbinder y termino con el joven Khalil Ben Gharbia, como Amir.

Un filme por el que desfilan los sentimientos, acompañados de la soledad, el amor enfermizo, la autodestrucción,  la pérdida, el alcohol, las drogas o los diferentes estados emocionales entre la negación y las obsesiones; en una obra marcada por un fuerte carácter teatralizado que ha contado con la excelente fotografía de Manuel Dacosse y la banda sonora de Clément Ducol. Cine dentro del cine, en donde destacaré, entre todas las impactantes escena que contiene la película, la prueba de cámara que Peter realiza a Amir, con preguntas sobre su vida, llegando a ese acto de impulso irrefrenable que surge en medio de una respuesta y las expresiones que refleja el joven, cuando Peter suelta la cámara del trípode y la acerca a su rostro, buscando captar ese instante de vulnerabilidad e invadiendo la intimidad que le está ofreciendo. Un filme intimista, reflexivo y cuyo clímax llega en la reveladora escena final. 

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de octubre.

REPARATO: Denis Menochet, Isabelle Adjani, Stefan Crepon, Khalil Ben Gharbia, Hanna Schygulla y Aminthe Audiard.

PRODUCTORA: Foz// Films Distribucion.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Caramel Films.

ALEGRÍA: CRÍTICA DE CINE

ALEGRÍA está dirigida por Violeta Salama, compartiendo guion con Isa Sánchez. “Como Dios no podía estar en todas partes, hizo a las madres”

Alegría (Cecilia Suárez) vive en Melilla, en la casa familiar, alejada de sus raíces judías y disfrutando de la tranquilidad, contando con el apoyo de su gran amiga Marian (Mara Guill) y Dunia (Sarah Perles), que trabaja en la casa. La tranquilidad de la que goza se verá alterada cuando su sobrina Jael (Laia Manzanares), decide casarse con el melillense Jacobo (Emilio Palacios); acontecimiento que provoca que toda la familia se traslade a su casa, para organizar la boda. Alegría tiene la esperanza que a la boda acuda su hija Sara, que vive en Israel.

La guionista y directora, Violeta Salama, se licenció en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, Máster en Documental Creativo por la Universidad Autónoma de Barcelona, finalizando con un post-grado en Film Production en la Vancouver Film School. Será en esta ciudad en donde comenzará a trabajar en segundas unidades de producciones y a su regreso a Madrid, trabajaría en el equipo de dirección para series televisivas como “Amar en tiempos revueltos” 2005 y la miniserie “Crematorio” 2011. Saltó al cine como asistente de dirección para la película “Dictado” 2012 de Antonio Chavarrías, “Blancanieves” 2012 de Pablo Berger o “El sexo de los ángeles” 2011. Alegría es su primer largometraje como guionista y directora.

Ante todo decir que Alegría, es un filme femenino tratado desde la tradición de tres culturas muy diferentes entre ellas, que conviven en Melilla. La judía, la árabe y la cristiana. Tres religiones representadas por mujeres, como es el caso de Alegría o Jael, ambas judías pero con pensamientos muy diferentes y es curioso que Jael, siendo la más joven, es quien más se aferra a las tradiciones, mientras que Alegría, se aleja de ellas. Como ejemplo nos ofrece el instante en que Alegría llegando a Israel, le hacen dos preguntas en la frontera. La primera de ellas sobre el motivo de su visita al país, a lo que responde que por causas familiares y a la segunda, si es judía, respuesta que se queda dudando, sin llegar a conocer lo que responde. Dunia, representa a la mujer árabe, una joven que busca su independencia, poder estudiar fuera del país y vivir una vida distinta, sin renunciar a sus creencias y Marian, es una cristiana con amistades árabes y judías, demostrando que el amor, la amistad y la convivencia, pueden dar su fruto, si cada uno respeta el espacio del otro. En definitiva, cultura, tradiciones, familia, amistad, relaciones y pasiones; en un crisol de personajes. 

Violeta debuta con esta ópera prima, intimista y personal, a través de un retrato optimista y romántico dedicado a la ciudad de Melilla, pues aunque nació en Granada, vivió en dicha ciudad durante 12 años, su padre siempre trabajó allí y su abuela, nunca abandonó su hogar. Una narración con tintes autobiográficos que si por una parte logra uno de sus objetivos, el mostrar al gran público la imagen de una ciudad bastante desconocida y en cierta manera abandonada a su suerte, fotografiada por Pau Esteve Birba,  por otro lado parece haberse olvidado de resolver los conflictos a los que somete a sus personajes, llevándonos a un final que nos deja fríos, cuando debería ser todo lo contrario. Quizás la falta de experiencia como guionista y directora, le ha pasado factura, ofreciéndonos un filme al que pone corazón, pero deja a medias, dando la sensación de haber filmado un documental ficcionado, junto a un grupo de amigos.

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de Diciembre

REPARTO: Cecilia Suárez, Laia Manzanares, Sarah Perles, Mara Guil, Leonardo Sbaraglia, Adelfa Calvo, Emilio Palacios, Zohar Liba, Joe Manjón, María Luisa Mayol.

PRODUCTORA: La Claqueta PC// Powehi Films// La Cruda Realidad// 9am Media Lab// TVE.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Caramel Films.

PAN DE LIMÓN CON SEMILLAS DE AMAPOLA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Luxemburgo, Pan de limón con semillas de Amapola, está dirigida por Benito Zambrano compartiendo guion con Cristina Campos, autora de la novela.

Marina (Elia Galera), trabaja como doctora para una ONG en África. Ayuda a dar a luz a una mujer nativa, que muere en el parto. Desde el primer instante, Marina se siente atraía por la recién nacida, a la que llamarán Adina. Es feliz con su trabajo y su novio, Mathias (Tommy Schlesser), pero cuando ella le propone casarse y adoptar a la pequeña, él rechaza la propuesta.

Marina se ve obligada a regresar a su pueblo de Valdemossa en Mallorca, para firmar los papeles de venta de una panadería que ha heredado de Lola, una misteriosa mujer. Allí se reencontrará con su hermana Anna (Eva Martín) que está casada con Armando (Pere Arquillué), un hombre machista y déspota y con quien tiene una hija, Anita (Mariona Pagès), una joven introvertida. Ambas hermanas fueron separadas cuando eran muy niñas y tendrán que hacer frente a los viejos conflictos familiares e intentar recuperar los años perdidos.

El guionista y director, Benito Zambrano, estudió Arte Dramático en Sevilla y se graduó en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Ha dirigido los cortometrajes “La última humillación” 1987, “Un niño mal nacido” 1989, “¿Quién soy yo?” 1988, “Melli” 1990 y “Bombería” 2014. En el largometraje debutó con “Solas” 1999 (5 Goyas entre otros premios nacionales e internacionales) para continuar con “Habana Blues” 2005, “La voz dormida” 2011, “Intemperie” 2019 y este año nos ofrece “Pan de limón con semillas de amapola” 2021.  También ha dirigido el mediometraje “The Beginning” 2016 y la miniserie “Padre Coraje” 2002

Como bien se puede leer, estamos ante un drama familiar, en el que no faltarán los secretos, la codicia, el machismo, la maternidad y el amor, puestos en un lado de la balanza y en el otro, como telón de fondo, la burocracia entre países a la hora de adoptar, los matrimonios de conveniencia, el trabajo de las ONGs,  las distancias que todo lo alejan y acercan, dependiendo de la disponibilidad e incluso las responsabilidades. Zambrano nos ofrece una historia de mujeres, entre generaciones, en medio de los golpes que da la vida y la sabiduría adquirida, con cada una de esas pruebas que el destino pone en el camino, con el transcurrir del tiempo. Un filme intimista y muy personal.

Pan de limón con semillas de Amapola, nos presenta un postre delicado y firme, que nos habla del crecimiento de uno mismo y de las superaciones que irrevocablemente debemos alcanzar, si no queremos ser derrotados. A estas mujeres, valiente, honestas, trabajadoras, protectoras e incluso olvidadas, les une el destino para juntas superar y cerrar viejas heridas, a la vez que, sin alzar la voz y sabiendo cuál es su cometido, respaldarse, ofreciendo su verdad. Un filme femenino y feminista sin hacer ostentación  de dichos términos, pues no lo necesitan, ya que con sus actos y decisiones, demuestran de lo que son capaces. Pan de limón con semillas de Amapola, posee un ingrediente secreto para hacerlo único. ¿Te atreves a descubrirlo?

Un filme interpretado mayoritariamente por actrices, cuyas actuaciones hablan por sí mismas, por lo que no destacaré ningún trabajo, pues todas se apoyan para dar vida a este filme que te seduce por la delicadeza del texto y la dirección, así como por la magnífica y bucólica fotografía de Marc Gómez del Moral.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de Noviembre

REPARTO: Elia Galera, Eva Martín, Mariona Pagès, Marilu Marini, Tommy Schlesser, Claudia Faci y Pere Arquillué.

PRODUCTORA: Filmax// Castelao Pictures// Deal Productions// TVE// Movistar+// TV3// Luxemburg Film Fund.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax Films.

SHANG-CHI Y LA LEYENDA DE LOS DIEZ ANILLOS: CRÍTICA DE CINE

 

Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, está dirigida por Destin Cretton compartiendo guion con David Callaham y Andrew Lanham.

El prólogo nos narra la leyenda de Wenwu (Tony Leung), poseedor de los 10 anillos y cuyo propósito era dominar el mundo, hasta que conoció a Jiang Li (Fala Chen) de la que se enamora y con quien tiene dos hijos, Shang-Chi (Simu Liu) y Xialing (Meng`er Zhang)

En la actualidad, en San Francisco, vemos a Shang-Chi trabajando como aparcacoches de un hotel, junto a su gran amiga y compañera inseparable, Katy (Awkwafina). Un día, viajando en autobús, un grupo de asesinos pretenden arrebatarle el medallón que le regaló su madre, siendo un niño. Él se niega, enfrentándose a ellos. Su amiga se sorprende por la forma en que lucha su compañero y decide ayudarle. Tras la pelea, Shang-Chi se da cuenta que le han robado la piedra del cuello y que su hermana, está en peligro, pues ambos poseían colgantes similares, desde niños. Katy, tras conocer la historia que le cuenta su amigo, se niega a que vaya solo y juntos viajarán hasta Macao, donde se encontrarán con Xialing. 

Sobre la posibilidad de llevar al cine o la televisión el personaje que nos ocupa, Shang-Chi, Stan Lee sopesó la idea de hacer una serie o película, allá por los años 80. Tendrían que pasar unas cuantas décadas hasta llegar al siglo actual en 2001, cuando Stephen Norrington firmó un contrato para dirigir “The Hands of Shang-Chi”. Dos años más tarde, DreamWorks Pictures decidió reemplazar a Norrington por Yuen Woo-Ping, pero finalmente, el proyecto fracasó, regresando los derechos a Marvel. Entre largas reuniones, resolver algunas cuestiones importantes y pensar en la mejor manera de presentar al nuevo superhéroe, se llega a finales del año 2018, cuando en Marvel se estaba desarrollando un nuevo proyecto sobre dicho personaje, con la intención de convertirlo en el primer filme con protagonista asiático. En el proceso contrataron al escritor chino-estadounidense David Callaham y en 2019 al director japonés-estadounidense Destin Cretton. El objetivo de los estudios, era profundizar en los temas asiáticos y asiáticos-americanos, como habían hecho con Black Panther 2018 de Ryan Coogler, con la cultura africana y afroamericana. Para el elenco actoral, el estudio insistió en que debían ser actores de ascendencia china, resultado que vemos en el reparto de la película, siendo Simu Liu, el primero en ser seleccionado. El resto es historia, historia de una película que sin duda se convertirá, en una de las más importantes superproducciones de los Estudios Marvel.

El productor, editor, guionista y director, Destin Cretton, fue educado en casa por su madre cristiana. Se mudó a San Diego, donde inició sus estudios en la Universidad Nazarena de Point Loma, especializándose en comunicación. Mientras estudiaba realizó diversos cortometrajes entre los que encontramos “Deacon´s Mondays” 2007 y “Short Term 12” 2008. Continuó ampliando conocimientos asistiendo y graduándose en La Universidad Estatal de San Diego.  Su primer largometraje llegó en 2012 con “I Am Not a Hipster” continuando con “Las vidas de Grace (Short Term 12)” 2013, “El castillo de cristal” 2017, “Cuestión de justicia” 2019 y este año nos ofrece la nueva película de Marvel “Shan-Chi y la leyenda de los Diez Anillos” 2021. También está rodando la serie “Tokyo Vice” 2021.

El Universo Cinematográfico Marvel, para mayor gloria de todos los fans, continúa ofreciendo nuevos títulos de estreno, en su Fase 4 de Películas y Series. Ahora le toca el turno a un personaje desconocido, por el público cinematográfico y televisivo, como es Shang-Chi, que fue creado por Steve Englehart y Jim Starlin en el año 1973. Una historia cuyos orígenes nos trasladan al lejano oriente, y al igual que en su día disfrutamos con Black Panther y su maravilloso universo africano, aquí lo haremos con el oriental a través de Shang- Chi, los secretos familiares, los enemigos y los aliados, pues os aseguro que guardan una historia muy atractiva y oscura, por igual.  

Marvel nos trae un  nuevo superhéroe, uno de los de andar por casa. Pues Shang-Chi es un joven como tantos que vemos por la calle, con un trabajo sencillo, el de aparcacoches en un hotel. Cuenta con una buena compañera de trabajo y amiga inseparable, Katy. Le gusta hacer planes, al igual que a la mayoría e incluso viaja en autobús, para desplazarse por la ciudad. Humilde, honesto y tranquilo, cuya personalidad te atrapa, desde el instante en que le conocemos. Nada le diferencia de los demás, a primera vista, hasta que nos sorprende, tanto como a Katy, ante la exhibición de artes marciales que realiza para defenderse de la agresión que sufre, en el autobús. A partir de ese instante, en el que has disfrutado de cuanto acontece en ese medio de transporte y relata a Katy parte de su vida pasada, pues el resto de la historia se irá desvelando a lo largo del metraje, entre flashback, nos acomodamos en la butaca, para seguir bien de cerca, a Shang-Chi, pues os aseguro que lo vais a gozar, tal vez como nunca, en una narración donde el mal y el bien lucharán sin freno. Un filme que no nos deja  un minuto para coger aliento y por supuesto, no esperéis al Shang-Chi de la década de los años 70, pues al igual que sucede en la vida, todo evoluciona y para el Universo Marvel, nuestro superhéroe, también lo ha hecho. 

Las escenas de acción son trepidantes y aseguradas, prácticamente, desde el minuto uno, rindiendo un gran homenaje a las artes marciales, en unas coreografías absolutamente espectaculares e incluso, deleitándose en algunas de las secuencias, hasta el punto de dar la sensación de estar asistiendo a una magistral MasterClass, con maestros de excepción, como así lo son los profesionales coreógrafos que intervinieron en la película. Las distintas coreografías de este filme, despiertan sentimientos muy diferentes, según el “ritual” a celebrar: Violento y acrobático en las batallas. Romántico y táctico, en escenas como la que viven Wenwu y Li, cuando se conocen y sensitivo, en la aldea entre Shang-Chi y su tía Ying Nan; por poner algunos ejemplos. Virtuosismo en estado puro, que en ocasiones nos sobrepasa, pues en la pantalla, por instantes, no hay un ángulo en el que no esté sucediendo algo y todo importante. 

Un filme en el cual, como se espera del Universo Marvel, no pueden faltar las secuencias de acción sin tregua y llevadas al extremo, el espectáculo visual que solo los estudios es capaz de ofrecer, las emociones y el humor que destilan algunos de los personajes, como sello de identidad, y claro, hablando de los personajes que forman ya parte del MCU, ellos son interpretados magníficamente por un gran elenco actoral, entre los que quiero destacar a la pareja formada por Simu Liu y Awkwafina, dando vida, con una gran verdad, a Shang-Chi y Katy. Una vez más, Awkwafina, me sorprende con su espontaneidad natural ante la pantalla. Está radiante y maravillosa. 

Y termino, sí, termino porque me quedaría mucho más tiempo escribiendo, comentando todas las impresiones maravillosas que me ha producido la película, pero finalizo subrayando el extraordinario diseño de producción, a través del cual, cada departamento de arte se ha involucrado en que nada fallara, desde los escenarios virtuales, los fabulosos decorados de Sue Chan, el impoluto vestuario a cargo de Kym Barrett, pasando por los sobresalientes efectos visuales, bajo la dirección de Christopher Townsend, sin olvidarnos de la deslumbrante fotografía de Bill Pope y la épica banda sonora, con toques orientales, compuesta por Joel P. West. 

Ahora toca disfrutar, con un nuevo superhéroe

Mi nota es un: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 3 de Septiembre

REPARTO: Simu Liu, Awkwafina, Tony Leung Chiu-Wai, Michelle Yeoh, Fala Chen, Florian Munteanu, Ronny Chieng, Dallas Liu, Tim Roth, Benedict Wong, Meng`er Zhang, Fernando Chien y Kelli Bailey.

PRODUCTORA: Marvel Studios// Walt Disney Pictures// Fox Studios Australia.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures Spain.

MÍA y MOI: CRÍTICA DE CINE

 MÍA y MOI está dirigida y escrita por Borja de la Vega.

Mía (Bruna Casí) se ha trasladado a la casa de campo que tenían sus padres, tras morir su madre. Mientras Mía toma una copa de vino blanco y fuma un cigarrillo, llega su hermano Moi (Ricardo Gómez) con su novio Biel (Eneko Sagardoy), a pasar unos días. Moi  se está recuperando de una fuerte crisis nerviosa, ayudado por unas pastillas que no debe dejar de tomar. Mía y Moi son de esos hermanos cómplices, que se lo cuentan y comparten todo y Biel, como le dice en un momento a Moi, lo ama, tal como es. Los tres disfrutan de la naturaleza, de sus baños en la playa y sus conversaciones, hasta que un día esa paz es perturbada por la presencia de Mikel (Joe Manjón), el novio de Mía.

El productor ejecutivo, guionista y director, Borja de la Vega, realizó sus estudios en la Universidad Complutense de Madrid. Ha trabajado en el Departamento de Marketing y Distribución de Fox y Universal. Creador audiovisual en las series de Antena 3 y Neox. Es codirector de Kuranda (Empresa que representa a actores y actrices) junto a su fundadora Katrina Bayonas. Como guionista  y director ha trabajado junto a Carlos del Hoyo en proyectos como la Webserie “Diarios de la Webcam” 2010, que adquirió Antena3 y  la serie de televisión “60m2” 2011. Ahora debuta en el largometraje con “Mía y Moi” 2021. En 2017 escribió y dirigió la obra teatral “Amor de niños” que se representó en la Sala Intemperie Teatro de Madrid.

El filme tiene buenas intenciones y una historia que podría haber funcionado más de lo que lo hace, el problema es que Borja, con su primer largometraje, ha cometido errores de principiante y estoy convencido que lo sabe, pues no es un novato en la industria; pero vayamos por partes, destacando lo que a mí juicio, resulta más interesante; los escenarios que se han elegido para esta obra teatralizada y por supuesto, la fotografía de Álvaro Ruiz, en ese cuidado equilibrio entorno a la iluminación y el color, entre las escenas al aire libre y las que se desarrollan en el interior de la casa, acentuando el aire campestre, relajante, intimista e incluso, minimalista. Minimalista hasta en su banda sonora, en la cual los violines armonizan con los sonidos de la naturaleza, algo que considero acertado, al igual que el sutil movimiento de la cámara, que salvo los bucólicos planos generales, se nutre de planos cortos y medios que buscan la intimidad y cercanía a los personajes y sus historias.

Llegado a este punto, a las historias de los personajes, el guion ha olvidado contarlas, pues en sus 100 minutos de metraje, muy poco llegaremos a saber, salvo unas pequeñas pinceladas y demasiadas preguntas que no son contestadas, ni aclaradas. Personajes que de entrada, por lo poco que se nos ofrece, dan la sensación de arrastrar ese lado oscuro del pasado, de fantasmas y sufrimiento, de sueños rotos, frustraciones, miedos, machismo, rencores, bisexualidad, celos y hasta de abusos; pero todo eso, nos lo tenemos que imaginar nosotros. Demasiados minutos de metraje, a mi modo de ver, para tener que pensar tanto y no mostrar lo suficiente.

Cuatro personajes que si bien los actores, los defienden lo mejor que pueden, se quedan flotando entre las olas, los árboles, el viento o las estancias de la gran casona. Borja se limita a dejarnos con la miel en los labios, jugando a que el espectador comprenda lo que está pensando, sin más. Personajes como Moi, del que se busca saber por qué se comporta como un muerto viviente. ¿Cuál fue el origen de esa crisis que aun no ha superado?, ¿Qué le motiva a jugar con las pastillas?, ¿Por qué esa inapetencia amorosa con su pareja, siendo tan jóvenes?, ¿Cuál es la razón de preferir la compañía en la cama de su hermana a la de su novio? Y no digamos las preguntas que surgen con respecto al cuarto personaje, Mikel. ¿Quién es Mikel?, ¿Por qué ese amor y odio, no solo de Mía hacia él, sino el rechazo por parte de Moi?, ¿Qué pretende Mikel al acercarse de esa manera tan sibilina a Biel? o ¿A qué juega Mikel con Moi, en esas escenas cargadas de sensualidad? Son demasiadas preguntas y aunque podemos crear en nuestra mente, la película que no se nos está contando, mejor si lo hubiera hecho, que tiempo ha tenido en esos eternos 100 minutos. Es por todo esto, que la obra, se vuelve monótona y aburrida. El espectador, por muy paciente que sea, que yo lo soy, llega a tirar la toalla y dejar que los minutos transcurran sin más, hasta que llega ese final, que no sorprende, tras tanto tedio.

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Mayo

REPARTO: Bruna Cusí, Ricardo Gómez, Eneko Sagardoy, Joe Manjón y Raquel Espada.

PRODUCTORA: Paciencia y Baraja // Toned Media

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Toned Media

CHAOS WALKING: CRÍTICA DE CINE

Chaos Walking está dirigida por Doug Liman, con guion  adaptado de Christopher Ford, Charlie Kaufman, Gary Spinelli, Lindsey Beer, John Lee Hancock y el propio autor de la trilogía Patrick Ness. “No escondas tu ruido, abre la mente”.

Es el año 2257 d.C., los hombres del planeta Nuevo Mundo, tras una guerra con los nativos del mismo llamados Zulaques, que exterminaron a todas las mujeres, pero no así a una parte de los hombres, se vieron afectados por lo que denominan “Ruido”, que no es otra cosa que tener la facultad de escuchar los pensamientos de los demás, con lo que han buscado fórmulas personales para evitarlo.

Prentisstown forma parte de ese Nuevo mundo en el que vive Todd Hewitt (Tom Holland), un joven agricultor y huérfano, quien descubre a una persona vestida de naranja, intentar robar en su granero. Mientras la persigue, localiza los restos de una nave espacial que ha caído en la zona. La única superviviente, de la misma, es Viola Eade (Daisy Ridley), quien tras superar los primeros momentos de desconfianza y viendo peligrar su vida, ante la persecución del alcalde David Prentiss (Mads Mikkelsen) y sus hombres, se alejará del pueblo, acompañada de Todd. En ese viaje que ambos emprenden, Viola le desvelará quien es y de donde procede. 

El filme está basado en el primer libro de la trilogía de ciencia ficción “Chaos Walking”, titulado “The Knife of Never Letting Go” adaptado por el propio autor Patrick Ness junto a Christopher Ford, Charlie Kaufman, Lindsey Beer, John Lee Hancock y Gary Spinelli. La película se estrenó en Estados Unidos el 5 de Marzo de 2021.

El fotógrafo, productor y director, Doug Liman, ya en la secundaria realizaba cortometrajes. Estudió fotografía en el International Center of Photography, matriculándose más tarde en la Universidad Brown de Providence y en la Universidad de Carolina del Sur. Profesionalmente comenzó su carrera en la televisión de la Universidad Brown, cofundada por estudiantes BTV. Su primer largometraje llegó en 1994 con “Getting In” al que han seguido “Swingers” 1996, “Viviendo sin límite” 1999, “El caso Bourne” 2002, “Sr. y Sra. Smith” 2005, “Jumper” 2008, “Caza a la espía (Fair Game)” 2010, “Al filo del mañana” 2014, Splinter Cell” 2015, “The Wall” 2017, “Barry Seal: El traficante” 2017, “Confinados” 2021 y ahora llega a nuestras pantallas “Chaos Walking” 2021. Para televisión ha rodado la serie de televisión “The O.C. – The Orange County” 2003, “Mr. And Mrs. Smith” 2007, “Sin pantalones” 2012, “Cautivos” 2016 e “Impulse” 2018.

Vaya por delante que yo no he leído ninguno de los libros de esta trilogía, pero que me ha despertado curiosidad, por lo que escuché tras el visionado. Por lo tanto, mi crítica o reseña, como deseéis denominarla, irá dirigida hacia la película. Para mi gusto el filme es disfrutable desde el lado de la aventura y esa relación que surge entre los dos personajes, trayéndome recuerdos, como comenté al salir de la sala,  a esa gran saga que ha perdurado en el tiempo, con secuelas recientes como es “El planeta de los simios”, retrocediendo a la original de 1968 dirigida por Franklin J. Schaffner, en donde nos encontrábamos con un mundo distópico, seres viviendo en poblados, trabajando en la agricultura y ganadería, sin comodidades, ni tecnología; un doctor de nombre Zaius (Aquí será el alcalde David), el astronauta George Taylor recién llegado, sustituido en este caso por la astronauta Viola Eade y por supuesto, la persecución ocasionada por las supersticiones, los miedos y la ignorancia. En esta ocasión, una persecución en la cual la chica se verá acompañada por uno de los pobladores, quien ve algo más en ella. La trama por lo tanto es muy similar y como ya disfruté en su día de aquel filme emblemático, también lo he hecho con esta nueva obra, sin pensar más allá de que me entretuviera y al menos conmigo, lo ha conseguido. Repito, no voy a hacer comparaciones con la obra literaria  y estoy convencido que muchos de los que irán a las salas a verla, tampoco la han leído. Cuenta con unos efectos especiales sencillos, pero convincentes, sobre todo en la forma de representar “el ruido”

Lo que me sigue llamando la atención es que muchos de los filmes apocalípticos regresan, en una mayoría, a los tiempos del western. Poblados, ganaderos, agricultores y monta a caballo con sus armas. Han sustituido todo medio de transporte por los caballos, que por una parte lo entiendo, conseguir gasolina puede resultar complicado pero, tan atrás nos tenemos que remontar y sobre todo, ¿Por qué a esos tiempos?. Habrá que preguntárselo a los guionistas y a algunos escritores; sea como sea, ese toque bucólico, estimula los sentidos.

El filme cuenta con un buen ritmo, correcta ambientación, acertado montaje, cierta tensión y acción; que en suma, es lo que se busca en algunas películas para pasar un rato agradable, olvidándonos del día a día. Las interpretaciones cumplen su objetivo, destacando a Tom Holland, que deja aparcadas las mallas de Spider-Man por ropa de otros tiempos y así acompañar a la chica de la película, y a quien hemos visto beber más de la cuenta en Otra Ronda, Mads Mikkelsen, que le va eso de hacer de malo.  

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Abril

REPARTO: Daisy Ridley, Tom Holland, Mads Mikkelsen, Demian Bichir, David Oyelowo, Kurt Sutter, Nick Jonas, Óscar Jaenada, Ray McKinnon, Cynthia Erivo, Bethany Anne Lind, Mylene Robic, Olunike Adeliyi, Harrison Osterfield, Vincent Leclerc, Tara Nicodemo, Tyrone Benskin, Claudia Besso, Blane Crockarell, Isabelle Giroux, Marché Day, Maxwell McCabe-Lokos

PRODUCTORA: Quadrant Pictures// Bron Studios// Creative Wealth Media Finance.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

EL MENSAJE: CRÍTICA TEATRAL

 

EL MENSAJE, es una comedia teatral escrita y dirigida por Ramón Paso, que se representa en el Teatro Lara (Sala Cándido Lara) todos los martes, miércoles, jueves y viernes a las 20:00 horas, salvo el viernes 23 de abril y los domingos adelantándose a las 19:00 horas. ¿Aceptarías un millón de euros a cambio de que cuenten tus secretos más íntimos a tu familia?

César (Carlos Seguí), el exmarido de Lucía (Natalia Millán), ha fallecido. Les ha dejado a Lucía y a sus dos hijas, Irene (Inés Kerzan) y Daniela (Ángela Peirat) un millón de euros a cada una con la única condición que para poder disfrutar de dicha cantidad, tendrán que ver un vídeo en el cual él, revela ciertos secretos familiares que desconocen las unas de las otras. Una premisa aparentemente sencilla que se irá complicando, cuando la secretaria de César, Andrea (Ana Azorín) vaya poniendo en marcha los diferentes vídeos.

Sobre Ramón Paso comentaros que es un dramaturgo, guionista y director de teatro, nieto el dramaturgo Alfonso Paso y bisnieto del escritor Enrique Jardiel Poncela. Con estas señas de identidad, es lógico que Ramón heredase el arte de la escritura. Fue finalista del Premio Valle-Inclán de Teatro en 2019 por “Las leyes de la relatividad aplicadas a las relaciones sexuales” y entre sus obras más conocidas se encuentran, desde su primer estreno profesional “El Tesoro” 1998, pasando por “Usted tiene ojos de mujer fatal…en la radio” 2016, “Otelo a juicio” 2018, “El reencuentro”  2018 o  “La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde”. Para el Centro Dramático Nacional ha colaborado como asesor de dramaturgia en “Trastos” de Miguel de Cervantes y “Jardiel, un escritor de ida y vuelta” de Enrique Jardiel Poncela, ambas dirigidas y versionadas por Ernesto Caballero, al igual que “La autora de las Meninas” dirigida y escrita por Ernesto Caballero y “Un soñador para un pueblo” de Antonio Buero Vallejo, con dirección de Caballero, entre otras obras. Para televisión destacaré “Los habitantes de la casa deshabitada” con guion y dirección actoral propia y “El crédito de Jordi Galcerán” como guionistas junto a Galcerán.

“El Mensaje” es una comedia elegante y  canalla, dirigida y escrita por Ramón Paso con la participación del elenco actoral de la compañía PasoAzorín (Ana Azorín, Inés Kerzan, Ángela Peirat y Carlos Seguí), a quienes se une, como actriz principal, Natalia Millán. Una comedia con un punto de reflexión muy interesante y no menos importante, pues entre los ingeniosos y divertidos diálogos que las cuatro mujeres mantienen durante la hora y media que dura la representación, nos invita a meditar sobre la familia y como cada día, ante la rutina, las prisas o el motivo que sea, la comunicación en el hogar, ha pasado a un segundo plano. ¿Cuánto tiempo hace que no nos detenemos unos minutos para hablar con nuestra pareja de cuestiones importantes y no me refiero a las facturas, la hipoteca o si se ha estropeado el horno? ¿Qué sabemos realmente de nuestros hijos y qué piensan de nosotros? ¿Hablamos lo suficiente en el hogar con los nuestros? Estos asuntos y algunos más, se plantean en esta extraordinaria comedia, sin intentar en ningún momento aleccionar.

Con un atractivo espacio escénico a cargo de Javier Ruiz de Alegría, sobre el fabuloso escenario del Teatro Lara, una vistosa iluminación de Carlos Alzueta y en esta ocasión el audiovisual de la Cía de la luz, tan importante en esta obra; el espectador se sentirá a gusto y disfrutando de esta familia tan especial. Una familia que en realidad, es como muchas, que han dejado de participar e interesarse de la vida de los unos  y de los otros con el paso del tiempo, aquí, las unas de las otras, alejadas en la cercanía. Entre carcajadas, El Mensaje, expone los sentimientos, las relaciones humanas, los reproches,  lo que se piensa de los demás, dicho a escondidas e incluso dejando de valorar lo verdaderamente esencial; porque egoístamente pensamos que siempre va a estar ahí. Craso error. Como bien dice Ramón Paso “Decir la verdad puede doler, pero a la larga es curativo”

Toca el turno de ellas, pues la obra es femenina por  los cuatro costados, salvo por esa proyección que va lanzando dardos a cada una. Y voy a comenzar con las que considero las estrellas de la función; por un lado, la siempre maravillosa y elegante, Natalia Millán, en el papel de Lucía. Una actriz que con su sola presencia, llena el escenario. Tuve el gran placer de verla en el musical “Billy Elliot” interpretando a la profesora de ballet y una vez más, con esta obra, conquista al espectador; como lo hace sin la menor duda, en un personaje muy diferente al de Natalia, Ana Azorín, encarnando a Andrea, cuyo personaje provoca carcajadas en los espectadores con su espontaneidad, falta de filtro y frases maravillosas que sin la menor duda Ramón Paso, pensaba en ella cuando las escribía. El resto del elenco, cumple con sus personajes.

Una obra que recomiendo desde esta líneas y aunque a las obras de teatro no les pongo nota, El Mensaje, es de esa piezas teatrales que no se olvidan y permanecen el recuerdo. Así que si vives en Madrid o pasas por esta hermosa ciudad, tenéis una cita con, El Mensaje y sus personajes.  

Más de 2000 espectadores ya han venido a reírse a carcajada limpia con las primeras funciones de #ElMensaje.

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Lugar: Teatro Lara – Sala Cándido Lara

Horarios: Martes, Miércoles, Jueves y Viernes a las 20:00 h. El día 23 y los domingos a las 19:00 h.

Zona: Patio de butacas.

Duración: 90 minutos.

Autor y Director: Ramón Paso.

Reparto: Lucía: Natalia Millán, Andrea: Ana Azorín, Irene: Inés Kerzan, Daniela: Ángela Peirat, César: Carlos Seguí.

Espacio Escénico: Javier Ruiz de Alegría.

Iluminación: Carlos Alzueta.

Vestuario: Carmen Beloso.

Audiovisuales: La Cía de la Luz.

Producción Delegada PasoAzorín Teatro: Inés Kerzan.

Producción Delegada Teatro Lara: Antonio Rincón-Cano.

Jefatura de producción: Verónica Pérez.

Comunicación: Marea GlobalCOM.

UNA PRODUCCIÓN DE: Teatro Lara y PasoAzorín Teatro con Arena Audiovisual, Smedia, Cía de la Luz y El reló.

CON LA COLABORACIÓN DE: entradas.com 

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EL PALACIO IDEAL: CRÍTICA DE CINE

El palacio ideal está dirigido por Nils Tavernier compartiendo guion con Laurent Bertoni y Fanny Desmares. “Las ramas de los árboles y los pájaros, me dicen cómo hacerlo”

Estamos en el año 1873 Hauterives. Departamento de Drôme. Joseph Ferdinand Cheval (Jacques Gamblin) es el cartero que reparte la correspondencia por los pueblos de Drôme. Fallece su mujer y su suegro decide que no puede quedarse y educar a su hijo pequeño Cyrille, a causa de su trabajo, y lo envía a Lyon con unos tíos. Cheval, debido a su carácter apocado, no discute con él.

Mientras hace una de sus rondas conocerá a Philomena (Laetitia Casta) de la que se enamorará y con quien tiene a Alice (Zelie Rixhon/Lilly Rose Debos/Delphine Lacheteau). Un día, mientras observa a la pequeña, decide construirla un palacio. Al principio en el pueblo no comprenden lo que está construyendo, considerando que se ha vuelto loco, pero poco a poco, su perseverancia, trabajo e imaginación, darán la vuelta al mundo.

Joseph Ferdinand Cheval nació 19 de abril de 1836 y murió el 19 de agosto de 1924. Ejerció la profesión de cartero, pero pasaría a la historia por su “Palacio Ideal” que como consta en sus diarios invirtió en él 33 años, de los cuales trabajó 9.000 días divididos en 65.000 horas. A su lado se encuentra la tumba que edificó para su hija, durante 8 años, finalizando las obras completas, el 22 de septiembre de 1923. Dicha edificación se encuentra en Hauterives, una población francesa, en la región de Ródano-Alpes, departamento de Drôme, en cuya población vivió. A dicho palacio se le considera un ejemplo extraordinario de arquitectura artística ingenua. Todo comenzó cuando un buen día, realizando uno de sus servicios de cartero, se tropezó con una piedra con formas irregulares y de ahí nació la inspiración. Obra que poco a poco fue llamando la atención de profesionales incluyendo a artistas como André Breton o Pablo Picasso; para terminar, comentaros que el 9 de Noviembre de 1968, André Malraux, ministro de cultura, declaró como monumento histórico al Palacio Ideal del Cartero Cheval, declarando que “Nosotros los franceses tuvimos la suerte de tener la única arquitectura de arte Naif del mundo”

El actor, guionista y director, Nils Tavernier, comenzó trabajando con su padre, cuando era muy joven, en la película “Dos inquilinos” 1977 e intervino en otros papeles del mismo director como “La Pasión de Beatrice” 1987 y “Ley 627” 1991 y tras ejercer funciones de apoyo en otras películas, continuó como director de cortometrajes y documentales, entre los que se encuentran, “Étoiles: los Bailarines del Ballet de la Ópera de París” 2001, “El Misterio de los Gemelos” 2009, “Lo que está a la izquierda de nuestros errores” junto a Gil Rabier 2012 y junto a su padre en el documental “Histories de vies Brisées: Les´doble peine`de Lyon” 2001. Para televisión rodó los documentales “Désirs et sexualités” 2004 y “L´Odyssée de la vie” 2006. Su primer largometraje de ficción llegó en 2013 “Con todas nuestras fuerzas” y en 2018 además de dirigir “El palacio ideal” ha realizado la miniserie “En algún lugar del valle”.

Ante todo quiero destacar la maravillosa, impecable y emotiva interpretación de Jacques Gamblin, quien si bien por un lado,  su personaje, desespera ante esa extremada timidez, sus estados de quietud absoluta, su extraña pasividad ante determinados acontecimientos o vivir en su mundo de ensoñación y pensamientos, que rara vez comparte; del otro lado de la moneda nos encontramos a un hombre noble y sencillo, rebosando imaginación,  compañerismo, amando la vida y a quien la comparte con él, disfrutando de las cosas sencillas, como la colección de sus postales y de las largas caminatas entre la naturaleza que le rodea, mientras reparte las cartas; e incluso en su conformismo, ante aquello que la vida le ofrece o le arrebata. Un personaje al que hay que estudiar a través de su mirada, de sus limitados gestos, de los graves silencios y de las pocas pero precisas palabras, que nos regala. Cheval posee a Jacques y Jacques lo recibe con honor y respeto. El espectador queda hechizado ante su presencia y el magnetismo que confiere a la  personalidad del personaje. Jacques es la columna vertebral que estimula a toda la película y llena los corazones de los espectadores.

“El palacio ideal” se perfila como un drama bucólico y emotivo, disfrutándose de principio a fin, primero, ante la historia tan especial del cartero, ya mencionado; segundo, por la magnífica dirección, tanto general como actoral, frente a personajes cuyos actores interpretan con sumo realismo y credibilidad, entre la humanidad, los recelos o la ignorancia, propios de las aldeas alejadas de las ciudades; aunque en el fondo compartan las alegrías, los problemas e incluso las tristezas. Destacar a la partner que apoyará sin condiciones a su marido, Philomena, interpretada por una deliciosa, Laetitia Casta, y tercero, el excepcional equipo técnico que compone la película; mencionando al jefe de decorados Jérémie Duchier y la cuidadísima fotografía de Vincent Gallot con esa luz que otorga a los atardeceres, a los cambios de estaciones o la intimidad que provoca con las velas, en los interiores o en la noche. A tener muy en cuenta el sonido que envuelve todo el entorno, desde el crepitar de la leña en las chimeneas, para  conservar el calor en los hogares. Las piedras bajo la botas del cartero, que le acompañan en su día a día o el sonido del agua corriendo por el río o del que limpia las piedras, que darán forma a su soñado palacio; por poner algunos ejemplos, cuyo encargado de sonido ha sido Fabien Devillers y el montador del mismo, Alexandre Fleurat y para finalizar, la delicada banda sonora en la partitura de Baptiste Colleu y Pierre Colleu.

“Los sueños nacieron para que los soñadores los materializaran en obras maestras y así disfrutarlo el resto de los mortales”.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 6 de Noviembre

REPARTO: Jacques Gamblin, Laetitia Casta, Florence Thomassin, Bernard Le Coq, Natacha Lindinger, Zelie Rixhon, Eric Savin, Louka Petit Taborelli y Aurélien Wiik.

PRODUCTORA: Fechner Films// SND Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine.