Y LLOVIERON PÁJAROS: CRITICA DE CINE

Y LLOVIERON PÁJAROS está dirigida por  Louise Archambault quien además adapta el guion de la novela de Jocelyne Saucier.

 

Gertrude (Andrée Lachapelle) está confinada  en una residencia. Steve (Éric Robidoux) la va a buscar para que pueda asistir al funeral de su hermano. Tras el sepelio, regresan a la residencia y ella le pide que no la deje allí, que desea volver a ver el bosque. Tras dudar unos instantes, Steve acepta y juntos viajarán hasta el pueblo donde Steve trabaja, en un hotel. Cerca, en el bosque, viven como ermitaños dos ancianos Charlie (Gibert Sicotte) y  Tom (Rémy Girard), con la única compañía de  sus perros.

 

Gertrude se quiere quedar en el lugar con los ancianos y Steve la propone que entonces deberá cambiar de nombre, adoptando el de Marie-Desneige. Por otro lado, Rafaëlle (Ève Landry) está realizando un reportaje entrevistando a los lugareños sobre un importante incendio que ocurrió en el lugar, llegando hasta Steve, Charlie, Tom y ahora Marie-Desneige; aunque Raf también está buscando a Boychuck, un pintor que dejó toda su obra en un cobertizo.

 

La directora Louise Archambault comentó con respecto a la novela que  adaptó para esta película: “Cuando leí “Y llovieron pájaros”, la novela de Jocelyne Saucier, quedé hechizada por su curioso universo”… “Y llovieron pájaros, retrata un universo único, visual, sensorial y cinematográfico con personajes profundos y atípicos”

 

La guionista y directora canadiense, Louise Archambault, se graduó en bellas Artes en la Universidad Concordia en Montreal. Su primer cortometraje llegaría en 2001 “Atomic Saké” y su ópera primera en el largometraje con “Familia” en 2005. Continuó en el cortometraje dirigiendo “Lock” 2010 y “Petite Mort” 2012. “Gabrielle” 2013, su segunda película, obtuvo los premios (Canadian Screen Awards a mejor película y mejor actriz y en el festival de Gijón el de mejor actor), en 2017 realiza la serie para televisión “Catastrophe” y este año nos ofrece su tercer largometraje “Y llovieron pájaros”

 

La naturaleza acoge y abraza a la senectud entre paisajes tranquilos y evocadores, para ofrecernos la historia de tres personajes muy diferentes entre ellos, pero quienes comparten un mismo sueño: ser libres de hacer lo que desean con sus vidas, en el crepúsculo de su existencia. Aunque el pasado, como el fantasma que nunca deja de acechar, regresará en esos instantes de quietud, provocando confesiones y desahogos de recuerdos, algunos  dolorosos, buscando el olvido y otros gratificantes, ante el  descubrimiento de lo que no habían vivido.

 

La vida, la amistad y el amor en la tercera edad, cobra especial importancia en esta obra sutil y delicada, que nos ofrece su directora Louise, ratificando que la vida solo termina cuando dejamos de respirar, cuando el corazón deja de latir y que el amor y la amistad, son parte intrínseca de nuestro ser. La directora expone a sus personajes con una deliciosa naturalidad, sin tabús, narrándonos sus historias, las vivencias que han ido dejando huella en sus cuerpos maltrechos, enamorándose como si fueran adolescentes y demostrando que ser un octogenario, no significa tener que recluirse en una residencia o esperar a que la sombra de la muerte, les cubra. Que mejor escenario, para este propósito, que un paraje natural en donde sus almas suspiran por enterrar algunos de esos fantasmas. Un filme cuya única pretensión, además de lo ya citado, es hacernos disfrutar con las bellas estampas en la mirada del director de fotografía Mathieu Laverdière, acompañada por los sonidos de la vida y de la música en la partitura de David Ratté y Andréa Bélanger.

 

Frente a las dosis de humor, de nostalgia, de sueños rotos y algunos que renacen, entre intrigas y preguntas, Louise Archambault, dirige de forma emotiva a un grupo de actores veteranos que lejos de querer jubilarse, entregan lo mejor de ellos mismos, logrando que el espectador empatice con ellos, junto a las nuevas generaciones.  

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Marzo.

REPARTO: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux y Louise Portal.

PRODUCTORA: Films Outsiders.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

EL PROFESOR DE PERSA: CRÍTICA DE CINE

 

En coproducción entre Bielorrusia, Alemania y Rusia, El profesor de persa está dirigido por Vadim Perelman con guion de Ilya Tsofin. “El ser humano es capaz de mucho más de lo que él mismo cree”

A Gilles (Nahuel Perez Biscayart), ya a salvo del campo de concentración en el que estaba confinado, tras el final de la guerra, le preguntan sobre cuantas personas se encontraban en él, respondiendo que entre 25 a 30.000, siendo todos los nombres anotado en unos libros; al comentarle la persona que le está interrogando que dichos archivos fueron quemados antes de abandonar el campo, él les relata su historia.

Gilles fue apresado en un campo de concentración por las SS junto a otros judíos en la Francia ocupada de 1942, su destino, como el de una gran mayoría, ser exterminado, pero tuvo la suerte de que durante el trayecto en el camión que les llevaban a fusilar, otro preso intercambia con él el libro que poseía, escrito en farsi (idioma persa), por medio bocadillo que llevaba Gilles. Acto que le servirá para engañar a los nazis de que era persa y además tener la suerte de que un alto mando de las SS, llamado Klaus Koch (Lars Eidinger) estaba buscando alguien que conociera dicho idioma.

El productor y director, Vadim Perelman, Estudió en la Universidad de Alberta, especializándose en Física y Matemáticas, pero en el segundo año, al cursar una clase sobre realización cinematográfica, cambió su forma de pensar. Se mudó a Toronto y estudió cine en la Escuela de Artes de la Imagen de la Universidad de Ryerson durante dos años y creó su propia productora Canned Films. Se perfeccionó en la dirección y edición de videos musicales y cuando consideró estar preparado, se mudó a Los Ángeles para dar un nuevo paso en su carrera. Tras una exitosa trayectoria en el mundo de la publicidad para compañías como Microsoft, Panasonic, Nike, General Motors, Airwalk, Sony PlayStation o Master Card, debutó como guionista y director con “La casa de arena y niebla” 2003 recibiendo una nominación al Oscar ese mismo año, a la que han seguido “La vida ante sus ojos” 2007, “Yolki 5” 2016, “Buy Me” 2018 y las miniseries “Pepel” 2013 y “Infidelities” 2015.

Otro episodio de la II Guerra Mundial y del nazismo, llega a la gran pantalla. Otro de esos sucesos que no están en los libros de historia convencionales, pero a quienes lo vivieron y sufrieron, les marcó y demostró la capacidad que el ser humano tiene de supervivencia, despertándose ese instinto innato que se alberga dentro de nosotros. “El profesor de Persa” es una de esas obras basada en hechos reales, que calan en el espectador por las vidas de esos personajes, aunque el “decorado” ya lo conozcamos, por desgracia.  Unas vidas más allá del infierno que suponía estar confinado en un campo de concentración, incluso entre muchos de los militares al mando. Vidas llenas de sueños, de situaciones, de experiencias y de mirar a través de las alambradas y ventanas, de los uniformes y de los crematorios. En ocasiones, la esperanza, como solemos escuchar en tantas ocasiones, es lo último que se pierde y la que nos impulsa a seguir adelante, despejando la mente, entreteniéndola y sobre todo, haciéndola volar.

El profesor de persa, nos ofrece una lección de buen cine a través de un magnífico guion, con sólidos diálogos. Un guion en el que Ilya Tsofin, adaptando la novela de  Wolfgang Kohlhaase , no busca quedarse en la superficie, en lo sobradamente conocido y tantas veces visto, sino que refuerza las emociones y los sentimientos desde ese prisma dispar, desde el lado más humano, el de dos hombres unidos y  enfrentados ante el conflicto que el destino les ha asignado. Dos hombres soñando con ser libres y alejados de aquel lugar de muerte y sobre todo, regresar junto a los suyos y llevar vidas normales. Para ello el uno busca conocer un idioma que le lleve hasta su hermano y el otro, inventándoselo, pues lo desconoce. Vadim Perelman, además, nos muestra otra realidad, la de la amistad entre ambos, ocasionando esos resentimientos y animadversión tanto desde un lado como desde el otro, elevando el drama y la lucha a la que se debe enfrentar Gilles, pues no se le permite estar en campo neutral. Un filme que me recordó, de forma fugaz, a “La vida es bella” 1997 de Roberto Benigni, pues ambas buscan los mismos objetivos: Sonrisas y lágrimas, suspense y hacernos pensar en lo que el ser humano atesora en su interior, sin ser consciente y brotando cuando las situaciones lo demandan.

Llegamos a ese punto en donde además de mencionar una vez más la cuidada y atractiva dirección de Vadim Perelman, hay que hablar de la pareja protagonista. Nahuel Perez Biscayart encarnando a un preso judío de nombre Gilles y que se hará pasar por persa, quien deberá librar una odisea en la que el espectador le acompaña sin reservas, desde el instante en que lo conocemos dentro del camión y acepta el trueque de medio bocadillo por un libro escrito en farsi y del otro lado de la balanza, a Lars Eidinger en el papel del nazi Klaus Koch, un nazi que como el mismo dice a Gilles “yo no soy malo” y lo iremos  corroborando con sus actos y sus sueños. Dos espectaculares interpretaciones que se adueñan del filme y lo hacen propio, deleitando, emocionando y sobrecogiendo, al espectador, hasta un final que subraya muy bien, todo lo visto y nos provoca esas lágrimas contenidas. En el terreno técnico hay que destacar, por un lado la sobrecogedora banda sonora de Evgueni Galperine y Sacha Galperine, la impecable fotografía de Vladislav Opelyants y el montaje de Vessela Martschewski, pues aunque el filme supera las dos horas de proyección, el montaje resulta muy dinámico.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 22 de Enero

REPARTO: Nahuel Pérez Biscayart, Lars Eidinger, Leonie Benesch, Jonas Nay, David Schütter, Luisa-Céline Gaffron, Alexander Beyer, Giuseppe Schillaci, Peter Beck, Andreas Hofer, Nico Ehrenteit, Marcus Calvin, Mehdi Rahim-Silvioli, Ingo Hülsmann, Felix von Bredow, Antonin Chalon, Serge Barbagallo, Pascal Elso, Elena Stetsenko, Gennadiy Fomin, Alexander Starchenko, Alexandr Zhdanovich, Anton Zhukov, Svetlana Anikey, Anastasia Gudei, Veronika Buslaeva y Elena Gironok.

PRODUCTORA: ONE TWO Films// Hype Film//LM Media// Belarusfilm.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

PRÓXIMOS ESTRENOS DE AVALON

Próximos estrenos - Otoño 2020

KNIGHT OF CUPS,  de Terrence Malick ESTRENO EN VOD Y CINES: 18 de septiembre   SONG TO SONG, de Terrence MalickESTRENO EN VOD Y CINES: 25 de septiembre  AKELARRE, de Pablo Agüero ESTRENO EN CINES: 2 de octubre Y LLOVIERON PÁJAROS, de Louise Archambault ESTRENO EN CINES: 16 de octubre   MY MEXICAN BRETZEL, de Nuria Giménez ESTRENO EN CINES: 2 de noviembre

EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Australiana y Estados Unidos, EL GLORIOSO CAOS DE LA VIDA, está dirigida por Shannon Murphy con guion de Rita Kalnejais.

 

Milla Finlay (Eliza Scanlen) es una adolescente que sufre una grave enfermedad. Vive con sus padres: Enry (Ben Mendelsohn) y Anna (Essie Davis). Un día mientras espera con sus compañeras que llegue el tren que las lleva al instituto, se encontrará con un joven, Moses (Toby Wallace) del que se enamora y decide quedarse con él todo día, con la condición que durante la jornada, él la corte el pelo.

 

La enfermedad provoca en Milla una recaída y debe someterse a sesiones de quimio. Los padres de Milla, que en un principio no aprueban la  amistad de su hija con Moses, por su aspecto de macarra tatuado y drogadicto, descubren que el chico le hace mucho bien y toman la decisión de que Moses, se vaya a vivir con ellos.

 

En sus dos horas de metraje, la obra se divide en varios capítulos: “Cuando Milla conoce a Moses en el andén nº4”, “La cita de los martes de Anna y Enry”, “Cuando Milla lleva a Moses a su casa a conocer a sus padres”, “Recaída de Milla”, Comienzo de la quimio”, “Avances”, “Nauseas”, “A tomar por culo”, “Romance parte 1”, “Romance parte 2”, “Lo de aquel día no pareció una historia de amor”, “El momento ducha”, “Anna acude a la cita de los martes”, “Milla volvió a casa”, “Moses prepara espaguetis”, “Hablan en sueños”, “Otro día de diamantes”, “Felices fiestas”, “Las cosas cambiaron”, “Lo que los muertos le dijeron a Milla”, “Invitaron a todo el mundo”, “Amor” y “Una mañana preciosa” Breves capítulos para desarrollar una historia de amor entre la vida y la muerte, entre la felicidad y el dolor, entre verdades y mentiras o entre sueños deseados y sueños rotos; todo en una extra comunión familiar.

 

La decoradora, actriz y directora, Shannon Murphy estudió en el Instituto Nacional de Arte Dramático (NIDA) y se graduó en la Australian Film Televisión and Radio School en el 2013, con un diploma en posgrado en Dirección. Desde su primer cortometraje como directora “The Comeback” 2013, nos ha ofrecido otras obras en dicho formato como:  “Love Me Tender” 2014, “Kharisma” 2014, “Pineapple Squat” 2015 o “Eaglehawk” 2016. Ha participado en series entre las que destacaré “Being Brendo” 2013, “Love Child” 2017, “Offspring” 2016/17, “Sisters” 2017, “Rake” 2018, hasta llegar a “On the Ropes” 2019, saltando ese mismo año al largometraje con “El glorioso caos de la vida”

 

Una obra que navega entre el primer amor, la amistad, la soledad, la familia, las drogas por placer o necesidad, la enfermedad, el rechazo familiar, las dudas, la juventud, la esperanza, la moral, las luchas internas, el aprendizaje en la cercanía y tal vez el mensaje más importante, que jamás nadie ha podido decir que la vida ha sido o es fácil, pero sí un caos cuando la diversidad de pensamientos, emociones y deseos, conviven juntos; y curiosamente ese caos, pueda provocar cierto equilibrio.

 

Un filme en donde cada personaje juega con su tiempo. Una obra sencilla y directa, con ciertas licencias y toques de humor, dentro del drama en sí. Interpretaciones correctas de las cuales destacaría a la pareja protagonista, Eliza y Toby. Cuenta con una fotografía limpia, con un acertado uso del color y los encuadres que apoya al filme entre los momentos románticos, dramáticos y hasta emotivos, en la mirada de Andrew Commis, y termino con Shannon Murphy cuya experiencia como cortometrajista y televisiva está presente en toda la narración, así como el toque teatralizado que ha otorgado a su ópera prima y a la dirección actoral. Una obra con tantas subtramas, como pelucas usa Milla.

NOTA: 6,5

 

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Agosto.

 

REPARTO: Eliza Scanlen, Toby Wallace, Ben Mendelsohn, Essie Davis, Andrea Demetriades, Emily Barclay, Justin Smith, Carles Grounds, Arka Das, Jack Yabsley, Priscila Doueihy, Eugene Gilfedder, Georgina Symes, Michelle Lotters, Zack Grech, Quentin Yung, Tyrone Mafohla, Jaga Yap, Sora Wakaki, Edward Lau y Renee Billing.

 

PRODUCTORA: Whitefalk Films, Create NSW, Screen Autralia. eOne.

 

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

UNDER THE SKIN: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Gran Bretaña, EE.UU. y Suiza, UNDER THE SKIN está dirigida por Jonathan Glazer con guion compartido con Walter Campbell.

 

Un motorista se desplaza a gran velocidad por la carretera, se detiene y tras aparcar, se interna entre unos matorrales, sacando el cuerpo de una mujer muerta y llevándoselo a otra. Ésta última la desnuda con suavidad y se coloca sus ropas, dicha mujer resulta ser una alienígena que ha tomado el cuerpo de una mortal (Scarlett Johansson). La joven desde su furgoneta, irá seduciendo a jóvenes varones y no tan jóvenes, para llevarlos a una dimensión desconocida.

 

Pero algo sucede en la mente de la alienígena, con el paso del tiempo, que de no demostrar ningún sentimiento ni emoción, empieza a adquirir algunos de ellos, siendo consciente del cambio y de su verdadera identidad.

 

Jonathan Glazer y Walter Campbell adaptan la novela homónima de Michael Faber, convirtiendo el filme en una obra surrealista,  entre el drama psicológico y la Ciencia Ficción, entre el amor y la falta del mismo, entre el sexo y la ausencia de él, entre la soledad y los desconocidos. En medio de la frialdad, presente en cada fotograma y no solo ambiental, ofreciendo claros simbolismos como el bosque, el mar, el fuego o las pasiones humanas. Una obra que llega a nuestras pantallas tras siete años de su estreno.  

 

El director, Jonathan Glazer,  estudió en la escuela judía y  se licenció con un título honorario en Artes, especializado en Diseño y Dirección Teatral en la Universidad de Nottingham Trent. Sus inicios estuvieron relacionados con la dirección de obras de teatro, la edición de películas y la realización de programas para la BBC. En 1993 pasó a la dirección de cine, con tres cortometrajes: “Mad”, “Pool” y “Commission”. Tras diversos trabajos de videos musicales como el de “Jamiroquai: Virtual Insanity” o “Radiohead: Karma Police” debutó con su primer largometraje “Sexy Beast” 2000 con  un gran éxito en los festivales; continúo con otras obras como: “Reencarnación” 2004 y los cortometrajes “Devil`s Island” 2002, “Temptation” 2004, “The Fall” 2019 y llegando ahora a nuestras pantallas, su tercer largometraje dirigido en 2013 “Under The Skin”

 

Jonathan nos somete a un ejercicio retro visual de delicado y exquisito virtuosismo cinematográfico, que nos recuerda a películas de ficción de los años 70 y comienzo de los 80. La plasticidad, la iluminación, el color y los espacios oscuros, son retratados con maestría por el fotógrafo Dan Landin. Sin duda, a mi juicio, esta estética visual que envuelve a toda la película durante las casi dos horas de metraje, es la que atrapa al espectador inquieto y siempre buscador de emociones, en la gran pantalla.

 

Seguiremos a Scarlett Johansson en su deambular por entornos daneses, respirando el frío, aunque ella como identidad extraterrestre no se inmutará, ni ante la climatología, ni ante nada que se le presente en el camino. Una interpretación complicada, pues el personaje debe de ofrecer la falta de empatía absoluta. Un hándicap para conectar con el espectador, que Johansson supera ante esa falta de expresividad, de sus largos y tediosos silencios, de sus preguntas malintencionadas, de su mirada fría, de su extraña sexualidad; desconcertándonos en ocasiones por no saber más de ella, quién es y cuál es su razón de estar y existir. Y luego, luego todo irá cambiando como si mudase su identidad y la piel que habita, mostrando algunos de los sentimientos y emociones que percibe el ser humano; como la reacción ante la música, la mirada ante el espejo o percibir y ofrecer, una sencilla caricia. Una gran interpretación, sin ninguna duda.

 

Uno de los personajes, un hombre de rostro deforme le pregunta a la mujer cuando están desnudos frente a frente. ¿Estoy soñando? Creo que en realidad esa también puede ser la pregunta que tendríamos que hacer a los guionistas y al propio director. ¿Nos han sometido a un sueño delirante, donde nada es lo que parece y lo que parece no existe? La fábula de la belleza que mata, inconformista, que llegada de otra dimensión, de otra galaxia, busca lo que tal vez ansía y que aquí tampoco haya. Esta mujer de mirada inquietante, nos deja demasiadas incógnitas, como lo es ella misma.
 

Lo que sí puedo afirmar es que Under the skin, está diseñada para espectadores que buscan en la sala oscura y pantalla blanca, algo muy alejado de lo convencional, sabiendo seducir, al igual que el personaje.  Para terminar mencionar la inquietante banda sonora en las notas de Mica Levi.

 

Mi nota es: 7,5

 

ESTRENO en ESPAÑA: 10 de Julio

 

REPARTO: Scarlett Johansson, Paul Brannigan, Robert J. Goodwin, Krystof Hádek, Scott Dyond, Michael Moreland, Jessica Mance, Jeremy McWilliams, Adam Pearson.

 

PRODUCTORA: Film4 Productions// Nick Wechsler Productions

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribucion Audiovisual.