THE WORKING MAN: CRÍTICA DE CINE

    The Working Man está dirigida por David Ayer con guion de Sylvester Stallone.

Levon Cade (Jason Statham), un excomando de la Marina Real, trabaja en una empresa de construcción en Chicago. Tanto sus compañeros de trabajo como la familia que dirige la empresa compuesta por Joe García (Michael Peña), su esposa Carla García (Noemí González) y la hija Jenny García (Arianna Rivas), le tienen en gran estima y él los considera su familia, pues confiaron en él cuando salió de los marines. Jenny se lleva muy bien con Levon y éste siente una cierta predilección por ella. Un día Carla y Joe comentan a Levon, entre sollozos, que han raptado a su hija y conociendo su trayectoria militar, le preguntan si puede ayudarlos ofreciéndole una gran cantidad de dinero. Levon rechaza el dinero y decide hacer suya la causa.

Por otro lado conoceremos la historia de Levon. Tiene una hija pequeña llamada Merry Cade (Isla Gie) que vive con su abuelo, pues la madre de la pequeña y mujer de Levon, mientras este realizaba unas maniobras en el ejército, se suicidó. Su hija lo adora como él a ella pero su suegro, lo odia, responsabilizándolo de la muerte de la mujer.

El guionista, productor y director, David Ayer, abandonó sus estudios de preparatoria por problemas familiares. Comenzó a trabajar de pintor de casas hasta que se alistó a la Marina de los Estados Unidos, como submarinista. En el mundo del cine se inició como guionista y debutó en la dirección con “Vidas al límite” 2005 continuando con “Dueño de la calle” 2008,  “Sin tregua” 2012, “Sabotage” y “Corazones de acero” ambas en 2014, “Escuadrón suicida” 2016, “Bright” 2017, “Cuenta pendiente” 2020, “Beekeeper: El protector” 2024 y este año nos presenta “The Working Man” 2025. También ha dirigido los videoclips: “LCD Soundsystem: Pow Pow” 2010, “Lil Wayne, Wiz Khalifa, Imagine Dragons, Logic, Ty Dolla Sign and Z Ambassadors: Sucker for Pain” 2016 y “Machine Gun Kelly feat. X Ambassadors & Bebe Rexha: Home” 2017. El video: “Sabotage: Alternate Endings: y capítulos de la serie: “Deputy” 2020.

No es difícil adivinar conociendo quien está tras la cámara dirigiendo, quien escribe el guion y quien encarna al personaje principal, intuir que estamos ante un filme de acción, violencia desatada y entretenimiento puro y duro. Una de esas películas que cuenta con un nutrido y fiel público. Cine de palomitas y refresco, cuyo único propósito es distraer al espectador durante un tiempo determinado, el que el metraje ofrece, dejando fuera de la sala, las preocupaciones.

Un género que nunca ha dejado de estar presente en las carteleras, precisamente por su gran demanda, aunque algunos piensen que esté demasiado trillado y es que en parte así es, pues el esquema se repite una y otra vez, con ligeras variaciones: Un argumento sencillo para dar paso a la acción, algo que no repruebo, si la obra funciona y este The Working Man, lo hace perfectamente, tanto en la parte argumental dramática, deteniéndose en conocer las historias de los personajes, como el  dar rienda suelta a coreografías imposibles en las cuales el cuerpo a cuerpo y los disparos, llenan la gran pantalla. Sin duda Ayer es uno de esos directores con un sello muy personal, que viene demostrando en cada uno de sus trabajos. Sabe conquistar y atrapar al espectador desde el inicio hasta llegar a los títulos de crédito, llevándolo de un lado a otro mientras airea emociones, sin que seamos conscientes de ello. Es por todo esto, por lo que tal vez, lo que creemos haber visto tantas veces en la gran pantalla, adquiere otro sentido, otros matices y otras emociones que la convierten en terrenal.

Una obra sustentada principalmente en tres columnas, las dos primeras ya las he mencionado, como son el guion de Stallone, que sinceramente me ha  sorprendido para bien y la más que correcta dirección de Ayer; a ellos se une Jason Statham, uno de esos actores que parece no cambiar de registro, con su duro semblante, al que le cuesta esbozar una sonrisa, cuerpo de roca, mirada penetrante, pocas palabras y deseos de repartir estopa a diestro y siniestro, no dejando que los malos se salgan con la suya y mucho menos secuestrar a jovencitas con el fin de satisfacer los deseos lascivos de viejos babosos y ricachones. Eso no está bien y para ello nos muestra el camino a seguir, sino te las quieres ver con él o con otros de su gremio, si está muy ocupado, como John Wick, inevitable no pensar en él durante las escenas de acción o como el bueno de Reacher, que precisamente en estos días estoy disfrutando de la última temporada en televisión; por eso quizás me ha recordado a él. Ninguno de los tres está dispuesto a que nadie cruce la línea. Más Levon, Wick y Reacher, necesitamos en nuestra sociedad, tan viciada por seres indeseables. Quizás, esta sea otra de las razones por lo que la película nos atrae desde el inicio, pues nuestro subconsciente se pone del lado de la víctima y por supuesto apoya a quien va en su auxilio.

The working man cuenta con un extraordinario equipo técnico, destacando el cuidado y ágil montaje a cargo de Fred Raskin; la excelente fotografía de Shawn White, a la que ha dotado de colores e iluminación envolvente, diferenciando las escenas cotidianas de las dramáticas y violentas, y por supuesto la potente banda sonora, que acompaña a la perfección a la obra, en la partitura de Jared Michael Fry.

Resumiendo, que nadie espere nada nuevo, pero tampoco más de lo mismo. Como decía al principio, este thriller adquiere su propia identidad y un carácter que encaja a la perfección con lo que demandan los espectadores más jóvenes y los más curtidos. Junto a Statham nos encontramos con un ramillete de secundarios que ayudan a dar valor a la historia, una historia que además de esa ración de acción llevada al límite, nos habla de la paternidad, de sacrificios, de amor silencioso, del valor de la familia y la amistad e incluso de la lucha contra la culpa y el deseo de cambio.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de marzo.

REPARTO: Jason Statham, Michael Peña, David Harbour, Emmett J Scanlan, Jason FLemyng, Maximilian Osinski, Alana Boden, Eve Mauro, Isla Gie, Andrej Kaminsky, Eddie J. Fernandez, Daniel Lundh, Noemi Gonzalez, Neil Bishop, Chidi Ajufo, Sophie-Louise Craig, Andrea Vasiliou, Greg Kolpakchi, Jose Conejo Martin, Cokey Falkow, Arianna Rivas, Jade Coatsworth, Kristina Poli, Max Croes, C.C. DeNeira, Benjamin Schnau, Priyassasha Kumari y David Witts.

PRODUCTORAS: Black Bear// Block Films// CAT5// Ceder Park Entertainment// Punch Palace Productions// Balboa Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

STING: ARAÑA ASESINA: CRÍTICA DE CINE

           STING: Araña asesina, está escrita y dirigida por Kiah Roache-Turner.

Helga (Noni Hazlehurst), una mujer mayor y con problemas de memoria, escucha ruidos en las paredes de su casa y llama a Frank, el exterminador (Jermaine Fowler), este acude al domicilio y Helga le muestra la habitación donde se escuchan los ruidos. Frank se topa con un hombre sangrando y al instante es atacado por algo que no vemos y que lo introduce en el interior de un respiradero.

La acción nos retrotrae a cuatro días antes, donde conoceremos a Charlotte (Alyla Browne), una joven rebelde que se entretiene en espiar a los vecinos a través de los conductos de ventilación e incluso entra en sus hogares. Se encuentra con una pequeña araña a la que adopta como mascota y bautiza con el nombre de Sting, guardándola en un tarro de cristal. Charlotte vive con su madre Heather (Penelope Mitchell), su padrastro Ethan (Ryan Corr) y su hermano pequeño Liam, en el mismo edificio que su abuela Helga y su tía Gunter (Robyn Nevin).

El escritor y director, Kiah Roache-Turner, trabajó realizando comerciales para un gran número de empresas, vídeos musicales y cortometrajes como “Roadrunner” 2008, “War Games” 2009, “Stella” 2016, “Wyrmwood: Chronicles of the Dead – Teaser” y “DaemonRunner” ambos en 2017. En el largometraje debutó con “The Wyrmdiaries: Behind the Scenes of Wyrmwood” 2016, “Nekrotronic” 2018, “Wyrmwood: Apocalypse” 2021 y este año nos ofrece “Sting. Araña asesina” 2024. También ha dirigido el documental “The Wyrmdiaries: Behind the Scenes of Wyrmwood” 2013.

Si padeces de aracnofobia como me sucede a mí, el mejor consejo para enfrentarse a este filme es tomar aire y expulsarlo lentamente mientras las luces de la sala se van apagando, la pantalla se ilumina y pensar, que es simplemente una película, esperando que provoque más terror que la repulsión que causan estos bichos de ocho patas. Tengo que confesar que la única araña con la que me sigo sintiendo cómodo y he disfrutado en el cine, es con el bueno de Spider-Man.

Volviendo a la película, Sting cuenta con una premisa sencilla. Un fragmento de un meteorito de pequeño tamaño se estrella contra un edificio ruinoso, del que vemos salir una pequeña araña. En dicho edificio reside la familia de Charlotte, una niña de 12 años que se aburre y busca atención. Convive con sus padres y hermano pequeño en una de las viviendas y en otra, su abuela que sufre Alzheimer y una tía un tanto arisca. A la joven le gusta gatear entre los conductos de ventilación, mientras observa a sus vecinos a través de las rejillas instaladas en los domicilios. Un buen día se topa con una araña y decide quedársela, cuidarla y alimentarla; pero aunque Charlotte la alimenta diariamente, el bicho decide buscarse su propia comida.

El filme cuenta con dos personajes principales, por un lado la magnífica interpretación de Alyla Browne, sobre quien recae  el peso de la obra y que durante el pasado 2024 nos ha ofrecido tres personajes muy diferentes: la joven Furiosa de “Furiosa: de la saga Mad Max”, María Robotnik con quien el erizo negro de nombre Shadow entabla amistad durante su estancia en el laboratorio en “Sonic 3: la película” y ahora en este filme de terror arácnido, que si bien nuestras miradas se fijan en la araña que ha adoptado, como fuente de maldad, nuestras mentes analizan la personalidad de esta adolescente que reclama la atención de sus progenitores, pues da la sensación de que están siempre demasiado ocupados para escucharla e incluso, imponiéndole trabajos como cuidar de su hermanito. Un caso que retrata la vida de tantos adolescentes que caen en el abismo de la soledad o del peligro, al creer que han sido reemplazados o ya no son queridos; cuando la realidad es que esos padres están asfixiados por el trabajo, las responsabilidades e incluso el estar pasando por el duelo de una separación y ocultándoselo a la joven, para que no sufra.

El filme toca varios temas sociales importantes de forma esquemática, aunque a través de los escuetos diálogos y conversaciones, escritos con pericia por el director y guionista, logra que los mensajes lleguen al espectador, así como el horror que se genera a medida que el filme avanza, sobre todo, en el  último tramo, que resulta espeluznante. De este terror se encarga la segunda protagonista, Sting, esa araña extraterrestre con un hambre voraz y a la que veremos cómo crece a lo largo de la narración. Una narración en la cual Kiah mantiene en la cuerda floja, de las emociones y sentimientos,  a sus personajes; propósito que alcanza con nota y que no se olvidará de los gritos, carreras y las dosis de gore que tanto reclaman los amantes al género.

Cuenta con un reducido casting, algo que se agradece, pues la atención nunca se pierde, destacando por un lado, a la joven Alyla Browne, de la que ya os he hablado y del otro a Ryan Corr, como el padrastro de la joven, superado por las responsabilidades de mantenimiento que tiene asignadas en el edificio, su trabajo como dibujante de comic, ya que la fecha de presentación del nuevo proyecto está a punto de vencer y la tirante relación con Charlotte, pues la joven aun piensa que su padre regresará pronto para estar con ella; y en medio de este dúo, nos encontramos con Penelope Mitchell, encarnando a Heather, la madre de la joven que cuida del bebé, busca conciliar a su nueva pareja con su hija, teletrabaja y lleva el hogar. Miembros de una familia como imagen de otras tantas de nuestro siglo XXI. Drama y terror al servicio del espectador donde no puede faltar el punto de comicidad que correrá a cargo de la abuela, quien  padece Alzheimer y del desventurado exterminador de plagas, a quienes ya he mencionado en la sinopsis. Os puedo asegurar que lo vais a disfrutar, pues todos cumplen con sus sufridos personajes, mientras Sting, va a lo suyo.

Para terminar comentaros que el filme nos ofrece un interesante montaje que potencia la cámara subjetiva, las imágenes panorámicas, los ágiles movimientos de cámara y la rica variedad de planos cortos, medios, generales y los más importantes en esta obra, los planos detalle, que interactúan con la gélida e inquietante iluminación. La fotografía recae en Brad Shield y la inquietante banda sonora en Anna Drubich. Ya no os cuento más, si os gusta el terror, tenéis una cita obligada con este filme y si sufrís de aracnofobia, con más motivo.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de Marzo.

REPARTO: Alyla Browne, Jermaine Fowler, Ryan Corr, Penelope Mitchell, Noni Hazlehurst, Robyn Nevin y Tony J. Black.

PRODUCTORA: Pictures in Paradise// See Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

MICKEY 17: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Corea del Sur, Mickey 17 está dirigida y escrita por Bong Joon-ho, adaptando la novela de Edward Ashton. “¿Cómo es morir?”

Mickey Barner (Robert Pattinson) está arruinado y decide unirse a una misión espacial en busca de un planeta que habitar. Una vez en la nave se le asignan misiones peligrosas en las que muere, pero una y otra vez lo clonarán en una bioimpresora. Cuando la nave colonizadora llega al planeta Niflheim, envían a Mickey a inspeccionar la superficie helada, cayendo en una profunda fosa. Recuperan el arma que lleva, pero no a él. El arma es valiosa pero él no tanto porque lo volverán a imprimir cuando lleguen a la base. Mickey17 tiene la suerte de ser rescatado y salvado por un “Creeper”, una forma de vida nativa. Pasarán varias horas hasta que regresa a la nave, dirigiéndose directamente a su habitación. Al tumbarse en la cama otro Mickey se incorpora. Mickey 17 se percata de que ha sido clonado, al considerar las autoridades que ya estaba muerto y todo se complica. Por un lado, porque la ley indica que no pueden existir múltiples de la misma persona y por otro, al descubrir que Mickey 18 está seduciendo a su novia, la agente de seguridad Nasha (Naomi Ackie)

El director y guionista Bong Joon-ho, estudió Sociología en la Universidad de Yonsei y tras finalizar se graduó en la Academia Coreana de Artes Fílmicas en 1990. Dirigió varios cortometrajes en 16 mm, entre ellos “Gente Blanca” e “Incoherence” 1994. Su primer largometraje llegó en 2000 con “Perro ladrador, poco mordedor” a la que siguieron “Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) 2003 ganando la Concha de Plata al mejor director en el Festival de San Sebastián, “Jeonju Digital Proyect 2004” en 2024.  La película de terror “The Host” 2006, que ganó el premio a los mejores efectos especiales en Sitges, “Tokyo!” 2008, “Mother” 2009, “3.11 A Sense of Home” 2012, “Rompenieves (Snowpiercer) 2013, “Okja” 2017, “Parásitos” 2019 que se llevó los premios más importantes a nivel internacional; junto a otros compañeros dirigió el documental “Puerta Amarilla: Un cineclub de pelis B en los 90” 2023 y este años nos ofrece Mickey 17, 2025.

Bong Joon-ho nos ofrece un filme futurista y surrealista, saltando de la carcajada a la reflexión. Una narración que si pasamos por ella de puntillas,  nos quedamos con esa parte entretenida y alocada que  el director confiere a sus películas, dejándonos con un buen sabor de boca al salir de la sala; pero Mickey 17 no se queda en la superficie, solo hace falta profundizar ligeramente en su entramado guion, para ser conscientes de que va más allá de ese delirio controlado y desconcertante.

Al igual que en Parásitos, la crítica social y política se disfraza de carnaval. En esta ocasión de una sátira por la que desfilan el capitalismo y la corrupción, la avaricia y el despotismo, la frialdad ante la muerte de un ser vivo cuya única preocupación en los demás, es saber qué se siente al morir; de villanos sin escrúpulos y de inocentes que pierden la vida por complacer a los poderosos arrogantes y cobardes, con sueños imperialistas a quienes no les importa aniquilar la vida de los pobladores de otras tierras, si con ello se adueñan del terreno, o del abuso de la tecnología, no reparando en las consecuencias; de todo esto y mucho más, nos habla Mickey 17.

El director nos envuelve en la atmósfera de una curiosa distopía futurista y surrealista que cuenta con un pobre infeliz a quien los avatares de la vida le han llevado a la ruina y busca abrirse camino, fuera del  planeta Tierra, para librarse de sus acreedores. El problema surge cuando firma, sin ser consciente de ello, un documento en el que se declara como “prescindible”. Mickey morirá y volverá a la vida por obra de una bioimpresora, un total de 17 veces, el número que tiene asignado como parte de su identidad, hasta que llega el 18 que posee un carácter más extrovertido y osado. A muy pocos les interesa lo que piensa realmente Mickey 17, solo que sea útil para la misión y la supervivencia de los demás. Si no fuera porque Bong, le da ese toque ocurrente a la narración, mostrando como la bioimpresora escupe clones del protagonista como hojas de papel que caen o están a punto de caer al suelo, por falta de interés en el personal o desde el instante en que surge la rivalidad con su otro yo por la supervivencia y el amor a Nasha, estaríamos ante un potente drama, pero esa cuestión no está en la mente oscura, retorcida y traviesa del director. Nos quiere y logra hacernos reír, con temas serios y delicados.

Una obra que nos habla sobre la identidad del ser y la docilidad. De las pruebas que la vida nos pone en el camino, tropezando una y otra vez, hasta que aprendemos o de la crítica a esa mano de obra desechable, cuando los jefes consideran que ya no se es útil. Estas cuestiones rodearán a nuestro héroe y para ello Bong Joon-ho, que realiza un potente trabajo en la dirección, confía en Robert Pattinson, quien defiende y asume la dualidad de los dos Mickeys, al igual que soporta con resignación lo que el destino le tiene reservado, realizando una interpretación sensacional con la que sin duda ha disfrutado y nos hace disfrutar. Junto a él destaco a Naomi Ackie, encarnando a la agente de seguridad Nasha y novia de Mickey y la pareja de villanos representados por dos sobreactuados Mark Ruffalo como Marshall y que sin duda Bong se ha inspirado el Donald Trump y Toni Collete que encarna a una maléfica Ylfa, tal y como exige el guion.

En resumen, Mickey 17 se nos presenta como una nueva satírica y disparatada comedia de Bong Joon-ho, tocando asuntos importantes pero sin profundizar en ellos. Prefiere jugar con la ironía de tantos males que los poderosos y no tan poderosos son capaces de crear. mientras despierta las sonrisas y carcajadas en el espectador. La dinámica y divertida banda sonora corre por cuenta de Jung Jae-il y la cuidada fotografía en la mirada de Darius Khondji.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de marzo.

REPARTO: Robert Pattinson, Steven Yeun, Toni Collette, Naomi Ackie, Mark Ruffalo, Holliday Grainger, Anamaria Vartolomei, Thomas Turgoose, Angus Imrie, Patsy Ferran, Steve Par,  Daniel Henshall, Michael Monroe, Cameron Britton, Christian Patterson, Lloyd Hutchinson, Samuel Blenkin, Tim Key, Ellen Robertson y Edward Davis.

PRODUCTORA: Plan B Entertainment, Offscreen// Warner Bros.// Kate Street Picture Company.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

CÓNCLAVE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, Cónclave está dirigida por Edward Berger con guion de Peter Straughan que adapta la novela de Robert Harris. “El infierno vendrá mañana al traer a los cardenales”

Tras la muerte del Papa, el trono de la Santa Sede queda vacante. El cardenal Thomas Lawrence (Ralph Fiennes)  asume la responsabilidad del Cónclave al ser el cardenal de mayor edad, a su lado estará Aldo Bellini (Stanley Tucci). Thomas y Aldo eran los cardenales más cercanos al Papa fallecido. Sellan la estancia y comienzan a llegar los cardenales de todo el mundo. La atmósfera comienza a enrarecerse desde que pisan los salones del Vaticano, dejando al descubierto algunas de las estrategias por conseguir los votos suficientes para alzarse con el trono papal. La misión de Lawrence es que el cónclave se lleve a cabo sin ningún incidente.

El guionista y director, Edward Berger, se graduó en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York en 1964. En dicha universidad escribió y dirigió varios cortometrajes y para televisión ha dirigido capítulos de las series “Schimanski” 1997, “Bloch” 2004, “Unter Verdacht” 2005, “KDD-Kriminaldauerdienst” 2008,  “Polizeiruf 110” 2010, “En un lugar del crimen” 2006/13, “The Terror” 2018 y Your Honor” 2020. Las miniseries “Deutschland 83” 2015, “Patrick Melrose” 2018 y los telefilmes “Windland” 2007, “Ein gutter Sommer” 2011, “Mutter muss weg” 2012. En el largometraje debutó con “Female 2 Seeks Happy End” 2001 continuando con  “Jack” 2014,  “All My Loving” 2019, “Sin novedad en el frente” 2022 y este año nos ofrece “Cónclave”

Sé que mi crítica llega un poco tarde, pero en su día, no pude asistir al pase de prensa y fue ayer cuando tuve la oportunidad de ver esta magnífica película, que parece sacada de una gran novela de misterio y es que sin duda, uno de los misterios de la Santa Madre Iglesia, es precisamente este ritual que transcurre tras las puertas y las paredes donde, por unos días quedan encerrados los cardenales hasta elegir un nuevo pontífice. ¿Cuántas veces nos hemos preguntado qué es lo que les hace decantarse por un cardenal u otro? ¿Qué sucede realmente tras esas puertas antes de ver la fumata blanca que sale de la Capilla Sixtina y que determina que se han alcanzado con éxito los 2/3 necesarios? Berger traspasa esas paredes con su cámara y nos hace partícipes del gran secreto.

Cónclave es un magnífico y entretenido thriller y no solo destinado a los cristianos practicantes, es más, posiblemente los no creyentes disfruten mucho más de esta apasionante historia llena de conspiraciones, secretos, engaños y verdades; estas últimas guardadas con sumo celo para no ser atropelladas, entre los muros del Vaticano. Un magnífico guion de Peter Straughan quien adapta la novela homónima del escritor, ex reportero y periodista, Robert Harris, sumergiéndonos en una narración apasionante. Uno de esos filmes que desde la primera escena, viendo y escuchando los diálogos; sabemos que las mentes más retorcidas harán acto de presencia en un escenario llamado a la paz y la concordia. Pero, como escucharemos a algunos de los cardenales, son humanos y es normal caer en el pecado y la tentación, pecados como el deseo, la avaricia o… Mejor lo dejo aquí, porque os aseguro que los giros, que toma la historia y el conocer a algunos de estos personajes, provocarán que no podáis dejar de mirar a la pantalla.

Si el guion es el plato fuerte, no lo es menos el magnífico trabajo de diseño de producción, como ya nos tiene acostumbrados y demostró en la más reciente “Sin novedad en el frente” con la que ganó cuatro Óscar, entre ellos en esta categoría y es que Berger es un auténtico perfeccionista, cada detalle cuenta y cada uno de ellos forma parte de un todo perfecto. Junto al diseño de producción nos encontramos con la extraordinaria y elegante fotografía que en esta ocasión recae en Stéphane Fontaine, quien despliega un gran abanico de planos con un uso casi celestial de la luz, creando tensión, emoción e incluso sensación de confinamiento. Coquetea con los travellings y la cámara en mano, cuando se requiere de ellos. Hay estampas de una belleza espectacular como la escena de los paraguas blancos o esos planos detalle de miradas, objetos u actos determinados. Un gran trabajo que se une a la inquietante e intimista banda sonora de Volker Bertelmann, que  repite tras “Sin novedad en el frente”

Cuenta con un soberbio casting actoral. Ninguna pega a quienes encarnan a estos representantes de la iglesia católica, por breves que sean sus intervenciones. La naturalidad de sus interpretaciones provoca que sigamos con interés sus andanzas, conozcamos los motivos de sus intrigas y las conspiraciones que surgen entre los dos grupos rivales, aquellos que desean que la iglesia no cambie y los que creen que debe adaptarse a los tiempos que vivimos. Entre estos actores destaco a tres, aunque vuelvo a repetirme, todos están impecables. En primer lugar nos topamos con un Ralph Fiennes en estado de gracia, en su rosto se refleja el sufrimiento y el sentir de la carga que le ha sido encomendada y que soporta con dignidad, esperando que todo pase pronto;  por otro lado está Stanley Lucci cuyos gestos y miradas hablan más que sus elocuentes silencios y palabras, cargadas de verdad; ambos forman un tándem perfecto y cerrando este trío, Isabella Rossellini, da vida a una monja de carácter y elegante hasta con el hábito. Un excelente trabajo para el disfrute de los espectadores.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de diciembre.

REPARTO: Ralph Fiennes, Stanley Lucci, Isabella Rossellini, John Lithgow, Lucian Msamati, Brian F. O`Byrne, Jacek Koman, Thomas Loibi, Carlos Diehz, Joseph Mydell, Rony Kramer, Merab Ninidze, Vincenzo Failla, Garrick Hagon, Loris Loddi, Bruno Novelli, Valerio Da Silva, Madhav Sharma, Roberto Citran, Antonio Toma, Maiga Bailkissa, Willie Jonah y Romualdo Andrzej Klos.

PRODUCTORA: Indian Paintbrush// Filmnation Entertainment// Access Entertainment// House Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeaPlaneta..

A COMPLETE UNKNOWN: CRÍTICA DE CINE

A Complete Unknown está dirigida por James Mangold adaptando la novela “Dylan Goes Electric! de Elijah Wald” junto a  Jay Cocks. “Para que se fijen en ti en el escenario, tienes que ser un bicho raro”

Estamos en el año 1961 y vemos a un joven Bob Dylan (Timothée Chalamet) con una pequeña mochila y su guitarra llegando a Nueva York desde Minnesota, con la intención de conocer a su ídolo musical Woody Guthrie (Scoot McNairy). Le informan que está ingresado en el hospital psiquiátrico de Greystone Park y decide visitarlo. En la habitación se encuentra con el músico Pete Seeger (Edward Norton), el mejor amigo de Woody. Woody está en cama sufriendo la enfermedad de Huntington. En un momento determinado Seeger le pide que cante una canción y Dylan no lo duda, interpretando la que había compuesto en honor a Guthrie. Los dos hombres se quedan impactados y esa noche, Bob es invitado a la casa de Pete, donde conocerá a su mujer Toshi Seeger (Eriko Hatsune) y sus hijos. Poco a poco, además de ir introduciéndose en el mundo folk, conocerá a Joan Báez (Mónica Barbaro) con quien conecta desde el principio y a Sylvie Russo (Elle Fanning) con quien mantendrá una relación amorosa.

El guionista y director, James Mangold, estudió en la Facultad de Arte Cinematográfico de la Escuela Universitaria de Artes de Columbia y en el Instituto de Artes de California. Su debut llegó en 1995 con “Heavy” continuando con “Cop Land” 1997, “Inocencia Interrumpida” 1999, “Kate y Leopold” 2001, “Identidad” 2003, “En la cuerda floja” 2005, “El tren de las 3:10” 2007, “Noche y día” 2010, “Lobezno inmortal” 2013, “Logan” 2017, “Le Mans ‘66” 2019, “Indiana Jones y el Dial del Destino” 2023 y este año estrena “A Complete Unknown” 2024. Para televisión ha realizado capítulos de series como “Men in Trees” 2006, “NYC 22” y “Vegas” 2012.

Jay Cocks y James Mongold, han adaptado la novela de Elijah Wald “Dylan Goes Electric!” que narra los comienzos de Dylan en la música folk allá por el año 1961 hasta el instante en que decidió formar parte de una banda con instrumentos eléctricos y presentarse en el año 1965 en el Newport Folk Festival provocando un gran revuelo entre los puristas del Folk. Lo primero que llama la atención, en este filme, es el amor tan grande que profesan a Dylan director y guionista y el gran respeto y admiración por parte de Timothée Chalamet, por la obra del cantante y compositor. “Un completo desconocido”, traducida al español, no es un biopic, al menos como entiendo este término, más bien,  la defino como un gran concierto en la gran pantalla con libreto sobre los primeros años cinco años del artista.

El filme, aún con una duración de dos horas y veinte minutos, que personalmente se me pasaron volando, ofrece un dinamismo vertiginoso como lo fue el ascenso de Dylan a sus 19 años; que pasó de ser un completo desconocido a convertirse en un ídolo de masas. Como comentaba, en gran parte el causante del ritmo que ofrece el filme es de Andrew Buckland (II) con un montaje equilibrando la parte narrativa propiamente dicha y los fantásticos números musicales, donde cabe mencionar que el espectador escuchará los temas de principio a fin en las voces de los actores y logrando que el filme no decaiga en ningún momento.

Es indiscutible el manejo de la cámara por parte de James Mangold, quien ya nos lo había demostrado en sus anteriores filmes. La cámara siempre está en el lugar que le corresponde enfocando lo que el espectador demanda y para ello Mangold, ha confiado una vez más en el director de fotografía Phedon Papamichael, con quien hace un tándem perfecto y prueba de ello títulos como “En la cuerda floja”, “Le Mans `66” o “Indiana Jones y el dial del destino” por poner tres ejemplos, lo que demuestra también la versatilidad de Mangold, al enfrentarse a trabajos tan diferentes. Papamichael, por su parte, llena la pantalla de estampas bucólicas e impregnadas del espíritu de los 60 con un impecable uso de la luz, el color y los correctos encuadres.

Toca hablar de los reyes de la escena o debería decir, del escenario y es que Bob Dylan o lo que es lo mismo Chalamet está muy bien acompañado por actores que como él, cantan todas las canciones. Pero comencemos por él, por Timothée Chalamet del que no me canso de afirmar que es un actor todo terreno acometiendo personajes muy diferentes y con resultados brillantes, aún nos tiene atrapados con su Paul Atreides de la maravillosa y espectacular saga de “Dune” de Villneuve y ahora se transforma en un Dylan de lo más creíble, tocando la guitarra, la armónica y cantando hasta emocionar y no es solo cuestión de talento, que lo tiene a raudales, sino de esfuerzo, de trabajo y constancia; para este personaje en concreto, se ha preparado durante 5 años hasta traspasar la piel de Dylan y puedo afirmar que no solo la piel, sino su mente. Un trabajo de Oscar y con todos mis respetos al resto de los nominados, pero cada gesto, cada expresión de su cuerpo y la forma en que canta, provoca escalofríos. Junto a él destaco a Monica Barbaro dando vida a una delicada y elegante Joan Baez y la historia de amor que vivieron, lo que hoy se denominaría una relación tóxica. Monica está deslumbrante, bellísima y afinadísima a la hora de interpretar a la inigualable Joan Baez; por otro lado y viviendo otra relación tumultuosa nos topamos con Sylvie Russo (Elle Fanning), una joven tímida, enamorada, celosa y poco correspondida, porque en realidad Dylan era como un pájaro libre que no deseaba atarse a nada ni a nadie. Por sus venas corrían notas y posesía, motivo por el que a Bob le vemos siempre componiendo, cantando o abrazado a su gran compañera, la guitarra. Un compositor comprometido con el tiempo que le tocó vivir y que no deseaba ser encasillado en ningún género musical. Bob era, es, que afortunadamente sigue viviendo a sus 83 años, un ser inquieto y con una fuerte carga espiritual, como demuestran sus letras que siguen seduciendo al alma. Además de los mencionados, cuenta con un extraordinario elenco actoral que ofrecen la esencia de los personajes que interpretan, hasta calar en el espectador.

Resumiendo, A Complete Unknown cuenta con una fantástica puesta en escena y cuya ambientación nos va mostrando los convulsos años 60, en los que se inició el artista, escuchando o viendo en la televisión instantes como: La crisis de los misiles de Cuba, la muerte del  presidente Kennedy o el final del activismo contra de la segregación, por poner tres ejemplos, pero ante todo, lo que nos ofrece, es mucha música, un total de 23 temas que interpretan, además de los ya mencionados Dylan y Baez, Pete Seeger y su banjo (Edward Norton)  o el rockero Johnny Cash (Boyd Holbrook), dos importantes amigos de Dylan.

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de febrero

REPARTO: Timothée Chalamet, Edward Norton, Monica Barbaro, Elle Fanning, Boyd Holbrook, P.J. Byrne, Scoot McNairy, Dan Fogler, Will Harrison, Norbert Leo Butz, Eriko Hatsune, Charlie Tahan, Ryan Harris Brown, Eli Brown, Nick Pupo, Big Bill Morganfield, Stephen Carlsen, Laura Kariuki, Eric Berryman, David Alan Basche, Joe Tippett, James Austin John, Kayli Carter, Alaina Surgener y Sarah King

PRODUCTORAS: The Picture Company// Veritas Entertainment Group// Fox Searchlight// Range Media Partners.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Fox Searchlight y Walt Disney Pictures.

NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN: CRITICA TEATRAL

Nunca he estado en Dublín, está escrita por Markos Goikolea y dirigida por Mireia Gabilondo. Se puede disfrutar desde el 5 de febrero al 27 de abril en el Teatro Pavón.

La familia Amesti formada por La Madre (Eva Hache), (El padre) Iñigo Aranburu y El hijo, Martín (Iñigo Azpitarte), están muy ilusionados porque después de tres años sin saber nada de Elena, la hija (Carolina Rubio), que vive en la actualidad en Londres, está punto de llegar para cenar con ellos, además viene acompañada de su novia irlandesa Cindy.

Una divertida comedia de situación llega al teatro Pavón, con cuatro personajes de lo más singulares. Una madre ludópata que se ha arruinado con la compra de criptomonedas y debe 30.000 euros, si no los paga se queda sin la casa. Un padre en paro practicando una filosofía de vida un tanto peculiar, eso sí, muy positiva; Martín que vive con los padres, tiene un hijo y está en proceso de divorcio, el cual lleva retrasando un tiempo porque aún piensa que su mujer le pedirá que vuelva y Elena, que no solo se ha pasado tres años sin dar señales de vida, sino que viene acompañada de su novia que es invisible. Sí, claro, producto de su imaginación.

Un cuarteto preparado para provocar situaciones de lo más disparatadas cuando, durante la cena y en medio de las conversaciones, salgan a relucir los problemas personales que no asumen y que les ha llevado al punto en el que se encuentran. Los dardos dialécticos se disparan de un lado a otro, como los fuegos artificiales que escuchamos de fondo en un momento determinado, a través de la gran cristalera. Dardos adornados con frases que buscan justificar lo injustificable y que despertarán las sonrisas y carcajadas en el espectador, eso sí, hay que decirlo, la verdadera protagonista es Cindy, sí, la chica invisible, ella lo pone todo patas arriba. Una obra no exenta de crítica social en medio de las tradiciones, las costumbres, la falta de autoestima, los engaños, las apariencias y por supuesto, de las debilidades y virtudes.

La obra cuenta con una interesante puesta en escena por parte de Mireia Gabilondo, que aprovecha cada rincón y elemento de la escenografía ideada por Fernando Bernués, para situar a los personajes de forma que la obra resulte aún más dinámica. Por su parte Bernués, con su trabajo ha logrado recrear y captar la atmósfera que precisa un salón en una fecha tan señalada, dividiendo el espacio en cuatro partes: El fondo lo compone una gran cristalera que da a la terraza, en la cual se encuentra un árbol de Navidad iluminado con sus lucecitas. Ya en el interior del hogar y siempre desde la mirada del espectador, en la zona izquierda vemos un sofá y una mesa baja; en el centro está dispuesta la mesa de comedor vestida con un mantel rojo sobre el que aguardan los platos, vasos y cubiertos y ya en la parte de la derecha, un mueble bajo con una gran lámpara. Dos alfombras de un tamaño medio adornan el suelo y una lámpara a juego con las demás, en el techo. Escenografía a la que no le falta ningún detalle, pues hasta el cuadro que cuelga de una de las paredes, tendrá su protagonismo.

Y, como no quiero desvelar nada más, pues os aseguro que si decidís asistir a la función os lo vais a pasar muy bien, solo me queda hablar de los cuatro actores. Sin ninguna duda, Eva Hache, a la que ya había tenido el placer de ver y escuchar en uno de sus monólogos, se convierte en el centro de atención, sus frases lapidarias, su espontaneidad, las miradas y cada gesto, provocan que incluso cuando hablan los demás, estemos atentos a ella, pues nunca deja indiferente. Los mejores momentos de Carolina Rubio, son cuando conversa y debate con su novia invisible. Por su parte Iñigo Aranburu nos brinda un personaje un tanto desconcertante con su manera de ver la vida y el personaje de Iñigo Azpitarte, se merecería más de una colleja, para que despertara a la realidad. Todos convencen y todos nos hacen pasar una hora y media, de lo más divertida.  El Teatro Pavón, os espera con las puertas abiertas.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Markos Goikolea

Dirección: Mireia Gabilondo

Reparto: Eva Hache, Carolina Rubio, Iñigo Aranburu e Iñigo Azpitarte

Escenografía: Fernando Bernués

Vestuario: Ana Turrillas

Diseño iluminación: Xabier Lozano

Música: Iñigo Azpitarte

Ayte. dirección: Virginia Rodríguez

Regidora: Cristina Berhó

Dirección de producción: Nadia Corral

Producción: Octubre Producciones y La Tentación

Duración Aprox. 90 minutos.

LA OBRA ESTARÁ EN CARTEL  HASTA EL 27 DE ABRIL DE 2025

AÚN ESTOY AQUÍ: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Brasil y Francia, Aun estoy aquí, está dirigida por Walter Salles con guion de Murilo Hauser y Heitor Lorega.

Río de Janeiro 1970, en plena dictadura militar conoceremos a la familia del diputado Rubens Paiva (Selton Mello), su mujer Eunice (Fernanda Torres) y sus hijos Marcelo (Ghilherme Silveira/Antonio Saboia), Vera (Valentina Herszage/Maria Manoella), Eliana (Luiza Kosovski/ Marjorie Estiano), Nula (Barbara Luz/ Gabriela Carneiro da Cunha) y María Beatriz (Cora mora/ Olívia Torres). Una familia que vive feliz en su casa cerca del mar, aunque con la inquietud que les provocan las noticias de los secuestros de embajadores que se están llevando a cabo en el país. Un día reciben la visita de miembros del ejército vestidos de paisanos y se llevan a Rubens preso, desde ese instante, Eunice se comprometerá como activista política, mientras intenta mantener alejados al resto de la familia de lo que está sucediendo.

El director, Walter Saller, estudió economía en la Pontificia Universidad Católica en Río de Janeiro y una maestría en Comunicación Audiovisual en la Universidad de California. Se inició como director en la televisión dirigiendo capítulos para la serie “Japão-Uma Viagem no Tempo” 1986 y en el largometraje con “El arte de matar” 1991, para continuar con “Terra Estrangeira” 1995, “Estación Central de Brasil” y “Midnight: El primer día” ambas en 1998, “Abril Despedaçado” 2001, “Diarios de motocicleta” 2004, “Dark Water (La huella)” 2005, “Paris, je t´aime (segmento)” 2006, “To Each His Own Cinema (segmento)” 2007, “Linha de Passe” 2008, “En el camino” 2012,  “Jia Zhang-ke, um Homem de Fenyang” 2014, “Where Has the Time Gone? (Segmento)” 2017 y este año llega “Aún estoy aquí” 2024. También ha dirigido los documentales “Krajcberg- O Poeta dos Vestígios 1987 y “Venice 70: Future Reloaded” 2013. Los telefilmes “Marisa Monte” 1988, “Chico ou o País da Delicadeza Perdida” 1989, “João & Antônio 1992. Capítulos para la serie “Un siècle d`écrivains” 1995, de la miniserie “2000 vu par… Une collection Internationale” 1998. Los cortometreajes, “Socorro Noble” 1996, “Somos Todos Filhos da Terra” 1998,  “Castanha e Caju Contra o Encouraçado Titanic” 2002, “Quando a Terra Treme” 2017 y los video clips, “Bosa Nova Music & Reminiscenses” 1993, “Antonio Carlos Jobim: An All-Star Tribute” 1995, “Armas e Paz” 2003 y “Yep Roc Heresy” 2023.

Un nuevo hecho real, basado en un episodio histórico brasileño, llega a las salas de cine. Da la sensación de que la gran pantalla ha descubierto que puede servir de plataforma para acercarnos la historia desde diferentes puntos de vista, siempre interesantes, algunos sorprendentes, la mayoría críticos, para no volver a caer en los errores del pasado y otros didácticos;  todo al amparo del entretenimiento que ofrece la sala de cine, aunque como ocurre en ocasiones, el alma se nos encoja por cuanto se nos muestra. En este caso en particular, se nos brinda el doloroso drama vivido y sufrido bajo la dictadura que padeció el pueblo brasileño entre el 31 de marzo de 1964 cuando Humberto de Alencar Castelo Branco, derrocó al gobierno democrático del presidente João Goulart, hasta su finalización con la victoria electoral del Movimiento Democrático Brasileño el 15 de marzo de 1985, al convertirse José Sarney en el  primer presidente civil. Durante esas décadas hubo años convulsos como los que se narran en este filme y que afecto a esta familia, entre otras.

Rubens Paiva, casado y padre de 5 hijos, fue un ingeniero civil y político brasileño que militó en el Partido Laborista Brasileño (PTB),  siendo elegido diputado en 1962. Se opuso a la dictadura militar en 1964, lo que le obligó a autoexiliarse. Cuando regresó se ocupó de los negocios y mantuvo contacto con los exiliados, lo que motivó que en 1971 fuera detenido por las fuerzas militares y tras torturarlo, lo asesinaron. Su cuerpo nunca fue encontrado.

La película no seguirá la figura del empresario, ingeniero y político, aunque lo veremos durante el primer tercio de la película, sino la de su mujer y sus cinco hijos, cuatro chicas y un varón, Marcelo, autor de la novela en la que se ha inspirado esta película. Desde el preciso instante de la detención de Rubens, Eunice toma las riendas, el protagonismo y a quien seguimos en cada uno de sus pasos, de los encuentros con las personas en las que ella confía, pidiendo consejo e incluso con algunas que no estaban en su mente, investigando hasta donde estaba vinculado su marido con la causa; causa que desde ese instante, la hace propia y nos hace partícipes de ella, además de su lucha incansable a lo largo de los años, con el único objetivo de que el gobierno  reconozca la muerte de su marido. Muerte que ella ya presentía y que le lleva a exigir la prueba con el certificado de defunción.

Un drama socio-político que nos induce a la reflexión sobre el grave problema que ocasionan las dictaduras, secuestradoras del pueblo y en particular de quienes no comulgan con los dictadores, sometiendo, a la sociedad en general, a la oscuridad y al miedo. Una dura crítica y denuncia que nos  exhorta a que meditemos sobre lo que en la actualidad está ocurriendo con los extremismos en algunos países, para que no caigamos en los mismos errores del pasado que, como podemos ver, solo causan sufrimiento por codicia y ansias de poder. La pérdida y los estados emociones por los que pasó esta familia, están retratados con delicadeza, realidad y empatía por parte de los guionistas y el director.

Desde los primeros planos, Salles no envuelve en la atmósfera de los setenta, apoyándose en la cuidada fotografía de Adrian teijido, quien da gran importancia al color, la iluminación y los encuadres intimistas. El vestuario de Cláudia Kopke y Helena Byington junto a la excepcional dirección de arte por parte de Juliana Tolentino y la banda sonora de Warren Ellis, forman un conjunto equilibrado que funciona a la perfección para transportarnos a la década de los 70 del siglo pasado.

Termino con ellos, con quienes dan vida a la familia Paiva, en un acertadísimo casting, pues cada uno de ellos logra proyectar a sus personajes la verdad y la pasión de sus propios viacrucis, destacando a Fernanda Torres, que encarna a la madre y mujer coraje, luchadora por su familia, la realidad y los sueños que les arrebataron. Os la recomiendo a todos.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero

REPARTO: Fernanda Torres, Selton Mello, Antonio Saboia, Guilherme Silveira, Valentina Herszage, Maria Manoella,  Luiza Kosovski, Marjorie Estiano, Barbara Luz, Gabriela Carneiro, Cora Mora, Olivia Torres, Humberto Carrão, Maeve Jinkings, Caio Horowicz, Camila Márdila, Charles Fricks, Luana Nastas, Isadora Ruppert, Daniel Dantas, Carla Ribas y Maitê Padilha.

PRODUCTORA: VideoFilmes// RT Features// MACT Productions// Cospiraçao Filmes// arte.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films. 

MARÍA CALLAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Alemania, Chile y Estados Unidos, María Callas está dirigida por Pablo Larraín con guion de Steven Knight, basándose en la biografía de María Callas. “No existe vida fuera del escenario”

A modo de documental vemos a la Callas en distintos eventos, actuaciones y entrevistas, pasando por el instante en el que decide quemar todos los vestidos que conservaba de sus actuaciones hasta adentrarnos en un salón en el que se encuentran determinadas personas en silencio. Dos enfermeros portan una camilla de hospital que dejan en el suelo y la historia nos transporta a una semana antes, para narrarnos los últimos días de la gran diva.

El director, productor y guionista, Pablo Larraín, estudió en la Universidad de Artes, Ciencias y Comunicación (UNIACC), Comunicación Audiovisual. Es uno de los socios fundadores de Fábula, una empresa dedicada al desarrollo de cine y comerciales llevando a cabo diversos proyectos. En 2006  presenta su ópera prima “Fuga” a la que han seguido filmes como “Tony Manero” 2008, “Post Mortem” 2010, “NO” 2012, “Venice 70: Future Reloaded” 2013, “El Club” 2015, “Neruda” 2016, “Jackie” 2016, “Ema” 2019, “Spencer” 2021, “Sayen”, “El Conde” y “Sayen: la ruta seca” todas en 2023; “Sayen: la cazadora” y María Callas” en 2024. También ha dirigido la serie “Prófugos” 2011, las miniseries “El presidente” 2020 y “La historia de Lisey” 2021, la serie “Hecho en casa” 2020 y los documentales “Como me da la gana II” 2016 y “Antares de la luz: La secta del fin del mundo” 2024.

Hoy empiezo con ella, con una diva que me tiene ganado el corazón desde hace mucho tiempo, sus interpretaciones siempre están cargadas de emotividad reflejándose en sus miradas, los gestos y el lenguaje corporal que domina a la perfección, expresando más que las propias palabras. Una embajadora de la ONU comprometida y humanitaria cuyo trabajo habla por sí solo y que siempre ha sabido combinar con su arte, el de la  actriz que no deja indiferente a nadie, coronado por su belleza y saber estar; su sola presencia se apodera de la pantalla. Angelina Jolie, en un nuevo trabajo impecable y elegante; transmitiendo soledad, frustración, dolor, silencios atronadores, palabras llenas de pasión y compasión y decadencia. Estoy convencido que solo ella era capaz de fusionarse con el espíritu de la Callas  y la prueba está en que la sala de cine permanece en completo silencio hasta la  última escena.

Larraín completa, al menos de momento, una trilogía dedicada a las grandes mujeres del siglo pasado. Trilogía que inició con “Jackie” 2016, con Natalie Portman encarnando a Jacqueline Kennedy y  “Spencer” 2021 en donde Kristen Stewart daba vida a la princesa Diana (Lady Di) y ahora con “María Callas” con una espectacular Angelina Jolie. Los tres filmes tienen en común, que se desarrollan durante un periodo corto de tiempo, pero crucial en sus vidas. En el Caso de Jackie, son los días posteriores al asesinato de su marido J.F. Kennedy, quien en pleno luto se vio despojada de todo, en cuanto a Spencer, nos lleva al fin de semana  en el que Lady Di decidió que su matrimonio con el príncipe Carlos no estaba funcionando y en esta tercera entrega, María Callas, culmina con otro gran drama que nos sitúa en la semana antes de su muerte. Tres grandes mujeres que serán recordadas por los claroscuros que rodearon sus vidas.

En la misma línea que nos tiene acostumbrados y cortada por el mismo patrón que las anteriores, Pablo nos sumerge en el dolor emocional que afligió a la gran diva de la canción, provocado por la pérdida de su voz tan particular. Un filme dominado por los silencios, los estados de reflexión, las idas y venidas de la artista o los amplios espacios habitados por la soledad y el desasosiego que traspasa la pantalla calando en el espectador; todo ello mostrado a través de esa cámara indiscreta que se cuela por los rincones para brindarnos, entre las imágenes de archivo, aquellas que el propio director ha ideado y capturadas por la refinada fotografía de Edward Lachman, envolviéndonos a la vez en ese viacrucis que debió vivir y sufrir la Callas, pues para ella, como tantas veces comentó, “el escenario lo era todo”, aunque fuera de él, también asistiremos a la relación amorosa con el multimillonario Aristóteles Onassis, interpretado por Haluk Bilginer o la fraternal que mantuvo con sus dos únicos criados: Ferruccio (Pierfrancesco Favino) y Bruna (Alba Rohrwacher), una relación íntima y cercana, que caldeaba las estancias de la mansión, aportando verdad y  humanidad.

En resumen, estamos ante la mejor película de la trilogía y con la que más he disfrutado, dentro de esa angustia que se apodera de uno sin poder escapar hasta el final; además, no me cansaré de reiterarme que cuenta con la contenida y extraordinaria interpretación de Angelina Jolie, la distinguida puesta en escena, el vestuario de Massimo Cantini Parrini, el sutil montaje de Sofía Subercaseaux y por supuesto, el selecto programa operístico, que abraza al filme.

Por todo ello mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de febrero.

REPARTO: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haluk Bilginer, Kodi Smit-McPhee, Valeria Golino, Stephen Ashfield, Alessandro Bressanello, Jeremy Wheeler, Rebecka Johnston, Toma Hrisztov, Christiana Aloneftis, Philipp Droste, Kay Madsen, Botond Bartus, Caspar Phillipson, Paul Spera, Vincent Macaigne, Aggelina Papadopoulou, Lydia Koniordou, Jörg Westphal, Erophilie Panagiotarea y  Kembe Sorel.

PRODUCTORA: The Apartment// Komplizen Film// Fabula// Fabula Pictures// Fremantle Media North América.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

LA ACOMPAÑANTE: CRÍTICA DE CINE

La Acompañante está escrita y dirigida por Drew Hancock “Una historia rosa vestida de rojo”

En plano vemos a Iris (Sophie Thatcher) tirando de un carrito de la compra por los pasillos de un supermercado, mientras escuchamos su voz en off decir “He sido dos veces inmensamente feliz en la vida, la primera cuando conocí a Josh (Jack Quaid) y la segunda cuando lo maté” A Josh lo conoció precisamente ese día en el supermercado y la atracción fue inmediata, disfrutando de una escena de lo más edulcorada con decenas de naranjas rodando por el suelo; lo que despertará las primeras sonrisas y hasta carcajadas en el espectador. Un inició que te invita a acomodarte mientras degustas las palomitas, porque el cómo llegó y el porqué de ese día fatídico, lo tendréis que averiguar a lo largo de la función y os aseguro, que no os defraudará.

El director y guionista, Drew Hancock, se dio a conocer como director para televisión en 2005 con el cortometraje “Man to Man” y la serie “Gregory Shitcock, P.l.” continuando con las series “The Wastelander” 2005/06, “Acceptable TV” 2007, “Cautionary Tales of Swords” 2007/08, “Jimmy Kimmel Live!” 2008,  “The Mountain” 2008/09, “Everything” 2009 y “Channy Awards” 2012. Ha dirigido los cortometrajes “Christmas World 2050” y “Tenacious D: Time Firers” en 2006 y “Brutal Journey: Jack Black Finds His Inner Eddie Riggs” 2009. Ha debutado en el  largometraje con “La acompañante” 2025.

Con permiso del director quiero comenzar con el reparto encabezado por dos actores de moda como son Sophie Thatcher, a quien hemos visto recientemente en el papel de predicadora en la magnífica “Heretic (Hereje) de Scott Beck y Bryan Woods y Jack Quaid, encarnando al personaje principal de la serie “The Boys” 2019/24 como Hughie Campbell. Una pareja letal que se aman, a su manera. Interpretaciones cómplices y juguetonas, convincentes ante la gran pantalla y cautivando al espectador, con su saber hacer y no dudando en explotar sus virtudes hasta consumir el último aliento.

Las otras dos parejas están formadas por el dueño de la mansión, que les acoge para pasar un agradable fin de semana entre amigos, Sergey (Rupert Friend) y su amante Kat (Megan Suri) y Eli (Harvey Guillén) y su novio  Patrick (Lukas Gage). Perfectos cada uno de ellos en sus personajes que explotando sus personalidades tan diversas, nos ofrecen interpretaciones insultantemente jocosas y creíbles. Una película que si bien no pierde en ningún instante el trepidante ritmo, no ocurre lo mismo con la compostura de sus personajes. Hay que guardar las formas cuando se está en una casa de invitado.

“La acompañante” es una perversa, macabra, divertida y deliciosa historia romántica, con un exquisito toque gore. Un filme “tramposo” en el mejor sentido de la palabra, que se sustenta en una sencilla narración, sin dobleces, muy bien escrita y mejor interpretada como ya he mencionado, con importantes giros argumentales que se disfrutan hasta el último suspiro y no exenta de cierta crítica cargada de ironía sobre la dominación del macho; pero todo y me repito, desde la comicidad, los inteligentes diálogos, el cinismo y el entretenimiento más blanco e incluso, cuando se desata la locura con ese punto surrealista tan importante. Nada y esto también lo afirmo, parece lo que es y si podéis entrar en la sala sin saber más de lo que os estoy ofreciendo, mucho mejor. Déjate sorprender y lo agradecerás.

Para finalizar no me puedo olvidar de la música y fotografía, pues ambas ayudan a potenciar esta osada historia, con conciencia teatral y que navega entre lo humano y lo antropomorfo. Me he imaginado sentado en la butaca de  un teatro con vistas al exterior, cuyo escenario es cubierto por una gran pantalla, disfrutando de una de esas comedias frescas y atrevidas, que tras bajar el telón, se abandona la butaca con un buen sabor de boca, una sonrisa en el rostro y ganas de sentarse en un bar para comentar las jugadas o simplemente mientras se da un agradable paseo. Las notas de la banda sonora corren por la partitura de  Hrishikesh Hirway y la fotografía en la mirada ocurrente de Eli Born.

¿Cuántas veces hemos pensado si existirá el compañero o compañera ideal con quien compartir toda una vida? Pues esta narración nos da algunas pistas.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de enero.

REPARTO: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Megan Suri, Lukas Gage, Harvey Guillén, Rupert Friend, Woody Fu y Marc Menchaca.

PRODUCTORA: BoulderLight Pictures// New Line Cinema// Vertigo Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España

A DIFFERENT MAN: CRÍTICA DE CINE

A Different Man está escrita y dirigida por Aaron Schimberg. “Toda la infelicidad en esta vida llega por no aceptarla tal y como viene”

Edward (Sebastian Stan) padece neurofibromatosis, es actor y vive en un modesto bloque de apartamentos al que se muda Ingrid (Renate Reinsve), una joven dramaturga que pronto se interesará por Edward. Edward se enamora de Ingrid pero su deformidad en el rostro, debido a numerosos tumores, le ha convertido en un ser introvertido, inseguro y solitario. Un buen día un especialista le propone someterse a un revolucionario experimento médico, que puede minimizar los tumores que tiene en el rostro. El proceso resulta doloroso pero el resultado es impresionante, su piel queda limpia y liberada de los tumores. Decide emprender una nueva vida, cambiando de identidad, bajo el nombre de Guy y dando por muerto, literalmente, a su anterior yo. En el camino conocerá Oswald (Adam Pearson) un hombre jovial, extrovertido y conversador que trabaja en un teatro como monologuista y que padece la misma enfermedad que él tenía, incluso su rostro, es idéntico al de su yo anterior.

El guionista y director, Aaron Schimberg, se graduó en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California. Debutó en el largometraje con “Bajar a la muerte” 2013, “Encadenado de por vida” 2018 y en este 2024 presenta “Un hombre diferente”.

Schimberg nos ofrece una comedia surrealista, oscura, cruda y en parte desagradable, en donde lo físico y lo emocional rivalizan entre sí por el amor de una chica, caminando por la cuerda floja de los sentimientos y las emociones. El detonante de ese extraño enfrentamiento es la deformación facial que ha provocado la enfermedad que sufre su protagonista, la Neurofibromatosis; que la Wiki, nuestra maestra particular, la describe como “Un grupo de tres afecciones en las que crecen tumores en el sistema nervioso. Es un trastorno genético de dicho sistema que afecta principalmente al desarrollo y crecimiento de los tejidos de las células neuronales (nerviosas)” Una anomalía cuyos tumores repartidos por todo el rostro, ocasionan inquietud en quienes los ven.

Ese rostro, que nos recuerda al del hombre elefante y que resulta poco convencional en un mundo que vive más preocupado por los cánones de belleza que por temas realmente importantes, sirve de punto de partida a un filme que aun despertando en algunos instantes hilaridad y confusión, en otros nos sumerge en la reflexión sobre la vulnerabilidad, la identidad o la baja autoestima del ser, cuando no se es capaz de aceptarse.

En ese laberinto de espejos distorsionados, que habita en la mente de Edward y le lleva a cuestionarse si sus fracasos son consecuencia de su apariencia física, surgen otros nuevos al comprobar, tras la operación, que no era su imagen el problema sino las circunstancias, pues en su ausencia su vecina Ingrid ha escrito una obra inspirada en el Edward que ella conoció y para meter más el dedo en la herida, el destino le presenta a Oswald, cuya imagen es idéntica a la de su pasado, robándole el protagonismo que demanda. El espectador asistirá a una de las escenas más grotescas, rocambolescas, inverosímiles y desconcertante.

El filme juega con la nostalgia y los sueños de Edward que aspira ser como los demás, pero el problema radica que para ser como los demás no es necesario cambiar el rostro, pues es el talante, la aptitud y la propia personalidad, las autoras de muchas conquistas. Un filme inteligente y con un humor ácido, que muchas veces se atraganta. No estamos ante lo que se podría definir como una película políticamente correcta, pero pasado ese trance, se disfruta por cuanto ofrece.

Sin duda lo mejor del filme recae en el trío protagonista, Sebastian Stan nos ofrece dos personajes complejos abatidos por la tristeza y la oscuridad interior, de un lado como Edwar a cuyo rostro desfigurado culpa de sus fracasos y tras la intervención, Guy quien curado de dicha deformidad, comprende que no era la causante de sus desgracias. Una maravillosa Renata Reinsve encarnando a la dulce y encantadora Ingrid, que siempre mira más allá de lo que la realidad le muestra y completando el trío nos encontramos con Oswald (Adam Pearson) que interpreta a un joven jovial, extrovertido y conversador, totalmente opuesto a Edwar/Guy. Tres interpretaciones potentes aunque, tal vez por ese carácter teatralizado que adquiere el filme y un final un tanto enrevesado, no alcancemos a empatizar con ellos como desearíamos. Existe ese grado de exageración y divagación que como ya he comentado, desconcierta y en mi opinión, muy personal, la película debería haber terminado tras el largo fundido en negro.

A Different Man, cuenta con un buen guion y una inquietante dirección de Aaron Schimberg. La fotografía e iluminación de Wyatt Garfield, logra aventurarse con sutil precisión entre los encuadres sencillos, intimistas e impactantes enfatizando la historia, así como la banda sonora de  Umberto Smerilli, que se filtra por cada rincón.

Os dejo con tres de las preguntas que me cuestioné: ¿Logramos nuestros objetivos gracias, en parte, a la imagen que proyectamos? ¿Los demás nos ven tal y como nosotros creemos? Y por último, yo sé lo que me atrae de una persona, pero ¿Qué es lo que realmente cautiva a otra persona de nosotros?

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de enero.

REPARTO: Sebastian Stan, Renate Reinsve, Adam Pearson, Lawrence Arancio, Neal Davidson, Christopher Spurrier, Owen Kline, Marc Geller, Billy Griffith, Eleanore Pienta, John Keating, Juney Smith, Trenton Hudson, Miles G. Jackson, Sergio Delavicci, Jed Rapfogel, Patrick Wang, James Foster Jr., JJ McGlone, John Klacsmann, Cosmo Bjorkenheim, C. Mason Wells, Corey R. Taylor, Danielle Burgos, David Joseph Regelmann, Sammy Mena, Malachi Weir y Jon Dieringer.

PRODUCTORA: A24// Grand Motel Films// Killer Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.