28 AÑOS DESPUÉS: CRÍTICA DE CINE

28 años después está dirigida por Danny Boyle compartiendo guion con Alex Garland.  “Nada es para siempre, memento mori”

Han pasado 28 años desde que el virus de la ira se escapó de un laboratorio de armas biológicas. Un grupo de supervivientes viven en una pequeña isla en el interior de una fortificación desde la que vigilan día y noche, para que ningún infectado se acerque. La única conexión con el continente lo forma un curioso paso que solo es transitable, cuando baja la marea. En ese lugar, nos encontramos con Spike (Alfie Williams) junto a su padre Jamie (Aaron Taylor-Johnson) y su madre Isla (Jodie Comer), que permanece enferma en cama.

Jamie decide iniciar a su hijo Spike llevándolo al continente para que mate a su primer infectado, pero durante dicha expedición, el inquieto e inteligente Spike, se entera de que en el lugar en el que se divisa una gran fogata, vive un médico, el Dr. Ian Kelson (Ralph Fiennes). Jamie le narra su historia y es cuando Spike decide llevar a su madre ante el Dr. Ian, para averiguar cuál es su dolencia y curarla. Un viaje de iniciación y redención en el que nos vemos involucrados desde el minuto cero.

Danny Boyle, en su adolescencia estudió en la Cardinal Newman Catholic High School de Warrington, para continuar en el Thornleigh Salesian College de Bolton y finalizando en la Universidad de Bangor. Sus inicios estuvieron relacionados con el teatro formando parte de la Joint Stock Theatre Company y más tarde en el Royal Court theatre. En 1980 comenzó a trabajar en televisión como productor para la BBC de Irlanda del Norte y director en los Telefilmes “Scout” y “The Venus de Milo Instead” las dos en 1987, “The Nightwatch”  y “Monkeys” ambas en 1989 y las series “For the Greater Good” 1991, “Inspector Morse” 1990/92, “Mr. Wroe`s Virgins” 1993 y “Screenplay” 1989/1993 para saltar a la gran pantalla con “Tumba abierta” 1994, “Trainspotting” y “Iggy Pop: Lust for Life” ambas en 1996, “Una historia diferente” 1997, “La playa (The Beach)” 2000, “28 días después” 2002, “Millones” 2004, “Sunshine de Danny Boyle” 2007, “Slumdog Millionaire” 2008, “127 horas” 2010, “National Theatre Live: Frankenstein” 2011, “Trance” 2013, “Steve Jobs” 2015, “T2: Trainspotting” 2017, “Yesterday” 2019 y este año nos ofrece “28 años después” 2025. También ha dirigido el cortometraje “Alien Love Triangle” 2008, los especiales para televisión “London 2012 Olympic Opening Ceremony: Isles of Wonder” 2012 y “Free Your Mind: The Matrix Now” 2023, la serie “Trust” 2018, las miniseries “Babylon” 2014 y “Pistol” 2022 y los telefilmes  “Strumpet” y “Vacuuming Completely Nude in Paradise” las dos en 2001y “Darcey Bussell`s New Dance 2018.

Esta es la primera película de la saga que veo, pues desconocía su existencia y sinceramente me he llevado varias sorpresas, todas muy positivas. La primera de ellas, que no estamos ante un filme de zombis, como me habían afirmado, sino de infectados por un extraño virus, el virus de la ira, que provoca una alta agresividad y velocidad a quien lo contrae. Una saga que se inició en 2002 bajo el título de “28 días después” de Danny Boyle para continuar con “28 semanas después” de Juan Carlos Fresnadillo y de momento finaliza con “28 años después”, regresando Boyle a la dirección. Cabe recordar que junto a esta entrega se rodó “28 años después: The bone Temple” que llegará a primeros de 2026. ¿Estamos en el inicio de una franquicia? Tiene todos los visos de que así es y yo lo celebro. La he disfrutado mucho. Eso sí, me tendré que poner al día con las ya estrenadas.

Un filme inquietante e interesante, pues las subtramas que rodean a la trama principal, las hace igual o más atractivas y es que otro de esos puntos clave que me atrapó, es el guion que firma el director junto a Alex Garland. Un guion que va más allá del susto fácil, del ataque por sorpresa, de la vida que encierra la fortificación y el mundo que se expande fuera de ella, de la visión desagradable de algunos infectados que aparecen en cualquier esquina o arrastrándose por los suelos, e incluso de ese lado gore y visceral, tan esperado por el fan al terror; lo que también nos presentan Boyle y Garland, además de todo lo descrito, es el terror más inmersivo e incontrolable, el psicológico desde la perspectiva más humana. Es en ese espacio en el que confluyen mente y corazón donde no solo hay que lanzar la flecha, sino en el cual el espectador se entrega por completo, empatizando principalmente con Spike, al que da vida magistralmente Alfie Williams. Los actos impulsivos y pensamientos innatos de Spike le diferencian del resto, pues tienen mucho de liberación en ese viaje hacia la madurez. Jodie Comer encarnando a esa madre delicada y emocional y la interpretación breve pero intensa y filosófica de Ralph Fiennes, como el Dr. Ian Kelson, por poner tres ejemplos.

Por supuesto, mención especial para la dramática y deslumbrante fotografía de Anthony Dod Mantle,  rodada íntegramente con móviles IPhone 15 Pro Max y drones para las escenas aéreas. Los encuadres, la iluminación, el color, los desenfoques o los destellos, logran la atmósfera que el filme precisa, así como la claustrofóbica banda sonora de Young Fathers.

Resumiendo, 28 años después, ofrece entretenimiento en estado puro, con calidad y en donde el director y guionista, cierran con la pirotecnia que el espectador espera, complaciendo de esta manera a propios y extraños y hermanando un filme de terror, con altas dosis de violencia, con el drama en ese mundo distópico, que por momentos nos puede recordar a “The Last of Us”. Termino comentando que entre las escenas más impactantes que nos encontramos, la del parto, además de original, me resultó brutal. Ahora sí, finalizo recordando que estéis muy atentos al prólogo, porque además de impactante… ¡Cachis! Se me terminaron las palabras y ya no os puedo contar más.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de junio.

REPARTO: Jodie Comer, Aaron Taylor-Johnson, Ralph Fiennes, Jack O`Connell, Erin Kellyman, Alfie Williams, Edvin Ryding, Emma Laird, Angus Neill y Chi Lewis-Parry.

PRODUCTORA: DNA Films// Decibel Films// Sony Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

TRES KILÓMETROS AL FIN DEL MUNDO: CRÍTICA DE CINE

Tres kilómetros al fin del mundo está dirigida por Emanuel Pârvu compartiendo guion con Miruna Berescu.

Adi (Ciprian Chiujdea) es un joven de 17 años que vive junto a su padre (Bogdan Dumitrache)  y su madre (Laura Vasiliu), en una humilde casa del Delta del Danubio. Una noche es agredido brutalmente por los hijos del cacique del pueblo, quien hace valer su poder para evitar que vayan a la cárcel y todo se vuelva en contra de la víctima. Sus padres le rechazan al enterarse de que es gay, el cura  (Adrian Titieni) administra una especie de exorcismo sobre el joven, el jefe de policía (Valeriu Andriutã) busca la manera de manipular las declaraciones y... Estamos ante un filme que respira tristeza desde el primer fotograma y unos diálogos, que logran captar la atención del espectador.

El actor, guionista y director, Emanuel Pârvu, estudió interpretación en la Universidad Nacional de Teatro y Cine de Bucarest, donde obtuvo un máster y posteriormente se graduó en la Universidad Nacional Rumana, en Teatro y Cine. Comenzó su carrera como actor en diversas obras de teatro y cine. Como director debutó en el cortometraje con “A Family” 2009,  “Chicken, fries and a coke” 2012, “Square One” y “Two (2)” ambas en 2013, “Meda” 2016 y en el largometraje con “Meda sau Partea un pera fericita a lucrurilor” 2017 al que han seguido “Milado” 2021 y “Tres kilómetros al fin del mundo”. También ha dirigido capítulos para la serie “În Puii Mei!” 2009/18 y los cortos “Everything Is Far Away” 2018 y “Better This Way” 2024.

Una obra que me dejó con mal cuerpo tras la proyección, pues Pârvu nos involucra en una dolorosa reflexión de la Rumanía rural. Un filme de denuncia, denuncia contra la soberbia, el caciquismo que se enquista en muchos pueblos, la intolerancia, la falta de pudor y respeto hacia la condición humana o de su libertad de acción y reacción; los miedos que se alimentan de la ignorancia y el temor al qué dirán. Espacios en los que no pueden faltar las figuras paternas que ante las falsas apariencias reniegan de su hijo, la de iglesia ortodoxa rumana encarnada en el sacerdote que cuando algo se escapa a su entendimiento o control, lo considera obra del diablo; el policía que solo aspira a jubilarse sin ruido o el cacique del pueblo, quien se cree el dueño y señor de quienes arriendan las tierras. Un filme fraguado a fuego lento, que nos abrasa a medida que se adentra en la historia.

El filme resulta asfixiante incluso en el exterior, entre esos parajes tranquilos y silenciosos, a través de los cuales la vida se abre camino sin pedir permiso, pero hasta en esos instantes, Pârvu nos obliga a no distraernos y permanecer alerta ante lo que pueda acontecer en las mentes retorcidas de las hienas hambrientas que habitan el lugar y aguardan pacientes, para atacar a la presa frágil y herida. Tres kilómetros al fin del mundo, toma la homofobia como diana sobre la que descargar las frustraciones, la incomprensión, el egoísmo, los celos, los odios y la ignorancia; dominados por una religión manipuladora que alimenta el sufrimiento en vez del auxilio.

Una película que recomiendo ver sin prisas, disfrutando de cada instante, respirando ese entorno virgen y a la vez viciado por los que se han dejado viciar. Cuenta con un pequeño elenco actoral escrupulosamente elegido, pues cada uno de ellos dota a su personaje de una voz propia, además de las luces y sombras como atributos de sus personalidades. Destacan Laura Vasiliu encarnando a la madre del joven y Ciprian Chiujdea, quien carga con la pesada cruz de Adi. Mención especial merece la fotografía de Silviu Stavilã y por supuesto el potente guion que Emanuel comparte con Miruna Berescu.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de junio

REPARTO: Bogdan Dumitrache, Laura Vasiliu, Valeriu Andriutã, Adrian Titieni, Alina Berzunteanu, Richard Bovnoczki, Vlad Brumaru, Ingrid Berescu, Vlad Ionut Popescu y Ciprian Chiujdea.

PRODUCTORA: FAamArt Production// National Cinema Center.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films.

BALLERINA: CRÍTICA DE CINE

BALLERINA está dirigida por Len Wiseman con guion de Shay Hatten. “Una bala bien colocada, puede cambiar el mundo”

La jovencita Eve Macarro (Victoria Comte) se encuentra sentada en un banco del pasillo de un edificio. En su rostro se divisan rastros de sangre. Su mirada permanece fija en la caja de música que sujeta entre las manos. A través de un flashback se nos muestra una escena de gran violencia que vive la joven junto a su padre, quien es asesinado, lo que nos lleva de nuevo al presente. Frente a la joven Eve, que sigue mirando la bailarina que se encuentra en la caja musical, se coloca Winston Scott (Ian McShane). En medio de la corta conversación que mantienen, le hace la promesa de que siempre estará protegida y tendrá una nueva familia.

En la actualidad vemos a Eve (Ana de Armas) soportando la dura disciplina del ballet clásico a la vez que se convierte en una fría y calculadora asesina entrenada por la Ruska Roma. En la mente de Eve una palabra prevalece “Venganza” y el deseo de descubrir quiénes fueron los asesinos de su padre y los motivos que les llevaron a ello. En su pugna por conocer la verdad, se tendrá que someter a las normas de la Alta Mesa y a las del Hotel Continental de Nueva York.

El productor, guionista y director, Len Wiseman, estudió en la American High School y en el De Anza College en Cupertino (California). Sus primeros trabajos fueron de asistente de utilería en diversas películas, en el campo de la publicidad o como director en videoclips entre los que encontramos: “Megadeth: Crush `Em” y “Megadeth: Insomnia” ambas en 1999, “En Vogue: Riddle” 2000, “Quarashi: Stick `Em Up” y “Rufus Wainwright: Across the Universe” ambas en 2002, para saltar al largometraje con “Underworld” 2003 a la que han seguido “Underworld: Evolution” 2006, “La jungla 4.0” 2007, “Total Recall: Desafío total” 2012 y “Ballerina” 2025. También ha dirigido los videos “Mephisto Odyssey Featuring Static-X:Crash” 2000, “The Visual Effects of Underworld” 2004, capítulos para las series “Hawai 5.0” 2010, “Sleepy Hollow” 2013, “Lucifer” 2016, “APB” y “The Gifted: Los elegidos” en el 2017 y “La cosa del pantano” 2019.

El universo John Wick abre nuevas puertas cinematográficamente hablando con Ballerina, pues en la pequeña pantalla lo hizo en 2023 con la miniserie de 3 capítulos “The Continental: From the World of John Wick” y si nada lo impide, el próximo año se prevé llegará la serie “John Wick: Under The High Table”, mientras que la gran pantalla recibirá la nueva entrega de “John Wick 5”; pero de momento ocupémonos del presente. De esta Ballerina que va a dar mucho que hablar.

Llegó el momento de asistir a la proyección del primer spin-off de la franquicia de John Wick. Los fans de la saga teníamos curiosidad por saber que nos depararía y debo reconocer que la sorpresa ha sido muy positiva. Ana de armas, la arma de principio a fin, pero vayamos por partes. Este filme se desarrolla entre los acontecimientos de “John Wick: Capítulo 3- Parabellum” 2019 y  “John Wick: Capítulo 4” 2023, que al igual que las anteriores entregas han sido dirigidas por Chad Stahelski, salvo la primera que realizó David Leitch. Una saga que a través de los años, ha ido convocando a un gran número de fans, pues cuando Keanu Reeves aparece en escena, con su presencia y elegancia, conquista la pantalla a la vez que intuíamos que las armerías más cercanas, se quedarán sin munición.

Si como decía, Keanu Reeves nos arroyó con su magnetismo dotando a John Wick de fuerza, destreza, elegancia y carisma; la encantadora Ana de Armas, nos hechiza desde el primer instante, con su personalidad, belleza y un personaje que parece escrito a su medida por Shay Hatten, en el que nos detalla la cruzada que mantiene desde su tierna infancia hasta llegar a ser la mujer en la que se ha convertido. Su belleza rivaliza con su coraje mientras sus miradas y silencios, nos hablan del pasado, de la oscuridad, del dolor, del resentimiento, del sufrimiento y de la lucha que clama por liberar su cuerpo y alma. Nos lo entrega todo con absoluta naturalidad. Eve o debería decir Ana, está impresionante y es que ella, aun solo precisando de su presencia para captar la atención, aquí nos demuestra la guerrera que lleva dentro: suda, sangra, grita de dolor y se mancha, entre impresionantes coreografías.

Tras hablar de la reina de la escena, cabe destacar la presencia de Keanu Reeves, a quien se agradece su discreta pero potente intervención, pues tanto el director, guionista y el propio Reeves, han tenido muy en cuenta que la estrella indiscutible es Ballerina/Ana. Mención especial también para Anjelica Huston como la directora, el inolvidable y al que echaremos de menos en las próximas entregas, Lance Reddick como Charon, pues recientemente nos ha abandonado y por supuesto, aunque también sea corta su intervención, Ian McShane como el dueño del Hotel Continental de Nueva York, Winston Scott.

Una película para disfrutar de principio a fin entre coreografías que parecen imposibles, retando una vez más a la gravedad y al contorsionismo entre cascadas de balas, cuyos casquillos tapizan los suelos o cuchilladas con todo tipo de armas blancas. Se nos muestra nuevos arsenales y una batalla que me recordó al enfrentamiento entre Luke Skywalker y Darth Vader, pero en vez de usar espadas láser, Eve y su contrincante, usan lanzallamas. ¿Una apuesta más arriesgada? En esta saga, todo se lleva al límite, por eso no defrauda a los espectadores, pues el riesgo es su denominador común.

Cuenta con el sello y el aroma inconfundible de la franquicia, pues además del carisma de sus personajes, las grandes escenas de acción y las historias que se nos narran teñidas de luces, sombras, sudor y lágrimas; sin duda es la puesta en escena el ingrediente que la identifica, inconfundible, genuina y elegante; en donde destaca la iluminación, el color y los diseños con esos toques vanguardistas y refinados, coqueteando con lo clásico, que en esta ocasión son recogidos en la escrupulosa fotografía de Romain Lacourbas, quien no se olvida de los peculiares neones. Junto a la fotografía nos encontramos con los compositores fieles a toda la saga: Tyler Bates y Joel J. Richard.

Un sello, una esencia y una presencia que se respiran en cada plano, en cada secuencia, en cada escena y que en esta ocasión nos llevan de viaje hasta Praga y la República Checa.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de junio.

REPARTO: Ana de Armas, Anjelica Huston, Gabriel Byrne, Ian McShane, Lance Reddick, Norman Reedus, Keanu Reeves, Catalina Sandino Moreno, Anne Parillaud, Abraham Popoola, Caleb Spillyards, Marc Cram, David Castaneda, Sharon Duncan-Brewster, Robert Maaser, Togo Igawa, Jaroslav Vundrle, Zachary Ladkin, Ava Joyce McCarthy y Lenka Regulyová.

PRODUCTORAS: Thunder Road Pictures// Lionsgate// 87Eleven Entertainmet// Summit Entertainmet.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

BLINDADO (LOCKED): CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Canadá Blindado (Locked), está dirigida por David Yarovesky con guion de Michael Ross.

Eddie Barrish (Bill Skarsgard) busca desesperadamente arreglar su furgoneta para seguir trabajando, pero en ningún taller le quieren fiar.  Está sin blanca. Hace todo lo posible por ganar dinero, jugando a boletos de lotería o realizando algunas llamadas por teléfono, que la mayoría de ellas no le cogen o directamente le responden que no. En ese periodo de tiempo se olvida de recoger a su hija pequeña Sara Barrish (Ashley Cartwright) con quien se disculpa y bajo la lluvia, se encuentra una camioneta de última generación de marca “Dolus”. La puerta está abierta y se introduce en su interior para robar. Cuando ve que no hay nada valioso, intenta salir, pero las puertas están cerradas. En el tablero de instrumentos se ilumina una pantalla sonando una llamada, evita descolgar unas cuantas veces pero al final, desesperado por la insistencia, lo hace. Al otro lado le responde William Larsen (Anthony Hopkins) presentándose como el dueño del auto. Eddie está muy nervioso y provoca a Larsen con fuertes palabrotas. Desde un dispositivo integrado en la camioneta, William le aplica descargas eléctricas para que se tranquilice. Descubriremos al igual que Eddie, que está siendo observado por cámaras instaladas en el interior del auto. Eddie ha caído en una trampa.

El actor, guionista y director, David Yarovesky, lo conocimos interpretando al mercenario Goth Ravager en “Guardianes de la Galaxia” 2014 de James Gunn. En la dirección debutó con los cortometrajes “A Funny Thing Happened at the Quick Mart” 2004 y “Ghild” 2011 y en el largometraje con el filme de terror “The Hive” 2015 continuando con “El Hijo” 2019, “Cuentos al caer la noche” 2021 y este año nos ofrece “Blindado (Locked)” 2025. También ha dirigido capítulos para la serie “Team Unicorn” 2010/13. Los videoclips “Dance All Night” 2008, “Julian Perretta: Wonder Why” 2010, “Julian Perretta: If I Ever Feel Better” 2011, “Korn: Hater” 2014, “Guardians of the Galaxy: Inferno” 2017. El video “Brightburn: Hero-Horror” 2019. Los cortos “Ghild” 2011, “Hell Hath No Fury” 2015 y el videojuego “Belko VR: An Escape Room Experiment” 2017

Blindado (Locked) cuenta con una premisa sencilla e intensa y cuya estrella indiscutible es Bill Skarsgard, a quien recordamos en papeles como el diabólico payaso de “IT” en sus dos entregas y dirigidas por Andy Muschietti. El marqués de Gramont, miembro de la Alta Mesa en “John Wick 4” de Chad Stahelski. Boy en el filme “Kill Boy” de Moritz Mohr y en su trabajo más reciente, el conde Orlok, el “Nosferatu” de Robert Eggers. Un actor de acción que en esta ocasión tendrá que combatir contra sí mismo a la vez que lucha por salir de una inteligente trampa tramada por un excéntrico desconocido. Un hombre de buen corazón, como se nos muestra en escenas junto a su hija, a la que adora o cuando da de beber a un perro a través de una ventanilla de un coche, porque lo han dejado encerrado en el interior. ¿Un presagio de lo que luego le va a suceder a él? y a la vez, descubrir su fuerte temperamento y con la facilidad que pierde la compostura.

Un filme claustrofóbico y demoledor que Bill defiende de principio a fin con uñas y dientes, con sudor, algunas lágrimas y más de un escalofrío, pasando de la cordura a la imprudencia y empatizando con el espectador incluso durante algunos sus ataques de ira, a medida que la narración transcurre, porque los malos no siempre son tan malos y los buenos tan buenos. Lo que también tiene de inteligente este guion y su dirección, es que no toman partido ni por el “ladrón” ni el “justiciero”, dejando ese trabajo y sentencia al espectador. No, no os diré por quién me incliné yo, aunque quienes me conocen, lo pueden intuir.

Yarovesky somete al espectador a un debate de rabiosa actualidad en nuestra viciada sociedad como el discernir entre el bien y el mal o debería ser más preciso y decir entre lo correcto e incorrecto. ¿Es correcto robar? Pienso que el NO resonaría firme entre la gran mayoría al igual que ante la pregunta, ¿Es correcto mantener secuestrada a una persona para intentar insuflar en su mente una lección de ética y moral? Lo racional es que el ladrón deberá asumir su delito ante las autoridades y el justiciero dejar el trabajo a los verdaderos agentes de la ley, aunque seamos testigos de tantas injusticias y en ocasiones tantos atropellos, pero el tomarse la justicia por su mano, no es una buena solución. Este es el núcleo de la obra aunque a su alrededor revoloteen otros temas importantes, no siempre bien resueltos.

No conozco la obra original 4x4 que el director argentino Mariano Cohn dirigió en 2019, pero este Blindado convence y entretiene en un metraje más que ajustado. Además del horror que vive el personaje en el interior de ese todoterreno de alta gama, ante nuestros ojos y nuestra mente desfilarán: la vulnerabilidad del ser, la paternidad, la mala suerte, la desesperación ante la adversidad, la impotencia al verse acorralado, la agresividad y la rendición, la pobreza que inunda las ciudades, el abandono sociopolítico y la decadencia, entre otros. Una película dura en lo físico y en lo emocional con unos diálogos reflexivos llevados con tanto acierto que al espectador le da tiempo a situarse en uno de los dos lados de la balanza. Pues en ese trasiego el filme sin juzgar, juzga.

Resumiendo, porque desde este momento os la recomiendo, estamos ante un filme que sorprende y nos inmoviliza en la butaca gracias a sus magníficas interpretaciones y con el permiso de Sir Anthony Hopkins, quien nos ofrece un buen trabajo; el corporal, gestual e interpretativo de Bill Skarsgård, resulta extraordinario y no digo más. Cuenta también con una excelente puesta en escena, la cuidada fotografía con un uso de la iluminación y el color impecable de Michael Dallatorre y la banda sonora de Tim Williams, que logra alterar nuestros nervios aun más de lo que la narración ya provoca.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de mayo

MUSICA: Tim Williams.

FOTOGRAFIA: Michael Dallatorre.

REPARTO: Anthony Hopkins, Bill Skarsgård, Navid Charkhi, Michael Eklund y Ashley Cartwright.

PRODUCTORA: Boxo Productions// Pink Flamingos Films// Raimi Productions// ZQ Entertainment// Bondlt// Buffalo 8 Productions// Longevity Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Beta Fiction Spain.

EL JOCKEY: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Argentina, México, España, Dinamarca y Estados Unidos, El Jockey está dirigida por Luis Ortega compartiendo guion con Fabián Casas y Rodolfo Palacios. “Dicen que te estás tomando la farlopa de los caballos”

En un bar que bien podría oler a añejo, nos encontramos con Remo Manfredini (Nahuel Pérez Biscayart) vestido con su traje de jockey  con la cabeza hacia arriba, la boca abierta y los ojos cerrados. En el local entra Sirena (Daniel Giménez Cacho), jefe de carreras y capo de la banda junto a dos de sus secuaces. Se acercan lentamente a Remo y Sirena le introduce parte de una fusta en la boca, Remo se despierta y se lo llevan arrastrando, con la intención de despejarlo de la borrachera que tiene, antes de subirse sobre el caballo; pero su lamentable estado provoca que ni siquiera salga del cajón de salida tras el disparo, cayendo al suelo.

Los excesos con las drogas y el alcohol, no solo pondrán en peligro su trabajo como jinete, su relación con su novia Abril (Úrsula Corberó) también amazona, sino que un accidente en plena carrera, le dejará en coma. Al despertar ve sobre una silla un abrigo de pieles y un bolso, sin dudarlo se viste con dichas prendas y se va a la calle, con la cabeza exageradamente vendada.

El guionista y director, Luis Ortega, mientras estudiaba en la Universidad del Cine de Buenos Aires, escribió y dirigió su primera película “Caja Negra” a sus 19 años. A este filme le siguieron “Monobloc” 2005, “Los santos sucios” 2009, “Verano maldito” 2011, “Dromómanos” 2012, “Lulú” 2016, “El Ángel” 2018 y este año estrena “El jockey” 2024

Desconcertante sería una de las palabras con las que se podría definir este filme surrealista, con toques de comedia y difícil de clasificar. El propio prólogo que nos muestra al Jockey sentado sobre una silla y en un estado, podríamos decir muy perjudicado, provocado por el exceso de alcohol y posiblemente las drogas consumidas, junto a las estampas de quien en dicho local se encuentran, nos da una pista de por dónde va a despuntar la narración, aunque en ocasiones se desdibuja tanto la historia, que nos deja locos. Eso sí, lo que es digno de mencionar es que el filme te atrapa en una extraña espiral sin sentido, hasta soltarte de golpe al llegar al final y dejarte planchado en la butaca.

La historia bebe de muchas fuentes y sin duda, entre otros, del maestro Pedro Almodóvar, aunque ese toque transgresor, ese punto irreverente y atrevido e incluso canalla de aquel Almodóvar en su primera etapa, Ortega lo volatiliza llevándolo a los límites de la paranoia más disparatada, no sé si con la intención de rendir un homenaje al maestro pues no olvidemos que su última película, “El Ángel” 2018, fue producida por El Deseo.

Una vez más estamos ante la muestra de un guion abandonado a la mejor de las suertes y una dirección confusa y perezosa cuando, con un poco de atención, podría haber funcionado como comedia negra, pero no pasa de unos pocos diálogos sin ningún interés y de cuatro golpes de efecto que sí, logran despertar algunas sonrisas y sorpresas. El ir y venir del personaje principal interpretado por un magnífico Nahuel Pérez Biscayart, quien parece haber tomado lecciones interpretativas del gran maestro Buster Keaton, despuntando sus parcas gesticulaciones y miradas perdidas en algún punto desconocido para el espectador. Es por él, por Nahuel, por quien el espectador se interesa y espera paciente cuál será su próximo movimiento, percance, caída, extravagancia o… Sea lo que sea, nos agrada su presencia en la pantalla y hasta empatizamos con él. Como le sucedía al gran Keaton, Biscayart parece carecer de toda emoción, incluso cuando sufre.

A lo largo de mi vida me he encontrado con algunos filmes, cortos o series que tras verlos e intentar dilucidar sobre el contenido de los mismos, he pensado si el guionista, el director o quizás ambos, durante el momento de la creación, estarían bajo los efectos de algún psicotrópico, pues de lo contrario resulta complicado comprender lo visto y más, imaginar en el trabajo del montador, pensando si estaba realizando correctamente su cometido, aun teniendo el guion delante y conociendo las pautas del director. Estamos ante una obra arriesgada que seguramente provoque un buen número de debates y que quizás, aunque acercándose, nadie llegue a resolver el sentido del sinsentido.

Si el guionista y el director, con esta rareza buscaban que el espectador especulara, han dado en la diana. Si pretendían turbarnos con sus idas de olla, sin la menor duda y si son de los curiosos que se detienen a escuchar las opiniones de los asistentes al término de la función, mientras abandonan la sala, me lo creo; pues sin duda hablar del Jockey se habla, reírse con algunos instantes vistos, se hace y tal vez a más de uno, como me pasó a mí, intentará poner en orden sus neuronas. Esta excentricidad cuenta con una extraordinaria fotografía de Timo Salminen, con instantáneas muy curiosas y la banda sonora en la partitura de Sune Wagner, que acompaña acertadamente a cada una las escenas y en particular a aquellas en las que no se habla ni una sola palabra.

En resumen, estamos ante un filme que no es para todos los públicos pero sí para aquellos que buscan lo diferente, que posee la cualidad de atraparte y que conlleva efectos secundarios, no muy serios, solo los suficientes hasta que la mente vuelva a la realidad, lo más pronto posible. Es por eso que a la hora de puntuarla, he preferido que la balanza esté equilibrada.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de mayo.

REPARTO: Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó, Daniel Giménez Cacho, Mariana Di Girolamo, Daniel Fanego, Osmar Nuñez, Roberto Carnaghi, Luis Ziembrowski, Adriana Aguirre y Roy Serrano.

PRODUCTORA: Rei Cine// El Despacho Produkties// Infinity Hill// Exile Content Studio// Warner Music.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Caramel Films España.

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA FINAL

MISIÓN IMPOSIBLE: Sentencia final, está dirigida por Christopher McQuarrie compartiendo guion con Bruce Geller. “Si queremos salvar al mundo de la destrucción, tenemos que tratar con él. Si decide aceptar”

Ethan Hunt (Tom Cruise) introduce una cinta de video analógica en un reproductor, apareciendo la imagen de la presidenta Erika Sloane (Angela Bassett), quien de entrada le agradece la dedicación prestada durante los 30 años que lleva al servicio del FMI, en donde los grandes riesgos que ha corrido, los compañeros que ha perdido en cada misión y los sacrificios personales; han traído al mundo, nuevos amaneceres. Le ruega que regrese con la llave, pues toda la información digital del planeta ha sido infectada por la IA conocida como La Entidad.

Ethan sabiendo a lo que se expone y el peligro que corre el planeta, reúne a Luther Stickell (Ving Rhames), Benji Dunn (Simon Pegg), Grace (Hayley Atwell), Paris (Pom Klementieff) y Degas (Greg Tarzan Davis) para combatir contra el mal que se encuentra presente en La Entidad y en el despiadado Gabriel (Esai Morales). Pero no serán solo estos en los que Ethan se apoyará o tendrá que enfrentarse a lo largo de la narración. El bien y el mal mantendrán tus nervios a flor de piel.

El guionista, productor y director, Christopher McQuarrie, desde muy joven tenía claro que deseaba ser novelista, pero con el paso de  los años descubrió que escribir guiones, le proporcionaba un mayor beneficio. En los inicios contó con la ayuda de su amigo Bryan Singer, con quien escribió “Public Access” 1993 y que dirigiría el propio Singer. Otros de sus trabajos en solitario fueron “Sospechosos habituales” 1995 dirigido por Bryan Singer con el que McQuarrie ganó el Oscar o “Al filo del mañana”  2014 de Doug Liman, por citar algunos ejemplos. En la dirección debutó con “Secuestro infernal” 2000, “Jack Reacher” 2012, “Misión Imposible: Nación Secreta” 2015, “Misión Imposible: Fallout” 2018, “Misión Imposible Sentencia Mortal” 2023 y este año  nos ofrece el desenlace con “Misión Imposible: Sentencia Final” 2025. Para televisión ha realizado capítulos de la serie “Desconocidos” 2010.

No sé qué sucederá a partir de ahora con Ethan o debería decir Tom, pues el bueno de Tom, que tantos momentos de evasión nos ha ofrecido a lo largo de su filmografía, desde que le descubriera como el cadete capitán David Shawn en “Taps: más allá del honor” 1981 de Harold Becker o el filme de culto “Legend” 1985 de Ridley Scott. Ha actuado junto a grandes estrellas de la talla de Paul Newman en “El color del dinero 1986, Dustin Hoffman en “Rain Man” 1988, formando tríos con Jack Nicholson y Demi Moore en “Algunos hombres buenos” 1992 o junto a Brad Pitt y Antonio Banderas en “Entrevista con el vampiro” 1994, hasta llegar a su primera misión imposible que dirigió Brian de Palma en 1996. Desde ese contacto con de Palma y su personaje de Ethan Hunt, ha interpretado a un buen número de personaje en otras películas, con mayor o menor fortuna, pero sin ninguna duda quien le ha dado las mayores satisfacciones y retos personales por cumplir, incluso ahora a sus 62 años de edad, es Ethan y sus misiones imposibles. En estas dos últimas entregas, aunque en otras también nos ha sorprendido, nos sigue costando creer que no utilice ningún especialista para las escenas de riesgo, pero así es.

Si bien Misión imposible: Sentencia mortal - Parte 1, nos deslumbró con las grandes escenas de acción y el vértigo que nos cortaba la respiración a lo largo de su desarrollo; esta segunda entrega, además de lo que demanda el público, resulta más humana, más cercana, más reflexiva, más auténtica dentro de todo lo que ante nuestros ojos desfila; desde esa lucha de la IA contra la inteligencia humana o la frialdad y deshumanización de la máquina frente al calor, la verdad, los defectos, vulnerabilidad y fragilidad del ser humano. Una segunda entrega que con astucia saben cerrar a la perfección Bruce Geller en el guion, Tom Cruise en la interpretación y el impecable y meticuloso Christopher McQuarrie, en la dirección. ¿Será la última entrega?

En esta nueva misión imposible, veremos al Cruise al que todo espectador espera, fusionándose con Ethan y mostrándonos de lo que es capaz, poniendo a prueba nuestro sistema nervioso y en riesgo su cuerpo. En esta ocasión, entre otras escenas peligrosas, destaco dos de gran calibre, de esas que parecen no tener fin y que con cada segundo que las alarga el director y son muchos, nuestro corazón y respiración sufren, como lo hace el protagonista. La primera de ellas se desarrolla en el fondo del mar, en el lugar en el cual descansa el famoso submarino que custodia a La Entidad. Tan solo os contaré que cada plano está medido con suma maestría y expuesto con elegancia y que el nivel de claustrofobia que alcanza, es absoluto. En la  segunda, nuestro héroe se va al espacio, que tanto le gusta, en el cual mantendrá una batalla aérea, él sobre un Boeing E75N1 Stearman rojo, persiguiendo a otro biplano de color amarillo. Si en la primera reinaba la claustrofobia en esta es la adrenalina la que se dispara a  los cielos. Dos escenas de gran impacto difíciles de olvidar.

Antes decía que hay mucha verdad en este filme y es que el personaje de Cruise está escrito para desnudar el alma de Ethan y traspasar la piel del héroe al que vemos realizar las cabriolas mencionadas; pero en este nuevo guion, escrito por Christopher McQuarrie junto a Bruce Geller, en lo que parece una despedida o quizás un reinicio, expone al héroe cansado, más por las heridas del alma que las físicas, que son muchas. Cansado más por las batallas vividas que por los años pasados. Cansado porque aunque el cuerpo parece responder a los estímulos y necesidades con éxito, muchas veces llevándolo al límite, su mente pierde la concentración, dispersándose en el pasado, en las frases lapidarias que se clavan en su mente como puñales, así como los engaños y traiciones, que le persiguen como fantasmas. Estamos ante la versión más humana del personaje tras 30 años de batallas, tras las 8 entregas ofrecidas y por el peso de cientos de emociones que se han ido filtrando en las mentes de los espectadores, en ocasiones, como esta vez, con mensajes muy claros, para no caer en errores irreparables.

Misión imposible: Sentencia final, es una oda a las pérdidas que ha dejado atrás en cada misión, al arrepentimiento personal expiando las culpas aun no siendo culpable, a la vulnerabilidad y la humanidad intrínseca frente a las garras del poder, la violencia, las traiciones, el odio o el pasado en el cual el dolor prevalece sobre las victorias, pues hay cicatrices que nunca se cierran y dolores que nunca se aplacan. Sentencia final se nutre de la nostalgia, llegando a coronar un final magistral.

Tras el final surgen las preguntas y al finalizar esta reseña quiero hacer también mi homenaje especial a la saga, teniendo en cuenta a todos esos técnicos desconocidos, que nos han hecho imaginar lo imposible; a los guionistas que han dado vida a historias con las que hemos vibrado, a los compositores cuyas bandas sonoras han enriquecido cada una de las obras, a los directores de fotografía, que han sabido captar en imágenes cada momento, para ser guardados en nuestras pupilas; a los directores que han ejecutado cada una de las historias y a los numerosos actores y actrices que han desfilado por la pantalla dando vida a los personajes y como es natural, en esta ocasión tan especial quiero dar las gracias a Tom Cruise por su dedicación, por su esfuerzo, por curar sus lesiones y seguir adelante, no rindiéndose nunca y exigiendo que nadie le doble en las escenas de riesgo. Como decía casi al comienzo, no sé qué nos deparará esta saga a partir de ahora, pero los fans, vamos a esperar con paciencia que vuelvan a resonar esos sones que nos recuerdan que regresa Misión Imposible.

En la anterior entrega mi nota fue un 9,5, pues no me había ofrecido el final, ahora sí, ahora mi nota es un 10, porque el conjunto de las dos películas, se lo merece.

“Necesito que confíes en mí, una última vez”

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de mayo.

REPARTO: Tom Cruise, Hayley Atwell, Ving Rhames, Simon Pegg, Esai Morales, Pom Klementieff, Henry Czerny, Mariela Garriga, Janet McTeer,  Holt McCallany, Nick Offerman, Hannah Waddingham, Tramell Tillman, Shea Whigham, Greg Tarzan Davis, Charles Parnell, Mark Gatiss, Rolf Saxon, Lucy Tulugarjuk, Angela Bassett, Vanessa Kirby, Katy O`Brian,  Frederick Schmidt, Rebecca Ferguson y Stephen Oyoung.

PRODUCTORA: Bad Robot// Paramount Pictures// TC Productions// Skydance Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

ESTOCOLMO 1520. EL REY TIRANO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Suecia y Dinamarca, Estocolmo 1520. El rey tirano, está dirigida por Mikael Håfström con guion de Nora Landsrød y Erlend Loe.

De un lado la acción nos sitúa en Suecia en el año 1520, donde nos encontramos con una mujer que camina por un bosque entre los árboles con su arco y flechas; está a punto de cazar, cuando la ataca un soldado al que logra matar, dejando libre al caballo del soldado y regresando al hogar. Su nombre es Freja (Alba August), vive con su hermana adoptiva Anne (Sophie Cookson) y ambas claman venganza ante el asesinato de los suyos, por parte de los daneses. Del otro lado se nos muestra al despiadado rey danés Cristián II (Claes Bang), quien busca arrebatar la corona de Suecia a Sten Sture (Adam Pålsson). El punto álgido del filme llega cuando el rey al que se bautizó como el tirano Cristian II, alentado por el vengativo arzobispo Gustasv Trolle (Jakob Oftebro), provoca una sangrienta ejecución pública entre el 7 y 8 de noviembre, acusando de herejes a gran parte de la nobleza y el clero que apoyaban a Sten Sture, rodando sus cabezas y encharcando la plaza principal de sangre. Esta masacre fue conocida como el Baño de Sangre de Estocolmo y marcó el inicio de la guerra de liberación sueca que finalizó con la independencia de dicho país en 1921.  

El guionista y director de televisión y cine, Mikael Håfström, estudió en la Universidad de Estocolmo y en la Escuela de Artes visuales de Nueva York. Sus inicios estuvieron relacionados con la televisión como ayudante de dirección y guionista. Ha dirigido los telefilmes “Terrorns Finger” 1989, “De giriga” y “Botgörarna” ambas en 1992, “Satans Mördare” 1995,  la miniserie “Vendetta” 1995, “Skuggornas hus” 1996, capítulos para las series “Chock” 1997, “En dag i taget” 2001. En el largometraje debutó con “Leva livet” 2001 continuando con “Mal” 2003, “El fantasma del lago” 2004, “Sin control (Derailed) 2005, “1408” 2007, “Shanghai” 2010, “El rito” 2011, “Plan de escape” 2013, “El acusado perfecto” 2019, “Al descubierto” 2021, “Estocolmo 1520. El rey tirano” 2023 que llega ahora a los cines y “Destino Titán” 2024. También ha dirigido capítulos de las series “Bloodline” 2016/17 y “Moscow Noir” 2018.

Nada se descubre en la sinopsis, pues estamos ante una parte de la historia de estos dos países nórdicos, Suecia y Dinamarca, aunque tal vez se hayan tomado algunas licencias en cuanto al discurrir de los acontecimientos y de los personajes en cuestión; pues desconozco el tema en profundidad. Lo que sí os puedo asegurar es que Mikael Håfström nos presenta un filme con una excelente ambientación con la que logra sumergirnos en aquel mediados del siglo XVI, entre las luchas políticas y de poder, batallas encarnizadas o las relaciones humanas en las que también se detienen guionistas y director, para dar especial trascendencia a los sentimientos, emociones y razones que llevaron a algunos a realizar sus propios actos de venganzas personales, como es el caso de las jóvenes Freja y Anne, ya comentado en la sinopsis o la del arzobispo Trolle, a quien habían despojado de su posición eclesiástica. Un filme extremadamente violento que bascula entre el lado más humano de algunos personajes hasta desembocar en el más atroz, salvaje y deshumanizado de los otros. No existe un punto medio, pues lo explícito prevalece de principio a fin, para lo bueno o para lo malo. Un detalle que me llamó especialmente la atención es el uso del lenguaje de signos, pues Freja es muda y es la manera en que se comunica con su hermana.

Antes he comentado que cuenta con una magnífica ambientación y es que al equipo técnico no hay nada que achacar, destacando la dirección de arte por parte de Nora Takacs Ekberg que cuida en cada detalle, el preciso vestuario de Judit Sinkovics, la atmosférica iluminación y magnífica fotografía que nos presenta ese mundo sucio, depravado, frío y  sangriento, en las estampas de Pär M. Ekberg; la dramática banda sonora en las notas del compositor Steffen Thum o los extraordinarios decorados, con todo lujo de detalles.

En esta superproducción entre Suecia y Dinamarca, cabe hablar de las interpretaciones y por el lado femenino mencionaré al trío formado por Alba August encarnando a Freja, Sophie Cookson como Anne, la hermana adoptiva de Freja y Emily Beecham dando vida a la regente de Suecia Kristina Gyllenstierna; por el lado masculino mención especial merecen la impresionante interpretación de Claes Bang como el loco y despiadado rey danés Cristian II y un turbador Jakob Oftebro, como el vengativo arzobispo Trolle.

Si nos detenemos a pensar que estamos ante un drama histórico, con escenas donde priman las venganzas, el ansia de poder, los conflictos bélicos o alguna que otra aventura, bien se podría pensar que estamos ante una narración shakesperiana, pues incluso algunos diálogos resultan tan punzantes, como los escritos por el gran dramaturgo inglés. Para finalizar comentar que en contra del filme juegan algunos instantes que resultan excesivamente pausados.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de mayo.

REPARTO: Sophie Cookson, Claes Bang, Alba August, Emily Beecham, Matias Varela, Mikkel Boe Følsgaard, Jakob Oftebro, Wilf Scolding, Adam Påisson, Ulrich Thomsen, Thomas Chaanhing, István Zámbó, Viktor Filep, Roland Kollárszky, Wayne Brett, Declan Hannigan, Samuel Håfström, Anders Olof Grundberg, Eszter Ónodi, Kate Ashfield, Niall Bishop, Paul Brodie, Charlotta Lövgren, Géza Kovács, Kornélia Harmath, Anabelle Daisy Grundberg, Seán Duggan, Thoren Ferguson, Balint Fenyvesi, András Vékes, Jeremy Wheeler y Gábor Perei.

PRODUCTORAS: Nordisk Film (SE) // Viaplay Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax

EL CONTABLE 2: CRÍTICA DE CINE

El Contable 2 está dirigida por Gavin  O`Connor con guion de Bill Dubuque. “No me has echado de  menos por mí o por lo tuyo”

Marybeth Medina (Cynthia Addai-Robinson) se entera de que Raymond King (J.K. Simmons), el director de FinCEN del departamento de tesoro, donde también trabaja ella, ha sido encontrado muerto. En uno de los brazos de King, escrito con un bolígrafo, se puede leer: “Encuentra al Contable”. Marybeth se pone en contacto con Christian Wolff, apodado el contable (Ben Affleck) y le explica el caso. Tras las primeras pesquisas, Wolff presiente que algo extraño se esconde tras el caso y decide llamar a su hermano Braxton (Jon Bernthal), un hombre letal y con las agallas suficientes para enfrentarse a los peligros más extremos. Los dos hermanos llevan años sin verse. Entre los tres intentarán averiguar que se trama en las sombras.

El guionista, productor, dramaturgo, actor y director de cine, Gavin  O`Connor, estudió en la Universidad de Pensilvania. Se inició con el cortometraje “American Standoff” 1994 y debutó en el largometraje con “Comfortably Numb” 1995 continuando con “Tumbleweeds” 1999, “El milagro” 2004, “Cuestión de honor” 2008, “Warrior” 2011, “La venganza de Jane” 2015, “El contable” 2016, “The Way Back” 2020 y este año nos ofrece “El contable 2”. Los telefilmes: “Murphy `s Dozen” 2001, “Cinnamond Girl” 2013, “Only Human” 2014 y “The Prince” 2015. Las series de televisión “Clubhouse” 2004, “The Americans” 2013 y la miniserie “Seven Seconds” 2018.

Han tenido que pasar nueve años para que O`Connor, vuelva a encargar a Affleck que se introduzca en la piel de Christian Wolff quien, para quienes lo desconozcan, sufre el síndrome de Asperger. En su vida cotidiana y en la resolución de sus trabajos, es metódico hasta la desesperación, a la vez que un genio en matemáticas; sin olvidar otras facetas que en este nuevo filme, seguirá desempeñando junto a su hermano, el sicario Braxton. Los dos llevan años sin verse y los dos, además de vidas solitarias, tienen cuestiones que resolver y cicatrices por curar.

Sin duda, además del drama  que nos ofrece la narración en este thriller cuya acción y violencia, que sobretodo se desata en la última parte del metraje, agitándonos en la butaca; lo que más atrapa es la historia y el reencuentro de estos dos hermanos, que si no habéis visto la primera parte, la podéis encontrar en plataformas. Os invito a que la reviséis antes de enfrentaros a esta segunda entrega. Como os decía, con lo que más he disfrutado ha sido con la gran química y complicidad que ofrecen Ben Affleck y Jon Bernthal, encarnando a Wolff y Braxton, respectivamente, dos hermanos muy especiales, que fueron educados  bajo una severa disciplina.

El peso fuerte de la narración se concentra en las conversaciones que mantienen los dos hermanos, los silencios muchas veces incómodos o las miradas furtivas que se dispensan, mientras nos invitan a intuir lo que están pensando. Lo que es evidente, que aunque lleven 9 años sin verse, algo que en un momento determinado le reprocha Braxton a su hermano, entre ambos existe un fuerte vínculo fraternal y mucho respeto. Hay escenas inolvidables, como la que sucede en un bar country con música en directo, en el cual Wolff sorprende y emociona a su hermano o la que para mí me resultó más emotiva, intimista y personal, los dos sentados en lo alto de la elegante y sofisticada casa rodante en la que vive Wolff. Ellos, sin la menor duda, son el corazón y el alma de la película.

Pero aunque la historia se centre en los dos personajes principales y se disfrute de cada segundo que están en pantalla, alcanzando a captar toda la atención del espectador, será la subtrama principal la que nos llevará a un final con altas dosis de oscuridad, suspense y violencia extrema; comandada por un asesino y traficante de personas. La última media hora, como ya he mencionado, junto al tramo central y el inicio, resulta de lo más impactante, hasta el punto de manteneros con la mirada fija en la pantalla.

Presumo que habrá una tercera entrega y espero no tarde otros nueve años en llegar a las salas. Para terminar, pues deseo que la disfrutéis de principio a fin, tan solo comentaros que este contable 2 resulta de lo más entretenido, con escenas de gran violencia magníficamente filmadas y hasta con su punto de humor. En su contra juega el excesivo metraje y algunas lagunas en el guion difíciles de sortear, que provocan cierta confusión en algunos instantes. A su favor la gran química entre los dos personajes masculinos y la actuación de Cynthia Addai-Robinson como Marybeth Medina, la elegante fotografía de Seamus McGarvey y la banda sonora que potencia el drama y la tensión que generan las notas en la partitura de Mark Isham.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de abril.

REPARTO: Ben Affleck, Jon Bernthal, Cynthia Addai-Robinson, J.K. Simmons, Daniella Pineda, Allison Robertson, Grant Harvey, Joe Holt, Kristen Ariza, Cassandra Blair, Paula Rhodes, Nik Sanchez, John Patrick Jordan, Celeste Octavia, Robert Morgan, Robert Keith, Fernando Chien, Talia  Thiesfield, Jacob John Caldewell, Alain Washnevsky, Megan Grano, Liesel Kopp, Presley Alexander, Michael John Benzaia, Catherine Adell, David A. Chang, Abner Lozano, Jeremy Radin, Matt Linton, Lincoln Bodin, Monica Bhatnagar, James P. Harkins, Christopher Alvarenga, Elliot Bodin, Kelly Brighton, Frank Scozzari, Mariel Suarez, Michael Tourek, Ara Storm, Mariel Martinez, Alex Campbell, Corwin Ireland y Abhinav Gopisetty.

PRODUCTORA: 51 Entertainment //Artists Equity// Warner Bros.// Zero Gravity Management.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

UNA NOCHE EN ZOÓPOLIS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Canadá, Francia y Bélgica, Una Noche en Zoópolis está dirigida por Ricardo Curtis y Rodrigo Perez-Castro con guion de Steve Hoban y James Kee.

Gracie (Voz Gabbi Kosmidis) es una joven loba que es perseguida por un grupo de lobos, a los que logra despistar. Es amonestada por la manada porque pasa de trabajar en grupo, tan imprescindible para la supervivencia. Ella, les reprocha que no corren ningún peligro, pues viven en un zoo, exactamente en el Zoo Coleppeper.

Una noche cae un meteorito sobre el zoológico y el ser que sale de él, contamina a un gran número de animales, convirtiéndoles en zombis. Gracie se unirá a Dan, el Puma (Voz David Harbour) que busca escapar del zoo y el lemur Xavier (Voz Pierre Simpson), un experto en cine clásico; además de otros animales con la intención de salvar el zoo de la destrucción.

Ricardo Curtis se graduó en el programa de Animación Clásica de Sheridan College. Ha trabajado con Pixar, DreamWorks Animation Studios, Miramax, Fox y Warner Bros. Ha desarrollado trabajos como artista de Storyboard, jefe de historias, Animador supervisor y diseñador. Es miembro de la junta de Sheridan College y de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.  Debutó con el mediometraje para televisión “Ice Age: En busca del huevo” 2016 y continuó con su participación en las series “He-Man y los Masters del Universo” 2021y “Young Love” 2023 y el pasado 2024 “Una noche en Zoópolis” junto a Rodrigo Perez-Castro, quien estudió en Canadá en la Escuela de Animación Sheridan College. Ha trabajado como artista de guion en numerosos proyectos cinematográficos para estudios como Disney, Bluesky, Fox Animation, Paramount Animatión y Dreamworks TV. Desempeñó las funciones de jefe del departamento de guion de House of Cool Inc., en Toronto, así como las de vicepresidente creativo durante cuatro años. En la dirección debutó con el largometraje “Koati” 2021 y este pasado 2024, junto a Ricardo Curtis, “Una noche en zoópolis”

Lo primero que me llamó la atención de este filme, es la sutileza con la que los directores Ricardo y Rodrigo nos presentan esta parodia de terror animada escrita por Steve y James, quienes astutamente logran esquivar la muerte, pues el producto está destinado a los más jóvenes de la casa. Una historia de zombis cuyo escenario es un zoo y los animales que en él habitan. Una trama sencilla con diálogos básicos, en donde algunos de los personajes vagarán sin rumbo fijo infectando a cuantos se encuentran en el camino, mientras los más avispados buscarán la fórmula para sobrevivir y de paso recuperar el orden en el zoo. Un drama comedido con momentos chispeantes y un ritmo frenético.

Color, luz y muchos animales para este filme de animación que nos habla de la importancia de trabajar en conjunto. Un grupo diverso e individualista que nace de la necesidad de unificar las ideas y las cualidades que cada uno puede aportar, desde la inteligencia a la astucia pasando por la fuerza, el valor, la destreza y hasta el humor que nunca puede faltar, despertando algunas carcajadas. De esta manera, además de los ya mencionados en la sinopsis, nos encontramos con una Avestruz, un mono, un capibara y entre ellos el más divertido, la joven cría de hipopótamo pigmeo, que hace las delicias de pequeños y mayores, con sus ocurrencias y que Dan y Gracie, deciden proteger por su cuenta, aunque como suele suceder en la vida real, a los más jovencitos, una extraña y oculta fuerza, parece defenderles de todo mal. No hace falta decir que este extravagante grupo de criaturas, cada uno con su propia personalidad y locuras añadidas, provocarán la hilaridad de los más pequeños cuando se someten a las escena más peligrosas, como la de lidiar con los mutantes que buscan convertirlos.

En cuanto a la animación, es lo suficientemente atractiva, como para entretenernos con cada uno de los personajes y sus diabluras, incluidos con esos zombis, quienes aun ofreciendo un cierto grado de horror, no llegan a causar terror en los más pequeños. La gran variedad en la paleta de color y los planos utilizados, irán dotando a cada escena de su propia identidad, pasando por los diferentes géneros como la comedia, el suspense, el drama e incluso esa chispa de terror tan bien dosificada. Un filme cuidado hasta en la divertida  banda sonora de Dan Levy.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de abril.

REPARTO DE VOCES: Cristina Nova, Gabbi Kosmidis, David Harbour,  Scott Thompson, Paul Sun-Hyung lee, Pierre Simpson, Heather Loreto, Guillaume Marquet y Kyle Derek.

PRODUCTORA: House of Cool Studios// Charades// Copperheart Entertainment// Umedia.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sideral Cinema.

LOS PECADORES: CRÍTICA DE CINE

LOS PECADORES está escrita y dirigida por Ryan Coogler.”Hay leyendas que hablan de gente que tiene el don de hacer una música tan auténtica, que puede conjurar a los espíritus del pasado. Pero también puede romper la barrera que separa la vida de la muerte”

Es el año 1932. Vemos llegar en un coche a un joven, Sammy Moore (Miles Caton) quien desciende del auto portando en una de sus manos un mástil de una guitarra y con paso lento, acercarse a una iglesia. Abre sus puestas y el reverendo le pide que se acerque a él, lo abraza y mientras lo sermonea para que se arrepienta, vemos destellos del horror que supuestamente ha vivido el joven, llevándonos a un día antes en el cual Sammy decidió viajar a Misisipi con su guitarra junto a sus tíos, los hermanos gemelos Smoke y Stanck (Michael B. Jordan). Entre las imágenes que se nos van mostrando, vemos a los dos hermanos comprando un viejo aserradero que más tarde convertirán en el Club Juke, un espacio en el cual tocará Sammy y otros artistas, que iremos conociendo. La inauguración de dicho club, la alegría y la libertad que en él se respiran, se verán empañadas por la visita de unos personajes no deseados.

El guionista y director, Ryan Coogler, estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California en 2011, graduándose con un máster en Bellas Artes en producción de cine y televisión. Se inició con los cortometrajes: “Locks” 2009, “Fig” 2010 y “The Sculptor” 2011 y en el largometraje debutó con “Fruitvale Station” 2013 para continuar con “Creed. La leyenda de Rocky” 2015, “Black Panther” 2018, “Black Panther: Wakanda Forever” 2022 y ahora nos llega “Los pecadores” 2025. También dirigió el documental para televisión “From Rocky to Creed: The Legacy Continues” 2015.

De sus cinco películas he tenido el placer de ver cuatro de ellas, contando con este pecadores, con la que he disfrutado, sin duda, más que con las anteriores y es que si Creed, me entretuvo y las dos entregas de Back Panther me atraparon, por el tono que dio a las narraciones y por ser uno de mis personajes favoritos de la franquicia de Marvel, con “Los Pecadores” el salto mortal con doble tirabuzón y caída hacia adelante, me ha dejado pegado a la butaca hasta el final y cuando digo final, es hasta el broche de oro, cuando la pantalla se va a negro, por lo que no tengáis prisa por levantaros de la butaca, degustad cada pieza musical que guardaban en la recámara al igual que las dos escenas poscréditos, una casi al principio y otra al final con las que se remata, hasta la última página de un guion intenso, con claro trasfondo racial y  simbolismos como el vampirismo.

En más de una ocasión me habréis escuchado o leído, sobre la importancia que le doy a una película por las veces que miro el reloj durante la proyección, pues bien; “Los pecadores” cuenta con un metraje de 137 minutos y ni una sola vez tuve la intención de mirar el reloj. Simplemente estaba extasiado por cuanto se me estaba ofreciendo y la maestría con la que Coogler ha armonizado los diferentes géneros cinematográficos, que funcionan con precisión milimétrica, desde el drama pasando por el terror, musical, acción, thriller, romance y hasta esa chispa de humor que se filtra y coquetea entre los ingeniosos diálogos o las osadas situaciones, algunas por aparatosas que parezcan. Ryan ha creado un atrevido y atractivo guion, sin fisuras y lo ha ejecutado con mano firme, mente lúcida y un espíritu con el que venera a sus ancestros, tradiciones y cultura.

Ryan nos ofrece una historia con raíces y sabor a tierra, en donde el algodón agrietaba las manos de quienes lo recogían, desprendiendo aromas a aceites de semilla. Donde los supremacistas permanecían vigilantes en cualquier esquina y solo el mencionar el nombre de Ku Klux Klan,  ocasionaba que la sangre se helara en medio del calor y del polvo que rodeaba los caminos. Polvo que adornaba como un suave tapiz los escenarios de madera que eran golpeados al bailar o se elevaba por los aires al paso de los autos; todo ello, junto a las historias que se narraban, invitando a bailar al son de la música, la cual liberaba las tensiones y el sufrimiento ocasionado por el duro trabajo de la jornada.

Coogler nos sumerge en un espectáculo frenético cuando la violencia hace acto de presencia o la música cobra su máxima expresión. Muerte y felicidad, felicidad y muerte bailando una danza macabra muy diferente a las que se ejecutaban en el Club Juke o  el exterior del mismo, en coreografías que vibran y deslumbran, dejándonos con la boca abierta. La banda sonora de este filme, en la partitura de un gran maestro que nos lo ha demostrado en “The Mandalorian”, “Tenet” o por las que Ludwig Göransson se ha llevado el Oscar, “Black Panther” y “Oppenheimer”. Ludwig nos transporta en el tiempo hasta coquetear con el futuro. Nos ofrece una MasterClass de historia y evolución de la música negra a través del Góspel, Blues, Ragtime, Soul, Jazz pasando por el Hip hop y la música más Techno. Un derroche de imaginación en donde las notas musicales parecen bailar a su propio son.

Sí la música es el corazón del filme, la fotografía de Autumn Durald, nos  muestra con precisión y elegancia en un derroche de luz y color, cuanto precisamos ver, dando prioridad a los largos planos secuencia, para que nuestra mirada no pierda detalle. Estamos ante una de esas películas apabullantes que no te deja respirar salvo en la primera parte, mientras se nos presenta a los personajes durante ese viaje en coche, pero cuando las presentaciones están hechas, prepárate, porque todo cobra otra dimensión, hasta llegar al final.

En esta gran fusión artística visual y sonora, cabe destacar por un lado el gran reparto actoral con el que cuenta, en donde sobresale el actor fetiche del director, Michael B. Jordan, encarnando a los dos hermanos gemelos Smoke y Stack, y junto a él un impecable Miles Caton, dando vida a Sammy Moore, cuya voz nos estremece cuando canta, mientras toca la guitarra; y por el otro lado, el que éste desenfreno funcione como reloj suizo, además de los ya mencionados, señalaré a la diseñadora de producción Hannah Beachler y el meticuloso montaje en las manos de Michael P. Shawver, como representación de cuantos han trabajo en este proyecto tan ambicioso, singular y deslumbrante.

Mi nota es un 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de abril

REPARTO: Michael B. Jordan, Hailee Steinfeld, Wunmi Mosaku, Jayme Lawson, Delroy Lindo, Omar Benson Miller, Jack O`Connell, Lola Kirke, Li Jun Li, Gralen Bryant Banks, Deneen Tyler, Christian Robinson, Ja`Quan Monroe-Henderson, Peter Dreimanis, Michael A. Newcomer, Jermaine McTizic,

PRODUCTORA: Proximity// Warner Bros.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.