BABYGIRL: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Países Bajos (Holanda) BABYGIRL, está escrita y dirigida Halina Reijn.

Romy (Nicole Kidman) es una alta ejecutiva de una empresa de robótica, casada con Jacob (Antonio Banderas), director teatral con quien tiene dos hijas. Si bien en el trabajo se siente realizada, en lo relacionado con su vida sexual no tanto, afirmando que nunca ha tenido un orgasmo con su marido y que todos los ha fingido. Un día conoce a Samuel (Harris Dickinson), un joven estudiante que exige que ella sea su mentora y lo que en un principio parece una fantasía inocente con cierto coqueteo, se convierte en sexo de alto voltaje. En un principio Romy duda seguir el juego que Samuel la propone, pero luego irá aceptando el rol de sumisa en esa extraña relación extramatrimonial, a través de la cual descubrirá los placeres que su cuerpo le proporciona mientras se enfrenta a los posibles riesgos que corre su matrimonio y la pérdida de control.

Halina Reijn, estudió en la Academia de Artes Dramáticas de Maastricht graduándose en 1998. Durante sus estudios realizó diferentes trabajos, entre ellos el de actriz. Recibió el Premio de teatro holandés, la Colombina, por su personaje de Lulu en “Shopping and Fucking”. Como actriz para la gran pantalla debutó en “De Omweg”2000 de Frouke Fokkema y tras un nutrido número de interpretaciones para el cine y la televisión, debutó en la dirección con “Instinto” 2019,  “Muerte, muerte, muerte” 2022 y este año nos ofrece “Babygirl” 2024.

En  las últimas décadas es rara la ocasión que el cine no nos sorprenda con algún filme cargado de erotismo, sexualidad y juegos de fantasías, poder, seducción y dominación. Los años 80 y 90 nos dejaron algunos títulos importantes como “9 Semanas y Media” de Adrian Lyne 1986 con la pareja Kim Basinger y Mickey Rourke, “Atracción Fatal” 1987 de Adrian Lyne con Michael Douglas y Glenn Close, “Instinto Básico” 1992 de Paul Verhoeven con Sharon Stone y Michael Douglas, “Una proposición indecente” 1993 de Adrian Lyne con Demi Moore y Robert Redford y finalizando los 90, nos llegó “Eyes Wide Shut” 1999 de Stanley Kubrick con Tom Cruise y Nicole Kidman. En este siglo la más reciente la encontramos  en la trilogía de “50 sombras de Grey” con la pareja formada por Dakota Johnson y Jamie Dornan.

Babygirl arranca con vigor e ideas muy interesantes, pero tal vez el intentar exponer demasiados temas, sin intención de desarrollarlos, llegue a provocar que perdamos por instantes el verdadero epicentro de la historia, que no es otro que el clímax que se desata en la figura de  Romy. Una mujer empoderada liderando una empresa de desarrollo futurista y que en su contra juega, la insatisfacción marital. Una sexualidad con la que no está satisfecha y es ese sentimiento lo que la desconcierta, más cuando entra en escena Samuel, un joven que disfruta de su libertad sexual y de la práctica de la sumisión. Ese punto de inflexión despierta y desata las alarmas que Romy creía controlar, pues será el sabor del deseo, la pulsación de lo desconocido, la pasión tantas veces ahogada e incluso la feminidad y la vulnerabilidad; las que le den la posibilidad de alcanzar cuanto ella siempre anheló, aunque su mente rechace ser dominada. Siempre ha sido ella quien ha llevado las riendas de su vida. Una lucha interna que mantendrá a lo largo del metraje exteriorizándose en la creencia de estar incluso perdiendo la razón y el control sobre su vida, que ahora navega entre dos mundos opuestos: La familia conservadora que ha creado y la vida que el destino siempre juguetón, la invita a explorar  y gozar.

Babygirl, como he comentado, arranca satisfactoriamente, hasta el punto que a través de nuestra mente se pueden filtrar el recuerdo de algunas escenas de películas que la han precedido, lo que nos incita a imaginar que el salto al vacío puede ser interesante, pero no hay tal salto, es más, me atrevo a afirmar que si bien la narración se disfruta, no se goza. Todo es demasiado aséptico, cada encuentro está pasado por el tamiz de una candidez ardiente y recatada; nada de desnudos integrales, libres de complejos o pieles brillando por el sudor de la excitación.  La directora se censura a ella misma y no pasará de verse dos o tres escenas de cama en las cuales la ropa y diversos complementos, se aprecian más que quienes en ella se alojan. Se insinúa pero no se muestra, que en ocasiones se agradece pues despierta la imaginación del espectador. Como ejemplos la escena de la masturbación delante del ordenador portátil, las miradas lascivas o los acercamientos en los que se pueden escuchar las respiraciones fatigadas y hasta el latir de los corazones; pero nunca llega a más, perdiéndose entre tópicos y una timidez injustificada. Quizás el error está en que se debería haber elegido una pareja más atrevida o una directora menos pudorosa.

Llevando la etiqueta de erótico, el filme se queda a las puertas prevaleciendo el drama activado en la psique de la protagonista, y el valor de la feminidad y la crisis de la edad; que vaya por delante, están muy bien expuestos, contando con una espectacular y deslumbrante interpretación de  Nicole Kidman, quién defiende con uñas y dientes a su personaje, atrapando en el camino al espectador. En el lado masculino destacan Harris Dickinson como Samuel, personaje que exhibe con seguridad su atrevida sexualidad y juvenil masculinidad, y nuestro querido y siempre magnífico Antonio Banderas, en un papel corto encarnando a Jacob, el marido de Romy. El trío funciona como película dramática pero en cuanto al erotismo, se desvanece entre los fotogramas. Demasiado light para estar en el siglo XXI. Estoy seguro que hasta los más jóvenes en edad de explorar su sexualidad, sonríen ante tal ingenuidad. La directora deja demasiado para la imaginación.

Para finalizar destaco la elegante fotografía y la correcta iluminación de Jasper Wolf, junto a la insinuante banda sonora de Cristóbal Tapia de Veer, potenciando la tensión en algunas de las escenas. Tras todo lo citado, el filme resulta interesante, entretenido y sensual, que no confundir con sexual; pero en este campo, como en otros tantos en la vida, también será el espectador quien tenga la última opinión, pues con respecto a las relaciones de pareja, no todo está escrito ni lo estará nunca. A mi juicio lo mejor de la película se condensa en los diálogos entre los personajes y el monólogo claramente feminista.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de enero.

REPARTO: Nicole Kidman, Harris Dickinson, Antonio Banderas, Esther McGregor,  Sophie Wilde, Anoop Desai, Leslie Silva, Victor Slezak, Vaughan Reilly, Maxwell Whittington-Cooper, Gaite Jansen, Robert Farrior, Bartley Booz, Mary Ann Lamb, Gabrielle Policano, Izabel Mar, Max O`Herlihy, Michael Wichmann, Mareau Hall, Dolly Wells, Tess McMillan, Skylar Matthews, Molly Price y Maryann  Urbano.

PRODUCTORA: 2AM// Man Up Fil//A24//

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films. 

EMILIA PÉREZ: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia y México, Emilia Pérez está escrita y dirigida por Jacques Audiard, basándose en la novela de Boris Razon.

Rita Mora (Zoe Saldaña) trabaja para un bufete de abogados a quienes encargan, aun sabiendo que Gabriel Mendoza es el asesino de su esposa, la defensa del mismo. Ganan el juicio pero ella no se siente bien, porque conoce la verdad. Recibe una llamada de un desconocido que la felicita por ganar el juicio y que requiere de sus servicios. La cita frente al puesto de periódicos donde es secuestrada y llevada a presencia de Juan “Manitas” Del Monte (Karla Sofía Gascón), un narcotraficante que desea retirarse y busca que lo ayude a resetear, como él llama a transicionar de hombre a mujer.

El director y guionista, Jacques Audiard, en los años 80 comenzó a escribir guiones como “Réveillon chez Bob!” 1984 de Denys Granier-Deferre, “Saxo” 1988 de Ariel Zeitoun, “Baxter” 1989 de Jérôme Boivin o “Venus, Salón de Belleza” 1999 de Tonie Marshall. En la dirección debutó con “Mira a los hombres caer” 1994 y continuó con “Un héroe muy discreto” 1996,  “Lee mis labios” 2001, “De latir mi corazón se ha parado” 2005, “Un profeta” 2009, “De óxido y hueso” 2012, “Dheepan” 2015, “Los hermanos Sisters” 2018, “París, distrito 13” 2021 y este año nos presenta “Emilia Pérez” 2024. También ha dirigido los cortometrajes “Nous, sans-Papiers de France” 1997, “Norme française” 1998, capítulos para la serie “Oficina de infiltrados” 2020 y  diversos video clips.

Entré en la sala de cine sin intuir, conociendo en parte la filmografía de Audiard, con que me pensaba sorprender y debo reconocer que una vez más, lo ha logrado. Ha sido toda una experiencia. Hasta pasada la primera media hora no era consciente de si estaba en presencia de un drama, una película de narcos, un filme social o un musical, de los que últimamente están en boga y no solo en los teatros, sino en las salas de cine; pero transcurrido ese tiempo comprendí que me enfrentaba a una obra singular, un filme entre innovador, clásico y con cierta dosis de atrevimiento; todo un estudio cinematográfico al servicio de la identidad del ser, de las emociones y los sentimientos a flor de piel, contando con tres actrices cuyos personajes tienen mucho que decir. Karla Sofía Gascón sobrecoge interpretando con naturalidad a “Manitas” y a Emilia, dos personajes ricos en matices y dispares entre sí. Zoe Saldaña, simboliza a la mujer contemporánea, por una parte responsable del trabajo que se la encomienda en el bufete y por otro la voz crítica que se alza contra las injusticias, acompañando a Emilia en su nueva etapa; sin duda la mejor interpretación de las tres, Zoe está impresionante; y el trío se cierra con Selena Gomez, dando vida a una madre doliente y viuda de quien fue su gran amor y no ha podido olvidar, lo peor en Selena es la lamentable pronunciación del español.  

Tres personajes, con nervio escénico, que dan forma a un triángulo tan sólido, como frágil. Pisan con la fuerza de un elefante en tierra firme y baten sus alas de mariposa, en espacios desconocidos como lo son sus propias almas. Da la extraña sensación de que en cualquier momento todo se va a desmoronar, como un castillo de naipes y es en ese preciso instante, tan sutil, tan frágil e insólito, cuando brotan con mayor energía y me atrevería a decir, verdad. Te mantienen  embriagado y pegado a la butaca. Tan distintas en sus vidas personales y tan humanamente parecidas en los conceptos más básicos. Las tres anhelan sobrevivir como las mujeres que son, en un mundo de narcos, violencia y corrupción y a la vez, cambiante en ideas y oportunidades.

Al igual que la oruga pasa por la fase de crisálida para transformarse en una mariposa, así Emilia muta del cuerpo de un hombre rudo y despiadado al de la mujer comprometida con los suyos y los graves problemas que padece la sociedad que les rodea y si bien, durante algunos momentos de la narración es inevitable no pensar en el gran maestro Almodóvar, será en este preciso instante de la narración cuando las similitudes con “Madres paralelas”, es incuestionable. La exhumación de los cuerpos de los seres queridos desaparecidos, asesinados y reclamados por muchas familias a lo largo de los años a las autoridades, para darles santa sepultura.

Debo reconocer, que ese instante de la historia,  en el que Emilia se entrega en cuerpo y alma a devolver a las familias los cadáveres enterrados en las fosas comunes, cueste lo que cueste, como expiación de culpa, por su pasado, me resultó muy interesante, así como reflejar la crítica socio-política del país; pero a la vez me dejó con una pregunta que os formulo a vosotros. ¿La identidad de género te hace ser más violento, pacífico o logra cambiar absolutamente tu manera de ver la vida?  

Resumiendo, lo que está claro es que Audiard, nos hace removernos en la butaca, más de lo que desearíamos. Nos lleva por un mar de sonrisas y lágrimas entre corrientes de indiferencia, resignación, ira, dolor, pérdida, esperanza, familia y la lucha por los ideales, tantas veces aletargados y presos. Cuenta con una extraordinaria banda sonora de Clément Ducol y Camille, con canciones tan estremecedoras que rompen el alma y por supuesto no me olvido de la fotografía de Paul Guilhaume, con quien el director ya había trabajado en “París, distrito 13”

MI NOTA: 8,5

REPARTO: Karla Sofia Gascón, Zoe Saldana, Selena Gomez, Adriana Paz, Mark Ivanir, Eduardo Aladro, Edgar Ramirez, Gaël Murguia-Fur, Emilio Hasan, Tirso Ragel Pietriga, Xiomara Ahumada Quito, Magali Brito, Jarib Zagoya, Sébastien Fruit, Alejandra Reyes, Anabel Lopez, Daniel Velasco Acosta, James Gerard, Braulio Gómez Bernal, Stéphane Ly-Cuong y Tulika Srivastava.

PRODUCTORA: Why Not Productions// Page 114// Pathé// France 2 Cinema// Saint Laurent// Pimienta Films// Zima Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Wanda Visión y Netflix.

HERETIC (HEREJE): CRÍTICA DE CINE

Heretic (Hereje) está escrita y dirigida por Scott Beck y Bryan Woods. “La teología al servicio del cine de terror”

Sentadas en un banco de un parque vemos a la hermana Paxton (Chloe East) y a la hermana Barnes (Sophie Thatcher) hablando del uso del preservativo y de las práctica sexuales, pues una de ella suele ver películas X. Dejan la conversación y junto a sus bicicletas hacen la ruta que tienen asignada para ese día, predicando la palabra de Dios. Bajo una fuerte tormenta llegan hasta la casa del Sr. Reed (Hugh Grant) y cuando las dos jóvenes deciden entrar en la casa, convencidas que serán atendidas por la mujer de Reed, dará comienzo un curioso juego del gato y el ratón.

Los guionistas, productores y directores, Scott Beck y Bryan Wood, se conocen desde la infancia, compartiendo una misma pasión, el cine. Trabajaron de proyeccionistas a la vez que escribían guiones. En la dirección se iniciaron con los cortometrajes “Yearbook” y “Remembering November” en 2002, “Lost/Fund” 2003, “Univertity Heights”, “Amber” y “Shades” en 2004, “The Bride Wore Blood” 2006 e “Impulse” 2010. Debutaron en el largometraje con “Nightlight” 2015 para continuar con “La casa del terror (Haunt)” 2019, “65” 2023 y este año nos ofrecen “Heretic (Hereje)” 2024. Para televisión han realizado capítulos de la serie “50 States of Fright” y el cortometraje “50 States of Fright: Almost There” ambas en 2020.

Iniciamos el año con una más que interesante película de terror psicológico y religioso, en donde la fe tomará un cariz tenebroso, con tres brillantes interpretaciones y un guion que nos invita a reflexionar sobre lo que oímos e incluso, veremos. Una narración que conquista desde casi el minuto cero, mientras escuchamos y observamos a las dos misioneras hablando de sexo tranquilamente sentadas en uno de los bancos del parque y que pasados unos minutos, deciden reanudar su trabajo de misioneras tomando las bicicletas y recorriendo el pueblo hasta llegar a la casa del Sr. Reed, que ha solicitado información sobre la Iglesia de los Santos de los Últimos Días, a la que ellas pertenecen; pero la visita, tras atravesar el umbral de la casa, sospechamos, por los pistas que nos van dejando los dos guionistas, como migas de pan, que se están metiendo en la boca del lobo, pero, realmente ¿Quién es el lobo y quien el cordero?

La palabra cobra gran importancia a lo largo de la narración, cortejando las conversaciones a tres bandas o a través de la disertación que el Sr. Reed dedica a las jóvenes y de paso implicando al espectador, sobre tres de las grandes religiones: El cristianismo, el islamismo y el judaísmo, pues el libro de los mormones lo considera una burla; llegando a la conclusión, tras presentar algunos ejemplos, que todas las religiones son iteraciones unas de otras aunque con claras diferencias y cuyo cometido es manipular y controlar a las masas. Será a partir de esta afirmación, bien conocida, cuando las alarmas de las que dispone nuestro cerebro ante lo inquietante y lo que se presume está a punto de suceder, salten como lo hace el sistema eléctrico en el interior de la casa, a la vez que la tormenta se desata con más virulencia en el exterior. Nuestra curiosidad crece cuando se mezcla con la incomodidad o lo tangible coquetea con lo invisible a nuestros ojos, sabiendo o creyendo saber que algo habita entre esas paredes y deseamos se nos muestre. Desazón que Beck y Woods aprovechan para lanzar toda su artillería y os aseguro que es mucha, pues nos llevan de un lado a otro, sin apenas dejarnos coger aliento.

El hereje cuenta con una atmósfera claustrofóbica que se adueña de nuestro ser gracias, además de las conversaciones ya citadas, a la sencilla y a la vez espectacular puesta en escena, los detalles que se nos exponen con cuenta gotas, la cuidada iluminación tenue pero que deja ver con claridad cuanto urge y por supuesto, los planos brillantemente seleccionados. La cámara siempre está en el ángulo correcto para, intencionadamente incomodarnos y podría apostar que incluso estudiarnos, como creen las jóvenes que está haciendo el Sr. Reed  con ellas. Un delicioso espectáculo macabro y lo digo sin ninguna sorna, pues no hay nada que me haga disfrutar más que una trampa bien diseñada al más puro juego del gato y el ratón, cocida a fuego lento como una tarta de arándanos. Un laberinto concebido por las mentes retorcidamente juguetonas de estos dos directores y guionistas, colocando la religión y la fe, en el corazón de la historia con importantes tintes teológicos.

Creer o dudar, ese será el dilema por el que deberán optar según sus creencias, Paxton y Barner y escoger la puerta que las pueda sacar de la pesadilla. Un thriller que no te soltará hasta el final, dosificando con elegancia y astucia cada escena, cada encuadre, cada nota musical en la partitura de Chris Bacon, en el montaje de Justin Li, en cada haz de luz natural que entra en esa casa o la artificial que posee, enriqueciendo la fotografía de Chung Chung-ho.

Para ir finalizando os hablaré de los tres actores principales, pues los secundarios pasan muy de refilón. La gran estrella de la función es sin la menor duda Hugh Grant quien hila a través de su flema británica e ironía fina, un personaje perturbador que se apodera de cada escena y desasosiega tanto a las jóvenes como al espectador con sus miradas, palabras o sonrisas maléficas. En cuanto a  Chloe East y Sophie Thatcher, encarnando a las hermanas Paxton y Barner, prefiero las descubráis vosotros, pero están increíbles. Dicen que la fe mueve montañas y estás dos jóvenes tienen mucha fe.

Para terminar, vaya por delante, que el filme no pretende cambiar a ningún espectador de forma de pensar sobre la religión o religiones que profesan. Como ya he dicho, es un astuto y demoledor juego del gato y del ratón que toma como leitmotiv dichas creencias.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero.

REPARTO: Hugh Grant, Chloe East, Sophie Thatcher, Elle Young, Topher Grace, Elle McKinnon, Julie Lynn Mortensen, Hanna Huffman, Miguel Castillo, Anesha Bailey, Stephanie Lavigne, Haylie Hansen, Wendy Gorling, River Codack,  Carolyn Adair, Leanne Khol Young.

PRODUCTORA: Beck Woods// Catchlight Studios// Shiny Penny Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DEAPLANETA.

SONIC 3: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Japón, SONIC 3, está dirigida por Jeff Fowler con guion de Patrick Casey y Josh Miller, basándose en los personajes de Yuli Naka, Naoto Oshima y Hirokazu Yasuhara.

En “la isla prisión” en Japón, bajo una estrecha vigilancia y dentro de un tanque especial se encuentra Shadow (Voz Keanu Reeves), un erizo muy parecido a Sonic, que posee una fuerza extrema. Le mueve la ira y la venganza. Despierta de su letargo y se enfrenta a todos los soldados, logrando escapar.

Sonic (Voz Ben Schwartz) y sus amigos, Tails el zorro antropomórfico (Voz Colleen O´Shaughnessey) y Knuckles, un equidna antropomórfico (Voz Idris Elba), disfrutan de la naturaleza entre carreras amistosas y la tranquilidad que les rodea, hasta que Shadow les hace una visita no deseada, viéndose obligados a pedir ayuda a sus padres adoptivos: El sheriff Tom (James Marsden) y su esposa la veterinaria Maddie (Tika Sumpter), para atrapar a Shadow y de paso proteger el planeta de las ideas destructivas de Gerald, el abuelo del Dr. Ivo y del propio Ivo, ambos interpretados por (Jim Carrey)

Jeff Fowler es director, escritor y especialista de efectos visuales, colaborador importante del estudio de animación Blur Studio. Ha dirigido los cortometrajes, “Rockfish” 2003, “Gopher Broker” 2004 y “Atlas Reactor: The Case” 2016. Fue nominado a los Oscar por este último cortometraje. También ha trabajado en el departamento de animación de la película “Donde viven los monstruos” 2009 de Spike Jonze. Debutó en la dirección de largometraje llevando a la pantalla a un personaje muy conocido por los fans del videojuego “Sonic, la película” 2020, continuando con “Sonic 2: la película” 2022 y este año nos presenta la tercera entrega, “Sonic 3: la película” 2024. También ha dirigido, junto a otros compañeros, la miniserie “Knuckles” 2024.

Sonic corre veloz a las salas de cine estas navidades con el fin de entretener a toda la familia y os aseguro que tanto él como sus amigos, lo logran. Más aventuras, más emocionante, más juguetona, más divertida y mayor agilidad para una película que te conquista, gracias a un guion inteligente y unos personajes que te roban el corazón y es que Sonic, ese erizo antropomórfico de color azul, se deja querer mientras Shadow, el rival de Sonic, le roba gran parte del protagonismo al hacernos partícipes de su historia y los motivo de su tormento e ira descontrolada. Un personaje que nos abre su alma reflejada en su semblante e incluso a través de su lenguaje corporal. Su ira se apacigua o se enfurece dependiendo de los recuerdos vividos. Entre esas evocaciones está su amiga humana e inseparable compañera, María (Alyla Browne). No, no voy a contaros más, pero  he creído necesario hablaros de la presencia de este personaje humano, pues es la protagonista de una de las subtramas con más fuerza emocional y nostalgia.

Un filme que aboga por la familia como tema principal junto a la complicidad, el compañerismo o la unidad; conviviendo con potentes dosis de acción in crecendo a medida que avanza la narración. Una narración que bascula en medio de la velocidad provocada por los combates, sin duda el mayor atractivo del filme en contraste con la tranquilidad que generan las conversaciones, en especial las que mantienen Sonic, Tails y Knuckles o los instantes bucólicos de María y Shadow tumbados, mirando las estrellas y agarrados de las manos. Son algunas de estas escenas las que nos hacen olvidar que estamos ante un filme con personajes animados, pues realmente son ellos los que destilan más humanidad, naturalidad y verdad, que los seres de carne y hueso.

Junto a estos seres antropomórficos destacan tres humanos, sobradamente conocidos en esta importante franquicia: los Wachowski, Tom y Maddie como los padres adoptivos de Sonic, Tails y Knuckles; representados, respectivamente por James Marsden y Tika Sumpter, junto a un impecable y excéntrico Jim Carrey que lo da todo en un doble papel, por un lado como el enemigo acérrimo de Sonic, el Dr. Ivo y por otro como su abuelo Gerald, no sé, bueno sí lo sé, quien de los dos es más malvadamente divertido.

Un espectáculo insuflado por el buen rollo que se sirve entre palomitas, refrescos y algún que otro dulce navideño, con dosis de drama, diversión, sacrificio, acción y puro entretenimiento familiar, pues como ya he comentado, la familia es el corazón del filme.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre.

REPARTO: James Marsden, Jim Carrey, Tika Sumpter, Krysten Ritter, Alyla Browne, Lee Majdoub, Tom Butler, Adam Pally, Shemar Moore, Andy M Milligan, Nathan Hall, Alfredo Tavares, Stuart Whelan,  Amedeo Fedeli, Natasha Rothewell, Sofia Pernas, Cristo Fernández, Jorma Taccone, Mariko Nishino, Joshmaine Joseph, James Wright y James Wolk. En cuanto a las voces están a cargo de Ben Schwartz, Idris Elba, Keanu Reeves y Collen O`Shaughnessey, Sofia Pernas y James Wolk.

PRODUCTORA: Blur Studio// Marza Animation Planet// Original Film// Paramount Pictures// SEGA.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

ROCK BOTTOM: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Polonia, Rock Bottom está dirigida por María Trénor compartiendo guion con Joaquín Ojeda.

Nos encontramos en Nueva York en el inicio del verano de 1973. Dos jovencitas entran en una tienda de discos y ponen un LP sobre el tocadiscos. Mientras cantan la canción, se nos muestra la vida que se respira entre las calles de la ciudad con sus singulares personajes. Las dos chicas salen del comercio y se cruzan con Bob (Voz Fermí Delfa) quien sin hacerlas el menor caso continúa su camino hasta llegar a un edificio; tras hablar con los porteros, entra en el interior. En el pasillo de uno de los pisos vemos a un joven tirado en el suelo metiéndose un pico, él pasa por encima del joven y se introduce en una de las casas. En ella están celebrando una fiesta. David (Voz Roger Riu), el dueño de la casa le da la bienvenida, pues Bob ha estado viviendo una larga temporada en Mallorca. Será en esa fiesta donde sabremos que el motivo de su regreso lo ha ocasionado la ruptura con su pareja Alif (Voz Laura Casaña Pardo), una directora de cine experimental. Ni en la lejanía, podrá olvidar la experiencia vivida con Alif.

María Trénor, se licenció en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la UPV de Valencia. Ha participado con diversas instituciones, en conferencias, masterclasses y mesas redondas sobre cine. También ha colaborado en publicaciones de la Filmoteca Valenciana y la Editorial Ocho y Medio. En la actualidad ejerce de profesora de Medios Audiovisuales en la Escuela de Artes y Superior de Diseño de Valencia. Ha dirigido los cortometrajes “¿Con qué la lavaré?” 2003, “Exlibris” 2009 y ¿Dónde estabas tú? 2016 y este año debuta en el largometraje con “Rock Bottom” 2024

“El 26 de julio de 1974 se lanzó el álbum “Rock Bottom”, la obra maestra de Robert Wyatt que creó en Deyá (Mallorca). Un disco único producido por Nick Mason (Pink Floyd), en colaboración con algunos músicos de la época. Ese mismo día Robert Wyatt se casó con la artista Alfreda Benge. El disco relata la historia de amor al límite entre Bob y Alif, que está inspirada en la del propio Wyatt con la ilustradora y letrista Benge. Para celebrar su 50º aniversario se ha masterizado todas las canciones del álbum que han servido de inspiración para este musical.” Así comienza este más que interesante filme.

Lo primero que hay que resaltar es que estamos ante una película de animación para mayores y no es una broma. Tanto los temas que toca como las imágenes, están destinadas a un público adulto, pues la historia se centra en los convulsos años 70, el movimiento hippie, la libertad sexual, el consumo de drogas, las fiestas orgiásticas y cuanto rodeaba a la juventud de la época, incluida la cultura.

María Trénor, ha creado una película compleja y dramática, más allá de la animación psicodélica que nos ofrece, cuya virtud, además de atrapar al espectador, radica en las potentes imágenes y la música compuesta por Robert Wyatt, abrazando una narración con alma y unos personajes viviendo entre las luces y las sombras. El brillo de la genialidad y del amor que parecen dispensarse en medio de la naturaleza y la oscuridad que provocan las drogas, el alcohol y la monotonía que inevitablemente deben aceptar, aunque no lo deseen. Una combinación explosiva que si no se sabe canalizar, te precipita a los infiernos. Un viaje que viviremos junto a los dos personajes de carne y hueso, con alma y corazón, diseñados con trazo sencillo pero de gran fuerza expresiva en las miradas y gesticulaciones, y que estarán siempre arropados por la música como hilo conductor.

Una animación teñida del humo provocado por el incienso, las cachimbas o los porros consumidos durante las fiestas ya mencionadas, que se apoderaba de cuantos espacios y rincones se encontraba en el camino, en contrate directo con la urbe que les rodea o esa naturaleza viva, lejos de la ciudad que ahora habita Bob, como es la isla de Mallorca de la que ha regresado y con quien volveremos a través de los diversos flashbacks. Pero la animación también posee el componente relajante e hipnótico, originado por ese calidoscopio de formas y colores producto de la psicodelia, en las mentes activas, turbadas, liberadas y estimuladas por los estupefacientes. No podemos olvidarnos del elemento histórico viendo pasar el tiempo a través de un televisor por el que desfilarán escenas como la dimisión de Richard Nixon ante el escándalo Watergate o la presencia de Arias Navarro anunciando la muerte de Franco, la llegada de los primeros videojuegos hasta presenciar otras guerras, los juegos olímpicos de Barcelona o la caída de las Torres Gemelas, por poner algunos ejemplos que nos llevarán hasta nuestro presente.

En resumen, Trenór nos involucra en una obra experimental en pleno siglo XXI con la esencia de los años 70 del siglo pasado, derrochando todo su saber a la vez que nos deleita con una espectacular banda sonora. Un filme feminista en el que la mujer disfruta de su libertad codo a codo con el hombre. Es difícil no dejarse contagiar por esta película a la que considero una pequeña joya de la animación por su originalidad y puesta en escena.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre.

MUSICA: Robert Wyatt.

PRODUCTORA: Alba Sotorra// Jaibo Films// GS Animation// Alba Sotorra Cinema Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon.

LA MALDICIÓN DEL QUEEN MARY: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido, Irlanda y Estados Unidos, La maldición del Queen Mary, está dirigida por Gary Shore compartiendo guion con Gary Dauberman y Tom Vaughan. 

La historia se centra en dos familias, la primera navegando en el Queen Mary a finales de los años treinta formada por Gwen Ratch (Nell Hudson), David Ratch (Wil Coban) y su hija Jackie Ratch (Florrie Wilkinson). En el restaurante los padres han conseguido una mesa cerca de Fred Astaire (Wesley Alfvin) y sus compañeros de viaje. El sueño de los padres es mostrarles las dotes de bailarina que posee su hija.

Años más tarde, en la actualidad, cuando la embarcación se ha convertido en un museo, suben a bordo otra familia Anne Calder (Alice Eve), Patrick Calder (Joel Fry) y su hijo Lukás Calder (Lenny Rush) quien parece que tiene el don de presentir a su alrededor fenómenos paranormales. Sus padres le regalan una cámara de fotos y Anne le invita a capturar fotográficamente, a todos los fantasmas. Lo que ninguno de los tres espera es la experiencia que van a vivir durante la visita.

El guionista, productor y director, Gary Shore, se graduó en la Escuela Nacional de Cine en 2006 y ganó el premio de la Royal Televisión Society al mejor drama estudiantil por su corto The Draft 2006, otros de sus cortos han sido “La copa de las lágrimas” 2009 y “Día de San Patricio” 2016. Debutó con el largometraje “Drácula, la leyenda jamás contada” 2014, “Holidays” 2016 y este año nos ofrece “La maldición de Queen Mary” 2024.

Llegamos a diciembre y haciendo memoria, recuerdo que enero comenzó con una interesante película de género, “Cuando acecha la maldad” de Demián Rugna, tras esta y a lo largo del año, nos han visitado otros filmes con mayor o menor acierto. Ahora, a pocos días de terminar el 2024, a la gran pantalla llega “La maldición del Queen Mary”. Un filme que me ha dejado la cabeza volada, como comenté al salir de la sala y pasados los días, sigo sin aclararme qué es lo que ha pretendido Shore y los guionistas Dauberman y Vaughan, contarnos. Más bien parece que cada uno de ellos ha ido a su bola, los guionistas dividiéndose las dos historias de la trama y el director, jugando a crear algo original que desgraciadamente no le ha salido bien.

No diré que es una película mala, pero sí confusa de principio a fin. Un filme ambicioso cargado de referentes, que por instantes parece que estemos ante un Escape Room o que ha tomado la identidad de un documental con pequeños detalles sobre la historia del Queen Mary, mientras se nos muestra el interior de dicho barco-museo e incluso, me ha recordado, salvando las diferencias, instantes extraídos de “El Resplandor” o de las decenas de películas de barcos fantasmas, que pasaron a mejor vida. 

Sigo pensando que si hubieran tomado la decisión de escoger como única historia, la que se desarrolla a finales de los años 30, que por cierto está muy bien ambientada y que cuenta con la mejor escena de toda la película, en la que vemos marcarse un baile a Fred Astaire con la joven Jackie Ratch, quizás, hubiera funcionado, pero el problema es que todo queda en el aire y sin resolver, escena tras escena, desfilando ante nuestros ojos la incertidumbre del abandono mientras se intenta camuflar todo el caos con demasiada oscuridad, dosis de gore y de trances sin aclarar. Lo que me cuesta aun entender, es como el montador ha sido capaz de editar tal descalabro o quien sabe, hasta él puede ser uno de los culpables de lo visto en pantalla; lo que sí tengo claro es que este batiburrillo de idas y venidas no encuentra un eje en el que apoyarse, ni siquiera el propio barco, desconcertando al espectador más curtido en el género y creo, sin confundirme, que a los propios actores, pues se mueven entre los distintos escenarios, como pollos sin cabeza, intentando que la historia no zozobre.

Resumiendo, dos historias que marean tanto llevar al espectador de un lugar a otro sin ninguna razón y con demasiados giros que, como he dicho al inicio, te vuelan la cabeza; provocando que nos dejen de interesar y nos obliguen a desviar la atención a detalles como el correcto vestuario de época, la cuidada ambientación, el diseño del museo y de un par de golpes de efecto. Es una pena que cuatro manos hayan escrito con tal desgana y que alguien se haya atrevido a dirigir, sin darle una pequeña o gran vuelta al guion. Me encantaría llevarme un buen sabor de boca al nuevo año, con otro filme de terror, pero creo que no queda ninguno en la recámara.

Para finalizar y como suelo decir en estos casos, cuando una película me ha creado una mala impresión, si sois amantes del género de terror y suspense, atreveros con ella y luego sacad vuestra propia conclusión. La magia del cine provoca que no siempre un filme cale por igual en unos que en otros.

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre

MUSICA: Tiffany Ashton, Jason Livesay y Nolan Livesay

FOTOGRAFIA:Isaac Bauman

REPARTO: Alice Eve, Joel Fry, Angus Wright, Nell Hudson, Tim Downie, Jim Piddock, Alfredo Tavares, Dorian Lough, Wil Coban, Joelle Koissi, Lenny Rush, Russell MacLeod, Mark Silverman y William Shockley

PRODUCTORA: Creativity Capital// Imagination Design Works// White Horse Pictures// Fulwell 73// Trinity Media Financing.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

EL MINISTRO DE PROPAGANDA: CRÍTICA DE CINE

El ministro de propaganda, está escrita y dirigida por Joachim A. Lang “Contaremos la verdad siempre que esta sirva a nuestros intereses”

En una sala privada de cine, están visionando el material que tienen grabado sobre Adolf Hitler (Fritz Karl), cuando se dan cuenta de que se ha colado una secuencia en plano corto en la cual se aprecia como a Hitler le tiemblan las manos y deciden cortarla, mientras conversan sobre la importancia de cuidar la imagen del führer. De dicho cometido se encargará Joseph Goebbels (Robert Stadlober), el ministro de propaganda, obsesionado con la figura del dictador a quien acompañará desde marzo de 1938 hasta su muerte en mayo de 1945. Su trabajo estuvo relacionado con la creación de películas propagandísticas, la parafernalia que rodeaba a Hitler en sus actos e incluso los discursos que pronunció.

El guionista y director, Joachim Lang, debutó con el documental “Brecht-Die Kunst zu leben” 2006 continuando con “Da wo ich bin ist Panama” 2011, “Mackie Messer-Brechts Dregroschenfilm 2018, “Cranko” y “El ministro de propaganda” en 2024.

No hay año que la gran o pequeña pantalla no sea asaltada por algún filme o serie relacionado con la Segunda Guerra Mundial, el nazismo o la figura de Adolf Hitler y cada vez que visiono alguna de ellas, me hago la misma pregunta. ¿Todavía queda material sobre las atrocidades que supuso esa parte de la historia negra del siglo XX? Me refiero al nacionalsocialismo, la ideología de extrema derecha que con Adolf Hitler a la cabeza, gobernó Alemania entre los años 1933 hasta su caída y muerte en 1945. La respuesta, desgraciadamente, siempre es sí y este filme, os aseguro que no os dejará indiferentes.

Joseph Goebbels fue ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich entre los años ya mencionados. Tenía un gran talento como orador, era antisemita y su absoluta discriminación racial provocó, entre otras cosas, el genocidio de los judíos (Holocausto). Su ministerio se adueñó de la supervisión de los medios de comunicación, las artes y la información del país, llegando a utilizar la radio y el cine, con gran acierto, para sus terroríficos fines. Una mente brillante y retorcida al servicio del odio y del mal.

Debo reconocer que desconocía la existencia de este individuo, pero visto en la gran pantalla, ha sido toda una revelación y una sensación desagradable y dolorosa, por cuanto ocasionó. Cuando hablamos de que la realidad supera a la ficción, este es uno de esos ejemplos; ningún escritor, creo que  haya sido capaz de idear a un villano, a un personaje tan maligno y retorcido, como lo fue Joseph. Nació para promocionar el mal y encumbrarlo a lo más alto y lo peor de todo, es que lo logró. Para dar vida a este sujeto, Lang ha contado con Robert Stadlober, quien desde la primera escena se mete en la piel de Goebbels alterando nuestra conciencia con su actitud fanfarrona y machista, de verborrea afilada y  miradas inquietantes. Un manipulador de masas que supo utilizar los medios a su alcance para lograr su objetivo: Engañar al pueblo a través de su absoluta dedicación y amor irracional al régimen y Hitler y al odio exacerbado por los judíos. Una interpretación que destaca sobre las demás, aunque también despunta Fritz Karl dando vida a Hitler y Franziska Weisz como Magda, la resignada esposa de Joseph, quien tras las amenazas del propio Hitler, permanecerá junto a su marido, hasta el asolador final. En cuanto al resto del elenco actoral, ninguno defrauda.

El ministro de propaganda cuenta con un guion rico en matices y agudos diálogos que junto a las voces en off, no conceden tregua ni para respirar o pensar; pues lo de pensar, habrá cavilado Joachim, mejor lo dejamos para cuando las luces se encienda y salgamos fuera de la sala, ya que el filme invita al debate. Un inquietante debate que nos lleva a reflexionar sobre la realidad del hoy en día y el pensar en el control que de los medios escritos y audiovisuales en tantas ocasiones, hacen los políticos y los que están a su servicio, contaminando la verdad y dividiendo a la sociedad. Divide y vencerás, aunque Hitler era más del pensamiento de unir para vencer. Estamos por tanto ante un escalofriante relato histórico que nos recuerda que no debemos caer en errores del pasado.

No os quiero desvelar nada más y sí por el contrario, invitaros a verla. Terminaré comentando que cuenta con una cuidada fotografía en la mirada de Klaus Fuxjäger, quien consigue recrear algunas secuencias conservadas en los archivos y que el montador Rainer Nigrelli, ha sabido engarzar con suma perfección. En cuanto a la música de Michael Klaukien, motiva que sus notas, ayuden a mantenernos atentos a cuanto acontece.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de noviembre

REPARTO: Robert Stadlober, Fritz Karl, Raphaella Möst, Franziska Weisz, Moritz Führmann, Katia Fellin, Michael Glantschnig, Sebastian Thiers, Oliver Fleischer, Raphael Nicholas, Dominik Maringer, Till Firit, Christoph Franken, Martin Bermoser, Wolfram Rupperti, Emanuel Fellmer, Johannes Rhomberg, Peter Windhofer, Sascha Göpel, Helene Blechinger, Damien Erminio Ballasina, Franziska Linderthaler, Ferdinand Tuppa, Tomheinz Breitenecker, Alexander Diwiak, Stefanie Schietz y Andrea Kruzliaková.

PRODUCTORA: Zeitsprung Pictures// SWR// Act HeadQuarter Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films. 

EL ARTISTA DE CRISTAL: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Paquistán y Estados Unidos, El artista de cristal, está escrita y dirigida por Usman Riaz, basándose en una historia de Moya O`Shea. “Somos un eslabón más de la guerra”

Vincent Oliver (Voz Sacha Dhawan) es un joven huérfano de madre que ha aprendido la profesión de vidriero de la mano de su padre Thomas Oliver (Voz Art Malik). Viven en una ciudad costera y poseen el mejor taller de vidrio. Thomas está preparando el cartel que anuncia la próxima exposición de vidriería de su hijo. La guerra está próxima y a la ciudad llegan Alliz Amano (Voz Anjli Mohindra), una joven de gran talento que toca el violín, junto a su madre y su padre el  coronel Amano (Tony Jayawardena). Los jóvenes conectan desde el primer día.

Estamos ante una historia de amor en tiempos de guerra que ellos mismos, Vincent y Alliz, tal vez por timidez, prontitud o por las diferencias de clases sociales, disfrazan de amistad. Una amistad que se afianza gracias a las profesiones artísticas que ejercen, Alliz una virtuosa violinista y Vincent desbordando imaginación con las figuras de vidrio que crea, buscando formas y colores que les den vida propia; pero algo invisible y muy presente parece querer separarles: El patriotismo en la personalidad del padre de Alliz como coronel del ejército y el pensamiento libre y pacífico que profesa Thomas. Un drama con momentos dulces e imágenes que nos hacen soñar. Un filme que inunda la gran pantalla como una suave melodía en tiempos de guerra.

La banda sonora nos envuelve con la música que desprende el violín. Compañero inseparable de Alliz, que como el viento, disemina las notas como vocablos que recoge el alma y la mente asimila, contándonos su propia historia, hasta alcanzar el momento cumbre, llegando al final del metraje. Descubrir por medio de la animación, la delicada creación de una figura de cristal a través de la pequeña MasterClass que el padre ofrece al hijo. Una lección en la que el joven alcanza a comprender la importancia de la arena, de esas partículas que masajean nuestros pies descalzos en las playas y que sin ellas, sería imposible concebir la belleza de aquello que un día fue imaginado, sin olvidarse del fuego, del pequeño sol que alimentan en el taller. Una existencia que se mueve entre la vida y la muerte, entre la felicidad y las lágrimas.

Cada fotograma ha sido dibujado a mano en 2D, usando una gran variedad de tonalidades. Los pasteles para la cotidianidad del día  a día y los rojizos y más lúgubres elevando el drama de la guerra. La animación cuenta con un toque de realismo mágico, cambiando radicalmente entre los cuadros y la luz que representan las escenas más románticas, naturalistas y de  ensoñación en contraste con los diversos conflictos en los que se ven envueltos los personajes: Las diferencia de clases sociales, el tenso momento que se origina durante el concierto de música en el que interviene Alliz o los más evidentes, los enfrentamientos en el campo de batalla, por poner algunos ejemplos.

Un filme que pisa fuerte, con una dirección templada y elegante y un guion maravilloso, enternecedor, mágico y tan intenso que por momentos nos olvidamos que estamos ante un filme de animación, pues sus personajes muestran tanta vida que los sentimientos y las emociones los convierten por instantes en seres de carne y hueso o tal vez, sea mejor que no lo sean y sigan siendo trazos y color, para no perder la calidez de la libertad y la verdad. Usman, sino tenía suficiente con encargarse de dirigir y escribir la historia, compone la banda sonora junto a Carmine Di Florio. Una banda sonora que como he comentado, logra calar en el espectador.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de noviembre.

PRODUCTORA: Mano Animation Studios// Awedacious Originals.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

GLADIATOR 2: CRÍTICA DE CINE

GLADIATOR 2 está dirigida por Ridley Scott con guion de David Scarpa. “La arena convierte a los esclavos en gladiadores y a estos, en hombres libres”

Han pasado 16 años de la muerte de Máximo (Russell Crowe). Lucio (Paul Mescal) y su mujer Aristhat (Yuval Gonen) son una pareja de soldados que viven felizmente en Numidia, en la costa norteafricana. Se ven obligados a entrar en contienda contra las legiones romanas a cargo de Marcus Acacius (Pedro Pascal). Aristhat muere atravesada por una flecha y Lucio es apresado y llevado a Roma, gobernada por los emperadores Caracalla (Fred Hechinger) y Geta (Joseph Quinn) que tienen al pueblo sumido en la miseria. Allí es vendido a Macrinus (Denzel Washington), un rico mercader, quien pronto descubrirá en Lucio el potencial para la lucha en la arena como gladiador, a causa de la ira que rezuma en su interior.

En el año 2000, Ridley Scott nos sorprendió con un gran espectáculo ambientado en la época romana, “Gladiator”, colmado de aventuras, intrigas, venganzas y complots. Ganó numerosos premios internacionales entre ellos 5 Oscar.  Este año reemprende aquella historia, con un inicio que nos deja pegados a la butaca, hasta transcurridas las dos horas y media de metraje. Nuevamente y a sus 86 años de edad, el maestro nos sorprende en pleno estado de forma y lucidez. Es impresionante admirar el trabajo que realiza. Una impecable MasterClass de cine clásico y épico, esta última palabra, épico, seguramente la usaré en más de una ocasión a lo largo de esta reseña, pues el filme lo merece y seguramente entraría en debate, al afirmar que la considero más apoteósica que la primera.

Por si existe alguna duda, os comunico que no es un nuevo remake, como habréis intuido en la reseña y algunos pensaban. Estamos ante una segunda y muy digna entrega de “Gladiator”, por lo que os recomiendo, antes de ver este nuevo espectáculo, refresquéis la memoria visionando la original y si consideráis que quedó algún fleco suelto o la duda de que pasó con determinados personajes, no os preocupéis, aquí se resuelve, tomando de nuevo, como telón de fondo esa Roma clásica, por cuyos pilares se filtraba la corrupción, las luchas por el poder y las intrigas políticas. Tras escribirlo y tal y como suena, parece que no hemos avanzado mucho pasados los siglos.

La Roma corrupta, en esta ocasión está bajo el mandato de Caracalla y Geta, dos hermanos que Septimio Severo nombró, antes de morir, coemperadores en el año 211 d. C. Dos miserables y crueles emperadores que mientras disfrutaban de una vida de lujo, de cuantos placeres les ofrecía la vida y de los grandes eventos o espectáculos que les brindaban las sangrientas luchas de gladiadores, el pueblo pasaba hambre. Junto a la corrupción desfilarán las intrigas políticas y las luchas por el poder, durante las cuales los emperadores, senadores e incluso altos cargos de la alta sociedad y del ejército, debían mantener  cubiertas las espaldas, para no sentir el frío aliento de la muerte. No faltará, entre las páginas del guion y las imágenes ofrecidas por Ridley, el espíritu de Máximo presente durante el metraje, sin olvidar las grandes batallas, invadiendo países lejanos o las diseñadas en otros espacios, para sorpresa y goce del espectador, que no haya visto el tráiler. Todo es más grandioso, más espectacular, más brutal y me atrevería a asegurar que más sangriento.

Una narración épica que deslumbra en cada plano, en cada escena, en cada encuadre perfectamente planificado al milímetro, para que nada falle, para que todo resulte apoteósico y sencillamente natural, dentro de lo complejo. Luchas internas y externas que Ridley Scott junto al guionista David Scarpa, con quien trabajó en Napoleón, aprovecha para recrear coreografías navales y terrestres de gran impacto visual, en comunión con los momentos más íntimos y personales de los personajes. Si algo hay que achacarle es que algunos acontecimientos o personajes históricos saltan ciertos años en el espacio tiempo, pero nadie nos ha dicho que sea una recreación fiel a la Historia, sino una de esas película que abrazando hechos históricos, la convierte en un filme inolvidable, de los que por desgracia ya no se hacen.

Ridley se ha vuelto a rodear de un gran grupo de estrellas, actores y actrices que dan vida a estos personajes con gran credibilidad, despuntando a un descomunal Paul Mescal como el nuevo gladiador, un magnífico Pedro Pascal como el general Marcus Acacius y un impresionante Denzel Washington como Macrinus el mercader y en el lado femenino repitiendo personaje, una maravillosa Connie Nielsen como la emperatriz Lucilla; por nombrar alguno de ellos, pues todos, sin excepción, están brutales en sus personajes.

Por todo lo dicho estamos ante un filme de venganzas, de amores y traiciones, de redención, de fidelidad, de corrupción y de esa fuerza que generan los vínculos de sangre. Hay dolor, sudor, rabia y caricias, miradas que atraviesan y otras que alivian, cuerpos fornidos con mentes sensibles y cuerpos débiles con mentes perversas. Quien crea heridas y quien las cura. La gran contienda entre el bien y el mal, la lucha entre la justicia y las injusticias, la eterna batalla de hombres cabales soñando con sobrevivir en un mundo hermoso en contienda con los más viles, viciados por el deseo de poder, dominación y destrucción. La Historia nos enseña, pero parece que no queremos aprender, es como si el ser humano hubiera nacido para destruirse a sí mismo, cuando debería ser todo lo contrario.

Gladiator 2 cuenta con una espectacular y deslumbrante fotografía de John Mathieson, con quien ya ha trabajado en otras películas entre ellas “Gladiator”, “Hannibal” o “El reino de los cielos”, la épica banda sonora de Harry Gregson-Williams, el impresionante vestuario de Janty Yates y  David Crossman o el colosal montaje de Claire Simpson. Si por algo ha destacado siempre el gran maestro Scott, es por la estética en sus filmes, que incluso deja huella en películas menores. Puestas en escena brillantes que la mente captura por su belleza, inclusive cuando la crueldad se desata y aquí me detengo. Ha sido una crítica larga, lo sé, pero creo que merecía la pena. Así que ya sabéis, si visteis la primera parte, no podéis dejar de ver esta y si no fue así, os recomiendo que la veáis y luego disfrutéis de esta obra maestra.  

“Donde tú vas, allí estaré para siempre”

Creo que es fácil intuir que nota voy a poner. Por sí sola se lo merece pero si además, la unimos a su predecesora, con más motivo. Mi nota es 10 y gracias maestro por esta segunda entrega, que no solo yo, sino muchos amantes del cine y de aquel primer “Gladiator” pensábamos si era necesaria. Sí, lo era y es de justicia reconocerlo.

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Paul Mescal, Pedro Pascal, Connie Nielsen, Joseph Quinn, Denzel Washington, Fred Hechinger, Derek Jacobi, Lior Raz, Peter Mensah, Matt Lucas, May Calamawy, Chi Lewis-Parry, Alexander Simkin, Mike Parish, Jean Carbonaro, Alex Gasperetti, Rory McCann, Alec Utgoff, Tim Mclnnerny, Alexander Karim, Lee Charles, Riana Duce, Chidi Ajufo, Alfie Tempest, Hadrian Howard, Mikhail Basmadjian, Paul Candelent, Tom Moutchi, Matthew Charlery-Smith, Maxime Durand, Kurt Laferla, Nahna James, Line Ancel, Bernard Meenan y Stathis Papadopoulos.

PRODUCTORA: Scott Free Productions// Red Wagon Productions// Paramount Pictures// Parkes+MacDonal Image Nation// Red Wago Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.  

BIOGRAFIA DEL DIRECTOR:

Ridley Scott, estudió Arte y Cinematografía en el West Hartlepool Collage of Art y en el Royal Collage of Art, donde desarrolló sus dotes en la pintura, la decoración, la fotografía y el diseño gráfico. Su primer cortometraje lo rodó mientras estudiaba en la escuela de cine, “Boy on a bycicle” 1965 y un capítulo para la serie “Z Cars” de ese mismo año. Continuó en la televisión en series como “Thirty-Minute Theatre” 1966, “Adam Adamant Lives!” 1966/67, “The Infomer” 1967 y “The Troubleshooters”  1969, saltando al cine con “Los duelistas” 1977, “Alien, el octavo pasajero” 1979, “Blade Runner” 1982, “Legend” 1985,  “La sombra del testigo” 1987, Black Rain” 1989, “Thelma & Louise” 1991, “1492; La conquista del paraíso” 1992, “Tormenta blanca” 1996, “La teniente O, Neal” 1997, “Gladiator (El gladiador)” 2000, “Hannibal” y “Black Hawk derribado” 2001, “Los impostores” 2003, “El reino de los cielos” y “Todos los niños invisibles” 2005, “Un buen año” 2006, “American Gangster” 2007, “Red de mentiras” 2008, “Robin Hood” 2010, “Prometheus” 2012, “El consejo” 2013, “Exodus: Dioses y reyes” 2014,  “Marte” 2015, “Alien: Covenant”  y “Todo el dinero del mundo”2017, La Casa Gucci”  y “El último duelo” 2021, “Napoleón” 2023 y este 2024 nos ofrece “Gladiator 2”. No menciono los premios que han obtenido sus obras, porque son numerosos, al igual que los videoclips, sus intervenciones en diversas series de televisión y cortometrajes.

EL BAÑO DEL DIABLO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Austria y Alemania, El baño del diablo está escrita y dirigida por Severin Fiala y Veronika Franz.

Una mujer camina con su bebé llorando en brazos, se interna en un bosque, le coloca un collar que parece un amuleto alrededor del cuello y desde lo alto de una gran cascada lo arroja al agua. Lentamente regresa al pueblo, llama a una puerta y cuando abren comenta que ha cometido un crimen, dicha mujer es condenada a muerte y expuesta ante todos.

Estamos en Austria en el siglo XVIII. En un pueblo rodeado de bosques en donde vive Agnes (Anja Plaschg), preparándose para casarse con Wolf (David Scheid). Una boda austera y tranquila. La noche de bodas Wolf parece no tener demasiado interés en consumar la relación y así ocurre el resto de las noches y de los días. Viven de lo poco que da la pesca. Agnes contrae una extraña dolencia física y mental y hasta aquí puedo escribir.

El guionista y director, Severin Fiala, se inició escribiendo y dirigiendo cortometrajes en 2009. En 2012 codirigió el documental “Kern” junto a Veronika Franz. Juntos alcanzarían un gran éxito internacional dos años más tarde con “Buenas noches Mamá” 2014. En su filmografía nos encontramos con el mediometraje “ElePhant Skin” con Ulrike Putzer, el largometraje colectivo “The Field Guide to Evil” 2018, la colaboración en la serie “Servant” 2019 y junto a la directora Veronika Franz los ya mencionados “Kern” 2012 y “Buenas noches Mamá” 2014 además de “La cabaña siniestra” 2019 y este año nos presentan “El baño del diablo” 2024. En cuanto a la guionista y directora, Veronika Franz se graduó en la carrera de filosofía. En sus inicios fue crítica de cine, asistente de dirección y guionista para numeras obras de Ulrich Seidl hasta debutar en la dirección junto a Severin Fiala y en las obras ya mencionadas.

El baño del diablo se nos presentas como un duro drama rural con connotaciones psicológicas. El terror no es físico ni visceral y por descontado tampoco gore, pues este se encuentra en lo más profundo de la psique de la protagonista, quien en ocasiones nos confunde entre sus delirios y extraños comportamientos, en unos tiempos nada fáciles para las mujeres, pues además de reinar el patriarcado, merodeaban a sus anchas la todopoderosa iglesia y el concepto de brujería, cuando algo era difícil de comprender o explicar. Hay un instante en que un personaje le dice a Wolf que cree que su mujer ha recibido “El baño del diablo”, quedando patente la ignorancia y supersticiones de un pueblo apartado de toda civilización y subyugado a los señores, a cambio de un trozo de pan negro y poco más.

Inspirada en hechos reales, una vez más la mujer es el centro de atención y sin duda ellas nos regalan instantes muy interesantes, en particular los que rodean a Agnes, quien conquista al espectador con una interpretación dramática, aplastante, sobrecogedora y terrorífica, cuando exterioriza lo más íntimo del personaje o en escenas como las lavanderas en el río, sus momentos de introspección ante el altar que ella misma ha creado o las conversaciones con su suegra que le reprocha que no atiende bien a su hijo con frases lapidarias como “Al Señor (Dios) le molestará que no cocines para tu marido”

A tener en cuenta los aspectos técnicos que intervienen, actuando como personajes secundarios y vitales, entre los que encontramos la fotografía, la banda sonora o el sonido. En su conjunto logran concebir estampas que visten al filme de un extraño manto, de una atmósfera fría por la que deambulan, sin ningún pudor, la hambruna, la suciedad, la soledad, la tristeza o los desengaños. Todo bajo el amparo de una magnífica fotografía austera y sencilla, bucólica y bella de Martin Gschlacht, entre precisos encuadres, colores apagados, la tenue iluminación que se apoya en instantes muy concisos en la luz que desprende, por ejemplo, el fuego. La escena en la que Agnes está cocinando con una rama prendida en su boca, nos pone en situación de la vida en esos tiempos. En cuanto al sonido asfixiante escucharemos, aunque no entendamos o sí, al bosque, al viento, a los arroyos, el crujir de la hierba y las ramas o el salpicar del agua y en cuanto a la banda sonora de Anja Plaschg, logra que estemos constantemente en alerta y angustia.

En resumen, “El baño del diablo” es un filme duro, con un “terror” que se alimenta del alma, del cerebro, de las supersticiones, de la depresión, de lo inhumano y de una religión férrea, cuyas promesas mal entendidas pueden llevar al desastre. Una interpretación magnífica de Anja Plaschg y de una desasosegante Maria Hofstäffet encarnando a la suegra y quizás, el punto negativo se encuentre en el ritmo tan pausado que los directores otorgan al filme. ¿Algunas veces necesario? Quizás. Finalmente lo que sí debo avisar al público que espera una película de terror al uso con sus sustos, desmembramientos, gritos, gore etc., que esta no lo es, pero que merece la pena verla, desde otros puntos, cinematográficamente hablando, muy interesantes.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Anja Plaschg, David Scheid, Natalija Baranova, Maria Hofstätter, Lucas Walcher, Claudia Martini, Elias Schützenhofer,

PRODUCTORA: Ulrich Seidl// Film Produktion GmbH// ARTE// Bayerischer Rundfunk (BR) // Heimfilm Gmbh// Österreichischer Rundfunk (ORF)

DISTRIBUIDORA: Caramel Films España.

TERRIFIER 3: CRÍTICA DE CINE

Terrifier 3 está escrita y dirigida por Damien Leone. “has sobrevivido al asesino en serie más famoso después de Jack el destripador”

El prólogo nos sitúa en una Noche Buena donde Art el payaso (David Howard Thornton), entra en la casa de una familia y mata al matrimonio y los dos hijos con un hacha, tras la matanza se sienta cómodamente y se come las galletas con leche que habían preparado para Santa Claus, mientras suena un villancico.

Han pasado 5 años desde que Sienna (Lauren LaVera) sobreviviera a Art el Payaso en la masacre de Halloween, decapitándolo. Regresa a la casa de sus tíos Jess (Margaret Anne Florence) y Greg (Bryce Johnson) que tienen una hija Gabbie (Antonella  Rose), Gabbie adora a Sienna. La recibe ilusionada, pero aunque Sienna intenta comportarse de manera natural, sigue atormentada. Visita a su hermano Jonathan (Elliot Fullam) en la universidad y éste le pide que intente olvidar, que es lo mejor para los dos. Mientras todo esto sucede veremos a Art y Victoria (Samantha Scaffidi), despertar de su letargo, cuando dos trabajadores de demolición entran en la casa. Art y Victoria los matan, iniciando una nueva pesadilla.

Terrifier 3 forma parte de una franquicia de películas Slasher creadas por el productor, artista de efectos especiales, guionista y director Damien Leone. El famoso y terrorífico payaso llamado Art, apareció por primera vez en dos cortometrajes: “The 9th Circle” 2008 y “Terrifier” 2011 para saltar al largometraje con la película de antología “La víspera de Halloween” en 2013 y continuar con “Frankenstein vs. The Mummy” 2015,  “Terrifier” 2016, “Terrifier 2” 2022 y “Terrifier 3” este año. El payaso ha sido interpretado en los cortos por Mike Giannelli y en los largometrajes por David Howard Thornton.

Entré en la sala sin ninguna expectativa, salvo dejarme llevar por las enajenaciones de ese payaso grotesco, pues no había visto ninguna de las dos entregas anteriores y eso que soy un gran amante del cine de terror. Confieso que los payasos nunca fueron mi debilidad, más bien me provocaban rechazo, no entendía porque un hombre tenía que llevar la cara pintada de esa manera y mucho menos ropas tan extravagantes, para intentar hacer reír. En un principio dudé asistir al pase, pero un amigo, muy fan de la saga, me recomendó que al menos viera  una de ellas para luego poder opinar.

Así que me animé y me  senté cómodamente en la butaca. El prólogo ya te deja con la boca abierta y mal cuerpo. Como aperitivo empezaba fuerte, preparando al espectador para una nueva carnicería, una oleada de gore y desmembramientos sin cortarse un pelo, acompañado de un guion narrativo que posiblemente no supere las 10 páginas, pero para qué, para qué hablar cuando lo que el público espera es que la sangre salpique la pantalla, que las vísceras y otras partes de los cuerpos, se vean en planos cortos; que se resbale sobre la abundante sangre que cae al suelo e incluso se atreva a realizar la figura clásica del ángel tumbado en el suelo, pero en vez de sobre la blanca nieve, lo hará sobre la roja sangre. Total, solo es cambiar de color y textura.… Hubo un momento en que no sabía si desconectar o seguir mirando la pantalla.

Debo admitir que algo, desconocido, sí me mantuvo pegado a la butaca y lo que recomiendo encarecidamente a quien nunca haya visto uno de estos filmes, que si tiene la curiosidad de hacerlo, cubra su alma y todos los sentimientos y emociones, con un potente chubasquero. Que nada de lo que vea o escuche traspase la piel ni el cerebro, pues es la única forma de salir con los valores humanos intactos de la sala. Sin duda Leone tiene una importante tara en su cerebro y la lleva al límite. Es imposible que nadie en su sano juicio pueda idear escenas macabras y explícitas, de tal calibre. Esto no es terror, esto traspasa todos los límites y los cómplices de esta maquinaria de matar son el director guionista y el actor principal. Es precisamente David Howard Thornton, quien poseído por Art, realiza un trabajo de interpretación soberbio, un mimo terrorífico cuyos gestos y muecas te hacen reír a la vez que te atenazan y aterrorizan. Está claro que la fusión con semejante monstruo, es absoluta.

El horror está constantemente coqueteando con la comedia. Una de esas escenas divertidas sucede cuando Art escucha como hablan de él, resulta burlesca a la vez que grotesca,  y entre las más bestias, causando un gran impacto visual y psicológico, está la del centro comercial. Vemos como Art entra en dicho establecimiento y se sienta en el trono destinado a Santa Claus, sabemos que algo horrible va a pasar, pero creo que nadie podría imaginar lo que realmente sucede. Al menos a mí, me costó reaccionar durante breves instantes, hasta que la película me volvió a reclamar. ¡Maldita película!, consigue su objetivo de principio a fin. Es terriblemente sucia y asquerosamente divertida.

Comentaros, para ir finalizando, que cuenta con una dirección muy lineal, con un guion muy básico, pues se limita a saltar de escena en escena, elevando el grado de crueldad y litros de sangre, en cada una de ellas. Por su parte los actores ofrecen interpretaciones correctas, algunos sobreactuados pero nada que no se espere en este tipo de películas que desde luego, no van a aspirar a un Oscar. Sobre los efectos especiales poco que decir, pues Damien Leone, ha dedicado toda su vida a ellos. Tras todo lo dicho, es lógico recomendar esta película a los amantes del Splatter. Les va a volver locos.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de octubre

REPARTO: David Howard Thornton, Lauren LaVera, Margaret Anne Florence, Chris Jericho, Elliott Fullam, Daniel Roebuck, Samantha Scaffidi,  Antonella Rose, Bryce Johnson, Daniel Roebuck, Tom Savini, Jason Patric, Krsy Fox, Luciana VanDette, Alex Ross, Kellen Raffaelo Alexa Blair Robertson, Mason Mecartea, Stephen Cofield Jr., Clint Howard, Annie Lederman, Bradley Stryer, Jon Abrahams, Phil Falcone y Michael Genet.

PRODUCTORA: The Coven// Bloody Disgusting// Dark Age Cinema// Fuzz on the Lens Productions.

DISTRUBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.