ROCK BOTTOM: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Polonia, Rock Bottom está dirigida por María Trénor compartiendo guion con Joaquín Ojeda.

Nos encontramos en Nueva York en el inicio del verano de 1973. Dos jovencitas entran en una tienda de discos y ponen un LP sobre el tocadiscos. Mientras cantan la canción, se nos muestra la vida que se respira entre las calles de la ciudad con sus singulares personajes. Las dos chicas salen del comercio y se cruzan con Bob (Voz Fermí Delfa) quien sin hacerlas el menor caso continúa su camino hasta llegar a un edificio; tras hablar con los porteros, entra en el interior. En el pasillo de uno de los pisos vemos a un joven tirado en el suelo metiéndose un pico, él pasa por encima del joven y se introduce en una de las casas. En ella están celebrando una fiesta. David (Voz Roger Riu), el dueño de la casa le da la bienvenida, pues Bob ha estado viviendo una larga temporada en Mallorca. Será en esa fiesta donde sabremos que el motivo de su regreso lo ha ocasionado la ruptura con su pareja Alif (Voz Laura Casaña Pardo), una directora de cine experimental. Ni en la lejanía, podrá olvidar la experiencia vivida con Alif.

María Trénor, se licenció en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la UPV de Valencia. Ha participado con diversas instituciones, en conferencias, masterclasses y mesas redondas sobre cine. También ha colaborado en publicaciones de la Filmoteca Valenciana y la Editorial Ocho y Medio. En la actualidad ejerce de profesora de Medios Audiovisuales en la Escuela de Artes y Superior de Diseño de Valencia. Ha dirigido los cortometrajes “¿Con qué la lavaré?” 2003, “Exlibris” 2009 y ¿Dónde estabas tú? 2016 y este año debuta en el largometraje con “Rock Bottom” 2024

“El 26 de julio de 1974 se lanzó el álbum “Rock Bottom”, la obra maestra de Robert Wyatt que creó en Deyá (Mallorca). Un disco único producido por Nick Mason (Pink Floyd), en colaboración con algunos músicos de la época. Ese mismo día Robert Wyatt se casó con la artista Alfreda Benge. El disco relata la historia de amor al límite entre Bob y Alif, que está inspirada en la del propio Wyatt con la ilustradora y letrista Benge. Para celebrar su 50º aniversario se ha masterizado todas las canciones del álbum que han servido de inspiración para este musical.” Así comienza este más que interesante filme.

Lo primero que hay que resaltar es que estamos ante una película de animación para mayores y no es una broma. Tanto los temas que toca como las imágenes, están destinadas a un público adulto, pues la historia se centra en los convulsos años 70, el movimiento hippie, la libertad sexual, el consumo de drogas, las fiestas orgiásticas y cuanto rodeaba a la juventud de la época, incluida la cultura.

María Trénor, ha creado una película compleja y dramática, más allá de la animación psicodélica que nos ofrece, cuya virtud, además de atrapar al espectador, radica en las potentes imágenes y la música compuesta por Robert Wyatt, abrazando una narración con alma y unos personajes viviendo entre las luces y las sombras. El brillo de la genialidad y del amor que parecen dispensarse en medio de la naturaleza y la oscuridad que provocan las drogas, el alcohol y la monotonía que inevitablemente deben aceptar, aunque no lo deseen. Una combinación explosiva que si no se sabe canalizar, te precipita a los infiernos. Un viaje que viviremos junto a los dos personajes de carne y hueso, con alma y corazón, diseñados con trazo sencillo pero de gran fuerza expresiva en las miradas y gesticulaciones, y que estarán siempre arropados por la música como hilo conductor.

Una animación teñida del humo provocado por el incienso, las cachimbas o los porros consumidos durante las fiestas ya mencionadas, que se apoderaba de cuantos espacios y rincones se encontraba en el camino, en contrate directo con la urbe que les rodea o esa naturaleza viva, lejos de la ciudad que ahora habita Bob, como es la isla de Mallorca de la que ha regresado y con quien volveremos a través de los diversos flashbacks. Pero la animación también posee el componente relajante e hipnótico, originado por ese calidoscopio de formas y colores producto de la psicodelia, en las mentes activas, turbadas, liberadas y estimuladas por los estupefacientes. No podemos olvidarnos del elemento histórico viendo pasar el tiempo a través de un televisor por el que desfilarán escenas como la dimisión de Richard Nixon ante el escándalo Watergate o la presencia de Arias Navarro anunciando la muerte de Franco, la llegada de los primeros videojuegos hasta presenciar otras guerras, los juegos olímpicos de Barcelona o la caída de las Torres Gemelas, por poner algunos ejemplos que nos llevarán hasta nuestro presente.

En resumen, Trenór nos involucra en una obra experimental en pleno siglo XXI con la esencia de los años 70 del siglo pasado, derrochando todo su saber a la vez que nos deleita con una espectacular banda sonora. Un filme feminista en el que la mujer disfruta de su libertad codo a codo con el hombre. Es difícil no dejarse contagiar por esta película a la que considero una pequeña joya de la animación por su originalidad y puesta en escena.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre.

MUSICA: Robert Wyatt.

PRODUCTORA: Alba Sotorra// Jaibo Films// GS Animation// Alba Sotorra Cinema Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon.

LA MALDICIÓN DEL QUEEN MARY: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido, Irlanda y Estados Unidos, La maldición del Queen Mary, está dirigida por Gary Shore compartiendo guion con Gary Dauberman y Tom Vaughan. 

La historia se centra en dos familias, la primera navegando en el Queen Mary a finales de los años treinta formada por Gwen Ratch (Nell Hudson), David Ratch (Wil Coban) y su hija Jackie Ratch (Florrie Wilkinson). En el restaurante los padres han conseguido una mesa cerca de Fred Astaire (Wesley Alfvin) y sus compañeros de viaje. El sueño de los padres es mostrarles las dotes de bailarina que posee su hija.

Años más tarde, en la actualidad, cuando la embarcación se ha convertido en un museo, suben a bordo otra familia Anne Calder (Alice Eve), Patrick Calder (Joel Fry) y su hijo Lukás Calder (Lenny Rush) quien parece que tiene el don de presentir a su alrededor fenómenos paranormales. Sus padres le regalan una cámara de fotos y Anne le invita a capturar fotográficamente, a todos los fantasmas. Lo que ninguno de los tres espera es la experiencia que van a vivir durante la visita.

El guionista, productor y director, Gary Shore, se graduó en la Escuela Nacional de Cine en 2006 y ganó el premio de la Royal Televisión Society al mejor drama estudiantil por su corto The Draft 2006, otros de sus cortos han sido “La copa de las lágrimas” 2009 y “Día de San Patricio” 2016. Debutó con el largometraje “Drácula, la leyenda jamás contada” 2014, “Holidays” 2016 y este año nos ofrece “La maldición de Queen Mary” 2024.

Llegamos a diciembre y haciendo memoria, recuerdo que enero comenzó con una interesante película de género, “Cuando acecha la maldad” de Demián Rugna, tras esta y a lo largo del año, nos han visitado otros filmes con mayor o menor acierto. Ahora, a pocos días de terminar el 2024, a la gran pantalla llega “La maldición del Queen Mary”. Un filme que me ha dejado la cabeza volada, como comenté al salir de la sala y pasados los días, sigo sin aclararme qué es lo que ha pretendido Shore y los guionistas Dauberman y Vaughan, contarnos. Más bien parece que cada uno de ellos ha ido a su bola, los guionistas dividiéndose las dos historias de la trama y el director, jugando a crear algo original que desgraciadamente no le ha salido bien.

No diré que es una película mala, pero sí confusa de principio a fin. Un filme ambicioso cargado de referentes, que por instantes parece que estemos ante un Escape Room o que ha tomado la identidad de un documental con pequeños detalles sobre la historia del Queen Mary, mientras se nos muestra el interior de dicho barco-museo e incluso, me ha recordado, salvando las diferencias, instantes extraídos de “El Resplandor” o de las decenas de películas de barcos fantasmas, que pasaron a mejor vida. 

Sigo pensando que si hubieran tomado la decisión de escoger como única historia, la que se desarrolla a finales de los años 30, que por cierto está muy bien ambientada y que cuenta con la mejor escena de toda la película, en la que vemos marcarse un baile a Fred Astaire con la joven Jackie Ratch, quizás, hubiera funcionado, pero el problema es que todo queda en el aire y sin resolver, escena tras escena, desfilando ante nuestros ojos la incertidumbre del abandono mientras se intenta camuflar todo el caos con demasiada oscuridad, dosis de gore y de trances sin aclarar. Lo que me cuesta aun entender, es como el montador ha sido capaz de editar tal descalabro o quien sabe, hasta él puede ser uno de los culpables de lo visto en pantalla; lo que sí tengo claro es que este batiburrillo de idas y venidas no encuentra un eje en el que apoyarse, ni siquiera el propio barco, desconcertando al espectador más curtido en el género y creo, sin confundirme, que a los propios actores, pues se mueven entre los distintos escenarios, como pollos sin cabeza, intentando que la historia no zozobre.

Resumiendo, dos historias que marean tanto llevar al espectador de un lugar a otro sin ninguna razón y con demasiados giros que, como he dicho al inicio, te vuelan la cabeza; provocando que nos dejen de interesar y nos obliguen a desviar la atención a detalles como el correcto vestuario de época, la cuidada ambientación, el diseño del museo y de un par de golpes de efecto. Es una pena que cuatro manos hayan escrito con tal desgana y que alguien se haya atrevido a dirigir, sin darle una pequeña o gran vuelta al guion. Me encantaría llevarme un buen sabor de boca al nuevo año, con otro filme de terror, pero creo que no queda ninguno en la recámara.

Para finalizar y como suelo decir en estos casos, cuando una película me ha creado una mala impresión, si sois amantes del género de terror y suspense, atreveros con ella y luego sacad vuestra propia conclusión. La magia del cine provoca que no siempre un filme cale por igual en unos que en otros.

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de diciembre

MUSICA: Tiffany Ashton, Jason Livesay y Nolan Livesay

FOTOGRAFIA:Isaac Bauman

REPARTO: Alice Eve, Joel Fry, Angus Wright, Nell Hudson, Tim Downie, Jim Piddock, Alfredo Tavares, Dorian Lough, Wil Coban, Joelle Koissi, Lenny Rush, Russell MacLeod, Mark Silverman y William Shockley

PRODUCTORA: Creativity Capital// Imagination Design Works// White Horse Pictures// Fulwell 73// Trinity Media Financing.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

EL MINISTRO DE PROPAGANDA: CRÍTICA DE CINE

El ministro de propaganda, está escrita y dirigida por Joachim A. Lang “Contaremos la verdad siempre que esta sirva a nuestros intereses”

En una sala privada de cine, están visionando el material que tienen grabado sobre Adolf Hitler (Fritz Karl), cuando se dan cuenta de que se ha colado una secuencia en plano corto en la cual se aprecia como a Hitler le tiemblan las manos y deciden cortarla, mientras conversan sobre la importancia de cuidar la imagen del führer. De dicho cometido se encargará Joseph Goebbels (Robert Stadlober), el ministro de propaganda, obsesionado con la figura del dictador a quien acompañará desde marzo de 1938 hasta su muerte en mayo de 1945. Su trabajo estuvo relacionado con la creación de películas propagandísticas, la parafernalia que rodeaba a Hitler en sus actos e incluso los discursos que pronunció.

El guionista y director, Joachim Lang, debutó con el documental “Brecht-Die Kunst zu leben” 2006 continuando con “Da wo ich bin ist Panama” 2011, “Mackie Messer-Brechts Dregroschenfilm 2018, “Cranko” y “El ministro de propaganda” en 2024.

No hay año que la gran o pequeña pantalla no sea asaltada por algún filme o serie relacionado con la Segunda Guerra Mundial, el nazismo o la figura de Adolf Hitler y cada vez que visiono alguna de ellas, me hago la misma pregunta. ¿Todavía queda material sobre las atrocidades que supuso esa parte de la historia negra del siglo XX? Me refiero al nacionalsocialismo, la ideología de extrema derecha que con Adolf Hitler a la cabeza, gobernó Alemania entre los años 1933 hasta su caída y muerte en 1945. La respuesta, desgraciadamente, siempre es sí y este filme, os aseguro que no os dejará indiferentes.

Joseph Goebbels fue ministro para la Ilustración Pública y Propaganda del Tercer Reich entre los años ya mencionados. Tenía un gran talento como orador, era antisemita y su absoluta discriminación racial provocó, entre otras cosas, el genocidio de los judíos (Holocausto). Su ministerio se adueñó de la supervisión de los medios de comunicación, las artes y la información del país, llegando a utilizar la radio y el cine, con gran acierto, para sus terroríficos fines. Una mente brillante y retorcida al servicio del odio y del mal.

Debo reconocer que desconocía la existencia de este individuo, pero visto en la gran pantalla, ha sido toda una revelación y una sensación desagradable y dolorosa, por cuanto ocasionó. Cuando hablamos de que la realidad supera a la ficción, este es uno de esos ejemplos; ningún escritor, creo que  haya sido capaz de idear a un villano, a un personaje tan maligno y retorcido, como lo fue Joseph. Nació para promocionar el mal y encumbrarlo a lo más alto y lo peor de todo, es que lo logró. Para dar vida a este sujeto, Lang ha contado con Robert Stadlober, quien desde la primera escena se mete en la piel de Goebbels alterando nuestra conciencia con su actitud fanfarrona y machista, de verborrea afilada y  miradas inquietantes. Un manipulador de masas que supo utilizar los medios a su alcance para lograr su objetivo: Engañar al pueblo a través de su absoluta dedicación y amor irracional al régimen y Hitler y al odio exacerbado por los judíos. Una interpretación que destaca sobre las demás, aunque también despunta Fritz Karl dando vida a Hitler y Franziska Weisz como Magda, la resignada esposa de Joseph, quien tras las amenazas del propio Hitler, permanecerá junto a su marido, hasta el asolador final. En cuanto al resto del elenco actoral, ninguno defrauda.

El ministro de propaganda cuenta con un guion rico en matices y agudos diálogos que junto a las voces en off, no conceden tregua ni para respirar o pensar; pues lo de pensar, habrá cavilado Joachim, mejor lo dejamos para cuando las luces se encienda y salgamos fuera de la sala, ya que el filme invita al debate. Un inquietante debate que nos lleva a reflexionar sobre la realidad del hoy en día y el pensar en el control que de los medios escritos y audiovisuales en tantas ocasiones, hacen los políticos y los que están a su servicio, contaminando la verdad y dividiendo a la sociedad. Divide y vencerás, aunque Hitler era más del pensamiento de unir para vencer. Estamos por tanto ante un escalofriante relato histórico que nos recuerda que no debemos caer en errores del pasado.

No os quiero desvelar nada más y sí por el contrario, invitaros a verla. Terminaré comentando que cuenta con una cuidada fotografía en la mirada de Klaus Fuxjäger, quien consigue recrear algunas secuencias conservadas en los archivos y que el montador Rainer Nigrelli, ha sabido engarzar con suma perfección. En cuanto a la música de Michael Klaukien, motiva que sus notas, ayuden a mantenernos atentos a cuanto acontece.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de noviembre

REPARTO: Robert Stadlober, Fritz Karl, Raphaella Möst, Franziska Weisz, Moritz Führmann, Katia Fellin, Michael Glantschnig, Sebastian Thiers, Oliver Fleischer, Raphael Nicholas, Dominik Maringer, Till Firit, Christoph Franken, Martin Bermoser, Wolfram Rupperti, Emanuel Fellmer, Johannes Rhomberg, Peter Windhofer, Sascha Göpel, Helene Blechinger, Damien Erminio Ballasina, Franziska Linderthaler, Ferdinand Tuppa, Tomheinz Breitenecker, Alexander Diwiak, Stefanie Schietz y Andrea Kruzliaková.

PRODUCTORA: Zeitsprung Pictures// SWR// Act HeadQuarter Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films. 

EL ARTISTA DE CRISTAL: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Paquistán y Estados Unidos, El artista de cristal, está escrita y dirigida por Usman Riaz, basándose en una historia de Moya O`Shea. “Somos un eslabón más de la guerra”

Vincent Oliver (Voz Sacha Dhawan) es un joven huérfano de madre que ha aprendido la profesión de vidriero de la mano de su padre Thomas Oliver (Voz Art Malik). Viven en una ciudad costera y poseen el mejor taller de vidrio. Thomas está preparando el cartel que anuncia la próxima exposición de vidriería de su hijo. La guerra está próxima y a la ciudad llegan Alliz Amano (Voz Anjli Mohindra), una joven de gran talento que toca el violín, junto a su madre y su padre el  coronel Amano (Tony Jayawardena). Los jóvenes conectan desde el primer día.

Estamos ante una historia de amor en tiempos de guerra que ellos mismos, Vincent y Alliz, tal vez por timidez, prontitud o por las diferencias de clases sociales, disfrazan de amistad. Una amistad que se afianza gracias a las profesiones artísticas que ejercen, Alliz una virtuosa violinista y Vincent desbordando imaginación con las figuras de vidrio que crea, buscando formas y colores que les den vida propia; pero algo invisible y muy presente parece querer separarles: El patriotismo en la personalidad del padre de Alliz como coronel del ejército y el pensamiento libre y pacífico que profesa Thomas. Un drama con momentos dulces e imágenes que nos hacen soñar. Un filme que inunda la gran pantalla como una suave melodía en tiempos de guerra.

La banda sonora nos envuelve con la música que desprende el violín. Compañero inseparable de Alliz, que como el viento, disemina las notas como vocablos que recoge el alma y la mente asimila, contándonos su propia historia, hasta alcanzar el momento cumbre, llegando al final del metraje. Descubrir por medio de la animación, la delicada creación de una figura de cristal a través de la pequeña MasterClass que el padre ofrece al hijo. Una lección en la que el joven alcanza a comprender la importancia de la arena, de esas partículas que masajean nuestros pies descalzos en las playas y que sin ellas, sería imposible concebir la belleza de aquello que un día fue imaginado, sin olvidarse del fuego, del pequeño sol que alimentan en el taller. Una existencia que se mueve entre la vida y la muerte, entre la felicidad y las lágrimas.

Cada fotograma ha sido dibujado a mano en 2D, usando una gran variedad de tonalidades. Los pasteles para la cotidianidad del día  a día y los rojizos y más lúgubres elevando el drama de la guerra. La animación cuenta con un toque de realismo mágico, cambiando radicalmente entre los cuadros y la luz que representan las escenas más románticas, naturalistas y de  ensoñación en contraste con los diversos conflictos en los que se ven envueltos los personajes: Las diferencia de clases sociales, el tenso momento que se origina durante el concierto de música en el que interviene Alliz o los más evidentes, los enfrentamientos en el campo de batalla, por poner algunos ejemplos.

Un filme que pisa fuerte, con una dirección templada y elegante y un guion maravilloso, enternecedor, mágico y tan intenso que por momentos nos olvidamos que estamos ante un filme de animación, pues sus personajes muestran tanta vida que los sentimientos y las emociones los convierten por instantes en seres de carne y hueso o tal vez, sea mejor que no lo sean y sigan siendo trazos y color, para no perder la calidez de la libertad y la verdad. Usman, sino tenía suficiente con encargarse de dirigir y escribir la historia, compone la banda sonora junto a Carmine Di Florio. Una banda sonora que como he comentado, logra calar en el espectador.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de noviembre.

PRODUCTORA: Mano Animation Studios// Awedacious Originals.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

GLADIATOR 2: CRÍTICA DE CINE

GLADIATOR 2 está dirigida por Ridley Scott con guion de David Scarpa. “La arena convierte a los esclavos en gladiadores y a estos, en hombres libres”

Han pasado 16 años de la muerte de Máximo (Russell Crowe). Lucio (Paul Mescal) y su mujer Aristhat (Yuval Gonen) son una pareja de soldados que viven felizmente en Numidia, en la costa norteafricana. Se ven obligados a entrar en contienda contra las legiones romanas a cargo de Marcus Acacius (Pedro Pascal). Aristhat muere atravesada por una flecha y Lucio es apresado y llevado a Roma, gobernada por los emperadores Caracalla (Fred Hechinger) y Geta (Joseph Quinn) que tienen al pueblo sumido en la miseria. Allí es vendido a Macrinus (Denzel Washington), un rico mercader, quien pronto descubrirá en Lucio el potencial para la lucha en la arena como gladiador, a causa de la ira que rezuma en su interior.

En el año 2000, Ridley Scott nos sorprendió con un gran espectáculo ambientado en la época romana, “Gladiator”, colmado de aventuras, intrigas, venganzas y complots. Ganó numerosos premios internacionales entre ellos 5 Oscar.  Este año reemprende aquella historia, con un inicio que nos deja pegados a la butaca, hasta transcurridas las dos horas y media de metraje. Nuevamente y a sus 86 años de edad, el maestro nos sorprende en pleno estado de forma y lucidez. Es impresionante admirar el trabajo que realiza. Una impecable MasterClass de cine clásico y épico, esta última palabra, épico, seguramente la usaré en más de una ocasión a lo largo de esta reseña, pues el filme lo merece y seguramente entraría en debate, al afirmar que la considero más apoteósica que la primera.

Por si existe alguna duda, os comunico que no es un nuevo remake, como habréis intuido en la reseña y algunos pensaban. Estamos ante una segunda y muy digna entrega de “Gladiator”, por lo que os recomiendo, antes de ver este nuevo espectáculo, refresquéis la memoria visionando la original y si consideráis que quedó algún fleco suelto o la duda de que pasó con determinados personajes, no os preocupéis, aquí se resuelve, tomando de nuevo, como telón de fondo esa Roma clásica, por cuyos pilares se filtraba la corrupción, las luchas por el poder y las intrigas políticas. Tras escribirlo y tal y como suena, parece que no hemos avanzado mucho pasados los siglos.

La Roma corrupta, en esta ocasión está bajo el mandato de Caracalla y Geta, dos hermanos que Septimio Severo nombró, antes de morir, coemperadores en el año 211 d. C. Dos miserables y crueles emperadores que mientras disfrutaban de una vida de lujo, de cuantos placeres les ofrecía la vida y de los grandes eventos o espectáculos que les brindaban las sangrientas luchas de gladiadores, el pueblo pasaba hambre. Junto a la corrupción desfilarán las intrigas políticas y las luchas por el poder, durante las cuales los emperadores, senadores e incluso altos cargos de la alta sociedad y del ejército, debían mantener  cubiertas las espaldas, para no sentir el frío aliento de la muerte. No faltará, entre las páginas del guion y las imágenes ofrecidas por Ridley, el espíritu de Máximo presente durante el metraje, sin olvidar las grandes batallas, invadiendo países lejanos o las diseñadas en otros espacios, para sorpresa y goce del espectador, que no haya visto el tráiler. Todo es más grandioso, más espectacular, más brutal y me atrevería a asegurar que más sangriento.

Una narración épica que deslumbra en cada plano, en cada escena, en cada encuadre perfectamente planificado al milímetro, para que nada falle, para que todo resulte apoteósico y sencillamente natural, dentro de lo complejo. Luchas internas y externas que Ridley Scott junto al guionista David Scarpa, con quien trabajó en Napoleón, aprovecha para recrear coreografías navales y terrestres de gran impacto visual, en comunión con los momentos más íntimos y personales de los personajes. Si algo hay que achacarle es que algunos acontecimientos o personajes históricos saltan ciertos años en el espacio tiempo, pero nadie nos ha dicho que sea una recreación fiel a la Historia, sino una de esas película que abrazando hechos históricos, la convierte en un filme inolvidable, de los que por desgracia ya no se hacen.

Ridley se ha vuelto a rodear de un gran grupo de estrellas, actores y actrices que dan vida a estos personajes con gran credibilidad, despuntando a un descomunal Paul Mescal como el nuevo gladiador, un magnífico Pedro Pascal como el general Marcus Acacius y un impresionante Denzel Washington como Macrinus el mercader y en el lado femenino repitiendo personaje, una maravillosa Connie Nielsen como la emperatriz Lucilla; por nombrar alguno de ellos, pues todos, sin excepción, están brutales en sus personajes.

Por todo lo dicho estamos ante un filme de venganzas, de amores y traiciones, de redención, de fidelidad, de corrupción y de esa fuerza que generan los vínculos de sangre. Hay dolor, sudor, rabia y caricias, miradas que atraviesan y otras que alivian, cuerpos fornidos con mentes sensibles y cuerpos débiles con mentes perversas. Quien crea heridas y quien las cura. La gran contienda entre el bien y el mal, la lucha entre la justicia y las injusticias, la eterna batalla de hombres cabales soñando con sobrevivir en un mundo hermoso en contienda con los más viles, viciados por el deseo de poder, dominación y destrucción. La Historia nos enseña, pero parece que no queremos aprender, es como si el ser humano hubiera nacido para destruirse a sí mismo, cuando debería ser todo lo contrario.

Gladiator 2 cuenta con una espectacular y deslumbrante fotografía de John Mathieson, con quien ya ha trabajado en otras películas entre ellas “Gladiator”, “Hannibal” o “El reino de los cielos”, la épica banda sonora de Harry Gregson-Williams, el impresionante vestuario de Janty Yates y  David Crossman o el colosal montaje de Claire Simpson. Si por algo ha destacado siempre el gran maestro Scott, es por la estética en sus filmes, que incluso deja huella en películas menores. Puestas en escena brillantes que la mente captura por su belleza, inclusive cuando la crueldad se desata y aquí me detengo. Ha sido una crítica larga, lo sé, pero creo que merecía la pena. Así que ya sabéis, si visteis la primera parte, no podéis dejar de ver esta y si no fue así, os recomiendo que la veáis y luego disfrutéis de esta obra maestra.  

“Donde tú vas, allí estaré para siempre”

Creo que es fácil intuir que nota voy a poner. Por sí sola se lo merece pero si además, la unimos a su predecesora, con más motivo. Mi nota es 10 y gracias maestro por esta segunda entrega, que no solo yo, sino muchos amantes del cine y de aquel primer “Gladiator” pensábamos si era necesaria. Sí, lo era y es de justicia reconocerlo.

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Paul Mescal, Pedro Pascal, Connie Nielsen, Joseph Quinn, Denzel Washington, Fred Hechinger, Derek Jacobi, Lior Raz, Peter Mensah, Matt Lucas, May Calamawy, Chi Lewis-Parry, Alexander Simkin, Mike Parish, Jean Carbonaro, Alex Gasperetti, Rory McCann, Alec Utgoff, Tim Mclnnerny, Alexander Karim, Lee Charles, Riana Duce, Chidi Ajufo, Alfie Tempest, Hadrian Howard, Mikhail Basmadjian, Paul Candelent, Tom Moutchi, Matthew Charlery-Smith, Maxime Durand, Kurt Laferla, Nahna James, Line Ancel, Bernard Meenan y Stathis Papadopoulos.

PRODUCTORA: Scott Free Productions// Red Wagon Productions// Paramount Pictures// Parkes+MacDonal Image Nation// Red Wago Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.  

BIOGRAFIA DEL DIRECTOR:

Ridley Scott, estudió Arte y Cinematografía en el West Hartlepool Collage of Art y en el Royal Collage of Art, donde desarrolló sus dotes en la pintura, la decoración, la fotografía y el diseño gráfico. Su primer cortometraje lo rodó mientras estudiaba en la escuela de cine, “Boy on a bycicle” 1965 y un capítulo para la serie “Z Cars” de ese mismo año. Continuó en la televisión en series como “Thirty-Minute Theatre” 1966, “Adam Adamant Lives!” 1966/67, “The Infomer” 1967 y “The Troubleshooters”  1969, saltando al cine con “Los duelistas” 1977, “Alien, el octavo pasajero” 1979, “Blade Runner” 1982, “Legend” 1985,  “La sombra del testigo” 1987, Black Rain” 1989, “Thelma & Louise” 1991, “1492; La conquista del paraíso” 1992, “Tormenta blanca” 1996, “La teniente O, Neal” 1997, “Gladiator (El gladiador)” 2000, “Hannibal” y “Black Hawk derribado” 2001, “Los impostores” 2003, “El reino de los cielos” y “Todos los niños invisibles” 2005, “Un buen año” 2006, “American Gangster” 2007, “Red de mentiras” 2008, “Robin Hood” 2010, “Prometheus” 2012, “El consejo” 2013, “Exodus: Dioses y reyes” 2014,  “Marte” 2015, “Alien: Covenant”  y “Todo el dinero del mundo”2017, La Casa Gucci”  y “El último duelo” 2021, “Napoleón” 2023 y este 2024 nos ofrece “Gladiator 2”. No menciono los premios que han obtenido sus obras, porque son numerosos, al igual que los videoclips, sus intervenciones en diversas series de televisión y cortometrajes.

EL BAÑO DEL DIABLO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Austria y Alemania, El baño del diablo está escrita y dirigida por Severin Fiala y Veronika Franz.

Una mujer camina con su bebé llorando en brazos, se interna en un bosque, le coloca un collar que parece un amuleto alrededor del cuello y desde lo alto de una gran cascada lo arroja al agua. Lentamente regresa al pueblo, llama a una puerta y cuando abren comenta que ha cometido un crimen, dicha mujer es condenada a muerte y expuesta ante todos.

Estamos en Austria en el siglo XVIII. En un pueblo rodeado de bosques en donde vive Agnes (Anja Plaschg), preparándose para casarse con Wolf (David Scheid). Una boda austera y tranquila. La noche de bodas Wolf parece no tener demasiado interés en consumar la relación y así ocurre el resto de las noches y de los días. Viven de lo poco que da la pesca. Agnes contrae una extraña dolencia física y mental y hasta aquí puedo escribir.

El guionista y director, Severin Fiala, se inició escribiendo y dirigiendo cortometrajes en 2009. En 2012 codirigió el documental “Kern” junto a Veronika Franz. Juntos alcanzarían un gran éxito internacional dos años más tarde con “Buenas noches Mamá” 2014. En su filmografía nos encontramos con el mediometraje “ElePhant Skin” con Ulrike Putzer, el largometraje colectivo “The Field Guide to Evil” 2018, la colaboración en la serie “Servant” 2019 y junto a la directora Veronika Franz los ya mencionados “Kern” 2012 y “Buenas noches Mamá” 2014 además de “La cabaña siniestra” 2019 y este año nos presentan “El baño del diablo” 2024. En cuanto a la guionista y directora, Veronika Franz se graduó en la carrera de filosofía. En sus inicios fue crítica de cine, asistente de dirección y guionista para numeras obras de Ulrich Seidl hasta debutar en la dirección junto a Severin Fiala y en las obras ya mencionadas.

El baño del diablo se nos presentas como un duro drama rural con connotaciones psicológicas. El terror no es físico ni visceral y por descontado tampoco gore, pues este se encuentra en lo más profundo de la psique de la protagonista, quien en ocasiones nos confunde entre sus delirios y extraños comportamientos, en unos tiempos nada fáciles para las mujeres, pues además de reinar el patriarcado, merodeaban a sus anchas la todopoderosa iglesia y el concepto de brujería, cuando algo era difícil de comprender o explicar. Hay un instante en que un personaje le dice a Wolf que cree que su mujer ha recibido “El baño del diablo”, quedando patente la ignorancia y supersticiones de un pueblo apartado de toda civilización y subyugado a los señores, a cambio de un trozo de pan negro y poco más.

Inspirada en hechos reales, una vez más la mujer es el centro de atención y sin duda ellas nos regalan instantes muy interesantes, en particular los que rodean a Agnes, quien conquista al espectador con una interpretación dramática, aplastante, sobrecogedora y terrorífica, cuando exterioriza lo más íntimo del personaje o en escenas como las lavanderas en el río, sus momentos de introspección ante el altar que ella misma ha creado o las conversaciones con su suegra que le reprocha que no atiende bien a su hijo con frases lapidarias como “Al Señor (Dios) le molestará que no cocines para tu marido”

A tener en cuenta los aspectos técnicos que intervienen, actuando como personajes secundarios y vitales, entre los que encontramos la fotografía, la banda sonora o el sonido. En su conjunto logran concebir estampas que visten al filme de un extraño manto, de una atmósfera fría por la que deambulan, sin ningún pudor, la hambruna, la suciedad, la soledad, la tristeza o los desengaños. Todo bajo el amparo de una magnífica fotografía austera y sencilla, bucólica y bella de Martin Gschlacht, entre precisos encuadres, colores apagados, la tenue iluminación que se apoya en instantes muy concisos en la luz que desprende, por ejemplo, el fuego. La escena en la que Agnes está cocinando con una rama prendida en su boca, nos pone en situación de la vida en esos tiempos. En cuanto al sonido asfixiante escucharemos, aunque no entendamos o sí, al bosque, al viento, a los arroyos, el crujir de la hierba y las ramas o el salpicar del agua y en cuanto a la banda sonora de Anja Plaschg, logra que estemos constantemente en alerta y angustia.

En resumen, “El baño del diablo” es un filme duro, con un “terror” que se alimenta del alma, del cerebro, de las supersticiones, de la depresión, de lo inhumano y de una religión férrea, cuyas promesas mal entendidas pueden llevar al desastre. Una interpretación magnífica de Anja Plaschg y de una desasosegante Maria Hofstäffet encarnando a la suegra y quizás, el punto negativo se encuentre en el ritmo tan pausado que los directores otorgan al filme. ¿Algunas veces necesario? Quizás. Finalmente lo que sí debo avisar al público que espera una película de terror al uso con sus sustos, desmembramientos, gritos, gore etc., que esta no lo es, pero que merece la pena verla, desde otros puntos, cinematográficamente hablando, muy interesantes.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de noviembre.

REPARTO: Anja Plaschg, David Scheid, Natalija Baranova, Maria Hofstätter, Lucas Walcher, Claudia Martini, Elias Schützenhofer,

PRODUCTORA: Ulrich Seidl// Film Produktion GmbH// ARTE// Bayerischer Rundfunk (BR) // Heimfilm Gmbh// Österreichischer Rundfunk (ORF)

DISTRIBUIDORA: Caramel Films España.

TERRIFIER 3: CRÍTICA DE CINE

Terrifier 3 está escrita y dirigida por Damien Leone. “has sobrevivido al asesino en serie más famoso después de Jack el destripador”

El prólogo nos sitúa en una Noche Buena donde Art el payaso (David Howard Thornton), entra en la casa de una familia y mata al matrimonio y los dos hijos con un hacha, tras la matanza se sienta cómodamente y se come las galletas con leche que habían preparado para Santa Claus, mientras suena un villancico.

Han pasado 5 años desde que Sienna (Lauren LaVera) sobreviviera a Art el Payaso en la masacre de Halloween, decapitándolo. Regresa a la casa de sus tíos Jess (Margaret Anne Florence) y Greg (Bryce Johnson) que tienen una hija Gabbie (Antonella  Rose), Gabbie adora a Sienna. La recibe ilusionada, pero aunque Sienna intenta comportarse de manera natural, sigue atormentada. Visita a su hermano Jonathan (Elliot Fullam) en la universidad y éste le pide que intente olvidar, que es lo mejor para los dos. Mientras todo esto sucede veremos a Art y Victoria (Samantha Scaffidi), despertar de su letargo, cuando dos trabajadores de demolición entran en la casa. Art y Victoria los matan, iniciando una nueva pesadilla.

Terrifier 3 forma parte de una franquicia de películas Slasher creadas por el productor, artista de efectos especiales, guionista y director Damien Leone. El famoso y terrorífico payaso llamado Art, apareció por primera vez en dos cortometrajes: “The 9th Circle” 2008 y “Terrifier” 2011 para saltar al largometraje con la película de antología “La víspera de Halloween” en 2013 y continuar con “Frankenstein vs. The Mummy” 2015,  “Terrifier” 2016, “Terrifier 2” 2022 y “Terrifier 3” este año. El payaso ha sido interpretado en los cortos por Mike Giannelli y en los largometrajes por David Howard Thornton.

Entré en la sala sin ninguna expectativa, salvo dejarme llevar por las enajenaciones de ese payaso grotesco, pues no había visto ninguna de las dos entregas anteriores y eso que soy un gran amante del cine de terror. Confieso que los payasos nunca fueron mi debilidad, más bien me provocaban rechazo, no entendía porque un hombre tenía que llevar la cara pintada de esa manera y mucho menos ropas tan extravagantes, para intentar hacer reír. En un principio dudé asistir al pase, pero un amigo, muy fan de la saga, me recomendó que al menos viera  una de ellas para luego poder opinar.

Así que me animé y me  senté cómodamente en la butaca. El prólogo ya te deja con la boca abierta y mal cuerpo. Como aperitivo empezaba fuerte, preparando al espectador para una nueva carnicería, una oleada de gore y desmembramientos sin cortarse un pelo, acompañado de un guion narrativo que posiblemente no supere las 10 páginas, pero para qué, para qué hablar cuando lo que el público espera es que la sangre salpique la pantalla, que las vísceras y otras partes de los cuerpos, se vean en planos cortos; que se resbale sobre la abundante sangre que cae al suelo e incluso se atreva a realizar la figura clásica del ángel tumbado en el suelo, pero en vez de sobre la blanca nieve, lo hará sobre la roja sangre. Total, solo es cambiar de color y textura.… Hubo un momento en que no sabía si desconectar o seguir mirando la pantalla.

Debo admitir que algo, desconocido, sí me mantuvo pegado a la butaca y lo que recomiendo encarecidamente a quien nunca haya visto uno de estos filmes, que si tiene la curiosidad de hacerlo, cubra su alma y todos los sentimientos y emociones, con un potente chubasquero. Que nada de lo que vea o escuche traspase la piel ni el cerebro, pues es la única forma de salir con los valores humanos intactos de la sala. Sin duda Leone tiene una importante tara en su cerebro y la lleva al límite. Es imposible que nadie en su sano juicio pueda idear escenas macabras y explícitas, de tal calibre. Esto no es terror, esto traspasa todos los límites y los cómplices de esta maquinaria de matar son el director guionista y el actor principal. Es precisamente David Howard Thornton, quien poseído por Art, realiza un trabajo de interpretación soberbio, un mimo terrorífico cuyos gestos y muecas te hacen reír a la vez que te atenazan y aterrorizan. Está claro que la fusión con semejante monstruo, es absoluta.

El horror está constantemente coqueteando con la comedia. Una de esas escenas divertidas sucede cuando Art escucha como hablan de él, resulta burlesca a la vez que grotesca,  y entre las más bestias, causando un gran impacto visual y psicológico, está la del centro comercial. Vemos como Art entra en dicho establecimiento y se sienta en el trono destinado a Santa Claus, sabemos que algo horrible va a pasar, pero creo que nadie podría imaginar lo que realmente sucede. Al menos a mí, me costó reaccionar durante breves instantes, hasta que la película me volvió a reclamar. ¡Maldita película!, consigue su objetivo de principio a fin. Es terriblemente sucia y asquerosamente divertida.

Comentaros, para ir finalizando, que cuenta con una dirección muy lineal, con un guion muy básico, pues se limita a saltar de escena en escena, elevando el grado de crueldad y litros de sangre, en cada una de ellas. Por su parte los actores ofrecen interpretaciones correctas, algunos sobreactuados pero nada que no se espere en este tipo de películas que desde luego, no van a aspirar a un Oscar. Sobre los efectos especiales poco que decir, pues Damien Leone, ha dedicado toda su vida a ellos. Tras todo lo dicho, es lógico recomendar esta película a los amantes del Splatter. Les va a volver locos.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de octubre

REPARTO: David Howard Thornton, Lauren LaVera, Margaret Anne Florence, Chris Jericho, Elliott Fullam, Daniel Roebuck, Samantha Scaffidi,  Antonella Rose, Bryce Johnson, Daniel Roebuck, Tom Savini, Jason Patric, Krsy Fox, Luciana VanDette, Alex Ross, Kellen Raffaelo Alexa Blair Robertson, Mason Mecartea, Stephen Cofield Jr., Clint Howard, Annie Lederman, Bradley Stryer, Jon Abrahams, Phil Falcone y Michael Genet.

PRODUCTORA: The Coven// Bloody Disgusting// Dark Age Cinema// Fuzz on the Lens Productions.

DISTRUBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

VENOM: EL ÚLTIMO BAILE: CRÍTICA DE CINE

VENOM: El último baile, está dirigida y escrita por Kelly Marcel. “La oscuridad tiene dientes”

Mientras Eddie y su  compañero simbionte Venom (Tom Hardy) huyen y sobreviven en países como México, muy lejos de allí, en otro planeta, vemos a los simbiontes rodeados de su creador Knull. Éste les ordena que le consigan el códice codificado en el ADN de nuestro entrañable Venom, para poder gobernar en todos los mundos. Venom y Eddie se tendrán que enfrentar al mal que se avecina, aunque no estarán solos.

La actriz, guionista, productora y directora, Kelly Marcel, estudió literatura inglesa en la Universidad de Exeter. En el mundo del cine se inició como actriz infantil y obtuvo un gran éxito como guionistas en Hollywood con “Savin Mr. Banks llegó a la lista negra” guion que adquirió Disney y dirigió John Lee Hancock en 2013. Entre otras obras cuenta con “Venom” 2018 y “Venom: Let There Be Carnage (2021) y como se duele decir, a la tercera va la vencida y además del guion, debuta en la dirección.

Llega por fin la tercera entrega de la trilogía y la quinta del universo de Spider-Man. La primera película se estrenó en 2018 “Venom” con dirección de Ruben Fleischer y guionizada por Scott Rosenberg, Jeff Pinkner y Kelly Marcel; la segunda bajo el título de “Venom: Habrá matanza” 2021se encargó de dirigirla Andy Serkis y el guion estuvo a cargo de Kelly Marcel y ahora, este año 2024 es la propia Marcel con una historia escrita conjuntamente con Tom Hardy, al igual que en la segunda entrega, quien se atribuye las funciones de guionista y dirección. No olvidemos que los creadores del cómic fueron Todd McFarlane y David Michelinie. ¿Cuál es el futuro de Venom? Con el inagotable Universo de Marvel, nunca se sabe y si alguien me pregunta, contestaría, sí, quiero que vuelvan los dos, sinceramente he disfrutado muchísimo con esta pareja humano y simbionte a lo largo de estas tres películas. Sony, Marvel, quiero más.

Creo, que con lo comentado ahora mismo, queda claro que Venom: El último baile, la considero la mejor de las tres. Está claro que Kelly Marcel, conoce muy bien a estos dos individuos solitarios, el uno en un planeta que no es el suyo y el otro, en su propio planeta en el que parece no encajar como desearía. Dotados de personalidades muy fuertes, no exentas de su lado divertido, irónico e idealistas, leales y comprometidos, con lo que consideran justo. Dos colegas que discuten como cualquier pareja, que se pelean como dos machos alfa, que se necesitan el uno al otro y no pueden estar separados, porque los universos así lo decidieron. Sus aventuras y desventuras nos han hecho reír y emocionarnos, siempre a la espera de  nuevas hazañas. Marcel, conocedora de todo ello, brinda a los fans un final de trilogía con un excepcional broche de oro, pues el guion contiene cuanto se esperaba de él, contestando a preguntas que quedaban en el aire y regalándonos instantes que se reservaba para decir adiós o tal vez, hasta pronto. Casi dos horas de auténtico vértigo, un ritmo frenético que no deja respirar al espectador con sutiles dosis de nostalgia que van calando en el fan, como ese momento en el que Venom baila con Mrs. Chem al son de “Dancing Queen” del grupo Abba o el llegar al deseado apoteosis en el cual todo se desencadena. Me estoy conteniendo en las palabras, para no descubrir nada, pues os aseguro que os esperan muchas sorpresas.

He hablado de los dos colegas y es que Tom Hardy, con permiso de la guionista y directora, es la auténtica estrella de este filme, aunque para mí siempre lo ha sido; no me imagino a otro actor encarnando a este personaje tan complejo y visualmente tan atractivo. Esa dualidad es simplemente perfecta, lo da todo y mucho más. Como humano realiza una interpretación contenida, emotiva, vigorosa y hasta dolorosa y junto a Venom… La fusión va mucho más allá. Da la sensación de que Hardy ha asumido como parte de su ser a Venom y que Venom ha alcanzado a entender la humanidad del humano que habita. Los dos están dispuestos a llevar hasta el final su misión y no porque el guion se lo exige, sino porque ambos lo demuestran con sus hechos, con cada palabra y con cada gesto. Nunca humano y simbionte, han estado tan compenetrados. En parte esta magia se debe a los extraordinarios y realistas efectos digitales, que les acompañan durante todo el metraje.

Resumiendo, todo en esta película funciona como un reloj desde el montaje de Mark Sanger, pasando por la vistosa y elegante fotografía de Fabian Wagner y la singularidad de la banda sonora de Dan Deacon. Un buen cierre para una trilogía que no me cansaré de afirmar que la he disfrutado de principio a fin, en esta ocasión de manera más especial y que espero que, humano y simbionte, regresen muy pronto.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de octubre.

REPARTO: Tom Hardy, Chiwetel Ejiofor, Juno Temple, Peggy Lu, Rhys Ifans, Alanna Ubach, Stephen Graham, Clark Backo, Cristo Fernández, Ivo Nandi, Hala Finley, Otis Winston y Dash McCloud.

PRODUCTORA: Marvel Entertainment// Arad Productions// Columbia Pictures// Hutch Parker Entertainment// Matt Tolmach Productions// Pascal Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

LA GRAN ESCAPADA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, La gran escapada está dirigida por Oliver Parker con guion de Billy Ivory.

En la primavera del 2014 nos encontramos con Bernard Jordan (Michael Caine) en la playa mirando fijamente al mar. Bernard tiene 89 años y está casado con Rene Jordan (Glenda Jackson), ambos viven felices en una confortable residencia para la tercera edad. Bernard es un veterano de la Segunda Guerra Mundial, uno de los hombres presente en las playas de Normandía en aquel histórico 6 de junio de 1944, más conocido por el día D.

El guionista y director, Oliver Parker, estudió en la Falmouth School. Sus inicios están relacionados con la interpretación gracias a su amor por los autores clásicos como William Shakespeare y Oscar Wilde, formó parte de la compañía teatral TheDogCompany y más tarde intervino en las series de la BBC “A Very Peculiar Practice” y “Agatha Christie: Poirot – El robo del millón de dólares en bonos” 1991 además de películas como “Hellraiser” 1987 de Clive Barker. En la dirección debutó con el largometraje “Otelo” 1995 continuando con “Un marido ideal” 1999, “La importancia de llamarse Ernesto” 2020, “Fundido a negro” 2006, “Supercañeras: El internado puede ser una fiesta”, “I Really Hate My Job”, “St. Trinian`s”  todas en 2007, “El retrato de Dorian Gray” 2009, “Johnny English Returns” 2011,  “Dad`s Army: El pelotón rechazado” 2012, “Pasados por agua” 2016, “Swimming with Men” 2018, este año nos ofrece “La gran escapada” 2023. También cuenta con la reciente serie “Funny Woman” 2023.

Parker nos ofrece una película sencilla y optimista, de ese cine amable con el que te sientes cómodo, pues nada, salvo las emociones, alteran tu sistema nervioso y éstas lo hacen para relajarte y despertarte una grata sonrisa, mientras disfrutas de dos interpretaciones magistrales, maravillosas y colmadas de ternura y amor; haciéndote olvidar las preocupaciones del día a día. Dos estrellas entrañables y veteranas de la interpretación. La maravillosa Glenda Jackson, que nos dejó el pasado junio de 2023 a los 87 años de edad y Michael Caine, quien el pasado mes de marzo cumplió los 91 años. Viejas glorias que forman parte de la historia del cine, con dos Óscar cada uno. Glenda Jackson los ganó a mejor actriz por “Mujeres enamoradas” 1969 de Ken Russell y “Un toque de distinción 1973 de Melvin Frank y en cuanto a Michael Caine como mejor actor de reparto por “Hannah y sus hermanas” 1986 de Woody Allen y “Las normas de la casa de la sidra” 1999 de Lasse Hallström.

Basándose en hechos reales, la narración nos sitúa en dos momentos de la historia de Bernard Jordan, en el presente y el pasado. Un presente marcado por la rutina en la cual Bernard, veterano de la Marina Real, comenta a su mujer el deseo de acudir al 70 aniversario del desembarco de Normandía, buscando su aprobación y la complicidad para que nadie se entere de su ausencia, y un pasado que a través de los flashbacks, asistiremos a instantes del traumático desembarco junto a sus compañeros, así como el ser testigos de su noviazgo con Rene, su matrimonio y…

Un filme pausado, con la característica flema británica que navega entre el drama y la comedia. El drama más presente en la figura de Bernard y la comedia, deliciosa comedia a través de Rene. Una historia de amor en la que se ven separados durante unos días, por capricho del guion, pues durante gran parte del metraje, cada uno vivirá su propia aventura y digo bien, aventura, pues en eso consiste la vida, en las hazañas del día a día, mientras el cuerpo y la mente, aguanten. Destacaría tres escenas: La primera en la que Bernard se dirige a una mesa en la cual se encuentran sentados varios alemanes y pidiendo que uno haga de traductor, mantiene una conversación con uno de ellos; lo que conversan queda para que lo descubráis. La segunda está relacionada con uno de esos instantes maravillosos que Rene mantiene con una de sus cuidadoras y la tercera, cuando Bernard regresa y Rene le habla con dulzura y sinceridad absoluta, sobre un tema que siempre se ha guardado para ella. Billy Ivory nos regala un guion copioso en detalles, algunos muy divertidos relacionados con la tercera edad y de los retos que obliga a afrontar, pero también de lo perdido, de las dolencias, de la vida vivida, del valor de las caricias, de los sueños cumplidos o de los que tal vez nunca se lleguen a cumplir, cuando el camino ya está hecho.

Esta delicada historia de amor llegando a la senectud resulta cautivadora, romántica, emotiva; desprendiendo vida y energía, incluso cuando los cuerpos ya no responden como quisieran, cuando los bastones y los andadores hacen acto de presencia o las pastillas amortiguan los dolores. Nos hace pensar que la mejor herramienta que tenemos a nuestra disposición es el amor, el humor y el compartirlo con los demás. ¿Qué prefieres llevarte cuando ese viaje te pida que subas a bordo, los bolsillos llenos de dinero o la sonrisa y las palabras de un ser amado? El filme te hace plantearte muchas cosas, entre lo que se ve, se escucha y lo más importante, se siente; y lo que el espectador siente es que al salir de la sala una sonrisa se esboza en el rostro mientras mente y cuerpo experimentan una extraña y agradable paz.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de octubre.

REPARTO: Michael Caine, Glenda Jackson, Danielle Vitalis, Victor Oshin, John Standing, Will Fletcher, Laura Marcus, Donald Sage Mackay, Wolf Kahler, Carlyss Peer, Ian Conningham, Isabella Domville, Kiera Bell, Joe Bone y Daniel Hayde.

PRODUCTORA: Ecosse Films// Filmgate Films// BBC Film// Ingenious// Film// Väst.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DIAMOND FILMS ESPAÑA.

DAAAAAALÍ!: CRÍTICA DE CINE

         DAAAAAALÍ!, está escrita y dirigida por Quentin Dupieux.

La primera escena representa el cuadro “Fuente necrofílica manando de un piano de cola”, escena que da paso al interior de una habitación de un hotel en donde Judith (Anaïs Demoustier), sentada en la cama, se dirige al espectador rompiendo la cuarta pared, para explicarle quién es y que está a punto de entrevistar a Dalí (Gilles Lellouche/ Édouard Baer/ Jonathan Cohen/ Pio Marmaï/ Didier Flamand). Es interrumpida por su asistente (Agnès Hurstel), para comunicarle que se termine de preparar porque el maestro llegará en breve. Es aquí donde comienza la primera situación absurda. Un pasillo de hotel, las dos mujeres fuera de la puerta de la habitación y Dalí que hace acto de presencia al fondo; la llegada hasta ellas, se hace interminablemente estúpida y divertida, no dejando de suceder situaciones de lo más disparatadas alrededor. El intento de entrevista es un fracaso, porque Dalí quiere que sea filmada.

El director de fotografía, músico, guionista y director de cine, Quentin Dupieux, con tan solo 18 años decidió dedicarse a la fotografía. Un año más tarde se inclinó por la música, con idea de ilustrar cuanto fotografiaba. Ha logrado un importante éxito como productor y compositor de música electro house, bajo el nombre de Mr. Oizo.  En 1999 dirigió el video clip “Mr Oizo: Flat Beat”, continuando con el medio metraje experimental “Nonfilm” 2001 y los largometrajes “Steak” 2007, “Rubber” 2010, “Wrong” 2012,  “Wrong Cops” 2013, “Réalité” 2014, “Bajo arresto” 2018, “La chaqueta de piel de ciervo” 2019, “Mandíbulas” 2020, “Increíble pero cierto” y “Fumar provoca tos” 2022 y ahora nos ofrece “Daaaaaalí!” 2023. También ha dirigido los cortometrajes “Wrong Cops: Chapter1” 2012, “Das foto-shoot” 2013 y “Being Flat” 2015.

¿Quién mejor que Dupieux, en cuya filmografía abundan las comedias absurdas, para filmar una obra tan surrealista y loca como este Daaaaaalí!, con tantas aes que recuerdan la forma de alargar las palabras del gran genio catalán? La respuesta es que seguramente nadie, pues éste gran personaje de la historia conocido y reconocido en todo el planeta, este gran genio que fue Salvador Dalí, le viene como un guante para crear otra de sus obras disparatadas y vaya por delante que lo consigue de largo, hasta preguntarte cómo, cuándo y dónde se detendrá ese carrusel del sinsentido que de forma curiosa hechiza al espectador, quien paciente aguarda la siguiente estupidez que se le pueda ocurrir y como si fuera un prestidigitador embriago de su propia excentricidad, lo supera.

Para quienes os preguntéis si estamos ante una biografía del maestro del surrealismo, NO, no es una biografía ni se acerca de lejos; es un disparate calibrado, divertido, grotesco y hasta provocador; que ya desde la primera escena en la que el pintor del surrealismo aparece en un pasillo de un hotel que lleva a las diferentes habitaciones, concretamente a una en la que se aloja la farmacéutica reconvertida en periodista que le espera intranquila, somos conscientes, mientras lanzamos las primeras carcajadas, de que debemos dejarnos llevar  hasta la desesperación, pues nada de lo que ha escrito y  dirigido el director, tiene la menor lógica. Estoy convencido que Dalí si hubiera visto esta película, se debatiría entre reírse a carcajadas o tirarles varios huevos crudos sobre el lienzo de sus rostros, mientras se atusa el bigote y suelta algún que otro improperio con total indiferencia.

El filme cuenta con un amplio abanico de referencias a la obra y la vida de Salvador Dalí, partiendo de ese prólogo con la animación de uno de sus famosos cuadros “Fuente necrofílica manando de un piano de cola” que pintó en el año 1932, los numerosos guiños, la presencia de su mujer y otros detalles que os dejo vayáis descubriendo, si decidís asistir al encuentro entre estos dos excéntricos: Dalí y  Dupieux y el periplo por lograr una entrevista que nunca terminará consolidándose, ante la insistencia de Dalí por ser filmada y poner mil obstáculos sobre el número de cámaras o el tamaño de las mismas, entre otras manías. Cuando menos te lo esperas, te ves dentro de una tela de araña, de un laberinto de idas y venidas, de empezar y nunca terminar, de jugar con las palabras, los gestos, posturas y situaciones descabelladas, totalmente entendibles o no.

Termino, porque tampoco quiero hacer interminable esta reseña, destacando el juego de Quentin por  intentar sondear la mente del artista con imágenes totalmente surrealistas, entre ellas la lluvia de perros muertos, los tamaños de las cámaras o el mundo onírico de los sueños, que sufre el sacerdote durante la larga e interminable cena. Las interpretaciones de los diversos actores que encarnan a Dalí, algunas con mayor acierto que otras, el virtuoso montaje y la excelente fotografía, que recaen en el propio director y no, no me olvido de la compañera infatigable de cualquier película, la música  de Thomas Bandalte.

MI NOTA ES: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de octubre

REPARTO: Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Édouard Baer, Jonathan Cohen, Didier Flamand, Pio Marmai, Romain Duris, Pierre Niney, Alain Chabat, Jérôme Niel, Hakim Jemili, Agnès Hurstel, Tom Dingler, Marc Fraize y Nicolas Carpentier

PRODUCTORA: Atelier de Production// France 3 Cinéma

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

ANTES ERA DIVERTIDO: CRÍTICA DE CINE

                   Antes era divertido está escrita y dirigida por Ally Pankiw.

Sam (Rachel Sennott) es una humorista que lleva días sin apenas salir de su habitación. Mientras se baña, escucha en las noticias que Brooke Renner (Olga Petsa) ha desaparecido. Sam se lo comenta a su compañera de piso Paige (Sabrina Jalees) y esta le sugiere que hable con la policía y les haga saber que ella la ha visto recientemente. Sam se retira a su cuarto y mientras mira el móvil, recuerda la última conversación acalorada que mantuvo con Brooke. Cuando baja a cenar, su otro compañero, Philip (Caleb Hearon), le pregunta por Brooke y tras contestar, Paige le aconseja, de nuevo, que se olvide de la chica, que ya no es su au pair; pero Sam no está dispuesta a ello, imponiéndose la obligación de encontrarla o al menos intentarlo.

La guionista y directora de cine y televisión, Ally Pankiw, ha producido y dirigido videos musicales para artistas como: Madison Beer, The Arkells, The Vamps, Ariana Grande, Janelle Monáe y Lil Jon. También ha trabajado dirigiendo comerciales y contenido digital para marcas como Pepsi, Benefit, Amazon, Nylon o Chanel. En cine debutó con el corto “The Great Terrifini: The Dark Side of Comedy” 2011 continuando con “Her With Me” 2013, “Arkells: My Heart`s Always Yours” y “Stake” ambos en 2016 y “The Inherent Traits of Connor James” 2017. Saltó a la televisión dirigiendo capítulos para series como: “Terrific Women” 2017, “An Awkward Girl Dates” 2018, “CYN: Holy Roller” 2019, “Shrill”  y “Feel Good” en 2020, “The Great” y “Someone Out There” en 2021. Ahora llega a nuestras pantallas su primer largometraje “Antes era divertido” 2023.

La aflicción y una soledad creada a sus “necesidades” rodean a Sam, una monologuista cómica que se niega a subirse a los escenarios, pues un trauma de un pasado reciente la asedia, impidiendo que se concentre en su trabajo; así es como definiría este filme marcadamente feminista y de nacionalidad canadiense y para ello, la directora, desde su posición serena, apuesta por una presentación sencilla, una fotografía intimista e inquietante y una actriz principal, Rachel Sennotto, quien asume la identidad  y el peso que asola a su personaje y cuya creíble interpretación, logra cruzar la pantalla, calando en el espectador e intrigarlo a través de los recuerdos que guarda en su mente y su móvil. Los flashbacks que nos ofrece a cuenta gotas para intentar entender qué obnubila su mente y lo que la lleva a encerrarse como una ermitaña en su cuarto, hasta el punto de ser jaleada por sus compañeros de piso, cuando les comenta que se ha dado un baño. Queda claro que Sam, que disfrutaba de un gran éxito como comediante, no está pasando por uno de sus mejores momentos.

Antes era divertido, no es precisamente una película divertida sino más bien todo lo contrario, pues bascula entre el drama, la comedia y la oscuridad psíquica que se adueña de la mente y el cuerpo de Sam. Bien podríamos pensar y seguramente no nos equivocaríamos que Pankiw, nos invita a sumergirnos en los recovecos más desoladores de la mente de Sam a través de su confuso guion y de cómo dosifica los tiempos y la información, pues tanto los flashbacks como las evocaciones, son relativamente recientes; lo que exige al espectador permanecer alerta ante cualquier cambio visual, bien sea en el vestuario, los escenarios, las entradas y salidas o en los propios movimientos de la protagonista y de quienes la rodean, y en especial durante el rastreo del paradero de Brooker, por parte de Sam, convirtiéndose en un suplicio que la llevará a recordar pasajes a los que desea no enfrentarse. Por tanto estamos ante un film con cierta complejidad en su desarrollo, pues no emplea una disposición convencional y si estamos predispuestos a adentrarnos en ese laberinto de sentimientos enmarañados y emociones desestructuradas, la película se disfruta de principio a fin, de lo contrario, se puede hacer bola.

Por todo lo dicho, no es un filme para todos los públicos ni pretende serlo, lo que si busca es el acercamiento a ese espectador inquieto, que no espera soluciones desde el primer minuto, sino que le sorprendan con una historia bien narrada y con temas interesantes, aunque también hay que reconocer que Parkiw se excede en dejar el mayor peso del argumento para la última media hora de metraje, cuando, parte de los espectadores ya están padeciendo  el doloroso transcurrir de la historia, intentando dilucidar lo que está viendo en la gran pantalla.

MI NOTA ES: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 4 de octubre.

REPARTO: Rachel Sennott, Olga Petsa, Caleb Hearon, Sabrina Jalees, Ennis Esmer, Dani Kind, Jason Jones, Matia Jackett, D.J. Mausner, Marisa McDonald, Marvin Kaye, Zackery Vincent, Anna Floros, Hoodo Hersi, Dan Beirne, Stephen Alexander, Paloma Nuñez, Miguel Rivas, Kathy Imrie, Hannah Spear, Daniel Woodrow y Janice Mendes.

PRODUCTORA: Barn 12// Ontario Creates// Partizan// Téléfilm Canada// Vigilante Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films.