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sábado, 14 de febrero de 2026

COMO CABRAS: CRÍTICA DE CINE

 

Como Cabras está dirigida por Tyree Dillihay y Adam Rosette con guion de Aaron Buchsbaum y Teddy Riley. Su premisa es clara “Hay que soñar a lo grande”

Will (Voz de Caleb McLaughlin) es una joven cabra que asiste con su madre a su primer partido de Rugebol y queda deslumbrado con la pantera negra y estrella de su equipo favorito, Jett Fillmore (Voz de Gabrielle Union) prometiéndose que algún día llegará a ser como ella. Pasados 10 años Will trabaja como repartidor de comida y en su tiempo libre entrena en la cancha del barrio. Un día llega uno de los profesionales del otro equipo, Mane Attraction (Voz de Aaron Pierre) y reta a los que están en la cancha; Will se atreve y demuestra su destreza hasta el punto de ser contratado por el equipo local. En un principio no cae muy bien, sobre todo a su estrella Jett Fillmore, por su pequeña estatura. ¿Qué hará Will para ser aceptado en el equipo?

El director de animación Tyree Dillihay, se graduó con una licenciatura en inglés de la Universidad Estatal de California. Debutó con el video “Golden Grinders” 2009. Ha dirigido capítulos de las series: “La pandilla de La Pantera Rosa” 2010, “Good Vibes” y “Allen Gregory” ambas en 2011, “Da Jammies” 2015, “Bob´s Burgers” 2012/2019,  “Good  Times” 2024, “Weather Hungers” 2025 y este año nos presenta su debut en la largometraje con  “Como cabras” 2026 junto a Adam Rosette, quien estudió en la School  of Visual Arts de Nueva York, donde obtuvo su BFA en Animación. Ha trabajado como artista de storyboard y jefe de historia. Se incorporó a Sony Pictures Animation en 2023. En la dirección cuenta con capítulos de la serie “Harvey Girls Forever!” 2019/2020 y este año también debuta en la dirección con “Como cabras” 2026.

Las primeras palabras que se me ocurrieron al salir de la sala, además de extraordinaria, fue que estábamos ante una animación que respira, que exuda lágrimas, que se siente viva y que emociona con la energía que emanan los personajes. En definitiva, brillante en cada viñeta animada; “Como cabras” te atrapa con su magnetismo. 100 minutos vibrantes, como creo que jamás se han visto en un filme animado y, como aficionado al baloncesto, muy bien recreadas las jugadas, aunque se tomen las licencias de este deporte mixto, el  Rugebol. Dicho esto, así de golpe, continuemos y para ello, vayamos con la alineación.

Por la cancha y el estadio veremos desfilar un buen número de animales: desde la joven cabra Will, que luchará por su sueño de ser un jugador más del equipo Vineland Thorns, hasta la gran estrella, la pantera negra Jett, que siente peligrar su liderazgo. Por el camino nos iremos encontrando con Lenny (Voz de Steph Curry), una jirafa rapera a la que le encanta cantar; Modo (Voz de Nick Kroll), el dragón de Komodo hiperactivo; Archie (Voz de David Harbour), un rinoceronte y padre de dos encantadoras gemelas que van con él a todas partes, y la acomplejada y tímida avestruz, Olivia (Voz de Nicola Coughlan). Todos ellos bajo las órdenes de Dennis (Voz de Patton Oswalt), un mono narigudo. Entre los rivales más agresivos destaca el caballo andaluz Mane, bravucón y fanfarrón, junto al oso Grizz (Voz de Jelly Roll), el búfalo Rosette (Voz de Dwyane Wade), el gorila Daskas (Voz de Kevin Love), el oso polar Propp (Voz de Angel Reese) o Kouyate (Voz de A`ja Wilson), un caimán americano. Cerrando este repertorio, no quiero olvidarme del árbitro, la cebra Iggy, y los divertidos comentaristas Rusty el murciélago (Voz de Bobby Lee) y Chuck el buey almizclero (Voz de Andrew Santino). Otros personajes que meterán ruido dentro y fuera de la cancha son Daryl (Voz de Eduardo Franco) el capibara, con su numerosa familia o la amiga de Will, una aardwolf de nombre Hannah (Sherry Cola). El diseño de personajes, es impecable.

Uno de los  mensajes de la película, el primero que nos asalta, es que los sueños se pueden cumplir, da igual como seas, si tienes un objetivo claro y unos ideales por los que luchar, es muy probable que lo logres si no desfalleces en el camino. Ese es Will, la cabra que quiere jugar en un equipo profesional de grandullones en donde el juego no está exento de violencia; pero eso no le importa, él quiere jugar, sentir como vibra el estadio e incluso escuchar su nombre. Will rebosa energía y sin saberlo, logra algo más importante, transmitirla y fomentar valores como la unidad, la inclusión, la amistad, el coraje, la igualdad de género, el enfrentarse a lo que nos frena en la vida como los complejos o los miedos y con ello, alcanzar el crecimiento personal.

Como cabras nos hace sentir que viajamos en una gran montaña rusa de emociones, despertando nuestra energía vital. Nos acelera el corazón, nos emocionamos, reímos y hasta empatizamos con unos seres que despejan nuestra mente de los problemas, gracias a un guion que no da tregua, a los diálogos que se suceden sin dar pie a respirar y a un ritmo frenético que mantiene al espectador con los ojos pegados a la pantalla, para no perderse ningún detalle de la brillante animación que se despliega en la gran pantalla. Una animación tan viva, que nos rendimos a sus personajes.

Y para acompañar este gran espectáculo, no podía faltar una espectacular banda sonara, que en esta ocasión recae en la partitura de Kris Bowers coronada con ritmos de hip-hop y pop a través de temas como “Mention Me” de CORTIS, “Afro” de Lil Naay o la emotiva versión de Bryant Barnes “Don`t Dream It`s Over”, entre otros artistas como Jon Bellion, Ayra, Starr y Kole.

Resumiendo, Como cabras, es una perfecta sinfonía de energía, color, música y emociones que no cesan hasta llegar al final, elevando la animación y el deporte a cotas inimaginables. Muy recomendable y disfrutable.

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO VOCES: Caleb McLaughlin, Gabrielle Union, Aaron Pierre, Stephen Curry, Nicola Coughlan, David Harbour, Rachna Vasavada, Nick Kroll, Dwyane Wade, Andre Iguodala, Angel Reese y Eduardo Franco.

PRODUCTORAS: Modern Magic// Soy Pictures Animation// Unanimous Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Spain.

viernes, 13 de febrero de 2026

RUTA DE ESCAPE: CRITICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, Ruta de escape, está dirigida por Bart Layton quien comparte guion con Peter Straughan. “Para empezar dame tu móvil”

La trama, entre un buen número de personajes, se centra principalmente en cuatro de ellos, Mike Davis (Chris Hemsworth), quien lleva de cabeza a la policía y en particular al teniente Lubesnik (Mark Ruffalo), con sus atracos huyendo por la autopista 101; la obsesión de Lubesnik por atraparlo, resulta enfermiza. Sharon (Halle Berry), una prestigiosa y bella agente de seguros, que trabaja incansablemente para conseguir el ascenso que lleva persiguiendo años y al no lograrlo, decide vengarse. Entre David y Sharon surge una intensa atracción sexual, que tendrán que compaginar con sus trabajos. Para finalizar este cuarteto, no puede faltar el malo de la función, el asesino a sueldo que recae en Ormon interpretado por Barry Keoghan. Todo está preparado para disfrutar. ¿Te lo vas a perder?

El guionista y director, Bart Layton, Se inició en el documental, primero en televisión con un capítulo en la serie “The Trouble with Black Men” 2004, continuando con los telefilmes documentales “Becoming Alexander” 2005 junto a Paul Sapin, “Banged Up Abroad” junto Alexandra Lacey y Phil Lott y “16 for a Day” junto a Corinna Faith y Phil Lott; además de 1 capítulo para la serie “Encarcelados en el extranjero”, todas en 2007. En el largometraje debutó con el documental “El impostor” 2012, el thriller “American Animals” 2018 y este año llega con “Ruta de escape” 2026.

Ruta de escape se despliega ante el espectador como un thriller sofisticado que sigue al ladrón de guante blanco Davis, quien nunca ha disparado un arma y no le va la violencia. Él prefiere otros métodos más refinados para obtener lo deseado. Proyecta sobre las personas una imagen de hombre tranquilo, con mucho misterio y un grado de introversión. Quien mejor para encarnarlo que Chris Hemsworth, quien nos ofrece su innato carisma y esa mirada entre seductora, plácida y franca. Deja atrás la capa y el martillo de Thor para enfundarse en un elegante traje, despertando la complicidad en el espectador, quien sin dudarlo seguirá con cierta intriga cada uno de sus movimientos y junto a él, la bellísima Halle Berry, dando vida a la agente de seguros Sharon. El tándem en pantalla resulta perfecto. Además de ellos dos, la obra cuenta con un importante elenco actoral por el que desfilan importantes figuras.

El filme, además de la trama principal, cuenta con pequeñas subtramas que dejan ver con cierta sutileza el día a día de sus personajes, los conflictos con los jefes emanando frustración y rabia, al no ver reconocido el esfuerzo personal; los miedos que frenan algunas decisiones, la soledad que persigue como sombra invisible, el pensar en el retiro junto a la persona amada, el pesar ante la búsqueda del calor humano o el disfrute de una conversación íntima, durante una velada entre instantes imperceptibles e íntimos, tan beneficiosos para el alma, sin olvidar las rivalidades.

Ruta de escape, es mucho más que un thriller de acción y de robos, es una balada triste, una verdadera ruta de escape de emociones y sentimientos que el director va desvelando con un ritmo pausado, en ocasiones excesivamente lento que raya el tedio, entre imágenes brillantes, luminosas y evocadoras; captadas con delicadeza por el director de fotografía Erik Wilson y cuyas instantáneas bien parecen bailar al son de una danza melancólica, con la banda sonora de Blanck Mass.

Resumiendo, la narración, además de contar con escenas de acción trepidantes, rodadas con pulso firme; destaca por ese lado anímico que los guionistas y el director le han otorgado, convirtiéndola en una película con un atractivo singular, en donde se juega a ser equilibristas de una vida en la que buscan mantener controladas las emociones, tanto físicas como mentales; quizás en un deseo de no caer en el abismo del olvido o la desesperación. Estamos sin duda, ante un extraño ejercicio para una clásica película de atracos y acción.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO: Chris Hemsworth, Halle Berry, Mark Ruffalo, Barry Keoghan, Jennifer Jason Leigh, Nick Nolte, Tate Donovan, Babak Tafti, Peyman Moaadi, Deborah Hedwall, Devon Bostick, Paul Adelstein, Drew Powell, Monica Barbaro, Corey Hawkins, Matthew Del Negro y Neil Wachs.

PRODUCTORA: Working Title// Story Factory// Raw Entertainment// Amazon MGM Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Entertainmet Iberia. 

jueves, 12 de febrero de 2026

CUMBRES BORRASCOSAS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, “Cumbres Borrascosas”, está guionizada y dirigida por Emerald Fennell. “El verdadero amor nunca arde en el infierno”

Catherine Earnshaw (Charlotte Mellington/ Margot Robbie) vive  en Cumbres Borrascosas con su padre viudo (Martin Clunes), la joven adoptada Nelly Dean (Vy Nguyen/ Hong Chau) y el huérfano al que recoge su padre y llamará Heathcliff (Owen Cooper/ Jacob Elordi). Desde el primer día entre Catherine y Heathcliff se crea  un fuerte  vínculo que al crecer, se transformará en amor. Por otro lado en el silencio de la gran mansión, las envidias y celos, cegarán a Nelly.

Catherine se entera de que están arruinados y siente la obligación de casarse con Edgar Linton (Shazad Latif), un apuesto millonario que se ha instalado junto a su hermana Isabella Linton (Alison Oliver), en la Granja de los Tordos. Se desahoga con Nelly, pues su amor por Heathcliff es mucho más fuerte, pero Nelly la traiciona y Heathcliff, creyendo que Catherine ya no lo ama, decide desaparecer. Catherine se arrepiente de la decisión de casarse y se queda esperándolo, pues está segura, por la promesa que le hizo de joven, de que nunca la abandonaría. Pasado un tiempo y al ver que no regresa, se casa con Edgar… Y hasta aquí os cuento de este gran melodrama que seguramente la gran mayoría habréis leído en la novela de Emily Brontë.

La guionista, actriz, productora, directora, Emerald Fennell, asistió al Marlborough College para continuar sus estudios de lengua inglesa en la Universidad de Oxford. Durante dichos estudios, actuó en obras de teatro universitarias. Como actriz ha trabajado en televisión en series como “New Tricks” 2010, en el telefilme “The Lady vanishes” 2013,  en la serie “Call the midwife” 2013/17 o “The Crown” 2019/20 entre otras. En la gran pantalla se la ha visto en películas como “Albert Nobbs” 2011 de Rodrigo García, “Anna Karenina” 2012 de Joe Wright, “La chica danesa” 2015 de Tom Hooper o “Pan” 2015 de Joe Wright y en la dirección debutó con el cortometraje “Cuidado como vas”  2018 y en el largometraje debutó con “Una joven prometedora” 2020 continuando con “Saltburn” 2023  y este año nos ofrece “Cumbres Borrascosas” 2026.

Son varias las versiones con las que ha contado esta novela, desde el clásico “Cumbres Borrascosas” 1939 de William Wyler a “Abismos de pasión” 1953 de Luis Buñuel, “Cumbres Borrascosas” 1970 de Robert Fuest, “Cumbres Borrascosas” 1985 de Jacques Rivette, “Cumbres Borrascosas” 1988 de Yoshishige Yoshida,  “Cumbres Borrascosas” 1992 de Peter Kosminsky, “Cumbres Borrascosas” 2011 de Andrea Arnold, “Cumbres Borrascosas” 2019 de Tony Rodríguez y este año nos llega “Cumbres Borrascosas” 2026 de Emerald Fennell. Para televisión cuenta con: La miniserie “Cumbres Borrascosas” 1978 de Peter Hammond, “Cumbres Borrascosas” 2004 de Fabrizio Costa y “Cumbres Borrascosas” 2009 de Peter Bowke. Las series “Cumbres Borrascosas” 1976 de Grazio D`Angelo y “Cumbres Borrascosas” 1979 de Ernesto Alonso y Karlos Velázquez. Los telefilmes “Sparkhouse” 2002 de Robin Sheppard, “Cumbres Borrascosas” 2003 de Suri Krishnamma y “Cumbres Borrascosas” 1978 de Peter Hammond.

Jugando con una frase que Heathcliff dedica a Catherine, a mí, como romántico que me considero, le hubiera dicho que el verdadero amor nunca arde en el infierno, aunque debo reconocer que de amor e infierno, tanto ella como él, pueden hablar mucho, pues el suyo, tan intenso y verdadero, pasa por un auténtico infierno o calvario, como se quiera denominar, por obra y gracia de la escritora que los creó para sufrir. Un ejercicio de “masoquismo emocional” en unos tiempos en donde amar, visto desde una perspectiva poética, no era sinónimo de felicidad, sino de adversidad. Drama que cala en el espectador, incluso conociendo sus historias y desenlaces, gracias a esta adaptación libre, donde Fennell ha puesto su corazón y alma, algo que queda evidente en el visceral y brillante resultado.

La atmósfera gótica y melancólica de la Inglaterra del siglo XVIII, ideada por Emily Brontë, cobra vida en los escenarios naturales de los Páramos de Yorkshire (la región de Brontë, Top Withens y los alrededores de Haworth), mientras que los interiores han sido recreados en Sky Studios Elstree. Un romance gótico excepcionalmente fotografiado por Linus Sandgren, en 35mm VistaVision, cuya lente captura cascadas de lluvia que abrazan y sexualizan a los personajes, nieblas densas que revelan figuras deseadas, y truenos y relámpagos que subrayan la tensión emocional. Todo bajo lunas llenas que coronan cielos magistralmente dramatizados. Una atmósfera gótica pero moderna.

Como siempre y como ya sabéis, me gusta hermanar la fotografía con la banda sonora como personajes no carnales y si bien la fotografía es la parte visual de la película, los latidos del filme los proporciona la banda sonora, en esta ocasión bajo la batuta de Anthony Willis (quien ya trabajó con Fennell en “Saltburn” y “Una joven prometedora”) y Charli XCX, reforzándola en un álbum de canciones originales con ese aroma tradicional celta.

En cuanto al reparto, felicitar la elección de Margot y Jacob, pues la química entre ellos es absoluta, apoyándose en unos secundarios que enriquecen esta versión libre, pero efectiva, desde el plano dramático y esencia de la novela donde además de los personajes principales, que no me cansaré de decir que están soberbios, destacaría a Shazad Latif con un Edgar Linton dramático y vulnerable a la vez. La inquietante Hong Chau, que nos regala una Nelly que nos pone los pelos de punta y que me trajo recuerdos de Rebeca de Hitchcock y Alison Oliver encarnando a un personaje frío y calculador.

Resumiendo, esta visión de Emerald Fennell, debe disfrutarse como lo que es, un drama potente y libre que te mantiene anclado a la butaca. Una obra que funciona a la perfección en su conjunto y que, a mi juicio, es una obra recomendada para románticos y amantes del género, que no teman quemarse en este infierno de celuloide.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif, Ewan Mitchell, Martin Clunes, Alison Oliver, Owen Cooper y Vy Nguyen.

PRODUCTORA: MRC Film// LuckyChap Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

martes, 10 de febrero de 2026

NO HAY OTRA OPCIÓN: CRITICA DE CINE

 

No hay otra opción está dirigida por Park Chan-wook, compartiendo guion con Don McKellar, Lee Kyoung-mi y Jahye Lee. “No hay otra opción, el problema es como lo afrontas”

Yoo Man- su (Lee Byung-hun) está felizmente casado con Mi-ri (Son Ye-jin) con quien tiene dos adorables hijos y dos perritos. Está pasando unos días junto a su familia cuando recibe la noticia de que ha sido despedido después de llevar 25 años en el mismo puesto. Tras mucho buscar encuentra un trabajo en un comercio, pero no gana lo suficiente para seguir manteniendo su status. Decide entregar de nuevo su currículum en Moon Paper, la empresa de papel de la que fue despedido, pero su exjefe Choi Sun-chul (Park Hee-soon), lo humilla. Enojado diseña un plan para conseguir recuperar su puesto, con la idea de que si no está vacante para él,  hará lo que sea para que lo vuelva a estar.

El productor, guionista y director, Park Chan-wook, se graduó en la Universidad de Sogang en el Departamento de Filosofía. En dicha universidad creó un club cinematográfico al que llamó “Comunidad fílmica de Sogang” y publicó un importante número de artículos de cine contemporáneo. Su primer trabajo en la industria del cine fue como asistente de dirección y debutó en la dirección con “Moon is the Sun`s Dream” 1992 continuando con “Threesome” 1997, “Joint Security Area (JSA)” 2000, “Sympathy for Mr. Vengeance” 2002, “If You Were Me” y “Oldboy” ambas en 2003, “Three… Extremes” 2004, “Sympathy for Lady Vengeance” 2005, “Soy un cyborg” 2006, “Thirst” 2009, “60 Seconds of Solitude in Year Zero” y “Night Fishing” en 2011, “Stoker” 2013, “Bitter Sweet Seoul” 2014, “La doncella (The Handmaiden)” 2016, “La decision to Leave” 2022, “Invasión, insurrección” 2024 y este año nos ofrece “No hay otra opción” 2025. También ha dirigido los cortometrajes “Judgment” 1999, “Day Trip” 2013, “A Rose Reborn” 2014 y “Life is But a Dream” 2022 y las miniseries “La chica del tambor” 2018 y “El simpatizante” 2024

Park Chan-wook ha sabido combinar con pericia, elegancia y maestría, los elementos que dan forma a esta comedia negra, en donde todo encaja con precisión y sencillez. Nos brinda una pequeña joya que se disfruta sin sobresaltos, alimentándose de la absoluta ingenuidad del personaje, de la bondad que despierta al lobo dormido que  lleva dentro, cuando las alarmas saltan ante lo que se le avecina, en este caso, la estabilidad familiar; para protegerlo con uñas y dientes, pero sin ostentación. Ese cordero con corazón de lobo y sediento de justicia, se encarna en Yoo Man-su.

Lee Byung-hun, al que muchos recordaréis por la serie “El juego del calamar”, está absolutamente brillante y en puro estado de gracia, dando vida a Yoo Man-su. Con rostro de palo y movimientos imperturbables, nos provoca un aluvión de fuertes carcajadas ante las situaciones que tiene que lidiar y el cómo lo va solventando. Su sola presencia llena la pantalla aun sin decir una palabra y la convierte en un disparatado divertimento, sin esbozar una sola sonrisa. No está la cosa para sonreír. Un personaje que se ve sometido a un estado psicológico inquietante, para sacar adelante a su familia y recuperar su puesto. Lo más importante para él en la vida son la empresa en la que trabajaba y su adorable familia, incluyendo a los canes. Es todo su mundo y no quiere que nadie se lo arrebate. Junto a él, aunque en un papel más pequeño pero no por ello menos interesante, nos encontramos con su partner, Son Ye-jin, encarnando a  Mi-ri, una mujer de carácter y egoísta, que reprocha a su marido que va a tener que abandonar las clases de tenis, la casa al no poder pagar las letras de la hipoteca y lo más grave de todo, cancelar la suscripción a Netflix.

La crítica en este filme pasa por diferentes grados, siempre acompañada por una latente ironía, desde ver como la empresa considera a Yoo Man-su, como un empleado de gran valía, recibiendo como premio una gran anguila, que asará orgulloso en la barbacoa para el disfrute de toda la familia; a recibir la carta de despido, tras 25 años de trabajo. Las sesiones de terapia a las que se someten los despedidos, en donde se les intenta inculcar que la culpa no es de la empresa. Los recortes de plantilla ante la nueva realidad de la IA. El todo vale por conseguir un puesto de trabajo o las reacciones de los diferentes miembros de la familia, ante la pérdida de su status social. Una obra en la que es imposible no ver ciertas semejanzas con otra joya como fue “Parásitos” de Bong Joon Ho. Aunque los temas sean diferentes, pues la obra de Bong Joon nos hablaba de la lucha de clases y la desigualdad social, mientras que esta, serán las nuevas tecnologías y el capitalismo feroz, los causantes. Todo, como ya he comentado, aderezado con una gran dosis de humor negro, en ocasiones, absurdamente reflexivo.

Finalizo comentando que el filme está lleno de pequeños detalles a modo de metáforas sobre una sociedad cada vez más capitalista, corrupta y convulsa, hasta el punto de que eliminar a la competencia se lo tomen al pie de la letra. Quizás el metraje resulte excesivo, pero es tan divertida que se disculpa. A tener en cuenta la cuidada fotografía de Kim Woo-hyung, en donde la selección de planos armoniza con el contexto que se respira en la narración y, por supuesto, tampoco me olvido de la banda sonora de Jo Yeong-wook, en esta ocasión una fiel compañera de los personajes, que logra potenciar los silencios, las emociones y sentimientos de los mismos.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO: Lee Byung-hun, Son Ye-jin, Lee Sung-min, Yeom Hye-ran, Cha Seung-won, Yoo Yeon-seok,  Yoon Ga-in, Choi Min-yul, Oh Dal-su, Park Hee-soon, Kim Hae-sook, Lee Suk-hyung, Kim Hyung-mo y OhKwang-rok.

PRODUCTORA: Moho Films// CJ Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: MUBI

lunes, 9 de febrero de 2026

GREENLAND 2: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unidos, Greenland 2: está dirigida por Ric Roman Waugh con guion de Chris Sparling y Mitchell LaFortune. “Es de locos que algo tan hermoso, pueda ser tan mortal”

Han pasado 5 años de la caída del cometa sobre la Tierra. John Garrity (Gerard Butler) junto a su esposa Allison (Morena Baccarin)  y su hijo Nathan (Roman Griffing David), viven en un búnker. John sale de expedición y a la orilla del mar se encuentra con algunas balsas salvavidas en perfecto estado. A su regreso lo comenta con los superiores y tras los constantes movimientos de tierra, las fuertes tormentas que se originan a diario y los impactos de restos del cometa sobre la zona, deciden abandonar el lugar y emprender rumbo a una zona de Europa que sigue habitada.

Ric  Roman Waugh, es un hombre todoterreno: Especialista, actor, productor, escritor y director. Comenzó su carrera ejerciendo de doble de riesgo en películas como: “Arma Letal2” 1989, “Días de Trueno” 1990, “Soldado Universal” 1992,  “El último mohicano” 1992 o “Blanco Humano” 1993, por poner algunos ejemplos. Como actor trabajó en “Kuffs” 1992 de Bruce A. Evans y en la dirección debutó con “Exit” 1996 a la que han  seguido “La próxima víctima (La sombra del crimen) 2001, “Criminal Felon” 2008, “El mensajero” 2013,  “That Which I Love Destroys Me” 2015, “Maestro del crimen” 2017, “Objetivo: Washington D.C.” 2019, “Greenland: El último refugio” 2020, “National Champions” 2021, “Operación Kandahar” 2023,  y este año nos ofrece “Shelter: El protector” y “Greenland 2”.

El apocalipsis de Waugh comenzó hace 5 años bajo el título de “Greenland: El último refugio” en donde se nos narraba la devastación provocada por la incursión de un cometa, bautizado con el nombre de Clark, al impactar contra nuestro amado planeta Tierra y el cómo solo unos pocos privilegiados se salvaban gracias a la decisión de sus gobiernos. Una de esas familias fue la formada por John Garrity junto a su esposa Allison y su hijo Nathan. En medio del caos, una llamada del Departamento de Seguridad de los Estados Unidos, avisó a John para que se dirigiera  a un búnker seguro y secreto.

Este año Ric nos trae la continuación “Greenland 2: Migration” en la cual, entre otros supervivientes seguiremos  a la familia Garrity y su vida en el interior del búnker. Un espacio bajo una estricta organización militar, en la que los adultos ejercen trabajos según sus profesiones, mientras los más jóvenes estudian y juegan; aunque todos tengan sus momentos de ocio y hasta para exponer su desesperación por vivir entre cuatro paredes; pero las cosas cambian cuando el lugar que han tomado como hogar, aunque lo odien, deja de ser seguro a causa de los constantes terremotos, las tormentas radioactivas e incluso los maremotos; teniendo que tomar la decisión de abandonarlo y con ello dando pie a un nuevo éxodo. Un desafío a la muerte en busca de una vida mejor, aunque incierta.

Esta road movie apocalíptica en busca de una nueva tierra habitable, será tomada por el director para mostrarnos a través de los desastres, la acción, la tensión emocional y las impactantes imágenes visuales que nos revelan un planeta indomable; la verdadera naturaleza y comportamiento del ser humano, así como el amor a la familia y el poder de la unidad. Un mundo en el que se deben sortear todo tipo de adversidades. Un thriller dramático que lleva a sus personajes al límite viajando en botes salvavidas rumbo a Inglaterra, desembarcando en Liverpool, pasando por Dover, atravesando un devastado Canal de la Mancha para finalizar en Francia. Una travesía dolorosa que manifiesta de que pasta estamos hechos, descubriendo esa fortaleza moral e intrínseca que nos invita a no decaer, por muy cansados o enfermos que estemos. Si existe una meta, existe una recompensa.

Resumiendo, estamos ante una obra de supervivencia con una fuerte carga emocional y dramática, que consigue el equilibrio con las escenas de acción que no cesan hasta el final. Destaca la extraordinaria fotografía de Martin Ahlgren, quien logra sumergirnos en una atmósfera infernal, acompañada por la inquietante banda sonora de David Buckley. En cuanto a las interpretaciones, cumplen a la perfección con lo que los personajes demandan.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de febrero

REPARTO: Gerard Butler, Morena Baccarin, Roman Griffin Davis, Amber Rose Revah, Trond Fausa, Gianni Calchetti, Tommie Earl Jenkins, Sidsel Siem Koch, Nathan Wiley, Gina Gangar, Sophie Thompson, Rachael  Evelyn, William Abadie, Peter Polycarpou, Alex Lanipekun, Gordon Alexander, Tommi Thor Gudmundsson, Faraz M. Khan, Shayn Herndon, Antonio De Lima, Leah Perkins, Beruce Khan, Valerie Ósk Elenudóttir y Óla Blöndal.

PRODUCTORA: ACE// G-BASE// Thunder Road Pictures// CineMachine Media Works// STX Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

jueves, 5 de febrero de 2026

EVOLUTION: CRÍTICA DE CINE

Evolution está dirigida por Julio Soto Gurpide y Zayra Muñoz Domínguez con guion de Adela Gutiérrez, José Tatay y Julio Soto Gurpide.

Zoe (Voz de Yannick Vergara) es una jovencita inquieta y patosa que siempre se mete en líos. Su madre Peggy (Voz de Hodeia Macua) es una importante científica y su padre un inventor perezoso y despistado. Zoe tiene tres mascotas: Blinky (Voz Andrea Sanz), Womby (Voz de Iker Bengoetxea) y Rufus (Voz de Josu Varela). A la casa regresa un robot que ha estado de expedición en el Ártico y trae unas muestras de un fruto extraterrestre. Cuando Peggy deja a Zoe sola en casa, esta busca el móvil que le ha quitado su madre y el fruto extraterrestre entra en contacto con ella y sus mascotas, alterando su ADN y sufriendo importantes mutaciones. Ya os he contado demasiado, os invito a que disfrutéis de este filme, junto a vuestros hijos, que seguramente se lo van a pasar en grande.

El productor y director, Julio Soto Gurpide estudio en Pratt Institute de New York. Es cofundador de la productora independiente The Thinklab. A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios internaciones. Ha recibido la prestigiosa beca de la Fundación para las Artes de Nueva York con el fin de continuar su dedicación artística al cine. Algunas de sus obras han sido expuestas en el Instituto Cervantes de Nueva York, el Museo de Arte de Queens de Nueva York, el de Arte Contemporáneo de Chicago, Río de Janeiro o Bucarest, por poner algunos ejemplos. Cuenta con los cortometrajes: “Invisible Cities” 2002, “The Possibility of Utopia” 2003, “Señor X” 2009 y “Disección de una tormenta” 2011. Los largometrajes “My Beautiful Dacia” 2010, “Deep” 2017, “Palestine” 2019, “Inspector Sun y la maldición de la viuda negra” 2022 y “Evolution” 2026. El telefilme “Radiofobia” 2006 y la serie “Planeta Pokémon” 2005/2009. En cuanto a Zayra Muñoz, estudió en la Escuela Universitaria de Artes y espectáculos (TAI) y debuta en el largometraje junto a Julio con “Evolution” 2026.

Evolution es una propuesta interesante que nos muestra a humanos que se animalizan y a animales que se humanizan. Metáfora que servirá al filme para desarrollar una crítica al capitalismo obsesivo y a los adultos que exhiben hábitos como la holgazanería en el trabajo o entregarse en exceso al mismo; este último llegando a ocasionar la desatención de lo más importante, la familia y el cuidado de los más jóvenes, quienes llegan a sentirse incomprendidos. Por otro lado, seremos testigos de la vida de esos jóvenes que atraviesan la etapa de rebeldía enfocada desde varios ángulos. La concienciación por el medio ambiente, los primeros amoríos, el valor de la amistad, la explosión de la imaginación o la aventura en la búsqueda; por poner algunos ejemplos.

Pero aunque lo pueda parecer, por lo expuesto, no se trata de un drama social sino de una comedia con un ritmo frenético, en donde la acción, las conversaciones y monólogos, no cesan hasta el final. Por instantes la verborrea de las mascotas, los padres y en particular la madre, me desesperaba; tal vez ese sea el efecto que algunos adultos provocan a los niños. Se habla como si no hubiera un mañana.

A la narración le acompaña una rica paleta de color muy vistosa y una cuidada animación, que hará las delicias de los más jovencitos de la casa. Posee todos los ingredientes necesarios para mantener quietos, durante una hora y media, a ese público infantil al que va destinada; con las travesuras de las tres mascotas, el ingenio de los ratoncitos, el robot que nos recuerda al entrañable Wall-e que los estudios Pixar nos presentó en 2008, los lobeznos blancos con alas y sin olvidar la amistad que se va forjando entre los protagonistas. En esta ocasión debo reconocer, que esta fantasía, aunque me entretuvo y me despertó algunas sonrisas, tiene un claro público, como ya he comentado, los más pequeños de la casa.

Mi votación es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de febrero.

ACTORES DE DOBLAJE: Yannick Vergara, Iain Batchelor, Eba Ojanguren, Jon Goiri, Pedro Arrieta, Jaione Intxausti, Iker Díaz, Andrea Sanz, Hodeia Macua, Iker Bengoetxea, Txema Regalado, Ana Lastagaray y Josu Varela.

PRODUCTORA: The Thinklab.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Beta Fiction Spain.

martes, 3 de febrero de 2026

PRIMATE: CRÍTICA DE CINE

PRIMATE está dirigida por Johannes Roberts compartiendo guion con Ernest Rivera.

Lucy (Johnny Sequoyah) regresa de la universidad. Vive en una lujosa mansión en medio de la montaña junto a su padre Adam (Troy Kotsur) y su hermana pequeña Erin (Gia Hunter), que está enfada por haberla dejado sola tanto tiempo. Lucy viene acompañada de sus mejores amigos: Kate (Victoria Wyant), Hannah (Jessica Alexander) y Nick (Benjamin Cheng), con quienes pasará unos días. Lucy tiene como mascota a un cariñoso chimpancé de nombre Ben. Ben es mordido por una mangosta que le contagia la rabia y se vuelve violento. Hasta aquí puedo contar.

El productor, guionista y director, Johannes Roberts, tras finalizar sus estudios en Cambridge, Inglaterra, realizó su primera obra con 22 años “Sanitarium” 2001, continuando con “Alice” 2002 y “Hellbreeder (La resurrección del mal)” 2004; las tres junto a James Eaves. En solitario continuó con “Darkhunters” 2004, “El bosque maldito” 2005, “F” 2010, “Storage 24” 2012, “El otro lado de la puerta” 2016, “A 47 metros” 2017, “Los extraños: cacería nocturna” 2018, “A 47 metros 2: El terror emerge” 2019, “Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City” 2021, “V/H/S/99” 2022 junto a Vanessa y Joseph Winter y este año nos ofrece “Primate” 2025. Cuenta con capítulos de la miniserie “When Evil Calls” 2006, el telefilme “La carretera de la muerte” 2011y el cortometraje “Turn Your Bloody Phone Off” 2012.

Bajo una premisa sencilla y prácticamente en un único escenario formado por un gran salón y una piscina, a la que se accede desde el mismo; se desata un caos que deja al espectador noqueado en la butaca. Esta salvajada peluda y sangrienta, no dejará indiferente a ningún amante de la violencia más extrema y el terror más inesperado y visceral, aunque en cierto modo, previsible. Eso sí, controla tu tensión, porque se puede disparar.

Primate se convertiría por sí misma en la reina de una sesión golfa, de esas donde el espectador busca emociones fuertes, que le sorprendan en todos los sentidos, sin buscar nada más que el puro entretenimiento y vaya si lo consigue, pues como la he bautizado es “Una obra impactante y brutal, donde el gore cobra otra dimensión”. Mientras estos cinco adolescentes lo pasan muy mal, el espectador solo está pendiente de cuál será el próximo paso que dará el entrañable monito. Un filme muy comercial que estoy seguro llenará las salas de cine de gritos y carcajadas, sin parar de moverse en la butaca. No te atragantes con las palomitas, por favor.

Solo puedo decir que me lo he pasado en grande con este chimpancé desatado, viendo como machaca cabezas con cualquier objeto que se encuentra en el camino o con sus propias manos, reventar mandíbulas o repartir golpes y patadas a diestro y siniestro, como si se tratara del luchador más furioso de artes marciales mixtas. Su fiereza y manera de atacar, provoca fuertes carcajadas y acojone a partes iguales. Un filme no acto para personas sensibles pero sí para los amantes del género, que la va a gozar de principio a fin. Es tan tremendamente feroz, vibrante, terrorífica y cómica que es difícil de clasificar; pero lo que también puedo afirmar es que no hay moralejas, no existen códigos determinados y mucho menos, mensajes que descifrar. Primate es lo que es, pura diversión, pura locura, puro caos, saliendo de la sala con la sensación de agotamiento y a la vez de haber sufrido un chute de adrenalina.

Finalizo comentando que sí, que los actores están bien, recreando a unos niñatos a los que parece que nunca les ha faltado nada en la vida y que de neuronas, no andan muy sobrados. La sorpresa de ver al oscarizado Troy Kotsur entre el reparto, aunque sea en un pequeño papel y por supuesto, sin la menor duda, que el puñetero amo de la función es Ben, el chimpancé, quien se gana todos los honores y aplausos. Se agradece que Stephen Murphy nos presente una fotografía nítida en la que todo se ve desde el primer segundo y pido disculpas al compositor Adrian Johnston, porque no recuerdo ni una nota de la banda sonora y es que sinceramente, estaba a otras cosas, la principal de ellas que el chimpancé no saliera de la pantalla y si se atrevía a salir, correr era la solución.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de febrero.

REPARTO: Johnny Sequoyah, Jessica Alexander, Kevin McNally, Troy Kotsur, Kae Alexander, Gia Hunter, Victoria Wyant, Benjamin Cheng, Charles Mann, Tienne Simon, Stuart Whelan, Albert Magashi, Amina Abdi y Miguel Torres Umba.

PRODUCTORA: 18hz production

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures.

miércoles, 28 de enero de 2026

MARTY SUPREME: CRÍTICA DE CINE

Marty Supreme está dirigida por Joshua Safdie compartiendo guion con Ronald Bronstein. “Es cuestión de tiempo que me veas en portadas de revistas”

Nueva York 1955. Marty Mauser (Timothée Chalamet) trabaja en una zapatería y mantiene una relación con Rachel Mizler (Odessa A`zion), a la que deja embarazada. Su madre Rebecca (Fran Descher), en palabras del propio Marty, le sabotea, intentando impedirle que cumpla su sueño de ser jugador de Ping Pong. Marty tendrá que luchar contra las adversidades, los obstáculos que se le cruzan en el camino y los que él mismo provoca, para conquistar su sueño.

Joshua Safdie, estudió en la Columbia Grammar & Preparatory School y se graduó en el College of Communications de la Universidad de Boston en 2007. Comenzó su carrera como asistente de dirección a las órdenes de varios directores y debutó en solitario con los cortometrajes “We`re Going to the Zoo” 2006 y  “The Back of Her HeadThe Back of Her Head” 2007 y en el largometraje con “The Pleasure of Being Robbed” 2008 al que ha seguido “Marty Supreme” 2025. Junto a su hermano Ben Safdie dirigió los cortometrajes “There`s Nothing You Can Do” 2008, “John´s Gone” 2009, “The Trophy Hunter” y The Black Balloon” en 2012, “Lenny Cooke” 2013, “Goldman y Silverman” 2020 y los largometrajes “Go Get Some Rosemary” 2009, “Heaven Knows What” 2014, “Good Time” 2017, “Diamantes en bruto” 2019.

Estamos ante una versión muy libre de la biografía del campeón de tenis de mesa, Marty Reisman, un personaje un tanto peculiar y polémico, hasta el punto de hacernos dudar, para quienes desconocemos su historia, entre lo que es ficción y realidad, pues el aluvión de locura que se desata durante la narración, nos deja desconcertados, ocasionando en muchas ocasiones las fuertes carcajadas o las reflexiones más profundas.

Del Marty genuino os puedo contar que ganó su última competición con 67 años y cosechó 22 títulos. Pero como he comentado, no estamos ante un biopic al uso, pues tanto Safdie como el guionista Ronald Bronstein, con quien comparte guion, dan al filme el enfoque personal de un Marty bravucón, chantajista, conquistador y hasta ladrón, dispuesto a lo que haga falta para convertirse en el mejor jugador de ping pong.

Con su nueva película, Joshua hace sentir al espectador como si fuera una pelota en pleno juego, creando en él la sensación de no saber dónde está, dónde caerá o si se marcará un tanto, pues lo lleva y zarandea de un lado a otro, mientras le muestra las diferentes facetas de la vida de su personaje, interpretado por un increíble Timothée Chalamet. Un registro potente, que pasa del drama a la comedia con suma facilidad, a través de situaciones insólitas que debe sortear entre sus luchas internas y externas, amores o el histrionismo que le llevan irremediablemente a la sobreactuación, siempre bien calibrada y necesaria, dando forma a una obra excéntrica y locamente divertida.

Un exceso tan abrumador que al salir de la sala, irremediablemente exige ser comentado con los amigos o con quien se haya disfrutado, en una urgencia por liberar cuanto se ha visto, sentido y vivido en esas dos horas y media de metraje, buscando con ello terminar de asimilar lo que en ocasiones raya lo absurdo y de este modo, aligerar parte de la presión y tensión que se ha adueñado de nosotros.

Toca hablar de Chalamet, un joven actor que con cada uno de sus trabajos, nos sorprende, positivamente. Un actor altamente disciplinado cuyo nombre está ligado a personajes tan diferentes como Elio en “Call Me by Your Name”, Laurie en “Mujercitas”,  Willy en “Wonka” o dando vida al carismático Paul Atreides, de la gran saga “Dune”; por poner algunos ejemplos. Su interpretación sobresale y capta toda la atención del espectador en un trabajo simplemente impecable, lo da todo, pues como siempre, se ha preparado a fondo. Como anécdota comentaros que el jugador al que se enfrenta en Londres, es el auténtico campeón de tenis de mesa, Koto Kawaguxhi.

Marty Supreme se vive de principio a fin al borde del infarto, como lo debió de estar el montador Ronald Bronstein, cuando le presentaron el material, ofreciendo un producto final, brillante y dinámico. La fotografía ha corrido a cargo de Darius Khondj, quien ha hecho especial hincapié en las texturas, la iluminación y el color, retrotrayéndonos a los años 50 y con ello, potenciando la selección de planos que ayudan a realzar cada decorado, en los que no falta ningún detalle. En cuanto a la banda sonora, ha corrido a cargo del compositor Daniel Lopatin.

En resumen, estamos ante uno de esos filmes dirigidos con energía, que obliga a no separar la mirada de la pantalla y que por momentos nos hace perder la noción del tiempo, el espacio y de lo que está sucediendo, como ya nos tiene acostumbrados el bueno de Joshua. Cuida todos los aspectos para que la obra no sufra fisuras, aunque el guion no esté tan pulido. Magnífica y frenética dirección actoral, que da pie a unas interpretaciones caprichosas pero creíbles.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 30 de enero.

REPARTO: Timothée Chalamet, Gwyneth Paltrow, Odessa A`zion, Abel Ferrera, Tyler the Creator, Penn Jillette, Kevin O`Leary, Musto Pelinkovicci, Fran Drescher, Sandra Bernhard, Spenser Granese, Tyler Diamond, John Keating, Blake Gioviti, J.Christian Ingvordsen, Toree Hill, Braxton Sohns, Francis Dumaurier, Ed Malone, Cole Mellorgey, Steven Bitterman, Cody Kostro, Tony Hazel, Anthony Gallo, Philippe Petit, Joris Stuyck, Dennis Creaghan, John Wiburn, Charles Glover, Mia Humberd-Hilf, Cormac Fingeret, Josh Bone, Daniel Napolitano “DNap”, Kaitlyn  Gill, Joel Isaac, Anthony Thomas Larkin, Acacio Da Silva Ferreira, Matthew Heister, Brian Marks, Keith Kirkwood, Roddy O´Hehir, Rae Maddren, Eric Rampulla, Daniel Cioffoletti, Kevin D. Benton, Joy Decker, Daniel Macarone, Ethan Monte, Justin Thomas y Connor Rush.

PRODUCTORA: A24// Elara Pictures// IPR. VC.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

domingo, 25 de enero de 2026

RETURN TO SILENT HILL: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Alemania, Serbia, Reino Unido, Japón y Estados Unidos, Return to Silent Hill está dirigida por Christophe Gans, compartiendo guion con William Schneider y Sandra Vo-Anh “Nuestro lugar, nuestra ciudad, nuestro amor”

James Sunderland (Jeremy Irvine) viaja en su coche descapotable por una carretera escuchando música y fumando; aparta la mirada de la carretera por unos segundos, para quitarse la ceniza que ha caído sobre los pantalones. A levantar la mirada se encuentra de frente con un camión cargado de troncos de madera, al que logra esquivar, pero tras pasar, se topa con una joven Mary Crane (Hannah Emily Anderson), quien porta varias maletas; una de ellas cae al suelo, se abre y se rompe el cierre. Llega el autobús y aunque él la ayuda, lo pierde. James se ofrece a llevarla. Mientras se miran estalla una tormenta. El rostro de ella se refleja bajo el agua y James se despierta en el interior de un bar. Está borracho y le echan a la calle. Ya en casa, encuentra una carta de Mery, su gran amor, en el suelo. En ella le pide que por favor regrese al lugar especial donde se conocieron. James acude a la cita, pero cuando llega a Silent Hill, descubre que el pueblo está abandonado y cubierto de cenizas. Cenizas que caen del cielo como copos de nieve. James se pregunta que ha podido suceder.

El productor, guionista y director, Christophe Gans, estudió en el Instituto de Estudios Superiores Cinematográficos (IDHEC). Fundo las revistas de cine “Rhesus Zero” y “Starfix”. Debutó con el cortometraje “Silver Slime” 1981, el capítulo titulado The Drowned de “Necronomicon” 1994 y en el largometraje con “Crying Freeman: Los paraísos perdidos” 1995; para continuar con “El pacto de los lobos” 2001, “Silent Hill” 2006, “La bella y la bestia” 2014 y este año nos presenta “Return to Silent Hill” 2026.

“Silent Hill” nació como un videojuego allá por el año 1999 en Norteamérica, a través de PlayStation, continuando su viaje por  Japón y Europa. Ha vendido más de 2 millones de copias. Esta obra de terror psicológico sobrenatural cuenta con tres películas “Silent Hill” 2006 de Christophe Gans, “Silent Hill 2: Revelación 3D” 2012 de M.J. Bassett y ahora, pasados 20 años, Gans nos ofrece “Return to Silent Hill” 2026.

Desconocía la existencia de este juego y tampoco he visto las anteriores entregas de esta franquicia cinematográfica, por lo cual entré en la sala, sin saber nada y sinceramente, la he disfrutado, quizás, como he comentado, al desconocer el material original o porque estas extrañezas donde el terror juega con el consciente y el subconsciente de un personaje golpeado por el dolor, la culpa, la pérdida y hasta el autoengaño, en busca de la expiación; siempre me han atraído.

Debo reconocer que al principio me sentí un poco perdido, hasta que comprendí que estaba ante una de esas películas con tintes psicológicos donde la razón coquetea con la locura, la realidad con la fantasía y lo natural con lo antinatural o sobrenatural. Y si te dejas llevar, te puedo asegurar que vivirás una experiencia sensorial, que tal vez no llegues a entender del todo lo que se te está mostrando a través de la potente fotografía de Pablo Rosso, pero que no te dejará indiferente ni te desagradará el resultado final. Una obra cargada de un fuerte simbolismo místico que puede rozar el alma de quienes han sufrido una gran pérdida o tienen la certeza de que en algunas situaciones, no se estuvo a la altura. El mea culpa resuena en las entrañas del laberinto de la mente, de ese infierno del que tantas veces resulta imposible salir o deshacerse de él.

Un filme oscuro, angustioso y desolador, donde la banda sonora compuesta por Akira Yamaoka, te hipnotiza, al igual que el sonido y la terrorífica  atmósfera, hasta arrastrarte a los confines del infierno en donde James cae en su desesperación por recuperar el amor perdido. Sus miedos los vemos representados por personajes como: Pyramid Head, Lying figure, los maniquís o las aterradoras enfermeras; todos ellos personajes del juego, por lo que he podido comprobar. Las bandadas de polillas, como símbolo de los cambios o la muerte y por supuesto, los sueños, a modo de flashbacks, en donde James nos trae instantáneas de los felices tiempos vivido junto a Mary. Tanto Jeremy Irvine como James y Hannah Emily Anderson dando vida a Mary Crane y María, realizan convincentes interpretaciones.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Jeremy Irvine, Hannah Emily Anderson, Evie Templeton, Pearse Egan, Emily Carding, Martine Richards, Eve Macklin, Matteo Pasquini, Howard Saddler y Robert Strange.

PRODUCTORA: Davis Films// Supermix// The Electric Shdow Company// Work in Progress// Ashland Hil Media Finance//Konami// Bloody Disgusting// Maze Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Tripictures.

sábado, 24 de enero de 2026

SIN PIEDAD: CRÍTICA DE CINE

Sin Piedad está dirigida por Timur Bekmambetov con guion de Marco van Belle.

Debido al alto índice de delincuencia, los legisladores implantaron Mercy, que actúa como juez, jurado y verdugo, manteniendo segura la ciudad. Uno de sus creadores es el inspector Chris Raven (Chris Pratt), que ahora se encuentra sentado y desconcertado en una silla frente a la juez Maddox (Rebecca Ferguson). Una juez creada por I.A.

Maddox explica a Chris que está acusado de haber matado a su mujer de una puñalada y que el cuerpo fue descubierto por su hija Britt (Kylie Rogers). Chris se enfada afirmando que no recuerda nada y que sería incapaz de hacer daño a su mujer. La jueza le muestra lo sucedido en la pantalla y le comenta que tiene 90 minutos para demostrar su inocencia, poniendo a su alcance todos los dispositivos para esclarecer la verdad, pues de lo contrario será ejecutado.

El productor, guionista y director, Timur Bekmambetov, se graduó en el Instituto de Artes y Cultura de Ostrovsky en 1987 y continuó en la Escuela de Postgrado de Guionistas y Directores. Debutó con “Peshavarskiy vals” 1994, “Gladiadoras/Gladiatrix” 2001, “GAZ. Russkie mashiny” 2002, “Guardianes de la noche” 2004, “Nochnoy bazar” 2005, “Guardianes de día” 2006, “Ironiya sudby. Prodolzhenie” 2007, “Wanted (Se busca)” 2008, “Yolki” 2010, “Abraham Lincoln: Cazador de vampiros” 2012, “Yolki 1914” 2014, “Ben-Hur” 2016, “Yolki 5” 2016, “Profile” 2018, “Devyataev” 2021 y “Sin piedad” 2025. También ha dirigido los videoclips “Chicherina: Zhara”, “Zapreshchyonnye Barabanshchiki: Kuba ryadom”, “Chicherina: Ukhodya-ukhodi” y “Chicherina: Tu-lu-la” todos en 2000, “Chicherina: Doroga” 2001, “Linkin Park: Powerless” 2012 y “Till Lindermann: Lybimiy Gorod” 2021. El video “Escape from Afgahanistan” 2002 y la miniserie “Nashi 90-e” 2000.

Una vez más el género screenlife visita las salas de cine para ofrecernos un filme intenso, frenético, angustioso e incluso con una chispa de humor que se agradece, para soltar las tensiones presentes en un guion que lleva al límite a su personaje y por ende al espectador, pues Timur nos brinda todas las pistas necesarias, plasmadas sobre las páginas del dramático guion de Marco van Belle, para que el espectador no solo empatice con Chris, sino que también tenga la oportunidad de descubrir al asesino de este homicidio, en el que de entrada os digo que nada parece lo que es.

A mi juicio, al filme no le sobra ni un minuto, pues todo lo que vemos es necesario. Un filme narrado en tiempo real, tiempo que de vez en cuando veremos avanzar en la parte superior de la derecha, entre las múltiples pantallas que Bekmambetov despliega, pues utiliza todo tipo de dispositivos e incluso de tamaños de pantalla. Como podemos escuchar en un momento determinado a la juez, “la nube municipal de la ciudad está a disposición del inspector”. Timur elabora un puzle digno de un maestro orfebre compuesto por imágenes de videoconferencias, de calles tomada por drones, cámara de móviles o la “vulneración” de los circuitos cerrados de televisión dispuestos por la ciudad. Todo al servicio de Chris para demostrar su inocencia, en esa carrera sin freno que emprende a lo largo de una hora y media. No hace falta decir que la fotografía en este filme cobra gran relevancia y que el director de fotografia Khalid Mohtaseb, ha realizado un excelente trabajo, al igual que Austin Keeling y Lam T. Nguyen, con el extraordinario montaje.

Si bien el filme cuenta con un nutrido grupo de secundarios, los verdaderos protagonistas son Rebecca Ferguson que da vida a la juez creada por I.A. Un personaje frío, calculador y distante, aunque en algunos instantes  parezca ofrecernos destellos de esa humanidad de la que carece, y en el otro lado se sitúa Chris Pratt, quien se remueve en su asiento como pez fuera del agua. Su tensión emocional se percibe desde el instante en que despierta en la silla desconcertado, sin saber que ha pasado y una vez superado ese trance, proceder como el profesional que es, en busca de la verdad, porque él y creo que la mayoría de los espectadores, deseamos que no sea culpable. ¿Cómo logrará, sin poder salir de dicha sala, encontrar al verdadero culpable? O si él fuera el culpable, porque no se acuerda de lo que hizo el día anterior, ¿Intentará engañar a la I.A.? En 90 minutos, todo queda aclarado. Dos interpretaciones correctas que gozan de complicidad entre ellos y cuyos diálogos, no están exentos de reflexión.

Nada más os quiero contar, pues si eres un amante del cine de acción esperando que la adrenalina recorra todo tu cuerpo, buscando pasar un buen rato en una sala de cine y devorando palomitas sin despegar la mirada de la pantalla, “Sin piedad”, es tu película. Un filme inmersivo diseñado para entretener, que  en definitiva, es el gran objetivo del séptimo arte.

Una pregunta que os hago, si bien la I.A., puede ser y yo creo que lo es, una gran herramienta en la sociedad que vivimos. ¿Debería tener poder para tomar decisiones y ejecutarlas?

Mi nota es: 7,5                                 

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Chis Pratt, Rebecca Ferguson, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers, Kali Reis, Noah Fearnley, Kenneth Choi, Rafi Gavron, Jeff Pierre, Jamie McBride, Philicia Saunders, John Bubniak, Michael C. Mahon, Mike Tarnofsky, Carlos Antonio, Konstantin Podprugin, Tom Rezvan, Renata Ribeiro II, Ryan Hailey, Mick Gallagher, Haydn Dalton y Marco Vazzano.

PRODUCTORA: Atlas Entertainment//Amazon MGM Studios// Bazelevs Production// Big Indie Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España y Amazon MGM Studios.