RETURN TO SILENT HILL: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Alemania, Serbia, Reino Unido, Japón y Estados Unidos, Return to Silent Hill está dirigida por Christophe Gans, compartiendo guion con William Schneider y Sandra Vo-Anh “Nuestro lugar, nuestra ciudad, nuestro amor”

James Sunderland (Jeremy Irvine) viaja en su coche descapotable por una carretera escuchando música y fumando; aparta la mirada de la carretera por unos segundos, para quitarse la ceniza que ha caído sobre los pantalones. A levantar la mirada se encuentra de frente con un camión cargado de troncos de madera, al que logra esquivar, pero tras pasar, se topa con una joven Mary Crane (Hannah Emily Anderson), quien porta varias maletas; una de ellas cae al suelo, se abre y se rompe el cierre. Llega el autobús y aunque él la ayuda, lo pierde. James se ofrece a llevarla. Mientras se miran estalla una tormenta. El rostro de ella se refleja bajo el agua y James se despierta en el interior de un bar. Está borracho y le echan a la calle. Ya en casa, encuentra una carta de Mery, su gran amor, en el suelo. En ella le pide que por favor regrese al lugar especial donde se conocieron. James acude a la cita, pero cuando llega a Silent Hill, descubre que el pueblo está abandonado y cubierto de cenizas. Cenizas que caen del cielo como copos de nieve. James se pregunta que ha podido suceder.

El productor, guionista y director, Christophe Gans, estudió en el Instituto de Estudios Superiores Cinematográficos (IDHEC). Fundo las revistas de cine “Rhesus Zero” y “Starfix”. Debutó con el cortometraje “Silver Slime” 1981, el capítulo titulado The Drowned de “Necronomicon” 1994 y en el largometraje con “Crying Freeman: Los paraísos perdidos” 1995; para continuar con “El pacto de los lobos” 2001, “Silent Hill” 2006, “La bella y la bestia” 2014 y este año nos presenta “Return to Silent Hill” 2026.

“Silent Hill” nació como un videojuego allá por el año 1999 en Norteamérica, a través de PlayStation, continuando su viaje por  Japón y Europa. Ha vendido más de 2 millones de copias. Esta obra de terror psicológico sobrenatural cuenta con tres películas “Silent Hill” 2006 de Christophe Gans, “Silent Hill 2: Revelación 3D” 2012 de M.J. Bassett y ahora, pasados 20 años, Gans nos ofrece “Return to Silent Hill” 2026.

Desconocía la existencia de este juego y tampoco he visto las anteriores entregas de esta franquicia cinematográfica, por lo cual entré en la sala, sin saber nada y sinceramente, la he disfrutado, quizás, como he comentado, al desconocer el material original o porque estas extrañezas donde el terror juega con el consciente y el subconsciente de un personaje golpeado por el dolor, la culpa, la pérdida y hasta el autoengaño, en busca de la expiación; siempre me han atraído.

Debo reconocer que al principio me sentí un poco perdido, hasta que comprendí que estaba ante una de esas películas con tintes psicológicos donde la razón coquetea con la locura, la realidad con la fantasía y lo natural con lo antinatural o sobrenatural. Y si te dejas llevar, te puedo asegurar que vivirás una experiencia sensorial, que tal vez no llegues a entender del todo lo que se te está mostrando a través de la potente fotografía de Pablo Rosso, pero que no te dejará indiferente ni te desagradará el resultado final. Una obra cargada de un fuerte simbolismo místico que puede rozar el alma de quienes han sufrido una gran pérdida o tienen la certeza de que en algunas situaciones, no se estuvo a la altura. El mea culpa resuena en las entrañas del laberinto de la mente, de ese infierno del que tantas veces resulta imposible salir o deshacerse de él.

Un filme oscuro, angustioso y desolador, donde la banda sonora compuesta por Akira Yamaoka, te hipnotiza, al igual que el sonido y la terrorífica  atmósfera, hasta arrastrarte a los confines del infierno en donde James cae en su desesperación por recuperar el amor perdido. Sus miedos los vemos representados por personajes como: Pyramid Head, Lying figure, los maniquís o las aterradoras enfermeras; todos ellos personajes del juego, por lo que he podido comprobar. Las bandadas de polillas, como símbolo de los cambios o la muerte y por supuesto, los sueños, a modo de flashbacks, en donde James nos trae instantáneas de los felices tiempos vivido junto a Mary. Tanto Jeremy Irvine como James y Hannah Emily Anderson dando vida a Mary Crane y María, realizan convincentes interpretaciones.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Jeremy Irvine, Hannah Emily Anderson, Evie Templeton, Pearse Egan, Emily Carding, Martine Richards, Eve Macklin, Matteo Pasquini, Howard Saddler y Robert Strange.

PRODUCTORA: Davis Films// Supermix// The Electric Shdow Company// Work in Progress// Ashland Hil Media Finance//Konami// Bloody Disgusting// Maze Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Tripictures.

SIN PIEDAD: CRÍTICA DE CINE

Sin Piedad está dirigida por Timur Bekmambetov con guion de Marco van Belle.

Debido al alto índice de delincuencia, los legisladores implantaron Mercy, que actúa como juez, jurado y verdugo, manteniendo segura la ciudad. Uno de sus creadores es el inspector Chris Raven (Chris Pratt), que ahora se encuentra sentado y desconcertado en una silla frente a la juez Maddox (Rebecca Ferguson). Una juez creada por I.A.

Maddox explica a Chris que está acusado de haber matado a su mujer de una puñalada y que el cuerpo fue descubierto por su hija Britt (Kylie Rogers). Chris se enfada afirmando que no recuerda nada y que sería incapaz de hacer daño a su mujer. La jueza le muestra lo sucedido en la pantalla y le comenta que tiene 90 minutos para demostrar su inocencia, poniendo a su alcance todos los dispositivos para esclarecer la verdad, pues de lo contrario será ejecutado.

El productor, guionista y director, Timur Bekmambetov, se graduó en el Instituto de Artes y Cultura de Ostrovsky en 1987 y continuó en la Escuela de Postgrado de Guionistas y Directores. Debutó con “Peshavarskiy vals” 1994, “Gladiadoras/Gladiatrix” 2001, “GAZ. Russkie mashiny” 2002, “Guardianes de la noche” 2004, “Nochnoy bazar” 2005, “Guardianes de día” 2006, “Ironiya sudby. Prodolzhenie” 2007, “Wanted (Se busca)” 2008, “Yolki” 2010, “Abraham Lincoln: Cazador de vampiros” 2012, “Yolki 1914” 2014, “Ben-Hur” 2016, “Yolki 5” 2016, “Profile” 2018, “Devyataev” 2021 y “Sin piedad” 2025. También ha dirigido los videoclips “Chicherina: Zhara”, “Zapreshchyonnye Barabanshchiki: Kuba ryadom”, “Chicherina: Ukhodya-ukhodi” y “Chicherina: Tu-lu-la” todos en 2000, “Chicherina: Doroga” 2001, “Linkin Park: Powerless” 2012 y “Till Lindermann: Lybimiy Gorod” 2021. El video “Escape from Afgahanistan” 2002 y la miniserie “Nashi 90-e” 2000.

Una vez más el género screenlife visita las salas de cine para ofrecernos un filme intenso, frenético, angustioso e incluso con una chispa de humor que se agradece, para soltar las tensiones presentes en un guion que lleva al límite a su personaje y por ende al espectador, pues Timur nos brinda todas las pistas necesarias, plasmadas sobre las páginas del dramático guion de Marco van Belle, para que el espectador no solo empatice con Chris, sino que también tenga la oportunidad de descubrir al asesino de este homicidio, en el que de entrada os digo que nada parece lo que es.

A mi juicio, al filme no le sobra ni un minuto, pues todo lo que vemos es necesario. Un filme narrado en tiempo real, tiempo que de vez en cuando veremos avanzar en la parte superior de la derecha, entre las múltiples pantallas que Bekmambetov despliega, pues utiliza todo tipo de dispositivos e incluso de tamaños de pantalla. Como podemos escuchar en un momento determinado a la juez, “la nube municipal de la ciudad está a disposición del inspector”. Timur elabora un puzle digno de un maestro orfebre compuesto por imágenes de videoconferencias, de calles tomada por drones, cámara de móviles o la “vulneración” de los circuitos cerrados de televisión dispuestos por la ciudad. Todo al servicio de Chris para demostrar su inocencia, en esa carrera sin freno que emprende a lo largo de una hora y media. No hace falta decir que la fotografía en este filme cobra gran relevancia y que el director de fotografia Khalid Mohtaseb, ha realizado un excelente trabajo, al igual que Austin Keeling y Lam T. Nguyen, con el extraordinario montaje.

Si bien el filme cuenta con un nutrido grupo de secundarios, los verdaderos protagonistas son Rebecca Ferguson que da vida a la juez creada por I.A. Un personaje frío, calculador y distante, aunque en algunos instantes  parezca ofrecernos destellos de esa humanidad de la que carece, y en el otro lado se sitúa Chris Pratt, quien se remueve en su asiento como pez fuera del agua. Su tensión emocional se percibe desde el instante en que despierta en la silla desconcertado, sin saber que ha pasado y una vez superado ese trance, proceder como el profesional que es, en busca de la verdad, porque él y creo que la mayoría de los espectadores, deseamos que no sea culpable. ¿Cómo logrará, sin poder salir de dicha sala, encontrar al verdadero culpable? O si él fuera el culpable, porque no se acuerda de lo que hizo el día anterior, ¿Intentará engañar a la I.A.? En 90 minutos, todo queda aclarado. Dos interpretaciones correctas que gozan de complicidad entre ellos y cuyos diálogos, no están exentos de reflexión.

Nada más os quiero contar, pues si eres un amante del cine de acción esperando que la adrenalina recorra todo tu cuerpo, buscando pasar un buen rato en una sala de cine y devorando palomitas sin despegar la mirada de la pantalla, “Sin piedad”, es tu película. Un filme inmersivo diseñado para entretener, que  en definitiva, es el gran objetivo del séptimo arte.

Una pregunta que os hago, si bien la I.A., puede ser y yo creo que lo es, una gran herramienta en la sociedad que vivimos. ¿Debería tener poder para tomar decisiones y ejecutarlas?

Mi nota es: 7,5                                 

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Chis Pratt, Rebecca Ferguson, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers, Kali Reis, Noah Fearnley, Kenneth Choi, Rafi Gavron, Jeff Pierre, Jamie McBride, Philicia Saunders, John Bubniak, Michael C. Mahon, Mike Tarnofsky, Carlos Antonio, Konstantin Podprugin, Tom Rezvan, Renata Ribeiro II, Ryan Hailey, Mick Gallagher, Haydn Dalton y Marco Vazzano.

PRODUCTORA: Atlas Entertainment//Amazon MGM Studios// Bazelevs Production// Big Indie Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España y Amazon MGM Studios.

ÍDOLOS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España e Italia, IDOLOS, está dirigida por Mat Whitecross con guion de Jordi Gasull, Inma Cánovas y Ricky Roxburgh “No le eches la culpa a tu compañero, échale la culpa a tu miedo”

Edu Serra (Óscar Casas) es un piloto de MotoGP, quien tras caerse al tomar una curva durante una carrera, discute con su entrenador y se va de mala gana. Trabaja como repartidor y una mañana descubre que debajo de su casa, una joven tatuadora, Luna Cardona (Ana Mena), acaba de abrir un estudio de tatuaje. La atracción entre ambos surge al instante.

A Edu le dan la oportunidad de formar parte de la escudería Aspar Team de Moto2, con la condición de ser entrenado por Antonio Belardi (Claudio Santamaria), a lo que él se niega y se cabrea, porque Antonio es su padre,  quien tras tener un aparatoso accidente durante una carrera y fallecer en ella su mejor amigo, se retira de las competiciones y les abandona a él y a su madre (ahora fallecida). Edu siempre tiene presente la memoria de su madre, repudiando a su padre.

Mat Whitecross, se inició en la industria como asistente. En la dirección cuenta con  los cortometrajes: “Job Street” 2005 y “Red Nose Day Actually” en 2017. Los  largometrajes: “Camino a Guantánamo” 2006, “La doctrina del shock”,  “Moving to Mars” y “Sexo, drogas y rock`s roll” todas en 2009, “Spike Island” y “Ashes” en 2012, “Oasis: Supersonic” 2016, “Coldplay. A head full of dreams” 2018, “El sonido de 007” 2022 y este año nos ofrece “Ídolos” 2026. Ha dirigido capítulos para las series: “Nearly Famous” 2007, “Spooks: Code 9” 2008, “Vic and Bob´s Big Night Out” 2018/19 y “Rising Phoenix: Road to Tokyo” 2024. Para las miniseries: “Fleming” 2014, “The Kings” 2021 y “This England” 2022. El telefilme “Bauhaus 100” 2019. El especial para TV “Coldplay`s Game of Thrones: The Musical” 2015, el vídeo: “Riz MC: Post 9/11 Blues” 2006 y  numerosos videoclips entre los que encontramos: “Coldplay: Bigger Stronger” 2005, “Coldplay: Violet Hill (Dancing Politicians Version),  “Coldplay: Lost!”, Coldplay:Lovers in Japan” y “Coldplay Feat. Jay-Z: Lost+” todos en 2008, “Take That: The Flood” y “Coldplay: Christmas Lights” en  2010, “Take That: Kidz”, “Coldplay: Paradise” y “The Rolling Stone: No Spare Parts” en 2011, “Coldplay: Every Teardrop Is a Waterfall” y “Coldplay: Charlie Brown” en  2012, “Coldplay: A Sky Full a Stars” 2014, “Coldplay: Adventure of a Lifetime” 2015, “Take That: Giants”, “The Chainsmokers & Coldplay: Something Just Like This (Tokyo Remix) y “Vic & Bob`s Night Out” en  2017, “Liam Gallagher: Paper Crown” y “Coldplay Live in São Paulo” en 2018, “Coldplay: Orphans” 2019, “Pink Floyd feat: Andriy Khlyvnyuk of Boombox: Hey Hey Rise Up” y “Coldplay:Biutyful” en 2022.

Si el pasado año nos visitó el automovilismo con “F1: La Película” de Joseph Kosinski, en este inicio del 2026 nos llega el motociclismo aupado por Mat Whitecross. Ambos títulos se pueden dar la mano, pues aunque las producciones presenten algunas diferencias notables, Ídolos posee la fuerza, el arrojo y  una latente rivalidad que visten en el día a día y en cada competición, al joven Edu, piloto de MotoGP, cuya ira enraizada en un pasado triste y oscuro, le persigue como fantasma en el presente, no dejando que se desarrolle todo su potencial.

El rugir de las motos en la pista se percibe con toda intensidad desde la butaca, gracias al extraordinario sonido; mientras que el amor y las luchas internas del personaje, alimentados por el duelo del pasado, la rabia contenida, la ausencia de una madre y del abandono de un padre e incluso de los enfrentamientos con su entrenador y otros compañeros; compiten  con el amor que, como bálsamo renovador llega a la vida de Edu, curando las heridas y lo más importante, disipando las sombras que ocultan la luz de un nuevo tiempo, aunque para ello deba vivir su propio viacrucis.

En el reparto nos encontramos con Claudio Santamaria como el padre y el nuevo entrenador de Edu. Los roces entre ambos resultan de lo más convincentes. Padre e hijo deben hacer frente a sus propios demonios, si quieren alcanzar la paz que sus mentes y cuerpos demandan. Enrique Arce se mete en la piel del jefe de la escudería del equipo Aspar Team de Moto2, quien ve en Edu esa rabia, valor y potencial para ser un campeón y que en la actualidad está desperdiciando; además, Eli será el “culpable” del acercamiento entre Antonio y su hijo Edu, que tanto se necesitan. Una interpretación con altas dosis de humanidad, respeto y entrega; tan natural como contundente. Llega el momento de la pareja romántica, tanto en la escena como en la vida real. Un Óscar Casas que me sigue recordando mucho a su hermano. Está claro que están cortados por el mismo patrón y  que Mario le ha enseñado muy bien el oficio. La complicidad entre los dos, es más que evidente, pues hasta algunos gestos son fácilmente reconocibles y sobre todo, el afán de mostrar sus cuerpos bien cuidados. Que puñetas, si la naturaleza ha sido generosa con ellos, hay que lucirlo. Óscar realiza una dramática interpretación que cala en el espectador, al igual que la de su compañera Ana Mena, como Luna, la tatuadora que instala su centro en los bajos del edificio donde vive Edu. El amor que se profesan, traspasa la pantalla. No perdáis de vista los numerosos cameos de pilotos reales, durante las carreras, como sucedía en F1; en esta ocasión veremos a Marc Márquez, Aleix Espargaró  e incluso a Jorge Martínez Aspar.

Para ir terminando, comentaros que cuenta con una cuidadísima puesta en escena, destacando la sobresaliente fotografía de Félix Bonnin y Xavi Giménez, el vertiginoso montaje de Ascen Marchena, la banda sonora en la partitura de Sara Josa Cercós, que incluye dos temas originales de Ana Mena, y el apabullante sonido, que hace vibrar el suelo y la butaca. Un filme muy recomendable para los amantes del motociclismo y de quienes disfrutan de una buena película.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO: Òscar Casas, Ana Mena, Claudio Santamaria, Enrique Arce, Saul Nanni, Simone Baldasseroni, Nadal Bin, Alessandra Carrillo, Mario Ermito, Adrian Grösser, José Milán, Tarina Patel, Jorge Rueda y Desirée Popper.

PRODUCTORA: 4 Cats Pictures// Warner Bros. España// Mogambo// Anangu Grup// greenBoo Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warmer Bros. Pictures España.

ARCO: CRITICA DE CINE

      ARCO está dirigida por Ugo Bienvenu compartiendo guion con Félix De Givry.

Arco (Voz de Oscar Tresanini), es un niño de 10 años, que vive en un futuro lejano. Sus padres y hermana lo han dejado al cuidado de los animales y el huerto. En el cielo se dibuja un gran arcoíris y al verlo, corre tras él. Al final de dicho arcoíris surgen tres personajes con capas con los mismos colores. Son su hermana, que lo abraza con cariño y sus padres. Durante la cena, Arco comenta que desea ir con ellos en el próximo viaje, pero su padre (Voz de Oxmo Puccino), le explica  que la ley no permite volar antes de los 12 años. Al llegar la noche y cuando todos duermen, se viste con el traje de su hermana y salta al vacío. Al principio pierde el equilibrio pero pronto lo recupera y emocionado, decide explorar.

La acción nos sitúa en un futuro más cercano, en el 2075. Una niña de nombre Iris (Voz de Margot Ringard Oldra) y su hermano pequeño, están al cuidado de Mikki (Voz de Louis Garrel), un robot doméstico, mientras sus padres trabajan en la ciudad. Un día Iris ve caer a Arco del cielo y decide llevarlo a casa, porque presenta algunas heridas. Tras recuperarse le pregunta quién es y de dónde viene. Arco solo le desvela lo que puede, haciéndole saber que nadie debe conocer el futuro. Arco se intranquiliza al darse cuenta que ha perdido el diamante que llevaba en su traje, pues sin él no podrá regresar. Iris sin pensarlo dos veces, decide protegerlo y ayudarlo.

Ugo Bienvenu, estudió en la Ècole Estienne de París donde se especializó en Artes Aplicadas y Diseño (STD2A), graduándose en ilustración. Finalizados sus estudios se incorporó al programa de animación de Gobelins y tras pasar por el California Institute of the Arts de Los Ángeles, se dedicó a la animación experimental. Sus inicios llegaron con los cortometrajes “Jelly Sunday” 2009, “Jean-Luc” 2010, “Une île” y “La Fin du monde” ambos en 2012 y “Maman” 2013. El videoclip “Jabberwocky feat. Ana Zimmer: Fog” 2015, capítulos para la miniseries “Ant-Man” 2017 y regreso al cortometraje con “Dolly.Zero” 2017, “L`entretien” 2019, “Métal Hurlant” 2021, la miniserie documental de animación junto a François de Riberolles “Magallanes: la primera vuelta al mundo” 2022 y por fin debuta en el largometraje con “Arco” 2025.

Arco es una historia aparentemente sencilla pero que tras su visionado, al menos en el público adulto, deja posos de lo más interesantes, en nuestras mentes. La historia de estos dos jóvenes, que no es por casualidad se llaman Arco e Iris y que sea este fenómeno óptico y meteorológico el transporte idóneo para viajar al pasado o al futuro, nos hablarán de las emociones y sentimientos, de la amistad, la familia, la complicidad, la protección o el tender una mano desinteresada a quien lo necesita, sin mirar la procedencia del otro, simplemente confiando en la nobleza del ser.

Sus mundos son muy diferentes. El de Iris, sufriendo el cambio climático con fuertes tormentas, vientos, incendios y otros desastres naturales. Solo cuando el sol brilla, disfrutan del entorno. Los robots realizan tareas como cortar el césped, recoger la basura, limpiar las calles, cuidar d los niños e incluso ejerciendo de maestros. Es un mundo más frío en el cual muchos de los objetos están creados por hologramas, incluyendo las llamadas telefónicas; mientras que el mundo de Arco es un lugar idílico. Viven entre las nubes rodeados de naturaleza y belleza, cuidan de los animales y cultivan sus propios huertos, además de tener la capacidad de comunicarse con las aves.

Un filme rico en matices que iréis descubriendo a lo largo del metraje, pues si bien los más pequeños disfrutarán con una animación apoyada en el 2D, que sinceramente se agradece toparse con una obra artesanal que se regocija en su exquisita paleta de color, la cual logra acentuar los sentimientos, emociones, drama o paz que respira la obra; los adultos tendrán tiempo para reflexionar y cuestionarse qué estamos haciendo con nuestro ecosistema, con el planeta que nos sustenta y nos da la vida. ¿Sucumbiremos como lo hicieron los dinosaurios? Un detalle que no pasa inadvertido, es la similitud en la narración, con E.T., la inolvidable película de Spielberg. Y si bien el drama está muy presente, Ugo y Félix, no se olvidan de crear algunas páginas de humor en el guion, que además de dar esperanza, liberan tensiones con momentos cómicos a través de tres personajes excéntricos y patosos, que no son malos, sino curiosos.

Resumiendo, pues espero que os haya despertado las ganas de ir a verla, sobre todo a los amantes de la animación, que cada vez somos más. Estamos ante una película tranquila y amable que te acomoda en la butaca, sin sobresaltos y con emociones a flor de piel. Un filme para toda la familia. Una obra contemplativa, pues aunque cuenta con pocos elementos en los decorados, son lo suficientemente atractivos como para disfrutar de cada uno de ellos, junto a la banda sonora relajante, potente y atractiva, en la partitura de Arnaud Toulon, que rematan esta obra tan bien diseñada.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de enero.

REPARTO DE VOCES DE LOS PERSONAJES: Oscar Tresanini, Margot Ringard Oldra, Alma Jodorowsky, Louis Garrel, Swann Arlaud, Vincent Macaigne, William Lebghil, Oxmo Puccino y Sophie Más.

PRODUCTORA: Remembers// MountainA// France 3 Cinéma// CNC// Fit Via Vi Film Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Caramel Films España.

28 AÑOS DESPUÉS: EL TEMPLO DE LOS HUESOS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, 28 AÑOS DESPUÉS: El templo de los huesos, está dirigida por Nia DaCosta con guion de Alex Garland. “Luci soltó a sus demonios sobre el mundo del hombre”

El líder de una secta satánica, Sir Jimmy Crystal (Jack O`Connell), contempla como sus miembros: Jimmy Ink (Erin Kellyman), Jimmima (Emma Laird), Jimmy Jimmy (Robert Rhodes), Jimmy Jones (Maura Bird), Jimmy Snake (Ghazi Al Ruffai) y Jimmy Fox (Sam Locke), intimidan y preparan al nuevo integrante, Spike (Alfie Williams), que tras una prueba de valor, es admitido en el grupo, tras ser bautizado como un nuevo Jimmy.

En otro espacio, no muy lejos, vemos al Doctor Ian Kelson (Ralph Fiennes) en su tempo de huesos, siendo sorprendido por Samson (Chi Lewis-Parry), un Alpha infectado al que se enfrenta y apacigua lanzándole un dardo tranquilizador, con su cerbatana. Samson le visita de nuevo e Ian, piensa en si existe la posibilidad de curarlo con los medios que tiene a su alcance, naciendo entre ambos una interesada amistad.

La guionista y directora, Nia DaCosta, se graduó en la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York, donde conoció a uno de sus directores favoritos, Martin Scorsese, mientras trabajaba como ayudante de producción en televisión. Debutó con “Little Woods” 2018, continuando con “Candyman” 2021, “The Marvels” 2023, “Hedda” 2025 y este año nos ofrece la nueva entrega de “28 años después: El templo de los huesos”. Para televisión ha dirigido episodios de “Top Boy” 2011 y “Behind the Monsters” 2021, además del cortometraje de animación “Candyman: Animated Prequel” 2020 y el documental “Así se hizo The Marvels” 2024.

El primer título de esta saga llegó en 2002 con “28 días después” de Danny Boyle, al que han seguido “28 semanas después” de Juan Carlos Fresnadillo 2007, “28 años después” de nuevo dirigida por Danny Boyler 2025 y de momento, nos quedamos con “28 años después: El templo de los huesos” 2026 de Nia DaCosta, a falta del desenlace de la trilogía, eso si no deciden continuar, que no sería de extrañar, al menos si siguen poniendo tanto empeño en sorprender al espectador.

Entré a la sala esperando ver una continuación de “28 años después” y la sorpresa ha sido muy positiva, más de lo que podía esperar, pues Alex Garland ha elaborado un guion en el que no solo continúa con la historia, sino que la enriquece abriendo nuevas vías para una franquicia más grande, más intensa, más inquietante, más crítica, mucho más violenta con grandes dosis de gore y con nuevos y refrescantes enfoques, en ese mundo distópico invadido por humanos infectados por el virus, que en su día se escapó de un laboratorio de armas biológicas, como ya sabéis.

Si la anterior entrega se nos presentó como un viaje de iniciación y redención, a la vez que los supervivientes intentaban mantener las distancias y sobrevivir a la furia desatada en los infectados, protegidos por los muros de una fortificación; en esta ocasión los ataques de los “zombis” quedan en un segundo plano, aunque el guionista y la directora no se privan en deleitarnos con algunas escenas de fuerte impacto, llevadas a cabo por estos seres, aunque algunos de los supervivientes no se quedan atrás, en cuanto a la violencia se refiere.

La egolatría, la locura y el fanatismo, se confabulan para dar aliento a la secta que dirige un cruel y cínico superviviente, convirtiéndose en el tema principal que chocará con la nobleza de quien busca una solución al grave problema que les afecta. Estamos por tanto ante un espeluznante Yin Yang marcado por dicho grupo sectario liderado por el perturbado Sir Jimmy Crystal, quien tiene a su servicio a jóvenes belicosos, entre los que se encuentra  Spike, y en el otro lado de la balanza se sitúa la mente lúcida y pacifista del doctor Ian Kelson, quien está esperanzado en hallar la cura para los infectados, tomando como “Paciente” al terrorífico Samson. Una narración, que esconde mucho más que el terror visual que nos mantiene pegados en la butaca, pues exhibe metáforas sutiles de una aguda crítica socio – política, cuestionando a la humanidad.

Esta nueva entrega, cuenta con excelentes interpretaciones donde despunta un brillante Ralph Fiennes, quien logra empatizar con el espectador, al ofrecerle el rico e interesante abanico de matices que ostenta la fuerte personalidad de Ian, haciéndonos partícipes de cuanto se cuestiona en la soledad de su templo, entre los escasos recuerdos del pasado, sus sueños, miedos, experiencias y deseos. Roza, sin tal vez ser consciente,  la fina línea que separa el bien del mal, la vida de la muerte, lo correcto de lo incorrecto. Jack O`Connell, en un papel sobreactuado, como el guion exige, encarna la maldad más perversa, demoledora y cínica e incluyo a Chi Lewis-Parry  como Samson, el infectado, que no sé por qué razón, me recordó, salvando las distancias, al monstruo de Frankenstein. Un monstruo que busca paz, ser entendido y dejar de ser el monstruo que le ha tocado en “suerte”.

También merece subrayar la extraordinaria puesta en escena, resaltando la impactante fotografía de Sean Bobbitt, entre planos estremecedores y vistas de pájaro inquietantes. El uso del color y la iluminación que sobrecogen, hasta logar hipnotizar al espectador más curtido y para terminar, Hildur Guðnadóttir, nos asfixia con su amenazadora y trepidante banda sonora, en donde escucharemos un tema del mítico grupo Iron Maiden, en una escena que bascula entre el terror y el humor negro.

Mi nota es: 8.5

ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de enero.

REPARTO: Ralph Fiennes, Emma Laird, Alfie Williams, Jack O`Connell, Chi Lewis-Parry, Robert Rhodes, Maura Bird, Ghazi Al Ruffai, Natalie Cousteau, Sam Locke y Elliot Benn.

PRODUCTORA: Columbia Pictures// DNA Films// BFI// Decibel Films// Sony Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing España.

EL MÉDICO II : CRÍTICA DE CINE

El Médico II está dirigida por Philipp Stölzl compartiendo guion con Jan Berger y Caroline Bruckner.

Es el año 1034. Rob Cole (Tom Payne), su mujer Rebecca (Emma Rigby) y algunos estudiantes, huyen de la Madraza en un barco rumbo a Inglaterra, a la ciudad en la que Rob nació, para impartir sus conocimientos médicos. Poco antes de llegar y ya cerca de la costa, estalla una gran tormenta y el barco colisiona contra una roca. Rebecca, que ha dado a luz a un niño, desaparece en el mar. Rob cae en una profunda depresión y tendrán que ser sus compañeros los que lo animen, haciéndole ver el motivo que les ha llevado hasta esas costas.

Cuando entran en la ciudad no son bien recibidos pues judíos y musulmanes tienen prohibida la entrada, a la vez que se les impide ejercer la medicina, cuestión que no les hace desistir, creando un hospital a las puertas de Londres. Entre los numerosos enfermos que se acercan a diario para ser sanados, se encuentra una noble a la que Rob logra curar. En agradecimiento y junto a su marido Lord Godwin (Owen Teale), son llevados a la corte donde además de lidiar con enfermedades como la del alma, se verán envueltos en las intrigas de poder de la familia real con una reina autoritaria, una hija que sufre una enfermedad mental y un rey, aislado. Juntos deberán luchar por la vida de sus pacientes y las suyas.

Philipp Stölzl estudió escenografía y diseño de vestuario en el Münchner Kammerspielen graduándose en 1988. Comenzó a trabajar en diversos teatros alemanes y debutó en la dirección audiovisual en 1997 con el videoclip “Rammstein: Du Hast”, el cortometraje “Morituri Te Salatant” 1999 y en el largometraje con “Baby” 2002, para continuar con “Cara Norte” 2008, “Goethe!” 2010, “El último testigo” 2012, “El médico” 2013, “Winnetou: Un nuevo mundo”, “Winnetou: La última batalla”  y “Winnetou: El secreto del lago de plata” en 2016; “Rigoletto” e “Ich war noch niemals in New York” en 2019, “The Royal Game” 2021 y este año nos ofrece “El médico II” 2025. También cuenta con el telefilme “Giacomo Puccini: Turandot” 2022, el especial de televisión “Der Freischütz – Von den Bregenzer Festspielen” 2024, capítulos para la miniserie “Winnetou – The Lives” 2016, la serie “El quinto día” 2023, los videos “Faith No More: Who Cares a Lot?” 1999, “Now That´s What I Call Music!: The Best Videos 0f 2003” y “Rammstein: Luchtspielhaus” en 2003; “Faith No More: Double Feature – Live At The Brixton Academy y London (You Fat B** stards)/Who Cares A lot (The Greatest Videos) en 2006; “Absolute Garbage” 2007, “Madonna: Celebration- The Video Collection” 2009, así como numerosas óperas y un gran número de videoclips.

Debo reconocer que cuando me enteré de que se estaba rodando la segunda entrega de “El Médico”, habiendo pasado 12 años, pensé si realmente era necesaria una nueva secuela, aunque por otra parte me tranquilizaba saber que la dirección y el guion, recaía en las mismas manos, al igual que su protagonista principal, repetiría personaje. Los buenos recuerdos de aquella primera entrega, contando una historia de aventuras al estilo más clásico, con una producción muy cuidada y un reparto totalmente entregado, me llevó a acomodarme en la butaca esperando volver a ser sorprendido y os aseguro, que la experiencia ha merecido la pena, hasta el punto de que sus casi dos horas y media de metraje, se pasan en un suspiro. El ritmo que  Philipp Stölzl y el montador Marty Schenk, han otorgado al filme, es de aplaudir, pues no te da pie a mirar al recipiente de las palomitas, ni un solo segundo. Puro divertimento.

Indiscutiblemente el aroma y los recuerdos de “Juego de tronos”, la gran serie de televisión de HBO que no hace mucho he vuelto a disfrutar al completo, se filtra entre las imágenes y con la presencia de algunos de los actores como: Aidan Gillen a quien recordando como el estratega y malvado Lord Petyr Baelish, nos ofrece a un nuevo villano, Hunne ¿Tan perverso? Vosotros dictaréis. Owen Teale, quien encarnó a Sir Alister, aquí nos entrega una excepcional interpretación dando vida a Lord Godwin, al igual que sucede con Liam Cunningham, difícil de olvidar en su personaje del humilde y leal Ser Davos Seaworth,  ahora logra traspasar la piel del rey Canute quien una vez curado, pedirá al equipo médico que se encargue de su hija. Tres actores personificando a tres personajes de gran relevancia en la trama, junto al mencionado Tom Payne, como el médico Cole; pero sería injusto no comentar que todo el reparto está espectacular, desde el primero al último, destacando también a dos de sus actrices Emily Cox (Rebecca) y Àine Rose Daly (Llene). Absolutamente creíbles.

Si en la primera entrega se nos hablaba del poder beneficioso de la medicina para prevenir y curar las enfermedades que atacan a nuestro cuerpo físico, en esta nueva obra, la curación radica en el alma, el espíritu y la vulnerabilidad de nuestra mente, cuando el mal se ceba en ellas. Y para dar más empaque a la narración, se refuerza con los odios, envidias, xenofobia y las supersticiones reinantes en el pueblo, junto a  las intrigas por el poder existente en la corte. Un filme que posee los ingredientes esenciales para sumergirnos en una historia en donde el diseño de producción de Pater Sparrow sigue la estela de la anterior, cuidando cada detalle que se potencia con la elegante fotografía de Frank Griebe, el vestuario de Julia Szlávik y la banda sonora de Ingo Ludwig Frenzel, por poner algunos ejemplos. Un filme muy recomendable.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero.

REPARTO: Tom Payne, Aidan Gillen, Owen Teale, Liam Cunningham, Emily Cox, Emma Rigby, Áine Rose Daly, Harry Redding, Sara Kestelman, Mátë Haumann, Anne Ratte-Polle, Leonard Scheicher, Francis Fulton- Smith, Malick Bauer y Anders Olof Grndeberg.

PRODUCTORA: UFA Fiction// Beta Cinema// Constantin Film// Zeitsprung Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeaPlaneta.

LA ASISTENTA: CRÍTICA DE CINE

La Asistenta está dirigida por Paul Feig con guion de Rebecca Sonnenshine, quien adapta la novela de Freida McFadden. “Solo tienes que aprender que tus actos tienen consecuencias”

Millie Calloway (Sydney Sweeney) se presenta al puesto de asistenta que la familia Winchester ha solicitado. Es entrevistada por Nina (Amanda Seyfried) que ofrece un carácter amable y jovial. Nina está casada con Andrew (Brandon Sklenar) y tiene una preciosa hija, Cecelia (Indiana Elle). Cuando Millie sale de la casa, nos enteramos de que ha mentido en su currículum y que tiene un oscuro pasado, por las imágenes que se nos muestran. Nina contrata a Millie y le presenta a su marido Andrew, quien la dispensa una cierta mirada de deseo, mientras Cece lo hace de indiferencia. A la mañana siguiente, Millie se despierta por los ruidos y gritos que proceden de la cocina, baja con rapidez y se encuentra con Nina en un estado de fuerte nerviosismo, rompiendo todo lo que se pone en su camino y gritando a su marido, mientras éste permanece impasible. Y nada más os voy a contar, pues estamos ante una más que inquietante película, en donde la tensión se masca por minutos.

El productor, guionista y director, Paul Feig, Se graduó en Chippewa Valley High School en 1980 y en la Escuela de Cine  y televisión de la Universidad del Sur de California en 1984. Debutó con el largometraje “Life Sold Separately” 1997, continuando con “La fuerza del valor” 2003, “¡Peligro! menores sueltos” 2006, “Life Sold Separately” 1997, “La boda de mi mejor amiga” 2011, “Cuerpos especiales” 2013, “Espías” 2015, “Cazafantasmas” 2016, “Un pequeño favor”  y “Groom” en 2018, “Last Christmas” 2019, “La Escuela del Bien y del Mal” 2022, “Jackpot!” 2024 y “Otro pequeño favor” y “La asistenta” 2025. Cuenta con los cortometrajes para Televisión “People in New Jersey” 2013 y “Jimmy Returns, The 2018 Oscar” 2018. Capítulos para series como: “Instituto McKinley” 2000, “Undeclared” 2002, “Arrested Development” 2004/05, “Rockefeller Plaza” y “Mad Men” en 2007, “Weeds” 2005/07, “Park and Recreation” y “Bored to death” en 2009, “Nurse Jackie” 2009/10, “he Office” 2005/11 y “Welcome to Flatch” 2022. Los telefilmes “Early Bird” 2005, “Ronna & Beverly” 2009 y “Girls Code” 2018.  Y los videos “Jimmy`s Guide to How to Win an Oscar” 2017, “A Simple Favor: Flash Mob (Alternate Ending) 2018.

Tensión dramática, tensión emocional y mucha tensión sexual es lo que se respira en este filme, prácticamente desde el inicio. Tendré cuidado en no poner palabras que os puedan llevar a alguna conclusión acertada o errónea, pues no me lo perdonaría. Quiero que descubráis esta obra que encierra algunos secretos, sin saber nada, ya que esa inocencia y amabilidad de los primeros minutos y las mentiras bien gestadas que se nos explican casi al instante; nos van preparando para lo que se avecina, que es mucho, os lo prometo. Cada detalle cuenta. De entrada os diré que la he disfrutado de principio a fin, porque nada me atrapa y entretiene más que una buena historia bien contada, me deje con la boca abierta y los ojos desorbitados con sus giros y con interpretaciones dignas de ser aplaudidas. Hay mucha mala leche en las páginas de este guion adaptado por Rebecca Sonnenshine de la novela de Freida McFadden.

Un filme por el que desfilan de forma inquietante las relaciones tóxicas, las falsas apariencias, los miedos y traumas, la dominación, la violencia física y una de las más peligrosas, la dialéctica; sin olvidarnos de la astucia más apremiante y refinada. El dañino juego que se puede ejercer sobre las mentes más vulnerables o los egos llevados al extremo, entre otros temas como el cortejo, la educación, el respeto o las diferencias entre las clases sociales. Un extraño juego que a la vez que nos distrae, nos hace reflexionar y… Una narración que nos muestra sus dos caras, la del drama más apasionado, doloroso  y voraz y en el revés de la moneda, la comedia más ingeniosa y sutil. Un thriller psicológico crítico, que te mantendrá con los ojos y oídos bien abiertos y atentos, pues estos guapos y guapas quieren jugar con nosotros desplegando cuanta seducción, pasión, arrogancia y codicia, son capaces.

Voy terminando y lo haré primero con las interpretaciones. El trio principal formado por Sydney Sweeney (Millie), Amanda Seyfried (Nina) y Brandon Sklenar (Andrew) junto a la jovencita Indiana Elle (Cece), están impresionantes, lo dan todo, llevando al espectador de un lado a otro a través de las emociones y sentimientos, así como de cuanto nos tienen reservado. Cuenta con una elegante fotografía de John Schwartzman y una banda sonora, donde fusiona lo edulcorado del romanticismo con la intensidad que requiere otras situaciones. El artífice de esta pieza musical es Theodore Shapiro.

No os la perdáis, me agradeceréis este consejo.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero

REPARTO: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone, Elizabeth Perkins, Megan Ferguson, Ellen Tamaki, Arabella Olivia Clark, Amanda Joy Erickson, Alaina Surgener, Maury Ginsberg, Hannah Cruz, Indiana Elle, Don DiPetta, Cailen Fu, Iván Amaro Bullón, Sophia Bunnell, Alexandra Seal, Brian D. Cohen, Lamar Baucom-Slaughter, Reagan Filzgerald, Matt Grossman y Matt Walton.

PRODUCTORA: Feigco Entertainment// Hidden Pictures// Lionsgate.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

ANACONDA: CRÍTICA DE CINE

 

Anaconda está dirigida por Tom Gormican compartiendo guion con Kevin Etten.

Doug (Jack Black) es director de videos de bodas y un fan de “Anaconda” y Griff (Paul Rudd), un actor secundario bastante malo. Durante el cumpleaños de Doug, Griff proyecta una película casera que rodaron juntos siendo niños. En medio de las conversaciones, Griff comenta que tiene los derechos de “Anaconda” y Doug se emociona pensando en rodar un remake. Junto a una amiga en común, Claire (Thandie Newton) y reunir el dinero suficiente, se aventuran en la selva amazónica en donde les espera otro amigo, Kenny Trent (Steve Zahn), quien tiene como mascota a una anaconda, que será la protagonista de la película, aunque le saldrá una clara competidora. 

El actor, guionista y director, Tom Gormican, se inició como asistente en varias producciones y como co-productor en la película de sketches “Movie 43” 2013 en colaboración con numerosos directores. Como guionista y director debutó con “Las novias de mis amigos” 2014 continuando con “El insoportable peso de un talento descomunal” 2022 y este año nos ofrece “Anaconda” 2025

¿Quién no ha visto algunas de las versiones de Anaconda? Mejor hagamos un pequeño recorrido por su historia. La primera entrega llegó en 1997 con “Anaconda” de la mano de Luis Llosa a la que han seguido “Anacondas: La cacería de la orquídea sangrienta” 2004 de Dwight H. Little, los telefilmes “Anaconda 3: la amenaza” de 2008 y “Anaconda 4: Rastro de Sangre” 2009 ambas de Don E. Fauntleroy, “Mandíbulas contra Anaconda” de A.B. Stone 2015, “Anaconda” 2024 de Hesheng Xiang y Qiuliang Xiang  y ya acabando este año, nos llega esta versión disparatada de  “Anaconda” 2025 de Tom Gormican.

¿Qué nos aporta esta nueva Anaconda? De entrada que es un despropósito absoluto, una alocada historia totalmente descontrolada a la vez que, delirantemente disfrutable, festiva y festivalera. Adecuada para una proyección de las denominadas golfas, pues estoy seguro que despertaría la hilaridad de los asistentes. Hacía mucho tiempo que no lanzaba unas carcajadas como las que me ha provocado esta obra inclasificable, en una sala de cine y es que el cuarteto protagonista, está en total estado de gracia o desgracia, vaya usted a saber. Me hubiera gustado haber visto, entre los títulos de crédito, alguna de las tomas falsas de este filme, porque aguantar el tipo, debió resultar complicado.

Jack Black, Paul Rudd, Thandie Newton y Steve Zahn forman un cuarteto cómplice y perfectamente imperfecto que juegan a rendir homenaje a lo que ellos consideran un clásico del cine y de paso, liarla parda yendo de un lugar a otro, con la finalidad de filmar su versión de la película y no morir entre las fauces del reptil gigante. El filme cuenta con un ritmo vertiginoso, que no da tregua a pensar en nada, siendo en esta ocasión lo más acertado, me refiero a no pensar y dejarse llevar, pues será, al finalizar y comenzar los títulos de crédito, cuando el cerebro rebobine y sea consciente de lo visto, mientras se esboza una sonrisa tras la última escena. Atentos a ella.

Vaya por delante, que no estamos ante una buena película, pero es que no es su intención y eso se agradece. Te da lo que el público demanda, que le hagan reír y lo hacen por todo lo alto. Por cierto, antes de que se me olvide, os recomiendo que no veáis el tráiler. Lo digo muy en serio, pues destripa algunos de los mejores momentos. Voy finalizando y para ello comentaros que cuenta con una fotografía luminosa, brillante y atractiva en la mirada de Nigel Bluck dejándose acompañar por la banda sonora de David Fleming.

Estamos, si no me equivoco, ante la última película del año 2025, al menos que yo haya visto. Un año que lo inicié con un filme de terror como fue Heretic (Hereje) de Scott Beck y Bryan Woods y termino con una comedia divertidísima como es esta Anaconda de  Tom Gormican. En medio un gran ramillete de películas que han tocado todos los géneros y que desde estas líneas, espero que el 2026, nos siga sorprendiendo con obras que cautiven al espectador ansioso de llenar los cines.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre.

REPARTO: Paul Rudd, Jack Black, Steve Zahn, Thandiwe Newton, Daniela Melchior, Selton Mello, Ione Skye, Jack Waters, Ben Lawson, Yasmin Kassim, Rui Ricardo Dias, Diego Arnary, Aimee Bah, Matt Aristizabal, Sebastian Sero, Zak Patel y Sabelle Morrow-Woods.

PRODUCTORA: Fully Formed Entertainment// Sony Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Entertainment Iberia.

KEEPER: CRITICA DE CINE

 

KEEPER está dirigida por Osgood Perkins con guion de Nick Lepard. “¿Hay algún modo de mantener vivo el amor?

Liz (Tatiana Maslany) es pintora y viaja en coche junto a su pareja Malcolm Westbridge (Rossif Sutherland) de profesión cirujano, dirección a una cabaña en medio de la nada. Una vez instalados y durante la cena, se ven interrumpidos por Darren (Birkett Turton), primo de Westbridge y su novia Minka (Eden Weiss) quien supuestamente, según Darren, no sabe inglés, pero en un momento en que Malcolm y Darren están discutiendo, Minka le comenta a Liz, en un perfecto inglés, que no coma del pastel que se encuentra en una caja encima de una mesa, porque sabe a mierda, pero Liz se verá obligada a comer de él bajo la insistencia de Malcolm, cuando se quedan solos.

Liz comienza a experimentar pesadillas con mujeres gritando y en particular con una que está embarazada y es idéntica a ella. Durante la noche se levanta y acercándose al resto de la tarta, la devora con ansiedad, utilizando las manos. Minka es atacada por una fuerza invisible en su paseo por el bosque y Malcolm deja a Liz sola con la excusa de que debe regresar a la ciudad porque una de sus pacientes, que padece cáncer, ha empeorado.

El actor, guionista y director, Osgood Perkins, de casta de artistas, debutó en la interpretación con “Psicosis II: El regreso de Norman” 1983 de Richard Franklin, secuela de la obra maestra de Alfred Hitchcock, interpretando a Norman Bates de joven, junto a su padre Anthony Perkins, que encarnaba al personaje de adulto. En la dirección debutó con  “la enviada del mal” 2015, continuando con  “Soy la bonita criatura que vive en esta casa” 2016, “Gretel y Hansel” 2020, “Longlegs (Piernas largas)” 2024 y este año hace doblete, en febrero estrenó “The Monkey” y ahora, en diciembre nos ofrece “Keeper” 2025.

Keeper es una película un tanto predecible pero entretenida y me explico. Predecible porque vuelve a tomar elementos sobradamente conocido y repetidos en el género: Una casa, un bosque, una mujer en apuros porque su pareja la deja sola y un misterioso y oscuro secreto. Sin ir tan lejos hace no mucho se estrenó “Die My Love” cuya premisa inicial era muy similar. Pareja que reside en la ciudad y se muda al campo a una cabaña. En aquella ocasión él era músico y ella escritora, aquí él es cirujano y ella pintora. Las dos féminas son abandonadas por sus parejas masculinas durante una pequeña temporada, tiempo suficiente para que se fragüen los acontecimientos, nunca agradables, a los que ellas se deben de enfrentar y como centro de la narración, la locura que provoca las visiones y los estados emocionales.

En cuanto al entretenimiento, Perkins parece querer presentarnos un  catálogo a modo de menú de subgéneros, con el fin de alimentar su propia creación que no deja de ser otro subgénero dentro del género, pues en su película reconocemos demasiados elementos que nos recuerdan a numerosos filmes que han pasado por las pupilas del fan al terror. Éste popurrí que de entrada nos atrapa por su originalidad y puesta en escena, poco a poco se va desinflando y más, cuando sus recursos se vuelven monótonos, como el agua corriendo por un río, que nos repite en varias ocasiones. Escena a la que intenté encontrar un sentido más allá de lo obvio, debido a esa insistencia, pero si lo tiene, a mí se me escapó entre los dedos.

Menciones especiales merecen, por un lado la magnífica interpretación de  Tatiana Maslany. Una vez más, el trabajo actoral femenino sobresale del conjunto y logra mantener la atención del espectador incluso con un guion,  que si bien parece presenta una interesante premisa, se le va de las manos hasta perder el alma. Un alma que Tatiana sí ofrece a su personaje con el que sufrimos y buscamos, desde la butaca, proteger de ese mal que la acecha, no solo el que se esconde entre las paredes de la casa sino uno aún más violento, el de la oscuridad que se revela en el machismo y la toxicidad en la pareja. Tatiana nos ofrece un personaje fuerte y a la vez vulnerable, dependiente y con miedos que la atenazan. Temores de los que seremos testigos en sus conversaciones con su mejor amiga a través del teléfono o en el instante, en que sabiendo que no debe probar la tarta, acata la orden de Malcolm con sumisión, recelo y sin apenas pronunciar palabra. Miradas, preguntas que no reciben la respuesta deseada, silencios y renuncia, que la llevarán a vivir una auténtica pesadilla.

Otro elemento a tener en cuenta es la cuidada fotografía de Jeremy Cox, que dentro de su aparente sencillez, nos desvela claves a través de los encuadres y planos sumamente inquietantes, favorecidos por la iluminación con la que alcanza a construir una atmósfera opresiva entre potentes claroscuros y desconcertantes desenfoques, rubricando la obra con la axfisiante banda sonora de Edo Van Breemen.

Tras este visionado y mirando su filmografía, es indiscutible que a Perkins le gusta experimentar y jugar con su género favorito e incluso, intenta ir más allá. A mi gusto y aunque reconozco que Keeper la he disfrutado, me ha resultado demasiado básica y es que en mi modesta opinión, creo que debería controlar su impulso por hacer películas tan seguidas. Ha buscado elaborar un buen sándwich, al que le ha faltado introducir algunos  ingredientes principales entre sus dos suculentas capas de pan. Porque es lo que nos ofrece, un inicio prometedor y un final que sorprende. Quizás, mi pequeña decepción, es porque esperaba más de él. 

Sé que mi petición no llegará a los guionistas y directores de terror, pero como amante al género, les sugiero que deberían buscar otros recursos más allá de la cabaña en el bosque y cuidar el guion.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de diciembre

REPARTO: Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, Kett Turton, Claire Friesen, Erin Boyes, Logan Pierce, Glen Gordon, Erin Tipple y Gina Vultaggio.

PRODUCTORA: Oddfellows Entertainment// Range Media Partners// Wayward Entertainment// Welcome Villain.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeAPlaneta.

ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO

Roofman: Un ladrón en el tejado, está escrita y dirigida por Derek Cianfrance compartiendo guion con Kirt Gunn. “El misterioso hombre del techo”

Jeffrey Manchester (Channing Tatum), es un exmilitar del ejército de los Estados Unidos, actualmente en paro, divorciado y con tres hijos. Su mejor amigo y compañero en el ejército, Steve (LaKeith Stanfield), le recuerda que su gran don es la observación, que por eso fue reclutado. Jeffrey aprovecha su habilidad para robar en un McDonald`s entrando por el techo y siendo sorprendido por tres empleados, a los que educadamente les manda introducirse en la cámara frigorífica, pero antes se quita su chaqueta para que el empleado que está en camisa, no pase frío. Es un hombre extremadamente educado.

Unos años más tarde y tras escaparse de la cárcel, decide introducirse en un Toys “R” Us. En él encuentra un lugar perfecto para permanecer escondido de la policía y tras descubrir un manual de sistema de seguridad, crea su propio espacio desde el que puede acceder a las cámaras y al sonido del establecimiento. Será a través de uno de los monitores que controla las cámaras,  cuando conocerá a una de las empleadas, Leigh (Kirsten Dunst), por la que empezará a sentir una atracción especial.

El guionista, director y productor, Derek Cianfrance, estudió en Green Mountain High School y se graduó en producción cinematográfica en la Universidad de Colorado en Boulder. Debutó con el largometraje “Brother Tied” 1998, “Blue Valentine” 2010, “Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines) 2012, “La luz entre los océanos” 2016 y este año nos presenta “Roofman: Un ladrón en el tejado” 2025. Cuenta con el mediometraje documental “Cagefighter” 2012, los cortometrajes “Hennessy x NBA: Shattered” 2023 y “Apple: The Relay” 2024 y la miniserie “La innegable verdad” 2020.

Las historias reales siguen cautivando, funcionando y cada día ocupando mayor espacio en la gran pantalla, compitiendo con el resto de los géneros cinematográficos y en la mejor de las ocasiones buscando la originalidad en la puesta en escena. Roofman entra en ese apartado, pues tras su visionado resulta particularmente singular. En ella se alterna la comedia con el drama. El drama familiar de un hombre desesperado, que tras cumplir con su deber como patriota, nadie se acuerda de él, ni siquiera para ofrecerle un trabajo digno por pequeño que sea y con él, poder mantener a la familia que adora; mientras que desde el punto de vista cómico, seremos testigos de las situaciones a las que se debe enfrentar en el día a día.

Un hombre sencillo y tranquilo, respetuoso y atento con todo el mundo, resignado a ser un ladrón, al estar convencido de que no tiene otra salida. Durante un tiempo sobrevive gracia a los M&M`s que encuentra como único alimento en el local, se asea en los baños de los empleados. Un “figura”, como se le llamaría en muchos ambientes, que durante dos años llegó a cometer más de 40 rabos, padeció la humillación de ser detenido durante el cumpleaños de su hija pequeña y condenado a 45 años de cárcel, lo que le llevó a perder todo contacto con el entorno familiar. Si no habéis leído nada respecto a él, no lo hagáis, pues esto solo es una pequeña pincelada de lo que el destino le tenía reservado. Un caramelo en dulce para un actor que lo da todo, Channing Tatum, quien carga sobre sus hombros, con el peso de la obra. Está magnífico, excepcional, divertido, dramático y sobretodo, desprendiendo ese aura de humanidad por cada uno de sus poros. Desde la primera escena en la que vemos al bueno de Tatum, empatizamos tanto con él como con el personaje; un personaje al que iremos descubriendo, con cada paso que da y que ofrece múltiples aristas.

Estamos ante una película honesta, que ofrece lo que promete, pues Derek se olvida de todo artificio que pueda distraer al espectador para acercarlo y hacernos partícipes de la vulnerabilidad e intimidad del personaje. Conocer los motivos que le llevan a cometer los atracos a la vez que se percibe al hombre bueno, educado y respetuoso que no puede disimular, como tampoco el romanticismo que alberga su corazón. Un ser noble al que el destino o siendo más precisos, la sociedad, le ha vuelto la espalda. Un ser que aún conserva al niño que lleva dentro, solo hay que ver de los objetos que se rodea para crear su entorno personal dentro del Toys “R” Us.

Resumiendo, Roofman: Un ladrón en el tejado, decide, a través de su trama, arropar incondicionalmente a sus personajes, en especial a sus dos protagonistas principales, que además del gran trabajo de Channing Tatum, del que ya he hablado, cuenta con la impecable interpretación de Kirsten Dunst, dando vida a Leigh, la trabajadora de la que se enamora. Cuando ambos coinciden en el cuadro la pantalla, la narración se refuerza y nos convierten en sus cómplices, pues estamos ante personajes de carne y hueso, que ríen, lloran, sufren, crean lazos de amistad y piensan en el día a día, sin cuestionarse mucho más. ¿Es sobrevivir su objetivo primordial?

Para terminar, mención especial merecen la fotografía de  Andrij Parekh, quien ha sabido captar a través del objetivo, la naturalidad y sencillez de lo cotidiano, sin adornos, en el transitar de estos personajes, así como de los espacios que les rodean, para detenerse en lo que el espectador realmente desea ver. También destacaría la banda sonora que rubrica Christopher Bear.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de diciembre.

REPARTO: Channing Tatum, Kirsten Dunst, Peter Dunklage, Uzo Aduba, Ben Mendelsohn, Juno Temple, Lakeith Stanfield, Melonie Diaz, Tony Revolori, Molly Price, Emory Cohen, Lily Collias, Michael Harding, Tom Rascoe, Steve Caston, Brandon Parker, Jimmy O. Yang, Gabe Fazio, Javier Molina, Kennedy Moyer, Gabriella Cila, Esmé McSherry, Keya Hamilton, Kira Kuic, Kathryn Stamas, Elizabeth and Olivia Dawson, Dan Maks, Erika Jackson, Craig Black, Kristy Concepcion, Veronica Toth DeSetefano, Karen Edwards, Willie Tyrone Ferguson, Vedra Grant, Brent Gribble, Isaiah Hyman, Jobie James, Melissa Milch, Art Newkirk, Logan Newkirk, Luciana Newkirk, Lucretia Newkirk, C. Chad Williams, Alissa Marie Pearson, Robert E. Stevenson y Rusty L. Stewart.

PRODUCTORA: 51 Entertainment// Hunting Lane Films// Limetlight.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.