EL MÉDICO II : CRÍTICA DE CINE

El Médico II está dirigida por Philipp Stölzl compartiendo guion con Jan Berger y Caroline Bruckner.

Es el año 1034. Rob Cole (Tom Payne), su mujer Rebecca (Emma Rigby) y algunos estudiantes, huyen de la Madraza en un barco rumbo a Inglaterra, a la ciudad en la que Rob nació, para impartir sus conocimientos médicos. Poco antes de llegar y ya cerca de la costa, estalla una gran tormenta y el barco colisiona contra una roca. Rebecca, que ha dado a luz a un niño, desaparece en el mar. Rob cae en una profunda depresión y tendrán que ser sus compañeros los que lo animen, haciéndole ver el motivo que les ha llevado hasta esas costas.

Cuando entran en la ciudad no son bien recibidos pues judíos y musulmanes tienen prohibida la entrada, a la vez que se les impide ejercer la medicina, cuestión que no les hace desistir, creando un hospital a las puertas de Londres. Entre los numerosos enfermos que se acercan a diario para ser sanados, se encuentra una noble a la que Rob logra curar. En agradecimiento y junto a su marido Lord Godwin (Owen Teale), son llevados a la corte donde además de lidiar con enfermedades como la del alma, se verán envueltos en las intrigas de poder de la familia real con una reina autoritaria, una hija que sufre una enfermedad mental y un rey, aislado. Juntos deberán luchar por la vida de sus pacientes y las suyas.

Philipp Stölzl estudió escenografía y diseño de vestuario en el Münchner Kammerspielen graduándose en 1988. Comenzó a trabajar en diversos teatros alemanes y debutó en la dirección audiovisual en 1997 con el videoclip “Rammstein: Du Hast”, el cortometraje “Morituri Te Salatant” 1999 y en el largometraje con “Baby” 2002, para continuar con “Cara Norte” 2008, “Goethe!” 2010, “El último testigo” 2012, “El médico” 2013, “Winnetou: Un nuevo mundo”, “Winnetou: La última batalla”  y “Winnetou: El secreto del lago de plata” en 2016; “Rigoletto” e “Ich war noch niemals in New York” en 2019, “The Royal Game” 2021 y este año nos ofrece “El médico II” 2025. También cuenta con el telefilme “Giacomo Puccini: Turandot” 2022, el especial de televisión “Der Freischütz – Von den Bregenzer Festspielen” 2024, capítulos para la miniserie “Winnetou – The Lives” 2016, la serie “El quinto día” 2023, los videos “Faith No More: Who Cares a Lot?” 1999, “Now That´s What I Call Music!: The Best Videos 0f 2003” y “Rammstein: Luchtspielhaus” en 2003; “Faith No More: Double Feature – Live At The Brixton Academy y London (You Fat B** stards)/Who Cares A lot (The Greatest Videos) en 2006; “Absolute Garbage” 2007, “Madonna: Celebration- The Video Collection” 2009, así como numerosas óperas y un gran número de videoclips.

Debo reconocer que cuando me enteré de que se estaba rodando la segunda entrega de “El Médico”, habiendo pasado 12 años, pensé si realmente era necesaria una nueva secuela, aunque por otra parte me tranquilizaba saber que la dirección y el guion, recaía en las mismas manos, al igual que su protagonista principal, repetiría personaje. Los buenos recuerdos de aquella primera entrega, contando una historia de aventuras al estilo más clásico, con una producción muy cuidada y un reparto totalmente entregado, me llevó a acomodarme en la butaca esperando volver a ser sorprendido y os aseguro, que la experiencia ha merecido la pena, hasta el punto de que sus casi dos horas y media de metraje, se pasan en un suspiro. El ritmo que  Philipp Stölzl y el montador Marty Schenk, han otorgado al filme, es de aplaudir, pues no te da pie a mirar al recipiente de las palomitas, ni un solo segundo. Puro divertimento.

Indiscutiblemente el aroma y los recuerdos de “Juego de tronos”, la gran serie de televisión de HBO que no hace mucho he vuelto a disfrutar al completo, se filtra entre las imágenes y con la presencia de algunos de los actores como: Aidan Gillen a quien recordando como el estratega y malvado Lord Petyr Baelish, nos ofrece a un nuevo villano, Hunne ¿Tan perverso? Vosotros dictaréis. Owen Teale, quien encarnó a Sir Alister, aquí nos entrega una excepcional interpretación dando vida a Lord Godwin, al igual que sucede con Liam Cunningham, difícil de olvidar en su personaje del humilde y leal Ser Davos Seaworth,  ahora logra traspasar la piel del rey Canute quien una vez curado, pedirá al equipo médico que se encargue de su hija. Tres actores personificando a tres personajes de gran relevancia en la trama, junto al mencionado Tom Payne, como el médico Cole; pero sería injusto no comentar que todo el reparto está espectacular, desde el primero al último, destacando también a dos de sus actrices Emily Cox (Rebecca) y Àine Rose Daly (Llene). Absolutamente creíbles.

Si en la primera entrega se nos hablaba del poder beneficioso de la medicina para prevenir y curar las enfermedades que atacan a nuestro cuerpo físico, en esta nueva obra, la curación radica en el alma, el espíritu y la vulnerabilidad de nuestra mente, cuando el mal se ceba en ellas. Y para dar más empaque a la narración, se refuerza con los odios, envidias, xenofobia y las supersticiones reinantes en el pueblo, junto a  las intrigas por el poder existente en la corte. Un filme que posee los ingredientes esenciales para sumergirnos en una historia en donde el diseño de producción de Pater Sparrow sigue la estela de la anterior, cuidando cada detalle que se potencia con la elegante fotografía de Frank Griebe, el vestuario de Julia Szlávik y la banda sonora de Ingo Ludwig Frenzel, por poner algunos ejemplos. Un filme muy recomendable.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero.

REPARTO: Tom Payne, Aidan Gillen, Owen Teale, Liam Cunningham, Emily Cox, Emma Rigby, Áine Rose Daly, Harry Redding, Sara Kestelman, Mátë Haumann, Anne Ratte-Polle, Leonard Scheicher, Francis Fulton- Smith, Malick Bauer y Anders Olof Grndeberg.

PRODUCTORA: UFA Fiction// Beta Cinema// Constantin Film// Zeitsprung Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeaPlaneta.

LA ASISTENTA: CRÍTICA DE CINE

La Asistenta está dirigida por Paul Feig con guion de Rebecca Sonnenshine, quien adapta la novela de Freida McFadden. “Solo tienes que aprender que tus actos tienen consecuencias”

Millie Calloway (Sydney Sweeney) se presenta al puesto de asistenta que la familia Winchester ha solicitado. Es entrevistada por Nina (Amanda Seyfried) que ofrece un carácter amable y jovial. Nina está casada con Andrew (Brandon Sklenar) y tiene una preciosa hija, Cecelia (Indiana Elle). Cuando Millie sale de la casa, nos enteramos de que ha mentido en su currículum y que tiene un oscuro pasado, por las imágenes que se nos muestran. Nina contrata a Millie y le presenta a su marido Andrew, quien la dispensa una cierta mirada de deseo, mientras Cece lo hace de indiferencia. A la mañana siguiente, Millie se despierta por los ruidos y gritos que proceden de la cocina, baja con rapidez y se encuentra con Nina en un estado de fuerte nerviosismo, rompiendo todo lo que se pone en su camino y gritando a su marido, mientras éste permanece impasible. Y nada más os voy a contar, pues estamos ante una más que inquietante película, en donde la tensión se masca por minutos.

El productor, guionista y director, Paul Feig, Se graduó en Chippewa Valley High School en 1980 y en la Escuela de Cine  y televisión de la Universidad del Sur de California en 1984. Debutó con el largometraje “Life Sold Separately” 1997, continuando con “La fuerza del valor” 2003, “¡Peligro! menores sueltos” 2006, “Life Sold Separately” 1997, “La boda de mi mejor amiga” 2011, “Cuerpos especiales” 2013, “Espías” 2015, “Cazafantasmas” 2016, “Un pequeño favor”  y “Groom” en 2018, “Last Christmas” 2019, “La Escuela del Bien y del Mal” 2022, “Jackpot!” 2024 y “Otro pequeño favor” y “La asistenta” 2025. Cuenta con los cortometrajes para Televisión “People in New Jersey” 2013 y “Jimmy Returns, The 2018 Oscar” 2018. Capítulos para series como: “Instituto McKinley” 2000, “Undeclared” 2002, “Arrested Development” 2004/05, “Rockefeller Plaza” y “Mad Men” en 2007, “Weeds” 2005/07, “Park and Recreation” y “Bored to death” en 2009, “Nurse Jackie” 2009/10, “he Office” 2005/11 y “Welcome to Flatch” 2022. Los telefilmes “Early Bird” 2005, “Ronna & Beverly” 2009 y “Girls Code” 2018.  Y los videos “Jimmy`s Guide to How to Win an Oscar” 2017, “A Simple Favor: Flash Mob (Alternate Ending) 2018.

Tensión dramática, tensión emocional y mucha tensión sexual es lo que se respira en este filme, prácticamente desde el inicio. Tendré cuidado en no poner palabras que os puedan llevar a alguna conclusión acertada o errónea, pues no me lo perdonaría. Quiero que descubráis esta obra que encierra algunos secretos, sin saber nada, ya que esa inocencia y amabilidad de los primeros minutos y las mentiras bien gestadas que se nos explican casi al instante; nos van preparando para lo que se avecina, que es mucho, os lo prometo. Cada detalle cuenta. De entrada os diré que la he disfrutado de principio a fin, porque nada me atrapa y entretiene más que una buena historia bien contada, me deje con la boca abierta y los ojos desorbitados con sus giros y con interpretaciones dignas de ser aplaudidas. Hay mucha mala leche en las páginas de este guion adaptado por Rebecca Sonnenshine de la novela de Freida McFadden.

Un filme por el que desfilan de forma inquietante las relaciones tóxicas, las falsas apariencias, los miedos y traumas, la dominación, la violencia física y una de las más peligrosas, la dialéctica; sin olvidarnos de la astucia más apremiante y refinada. El dañino juego que se puede ejercer sobre las mentes más vulnerables o los egos llevados al extremo, entre otros temas como el cortejo, la educación, el respeto o las diferencias entre las clases sociales. Un extraño juego que a la vez que nos distrae, nos hace reflexionar y… Una narración que nos muestra sus dos caras, la del drama más apasionado, doloroso  y voraz y en el revés de la moneda, la comedia más ingeniosa y sutil. Un thriller psicológico crítico, que te mantendrá con los ojos y oídos bien abiertos y atentos, pues estos guapos y guapas quieren jugar con nosotros desplegando cuanta seducción, pasión, arrogancia y codicia, son capaces.

Voy terminando y lo haré primero con las interpretaciones. El trio principal formado por Sydney Sweeney (Millie), Amanda Seyfried (Nina) y Brandon Sklenar (Andrew) junto a la jovencita Indiana Elle (Cece), están impresionantes, lo dan todo, llevando al espectador de un lado a otro a través de las emociones y sentimientos, así como de cuanto nos tienen reservado. Cuenta con una elegante fotografía de John Schwartzman y una banda sonora, donde fusiona lo edulcorado del romanticismo con la intensidad que requiere otras situaciones. El artífice de esta pieza musical es Theodore Shapiro.

No os la perdáis, me agradeceréis este consejo.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero

REPARTO: Sydney Sweeney, Amanda Seyfried, Brandon Sklenar, Michele Morrone, Elizabeth Perkins, Megan Ferguson, Ellen Tamaki, Arabella Olivia Clark, Amanda Joy Erickson, Alaina Surgener, Maury Ginsberg, Hannah Cruz, Indiana Elle, Don DiPetta, Cailen Fu, Iván Amaro Bullón, Sophia Bunnell, Alexandra Seal, Brian D. Cohen, Lamar Baucom-Slaughter, Reagan Filzgerald, Matt Grossman y Matt Walton.

PRODUCTORA: Feigco Entertainment// Hidden Pictures// Lionsgate.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

ANACONDA: CRÍTICA DE CINE

 

Anaconda está dirigida por Tom Gormican compartiendo guion con Kevin Etten.

Doug (Jack Black) es director de videos de bodas y un fan de “Anaconda” y Griff (Paul Rudd), un actor secundario bastante malo. Durante el cumpleaños de Doug, Griff proyecta una película casera que rodaron juntos siendo niños. En medio de las conversaciones, Griff comenta que tiene los derechos de “Anaconda” y Doug se emociona pensando en rodar un remake. Junto a una amiga en común, Claire (Thandie Newton) y reunir el dinero suficiente, se aventuran en la selva amazónica en donde les espera otro amigo, Kenny Trent (Steve Zahn), quien tiene como mascota a una anaconda, que será la protagonista de la película, aunque le saldrá una clara competidora. 

El actor, guionista y director, Tom Gormican, se inició como asistente en varias producciones y como co-productor en la película de sketches “Movie 43” 2013 en colaboración con numerosos directores. Como guionista y director debutó con “Las novias de mis amigos” 2014 continuando con “El insoportable peso de un talento descomunal” 2022 y este año nos ofrece “Anaconda” 2025

¿Quién no ha visto algunas de las versiones de Anaconda? Mejor hagamos un pequeño recorrido por su historia. La primera entrega llegó en 1997 con “Anaconda” de la mano de Luis Llosa a la que han seguido “Anacondas: La cacería de la orquídea sangrienta” 2004 de Dwight H. Little, los telefilmes “Anaconda 3: la amenaza” de 2008 y “Anaconda 4: Rastro de Sangre” 2009 ambas de Don E. Fauntleroy, “Mandíbulas contra Anaconda” de A.B. Stone 2015, “Anaconda” 2024 de Hesheng Xiang y Qiuliang Xiang  y ya acabando este año, nos llega esta versión disparatada de  “Anaconda” 2025 de Tom Gormican.

¿Qué nos aporta esta nueva Anaconda? De entrada que es un despropósito absoluto, una alocada historia totalmente descontrolada a la vez que, delirantemente disfrutable, festiva y festivalera. Adecuada para una proyección de las denominadas golfas, pues estoy seguro que despertaría la hilaridad de los asistentes. Hacía mucho tiempo que no lanzaba unas carcajadas como las que me ha provocado esta obra inclasificable, en una sala de cine y es que el cuarteto protagonista, está en total estado de gracia o desgracia, vaya usted a saber. Me hubiera gustado haber visto, entre los títulos de crédito, alguna de las tomas falsas de este filme, porque aguantar el tipo, debió resultar complicado.

Jack Black, Paul Rudd, Thandie Newton y Steve Zahn forman un cuarteto cómplice y perfectamente imperfecto que juegan a rendir homenaje a lo que ellos consideran un clásico del cine y de paso, liarla parda yendo de un lugar a otro, con la finalidad de filmar su versión de la película y no morir entre las fauces del reptil gigante. El filme cuenta con un ritmo vertiginoso, que no da tregua a pensar en nada, siendo en esta ocasión lo más acertado, me refiero a no pensar y dejarse llevar, pues será, al finalizar y comenzar los títulos de crédito, cuando el cerebro rebobine y sea consciente de lo visto, mientras se esboza una sonrisa tras la última escena. Atentos a ella.

Vaya por delante, que no estamos ante una buena película, pero es que no es su intención y eso se agradece. Te da lo que el público demanda, que le hagan reír y lo hacen por todo lo alto. Por cierto, antes de que se me olvide, os recomiendo que no veáis el tráiler. Lo digo muy en serio, pues destripa algunos de los mejores momentos. Voy finalizando y para ello comentaros que cuenta con una fotografía luminosa, brillante y atractiva en la mirada de Nigel Bluck dejándose acompañar por la banda sonora de David Fleming.

Estamos, si no me equivoco, ante la última película del año 2025, al menos que yo haya visto. Un año que lo inicié con un filme de terror como fue Heretic (Hereje) de Scott Beck y Bryan Woods y termino con una comedia divertidísima como es esta Anaconda de  Tom Gormican. En medio un gran ramillete de películas que han tocado todos los géneros y que desde estas líneas, espero que el 2026, nos siga sorprendiendo con obras que cautiven al espectador ansioso de llenar los cines.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre.

REPARTO: Paul Rudd, Jack Black, Steve Zahn, Thandiwe Newton, Daniela Melchior, Selton Mello, Ione Skye, Jack Waters, Ben Lawson, Yasmin Kassim, Rui Ricardo Dias, Diego Arnary, Aimee Bah, Matt Aristizabal, Sebastian Sero, Zak Patel y Sabelle Morrow-Woods.

PRODUCTORA: Fully Formed Entertainment// Sony Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Entertainment Iberia.

KEEPER: CRITICA DE CINE

 

KEEPER está dirigida por Osgood Perkins con guion de Nick Lepard. “¿Hay algún modo de mantener vivo el amor?

Liz (Tatiana Maslany) es pintora y viaja en coche junto a su pareja Malcolm Westbridge (Rossif Sutherland) de profesión cirujano, dirección a una cabaña en medio de la nada. Una vez instalados y durante la cena, se ven interrumpidos por Darren (Birkett Turton), primo de Westbridge y su novia Minka (Eden Weiss) quien supuestamente, según Darren, no sabe inglés, pero en un momento en que Malcolm y Darren están discutiendo, Minka le comenta a Liz, en un perfecto inglés, que no coma del pastel que se encuentra en una caja encima de una mesa, porque sabe a mierda, pero Liz se verá obligada a comer de él bajo la insistencia de Malcolm, cuando se quedan solos.

Liz comienza a experimentar pesadillas con mujeres gritando y en particular con una que está embarazada y es idéntica a ella. Durante la noche se levanta y acercándose al resto de la tarta, la devora con ansiedad, utilizando las manos. Minka es atacada por una fuerza invisible en su paseo por el bosque y Malcolm deja a Liz sola con la excusa de que debe regresar a la ciudad porque una de sus pacientes, que padece cáncer, ha empeorado.

El actor, guionista y director, Osgood Perkins, de casta de artistas, debutó en la interpretación con “Psicosis II: El regreso de Norman” 1983 de Richard Franklin, secuela de la obra maestra de Alfred Hitchcock, interpretando a Norman Bates de joven, junto a su padre Anthony Perkins, que encarnaba al personaje de adulto. En la dirección debutó con  “la enviada del mal” 2015, continuando con  “Soy la bonita criatura que vive en esta casa” 2016, “Gretel y Hansel” 2020, “Longlegs (Piernas largas)” 2024 y este año hace doblete, en febrero estrenó “The Monkey” y ahora, en diciembre nos ofrece “Keeper” 2025.

Keeper es una película un tanto predecible pero entretenida y me explico. Predecible porque vuelve a tomar elementos sobradamente conocido y repetidos en el género: Una casa, un bosque, una mujer en apuros porque su pareja la deja sola y un misterioso y oscuro secreto. Sin ir tan lejos hace no mucho se estrenó “Die My Love” cuya premisa inicial era muy similar. Pareja que reside en la ciudad y se muda al campo a una cabaña. En aquella ocasión él era músico y ella escritora, aquí él es cirujano y ella pintora. Las dos féminas son abandonadas por sus parejas masculinas durante una pequeña temporada, tiempo suficiente para que se fragüen los acontecimientos, nunca agradables, a los que ellas se deben de enfrentar y como centro de la narración, la locura que provoca las visiones y los estados emocionales.

En cuanto al entretenimiento, Perkins parece querer presentarnos un  catálogo a modo de menú de subgéneros, con el fin de alimentar su propia creación que no deja de ser otro subgénero dentro del género, pues en su película reconocemos demasiados elementos que nos recuerdan a numerosos filmes que han pasado por las pupilas del fan al terror. Éste popurrí que de entrada nos atrapa por su originalidad y puesta en escena, poco a poco se va desinflando y más, cuando sus recursos se vuelven monótonos, como el agua corriendo por un río, que nos repite en varias ocasiones. Escena a la que intenté encontrar un sentido más allá de lo obvio, debido a esa insistencia, pero si lo tiene, a mí se me escapó entre los dedos.

Menciones especiales merecen, por un lado la magnífica interpretación de  Tatiana Maslany. Una vez más, el trabajo actoral femenino sobresale del conjunto y logra mantener la atención del espectador incluso con un guion,  que si bien parece presenta una interesante premisa, se le va de las manos hasta perder el alma. Un alma que Tatiana sí ofrece a su personaje con el que sufrimos y buscamos, desde la butaca, proteger de ese mal que la acecha, no solo el que se esconde entre las paredes de la casa sino uno aún más violento, el de la oscuridad que se revela en el machismo y la toxicidad en la pareja. Tatiana nos ofrece un personaje fuerte y a la vez vulnerable, dependiente y con miedos que la atenazan. Temores de los que seremos testigos en sus conversaciones con su mejor amiga a través del teléfono o en el instante, en que sabiendo que no debe probar la tarta, acata la orden de Malcolm con sumisión, recelo y sin apenas pronunciar palabra. Miradas, preguntas que no reciben la respuesta deseada, silencios y renuncia, que la llevarán a vivir una auténtica pesadilla.

Otro elemento a tener en cuenta es la cuidada fotografía de Jeremy Cox, que dentro de su aparente sencillez, nos desvela claves a través de los encuadres y planos sumamente inquietantes, favorecidos por la iluminación con la que alcanza a construir una atmósfera opresiva entre potentes claroscuros y desconcertantes desenfoques, rubricando la obra con la axfisiante banda sonora de Edo Van Breemen.

Tras este visionado y mirando su filmografía, es indiscutible que a Perkins le gusta experimentar y jugar con su género favorito e incluso, intenta ir más allá. A mi gusto y aunque reconozco que Keeper la he disfrutado, me ha resultado demasiado básica y es que en mi modesta opinión, creo que debería controlar su impulso por hacer películas tan seguidas. Ha buscado elaborar un buen sándwich, al que le ha faltado introducir algunos  ingredientes principales entre sus dos suculentas capas de pan. Porque es lo que nos ofrece, un inicio prometedor y un final que sorprende. Quizás, mi pequeña decepción, es porque esperaba más de él. 

Sé que mi petición no llegará a los guionistas y directores de terror, pero como amante al género, les sugiero que deberían buscar otros recursos más allá de la cabaña en el bosque y cuidar el guion.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de diciembre

REPARTO: Tatiana Maslany, Rossif Sutherland, Kett Turton, Claire Friesen, Erin Boyes, Logan Pierce, Glen Gordon, Erin Tipple y Gina Vultaggio.

PRODUCTORA: Oddfellows Entertainment// Range Media Partners// Wayward Entertainment// Welcome Villain.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeAPlaneta.

ROOFMAN: UN LADRÓN EN EL TEJADO

Roofman: Un ladrón en el tejado, está escrita y dirigida por Derek Cianfrance compartiendo guion con Kirt Gunn. “El misterioso hombre del techo”

Jeffrey Manchester (Channing Tatum), es un exmilitar del ejército de los Estados Unidos, actualmente en paro, divorciado y con tres hijos. Su mejor amigo y compañero en el ejército, Steve (LaKeith Stanfield), le recuerda que su gran don es la observación, que por eso fue reclutado. Jeffrey aprovecha su habilidad para robar en un McDonald`s entrando por el techo y siendo sorprendido por tres empleados, a los que educadamente les manda introducirse en la cámara frigorífica, pero antes se quita su chaqueta para que el empleado que está en camisa, no pase frío. Es un hombre extremadamente educado.

Unos años más tarde y tras escaparse de la cárcel, decide introducirse en un Toys “R” Us. En él encuentra un lugar perfecto para permanecer escondido de la policía y tras descubrir un manual de sistema de seguridad, crea su propio espacio desde el que puede acceder a las cámaras y al sonido del establecimiento. Será a través de uno de los monitores que controla las cámaras,  cuando conocerá a una de las empleadas, Leigh (Kirsten Dunst), por la que empezará a sentir una atracción especial.

El guionista, director y productor, Derek Cianfrance, estudió en Green Mountain High School y se graduó en producción cinematográfica en la Universidad de Colorado en Boulder. Debutó con el largometraje “Brother Tied” 1998, “Blue Valentine” 2010, “Cruce de caminos (The Place Beyond the Pines) 2012, “La luz entre los océanos” 2016 y este año nos presenta “Roofman: Un ladrón en el tejado” 2025. Cuenta con el mediometraje documental “Cagefighter” 2012, los cortometrajes “Hennessy x NBA: Shattered” 2023 y “Apple: The Relay” 2024 y la miniserie “La innegable verdad” 2020.

Las historias reales siguen cautivando, funcionando y cada día ocupando mayor espacio en la gran pantalla, compitiendo con el resto de los géneros cinematográficos y en la mejor de las ocasiones buscando la originalidad en la puesta en escena. Roofman entra en ese apartado, pues tras su visionado resulta particularmente singular. En ella se alterna la comedia con el drama. El drama familiar de un hombre desesperado, que tras cumplir con su deber como patriota, nadie se acuerda de él, ni siquiera para ofrecerle un trabajo digno por pequeño que sea y con él, poder mantener a la familia que adora; mientras que desde el punto de vista cómico, seremos testigos de las situaciones a las que se debe enfrentar en el día a día.

Un hombre sencillo y tranquilo, respetuoso y atento con todo el mundo, resignado a ser un ladrón, al estar convencido de que no tiene otra salida. Durante un tiempo sobrevive gracia a los M&M`s que encuentra como único alimento en el local, se asea en los baños de los empleados. Un “figura”, como se le llamaría en muchos ambientes, que durante dos años llegó a cometer más de 40 rabos, padeció la humillación de ser detenido durante el cumpleaños de su hija pequeña y condenado a 45 años de cárcel, lo que le llevó a perder todo contacto con el entorno familiar. Si no habéis leído nada respecto a él, no lo hagáis, pues esto solo es una pequeña pincelada de lo que el destino le tenía reservado. Un caramelo en dulce para un actor que lo da todo, Channing Tatum, quien carga sobre sus hombros, con el peso de la obra. Está magnífico, excepcional, divertido, dramático y sobretodo, desprendiendo ese aura de humanidad por cada uno de sus poros. Desde la primera escena en la que vemos al bueno de Tatum, empatizamos tanto con él como con el personaje; un personaje al que iremos descubriendo, con cada paso que da y que ofrece múltiples aristas.

Estamos ante una película honesta, que ofrece lo que promete, pues Derek se olvida de todo artificio que pueda distraer al espectador para acercarlo y hacernos partícipes de la vulnerabilidad e intimidad del personaje. Conocer los motivos que le llevan a cometer los atracos a la vez que se percibe al hombre bueno, educado y respetuoso que no puede disimular, como tampoco el romanticismo que alberga su corazón. Un ser noble al que el destino o siendo más precisos, la sociedad, le ha vuelto la espalda. Un ser que aún conserva al niño que lleva dentro, solo hay que ver de los objetos que se rodea para crear su entorno personal dentro del Toys “R” Us.

Resumiendo, Roofman: Un ladrón en el tejado, decide, a través de su trama, arropar incondicionalmente a sus personajes, en especial a sus dos protagonistas principales, que además del gran trabajo de Channing Tatum, del que ya he hablado, cuenta con la impecable interpretación de Kirsten Dunst, dando vida a Leigh, la trabajadora de la que se enamora. Cuando ambos coinciden en el cuadro la pantalla, la narración se refuerza y nos convierten en sus cómplices, pues estamos ante personajes de carne y hueso, que ríen, lloran, sufren, crean lazos de amistad y piensan en el día a día, sin cuestionarse mucho más. ¿Es sobrevivir su objetivo primordial?

Para terminar, mención especial merecen la fotografía de  Andrij Parekh, quien ha sabido captar a través del objetivo, la naturalidad y sencillez de lo cotidiano, sin adornos, en el transitar de estos personajes, así como de los espacios que les rodean, para detenerse en lo que el espectador realmente desea ver. También destacaría la banda sonora que rubrica Christopher Bear.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de diciembre.

REPARTO: Channing Tatum, Kirsten Dunst, Peter Dunklage, Uzo Aduba, Ben Mendelsohn, Juno Temple, Lakeith Stanfield, Melonie Diaz, Tony Revolori, Molly Price, Emory Cohen, Lily Collias, Michael Harding, Tom Rascoe, Steve Caston, Brandon Parker, Jimmy O. Yang, Gabe Fazio, Javier Molina, Kennedy Moyer, Gabriella Cila, Esmé McSherry, Keya Hamilton, Kira Kuic, Kathryn Stamas, Elizabeth and Olivia Dawson, Dan Maks, Erika Jackson, Craig Black, Kristy Concepcion, Veronica Toth DeSetefano, Karen Edwards, Willie Tyrone Ferguson, Vedra Grant, Brent Gribble, Isaiah Hyman, Jobie James, Melissa Milch, Art Newkirk, Logan Newkirk, Luciana Newkirk, Lucretia Newkirk, C. Chad Williams, Alissa Marie Pearson, Robert E. Stevenson y Rusty L. Stewart.

PRODUCTORA: 51 Entertainment// Hunting Lane Films// Limetlight.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

ETERNITY: CRÍTICA DE CINE

ETERNITY está dirigida por David Freyne compartiendo guion con Patrick Cunnane.

Joan (Elizabeth Olsen/ Betty Buckley) y Larry Cutler (Miles Teller/Barry Primus) van discutiendo de sus cosas en el coche hasta llegar a casa de sus hijos, donde se reúnen para celebrar y conocer el género del bebé. Una de las hijas saca una caja de viejas fotos y le enseña a Larry una en la que se ve a su mujer con su primer marido, Luke (Callum Turner), un guapo y apuesto soldado que falleció en la guerra de Corea. Larry se atraganta y muere despertando a bordo de un tren que llega a una estación muy particular. Desorientado, es recibido por Anna (Da`Vine Joy Randolph), su coordinadora después de la vida, con el fin de adaptar a Larry a su nuevo estado y ayudarlo a decidir el lugar en el que quiere pasar su eternidad.

Cuando Larry está a punto de cruzar a su destino final, se encuentra con Joan, que acaba de fallecer, pero a ese reencuentro también acuden Luke, su primer marido, quien lleva esperándola desde el primer día y su coordinador Ryan (John Early). Joan se siente perpleja por cuanto la rodea y el estar frente a sus dos grandes amores. Tendrá, como todos, una semana para decidir si quiere vivir su eternidad con alguno de los dos o…

El escritor y director, David Freyne, estudió en la University Collage de Dublín logrando una maestría en cine, tras finalizar la carrera, cofundó la productora “Tilted Pictures”. Debutó en la dirección con el cortometraje “The Man in 301” 2008 al que han seguido “”The Mill” 2009, “Passing” y “Handheld Horror: Take 6” en 2010, “The Tree” 2013 y “The First Wave” 2014. Cuenta con la serie documental para televisión “Yes I Cam” 2011. En el largometraje debutó con “The Cured” 2017 al que han seguido “Dating Amber” 2020 y este año nos ofrece “Eternity” 2025.

En los tiempos convulsos que vivimos, bienvenidas las películas amables que nos hagan reír y emocionarnos, con narraciones terrenales no exentas de esa chispa de fantasía que nos transporte a la ensoñación, a los deseos y al relax; mientras nuestras mentes reflexionan sobre lo sustancial de la vida, del amor, de los sentimientos y de las relaciones, a las que en ocasiones no damos la suficiente importancia. Seguramente durante la proyección o al salir de la misma, pensarás en algún pasaje de tu vida y te dirás “¿Qué hubiera sucedido si…?”

David Freyne junto a Patrick Cunnane, nos invitan a viajar por el túnel de la vida, los sentimientos y el destino, aunque de forma un tanto particular, junto a este trío protagonista. Un triángulo amoroso donde Joan, deberá elegir entre sus dos amores: Larry y Luke, antes de decidir en qué lugar pasará su eternidad con uno o quizás sin ninguno; en sus manos queda. Cada uno de ellos fue importante en su anterior vida, el primero, su gran amor de juventud que se truncó cuando Luke murió en la guerra de Corea y Larry, el hombre con el cual ha vivido prácticamente toda su transitoriedad  terrenal, creando una gran familia y pasando, como sucede a todo mortal, por momentos malos, no tan malos, buenos e imborrables.

Un filme que juega con el romanticismo, el divertimento y que nos solicita cavilar sobre el sentido del ser, pues en esta existencia que nos ha tocado por azar del destino, la mayoría de los humanos y no humanos, entre otras cosas valiosas, buscamos a nuestra media naranja para vivirla juntos, pero… ¿Qué sucedería si cuando cruzas al otro lado te topas con los amores  con los que has sido feliz, conservando grandes recuerdos?

Eternity se rodea de un trío perfecto que me trajo recuerdos de las comedias de situación de los años 40, que he visto por decenas en televisión. El filme posee la esencia y el encanto de lo primario, formal, puro, sin maldad ni dobleces y porque no decirlo, con ese toque ñoño; pero que le sienta muy bien a la obra, porque lo que te ofrece te hace sentir bien, esbozar sonrisas e incluso creer, por un par de horas,  en esos mundos que solo existen en las nubes de algodón y en la pantalla blanca de la sala de cine. Luego, tras el encendido de las luces, tocará enfrentarse a la cruda realidad.

El filme cuenta con un excelente ritmo gracias al ingenioso, aunque un tanto predecible guion, que sinceramente poco importa si te adelantas en los acontecimientos, cuando te estás divirtiendo. Una dirección muy juguetona y cinco actores que persiguen entretenernos en todo momento y que estoy convencido que ellos, también lo disfrutaron y para terminar, como filme idealizado nos regala una fotografía en tonos suaves, relajantes y planos muy clásicos en la mirada de Ruairi O`Brien. La obra está revestida por la apacible banda sonora de Dave Fleming. Personalmente me ha encantado, pues salí de la sala en un estado de placidez absoluta y eso es todo un regalo, para los tiempos que vivimos.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de diciembre.

REPARTO: Elizabeth Olsen, Miles Teller, Callum Turner, John Early, Olga merediz, Da´Vine Joy Randolph, Betty Buckley, Barry Primus, Olga Petsa, Danny Mac, Panta Mosleh, Kristina Capati, Erik Gow, Jeanie Cloutier, Kyle Warren, Ken Boyd, Devielle Johnson, Riun Garner y Jeff Sanca.

PRODUCTORA: A24// Star Thrower Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A24

NÚREMBERG: CRÍTICA DE CINE

 

Núremberg está escrita y dirigida por James Vanderbilt. Adaptación libre del libro “El nazi y el psiquiatra” de Jack El-Hai.

En el prólogo se nos muestra el final de la II Guerra Mundial  a través de un grupo de militares custodiando a los supervivientes de uno de los campos de concentración. Un coche hace sonar su claxon con insistencia para que lo dejen pasar. En su interior viaja Hermann Göring (Russell Crowe) quien al salir del auto, deja a los presentes sorprendidos. Tras el fundido a negro nos encontramos con los preparativos de los juicios de Nuremberg. El psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Rami Malek) ha sido contratado para determinar si los prisioneros oficiales nazis cuentan con sus facultades para ser juzgados por sus crímenes de guerra, entre ellos conocerá a Hermann e intentará atraerlo a su terrero.

El guionista, productor y director de cine James Vanderbilt, estudió y se graduó en la St. Paul´s School y en La Universidad del Sur de California. Su actividad más importante ha estado relacionada con la escritura de guiones. Debutó en la dirección con “La verdad” 2015 y este año nos ofrece “Núremberg” 2025.

Núremberg llega a las salas coincidiendo con el 80 aniversario del proceso, del mismo nombre, que comenzó el 20 de noviembre de 1945 y finalizó el 1 de octubre de 1946. Juicio dirigido por un Tribunal Militar Internacional, por el que desfilaron 240 testigos y en el que se leyeron unas 300.000 declaraciones. La sentencia que dictó el tribunal a los 22 acusados fue de: 12 condenas a muerte, 7 de prisión y 3 absoluciones. De esos acusados 4 se suicidaron durante o al finalizar el juicio; entre esos cobardes asesinos, se encontraba, Hermann Göring. Nada descubro, esto es historia, historia que James Vanderbilt, aun tomándose algunas licencias cinematográficas, ha sabido plasmar con agilidad y tensión emocional. Recordemos que en 1961  Stanley Kramer hizo su propia versión con el título de “¿Vencedores o vencidos? (El juicio de Nuremberg)”. Película que obtuvo un buen número de premios.

En la penumbra de la sala, la gran pantalla se estremece ante la presencia de una estrella indiscutible que logra invadir nuestra mente con su presencia y saber hacer, Rusell Crowe. Acomete una brillante y tensa interpretación. Cada movimiento, gesto, mirada, mueca e incluso en la palabra pronunciada, nos devuelve al asesino, al tirano, al embaucador y al cobarde; al que podemos leer sus pensamientos durante sus silencios. Junto a él un Rami Malek, como el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley, que aunque su interpretación resulta muy acertada, Rusell se lo merienda en cada plano, escena o secuencia. Merece también ser destacado Michael Shannon como Robert H. Jackson. Este fantástico trío está rodeado de un elenco actoral muy importante, que ayudan a potenciar la obra entre los potentes enfrentamientos que van surgiendo entre ellos, pero sin duda los más destacables y disfrutables brotan entre Crowe y Malek.

Vanderbilt escribe un guion que divide en la pantalla en dos partes. En la primera nos presenta a los personajes  principales, entre ellos a uno de los mayores criminales de guerra que estuvo a cargo de “la solución final”, Hermann Göring y al psiquiatra estadounidense Douglas Kelley; en medio de los preparativos de uno de los juicios más dolorosos de la historia de la humanidad. Con firmeza, el director nos sumerge en el proceso, pero no se detiene solo en las intervenciones del numeroso grupo de acusados, los abogados, la fiscalía o el juez. James expone diferentes puntos de vista como el lado psicológico de los personajes, la tensión y la vida que se respiraba en el país tras la guerra, las espeluznantes imágenes de archivo de los campos que se proyectaron durante las sesiones judiciales o los diálogos que van despertando en nuestra mente, la sombra del nacismo y sus consecuencias.

Inevitablemente, al espectador le provoca un extraño escalofrío al sentir que todo ese movimiento de opresión, engaños, deshumanización y ansias de poder, ante el descontento que reinaba en Alemania en aquellos tiempos, está más cerca que nunca en la escena política internacional en la que nos encontramos. Un filme que nos alerta para no caer en los errores del pasado. Recordad que el mal siempre está al acecho y ataca cuando la presa se debilita como fiera hambrienta y en estos tiempos que corremos… Hay muchas fieras con hambre de poder.

Aun siendo conocedores de los acontecimientos de ese pasado negro y bajo una duración de dos horas y media de metraje, el filme se ve con gran interés sin decaer en ningún instante, gracias al enérgico guion, la delicada y firme dirección, las extraordinarias interpretaciones y por supuesto, al esmerado montaje de Tom Eagles, la fotografía de Dariusz Wolski, con planos ajustados y equilibrados al contexto de la acción y la dramática y densa banda sonora en la partitura de Brian Tyler.

Finalizo con la sensación de inquietud que se despertó en mí cuando salí de la proyección, por lo que creo que este filme, al igual que otros, documentales entre ellos, deberían ser vistos por quienes piensan que los tiempos de la dictadura y del nacismo, fueron mejores, cuando ni siquiera habían nacido ni son conscientes del dolor y la esclavitud que ocasionaron. Por favor, no repitamos la historia y que ésta se quede en el lugar que está, en los libros.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de noviembre.

REPARTO: Russell Crowe, Rami Malek, Leo Woodall, John Slattery, Mark O. Brien, Richard E. Grant, Michael Shannon, Colin Hanks, Wrenn Schmidt, Lotte Verbeek, Lydia Peckham, Andreas Pietschmann, Paul Antony-Barber, Wolfgang Cerny, Dan Cade, Donald Sage Mackay, Dieter Riesle, Wayne Brett, Ralph Berkin, Michael Sheldon, Tom Keune, Roderick Hill, Brett Keating, Steven Pacey, Richard Kerékgyártó, Jeremy Wheeler, Philippe Jacq, Barney Taylor, Tamas Nadas, Billy Rayner, Alex Diehl, Gyula Mesterházy, András Korcsmáros, Blake Kubena, Carl Achleitner, Fleur Bremmer, Sam Newman, Laurence pears, Laura Bóta, Vazul Magyar, István Áldott, Adam Pelyhe e István Szüle.

PRODUCTORA: Bluestone Entertainment// Walden Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeAPlaneta.

RUNNING MAN: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, Running Man está dirigida por Edgar Wright compartiendo guion con Michael Bacall, quienes adaptan la novela de Stephen King. “¿No te has preguntado si el concurso está amañado?”

Ben Richards (Glen Powell), con su hija enferma entre los brazos, discute con la empleada de una empresa, al negarle un puesto de trabajo. Ella incluso le reprocha que lleve a su hija para dar lástima. Sale desesperado de la oficina y se detiene para ver en la televisión el spot sobre la próxima edición de The Running Man, el programa más popular y violento de la cadena. Un juego de supervivencia en el cual los participantes deben evadir durante 30 días a asesinos profesionales. Cuanto más tiempo sobreviva y a más asesinos logre derrotar, mayor será el premio. Al regresar a casa Ben lo habla con su esposa Sheila Richards (Jayme Lawson) y ella le intenta disuadir, pero no lo consigue.

Ben mantiene una entrevista con el productor del programa Dan Killian (Josh Brolin) que ve en Ben un gran potencial ante la rabia, el coraje, la valentía, la rebeldía y la desesperación que alberga en su interior. Sin dudarlo, lo anima a que participe en el juego.

El guionista, productor y director, Edgar Wright, estudió en la Blue School de Wells y en Arts University Bournemouth donde se graduó en 1994. Debutó con el cortometraje “Dead Right” 1993 y dos años más tarde con el largometraje “A Fistful of Fingers” 1995 al que han seguido, “Zombies Parti (Una noche… de muerte)” 2004, “Arma fatal” 2007, “Scott Pilgrim contra el mundo” 2010, “Bien venidos al fin del mundo” 2013, “Baby Driver” 2017, “What the Hell Is It Time? Sparks Live in London”  y “Última noche en el Soho” ambas en 2021 y este año nos ofrece “Running Man” 2025. Cuenta con el documental “The Sparks Brothers” 2021, el cortometraje “Don`t” 2007, el telefilme “Straight 8” 2004 y capítulos para las series “Mash and Peas” 1996, “Alexei Sayle`s Merry-Go-Round” y “French and Saunders” en 1998, “Murder Most Horrid” y “Sir Bernard`s Stately Homes” en  1999, “Spaced” 1999/01. Las miniseries “Asylum” 1996, “Is It Bill Bailey?” 1998 y los videoclips “The Bluetones: Keep the Home Fires Burning” 2000, “Mint Royale: Blue Song” 2003, “Pharrell Williams: Gust of Wind” 2014, “Beck: Colors” 2018 además de los videos “The Man Who Would Be Shaun”, “Funky Pete” y “Fun Dead” en 2004.

Comentaros que en 1987 el director Paul Michael Glaser adaptó la novela de Richard Bachman, seudónimo de Stephen King, con poca fortuna. En aquella ocasión el actor que encarnaba a Ben Richards fue Arnol Schwarzenegger y Wright ha tenido la deferencia de rendir tributo a Arnol de una manera muy especial, que no os descubriré, pero que no pasa inadvertida e incluso, os despertará una sonrisa. En España se tituló “Perseguido”. Ahora Edgar Wright junto a Michael Bacall, nos acerca a una versión más potente, más violenta y fiel a la obra original.

Adrenalina en estado puro, es lo que se respira en este blockbuster espectacular y de alta tensión física y emocional. Durante sus dos horas y cuarto, la misión de Wright consiste en que no despeguemos la mirada de la pantalla y lo logra, tanto en sus escenas de acción frenéticas como en aquellas que aportan calma, para recuperar la respiración y que nos van dejando un poso amargo y una crítica feroz sobre esa sociedad distópica, que desgraciadamente no nos resulta tan desconocida. Por poner algunos ejemplos nos muestra las colas del hambre, la manipulación y  el control que algunos medios de comunicación llevan a cabo sin escrúpulos, adulterando la realidad con bulos y desinformación; el desempleo e incluso la pobreza sanitaria que sufren algunos países como Estados Unidos, en donde millones de ciudadanos no poseen ninguna cobertura, por su elevado costo; todo ello como telón de fondo del programa más violento, sanguinario y visto del país, con el único objetivo de mantener entretenidas a las masas y distraerles de sus verdaderos problemas.

Si bien, Edgar Wright es el gran artífice de este divertimento, la representación no sería posible sin su protagonista principal, el carismático Glen Power, quien aporta a su personaje la testosterona y humanidad, que precisa. La primera a través de la fuerza física, la masa muscular y la actitud ante las adversidades y la segunda, por el amor que profesa a su mujer e hija y por las que sin dudarlo, lo daría todo para que llevasen una vida mejor, abandonando el suburbio en el que residen; además ese padre coraje, posee otro ingrediente que le hace peligroso, su ira irrefrenable. Un papel que le viene como anillo al dedo a Power. Un lobo solitario que reparte estopa a diestro y siniestro.

Por todo ello y aunque me repita, estamos ante un espectáculo brillante con sus dosis, además de la acción y violencia mencionadas, de comedia y drama, que ha contado con la fotografía de Chung Chung-hoon y la enérgica banda sonora de Steven Price, junto a unos potentes y realistas efectos especiales. Y llegado a este punto, mejor es que me retire para que disfrutéis de este vertiginoso thriller.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de noviembre.

REPARTO: Glen Powell, William H. Macy, Lee Pace, Michael Cera, Emilia Jones, Josh Brolin, Colman Domingo, Jayme Lawson, Sean Hayes, Katy O`Brian, Karl Glusman, Daniel Ezra, David Zayas, Lee Charles, Sandra Dickinson, Slaine, Sophie Simnett, Olunike Adeliyi, Joey Ansah, Brandon Burke, Alfredo Tavares, Bill O`Nell, Craig Douglas, John Paul Wagner, John Addison, Suzanne Prescott, Tom Mackley, Law X, Angelo Gray, Clarisse Encontre, Ivan Rangelov, Evgenios Kakolyris, Mason Houltram, Alice Bennett, Rene Costa, Ross Donnelly, Tony McCarthy, Kevin Nolan, Felicita Ramundo, Poppy Townsend, Chi Lewis-Parry, Martin Herlihy, Georgia Goodman, Danny Fehsenfeld, Graeme Dalling, Thea Achillea, Jack Johnson, Kasey Iliana Sfetsios y Pierre Bergman.

PRODUCTORA: Complete Fiction// Genre Films// Paramount Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

LA LARGA MARCHA: CRÍTICA DE CINE

La larga marcha está dirigida por Francis Lawrence con guion de J.T. Mollner que adapta la novela de Stephen King.

Tras una cruenta guerra, Estados Unidos se haya bajo un régimen militar totalitario. La sociedad conservadora y distópica que dirige el país ha creado un juego retorcido y cruel. 50 Jóvenes representantes de cada uno de los estados participarán en una larga marcha de 533 kilómetros. Los participantes no se pueden detener en ningún instante o bajar de una velocidad menor a 5km/h. Si así lo hiciera alguno de ellos, sería avisado tres veces y si no avanza, sería eliminado. Solo puede quedar uno, quien recibirá como premio, sin límites, aquello que más desee. Entre esos jóvenes conoceremos a sus dos protagonistas principales Ray (Cooper Hoffman) y Pete (David Jonsson), que llevarán los números 47 y 23, respectivamente. Durante todo el recorrido, los 50 jóvenes estarán  custodiados por el ejército.

El director de videoclips y cine, Francis Lawrence, tras realizar sus estudios secundarios en Austria se trasladó a Estados Unidos, donde obtuvo su título de Bachiller en Producción Fílmica en la Loyola Marymount University Film School. Comenzó a trabajar como asistente de cámara y más tarde se asoció con su ex compañero Mike Rosen, con quien comenzó a filmar vídeos musicales. Debido a su genialidad y originalidad en la escritura de guiones cortos para vídeos, pronto alcanzó la fama entrando a formar parte de una gran compañía, trabajando con importantes artistas. En 1998 subió un importante escalón cuando Aerosmith le pidió filmar “I Don´t Want to Miss a Thing”, tema que formó parte del soundtrack oficial de “Armageddon”. Para televisión ha dirigido episodios de “Kings” 2009, “Touch” 2012/13, “Gotham” 2012 y “See” 2019… Y en el cine debutaría como director con “Constantine”2005,  “Soy leyenda” 2007, “Agua para elefantes” 2011, “Los juegos del hambre: en llamas” 2013, “Los juegos del hambre: Sinsojo- Parte 1” 2014, “Los juegos del hambre: Sinsojo- Parte 2” 2015, “Gorrión Rojo” 2018, “El país de los sueños” 2022, “Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes” 2023 y este año 2025 estrena “La larga marcha”.

Muchas han sido las novelas del gran escritor de suspense y terror Stephen King, que a lo largo de las décadas han desfilado por la gran pantalla, sorprendiendo a los espectadores, con sus narraciones. La primera de sus novelas se publicó en 1974 y se adaptó dos años más tarde por Lawrence D. Cohen y Paul Monash, siendo Brian De Palma el director que nos desconcertó y aterró con “Carrie”, pero si somos fieles al orden de escritura, “La Larga Marcha” es su primera obra y que no vio la luz hasta 1979, bajo el seudónimo de Richard Bachman. Y ya que estamos, aprovecho la ocasión, por si es de vuestro interés, que este año, del que ya queda poco, se han estrenado dos películas basadas en sus novelas: “The Monkey” (21 de febrero) y “La vida de Chuck” (17 de octubre). En el mismo mes pero el día 27, llegó la serie “IT: Bienvenidos a Derry”, en el día que publico esta reseña, se estrena “La larga marcha”, que ya de entrada os recomiendo y la próxima semana del 21 de noviembre, nos visitará “Running Man” también escriba bajo el seudónimo de Richard Bachman.

La larga marcha se nos presenta como un filme sobrio, que cuenta con pocos elementos pero en contraposición, es rico en diálogos. Diálogos que irán dando forma a las interesantes conversaciones que mantienen la mayoría de los jóvenes durante las horas, los días y los más de 500 kilómetros por recorrer, sin poder detenerse para nada y cuando digo nada, es nada. Si quieren hacer sus necesidades, las harán caminando, como veremos en más de una ocasión. Si tienen que comer, beber o lo más importante, dormir, lo realizarán sin bajar el ritmo; para lo cual tendrán que contar con la complicidad de sus propios compañeros, que no siempre están dispuestos a cooperar, lo que provocará, que entre el cansancio, las ida de olla, las peleas y lo ya expuesto; la carretera se vaya sembrando con los cadáveres y la sangre de los menos afortunados.

El filme se apoya, principalmente, en dos de los actores: Cooper Hoffman y David Jonsson que interpretan a Ray y Pete respectivamente y cuyas naturales y emotivas interpretaciones, captarán la atención del espectador; pero también otros irán ofreciendo sus puntos de vista sobre los sueños rotos y los que persiguen, las vidas sufridas, las inquietudes, los recuerdos e incluso el enzarzarse en batallas dialécticas. Les veremos llorar y reír, así como cantan, bailar y hasta saltar; estos últimos actos nos cuesta comprenderlos, sabiendo que las fuerzas van flaqueando con cada kilómetro recorrido. A través de sus historias, de los flashbacks y de lo que se nos muestra en el camino, la obra va desplegando su crítica social, política y familiar.

Resumiendo, la larga marcha cuenta con una dirección muy comedida, importantes interpretaciones que nos mantienen en tensión, una  potente y dramática fotografía de Jo Willems y la sobrecogedora banda sonora en la partitura de Jeremiah Fraites. Nada más os quiero contar, salvo que os la recomiendo, pues en mi opinión resulta un ejercicio muy interesante de ver y escuchar.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de noviembre.

REPARTO: Cooper Hoffman, David Jonsson, Judy Greer, Mark Hamill, Charlie Plummer, Roman Griffin Davis, Garrett Wareing, Ben Wang, Jordan Gonzalez, Joshua Odjick, Tut Nyuot, Keenan Lehmann, Teagan Stark, Athena Barten, Noah de Mel, Daymon Wrightly, Lam An, Ken, Steen, Kara Myskiw e Isabella Ravden.

PRODUCTORA: Lionsgate// Vertigo Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

AHORA ME VES 3: CRÍTICA DE CINE

Ahora me ves 3 está dirigida por Ruben Fleischer con guion de Seath Grahame-Smith, Gavin James, Michael Lesslie, Eric Singer, Neil Widener, Rhett Reese y Paul Wernick.

Tras un impactante prólogo donde conoceremos a la nueva generación de ilusionistas compuesta por Charlie (Justice Smith), Bosco (Dominic Sessa) y June (Ariana GreenBlatt), entran en juego los cuatro jinetes originales: J. Daniel Atlas (Jesse Eisenberg), Henley Reeves (Isla Fisher), Jack Wilder (Dave Franco) y Merritt McKinney (Woody Harrelson). Los siete junto a Thaddeus Bradley (Morgan Freeman) se deberán enfrentar a Veronika Vanderberg, una villana interpretada por Rosamund Pike. Y no, no os pienso contar nada más, porque la ilusión es mejor disfrutarla desde la sorpresa, pero de entrada, lo que sí os puedo asegurar, es que el espectáculo está más que asegurado, en un filme para divertirse de principio a fin.

El productor y director, Ruben Fleischer, se graduó con el título en Historia en la Universidad Wesleyan. Se mudó a San Francisco para trabajar como programador free lance  y animado por un compañero de estudios, entro a trabajar en la oficina de guionistas de la serie “Dawson´s Creek” 1998. Sus primeros trabajos en la dirección estuvieron relacionados con los comerciales para empresas como ESPN, Burger King, Eurostar y McDonald´s para saltar al cortometraje con “The Girls Guitar Club” 2001,  “Masturbación” 2007, “Lincoln Navigator” 2008 o “10 minutes” 2010. Debuta en el largometraje con “Bienvenidos a Zombieland” 2009 continuando con “30 minutos o menos” 2011, “Gangster Squad, Brigada de élite” 2013, “Venom” 2018, “Zombieland: Mata y remata” 2019, “Uncharted” 2022 y este año nos llega “Ahora me ves 3” 2025. Recientemente también ha dirigido el cortometraje documental “A Day in the Life with Tom Holland” 2025. Para televisión ha realizado capítulos para series como “Jimmy Kimmel Live!” 2003/06, “¡Thunes” 2007, “Between Two Ferns with Zach Galifianakis” 2008,  “Funny or Die Presents…” 2010, “Escape My Life” 2012, “Tubbin`with Tash” 2013, “Marry Me” 2015,  “American Housewife” 2016, “Santa Clarita Diet” 2017, “Stumptown” 2020, “Superstore” 2015/21 y “St. Denis Medical” 2024. Los telefilmes “The List” 2013 y “Spaced Out” 2017 y los videos musicales “Electric Six: Dance Commander” 2003, “M.I.A.: Galang” 2004 y “Kid Sister Feat, Kanye West: Pro Nails” 2007.

Llega la tercera entrega de “Ahora me ves” que se inició en 2013 con “Ahora me ves” de Louis Leterrier, continuando con “Ahora me ves 2” 2016 de Jon M. Chu y este año, casi 10 años más tarde, nos llega, de la mano de Ruben Fleischer, “Ahora me ves 3” para el disfrute de los fans y de quienes se acerquen a esta saga por primera vez, pues aun siendo una tercera entrega, nada tiene que ver con las anteriores, pues cada historia, es diferente e independiente.

En mi modesta opinión lo que sí os puedo afirmar a los amantes del thriller, acción, aventuras, suspense, robos y magia de la buena, es que no vais a despegar la mirada de la pantalla a lo largo de su metraje. De entrada os invito a hacer buen acopio de palomitas con refresco incluido, no vaya a ser que se os seque la garganta u os atragantéis con una de ellas y ya de paso, acomodaros en la butaca, porque esta nueva obra va más allá de lo esperado. También de paso os recomiendo que si aún no habéis visto el tráiler no lo hagáis, ni leáis nada al respecto. Cuanto menos sepáis, más la vais a gozar. Es magia, así que déjate llevar, sin que nadie te sople en el oído. Activa los sentidos  y que viajen por el mundo de la imaginación junto al mago Fleischer y el nutrido grupo de guionistas que han intervenido en la escritura y por supuesto, de quienes delante de la cámara te llevarán de un lado a otro, a una velocidad vertiginosa. Pestañea lo menos posible.

Ahora me ves 3 cuenta con una excepcional fotografía, una iluminación deslumbrante y unos encuadres dignos del mejor de los maestros. Cada ángulo, cada plano, cada escena y decorado, están perfectamente planificados, junto a los sofisticados efectos visuales que se nutren de espejos, puertas, ascensores, urnas mortales, pasillos, cuadros que son más que obras de arte y… todo lo que un gran mago, a gran escala, precisa. Cada imagen, cada truco y no truco, cada vista aérea y las terrestres incluidas; han sido recogidas por la elegante fotografía de George Richmond, quien se deja acompañar por una banda sonora que estimula nuestros sentidos, a través de la partitura de Brian Tyler. Una delicia visual y auditiva.

Llega el momento de ellos, los cuatro jinetes que se han tomado su tiempo para regresar a los cines y sorprendernos con el virtuosismo de su magia llena de matices, colores, sensaciones y emociones a través de un equipo unido y cómplice. En ocasiones no se precisa más que una mirada, para saber lo que se busca y esa búsqueda es sorprender al espectador más exigente. A Los cuatro jinetes que ya conocemos de las dos anteriores entregas y que nos traen tantos buenos recuerdos, se unen un grupo de jóvenes que sin duda, regresarán muy pronto a la gran pantalla con una nueva aventura. No voy a destacar a ninguno, pues el grupo trabaja en sinergia absoluta. Bravo por ellos y bravo por la dirección actoral que lograr esa comunión entre las dos generaciones.

Nada más quiero contaros, aunque me gustaría hablaros de esos decorados de exteriores tan brillantemente capturados, los destellos cómicos, de jugar tan brillantemente con el espectador, de los diálogos que merecen ser escuchados y asimilados, de la carrera del nuevo coche que se nos presenta, del lujo que les rodea y sobre todo, de hacernos olvidar el mundo real durante los 113 minutos de metraje.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de noviembre.

REPARTO: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Dave Franco, Isla Fisher, Morgan Freeman, Rosamund Pike, Justice Smith, Dominic Sessa, Ariana Greenblatt, Lizzy Caplan, Michael Caine, Daniel Radcliff y Mark Ruffalo.

PRODUCTORA: Lionsgate// Summit Entertaiment// Epic Films// Reese Wernick Productions// The Fusion Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeAPlaneta.