NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN: CRITICA TEATRAL

Nunca he estado en Dublín, está escrita por Markos Goikolea y dirigida por Mireia Gabilondo. Se puede disfrutar desde el 5 de febrero al 27 de abril en el Teatro Pavón.

La familia Amesti formada por La Madre (Eva Hache), (El padre) Iñigo Aranburu y El hijo, Martín (Iñigo Azpitarte), están muy ilusionados porque después de tres años sin saber nada de Elena, la hija (Carolina Rubio), que vive en la actualidad en Londres, está punto de llegar para cenar con ellos, además viene acompañada de su novia irlandesa Cindy.

Una divertida comedia de situación llega al teatro Pavón, con cuatro personajes de lo más singulares. Una madre ludópata que se ha arruinado con la compra de criptomonedas y debe 30.000 euros, si no los paga se queda sin la casa. Un padre en paro practicando una filosofía de vida un tanto peculiar, eso sí, muy positiva; Martín que vive con los padres, tiene un hijo y está en proceso de divorcio, el cual lleva retrasando un tiempo porque aún piensa que su mujer le pedirá que vuelva y Elena, que no solo se ha pasado tres años sin dar señales de vida, sino que viene acompañada de su novia que es invisible. Sí, claro, producto de su imaginación.

Un cuarteto preparado para provocar situaciones de lo más disparatadas cuando, durante la cena y en medio de las conversaciones, salgan a relucir los problemas personales que no asumen y que les ha llevado al punto en el que se encuentran. Los dardos dialécticos se disparan de un lado a otro, como los fuegos artificiales que escuchamos de fondo en un momento determinado, a través de la gran cristalera. Dardos adornados con frases que buscan justificar lo injustificable y que despertarán las sonrisas y carcajadas en el espectador, eso sí, hay que decirlo, la verdadera protagonista es Cindy, sí, la chica invisible, ella lo pone todo patas arriba. Una obra no exenta de crítica social en medio de las tradiciones, las costumbres, la falta de autoestima, los engaños, las apariencias y por supuesto, de las debilidades y virtudes.

La obra cuenta con una interesante puesta en escena por parte de Mireia Gabilondo, que aprovecha cada rincón y elemento de la escenografía ideada por Fernando Bernués, para situar a los personajes de forma que la obra resulte aún más dinámica. Por su parte Bernués, con su trabajo ha logrado recrear y captar la atmósfera que precisa un salón en una fecha tan señalada, dividiendo el espacio en cuatro partes: El fondo lo compone una gran cristalera que da a la terraza, en la cual se encuentra un árbol de Navidad iluminado con sus lucecitas. Ya en el interior del hogar y siempre desde la mirada del espectador, en la zona izquierda vemos un sofá y una mesa baja; en el centro está dispuesta la mesa de comedor vestida con un mantel rojo sobre el que aguardan los platos, vasos y cubiertos y ya en la parte de la derecha, un mueble bajo con una gran lámpara. Dos alfombras de un tamaño medio adornan el suelo y una lámpara a juego con las demás, en el techo. Escenografía a la que no le falta ningún detalle, pues hasta el cuadro que cuelga de una de las paredes, tendrá su protagonismo.

Y, como no quiero desvelar nada más, pues os aseguro que si decidís asistir a la función os lo vais a pasar muy bien, solo me queda hablar de los cuatro actores. Sin ninguna duda, Eva Hache, a la que ya había tenido el placer de ver y escuchar en uno de sus monólogos, se convierte en el centro de atención, sus frases lapidarias, su espontaneidad, las miradas y cada gesto, provocan que incluso cuando hablan los demás, estemos atentos a ella, pues nunca deja indiferente. Los mejores momentos de Carolina Rubio, son cuando conversa y debate con su novia invisible. Por su parte Iñigo Aranburu nos brinda un personaje un tanto desconcertante con su manera de ver la vida y el personaje de Iñigo Azpitarte, se merecería más de una colleja, para que despertara a la realidad. Todos convencen y todos nos hacen pasar una hora y media, de lo más divertida.  El Teatro Pavón, os espera con las puertas abiertas.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia: Markos Goikolea

Dirección: Mireia Gabilondo

Reparto: Eva Hache, Carolina Rubio, Iñigo Aranburu e Iñigo Azpitarte

Escenografía: Fernando Bernués

Vestuario: Ana Turrillas

Diseño iluminación: Xabier Lozano

Música: Iñigo Azpitarte

Ayte. dirección: Virginia Rodríguez

Regidora: Cristina Berhó

Dirección de producción: Nadia Corral

Producción: Octubre Producciones y La Tentación

Duración Aprox. 90 minutos.

LA OBRA ESTARÁ EN CARTEL  HASTA EL 27 DE ABRIL DE 2025

AÚN ESTOY AQUÍ: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Brasil y Francia, Aun estoy aquí, está dirigida por Walter Salles con guion de Murilo Hauser y Heitor Lorega.

Río de Janeiro 1970, en plena dictadura militar conoceremos a la familia del diputado Rubens Paiva (Selton Mello), su mujer Eunice (Fernanda Torres) y sus hijos Marcelo (Ghilherme Silveira/Antonio Saboia), Vera (Valentina Herszage/Maria Manoella), Eliana (Luiza Kosovski/ Marjorie Estiano), Nula (Barbara Luz/ Gabriela Carneiro da Cunha) y María Beatriz (Cora mora/ Olívia Torres). Una familia que vive feliz en su casa cerca del mar, aunque con la inquietud que les provocan las noticias de los secuestros de embajadores que se están llevando a cabo en el país. Un día reciben la visita de miembros del ejército vestidos de paisanos y se llevan a Rubens preso, desde ese instante, Eunice se comprometerá como activista política, mientras intenta mantener alejados al resto de la familia de lo que está sucediendo.

El director, Walter Saller, estudió economía en la Pontificia Universidad Católica en Río de Janeiro y una maestría en Comunicación Audiovisual en la Universidad de California. Se inició como director en la televisión dirigiendo capítulos para la serie “Japão-Uma Viagem no Tempo” 1986 y en el largometraje con “El arte de matar” 1991, para continuar con “Terra Estrangeira” 1995, “Estación Central de Brasil” y “Midnight: El primer día” ambas en 1998, “Abril Despedaçado” 2001, “Diarios de motocicleta” 2004, “Dark Water (La huella)” 2005, “Paris, je t´aime (segmento)” 2006, “To Each His Own Cinema (segmento)” 2007, “Linha de Passe” 2008, “En el camino” 2012,  “Jia Zhang-ke, um Homem de Fenyang” 2014, “Where Has the Time Gone? (Segmento)” 2017 y este año llega “Aún estoy aquí” 2024. También ha dirigido los documentales “Krajcberg- O Poeta dos Vestígios 1987 y “Venice 70: Future Reloaded” 2013. Los telefilmes “Marisa Monte” 1988, “Chico ou o País da Delicadeza Perdida” 1989, “João & Antônio 1992. Capítulos para la serie “Un siècle d`écrivains” 1995, de la miniserie “2000 vu par… Une collection Internationale” 1998. Los cortometreajes, “Socorro Noble” 1996, “Somos Todos Filhos da Terra” 1998,  “Castanha e Caju Contra o Encouraçado Titanic” 2002, “Quando a Terra Treme” 2017 y los video clips, “Bosa Nova Music & Reminiscenses” 1993, “Antonio Carlos Jobim: An All-Star Tribute” 1995, “Armas e Paz” 2003 y “Yep Roc Heresy” 2023.

Un nuevo hecho real, basado en un episodio histórico brasileño, llega a las salas de cine. Da la sensación de que la gran pantalla ha descubierto que puede servir de plataforma para acercarnos la historia desde diferentes puntos de vista, siempre interesantes, algunos sorprendentes, la mayoría críticos, para no volver a caer en los errores del pasado y otros didácticos;  todo al amparo del entretenimiento que ofrece la sala de cine, aunque como ocurre en ocasiones, el alma se nos encoja por cuanto se nos muestra. En este caso en particular, se nos brinda el doloroso drama vivido y sufrido bajo la dictadura que padeció el pueblo brasileño entre el 31 de marzo de 1964 cuando Humberto de Alencar Castelo Branco, derrocó al gobierno democrático del presidente João Goulart, hasta su finalización con la victoria electoral del Movimiento Democrático Brasileño el 15 de marzo de 1985, al convertirse José Sarney en el  primer presidente civil. Durante esas décadas hubo años convulsos como los que se narran en este filme y que afecto a esta familia, entre otras.

Rubens Paiva, casado y padre de 5 hijos, fue un ingeniero civil y político brasileño que militó en el Partido Laborista Brasileño (PTB),  siendo elegido diputado en 1962. Se opuso a la dictadura militar en 1964, lo que le obligó a autoexiliarse. Cuando regresó se ocupó de los negocios y mantuvo contacto con los exiliados, lo que motivó que en 1971 fuera detenido por las fuerzas militares y tras torturarlo, lo asesinaron. Su cuerpo nunca fue encontrado.

La película no seguirá la figura del empresario, ingeniero y político, aunque lo veremos durante el primer tercio de la película, sino la de su mujer y sus cinco hijos, cuatro chicas y un varón, Marcelo, autor de la novela en la que se ha inspirado esta película. Desde el preciso instante de la detención de Rubens, Eunice toma las riendas, el protagonismo y a quien seguimos en cada uno de sus pasos, de los encuentros con las personas en las que ella confía, pidiendo consejo e incluso con algunas que no estaban en su mente, investigando hasta donde estaba vinculado su marido con la causa; causa que desde ese instante, la hace propia y nos hace partícipes de ella, además de su lucha incansable a lo largo de los años, con el único objetivo de que el gobierno  reconozca la muerte de su marido. Muerte que ella ya presentía y que le lleva a exigir la prueba con el certificado de defunción.

Un drama socio-político que nos induce a la reflexión sobre el grave problema que ocasionan las dictaduras, secuestradoras del pueblo y en particular de quienes no comulgan con los dictadores, sometiendo, a la sociedad en general, a la oscuridad y al miedo. Una dura crítica y denuncia que nos  exhorta a que meditemos sobre lo que en la actualidad está ocurriendo con los extremismos en algunos países, para que no caigamos en los mismos errores del pasado que, como podemos ver, solo causan sufrimiento por codicia y ansias de poder. La pérdida y los estados emociones por los que pasó esta familia, están retratados con delicadeza, realidad y empatía por parte de los guionistas y el director.

Desde los primeros planos, Salles no envuelve en la atmósfera de los setenta, apoyándose en la cuidada fotografía de Adrian teijido, quien da gran importancia al color, la iluminación y los encuadres intimistas. El vestuario de Cláudia Kopke y Helena Byington junto a la excepcional dirección de arte por parte de Juliana Tolentino y la banda sonora de Warren Ellis, forman un conjunto equilibrado que funciona a la perfección para transportarnos a la década de los 70 del siglo pasado.

Termino con ellos, con quienes dan vida a la familia Paiva, en un acertadísimo casting, pues cada uno de ellos logra proyectar a sus personajes la verdad y la pasión de sus propios viacrucis, destacando a Fernanda Torres, que encarna a la madre y mujer coraje, luchadora por su familia, la realidad y los sueños que les arrebataron. Os la recomiendo a todos.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de febrero

REPARTO: Fernanda Torres, Selton Mello, Antonio Saboia, Guilherme Silveira, Valentina Herszage, Maria Manoella,  Luiza Kosovski, Marjorie Estiano, Barbara Luz, Gabriela Carneiro, Cora Mora, Olivia Torres, Humberto Carrão, Maeve Jinkings, Caio Horowicz, Camila Márdila, Charles Fricks, Luana Nastas, Isadora Ruppert, Daniel Dantas, Carla Ribas y Maitê Padilha.

PRODUCTORA: VideoFilmes// RT Features// MACT Productions// Cospiraçao Filmes// arte.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films. 

MARÍA CALLAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Alemania, Chile y Estados Unidos, María Callas está dirigida por Pablo Larraín con guion de Steven Knight, basándose en la biografía de María Callas. “No existe vida fuera del escenario”

A modo de documental vemos a la Callas en distintos eventos, actuaciones y entrevistas, pasando por el instante en el que decide quemar todos los vestidos que conservaba de sus actuaciones hasta adentrarnos en un salón en el que se encuentran determinadas personas en silencio. Dos enfermeros portan una camilla de hospital que dejan en el suelo y la historia nos transporta a una semana antes, para narrarnos los últimos días de la gran diva.

El director, productor y guionista, Pablo Larraín, estudió en la Universidad de Artes, Ciencias y Comunicación (UNIACC), Comunicación Audiovisual. Es uno de los socios fundadores de Fábula, una empresa dedicada al desarrollo de cine y comerciales llevando a cabo diversos proyectos. En 2006  presenta su ópera prima “Fuga” a la que han seguido filmes como “Tony Manero” 2008, “Post Mortem” 2010, “NO” 2012, “Venice 70: Future Reloaded” 2013, “El Club” 2015, “Neruda” 2016, “Jackie” 2016, “Ema” 2019, “Spencer” 2021, “Sayen”, “El Conde” y “Sayen: la ruta seca” todas en 2023; “Sayen: la cazadora” y María Callas” en 2024. También ha dirigido la serie “Prófugos” 2011, las miniseries “El presidente” 2020 y “La historia de Lisey” 2021, la serie “Hecho en casa” 2020 y los documentales “Como me da la gana II” 2016 y “Antares de la luz: La secta del fin del mundo” 2024.

Hoy empiezo con ella, con una diva que me tiene ganado el corazón desde hace mucho tiempo, sus interpretaciones siempre están cargadas de emotividad reflejándose en sus miradas, los gestos y el lenguaje corporal que domina a la perfección, expresando más que las propias palabras. Una embajadora de la ONU comprometida y humanitaria cuyo trabajo habla por sí solo y que siempre ha sabido combinar con su arte, el de la  actriz que no deja indiferente a nadie, coronado por su belleza y saber estar; su sola presencia se apodera de la pantalla. Angelina Jolie, en un nuevo trabajo impecable y elegante; transmitiendo soledad, frustración, dolor, silencios atronadores, palabras llenas de pasión y compasión y decadencia. Estoy convencido que solo ella era capaz de fusionarse con el espíritu de la Callas  y la prueba está en que la sala de cine permanece en completo silencio hasta la  última escena.

Larraín completa, al menos de momento, una trilogía dedicada a las grandes mujeres del siglo pasado. Trilogía que inició con “Jackie” 2016, con Natalie Portman encarnando a Jacqueline Kennedy y  “Spencer” 2021 en donde Kristen Stewart daba vida a la princesa Diana (Lady Di) y ahora con “María Callas” con una espectacular Angelina Jolie. Los tres filmes tienen en común, que se desarrollan durante un periodo corto de tiempo, pero crucial en sus vidas. En el Caso de Jackie, son los días posteriores al asesinato de su marido J.F. Kennedy, quien en pleno luto se vio despojada de todo, en cuanto a Spencer, nos lleva al fin de semana  en el que Lady Di decidió que su matrimonio con el príncipe Carlos no estaba funcionando y en esta tercera entrega, María Callas, culmina con otro gran drama que nos sitúa en la semana antes de su muerte. Tres grandes mujeres que serán recordadas por los claroscuros que rodearon sus vidas.

En la misma línea que nos tiene acostumbrados y cortada por el mismo patrón que las anteriores, Pablo nos sumerge en el dolor emocional que afligió a la gran diva de la canción, provocado por la pérdida de su voz tan particular. Un filme dominado por los silencios, los estados de reflexión, las idas y venidas de la artista o los amplios espacios habitados por la soledad y el desasosiego que traspasa la pantalla calando en el espectador; todo ello mostrado a través de esa cámara indiscreta que se cuela por los rincones para brindarnos, entre las imágenes de archivo, aquellas que el propio director ha ideado y capturadas por la refinada fotografía de Edward Lachman, envolviéndonos a la vez en ese viacrucis que debió vivir y sufrir la Callas, pues para ella, como tantas veces comentó, “el escenario lo era todo”, aunque fuera de él, también asistiremos a la relación amorosa con el multimillonario Aristóteles Onassis, interpretado por Haluk Bilginer o la fraternal que mantuvo con sus dos únicos criados: Ferruccio (Pierfrancesco Favino) y Bruna (Alba Rohrwacher), una relación íntima y cercana, que caldeaba las estancias de la mansión, aportando verdad y  humanidad.

En resumen, estamos ante la mejor película de la trilogía y con la que más he disfrutado, dentro de esa angustia que se apodera de uno sin poder escapar hasta el final; además, no me cansaré de reiterarme que cuenta con la contenida y extraordinaria interpretación de Angelina Jolie, la distinguida puesta en escena, el vestuario de Massimo Cantini Parrini, el sutil montaje de Sofía Subercaseaux y por supuesto, el selecto programa operístico, que abraza al filme.

Por todo ello mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 7 de febrero.

REPARTO: Angelina Jolie, Pierfrancesco Favino, Alba Rohrwacher, Haluk Bilginer, Kodi Smit-McPhee, Valeria Golino, Stephen Ashfield, Alessandro Bressanello, Jeremy Wheeler, Rebecka Johnston, Toma Hrisztov, Christiana Aloneftis, Philipp Droste, Kay Madsen, Botond Bartus, Caspar Phillipson, Paul Spera, Vincent Macaigne, Aggelina Papadopoulou, Lydia Koniordou, Jörg Westphal, Erophilie Panagiotarea y  Kembe Sorel.

PRODUCTORA: The Apartment// Komplizen Film// Fabula// Fabula Pictures// Fremantle Media North América.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

LA ACOMPAÑANTE: CRÍTICA DE CINE

La Acompañante está escrita y dirigida por Drew Hancock “Una historia rosa vestida de rojo”

En plano vemos a Iris (Sophie Thatcher) tirando de un carrito de la compra por los pasillos de un supermercado, mientras escuchamos su voz en off decir “He sido dos veces inmensamente feliz en la vida, la primera cuando conocí a Josh (Jack Quaid) y la segunda cuando lo maté” A Josh lo conoció precisamente ese día en el supermercado y la atracción fue inmediata, disfrutando de una escena de lo más edulcorada con decenas de naranjas rodando por el suelo; lo que despertará las primeras sonrisas y hasta carcajadas en el espectador. Un inició que te invita a acomodarte mientras degustas las palomitas, porque el cómo llegó y el porqué de ese día fatídico, lo tendréis que averiguar a lo largo de la función y os aseguro, que no os defraudará.

El director y guionista, Drew Hancock, se dio a conocer como director para televisión en 2005 con el cortometraje “Man to Man” y la serie “Gregory Shitcock, P.l.” continuando con las series “The Wastelander” 2005/06, “Acceptable TV” 2007, “Cautionary Tales of Swords” 2007/08, “Jimmy Kimmel Live!” 2008,  “The Mountain” 2008/09, “Everything” 2009 y “Channy Awards” 2012. Ha dirigido los cortometrajes “Christmas World 2050” y “Tenacious D: Time Firers” en 2006 y “Brutal Journey: Jack Black Finds His Inner Eddie Riggs” 2009. Ha debutado en el  largometraje con “La acompañante” 2025.

Con permiso del director quiero comenzar con el reparto encabezado por dos actores de moda como son Sophie Thatcher, a quien hemos visto recientemente en el papel de predicadora en la magnífica “Heretic (Hereje) de Scott Beck y Bryan Woods y Jack Quaid, encarnando al personaje principal de la serie “The Boys” 2019/24 como Hughie Campbell. Una pareja letal que se aman, a su manera. Interpretaciones cómplices y juguetonas, convincentes ante la gran pantalla y cautivando al espectador, con su saber hacer y no dudando en explotar sus virtudes hasta consumir el último aliento.

Las otras dos parejas están formadas por el dueño de la mansión, que les acoge para pasar un agradable fin de semana entre amigos, Sergey (Rupert Friend) y su amante Kat (Megan Suri) y Eli (Harvey Guillén) y su novio  Patrick (Lukas Gage). Perfectos cada uno de ellos en sus personajes que explotando sus personalidades tan diversas, nos ofrecen interpretaciones insultantemente jocosas y creíbles. Una película que si bien no pierde en ningún instante el trepidante ritmo, no ocurre lo mismo con la compostura de sus personajes. Hay que guardar las formas cuando se está en una casa de invitado.

“La acompañante” es una perversa, macabra, divertida y deliciosa historia romántica, con un exquisito toque gore. Un filme “tramposo” en el mejor sentido de la palabra, que se sustenta en una sencilla narración, sin dobleces, muy bien escrita y mejor interpretada como ya he mencionado, con importantes giros argumentales que se disfrutan hasta el último suspiro y no exenta de cierta crítica cargada de ironía sobre la dominación del macho; pero todo y me repito, desde la comicidad, los inteligentes diálogos, el cinismo y el entretenimiento más blanco e incluso, cuando se desata la locura con ese punto surrealista tan importante. Nada y esto también lo afirmo, parece lo que es y si podéis entrar en la sala sin saber más de lo que os estoy ofreciendo, mucho mejor. Déjate sorprender y lo agradecerás.

Para finalizar no me puedo olvidar de la música y fotografía, pues ambas ayudan a potenciar esta osada historia, con conciencia teatral y que navega entre lo humano y lo antropomorfo. Me he imaginado sentado en la butaca de  un teatro con vistas al exterior, cuyo escenario es cubierto por una gran pantalla, disfrutando de una de esas comedias frescas y atrevidas, que tras bajar el telón, se abandona la butaca con un buen sabor de boca, una sonrisa en el rostro y ganas de sentarse en un bar para comentar las jugadas o simplemente mientras se da un agradable paseo. Las notas de la banda sonora corren por la partitura de  Hrishikesh Hirway y la fotografía en la mirada ocurrente de Eli Born.

¿Cuántas veces hemos pensado si existirá el compañero o compañera ideal con quien compartir toda una vida? Pues esta narración nos da algunas pistas.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de enero.

REPARTO: Sophie Thatcher, Jack Quaid, Megan Suri, Lukas Gage, Harvey Guillén, Rupert Friend, Woody Fu y Marc Menchaca.

PRODUCTORA: BoulderLight Pictures// New Line Cinema// Vertigo Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España

A DIFFERENT MAN: CRÍTICA DE CINE

A Different Man está escrita y dirigida por Aaron Schimberg. “Toda la infelicidad en esta vida llega por no aceptarla tal y como viene”

Edward (Sebastian Stan) padece neurofibromatosis, es actor y vive en un modesto bloque de apartamentos al que se muda Ingrid (Renate Reinsve), una joven dramaturga que pronto se interesará por Edward. Edward se enamora de Ingrid pero su deformidad en el rostro, debido a numerosos tumores, le ha convertido en un ser introvertido, inseguro y solitario. Un buen día un especialista le propone someterse a un revolucionario experimento médico, que puede minimizar los tumores que tiene en el rostro. El proceso resulta doloroso pero el resultado es impresionante, su piel queda limpia y liberada de los tumores. Decide emprender una nueva vida, cambiando de identidad, bajo el nombre de Guy y dando por muerto, literalmente, a su anterior yo. En el camino conocerá Oswald (Adam Pearson) un hombre jovial, extrovertido y conversador que trabaja en un teatro como monologuista y que padece la misma enfermedad que él tenía, incluso su rostro, es idéntico al de su yo anterior.

El guionista y director, Aaron Schimberg, se graduó en la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California. Debutó en el largometraje con “Bajar a la muerte” 2013, “Encadenado de por vida” 2018 y en este 2024 presenta “Un hombre diferente”.

Schimberg nos ofrece una comedia surrealista, oscura, cruda y en parte desagradable, en donde lo físico y lo emocional rivalizan entre sí por el amor de una chica, caminando por la cuerda floja de los sentimientos y las emociones. El detonante de ese extraño enfrentamiento es la deformación facial que ha provocado la enfermedad que sufre su protagonista, la Neurofibromatosis; que la Wiki, nuestra maestra particular, la describe como “Un grupo de tres afecciones en las que crecen tumores en el sistema nervioso. Es un trastorno genético de dicho sistema que afecta principalmente al desarrollo y crecimiento de los tejidos de las células neuronales (nerviosas)” Una anomalía cuyos tumores repartidos por todo el rostro, ocasionan inquietud en quienes los ven.

Ese rostro, que nos recuerda al del hombre elefante y que resulta poco convencional en un mundo que vive más preocupado por los cánones de belleza que por temas realmente importantes, sirve de punto de partida a un filme que aun despertando en algunos instantes hilaridad y confusión, en otros nos sumerge en la reflexión sobre la vulnerabilidad, la identidad o la baja autoestima del ser, cuando no se es capaz de aceptarse.

En ese laberinto de espejos distorsionados, que habita en la mente de Edward y le lleva a cuestionarse si sus fracasos son consecuencia de su apariencia física, surgen otros nuevos al comprobar, tras la operación, que no era su imagen el problema sino las circunstancias, pues en su ausencia su vecina Ingrid ha escrito una obra inspirada en el Edward que ella conoció y para meter más el dedo en la herida, el destino le presenta a Oswald, cuya imagen es idéntica a la de su pasado, robándole el protagonismo que demanda. El espectador asistirá a una de las escenas más grotescas, rocambolescas, inverosímiles y desconcertante.

El filme juega con la nostalgia y los sueños de Edward que aspira ser como los demás, pero el problema radica que para ser como los demás no es necesario cambiar el rostro, pues es el talante, la aptitud y la propia personalidad, las autoras de muchas conquistas. Un filme inteligente y con un humor ácido, que muchas veces se atraganta. No estamos ante lo que se podría definir como una película políticamente correcta, pero pasado ese trance, se disfruta por cuanto ofrece.

Sin duda lo mejor del filme recae en el trío protagonista, Sebastian Stan nos ofrece dos personajes complejos abatidos por la tristeza y la oscuridad interior, de un lado como Edwar a cuyo rostro desfigurado culpa de sus fracasos y tras la intervención, Guy quien curado de dicha deformidad, comprende que no era la causante de sus desgracias. Una maravillosa Renata Reinsve encarnando a la dulce y encantadora Ingrid, que siempre mira más allá de lo que la realidad le muestra y completando el trío nos encontramos con Oswald (Adam Pearson) que interpreta a un joven jovial, extrovertido y conversador, totalmente opuesto a Edwar/Guy. Tres interpretaciones potentes aunque, tal vez por ese carácter teatralizado que adquiere el filme y un final un tanto enrevesado, no alcancemos a empatizar con ellos como desearíamos. Existe ese grado de exageración y divagación que como ya he comentado, desconcierta y en mi opinión, muy personal, la película debería haber terminado tras el largo fundido en negro.

A Different Man, cuenta con un buen guion y una inquietante dirección de Aaron Schimberg. La fotografía e iluminación de Wyatt Garfield, logra aventurarse con sutil precisión entre los encuadres sencillos, intimistas e impactantes enfatizando la historia, así como la banda sonora de  Umberto Smerilli, que se filtra por cada rincón.

Os dejo con tres de las preguntas que me cuestioné: ¿Logramos nuestros objetivos gracias, en parte, a la imagen que proyectamos? ¿Los demás nos ven tal y como nosotros creemos? Y por último, yo sé lo que me atrae de una persona, pero ¿Qué es lo que realmente cautiva a otra persona de nosotros?

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 31 de enero.

REPARTO: Sebastian Stan, Renate Reinsve, Adam Pearson, Lawrence Arancio, Neal Davidson, Christopher Spurrier, Owen Kline, Marc Geller, Billy Griffith, Eleanore Pienta, John Keating, Juney Smith, Trenton Hudson, Miles G. Jackson, Sergio Delavicci, Jed Rapfogel, Patrick Wang, James Foster Jr., JJ McGlone, John Klacsmann, Cosmo Bjorkenheim, C. Mason Wells, Corey R. Taylor, Danielle Burgos, David Joseph Regelmann, Sammy Mena, Malachi Weir y Jon Dieringer.

PRODUCTORA: A24// Grand Motel Films// Killer Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

LA FIEBRE DE LOS RICOS: CRÍTICA DE CINE

La fiebre de los ricos está dirigida por Galder Gaztelu-Urrutia compartiendo guion con Pedro Rivero, Sam Steiner y David Desola. “Un hombre es rico en proporción a las cosas que puede desechar (Henry D. Thoreau)”

Laura (Mary Elizabeth Winstead) se halla en el momento cumbre de su profesión, disfrutando y codeándose con la élite de la política, la sociedad y la religión. Está entregada y centrada en los eventos internacionales más relevantes, cuando un extraño virus hace acto de presencia, cebándose con los más poderosos del planeta; virus que se irá extendiendo a otras fortunas  en escala de mayor a menor. 

Cuando Laura es consciente del peligro que corre, busca la manera de deshacerse de los bienes que posee, emprendiendo una carrera  para salvarse de la plaga que la persigue. Y hasta aquí puedo escribir. Una vez más, Urrutia asalta la pantalla con un ejercicio de puro entretenimiento y crítica sociopolítica.

Galdes Gaztelu-Urrutia, es director y productor de cine y publicidad, está Diplomado en Gestión de Empresas en la especialidad de Comercio Internacional. Es miembro de la productora Basque Films. Ha colaborado como Line Producer en “Pos Eso” 2014 de Samuel Ortí Martí y “Dos rivales casi iguales” 2007 de Miguel Ángel Calvo Buttine. Co-productor del cortometraje “She`s Lost Control” 2010 de Haritz Zubillaga. Productor ejecutivo del corto “Choque” 2005 de Nacho Vigalondo o “las horas muertas” 2007 de Haritz Zubillaga. Ha realizado comerciales para televisión y como director se inició con los cortometrajes “913” 2004,  “La casa del Lago” 2011y “El ataúd de cristal” 2016. Debutó en el largometraje con “El Hoyo” 2019 continuando con “El Hoyo 2” 2024 estrenada en Netflix  y ahora nos presenta “La fiebre de los ricos” 2024.

El filme está dividido en tres partes más un prólogo, bajo los títulos de: Parte 1 “El viejo mundo”,  Parte 2 “Colapso”, Parte 3 “Éxodo” y Epílogo “El nuevo mundo”.

He recuperado una frase de la reseña que realicé en su momento de su ópera prima, “El Hoyo” 2019, en la que comenté “El Hoyo es una obra cruel y retorcida como la sociedad que hemos creado” Si queréis leerla completa la encontraréis en el blog entre las críticas de cine de ese año. Una vez más, Galdes pretende llevar al límite a sus personajes y en especial al espectador con la aspiración de que entre las múltiples metáforas que su nuevo trabajo esconde y ambicionan ser descubiertas, despierte del letargo en el que se encuentra, reconozca la realidad que le rodea y actúe en consecuencia, de lo contrario nos vemos abocados  a un caos similar al que la ficción nos ofrece.

La fiebre de los ricos se nos muestra como una cruel y grotesca estampa de la élite económica, con sus vicios y virtudes, aunque estas últimas queden eclipsadas por los egos desmedidos que no razonan cuando se ven seducidos por el brillo de las grandes fiestas, el lujo de los coches, los trajes y joyas; las máscaras que ocultan al verdadero individuo, el dinero que envenena mente y alma o la hipocresía de sujetos que esconden sus debilidades en fingidas fachadas. Una historia dura, más aún que su anterior trabajo, pues abandona la comodidad de las paredes de los decorados para exponer su apocalipsis personal a la luz del día, y con ello airear los deseos de estos seres corruptos por alcanzar metas mayores, sin ser conscientes de lo que realmente dejan atrás.

El pavor surge cuando creyendo tener las situaciones controladas, ven como se desvanecen ante sus ojos; el caer en lo inmoral de la traición considerando que es la única vía de escape; la crítica social y política que se respira, las miserias que el ser humano esconde y brotan en el instante en que la vulnerabilidad hace acto de presencia, el valor de la familia que en ocasiones olvidamos, cuando lo mundano nos asfixia o el regreso a lo genuino tras vivir en un mundo inhumano y carente de valores. ¿Cuántas veces la humanidad será capaz de caer en la misma piedra en su propio detrimento por empeñarse en alcanzar lo imposible?

La fiebre de los ricos es un espectáculo para los amantes de la acción, del terror psicológico y del desenfreno absoluto. No deja títere con cabeza. Un guion interesante e inteligente, una dirección que provoca vértigo y que cuenta con el potente montaje de Haritz Zubillaga, la exquisita dirección artísticas de Laia Colet, el impecable vestuario de Azegiñe Urigoitia, la brillante fotografía de Jon D. Domínguez y la inquietante banda sonora en la partitura de Aránzazu Calleja; grandes profesionales con los que ya trabajó en su primera obra.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de enero.

REPARTO: Mary Elizabeth Winstead, Rafe Spall, Lorraine Bracco, Timothy Spall, Dixie Egerickx, Jonah Hauer-King, César Domboy, Dayana Esebe, Richard Sammel, Michael John Treanor, Diogo Sales, Philip Schurer, Nick Devlin, James Giblin, Nick Dutton, Oliver Ritchie, Ivan de Lucas, Marius Praniauskas, Alexandra Masangkay, Greg Orvis, Bernard Bullen, Mark Kitto, Elena Sanz, Anarosa De Eizaguirre Butler, Colin Morgan y Eric Goode.

PRODUCTORA: Nostromo Pictures// Fabula// Baque Films// Mamma Team Productions// Canary Pictures Vehicles.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax.

CÓMO HACERSE MILLONARIO ANTES DE QUE MUERA LA ABUELA: CRÍTICA DE CINE

Como hacerse millonario antes de que muera la abuela, está dirigida por Pat Boonnitipat compartiendo guion con Thodsapon Thiptinnakorn.

M (Putthipong Assaratanakul) es un streamer que ha abandonado sus estudios y vive en casa de sus padres. Una mañana, mientras la familia se reúne para pasar el día en el cementerio junto a la tumba de sus antepasados, Amah, la abuela (Usha Seamkhum), sufre una caída al intentar corregir a su nieto “M” de cómo debe esparcir las flores, alrededor de la tumba. En el diagnóstico médico detectan que la abuela tiene cáncer en fase 4 y que precisa cuidados. M estudia la posibilidad de que su abuela le deje la herencia al morir y para ello decide irse a vivir con ella y atenderla hasta que llegue el desenlace.

El director de televisión y cine, Pat Boonnitipat, se graduó en la Escuela Roong Aroon School y se licenció en la Facultad de Artes de la Comunicación de la Universidad de Chulalongkorn, especializándose en gestión de comunicaciones, aunque finalmente se inclinó por la realización cinematográfica. Se inició en televisión dirigiendo un capítulo para la serie “Diary of Tootsies” 2016 continuando con la serie “Project S the Series” 2017, la miniserie “Bad Genius” 2020 y debutando en el largometraje para cine con “Como hacerse millonario antes de que muera la abuela” 2024.

Estamos ante una obra que se fragua a fuego lento aderezada por las emociones, los sentimientos y los lazos familiares, despuntando las diferencias generacionales. Con una elegancia asombrosa que conmueve, Pat nos involucra en la verdad que destilan sus personajes quienes navegan entre el desempleo, la soledad, el egoísmo y la generosidad, el amor, las aspiraciones fallidas o las oportunidades por llegar. Una obra rica en matices marcada por un guion ingenioso en sus diálogos, que se contonea entre la realidad y lo etéreo.

Boonnitipat junto a Thodsapon Thiptinnakorn, escriben una historia cuyos sentimientos y emociones rebasan a los propios personajes de carne y hueso. Una narración tan atractiva, fluida y creíble, que respira honestidad desde las primeras líneas que moldean la escena inicial, en la que se nos muestra a la familia reunirse en torno a la tumba de sus seres queridos y pasar el día entre homenajes, comida, conversaciones e incluso escucharles discutir. Un ritual sencillo con el que el director nos invita a que sigamos de cerca las vidas de cada uno de ellos, deteniéndonos en sus personalidades, modo de vida, ambiciones y las artimañas que se gastan, para sobrevivir en el día a día e inclusive, con miras al futuro. Todo ello expuesto, sin prisas pero sin pausa. Acompañaremos a la abuela a sus visitas médicas, seremos testigos de las secuelas que provoca la quimio, como la caída del cabello; nos adentraremos en el mercado, en el que ella compra los productos que precisa y vende los que ella misma elabora o la presencia de simbolismos como ver florecer el granado que tiene junto a su casa.

Los personajes no pueden resultar más entrañables, aunque algunos de ellos actúen de mala fe, pero se les disculpa, pues su naturalidad y espontaneidad resulta tan directa y divertida, que aceptamos y comprendemos que las familias no son perfectas y sin duda es ese punto, lo que las  hace únicas. En esta ocasión, el foco está puesto en Amah, una mujer de armas tomar, una mujer sabia por cuanto la vida la ha enseñado con los años; astuta y ocurrente que lleva de cabeza a su nieto, un joven que pretende sacar beneficio ayudándola en sus quehaceres y soledad. Una trama tan sencilla como juguetona, que nos embarca en un aluvión de emociones y sensaciones que desembocan, inevitablemente, en lágrimas, por cuanto acontece en la pantalla. La escena final es magia en estado puro.

La pareja protagonista está formada por, Usha Seamkhum, quien a sus 78 años, llena de vida y alegría la pantalla junto al joven Putthipong Assaratanakul, al que está constantemente regañando y añorando cuando no está cerca. Dos interpretaciones que convencen al espectador, al igual que el resto del elenco actoral. Cada escena es una pequeña lección de vida.

Una película para ver en familia, desde los abuelos a los nietos, pues  me atrevo a asegurar, que las energías entre ellos, nunca van a estar más conectadas. Es una delicia asistir a este trabajo que está maravillosamente acompañado por la música compuesta al piano de Jaithep Raroengjai y la fotografía de Boonyanuch Kraithong.

MI NOTA ES: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de enero.

REPARTO: Putthipong Assaratanakul, Usha Seamkhum, Sanya Kunakorn, Sarinrat Thomas, Pongsatorn Jongwilak, Tontawan Tantivejakul, Duangporn Oapirat y Himawari Tajiri.

PRODUCTORA: GDH 559

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DEAPLANETA.

BABYGIRL: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Países Bajos (Holanda) BABYGIRL, está escrita y dirigida Halina Reijn.

Romy (Nicole Kidman) es una alta ejecutiva de una empresa de robótica, casada con Jacob (Antonio Banderas), director teatral con quien tiene dos hijas. Si bien en el trabajo se siente realizada, en lo relacionado con su vida sexual no tanto, afirmando que nunca ha tenido un orgasmo con su marido y que todos los ha fingido. Un día conoce a Samuel (Harris Dickinson), un joven estudiante que exige que ella sea su mentora y lo que en un principio parece una fantasía inocente con cierto coqueteo, se convierte en sexo de alto voltaje. En un principio Romy duda seguir el juego que Samuel la propone, pero luego irá aceptando el rol de sumisa en esa extraña relación extramatrimonial, a través de la cual descubrirá los placeres que su cuerpo le proporciona mientras se enfrenta a los posibles riesgos que corre su matrimonio y la pérdida de control.

Halina Reijn, estudió en la Academia de Artes Dramáticas de Maastricht graduándose en 1998. Durante sus estudios realizó diferentes trabajos, entre ellos el de actriz. Recibió el Premio de teatro holandés, la Colombina, por su personaje de Lulu en “Shopping and Fucking”. Como actriz para la gran pantalla debutó en “De Omweg”2000 de Frouke Fokkema y tras un nutrido número de interpretaciones para el cine y la televisión, debutó en la dirección con “Instinto” 2019,  “Muerte, muerte, muerte” 2022 y este año nos ofrece “Babygirl” 2024.

En  las últimas décadas es rara la ocasión que el cine no nos sorprenda con algún filme cargado de erotismo, sexualidad y juegos de fantasías, poder, seducción y dominación. Los años 80 y 90 nos dejaron algunos títulos importantes como “9 Semanas y Media” de Adrian Lyne 1986 con la pareja Kim Basinger y Mickey Rourke, “Atracción Fatal” 1987 de Adrian Lyne con Michael Douglas y Glenn Close, “Instinto Básico” 1992 de Paul Verhoeven con Sharon Stone y Michael Douglas, “Una proposición indecente” 1993 de Adrian Lyne con Demi Moore y Robert Redford y finalizando los 90, nos llegó “Eyes Wide Shut” 1999 de Stanley Kubrick con Tom Cruise y Nicole Kidman. En este siglo la más reciente la encontramos  en la trilogía de “50 sombras de Grey” con la pareja formada por Dakota Johnson y Jamie Dornan.

Babygirl arranca con vigor e ideas muy interesantes, pero tal vez el intentar exponer demasiados temas, sin intención de desarrollarlos, llegue a provocar que perdamos por instantes el verdadero epicentro de la historia, que no es otro que el clímax que se desata en la figura de  Romy. Una mujer empoderada liderando una empresa de desarrollo futurista y que en su contra juega, la insatisfacción marital. Una sexualidad con la que no está satisfecha y es ese sentimiento lo que la desconcierta, más cuando entra en escena Samuel, un joven que disfruta de su libertad sexual y de la práctica de la sumisión. Ese punto de inflexión despierta y desata las alarmas que Romy creía controlar, pues será el sabor del deseo, la pulsación de lo desconocido, la pasión tantas veces ahogada e incluso la feminidad y la vulnerabilidad; las que le den la posibilidad de alcanzar cuanto ella siempre anheló, aunque su mente rechace ser dominada. Siempre ha sido ella quien ha llevado las riendas de su vida. Una lucha interna que mantendrá a lo largo del metraje exteriorizándose en la creencia de estar incluso perdiendo la razón y el control sobre su vida, que ahora navega entre dos mundos opuestos: La familia conservadora que ha creado y la vida que el destino siempre juguetón, la invita a explorar  y gozar.

Babygirl, como he comentado, arranca satisfactoriamente, hasta el punto que a través de nuestra mente se pueden filtrar el recuerdo de algunas escenas de películas que la han precedido, lo que nos incita a imaginar que el salto al vacío puede ser interesante, pero no hay tal salto, es más, me atrevo a afirmar que si bien la narración se disfruta, no se goza. Todo es demasiado aséptico, cada encuentro está pasado por el tamiz de una candidez ardiente y recatada; nada de desnudos integrales, libres de complejos o pieles brillando por el sudor de la excitación.  La directora se censura a ella misma y no pasará de verse dos o tres escenas de cama en las cuales la ropa y diversos complementos, se aprecian más que quienes en ella se alojan. Se insinúa pero no se muestra, que en ocasiones se agradece pues despierta la imaginación del espectador. Como ejemplos la escena de la masturbación delante del ordenador portátil, las miradas lascivas o los acercamientos en los que se pueden escuchar las respiraciones fatigadas y hasta el latir de los corazones; pero nunca llega a más, perdiéndose entre tópicos y una timidez injustificada. Quizás el error está en que se debería haber elegido una pareja más atrevida o una directora menos pudorosa.

Llevando la etiqueta de erótico, el filme se queda a las puertas prevaleciendo el drama activado en la psique de la protagonista, y el valor de la feminidad y la crisis de la edad; que vaya por delante, están muy bien expuestos, contando con una espectacular y deslumbrante interpretación de  Nicole Kidman, quién defiende con uñas y dientes a su personaje, atrapando en el camino al espectador. En el lado masculino destacan Harris Dickinson como Samuel, personaje que exhibe con seguridad su atrevida sexualidad y juvenil masculinidad, y nuestro querido y siempre magnífico Antonio Banderas, en un papel corto encarnando a Jacob, el marido de Romy. El trío funciona como película dramática pero en cuanto al erotismo, se desvanece entre los fotogramas. Demasiado light para estar en el siglo XXI. Estoy seguro que hasta los más jóvenes en edad de explorar su sexualidad, sonríen ante tal ingenuidad. La directora deja demasiado para la imaginación.

Para finalizar destaco la elegante fotografía y la correcta iluminación de Jasper Wolf, junto a la insinuante banda sonora de Cristóbal Tapia de Veer, potenciando la tensión en algunas de las escenas. Tras todo lo citado, el filme resulta interesante, entretenido y sensual, que no confundir con sexual; pero en este campo, como en otros tantos en la vida, también será el espectador quien tenga la última opinión, pues con respecto a las relaciones de pareja, no todo está escrito ni lo estará nunca. A mi juicio lo mejor de la película se condensa en los diálogos entre los personajes y el monólogo claramente feminista.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de enero.

REPARTO: Nicole Kidman, Harris Dickinson, Antonio Banderas, Esther McGregor,  Sophie Wilde, Anoop Desai, Leslie Silva, Victor Slezak, Vaughan Reilly, Maxwell Whittington-Cooper, Gaite Jansen, Robert Farrior, Bartley Booz, Mary Ann Lamb, Gabrielle Policano, Izabel Mar, Max O`Herlihy, Michael Wichmann, Mareau Hall, Dolly Wells, Tess McMillan, Skylar Matthews, Molly Price y Maryann  Urbano.

PRODUCTORA: 2AM// Man Up Fil//A24//

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films. 

EMILIA PÉREZ: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia y México, Emilia Pérez está escrita y dirigida por Jacques Audiard, basándose en la novela de Boris Razon.

Rita Mora (Zoe Saldaña) trabaja para un bufete de abogados a quienes encargan, aun sabiendo que Gabriel Mendoza es el asesino de su esposa, la defensa del mismo. Ganan el juicio pero ella no se siente bien, porque conoce la verdad. Recibe una llamada de un desconocido que la felicita por ganar el juicio y que requiere de sus servicios. La cita frente al puesto de periódicos donde es secuestrada y llevada a presencia de Juan “Manitas” Del Monte (Karla Sofía Gascón), un narcotraficante que desea retirarse y busca que lo ayude a resetear, como él llama a transicionar de hombre a mujer.

El director y guionista, Jacques Audiard, en los años 80 comenzó a escribir guiones como “Réveillon chez Bob!” 1984 de Denys Granier-Deferre, “Saxo” 1988 de Ariel Zeitoun, “Baxter” 1989 de Jérôme Boivin o “Venus, Salón de Belleza” 1999 de Tonie Marshall. En la dirección debutó con “Mira a los hombres caer” 1994 y continuó con “Un héroe muy discreto” 1996,  “Lee mis labios” 2001, “De latir mi corazón se ha parado” 2005, “Un profeta” 2009, “De óxido y hueso” 2012, “Dheepan” 2015, “Los hermanos Sisters” 2018, “París, distrito 13” 2021 y este año nos presenta “Emilia Pérez” 2024. También ha dirigido los cortometrajes “Nous, sans-Papiers de France” 1997, “Norme française” 1998, capítulos para la serie “Oficina de infiltrados” 2020 y  diversos video clips.

Entré en la sala de cine sin intuir, conociendo en parte la filmografía de Audiard, con que me pensaba sorprender y debo reconocer que una vez más, lo ha logrado. Ha sido toda una experiencia. Hasta pasada la primera media hora no era consciente de si estaba en presencia de un drama, una película de narcos, un filme social o un musical, de los que últimamente están en boga y no solo en los teatros, sino en las salas de cine; pero transcurrido ese tiempo comprendí que me enfrentaba a una obra singular, un filme entre innovador, clásico y con cierta dosis de atrevimiento; todo un estudio cinematográfico al servicio de la identidad del ser, de las emociones y los sentimientos a flor de piel, contando con tres actrices cuyos personajes tienen mucho que decir. Karla Sofía Gascón sobrecoge interpretando con naturalidad a “Manitas” y a Emilia, dos personajes ricos en matices y dispares entre sí. Zoe Saldaña, simboliza a la mujer contemporánea, por una parte responsable del trabajo que se la encomienda en el bufete y por otro la voz crítica que se alza contra las injusticias, acompañando a Emilia en su nueva etapa; sin duda la mejor interpretación de las tres, Zoe está impresionante; y el trío se cierra con Selena Gomez, dando vida a una madre doliente y viuda de quien fue su gran amor y no ha podido olvidar, lo peor en Selena es la lamentable pronunciación del español.  

Tres personajes, con nervio escénico, que dan forma a un triángulo tan sólido, como frágil. Pisan con la fuerza de un elefante en tierra firme y baten sus alas de mariposa, en espacios desconocidos como lo son sus propias almas. Da la extraña sensación de que en cualquier momento todo se va a desmoronar, como un castillo de naipes y es en ese preciso instante, tan sutil, tan frágil e insólito, cuando brotan con mayor energía y me atrevería a decir, verdad. Te mantienen  embriagado y pegado a la butaca. Tan distintas en sus vidas personales y tan humanamente parecidas en los conceptos más básicos. Las tres anhelan sobrevivir como las mujeres que son, en un mundo de narcos, violencia y corrupción y a la vez, cambiante en ideas y oportunidades.

Al igual que la oruga pasa por la fase de crisálida para transformarse en una mariposa, así Emilia muta del cuerpo de un hombre rudo y despiadado al de la mujer comprometida con los suyos y los graves problemas que padece la sociedad que les rodea y si bien, durante algunos momentos de la narración es inevitable no pensar en el gran maestro Almodóvar, será en este preciso instante de la narración cuando las similitudes con “Madres paralelas”, es incuestionable. La exhumación de los cuerpos de los seres queridos desaparecidos, asesinados y reclamados por muchas familias a lo largo de los años a las autoridades, para darles santa sepultura.

Debo reconocer, que ese instante de la historia,  en el que Emilia se entrega en cuerpo y alma a devolver a las familias los cadáveres enterrados en las fosas comunes, cueste lo que cueste, como expiación de culpa, por su pasado, me resultó muy interesante, así como reflejar la crítica socio-política del país; pero a la vez me dejó con una pregunta que os formulo a vosotros. ¿La identidad de género te hace ser más violento, pacífico o logra cambiar absolutamente tu manera de ver la vida?  

Resumiendo, lo que está claro es que Audiard, nos hace removernos en la butaca, más de lo que desearíamos. Nos lleva por un mar de sonrisas y lágrimas entre corrientes de indiferencia, resignación, ira, dolor, pérdida, esperanza, familia y la lucha por los ideales, tantas veces aletargados y presos. Cuenta con una extraordinaria banda sonora de Clément Ducol y Camille, con canciones tan estremecedoras que rompen el alma y por supuesto no me olvido de la fotografía de Paul Guilhaume, con quien el director ya había trabajado en “París, distrito 13”

MI NOTA: 8,5

REPARTO: Karla Sofia Gascón, Zoe Saldana, Selena Gomez, Adriana Paz, Mark Ivanir, Eduardo Aladro, Edgar Ramirez, Gaël Murguia-Fur, Emilio Hasan, Tirso Ragel Pietriga, Xiomara Ahumada Quito, Magali Brito, Jarib Zagoya, Sébastien Fruit, Alejandra Reyes, Anabel Lopez, Daniel Velasco Acosta, James Gerard, Braulio Gómez Bernal, Stéphane Ly-Cuong y Tulika Srivastava.

PRODUCTORA: Why Not Productions// Page 114// Pathé// France 2 Cinema// Saint Laurent// Pimienta Films// Zima Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Wanda Visión y Netflix.

HERETIC (HEREJE): CRÍTICA DE CINE

Heretic (Hereje) está escrita y dirigida por Scott Beck y Bryan Woods. “La teología al servicio del cine de terror”

Sentadas en un banco de un parque vemos a la hermana Paxton (Chloe East) y a la hermana Barnes (Sophie Thatcher) hablando del uso del preservativo y de las práctica sexuales, pues una de ella suele ver películas X. Dejan la conversación y junto a sus bicicletas hacen la ruta que tienen asignada para ese día, predicando la palabra de Dios. Bajo una fuerte tormenta llegan hasta la casa del Sr. Reed (Hugh Grant) y cuando las dos jóvenes deciden entrar en la casa, convencidas que serán atendidas por la mujer de Reed, dará comienzo un curioso juego del gato y el ratón.

Los guionistas, productores y directores, Scott Beck y Bryan Wood, se conocen desde la infancia, compartiendo una misma pasión, el cine. Trabajaron de proyeccionistas a la vez que escribían guiones. En la dirección se iniciaron con los cortometrajes “Yearbook” y “Remembering November” en 2002, “Lost/Fund” 2003, “Univertity Heights”, “Amber” y “Shades” en 2004, “The Bride Wore Blood” 2006 e “Impulse” 2010. Debutaron en el largometraje con “Nightlight” 2015 para continuar con “La casa del terror (Haunt)” 2019, “65” 2023 y este año nos ofrecen “Heretic (Hereje)” 2024. Para televisión han realizado capítulos de la serie “50 States of Fright” y el cortometraje “50 States of Fright: Almost There” ambas en 2020.

Iniciamos el año con una más que interesante película de terror psicológico y religioso, en donde la fe tomará un cariz tenebroso, con tres brillantes interpretaciones y un guion que nos invita a reflexionar sobre lo que oímos e incluso, veremos. Una narración que conquista desde casi el minuto cero, mientras escuchamos y observamos a las dos misioneras hablando de sexo tranquilamente sentadas en uno de los bancos del parque y que pasados unos minutos, deciden reanudar su trabajo de misioneras tomando las bicicletas y recorriendo el pueblo hasta llegar a la casa del Sr. Reed, que ha solicitado información sobre la Iglesia de los Santos de los Últimos Días, a la que ellas pertenecen; pero la visita, tras atravesar el umbral de la casa, sospechamos, por los pistas que nos van dejando los dos guionistas, como migas de pan, que se están metiendo en la boca del lobo, pero, realmente ¿Quién es el lobo y quien el cordero?

La palabra cobra gran importancia a lo largo de la narración, cortejando las conversaciones a tres bandas o a través de la disertación que el Sr. Reed dedica a las jóvenes y de paso implicando al espectador, sobre tres de las grandes religiones: El cristianismo, el islamismo y el judaísmo, pues el libro de los mormones lo considera una burla; llegando a la conclusión, tras presentar algunos ejemplos, que todas las religiones son iteraciones unas de otras aunque con claras diferencias y cuyo cometido es manipular y controlar a las masas. Será a partir de esta afirmación, bien conocida, cuando las alarmas de las que dispone nuestro cerebro ante lo inquietante y lo que se presume está a punto de suceder, salten como lo hace el sistema eléctrico en el interior de la casa, a la vez que la tormenta se desata con más virulencia en el exterior. Nuestra curiosidad crece cuando se mezcla con la incomodidad o lo tangible coquetea con lo invisible a nuestros ojos, sabiendo o creyendo saber que algo habita entre esas paredes y deseamos se nos muestre. Desazón que Beck y Woods aprovechan para lanzar toda su artillería y os aseguro que es mucha, pues nos llevan de un lado a otro, sin apenas dejarnos coger aliento.

El hereje cuenta con una atmósfera claustrofóbica que se adueña de nuestro ser gracias, además de las conversaciones ya citadas, a la sencilla y a la vez espectacular puesta en escena, los detalles que se nos exponen con cuenta gotas, la cuidada iluminación tenue pero que deja ver con claridad cuanto urge y por supuesto, los planos brillantemente seleccionados. La cámara siempre está en el ángulo correcto para, intencionadamente incomodarnos y podría apostar que incluso estudiarnos, como creen las jóvenes que está haciendo el Sr. Reed  con ellas. Un delicioso espectáculo macabro y lo digo sin ninguna sorna, pues no hay nada que me haga disfrutar más que una trampa bien diseñada al más puro juego del gato y el ratón, cocida a fuego lento como una tarta de arándanos. Un laberinto concebido por las mentes retorcidamente juguetonas de estos dos directores y guionistas, colocando la religión y la fe, en el corazón de la historia con importantes tintes teológicos.

Creer o dudar, ese será el dilema por el que deberán optar según sus creencias, Paxton y Barner y escoger la puerta que las pueda sacar de la pesadilla. Un thriller que no te soltará hasta el final, dosificando con elegancia y astucia cada escena, cada encuadre, cada nota musical en la partitura de Chris Bacon, en el montaje de Justin Li, en cada haz de luz natural que entra en esa casa o la artificial que posee, enriqueciendo la fotografía de Chung Chung-ho.

Para ir finalizando os hablaré de los tres actores principales, pues los secundarios pasan muy de refilón. La gran estrella de la función es sin la menor duda Hugh Grant quien hila a través de su flema británica e ironía fina, un personaje perturbador que se apodera de cada escena y desasosiega tanto a las jóvenes como al espectador con sus miradas, palabras o sonrisas maléficas. En cuanto a  Chloe East y Sophie Thatcher, encarnando a las hermanas Paxton y Barner, prefiero las descubráis vosotros, pero están increíbles. Dicen que la fe mueve montañas y estás dos jóvenes tienen mucha fe.

Para terminar, vaya por delante, que el filme no pretende cambiar a ningún espectador de forma de pensar sobre la religión o religiones que profesan. Como ya he dicho, es un astuto y demoledor juego del gato y del ratón que toma como leitmotiv dichas creencias.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de enero.

REPARTO: Hugh Grant, Chloe East, Sophie Thatcher, Elle Young, Topher Grace, Elle McKinnon, Julie Lynn Mortensen, Hanna Huffman, Miguel Castillo, Anesha Bailey, Stephanie Lavigne, Haylie Hansen, Wendy Gorling, River Codack,  Carolyn Adair, Leanne Khol Young.

PRODUCTORA: Beck Woods// Catchlight Studios// Shiny Penny Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DEAPLANETA.

SONIC 3: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Japón, SONIC 3, está dirigida por Jeff Fowler con guion de Patrick Casey y Josh Miller, basándose en los personajes de Yuli Naka, Naoto Oshima y Hirokazu Yasuhara.

En “la isla prisión” en Japón, bajo una estrecha vigilancia y dentro de un tanque especial se encuentra Shadow (Voz Keanu Reeves), un erizo muy parecido a Sonic, que posee una fuerza extrema. Le mueve la ira y la venganza. Despierta de su letargo y se enfrenta a todos los soldados, logrando escapar.

Sonic (Voz Ben Schwartz) y sus amigos, Tails el zorro antropomórfico (Voz Colleen O´Shaughnessey) y Knuckles, un equidna antropomórfico (Voz Idris Elba), disfrutan de la naturaleza entre carreras amistosas y la tranquilidad que les rodea, hasta que Shadow les hace una visita no deseada, viéndose obligados a pedir ayuda a sus padres adoptivos: El sheriff Tom (James Marsden) y su esposa la veterinaria Maddie (Tika Sumpter), para atrapar a Shadow y de paso proteger el planeta de las ideas destructivas de Gerald, el abuelo del Dr. Ivo y del propio Ivo, ambos interpretados por (Jim Carrey)

Jeff Fowler es director, escritor y especialista de efectos visuales, colaborador importante del estudio de animación Blur Studio. Ha dirigido los cortometrajes, “Rockfish” 2003, “Gopher Broker” 2004 y “Atlas Reactor: The Case” 2016. Fue nominado a los Oscar por este último cortometraje. También ha trabajado en el departamento de animación de la película “Donde viven los monstruos” 2009 de Spike Jonze. Debutó en la dirección de largometraje llevando a la pantalla a un personaje muy conocido por los fans del videojuego “Sonic, la película” 2020, continuando con “Sonic 2: la película” 2022 y este año nos presenta la tercera entrega, “Sonic 3: la película” 2024. También ha dirigido, junto a otros compañeros, la miniserie “Knuckles” 2024.

Sonic corre veloz a las salas de cine estas navidades con el fin de entretener a toda la familia y os aseguro que tanto él como sus amigos, lo logran. Más aventuras, más emocionante, más juguetona, más divertida y mayor agilidad para una película que te conquista, gracias a un guion inteligente y unos personajes que te roban el corazón y es que Sonic, ese erizo antropomórfico de color azul, se deja querer mientras Shadow, el rival de Sonic, le roba gran parte del protagonismo al hacernos partícipes de su historia y los motivo de su tormento e ira descontrolada. Un personaje que nos abre su alma reflejada en su semblante e incluso a través de su lenguaje corporal. Su ira se apacigua o se enfurece dependiendo de los recuerdos vividos. Entre esas evocaciones está su amiga humana e inseparable compañera, María (Alyla Browne). No, no voy a contaros más, pero  he creído necesario hablaros de la presencia de este personaje humano, pues es la protagonista de una de las subtramas con más fuerza emocional y nostalgia.

Un filme que aboga por la familia como tema principal junto a la complicidad, el compañerismo o la unidad; conviviendo con potentes dosis de acción in crecendo a medida que avanza la narración. Una narración que bascula en medio de la velocidad provocada por los combates, sin duda el mayor atractivo del filme en contraste con la tranquilidad que generan las conversaciones, en especial las que mantienen Sonic, Tails y Knuckles o los instantes bucólicos de María y Shadow tumbados, mirando las estrellas y agarrados de las manos. Son algunas de estas escenas las que nos hacen olvidar que estamos ante un filme con personajes animados, pues realmente son ellos los que destilan más humanidad, naturalidad y verdad, que los seres de carne y hueso.

Junto a estos seres antropomórficos destacan tres humanos, sobradamente conocidos en esta importante franquicia: los Wachowski, Tom y Maddie como los padres adoptivos de Sonic, Tails y Knuckles; representados, respectivamente por James Marsden y Tika Sumpter, junto a un impecable y excéntrico Jim Carrey que lo da todo en un doble papel, por un lado como el enemigo acérrimo de Sonic, el Dr. Ivo y por otro como su abuelo Gerald, no sé, bueno sí lo sé, quien de los dos es más malvadamente divertido.

Un espectáculo insuflado por el buen rollo que se sirve entre palomitas, refrescos y algún que otro dulce navideño, con dosis de drama, diversión, sacrificio, acción y puro entretenimiento familiar, pues como ya he comentado, la familia es el corazón del filme.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de diciembre.

REPARTO: James Marsden, Jim Carrey, Tika Sumpter, Krysten Ritter, Alyla Browne, Lee Majdoub, Tom Butler, Adam Pally, Shemar Moore, Andy M Milligan, Nathan Hall, Alfredo Tavares, Stuart Whelan,  Amedeo Fedeli, Natasha Rothewell, Sofia Pernas, Cristo Fernández, Jorma Taccone, Mariko Nishino, Joshmaine Joseph, James Wright y James Wolk. En cuanto a las voces están a cargo de Ben Schwartz, Idris Elba, Keanu Reeves y Collen O`Shaughnessey, Sofia Pernas y James Wolk.

PRODUCTORA: Blur Studio// Marza Animation Planet// Original Film// Paramount Pictures// SEGA.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.