LA NOVIA!: CRÍTICA DE CINE

La novia! está dirigida  y escrita por Maggie Gyllenhaal: “Los muertos tienen algo que decir y yo soy su voz”

El filme comienza con un prólogo en blanco y negro en donde Mary Shelley, desde el limbo, posee a Ida (Jessie Buckley), una joven rebelde, reivindicativa, feminista y acompañante en un club regentado por gánsteres que murió a manos de la mafia en el Chicago de 1936.

Continuando en la década de los 30, vemos a Frankenstein “Frank” (Christian Bale) acudir a la consulta de la Dra. Cornelia Euphronious (Annette Bening) para que le cree una compañera, porque se siente solo. La doctora conversará con Frankenstein y finalmente decide concederle su sueño. Desentierran a Ida. Con ello se despierta un gran torbellino de deseos, venganza, sexo y carreras frenéticas de la policía, con la intención de descubrir a los causantes de las muertes que van surgiendo en la ciudad.

La actriz y directora Maggie Gyllenhaal se graduó en la escuela preparatoria Harvard-Westlake prep School. Asistió durante un semestre a The Mountain School en Vershire e ingresó en la Universidad de Columbia, licenciándose en Filosofía en 1999. Se desplazó a Londres donde estudiaría en la Royal Academy of Dramatic Art. Sus primeras tareas las realizó junto a su padre. Ha trabajado como actriz y productora para cine y televisión y debutó en la dirección con un capítulo de la serie “Hecho en casa” (2020) y en cine, con “La hija oscura” (2021). Ahora nos ofrece “La novia” (2026).

Osada, subversiva, romántica, intencionadamente caótica y necesariamente feminista: es como se me ocurre describir la nueva obra de Maggie, se mire desde el ángulo que se mire. Por supuesto, bebe de clásicos y del cine negro moderno como “Bonnie y Clyde” de Arthur Penn, ambientadas ambas en la era de La Gran Depresión en Estados Unidos. Una década en donde el país estuvo marcado por la crisis económica tras el crack bursátil de 1929, el desempleo masivo y la pobreza reinante. Escenario perfecto para que campen a sus anchas nuestros dos adorables monstruos, cuyo único objetivo era amarse y ser una pareja más en un mundo que no les aceptaba.

El gran fuerte de la película reside en sus dos protagonistas, que están simplemente soberbios: Jessie Buckley y Christian Bale. Con dos personajes que tal mente parecen escritos para ellos, Ida y Frank o La Novia y El Monstruo, moviéndose bajo una batuta invisible que equilibra la vulnerabilidad melancólica de Frank con la furia desatada y renacida de Ida, otorgándole ese toque punk. Sus interpretaciones, extravagantes y maravillosas, logran que el espectador empatice con dos seres que el mundo prefiere invisibilizar  o ver como desechos; resaltar que Jessie también interpreta a Mary Shelley como hizo Elsa Lanchester en la original de 1935. Entre los secundarios destaco a dos actrices con personajes más equilibrados, emocionalmente hablando, como son  Annette Bening, en el papel de la Dra. Euphroius, quien, desafiando  la ética y moral de su tiempo (y me atrevería a decir que también del nuestro), otorga la vida a Ida para que sea la compañera de Frank; y una impecable Penélope Cruz como Myrna Mallow, la asistente del detective que se manifiesta como el verdadero cerebro de la investigación policial.

Toca hablar de los aspectos técnicos, para ir terminando la reseña, pues sin duda a este caos intencionado que indicaba al principio y a la gran energía que desprenden sus protagonistas principales, debo hacer mención de la espectacular fotografía de Lawrence Sher, quien ha logrado conjugar acertadamente el blanco y negro expresionista del prólogo, con el color saturado y sucio que bebe de ese cine negro característico de los años 30 norteamericanos. Y por supuesto, la atmosférica banda sonora de Hildur Guðnadóttir, con ritmos de los gloriosos tiempos del Jazz en contrapunto con sonidos distorsionados, que nos recuerdan la dramática naturaleza fallida de los dos protagonistas principales.

Por todo lo ya mencionado os la recomiendo usando, para terminar, una frase de la propia Maggie: Estamos ante una “Revolución Punk”

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo.

REPARTO: Jessie Buckley, Christian Bale, Peter Sarsgaard, Penélope Cruz, Annette Bening, Jake Gyllenhaal, John Magaro, Julianne Hough, Louis Cancelmi, Jeannie Berlin, Matthew Maher, Ben Green. William Hill, Stephanie Troyak, Lydia Kelly, Rob Kellogg, Oliver Palmer, Narko Caka, Massiel Mordan, Luke Hickey, Elaine Apruzzese, Daniel Cioffoletti, Tom Johnson, Kenny Shapiro, Matt Scalisi y Bob Leszczak.

PRODUCTORA: Warner Bros.Pictures

CLEANER RESCATE VERTICAL: CRÍTICA DE CINE

 

CLEANER: Rescate Vertical está dirigida por Martin Campbell con guion de Simon Uttley, Matthew Orton y Paul Andrew Williams. “La supervivencia no tiene red de seguridad”

En el prólogo vemos a una niña (Poppy Townsend) escalando en el interior de su habitación, aprovechando cualquier saliente que le ofrecen las paredes y los muebles. Escucha los gritos de su padre, en la habitación contigua, reprendiendo a su hermano pequeño y para evitar seguir oyendo la bronca, decide sentarse en el alféizar de la ventana. Desde el exterior comprobamos que está a una gran altura y en ella no se atisba el menor vértigo.

Pasan 20 años y aquella niña de nombre Joey Locke (Daisy Ridley), ahora exsoldado, trabaja de limpiadora de ventanas en edificios colgada de arneses. Recibe la llamada del centro donde está ingresado su hermano Michael Locke (Matthew Tuck), que sufre de autismo y le han expulsado del centro. Ella se lo lleva al trabajo y lo deja a cargo de un conserje. El día transcurre de forma tranquila hasta que un grupo de activistas toman el control de la gala anual de una empresa energética que se encuentra en dicho edificio, secuestrando a más de 300 asistentes con el fin de denunciar la corrupción de los anfitriones, pero todo se complica cuando Noah (Taz Skylar), amenaza con asesinar a todos los presentes. Mientras eso sucede en el interior, en el exterior a 50 pisos de altura se encuentra Joey sobre una plataforma de suspensión, quien tras conocer los hechos decide poner todos sus conocimientos al servicio del rescate de los secuestrados y de su hermano.

El productor y director, Martin Campbell, comenzó su carrera en Londres  como cámara. Al cabo de un tiempo, produjo la comedia “Black Joy” (1977) de Anthony Simmons y la controvertida “Escoria” (1979) de Alan Clarke. Se inició en televisión como director, con las series “Los profesionales” (1978/80), “Shoestring” y “Minder”, ambas en (1980), “Bergerac” (1981), “Muck and Brass” (1982), “Reilly- As de espías” (1983); “Charlie” (1984), “Edge of Darkness” (1985), “Screen Two” (1986), “Homicidio” (1993), “10-8: Officers on Duty” (2003) y “Último destino” (2012). Los telefilmes “Hechizo letal” (1991), “Reckless” (2013) y  “Warriors” (2014). El cortometraje “My Name Is Arlein” (2008) y en el largometraje debutó con “Eskimo Nell” y “Three for All” ambas en (1975), para continuar con “Ley criminal” (1988), “Sin defensa” (1991), “Escape de Absolom” (1994), “Goldeneye” (1995), “La máscara del Zorro” (1998); “Límite vertical” (2000), “Amar peligrosamente” (2003), “La leyenda del Zorro” (2005), “Casino Royale” (2006), “Al límite” (2010), “Linterna verde” (2011), “El extranjero” (2017), “La protegida” (2021), “La memoria de un asesino” (2022), “Ángeles del desierto” (2024), la que llega ahora a nuestras pantallas “Cleaner: Rescate vertical” (2025) y para este año (2026) está a la espera de ser estrenada “Just Play Dead”.

El hecho de que este thriller de acción no conceda ni un segundo de respiro al espectador en sus 97 minutos de metraje, radica en lo que podríamos llamar una estructura triangular que converge a la perfección. El primer ángulo lo componen Joey Locke y su hermano Michael. Ella es una exmilitar que trabaja de limpiacristales en un gran edificio y él, un joven autista. Durante la narración conoceremos parte de su historia que a mi juicio resulta lo más interesante desde el lado humano: observar cómo ambos se complementan y respetan. El segundo punto es el corazón del edificio, donde se está organizando la gala anual de una empresa energética que guarda un demoledor secreto. Una fiesta interrumpida por un grupo bajo el nombre de “Revolución Planetaria”, activistas medioambientales cuyos conflictos internos complican la situación. El tercer punto se sitúa en el exterior, entre la policía especializada e investigadores que buscarán el modo de sacar a los retenidos con vida, sin destrozos mayores. Una crisis gestionada sin prisa pero sin pausa, donde cada minuto cuenta.

El plato fuerte de la película reside en mis dos elementos favoritos: La fotografía y la banda sonora. Una fotografía elegante y tensa en la mirada de Eigil Hansen quien captura la inmensidad del edificio: desde los amplios recibidores hasta el frío metal y el cristal casi irrompible de los ventanales. La imponente altura donde Joey pende de una góndola mecanizada provoca una desazón real, especialmente cuando la estructura pierde estabilidad. Sin olvidarnos de la cuidada iluminación que cobra protagonismo propio. Por su parte, la partitura de Tom Hodge, ofrece una banda sonora dramática y pulsante, como un reloj invisible que marca los latidos del edificio y de la propia protagonista.  Pulsaciones que traspasan la pantalla para unirse a las del espectador.

Finalizo con ellos, los seres de carne y hueso que sufren esta pesadilla: los actores. En un reparto con luces y sombras, destacan tres nombres: En primer lugar una aguerrida Daisy Ridley, que nos hace cómplices de sus emociones, miedos y frustraciones. El español Taz Skylar quien dota al perturbado Noah de una violencia extrema que parece correrle por sus venas. Matthew Tuck, encarnando al autista hermano de Joey; su interpretación nos lleva del deseo de abrazarlo a la rabia, hasta comprender la complejidad de su trastorno. Por último es imposible no lamentar que intérpretes de la talla de Ruth Gemmell y Clive Owen no cuenten con un mayor peso en la trama, dejándonos con ganas de más.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de marzo

REPARTO: Daisy Ridley, Taz Skylar, Clive Owen, Ray Fearon, Rufus Jones, Richard Hope, Stella Stocker, Matthew Tuck, Lee Boardman, Ruth Gemmell, Poppy Townsend, Robert Smith, Akie Kotabe, Rachel Kwok, Melissa Humler, Richa Prakash, Andreea Diac, Frances Katz, Jorge León Martinez, Rebecca Bellavia, Regina Seifert, Lorna Lowe, Karin Carlson, Rafael Piomolini, Cassandra Spiteri, Flavia Watson, Atanas Srebrey, Celine Abrahams, David Cheung, Simon Strutt, Ben Essex, Kalyn Harper, Colm Titus Day, Taylor Coombes y Daniel Joseph Woolf.

PRODUCTORA: ACE// Qwerty Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice 360

SCARLET: CRÍTICA DE CINE

 

SCARLET está escrita y dirigida por Mamoru Hosoda. “Un lamento shakesperiano en el inframundo de Hosoda”

Scarlet (Voz de Mana Ashida) es una princesa que vive en el reino junto a su padre Amlet (Voz Masachika Ichimura), rey de Dinamarca y su madre Gertrudis (Voz de Yuki Saito), una mujer envidiosa y despiadada que busca reinar junto a Claudio (Voz Koji Yakusho), hermano de Amlet. Claudio ordena apresar a Amlet y lo mata en presencia del pueblo y de su querida hija Scarlet. Scarlet busca venganza y en el intento resulta gravemente herida, cayendo al inframundo, en donde el espacio y el tiempo se confunden y del que ella tendrá que alejarse. En ese viaje conocerá a un joven de otro tiempo (nuestra actualidad), de profesión enfermero, Hijiri (Voz Masaki Okada), que la ayudará y permanecerá a su lado.

Mamoru Hosoda, estudió pintura al óleo en la Universidad de Arte y Diseño Industrial de Kanazawa. Trabajó como director de Staff del estudio Madhouse. En 2011 cofundó junto a Yuichiro Saito el Studio Chizu. Debutó en la televisión dirigiendo capítulos para series como “Gegege no Kitarô” (1997), “El secreto de Ako” (1998), “Digimon” (1999), “Digimon 02” (2000) y “Ojamajo Doremi” (2002/2003). En el cortometraje cuenta con “Dejimon Adobenchâ” y “Gegege no Kitarou: Kitarou no Yuurei Densha”  (1999), “Dejimon Adobenchâ Bokura no Wô Gêmu!” (2000), “Fushigi Sekai Atagoul Monogatari”, “Superflat Monogram” (2003); “Dejimon Adobenchâ 3D: Dejimon Guran Puri!” (2009) y en el largometraje debutó con “Digimon: La película” (2000) y continuó con “One Piece. El Barón Omatsuri y la Isla de los Secretos” (2005), “La chica que saltaba a través del tiempo” (2006), “Summer Wars” (2009), “Wolf Children (Los niños lobo)” (2012), “El niño y la bestia” (2015), “Mirai, mi hermana pequeña” (2018), “Belle” (2021) y este año nos ofrece “Scarlet”.

Toda una epopeya la que nos brinda Mamoru Hosoda. Como habréis podido deducir por la sinopsis, toma como base la obra inmortal del dramaturgo William Shakespeare, Hamlet, en donde el protagonismo recae en una princesa inteligente y valiente que busca vengar la muerte de su amado padre. Hosoda sumerge a Scarlet y al espectador en una narración oscura. Una espiral que juega con la realidad y la fantasía, el dolor, la rabia, la impotencia, la redención o los espacios tiempo que genera la mente mientras el cuerpo sana. Un inframundo en el cual Scarlet además de enfrentarse a sus enemigos físicos, también tendrá que combatir con los fantasmas propios que la acechan. Pero Mamoru no desprotege a su personaje,  lo arropa ofreciéndole una firme coraza, la de un salvavidas, un ser traído del presente, futuro para Scarlet, que también se debate entre la vida y la muerte, Hijiri, un enfermero del que iremos conociendo su historia a través de flashbacks dimensionales.

Scarlet es una obra muy potente destinada a los adultos, en donde el dolor, la desesperación, lo terrenal, incorpóreo, incomprensible, terrorífico e incluso la desolación; se diluyen en la esperanza, el refugio, la amistad y el amor verdadero. Dos tiempos, unidos por la fina línea que separa la vida de la muerte. El pasado de Scarlet en la Dinamarca sombría del siglo XVI en la cual, como retrató Shakespeare, la violencia, los celos, las envidias, la codicia o la venganza; acampaban a sus anchas, en antítesis directa con la luz que desprende el mundo que recuerda Hijiri, no exento también de esa violencia, como algo innato en el ser humano.

En esta dualidad visual y narrativa destaca el choque estético entre el diseño gótico del reino medieval en el que habita Scarlet, entre esas tramas y texturas densas y siniestras originadas por la pintura al óleo, frente a la limpieza digital y luminosa que proporcionan los flashbacks del presente de Hijiri, originando un fuerte impacto visual en el espectador. Este contraste no es solo estético, sino filosófico; de un lado lo mostrado a través de esa Dinamarca del siglo XVI en donde el poder radica en el acero y la traición, encarado con un presente en el cual la fuerza reside en la capacidad de entrega desinteresada, de cuidar y sanar, pues la obra va más allá de sanar el cuerpo, pues no debemos olvidar nuestro verdadero ser, el alma; algo que subraya el final y que remarca Taisei Iwasaki, con su soberbia y épica banda sonora.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de febrero.

REPARTO VOCES: Mana Ashida, Masaki Okada, Koji Yakusho, Kotaro Yoshida, Yutaka Matsushige, Kazuhiro Yamaji, Tokio Emoto, Munetaka Aoki, Shota Sometani, Yuki Saito, Masachika Ichimura, Kayoko Shiraishi y Noa  Shiroyama.

PRODUCTORAS: Studio Chizu// NTV// Sony Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España. 

LAS GUERRERAS K-POP (CRÍTICA DE CINE)

 

Las guerreras K-Pop, está dirigida por Chris Appelhans y Maggie Kang, compartiendo guion con Danya Jimenez y Hannah McMechan. “Entre el musical y el videoclip: El alma sonora y el corazón guerrero de Las guerreras K-Pop”.

El mundo os conocerá como estrellas de Pop, pero seréis mucho más que eso, seréis cazadoras. Los demonios siempre habían asolado nuestro mundo, nos robaban el alma y canalizaban su fuerza hacia el Rey Demonio llamado Gwi-Ma (Voz Carlos Vázquez Díaz), hasta que surgieron unas heroínas en nuestra defensa, nacidas con voces capaces de combatir la oscuridad, que entonaban canciones de valor y esperanza. Pero las cazadoras son algo más que guerreras, su música aviva el alma y une a las personas. Ellas fueron quienes crearon una barrera que denominaron Honmoon, para exiliar a los demonios del mundo humano. ¿Lo dejamos aquí? Sí, será mejor.

Cada generación elige un nuevo trío de cazadoras, para que cumplan nuestro crucial cometido. La actual generación de cazadoras está compuesta por Rumi (Voz de Neri Hualde/Voz cantada en inglés por Ejae), Mira (Voz de Lourdes Montes/ Voz  cantada en inglés por Audrey Nuna) y Zoey (Voz de Claudia Caneda/ Voz cantada en inglés por Rei Ami). Ellas lideran las listas de popularidad y ventas en Corea del Sur. Con estas palabras Celine (Isabel Lago), explica a las tres jóvenes que ellas son las destinadas a crear el Honmoon dorado.

El ilustrador, guionista, diseñador de producción y director, Chris Appelhans, realizó sus estudios en el Art Center College of Design, en Pasadena (California). Sus inicios estuvieron relacionados como artista de concepto y diseñador de personajes. Debutó como guionista y director con “Wish Dragon (El dragón de los deseos) (2021) y este año junto a Maggie Kang, nos ofrece “Las guerreras K-pop” (2025) de la mano de Netflix. Por su parte la artista de storyboard, guionista y directora, Maggie Kang, estudió en el Sheridan College. Ha trabajado durante más de una década en DreamWorks Animation y ahora con Sony Pictures Animation debuta junto a Appelhans, con “las guerreras K-pop” 2025.

Si alguien me pregunta si me gustó, le diré que sí, aunque la historia posee un tono muy juvenil con mensajes potentes sobre la identidad, los complejos, la importancia de ser uno mismo, sin artificios; causa de muchos de los traumas en los adolescentes. Y es aquí donde lanzaría tres preguntas que me contesto a mí mismo para que lo entendáis. ¿Es disfrutable para un público amante de la animación manga? Un rotundo Sí. ¿Está orientada hacia los fans del Género K-Pop (Pop Coreano) y a un público principalmente adolescente? Sin ninguna duda y la tercera y no por ello menos importante ¿Es recomendable para los amantes de la animación en general? Absolutamente sí.

Lo más curioso de todo, para ir abriendo boca, es que no es una producción Surcoreana como se podría pensar, sino norteamericana; pero cosas más raras se han visto en la industria del cine. Lo que me ha quedado en duda es si  estamos ante un musical que toma como premisa una historia sobre el bien (The Huntrix) y el mal (The Saja Boys) o una sucesión de videoclips, que para el caso es muy similar, eso sí, hilvanada con mano experta y sin fisuras, donde se incluyen elementos mitológicos orientales como el gran tigre, la urraca o los demonios a los que se tienen que enfrentar.

Es indiscutible quien está tras esta producción, pues Sony Pictures Animation es el estudio de la magnífica saga de “Spider-Man: Into the spider-Verse”, que ya nos tiene acostumbrados a una animación frenética, de gran calidad, con una gran riqueza de planos y paletas de colores espectaculares. En esta ocasión destacan las tonalidades pastel, tan propias del anime y los fluorescentes que nos traen recuerdos de la iluminación y efectos de los conciertos en vivo, junto a las nieblas, los destellos de los móviles, los tonos azules cian (representación del bien) frente a los magentas eléctricos (encarnando el infierno en el que habita Gwi-Ma) y volviendo a los blancos fluorescentes de las armas de las cazadoras, que rememoran las espadas láser de Star Wars. Una animación de altos vuelos.

Toda esta pirotecnia visual, pues hasta fuegos artificiales estallarán en el  cielo, se apoya en una extraordinaria banda sonora y es que si tomamos los mensajes que contiene el guion como el corazón de la función, será la música el  alma de la obra y vuelvo al principio, no sé si he visto un gran musical animado o una sucesión de videoclips, pero cada tema resulta impactante, atrapa y seduce en las voces de Ejae, Audrey Nuna y Rei Ami, destacando el tema que ya ha sido premiado “Golden” tremendamente pegadizo.

“Nuestros defectos y miedos deben de ser invisibles, es la única forma de proteger el Honmoon”

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de septiembre 2025

MUSICA: Marcelo Zarvos con las canciones de Mark Sonnenblick, EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami.

PRODUCTORAS: Sony Pictures Animation

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix

MÁS QUE RIVALES: CRÍTICA DE SERIE

 

Más que rivales es una serie creada, escrita y dirigida por Jacob Tierney, basándose en la novela de Rachel Reid. “El fenómeno viral que rompe tabúes”

Shane Hollander (Hudson Williams) jugador de los Montreal Metros  e Ilya Rozanov (Connor Storrie) el capitán de los Boston Raiders, son dos estrellas y rivales de la liga de hockey sobre hielo de NHL (National Hockey League), pero cuando dejan la pista de hielo la rivalidad se convierte en complicidad, amistad, deseo y una fuerte atracción sexual. Cuerpos jóvenes que se atraen como imanes en una historia que nació cuando eran novatos y que perdura en el presente, manteniendo su amor tras las puertas de sus casas o en las habitaciones de los hoteles donde se alojan, durante los encuentros.

Jacob Tierney estudió en la Royal West Academy, y además de sus trabajos como guionista, productor ejecutivo y actor, ha dirigido para el cine “Twist” (2003) y “The Trotsky” (2009) y para televisión episodios para “The Moodys” 2021, “Shoresy” (2022) y “Algo más que rivales” 2025.

Aunque sé que la gran mayoría ya lo sabéis, menciono esto para contextualizar a quienes no lo sepan. “Heated Rivalry”, título original de la serie, está basada en una novela de Rachel Reid, en concreto en el segundo libro de su saga “Game Changers” y como he podido leer, en esta primera temporada se han integrado elementos del primer libro, que narra el romance entre Scott Hunter y Kip Grady, que en la serie pasan a ser personajes secundarios recurrentes. Para finalizar este apartado, comentaros que aquellos que tengáis pensado verla o la hayáis visto, la segunda temporada ya tiene luz verde y no es de extrañar, pues la serie se ha convertido en un fenómeno viral. Se espera que los nuevos episodios lleguen en la primavera de 2027.

Lo primero que me ha llamado la atención tras ver los capítulos, es pensar lo bien que ha sido recibida por un público tan diverso, pues la historia se centra en dos jóvenes deportistas masculinos que se aman, con escenas más o menos explícitas. Quizás el motivo esté en la complicidad entre los dos actores. Naturalidad, honestidad y sencillez, sin tapujos, sin nada que esconder, porque nada hay que esconder cuando el amor es sincero.

Cada escena está diseñada al milímetro contando con lecturas interesantes que nos hablan de las diferencias entre las familias de Hollander y de Rozanov, los miedos ante los sentimientos encontrados, desconocidos y prohibidos; los fantasmas del pasado, el dolor ante el amor  o la frustración ante el deseo. Hollander sabe que su compañero arrastra una pesada coraza, demasiado oscura y que no quiere compartir con él, porque Rozanov lo ama demasiado.

Nos encontramos con escenas realmente impresionantes entre miradas, provocaciones juguetonas y conversaciones profundas. Hay una escena en particular que no se me olvidará: Hollander sabe que algo le está pasando a su amigo y le comenta que si tiene algo que decirle, que lo haga en ruso. Hollander no sabe ruso pero presiente que es la única manera en que Rozanov suelte la presión que le está bloqueando. Esa escena, no solo da un giro a la relación que tienen, sino que nos muestra el poder del amor y de la entrega. El escuchar aunque no entendamos, el socorrer en silencio, sin que el otro sea consciente de ello. Sin duda, es la mejor escena de ese capítulo y la corona de la serie; pero existen grandes momentos, que harán latir el corazón no solo de los personajes, sino también de los espectadores. Es una de esas series que irradia magnetismo y vida propia, con una fuerte energía positiva y valores muy importantes que van ganando su particular espacio, como lo hacen los jugadores en el rink de hockey.

Más que rivales cuenta con importantes interpretaciones además de los dos protagonistas principales, la producción goza de una sensitiva fotografía de Jackson Paarrell que juega un papel muy importante entre elegantes planos y con un uso impecable del color. Tonos fríos sobre una iluminación natural acentúan la violencia del deporte y el distanciamiento de los protagonistas en esa rivalidad de equipo sobre el hielo; mientras que en la intimidad, la cámara parece disfrutar de cada encuentro aportando calidez y romanticismo y una paleta de color más vital. Y hablando de vital, no puede faltar la banda sonora de Peter Peter, con una partitura que habla cuando las palabras callan, los cuerpos se unen, la naturaleza les rodea y la vida les muestra camino entre pesares y alegrías. Ese latido invisible que se une tantas veces al de Ilya y Shane.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de febrero.

REPARTO: Hudson Williams, Connor Storrie, François Arnaud, Robbie G.K., Dylan Walsh, Christina Chang, Sophie Nélisse, Franco Lo Presti, Callan Potter, Ksenia Daniela Kharlamova, Slavic Rogozine, Vitali Makarov, Kaden Connors, Harrison Browne, Yaroslav Poverlo, Andre Reiter, Connor Mckenna, Kamilla Kowal, Jay Farrar, Kolton Stewart, Matt Gordon, Nadine Bhabha, Trevor Hayes, Bianca Nugara, Matthew Finlan, Devante Senior, Ivan Swan, Larry Day, Caroline Brassard, Jacob Tierney, Audrey Wellington, Sabrina Grdevich, Jessica Greco, Wayne Ward, Brian Cook, Jonathan Dubsky, Shawn Gordon Fraser, Chris Tarpos y Miss Niki Nikita.

PRODUCTORAS: Crave// Accent Aigu Entertainment// Canada Media Fund// Bell Media// Bell Broadcast and New Media Fund.

EMITIDA EN ESPAÑA: HBO Max y Movistar Plus+

LA MALDICIÓN DE SHELBY OAKS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Bélgica, La maldición de Shelby Oaks, está escrita y dirigida por Chris Stuckmann.

En 2008 desaparecen los integrantes del programa Paranormal Paranoids que se emitía por YouTube. El público piensa que es una estafa y que todo ha sido un engaño pero los padres de los cuatro chicos piden que la gente se lo tome en serio.

Mia Brennan – Walker (Camille Sullivan) nos muestra las fotos de su hermana Riley Brennan (Sarah Durn) y comenta a quien la está entrevistando que lleva 12 años buscándola. Nos hace un recorrido por la vida de Riley desde su niñez, inquietudes, su amor por el arte de la interpretación hasta llegar a conocer a Peter Bailey (Anthony Baldasare), Laura Tucker (Caisey Cole) y David Reynolds (Eric Francis Malaragni), los componentes del programa Paranormal Paranoids, para YouTube. En un momento hacen un alto y llaman a la puerta, abre y… Termina el largo prólogo, pero el hallazgo de una cinta de vídeo, hará que Mia se interese por lo que sucedió.

El cineasta, crítico de cine y Youtuber, Chris Stuckmann, es miembro de la Broadcast Film Critics Association y ha publicado dos libros: “The Film Buff´s Bucket List: The 50 Movies of the 2000s to See Before You Die” y “Anime Impact: The Movies and Shows that Changed the World” En television cuenta con Capítulos para las series Webs “My Filmmaking Journey” (2019), “Chris Stuckmann Hilariocity Reviews” (2014/2020),  “Chris Stuckmann Quick Movie Reviews” (2018/2022), Serie Podcast “Pre-Production with Chris Stuckmann (2023), “Chris Stuckmann Movie Reviews” (2011/2023). El especial de television “Stuckmann´s 1st Annual Halloween Special” (2013). Los cortometrajes “Julia” (2013), “Drinking Game” (2015), “The Stuckmann Identity” (2016), “Auditorium 6” (2017),  “Notes from Melanie” (2019), y en el largometraje debuta con “Phenomenon Field” (2003), “The Woods” (2005) y este año nos ofrece “La maldición de Shelby Oaks” 2025.

Para empezar, resulta imposible no hallar semejanzas entre La maldición de Shelby Oaks y El proyecto de la Bruja de Blair. Sin embargo, la obra de Stuckmann disfruta de mayor calidad técnica y un enfoque más abierto y ambicioso, al integrar el material encontrado con la entrevista realizada a la hermana de Riley y ese aire a documental ficcionado, en busca de la verdad, no por parte de la policía, sino por un ciudadano normal y corriente, como es la hermana de Riley. Pero el director y guionista no se queda en esos detalles, pues son muchas las referencias y homenajes, que hace de otras obras de terror sobradamente conocidas.

Aunque el debut de Chris en el largometraje es prometedor, la obra comienza a hacer aguas muy pronto, perdiendo fuelle definitivamente tras los primeros tres cuartos de hora. Y es que, en muchas ocasiones, algunos directores creen que los efectos visuales y sonoros son suficientes para provocar tensión y terror, descuidando así el guion. Craso error, pues como ya he comentado otras veces, las lagunas terminan por ahogar la historia, diluyendo parte del interés a medida que transcurre el metraje, como sucede en esta ocasión. Nunca viene mal realizar una segunda lectura a un guion, sin prisas, para pulir el resultado y si el metraje tiene que ser inferior, no tener ningún problema, porque así sea.

Si bien la maldición de Shelby Oaks cuenta con un nutrido grupo de secundarios como Robert, el marido de Mia, interpretado por Brendan Sexton III, los ya mencionados en la sinopsis o Charlie Talbert, ese desconocido que llama en un momento determinado a la puerta y que aportará una pista muy importante; sobre quien recae todo el peso de la obra es, sin la menor duda, Camille Sullivan. Ella da vida a una hermana coraje que no descansará hasta encontrar a Riley, viva o muerta. ¿Quién dijo miedo cuando existe el amor verdadero? Camille nos ofrece todos los estados emocionales de los que una persona es capaz de expresar. La seguimos en ese viacrucis de terror, con el corazón tan encogido como lo tiene ella.

No os quiero desvelar nada más, salvo que Stuckmann busca convertir el objetivo de la cámara en los ojos del espectador. Es Andrew Scott Baird quien, mediante una fotografía oscura y tenebrosa, en distintos formatos de pantalla (aunque a veces abuse de dicha oscuridad) decide qué mostrar u ocultar. Esto sumado a la desconcertante banda sonora de James Burkholder y The Newton Brothers, logra la atmósfera que el filme requiere. Cabe destacar también el gran trabajo de los montadores: Brett W. Bachman y Patrick Lawrence.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de febrero

REPARTO: Camille Sullivan, Brenna Sherman, Brendan Sexton III, Michael Beach, Sarah Durn, Sloane Burkett, Robin Bartlett, Keith David, Eric Francis Melaragni, Anthony Baldasare, Caisey Cole, Charlie Talbert, Emily Bennett, Rob Grant, Lauren Ashley Berry, Derek Mears, Phuong Kubacki, Sarah Voigt, Rick Montgomery Jr., Rober Conners, Sam Liz, Jon Michael Simpson, David Greathouse y Mason Heidger.

PRODUCTORA: Paper Street Pictures// Intrepid Pictures// Title Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DeaPlaneta.

EL AGENTE SECRETO: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Brasil, Francia, Alemania y Países Bajos (Holanda), El agente secreto, está escrita y dirigida por Kleber Mendonça Filho.

Brasil 1977, bajo el gobierno de Ernesto Geisel. Marcelo (Wagner Moura) llega a una gasolinera en su Escarabajo amarillo. Sorprendido al ver a un hombre tendido en el suelo y tapado con un cartón, pregunta al encargado y este le dice que era un ladrón que les intentó robar y que su jefe lo mató; le cuenta que lleva en ese lugar tendido desde el domingo, pero como es carnaval, no han venido a buscarlo.

Cuando Marcelo está a punto de irse, tras llenar el depósito con el dinero que le quedaba, aparece un coche policía que le interroga e incluso se mete en el interior del vehículo, para inspeccionarlo. Uno de los policías le insinúa que le dé dinero, pero Marcelo le explica que solo tenía para llenar el depósito y para evitar algún tipo de represalia, le entrega lo que tiene: un paquete de cigarrillos casi terminado.

Al llegar a Recife, su destino, Marcelo se aloja en la pensión de Doña Sebastiana (Tânia Maria) y visita a su hijo Fernando (Enzo Nunes) que está al cuidado de sus abuelos. El abuelo (Carlos Francisco) es proyeccionista del Cinema São Luiz. Marcelo consigue entrar a trabajar en el Instituto de Identificación bajo el nombre de Armando, con la intención de encontrar entre los archivos, información sobre su madre, pero pronto se verá involucrado en la burocracia.

El programador cinematográfico, crítico, productor, guionista y director, Kleber Mendonça Filho, estudió y se graduó en periodismo, en la Universidad Federal de Pernambuco (UFPE). Durante unos años ejerció de crítico cinematográfico y programador. Debutó en el cine con los cortometrajes: “De Viaje” (1991), “El hombre de la proyección” y “Casa de la imagen” ambas en (1992), “Paz a esta casa” (1994), “Basura en los canales” (1995), “Enjaulado” (1997), “La chica del algodón” (2002), “Vinilo verde” (2004), “Electrodoméstico” (2005), “Viernes por la noche Sábado por la mañana” y  “Juego sin recogepelotas” en (2007), “Recife frío” (2009), “Luz industrial mágica” (2010). En el largometraje de ficción debutó con  “Sonidos de barrio” (2012), “Doña Clara” (2016), “Bacurau” 2019 y este año nos presenta “El agente secreto” (2025). También cuenta con los documentales “Crítico” 2008, “Bacurau en el mapa” (2019) y “Retratos de fantasmas” (2023), además de las series “El Mundial en Recife” (2015) y “Las películas ya empiezan en la acera” (2019).

Kleber divide su obra en tres partes, bajo los títulos de: “La pesadilla del niño”, “Registro civil” y “Transfusión de sangre”, para ofrecernos su visión personal y crítica sobre la represión de la dictadura militar brasileña, en donde nadie estaba libre de ser vigilado por las fuerzas del régimen, acosado o apresado, si así lo consideraban. ¿Con pruebas? ¿Cuándo un dictador precisa de pruebas? Un filme, que desde el inicio, muestra esa tensión política que hiela la sangre y corta la respiración.

Una película atmosférica y sobrecogedora con potentes interpretaciones que van dando cuerpo a un relato impactante y realista; lo que ha originado que la crítica se haya volcado con ella, viéndose favorecida por un buen número de premios internacionales como los más recientes Globos de Oro a mejor película internacional y el de actor dramático para Wagner Moura, o las cuatro nominaciones a los Oscar, a mejor película, película internacional,  actor principal y dirección de casting.

Si echamos una mirada rápida a los ganadores de los últimos años, nos hace sospechar que al menos se llevará el Oscar a mejor película internacional, pues hasta la fecha, la película que recibe ambas nominaciones (mejor película y película internacional o de habla no inglesa) se lleva uno o los dos, como sucedió con  “Parásitos”. Sí, lo sé, la noruega “Valor Sentimental”, también está en ambas categorías y tiene muchas papeletas. Simplemente es una reflexión y aunque España también pugne con Sirât, reconozco que este agente secreto me ha conquistado, por muchas razones, desde una puesta en escena impecable y un tanto teatralizada pasando por el extraordinario elenco actoral y sus intachables interpretaciones, que le han valido esa nominación a mejor casting, pues cada uno de los actores y actrices que desfilan por delante de la gran pantalla, dotan a sus personajes de sencillez y veracidad, lo que resulta altamente gratificante.

Una obra que nos habla de la memoria, en aquella década de los 70 del siglo pasado recogida en cintas de casete donde se reseñan los devastadores efectos de la dictadura, la opresión del pueblo, los asesinatos, los miedos, los abusos de autoridad o la sumisión ante los protegidos y elegidos por el régimen totalitario. Contiene metáforas claras como el tiburón o la pierna cortada y conversaciones que estremecen, en el interior de habitaciones de hoteles o en los puestos de trabajo. Un filme duro que se apoya en una asfixiante fotografía en la mirada de Evgenia Alexandrova, con un brillante uso del color y la iluminación, retratando un tiempo pasado pero cuyas secuelas siguen latentes en la actualidad.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de febrero.

REPARTO: Wagner Moura, Gabriel Leone, Udo Kier, Maria Fernanda Cândido, Hermila Guedes, Thomas Aquino, Isabél Zuaa, Alice Carvalho, Suzy Lopes, Rubens Santos, João Vitor Silva, Buda Lira, Roney Villela, Luciano Chirolli, Igor de Araujo, Laura Lufési, Geane Albuquerque, Tânia Maria,  Jimmy Astley, Robério Diógenes e Italo Martins Santos.

PRODUCTORA: CinemaScópio Produções// Itapoan, MK2 Films// Lemming Film// ONE TWO Films// arte France Cinéma.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: La Aventura Audiovisual y Elástica.

BALANDRAU VIENTO SALVAJE: CRÍTICA DE CINE

Balandrau, viento salvaje está dirigida por Fernando Trullols con guion de Danielle Schleif.

Cinco amigos: Josep María Vilà (Álvaro Cervantes) y su novia Mónica (Bruna Cusí), Peo (Pep Ambrós) y su mujer Elena Fernández (Anna Moliner) y Oriol Fernández (Eduardo Lloveras) hermano de Elena, decidieron realizar el ascenso al Balandrau el 30 de diciembre del 2000. El sol les acompañó durante toda la jornada, pero en el mismo instante en que decidieron comenzar el descenso, el tiempo cambió de repente. Un viento salvaje conocido como “Torb”, desencadenó la peor tormenta de la historia de los Pirineos, atrapando a los cinco montañeros y a otros que se encontraban en otra de las rutas.

Fernando Trullols se licenció en Comunicación Audiovisual en la Universitat Pompeu Fabra, en la especialidad de Dirección y Guion de Cine. Trabajó como ayudante de dirección y en numerosos anuncios. Su debut como director llegó con el cortometraje “El barco pirata” (2011) y continuó con “Marcianos de Marte” (2016), capítulos para la serie “Hache” (2019), las miniseries “Cucut”  y “Bosé” (2022), la serie “La Academia” (2024) y este año debuta en el largometraje con “Balandrau, viento salvaje” (2026).

Trullols logra lo más complicado: mantenernos en tensión aun conociendo de antemano los hechos que conmovieron al país en la montaña Balandrau, situada en el Pirineo Oriental de la comarca de Ripollès, el 30 de diciembre del 2000. Acompañado por el director de fotografía Miquel Prohens, nos muestra en las primeras imágenes la belleza de los picos nevados. Desde ese instante tan bucólico hasta la conclusión del filme, nos somete a un ejercicio impactante en el que nos roba el aliento y despierta todo tipo de sentimientos y emociones. Es un filme triste por el que transcurren el dolor, la resignación, la esperanza y la más punzante frustración. Alcanza a encogernos el corazón y no soltarlo hasta llegados los títulos de crédito, momento idóneo para recomponernos. Solo puedo deciros que salí con muy mal cuerpo; pues el drama me alcanzó como una ventisca fría y dolorosa.

Este demoledor thriller, con aroma a documental, ha sido rodado en los escenarios naturales del Pirineo Catalán (Vall de Boí - Lleida) y Camprodon (Girona), además de las estaciones de esquí de Boí  Taüll y Port Ainé (ambas en Lleida) y Vallter 2000 (Girona). Para dar aún mayor veracidad al guion de Danielle Schleif, ha contado con la colaboración de los Bomberos de la Generalitat de Catalunya y expertos en rescates. Este despliegue no está exhibido al azar, pues cada elemento se percibe como una experiencia inmersiva, a lo que ayudan la desgarradora banda sonora de Arnau Bataller, la fotografía de Miquel Prohens, ya mencionada, quien capta todo el horror que se vivió y por ende las extraordinarias interpretaciones de Álvaro Cervantes y Bruna Cusí, quienes llevan el mayor peso dramático; Anna Moliner, Pep Ambrós y Eduardo Lloveras, como principales figuras, aunque hasta el actor más secundario, ofrece el dramatismo preciso.

Resumiendo, Fernando Trullols debuta con un thriller demoledor que transforma la tragedia real del Balandrau en una experiencia inmersiva e inolvidable. Os aseguro que estoy ante una de esas reseñas que cuesta escribir, porque algo se revuelve en el interior cuando pienso en ella. Os la recomiendo.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de febrero.

REPARTO: Álvaro Cervantes, Bruna Cusí, Marc Martínez, Eduardo Lloveras, Àgata Roca, Anna Moliner, Pep Ambròs, Francesc Garrido, Jan Buxaderas, Corentin Lobet, Rai Borrell, Rubén de Eguia, Adrián de Núñez, Carles Gilabert, Nia Tosas y Eric Seijo.

PRODUCTORA: Lastor Media// Vilaüt Films// Goroka TV// Balandrau Films// 3Cat// Filmin.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax.

COMO CABRAS: CRÍTICA DE CINE

 

Como Cabras está dirigida por Tyree Dillihay y Adam Rosette con guion de Aaron Buchsbaum y Teddy Riley. Su premisa es clara “Hay que soñar a lo grande”

Will (Voz de Caleb McLaughlin) es una joven cabra que asiste con su madre a su primer partido de Rugebol y queda deslumbrado con la pantera negra y estrella de su equipo favorito, Jett Fillmore (Voz de Gabrielle Union) prometiéndose que algún día llegará a ser como ella. Pasados 10 años Will trabaja como repartidor de comida y en su tiempo libre entrena en la cancha del barrio. Un día llega uno de los profesionales del otro equipo, Mane Attraction (Voz de Aaron Pierre) y reta a los que están en la cancha; Will se atreve y demuestra su destreza hasta el punto de ser contratado por el equipo local. En un principio no cae muy bien, sobre todo a su estrella Jett Fillmore, por su pequeña estatura. ¿Qué hará Will para ser aceptado en el equipo?

El director de animación Tyree Dillihay, se graduó con una licenciatura en inglés de la Universidad Estatal de California. Debutó con el video “Golden Grinders” 2009. Ha dirigido capítulos de las series: “La pandilla de La Pantera Rosa” 2010, “Good Vibes” y “Allen Gregory” ambas en 2011, “Da Jammies” 2015, “Bob´s Burgers” 2012/2019,  “Good  Times” 2024, “Weather Hungers” 2025 y este año nos presenta su debut en la largometraje con  “Como cabras” 2026 junto a Adam Rosette, quien estudió en la School  of Visual Arts de Nueva York, donde obtuvo su BFA en Animación. Ha trabajado como artista de storyboard y jefe de historia. Se incorporó a Sony Pictures Animation en 2023. En la dirección cuenta con capítulos de la serie “Harvey Girls Forever!” 2019/2020 y este año también debuta en la dirección con “Como cabras” 2026.

Las primeras palabras que se me ocurrieron al salir de la sala, además de extraordinaria, fue que estábamos ante una animación que respira, que exuda lágrimas, que se siente viva y que emociona con la energía que emanan los personajes. En definitiva, brillante en cada viñeta animada; “Como cabras” te atrapa con su magnetismo. 100 minutos vibrantes, como creo que jamás se han visto en un filme animado y, como aficionado al baloncesto, muy bien recreadas las jugadas, aunque se tomen las licencias de este deporte mixto, el  Rugebol. Dicho esto, así de golpe, continuemos y para ello, vayamos con la alineación.

Por la cancha y el estadio veremos desfilar un buen número de animales: desde la joven cabra Will, que luchará por su sueño de ser un jugador más del equipo Vineland Thorns, hasta la gran estrella, la pantera negra Jett, que siente peligrar su liderazgo. Por el camino nos iremos encontrando con Lenny (Voz de Steph Curry), una jirafa rapera a la que le encanta cantar; Modo (Voz de Nick Kroll), el dragón de Komodo hiperactivo; Archie (Voz de David Harbour), un rinoceronte y padre de dos encantadoras gemelas que van con él a todas partes, y la acomplejada y tímida avestruz, Olivia (Voz de Nicola Coughlan). Todos ellos bajo las órdenes de Dennis (Voz de Patton Oswalt), un mono narigudo. Entre los rivales más agresivos destaca el caballo andaluz Mane, bravucón y fanfarrón, junto al oso Grizz (Voz de Jelly Roll), el búfalo Rosette (Voz de Dwyane Wade), el gorila Daskas (Voz de Kevin Love), el oso polar Propp (Voz de Angel Reese) o Kouyate (Voz de A`ja Wilson), un caimán americano. Cerrando este repertorio, no quiero olvidarme del árbitro, la cebra Iggy, y los divertidos comentaristas Rusty el murciélago (Voz de Bobby Lee) y Chuck el buey almizclero (Voz de Andrew Santino). Otros personajes que meterán ruido dentro y fuera de la cancha son Daryl (Voz de Eduardo Franco) el capibara, con su numerosa familia o la amiga de Will, una aardwolf de nombre Hannah (Sherry Cola). El diseño de personajes, es impecable.

Uno de los  mensajes de la película, el primero que nos asalta, es que los sueños se pueden cumplir, da igual como seas, si tienes un objetivo claro y unos ideales por los que luchar, es muy probable que lo logres si no desfalleces en el camino. Ese es Will, la cabra que quiere jugar en un equipo profesional de grandullones en donde el juego no está exento de violencia; pero eso no le importa, él quiere jugar, sentir como vibra el estadio e incluso escuchar su nombre. Will rebosa energía y sin saberlo, logra algo más importante, transmitirla y fomentar valores como la unidad, la inclusión, la amistad, el coraje, la igualdad de género, el enfrentarse a lo que nos frena en la vida como los complejos o los miedos y con ello, alcanzar el crecimiento personal.

Como cabras nos hace sentir que viajamos en una gran montaña rusa de emociones, despertando nuestra energía vital. Nos acelera el corazón, nos emocionamos, reímos y hasta empatizamos con unos seres que despejan nuestra mente de los problemas, gracias a un guion que no da tregua, a los diálogos que se suceden sin dar pie a respirar y a un ritmo frenético que mantiene al espectador con los ojos pegados a la pantalla, para no perderse ningún detalle de la brillante animación que se despliega en la gran pantalla. Una animación tan viva, que nos rendimos a sus personajes.

Y para acompañar este gran espectáculo, no podía faltar una espectacular banda sonara, que en esta ocasión recae en la partitura de Kris Bowers coronada con ritmos de hip-hop y pop a través de temas como “Mention Me” de CORTIS, “Afro” de Lil Naay o la emotiva versión de Bryant Barnes “Don`t Dream It`s Over”, entre otros artistas como Jon Bellion, Ayra, Starr y Kole.

Resumiendo, Como cabras, es una perfecta sinfonía de energía, color, música y emociones que no cesan hasta llegar al final, elevando la animación y el deporte a cotas inimaginables. Muy recomendable y disfrutable.

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO VOCES: Caleb McLaughlin, Gabrielle Union, Aaron Pierre, Stephen Curry, Nicola Coughlan, David Harbour, Rachna Vasavada, Nick Kroll, Dwyane Wade, Andre Iguodala, Angel Reese y Eduardo Franco.

PRODUCTORAS: Modern Magic// Soy Pictures Animation// Unanimous Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Spain.

RUTA DE ESCAPE: CRITICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, Ruta de escape, está dirigida por Bart Layton quien comparte guion con Peter Straughan. “Para empezar dame tu móvil”

La trama, entre un buen número de personajes, se centra principalmente en cuatro de ellos, Mike Davis (Chris Hemsworth), quien lleva de cabeza a la policía y en particular al teniente Lubesnik (Mark Ruffalo), con sus atracos huyendo por la autopista 101; la obsesión de Lubesnik por atraparlo, resulta enfermiza. Sharon (Halle Berry), una prestigiosa y bella agente de seguros, que trabaja incansablemente para conseguir el ascenso que lleva persiguiendo años y al no lograrlo, decide vengarse. Entre David y Sharon surge una intensa atracción sexual, que tendrán que compaginar con sus trabajos. Para finalizar este cuarteto, no puede faltar el malo de la función, el asesino a sueldo que recae en Ormon interpretado por Barry Keoghan. Todo está preparado para disfrutar. ¿Te lo vas a perder?

El guionista y director, Bart Layton, Se inició en el documental, primero en televisión con un capítulo en la serie “The Trouble with Black Men” 2004, continuando con los telefilmes documentales “Becoming Alexander” 2005 junto a Paul Sapin, “Banged Up Abroad” junto Alexandra Lacey y Phil Lott y “16 for a Day” junto a Corinna Faith y Phil Lott; además de 1 capítulo para la serie “Encarcelados en el extranjero”, todas en 2007. En el largometraje debutó con el documental “El impostor” 2012, el thriller “American Animals” 2018 y este año llega con “Ruta de escape” 2026.

Ruta de escape se despliega ante el espectador como un thriller sofisticado que sigue al ladrón de guante blanco Davis, quien nunca ha disparado un arma y no le va la violencia. Él prefiere otros métodos más refinados para obtener lo deseado. Proyecta sobre las personas una imagen de hombre tranquilo, con mucho misterio y un grado de introversión. Quien mejor para encarnarlo que Chris Hemsworth, quien nos ofrece su innato carisma y esa mirada entre seductora, plácida y franca. Deja atrás la capa y el martillo de Thor para enfundarse en un elegante traje, despertando la complicidad en el espectador, quien sin dudarlo seguirá con cierta intriga cada uno de sus movimientos y junto a él, la bellísima Halle Berry, dando vida a la agente de seguros Sharon. El tándem en pantalla resulta perfecto. Además de ellos dos, la obra cuenta con un importante elenco actoral por el que desfilan importantes figuras.

El filme, además de la trama principal, cuenta con pequeñas subtramas que dejan ver con cierta sutileza el día a día de sus personajes, los conflictos con los jefes emanando frustración y rabia, al no ver reconocido el esfuerzo personal; los miedos que frenan algunas decisiones, la soledad que persigue como sombra invisible, el pensar en el retiro junto a la persona amada, el pesar ante la búsqueda del calor humano o el disfrute de una conversación íntima, durante una velada entre instantes imperceptibles e íntimos, tan beneficiosos para el alma, sin olvidar las rivalidades.

Ruta de escape, es mucho más que un thriller de acción y de robos, es una balada triste, una verdadera ruta de escape de emociones y sentimientos que el director va desvelando con un ritmo pausado, en ocasiones excesivamente lento que raya el tedio, entre imágenes brillantes, luminosas y evocadoras; captadas con delicadeza por el director de fotografía Erik Wilson y cuyas instantáneas bien parecen bailar al son de una danza melancólica, con la banda sonora de Blanck Mass.

Resumiendo, la narración, además de contar con escenas de acción trepidantes, rodadas con pulso firme; destaca por ese lado anímico que los guionistas y el director le han otorgado, convirtiéndola en una película con un atractivo singular, en donde se juega a ser equilibristas de una vida en la que buscan mantener controladas las emociones, tanto físicas como mentales; quizás en un deseo de no caer en el abismo del olvido o la desesperación. Estamos sin duda, ante un extraño ejercicio para una clásica película de atracos y acción.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO: Chris Hemsworth, Halle Berry, Mark Ruffalo, Barry Keoghan, Jennifer Jason Leigh, Nick Nolte, Tate Donovan, Babak Tafti, Peyman Moaadi, Deborah Hedwall, Devon Bostick, Paul Adelstein, Drew Powell, Monica Barbaro, Corey Hawkins, Matthew Del Negro y Neil Wachs.

PRODUCTORA: Working Title// Story Factory// Raw Entertainment// Amazon MGM Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Entertainmet Iberia. 

CUMBRES BORRASCOSAS: CRITICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, “Cumbres Borrascosas”, está guionizada y dirigida por Emerald Fennell. “El verdadero amor nunca arde en el infierno”

Catherine Earnshaw (Charlotte Mellington/ Margot Robbie) vive  en Cumbres Borrascosas con su padre viudo (Martin Clunes), la joven adoptada Nelly Dean (Vy Nguyen/ Hong Chau) y el huérfano al que recoge su padre y llamará Heathcliff (Owen Cooper/ Jacob Elordi). Desde el primer día entre Catherine y Heathcliff se crea  un fuerte  vínculo que al crecer, se transformará en amor. Por otro lado en el silencio de la gran mansión, las envidias y celos, cegarán a Nelly.

Catherine se entera de que están arruinados y siente la obligación de casarse con Edgar Linton (Shazad Latif), un apuesto millonario que se ha instalado junto a su hermana Isabella Linton (Alison Oliver), en la Granja de los Tordos. Se desahoga con Nelly, pues su amor por Heathcliff es mucho más fuerte, pero Nelly la traiciona y Heathcliff, creyendo que Catherine ya no lo ama, decide desaparecer. Catherine se arrepiente de la decisión de casarse y se queda esperándolo, pues está segura, por la promesa que le hizo de joven, de que nunca la abandonaría. Pasado un tiempo y al ver que no regresa, se casa con Edgar… Y hasta aquí os cuento de este gran melodrama que seguramente la gran mayoría habréis leído en la novela de Emily Brontë.

La guionista, actriz, productora, directora, Emerald Fennell, asistió al Marlborough College para continuar sus estudios de lengua inglesa en la Universidad de Oxford. Durante dichos estudios, actuó en obras de teatro universitarias. Como actriz ha trabajado en televisión en series como “New Tricks” 2010, en el telefilme “The Lady vanishes” 2013,  en la serie “Call the midwife” 2013/17 o “The Crown” 2019/20 entre otras. En la gran pantalla se la ha visto en películas como “Albert Nobbs” 2011 de Rodrigo García, “Anna Karenina” 2012 de Joe Wright, “La chica danesa” 2015 de Tom Hooper o “Pan” 2015 de Joe Wright y en la dirección debutó con el cortometraje “Cuidado como vas”  2018 y en el largometraje debutó con “Una joven prometedora” 2020 continuando con “Saltburn” 2023  y este año nos ofrece “Cumbres Borrascosas” 2026.

Son varias las versiones con las que ha contado esta novela, desde el clásico “Cumbres Borrascosas” 1939 de William Wyler a “Abismos de pasión” 1953 de Luis Buñuel, “Cumbres Borrascosas” 1970 de Robert Fuest, “Cumbres Borrascosas” 1985 de Jacques Rivette, “Cumbres Borrascosas” 1988 de Yoshishige Yoshida,  “Cumbres Borrascosas” 1992 de Peter Kosminsky, “Cumbres Borrascosas” 2011 de Andrea Arnold, “Cumbres Borrascosas” 2019 de Tony Rodríguez y este año nos llega “Cumbres Borrascosas” 2026 de Emerald Fennell. Para televisión cuenta con: La miniserie “Cumbres Borrascosas” 1978 de Peter Hammond, “Cumbres Borrascosas” 2004 de Fabrizio Costa y “Cumbres Borrascosas” 2009 de Peter Bowke. Las series “Cumbres Borrascosas” 1976 de Grazio D`Angelo y “Cumbres Borrascosas” 1979 de Ernesto Alonso y Karlos Velázquez. Los telefilmes “Sparkhouse” 2002 de Robin Sheppard, “Cumbres Borrascosas” 2003 de Suri Krishnamma y “Cumbres Borrascosas” 1978 de Peter Hammond.

Jugando con una frase que Heathcliff dedica a Catherine, a mí, como romántico que me considero, le hubiera dicho que el verdadero amor nunca arde en el infierno, aunque debo reconocer que de amor e infierno, tanto ella como él, pueden hablar mucho, pues el suyo, tan intenso y verdadero, pasa por un auténtico infierno o calvario, como se quiera denominar, por obra y gracia de la escritora que los creó para sufrir. Un ejercicio de “masoquismo emocional” en unos tiempos en donde amar, visto desde una perspectiva poética, no era sinónimo de felicidad, sino de adversidad. Drama que cala en el espectador, incluso conociendo sus historias y desenlaces, gracias a esta adaptación libre, donde Fennell ha puesto su corazón y alma, algo que queda evidente en el visceral y brillante resultado.

La atmósfera gótica y melancólica de la Inglaterra del siglo XVIII, ideada por Emily Brontë, cobra vida en los escenarios naturales de los Páramos de Yorkshire (la región de Brontë, Top Withens y los alrededores de Haworth), mientras que los interiores han sido recreados en Sky Studios Elstree. Un romance gótico excepcionalmente fotografiado por Linus Sandgren, en 35mm VistaVision, cuya lente captura cascadas de lluvia que abrazan y sexualizan a los personajes, nieblas densas que revelan figuras deseadas, y truenos y relámpagos que subrayan la tensión emocional. Todo bajo lunas llenas que coronan cielos magistralmente dramatizados. Una atmósfera gótica pero moderna.

Como siempre y como ya sabéis, me gusta hermanar la fotografía con la banda sonora como personajes no carnales y si bien la fotografía es la parte visual de la película, los latidos del filme los proporciona la banda sonora, en esta ocasión bajo la batuta de Anthony Willis (quien ya trabajó con Fennell en “Saltburn” y “Una joven prometedora”) y Charli XCX, reforzándola en un álbum de canciones originales con ese aroma tradicional celta.

En cuanto al reparto, felicitar la elección de Margot y Jacob, pues la química entre ellos es absoluta, apoyándose en unos secundarios que enriquecen esta versión libre, pero efectiva, desde el plano dramático y esencia de la novela donde además de los personajes principales, que no me cansaré de decir que están soberbios, destacaría a Shazad Latif con un Edgar Linton dramático y vulnerable a la vez. La inquietante Hong Chau, que nos regala una Nelly que nos pone los pelos de punta y que me trajo recuerdos de Rebeca de Hitchcock y Alison Oliver encarnando a un personaje frío y calculador.

Resumiendo, esta visión de Emerald Fennell, debe disfrutarse como lo que es, un drama potente y libre que te mantiene anclado a la butaca. Una obra que funciona a la perfección en su conjunto y que, a mi juicio, es una obra recomendada para románticos y amantes del género, que no teman quemarse en este infierno de celuloide.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de febrero.

REPARTO: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif, Ewan Mitchell, Martin Clunes, Alison Oliver, Owen Cooper y Vy Nguyen.

PRODUCTORA: MRC Film// LuckyChap Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.