LAS OCHO MONTAÑAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Bélgica y Francia, Las 8 Montañas, está escrita y dirigida por Felix Van Groeningen y Charlotte Vandermeersch, adaptando la novela de Paolo Cognetti. “Un canto a la amistad y a la naturaleza”

Estamos en el verano de 1984. Pietro (Lupo Barbiero) viaja con sus padres, Giovanni Guasti (Filipo Timi) y su madre Francesca Guasti (Elena Lietti) al Valle de Aosta, en los Alpes occidentales. Un pueblo con muy pocos habitantes y un solo niño, Bruno (Cristiano Sassella) de la misma edad que Pietro; ambos conectan desde el primer instante y cada verano irán fortaleciendo sus lazos de amistad. El destino y la propia vida les va separando, Pietro (Luca Marinelli) se dedicará a viajar por el mundo, en busca de nuevas experiencias mientras que Bruno (Alessandro Borghi), se aferrará a la montaña que le ha visto nacer. Pero su amistad nunca se romperá, pues ambos tienen un lugar de encuentro entre esos maravillosos picos montañosos, la cabaña que construyeron juntos, como última voluntad de Giovanni, el padre de Pietro, antes de morir.

El coproductor, guionista y director, Félix Van Groeninger estudió en la Real Academia de Bellas Artes (KASK) y se graduó en el 2000 con una Maestría en Artes Audiovisuales. Para su tesis dirigió el cortometraje “50CC” 2000. Además de realizar obras teatrales, en el largometraje debutó con “Steve+Sky” 2004 al que han seguido  “Dagen zonder lief” 2007,  “De helaasheid der Dinger” 2009, “Alabama Monroe” 2012, “Bélgica” 2016, “Beautiful Boy. Siempre serás mi hijo” 2018 y este año junto a su esposa Charlotte Vandermeersch, nos presenta “Las 8 montañas” 2022. Charlotte se graduó en 2005 en el Instituto Herman Teirlinck en Amberes con una maestría en Arte Dramático. Como actriz ha tocado los diferentes medios, televisión, cine y teatro. Ha producido la obra teatral “Le Baiser de la femme araignée” y ahora debuta en el largometraje como directora, junto a su marido en “Las 8 montañas”

Una maravillosa historia de amistad entre dos jóvenes, que perdurará en el tiempo hasta llegar a la edad adulta, entre maravillosos entornos naturales rodados en formato de pantalla 4:3. Un tamaño con el que nos vamos familiarizando en las salas, pues parece haberse puesto en boga entre ese cine independiente y como señal inequívoca de narraciones personales e intimistas, que buscan prescindir de lo superfluo, para adentrarse, con mayor o menor acierto, en el mundo y la psique de los personajes y con ello, ser testigos de las decisiones y sus comportamientos, hasta alcanzar a descubrir el yo más recóndito. Este es el caso de Pietro, un chico de ciudad bien posicionado y Bruno, un joven montañero, que se conocerán en un lugar idílico como es el Valle de Aosta, a la edad de 12 años. Un punto de partida para una maravillosa historia de amistad sincera, honesta y real.

Un filme que te invita a acomodarte, a relajarte, a dejarte llevar; mientras nuestra mente se prepara para viajar, acompañada de la voz en off de Pietro, de la evocadora banda sonora de Daniel Norgren y de la impactante fotografía de Ruben Impens, que a golpe de dron, nos muestra el poder y la belleza de la naturaleza, de esas montañas imperecederas que parecen vigilarnos y protegernos si somos merecedores de ello. De un espacio aun virgen, en el cual las prisas no tienen razón de ser y sí el fusionarse con el entorno que ofrece. Vive, siente, sueña y tú, amigo cinéfilo, mientras tanto, disfruta de esta sutil narración, que en ningún momento alterará tú ser.

Las 8 montañas, nos muestra dos formas de vida muy diferentes que convergen en un mismo punto, la casa que construyeron con sus manos, el esfuerzo físico realizado, el amor, el respeto al medio y a la memoria. Una historia de crecimiento personal, de complicidad, de encuentros deseados y desencuentros dolorosos, de conversaciones al abrigo del fuego, de historias de amor que no llegan a fraguar, de la soledad elegida y de sueños, tan presentes como las montañas, acompañado de un  agudo análisis sobre las diferencias entre la ciudad y montaña, del mundanal ruido y las prisas frente a la esencia de la vida y la quietud en constante equilibrio.

Este filme, cargado de emociones que navegan entre la alegría, la tristeza y la nostalgia, no hubiera sido posible sin las magníficas interpretaciones de Luca Marinelli y Alessandro Borghi, cuya complicidad en la pantalla, atrapa al espectador en medio de sus conversaciones, silencios, miradas y recuerdos. Una película de las que son difíciles de olvidar aunque cuente con el hándicap de una duración tal vez excesiva, pues con un metraje más ajustado, la obra hubiera resultado redonda. Para finalizar me quedo con un comentario que hace Bruno a los amigos urbanistas de Pietro: “La naturaleza es un concepto urbano, lo que existen son las cosas concretas con sus nombres: La montaña, los pastos, los árboles, el río…” y sin duda, para quienes hemos tenido la gran suerte de nacer y vivir entre la montaña y la ciudad, así es, pero con los años tendemos a simplificarlo todo. Como siempre, la obra contiene mucho más de lo que yo os narro por aquí, pero prefiero que lo descubráis vosotros. 

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de mayo.

REPARTO: Luca Marinelli, Alessandro Borghi, Filippo Timi, Elena Lietti, Surakshya Panta, Elisabetta Mazzullo, Lupo Barbiero y Cristiano Sassella.

PRODUCTORA: Wildside// Menuet Producties//Rufus// Pyramide Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

SCARLET: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Italia y Alemania, SCARLET, está dirigida por Pietro Marcello quien comparte guion con Maurizio Braucci, Maud Ameline y Geneviève Brisac, basándose en la novela “El velero rojo” de Alexander Grin. “Si  eres una chica, no temas enfrentarte al dragón”

Nos encontramos en Normandía al final de la I Guerra Mundial. Raphaël (Raphaël Thiéry) regresa a su pueblo tras la batalla y se encamina a la casa de Adeline (Noémie Lvovsky), ésta le abre la puerta y él se presenta como el marido de Marie. Ella le comunica que su mujer ha fallecido mientras estaba en el frente y que es padre de una pequeña de nombre  Juliette (Asia Bréchat), a quien iremos viendo crecer a lo largo del filme, siendo interpretada a la edad adulta por (Juliette Jouan). Adeline les hospeda en su granja y le busca un trabajo en un taller de carpintería, pues Raphaël es artesano de la madera. Cuando Juliette crece, conocerá a un aventurero aviador, Jean (Louis Garrel), del que se enamorará, pero un día él debe partir y ella en su indecisión, no le dice lo que siente por él, aun así decide esperarle como espera ver un día, las velas escarlata.

El guionista y director, Pietro Marcello, estudió Bellas Artes en Nápoles y se inició con los cortometrajes “Carta” y “Scampia” 2003, “Il cantiere” 2004 y “La baracca” 2005. Debutó en el largometraje documental con “Il passaggio della línea” 2007, “La bocca del lupo” 2009, “El silencio de Pelešjan” 2011, “Venice 70: Future Reloaded” 2013 y “9x10 noventa” 2014. Su primer largometraje de ficción llegó un año más tarde con “Bella y perdida” 2015, “Martin Eden” 2019 y el pasado año estrenó “Scarlet” 2022. También ha dirigido el cortometraje “Ossessione” 2016 y los documentales “Para Lucio” y “Futura” 2021

Scarlet es un filme naturalista, susurrante, relajante y reflexivo sobre la vida en un pequeño pueblo que guarda sus secretos en donde los celos, los miedos, las envidias y los “demonios”, visitan a algunos de sus pobladores sumidos en sus tradiciones, costumbres y un machismo recalcitrante. Una obra que gira en torno a la familia propia y fundamentada, la comprensión, el amor y el regreso. Una película con cierto aire de documental entre las imágenes de archivo de esa primera guerra mundial y las escenas cotidianas que provocan desde la monotonía pasando por la tensión y el amor más puro que un padre puede ofrecer a su hija, con cada amanecer y atardecer. Una exquisita fábula  que nos habla de realidad y de magia, de sueños rotos y los que están por llegar, de miradas y silencios, de caricias vaporosas y de besos perdidos en el espacio, de quietud y de movimientos livianos. Scarlet nos mece en una existencia ficcionada, en un mundo cuyo progreso reemplaza los juguetes de madera, herencia de otros tiempos, de la naturalidad e incluso de la artesanía que desaparece de los pueblos ante los avances que llegan de la ciudad y con ello, olvidar la imaginación, los sueños y hasta las esperanzas.

Scarlet está dirigida con inteligencia, elegancia y precisión, rodada prácticamente con cámara en mano en planos cortos, buscando traspasar la intimidad de los personajes y adueñarse de la atmósfera que se respira en el pueblo. Entre ese corte naturalista que da vida a los sonidos que la naturaleza ofrece y las canciones que enriquecen la obra, Marcello invita a sus actores a sumergirse en las almas de unos personajes ricos en matices y éstos, obsequian al espectador con unas magníficas interpretaciones que agradecen desde la butaca. Destacar a una impecable Juliette Jouan comedida en un personaje contenido, Raphaël Triéry en el papel de ese padre amoroso que en silencio pero siempre alerta, observa como su hija se abre al mundo con su genuina personalidad, Noémie Lvovsky, la perfecta abuela o la amorosa madre, que nunca concibió un hijo y en un papel corto pero siempre con la corrección que la caracteriza, Louis Garrel, como el jinete que cabalga por los cielos. Un filme poético, sensible y romántico, de los que de vez en cuando, visitan la gran pantalla. Mencionar, para finalizar, la delicada banda sonora de Gabriel Yared y la bucólica fotografía de Marco Graziaplena.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de abril.

REPARTO: Raphaël Thierry, Juliette Jouan, Louis Garrel, Noémie Lvovsky, Yolande Moreau, François Négret, Ernst Umhauer, Inès Es Sarhir, Antonin Stahly-Vishwanadan, Athénaïs Sifaoui-blanc, Bernard Blancan, Arthur Orcier, Pierre Nisse, Alane Delhaye, Lolita Chammah, Anne-Lise Heimburger, Rémy Roubakha, Annette Trumel y Natascha Wiese.

PRODUCTORA: arte France Cinéma// CG Cinéma// Match Factory Productions// RAI Cinema// Avventurosa// Eurimages// Ministero della Cultura.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

EL TRIÁNGULO DE LA TRISTEZA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Suecia, Francia, Reino Unido y Alemania, El triángulo de la tristeza, está escrita y dirigida por Ruben Östlund. “Por momentos la amas, por instantes la repudias”

Carl (Harris Dickinson) es un joven que se presenta a un casting para ser modelo, junto a otros chicos. Yaya (Charlbi Dean) es la novia de Carl y una importante influencer. Ambos graban juntos sus aventuras para complacer a sus miles de seguidores. A Yaya la invitan a un crucero de lujo, pasando a ser los únicos pasajeros de clase media, pues el resto son millonarios excéntricos en un barco dirigido por un capitán alcohólico  (Woody Harrelson). Una travesía interesante de ser analizada.

El guionista y director, Ruben Östlund, estudió cine en la Universidad de Gotemburgo, tras graduarse junto a Erik Hemmendorff, fundaron la productora Plattform Produktion, en la que desarrolló sus conocimientos de secuencias estructuradas a la vez que produce sus películas. Se inició con los mediometrajes “Free Radicales” 1997 y “Free Radicales 2” 1998, para debutar en el largometraje con “The Guitar Mongoloid” 2004, “Involuntario” 2008, “Play” 2011, “Fuerza Mayor” 2014, “The Square” 2017 y este pasado 2022 estrenó “El triángulo de la tristeza”. También ha dirigido el cortometraje “Let the Others Deal with Love” 2001, el videoclip “Mustasch: Down in Black” y el documental “Family again” ambas en 2002 y los cortos “AQutobiographical Scene Number 6882” 2005,  “Nattbad” 2006 y “Incidente by a Bank” 2010.

El filme se divide en tres partes: 1.- Carl y Yaya, 2.- El Yate y 3.- La Isla. En la primera conoceremos a los dos personajes principales, Carl y Yaya, representando a una gran parte de la juventud de hoy en día, que afortunadamente no son todos, pero sí aquellos que están más preocupados y abducidos por las redes sociales, aumentar el número de seguidores y elevar su estatus social, sin importarles las consecuencias y convirtiéndose en mercancía de un escaparate en el que exhiben sin ningún rubor una parte de realidad, una mayoritariamente ficticia y en su conjunto, situaciones programadas y secuestradas por ellos mismos en relaciones por conveniencia, suscitando envidias y deseos en una triste existencia de postureo y artificialidad, hasta precipitarse en el olvido de lo más importante. Vivir. Por su parte el Yate de lujo, irá enmascarando y desenmascarando a los pasajeros y la tripulación en esa más que evidente diferencia de clases sociales, exponiendo  y evidenciando la ruindad y las excentricidades de los poderosos. Una de las escenas que mejor lo representa la encontramos cuando una millonaria consigue detener todos los trabajos en el barco, porque se le antoja que toda la tripulación nade durante unos minutos, en mar abierto. Metáforas perfectas de una sociedad capitalista, consumista y destructiva, situada en lo más alto de la cadena y que parte o gran parte de la humanidad, conociendo de su existencia y extravagancias, desconoce su descomposición moral. Asistiremos a la triste realidad de que la esclavitud no quedó en el pasado, aunque ahora se intente maquillar, pues el látigo físico que marcaba las pieles dejando cicatrices visibles, ha sido sustituido por uno aún más doloroso, si cabe: el vil metal y las perversiones de mentes viciadas y enfermas por el poder, que nos manejan con sus hilos invisibles y cuyas huellas se graban a fuego en las mentes de los más indefensos. Para terminar, tras la larga, escatológica, delirante y subversiva escena de la tormenta y el ataque, solo un grupo llegará a la isla, que sin desvelar el final, muy poco original, pues ya lo hemos visto en otros filmes,  Östlund da una última vuelta de tuerca para ofrecernos otra verdad.

Una narración salvaje y crítica, desde el principio, censurando al mundo de la moda en una exhibición elegante y acertadísima, en la que saca a la luz las miserias y la hipocresía que esconden las pasarelas internacionales. Sin la menor discusión, son los minutos con los que más he disfrutado del filme, en medio de ese postureo e insolencia, desde las frases y preguntas que el entrevistador lanza a esos jóvenes semidesnudos que esperan pacientes para pasar o no el casting, hasta llegar al propio desfile, en el que leeremos en la pantalla el eslogan “Cinismo enmascarado como optimismo” para terminar fusionándose con la potente escena del final de la cena entre Carl y Yaya,  como colofón tras el desfile. Cada uno de los diálogos de esa conversación y cada expresión corporal que realizan, merecen su propio estudio sociológico.

El triángulo de la tristeza, que agradezco a Ruben nos instruya en que parte de nuestro cuerpo se encuentra, algo que desconocía, se escenifica sin ningún pudor a modo de sátira mordaz sobre los pecados más inconfesable y por otra parte, sobradamente públicos, de nuestra corrupta sociedad, en un tono disparatado a través del cual, Östlund no dejará títere con cabeza, apoyándose en un  guion escrito con muy mala baba, denso y oscuro que confina nuestra mente, hasta finalizar la proyección; sin apenas darnos tiempo para analizar cuantos temas abarca, desde los abusos sexuales, la discriminación, el racismo, la opulencia, el capitalismo y el socialismo, el patriarcado y por ende el matriarcado, la soberbia, los roles de género, el ego, los celos, el esnobismo y tantas debilidades que va arrastrando y sembrando la sociedad moderna y porque no decirlo, de paso, liberarnos de algunas utópicas, pues bastante tenemos con los aluviones que queriendo o no, nos bombardean diariamente, los medios de comunicación. Una película que te hace sentir muy incómodo sin olvidarnos de ese humor escatológico, que parece estar de moda tanto en películas como en series, sin entender muy bien el porqué, pues personalmente me resulta de mal gusto y repugnante. Resumiendo, un filme extraño, extravagante y no apto para todos los públicos entre esos diálogos que como puñales atraviesan las falsas morales, las escenas delirantes y otras tan difíciles de digerir, hasta el punto de que por momentos la odias y por instantes la amas, pero ante todo, no deja indiferente. Concluyo felicitando la excelente dirección actoral con la que cuenta el filme y a quienes encarnan a los diversos personajes.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de febrero.

REPARTO: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly, Iris Berben, Arvin Kananian, Amanda Walker, Alicia Eriksson, Malte Gǻrdinger, Nana Manu, Hanna Oldenburg, Oliver Ford Davies, Linda Anborg, Carolina Gynning, Beata Borelius, Shaniaz Hama Ali, Camilla Läckberg y Mira Uszkureit.

PRODUCTORA: Plattform Produktion// SVT// Film I Väst//Arte// Coproduction Office// arte France Cinéma// Eurimages// ZDF// Arte// Imperative Entertainment// BBC Films// Essential Filmproduktion// Sovereign Films// Svenska Filminstitutet// Medienboard Berlin-Brandenburg// Det Danska Filminstitut// British Film Institute// Nordisk Film// Radio (DR), Bord Cadre Films// Canal+// Ciné+// Heretic// Piano Producciones// Creative Europe Media.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

DECISION TO LEAVE: CRÍTICA DE CINE

Decisión To Leave está escrita y dirigida por Park Chan-wook compartiendo guion con Jeong Seo-Gyeong. “Las ancianas vivas son más importantes que los maridos muertos”

El detective Jang-Hae-Jun (Park Hae-il) se encarga de la investigación de la muerte de un hombre llamado Ki Do-soo, junto a su compañero Soo-wan (Go Kyung-Pyo). Suben la cima desde la que supuestamente se cayó la víctima, encontrando algunas de sus pertenencias. Su mujer, Song Seo-rae (Tang Wei), se presenta en el tanatorio para el reconocimiento. Jang desconfía de ella y comienza a seguirla en sus rutinas diarias a la vez que, entrevista a algunos conocidos. Se enamorará de la joven, lo que le llevará a la total confusión. Jang-Hae-Jun está casado con Jeong-Anh (Lee Jung-Hyun) que trabaja en una central nuclear.

El productor, guionista y director, Park Chan-wook, se graduó en la Universidad de Sogang en el Departamento de Filosofía. En dicha universidad creó un club cinematográfico al que llamó “Comunidad fílmica de Sogang” y publicó un importante número de artículos de cine contemporáneo. Su primer trabajo en la industria del cine fue como asistente de dirección y debutó en la dirección con “Moon is the Sun`s Dream” 1992 continuando con “Threesome” 1997, “Joint Security Area (JSA)” 2000, “Sympathy for Mr. Vengeance” 2002, “If You Were Me” y “Oldboy” ambas en 2003, “Three… Extremes” 2004, “Sympathy for Lady Vengeance” 2005, “Soy un cyborg” 2006, “Thirst” 2009, “60 Seconds of Solitude in Year Zero” y “Night Fishing” en 2011, “Stoker” 2013, “Bitter Sweet Seoul” 2014, “La doncella (The Handmaiden)” 2016 y “La decision to Leave” 2022. También ha dirigido los cortometrajes “Judgment” 1999, “Day Trip” 2013, “A Rose Reborn” 2014 y “Life is But a Dream” 2022 y la miniserie “La chica del tambor” 2018.

Un filme cocinado a fuego lento y visualmente extraordinario, narrando una triste historia de amor, dolor, destrucción y sensualidad. Una obra cargada de tensión sexual y emocional a través de la cual los personajes, sin pretenderlo, se hieren, en parte debido a las carencias afectivas no vividas, provocadas en gran medida por la soledad, las distancias o las decepciones. Una película que exige al espectador estar atento a cada escena, a cada plano, detalles y situaciones que se van generando en derredor de esa madeja, por la que asoman demasiados cabos sueltos, los cuales se irán desmarañando a medida que las traiciones, los celos, los despechos, la incertidumbre, las atracciones fatales o la terrible sensación de vacío, por poner algunos ejemplos, van ocupando sus lugares. 

Con aires de “Vértigo” 1958 de Alfred Hitchcock, pero con su propia voz,  suma elegancia y maestría, Park nos sumerge en Ipo, esa ciudad en la que nunca sale el sol, pues la niebla se apodera del lugar. Espacios naturales que junto a los de interior, le sirven al director para crear las diferentes atmósferas que el thriller demanda, bajo la tensión, la angustia y las esperanzas de que algunos sueños, por irreales que parezcan, lleguen a cumplirse.

Además de esa turbia relación que surge entre los dos protagonistas principales, Jang-Hae-Jun y Song Seo-rae; Chan-wook nutre el espléndido guion de elementos sutiles apoyándose en la vulnerabilidad y personalidad de sus protagonistas, en el caso de Hae-Jun mostrándonos sus pensamientos y la relación con su mujer, que trabaja en una central nuclear y que solo se ven los fines de semana, y por el lado de Seo-rae, su rutina diaria, sus declaraciones y el dedicar un día a la semana a visitar personas mayores, como asistente a la Tercera Edad; sin olvidar los elementos más escabrosos entre las imágenes de los muertos con sus pieles amoratadas y rodeados de insectos. Una obra, como ya sucediera en sus anteriores trabajos, en la cual, nada se presenta en la pantalla, sin una razón.

Toca hablar de la fotografía, pues en esta ocasión, la banda sonora en la batuta de Cho Young Wuk, resulta tan sutil, que por momentos pasa desapercibida, no así la fotografía de Kim Ji-yong, sobresaliente en su exposición con un uso bien calibrado del color y la iluminación, enriqueciendo los selectos planos y encuadres tan importantes en el desarrollo de la narración; algunos de esos ejemplos los encontramos en los instantes en que al personaje lo vemos en el mismo espacio que él está mirando a través de los prismáticos, mientras permanece sentado en su coche y con ello, traspasar la barrera de la intimidad. Las superposiciones con efectos tan sencillos como el cerrar o abrir puertas trasparentes, ligeramente traslúcidas o simplemente jugando con las cortinas. Las alteraciones en la luz o los suaves barridos de cámara; presentando de esta manera, las transiciones precisas entre el presente y el pasado, sin cambiar de plano. Toda una MasterClass sobre lenguaje cinematográfico. 

Y finalizo una vez más, con quienes han dado vida, delante de la pantalla, a los personajes escritos en ese formidable guion, destacando a Tang Wei, en una maravillosa interpretación con un personaje rico en matices y Park Hae-il en su papel del detective Jang-Hae-Jun, un hombre que vive entre las luces y las sombras.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de enero

REPARTO: Tang Wei, Park Hae-Il, Go Kyung-pyo, Park Yong-woo, Lee Jung-hyun, Go Min-si, Jung Yi-seo, Seo Hyun-woo, Lee Hak-Joo y Park Jung-min.

PRODUCTORA: Moho Films// CJ Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

LOS CINCO DIABLOS: CRÍTICAS DE CINE

Los cinco diablos está dirigida por Léa Mysius compartiendo guion con Paul Guilhaume. “¿Me amabas antes de que yo existiera?”

Joanne (Adèle Exarchopoulos)  trabaja como monitora de Aquagym en las instalaciones de un  polideportivo cuyo nombre da título a la película. Está casada con Jimmy (Moustapha Mbengue) de profesión bombero, con quien tiene una hija, Vicky (Sally Drama). Vicky es una niña solitaria, misteriosa, que sufre bullying en la escuela y que posee un don, el de poder identificar cualquier olor. Olores que mezcla y guarda en botes con sus etiquetas correspondientes y entre ellos, conserva la esencia de su madre en tres recipientes diferentes. A la casa llega su tía, la hermana pequeña de su padre, Julia (Swala Emati), recién salida de la cárcel y Vicky, como es de esperar, reproduce su aroma. Al inhalarlo cae desmayada, trasladándose a la época en la que sus padres y Julia, eran jóvenes estudiantes. Un tiempo que guarda oscuros secretos. 

La guionista y directora, Léa Mysius, estudió literatura en la Soborna de París y en 2010 ingresó en  La Fémis graduándose en guion en 2014. Comenzó dirigiendo cortometrajes como “Cadavre exquis” 2013, “Les oiseaux-tonnerre” 2014 y el codirigido junto con Paul Guilhaume “L´île jaune” 2016. En 2017 debuta en el largometraje con “Ava” y este año nos ofrece “Los cinco diablos” 2022.

Los cinco diablos es un thriller de tensión que navega entre dos tiempos, el presente en el que Vicky vive con sus padres y el pasado que irá descubriendo cada vez que aspira del bote en el que guarda la esencia de su tía Julia. Un pasado de amores secretos, de envidias, celos y miedos infundidos por presencias inexplicables; en el que tanto la directora Léa Mysius como su compañero en el guion Paul Guilhaume, encargado también de la fotografía, se apoyan en los flashback  para que el espectador se involucre en el presente de los personajes y los motivos que van provocando sus encuentros y desencuentros, hasta sacar a la luz las heridas del alma. 

Una puesta en escena naturalista, en la cual además de los cuatro elementos que estarán presentes en determinados momentos y cierran de alguna manera el filme, el olor será el principal  personaje no físico de la historia, hasta llegar a los más tangibles en medio de los árboles que componen el bosque, las montañas nevadas que rodean al valle o el agua en sus dos medios presentes y visibles entre el lago helado como vehículo de escape y la piscina confortable y protectora, guardando los recuerdos de un pasado doloroso. Espacios cuidadosamente retratados por Paul Guilhaume con un sutil uso del color y la iluminación, dependiendo del lugar y lo que él representa, así como el acompañamiento de la banda sonora en las notas de Florencia Di Concilio por instantes, desconcertantes.

De nuevo estamos ante un filme de terror poco convencional y de eso nos damos cuenta en el preciso instante en el que nos topamos con Vicky y su don. El olor la llevará a viajar a una dimensión en el espacio tiempo, mostrando y haciéndonos partícipes de lo que esconde su familia y el tabú que puede suponer el exponer abiertamente la diversidad sexual, en una pequeña comunidad de un pueblo en medio de las montañas, surgiendo, como en tantas ocasiones sucede, los miedos y recelos que la ignorancia obra en los habitantes de los pueblos alejados y profundos. Pero además Vicky mantiene una extraña relación con su madre: Guarda tres frascos con el aroma de su madre etiquetados con los números 1,2 y 3, tras realizar las mezclas que ha considerado. Es quien tiene el control del cronómetro cuando su madre se baña en el lago, no para marcar el tiempo y la velocidad, sino el de la exposición en el agua para no sufrir una hipotermia y entre otras situaciones, la frase con la que abría esta reseña  “¿Me amabas antes de que yo existiera?”, nos provocarán extrañas sensaciones y desazón, hasta el final de la proyección.

Un filme intrigante, misterioso y con capas por descubrir con interpretaciones correctas entre las cuales destacan Adèle Exarchopoulos y Sally Drama, en sus papeles de madre e hija, quienes con pocas palabras pero importantes gestos y miradas, mantienen en tensión al espectador, por lo que puedan o no ocultar.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de octubre.

REPARTO: Adèle Exarchopoulos, Daphne Patakia, Sally Dramé, Swala Emati, Noée Abita, Moustapha Mbengue y Patrick Bouchitey.

PRODUCTORA: Trois Brigands Productions// F For Film.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

ALI & AVA: CRÍTICA DE CINE

Ali & Ava, está escrita y dirigida por Clio Barnard.

Ali (Adeel Akhtar) es un joven que posee varios inmuebles en alquiler en el barrio en donde le conoce todo el mundo, está separado de Runa (Ellora Torchia) con quien sigue viviendo para que no se enteren sus padres. Ava (Claire Rushbrook) es viuda con cuatro hijos, entre ellos Callum (Shaun Thomas) que tiene una hija pequeña junto con Karen (Tasha Connor) y Venice (Macy Shackleton). Ava es profesora en un colegio al que va Sofía (Ariana Bodorova), la hija de unos inquilinos de Ali. 

Un día de tormenta Alí va a recoger a la pequeña Sofía y propone a Ava llevarla a casa para que no se moje. Durante el trayecto hablan de música y aunque sus gustos musicales son muy diferentes, pues ella prefiere el Country y el Folk mientras que él, además de rechazar dichos géneros, se decanta por el Punk y el Rock and roll. De forma extraña entre ambos comienza a surgir una extraña amistad.

La directora, Clio Barnard, se graduó con una licenciatura con honores en Newcastle Polytechnic (Ahora renombrada Northumbria University) en Bellas Artes y obtuvo un Diploma en Imagen Electrónica en el Duncan of Jordanstone College of Art and Design. Se inició con el cortometraje documental “Lambeth Marsh” 2000, al que le han seguido el corto para televisión “Actos de intimidad aleatorios” 2002 y los cortometrajes ficcionados “Flood” 2003 y “Dark Glass” 2006. En 2010 dio su salto al largometraje con el documental “The Arbor” para continuar con “The Selfish Giant” 2013, “Dark River” 2017 y este año ofrecernos “Ali & Ava” 2021. También ha rodado 6 episodios de la serie “La serpiente de Essex” 2022.

La película está marcada por las cuatro fases lunares: Luna Nueva, Cuarto creciente, Luna Llena y Cuarto menguante, siendo la primera citada, con la que se inicia la narración en el barrio de Ali. Será  concretamente en su casa en donde conoceremos a los miembros que la componen y en su paseo por las calles del barrio, mostrándonos su posición en él, hasta saltar al hogar de Ava y su familia. Dos ambientes diferentes en medio de dos clases sociales y culturales distintas que nos ofrecerán esas luchas internas y externas con las que lidian en el día a día, desde que amanece hasta que cae la noche, iluminada o no, por esa luna.

En un tono realista en el cual se percibe su toque documental, esta narración lineal y sencilla se sustenta en sus interesantes interpretaciones, entre las que destacan la pareja protagonista. Adeel Akhtar que dará vida a Ali, un joven que se refugia en la música para alejar de su mente los malos recuerdos y las situaciones incómodas a las que se debe de enfrentar, mientras que Claire Rushbrook encarnará a Ava, una mujer viuda, entregada en cuerpo y alma a los más pequeños, sus alumnos y quien guarda secretos en su corazón. Un corazón que anhela libertad y escapar de la soledad que en su mente se ha instalado, viendo en Ali, su salvavidas. Dos magníficas interpretaciones creando una trama amable y empática.

Clio Barnard, dirige acertadamente este filme aunque haga algunas trampas en su narración que se perdonan, pues aun queriendo contar una historia de amor muy diferente, cae en algunos tópicos de los que no ha podido huir. Es lo que tiene escribir una historia de amor en donde el argumento que la sostiene, se va evaporando en el viento, en medio de ese retrato realista de la sociedad que desea exponer. A destacar las potentes conversaciones que Ali y Ava mantienen en la intimidad de la noche, en la soledad que les rodea o cuando los dos se ven con las fuerzas necesarias para sacar el dolor  y los fantasmas que llevan en su interior, sus dramas personales, frustraciones no desechadas y las pérdidas que nunca serán recuperadas. Todo aquello que les hace sentirse solos y vulnerables, pero fuertes cuando están juntos.

Un filme en el que no faltará esa crítica social y  familiar como sucede con el hijo de Ava, Callum, quien rechaza a Alí, no deseando que su madre se vuelva a enamorar y por la otra parte, la hermana de Alí, Usma, que usará sus estrategias para que Ava se aleje de su hermano. La familia, la muerte, el maltrato, las separaciones, las vidas truncadas en ese camino que marca el destino, la tolerancia y mucho más, envuelto en música, siempre la música que desfilará por este filme humanista que cuenta con un cuidadísimo metraje.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de agosto.

REPARTO: Adeel Akhtar, Claire Rushbrook, Ellora Torchia, Shaun Thomas, Natalie Gavin, Mona Goodwin, Krupa Pattani, Vinny Dhillon, Tasha Connor, Macy Shackleton.

PRODUCTORA: BBC Films// BFI Film Fund// Moonspun Films

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

TODO EL MUNDO ODIA A JOHAN: CRITICA DE CINE

Todo el mundo odia a Johan está dirigida por Hallvar Witzø con guion de Erlend Loe. “Es lo que hay”

En 1943, en una aldea  noruega, nos encontramos con un matrimonio que se dedican a volar todos los puentes que tienen a su alrededor, para que los alemanes no puedan llegar hasta ellos. Tienen un hijo pequeño, Johan  (Adrian Leknes) al que poco a poco aficionan a los explosivos. Son la familia más odiada de la comarca. Un día, mientras están retirando minas que han quedado abandonadas de la II Guerra Mundial, una de ellas explota y el joven Johan se queda huérfano y al cuidado de sus tíos: Ivar (Trond-Over Skrødal) y Magnhild (Ingunn Beate Øyen)

Johan Grande (Pål Sverre Hagen) busca sorprender con sus cartuchos de dinamita a  Solvor (Ingrid Bolsø Berdal), la joven con quien coquetea desde que eran niños. Un mal día, como el que puede tener cualquiera, uno de esos cartuchos no explota y a Solvor no se le ocurre mejor idea que ir a ver porque no ha estallado y… Johan se ve obligado a irse del pueblo, pero al paso de los años, Johan vuelve, porque en él se ha quedado su amor.

El director, Hallvar Witzø, estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine Noruega de Lillehammer, graduándose en el año 2010. Se inició con el cortometraje “Tuba Atlantic” 2010 al que han seguido otros cortos como “Ja vi elsker” 2014 y “When One Door Closes” 2017. Ha trabajado en series para televisión como “I kweld med YLVIS” 2013, “Mysteriet på Sommerbåten” 2015, “Helt Perfekt” 2015/20, “Allerud VGS” y  “Ambassadoren” en 2020, “Neste Sommer” 2019/21 y “Kjære landsmenn” 2021, hasta debutar en el largometraje con “Todo el mundo odia a Johan” 2022.

El cine más reflexivo y trascendental no deja de sorprendernos para bien y en esta ocasión le toca a una película de nacionalidad noruega, que entre explosiones, nos sumirá en la vida de su protagonista principal, el bueno, soñador y romántico Johan que anhela con perpetuar su linaje mientras disfruta con su afición por la dinamita, que además ha convertido en profesión. Un personaje que nos atrapará a través de su sencilla y mundana vida, en medio de la naturaleza o allá donde le toque vivir. Un personaje entrañable, de esos que gusta ver cómo van creciendo, pasando de niño a adolescente, superando la edad adulta y llegar a la vejez. Hallvar Witzø nos sitúa en  diferentes décadas, que inicia en el año 1943 para continuar con 1951, 1959, 1974, 1993 y finalizando en el actual 2022. Años que marcan de una manera u otra a Johan y el entorno que le rodea.

Con un metraje bien medido, Hallvar Witzø, nos ofrece esta deliciosa comedia con toques ácidos y guion de Erlend Loe. Un filme que te va atrapando no sé bien si por su originalidad, extravagancia, naturalidad, esas actuaciones frescas y espontáneas, el entorno que les rodea o todo a la vez y nada en concreto; sea como sea, uno se siente cómodo disfrutando de esta narración, de sus espacios naturales, de percibir las envidias, los rencores y los odios que se arraigan en los pueblos o pequeñas comarcas generación tras generación,  pasen los años que pasen en medio de ese sentimiento tan anhelado, el amor. Ese amor que se esconde o se intenta abrir camino entre el deseo solícito y  la soledad más palpable. Un filme que nos habla de miedos, celos e ignorancia, de costumbres y tradiciones, de sueños y frustraciones. Una película sencilla y a la vez rica en matices, tan sutiles, que se nos pueden escapar entre el silencio del viento o el estruendo de las detonaciones, bajo la fotografía de Karl Erik Brøndbo.

“Es lo que hay”, es la frase con la que Johan Grande, maravillosamente interpretado por Pål Sverre Hagen, intenta sentenciar algunos momentos de su vida, de su existencia. Una interpretación tan realista que parece no estar actuando. Destacaría también a Ingrid Bolsø Berdal como Solvor, su amor incondicional.  Y como bien dice Johan, esto es lo que hay. Un filme amable con el que se empatiza de muchas formas y con el que disfrutas sin sobresaltos, salvo por las descargas de las detonaciones.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de agosto.

REPARTO: Pål Sverre Hagen, Ingrid Bolsø Berdal, Ine F. Jansen, Paul-Ottar Haga,  John F. Brungot, Trond-Ove Skrødal, Ingunn Beate Øyen, Vee Vimolmal, Hermann Sabado, Raymond Balstad, Tore Berntzen Granás, Vetle Røsten Granás, Sofie Silvertsen Hernes, Jonas Ledang, Adrian Leknes, Marianne Meløy, Bjørn Hallgeir Myrene, Gabija Petruskaite, Terje Ranes, Live Ovedie Langklopp Svenning, Styrker Nørkov Torstensen y Helge Witzø.

PRODUCTORA: Film in Norway// Nordisk Film Production AS.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

MONEYBOYS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Austria, Francia, Taiwán y Bélgica, MoneyBoys, está escrita y dirigida por C.B. Yi. “Soy como una araña, no dejo ir a ninguno y los amo a todos”

Fei (Kai Ko) se dedica a la prostitución para mantener a su familia, la cual acepta de buen grado su dinero pero no  la manera en que lo gana. Cuenta con un amigo especial, Xiaolai (J.C. Lin). Un día Xiaolai se pelea con un ex cliente de Fei con la intención de protegerlo y en el transcurso de la pelea Xiaolai recibe unos fuertes golpes, con un mazo, en una pierna, lo que le dejará imposibilitado de esa extremidad.

Pasan unos años y vemos a Fei en otra ciudad trabajando en el mismo oficio, buscando olvidar el pasado, pero le resulta complicado. Conocerá a Long (Bai Yufan) que se enamora de él, pero Fei no parece estar preparado, pues no ha olvidado a su amor Xiaolai. Su dolor le llevará a encontrarse de nuevo con él.

El guionista, productor y director, C.B. YI, estudió en la Universidad de Viena la carrera de Sinología y más tarde, en la misma universidad, Dirección de Cine bajo la tutela de Michael Haneke y Christian Berger. Debuta en el largometraje con “MoneyBoys” 2021, que en un primer momento fue planificado como un documental sobre la prostitución masculina y finalmente derivó a una narración más cinematográfica y artística.

Un debut más que interesante y arriesgado, contándonos no solo una historia homosexual y de prostitución masculina sino que incide en el alma sobre la materia. Una narración entre hombres que no cae en ningún momento en los estereotipos, en lo vulgar o el exhibicionismo gratuito, pues va más allá, profundizando en sus mentes y en la vulnerabilidad que les acompaña y que  intentando ocultar, sale a la luz con la sutileza revestida de drama. Personajes a los que les persigue la culpa, desengañados por esa familia que aceptando el dinero que les envían para sacarles de la pobreza, les repudian por la profesión y su condición sexual; por los amores no correspondidos ante la necesidad de amar, ser amados o el deseo de alejarse de la soledad que les muerde. En definitiva, MoneyBoys, nos habla de las relaciones interpersonales, de la atracción, de las emociones y sentimientos, de la familia, del amor y la pérdida de éste, de los amigos y de los entornos laborales que les rodean, relatado con honestidad, verdad y sencillez, entre personajes que traspasan las líneas escritas en el guion, para penetrar en su humanidad.

Hablaba al principio de que el filme es arriesgado, aunque  C.B. Yi - que goza de la doble nacionalidad austriaca y taiwanesa – nos presenta con suma delicadeza la homosexualidad en China y más concretamente la prostitución masculina. Un país en el cual está prohibida y perseguida dicha orientación sexual, dejándonos ejemplos vergonzosos e incluso vetando los estrenos de algunas películas internacionales, como ha sido el caso reciente de: “Eternals” 2021 de Chloé Zhao, por presentar un personaje gay casado y con hijos o la última creación animada de Disney-Pixar “Lightyear” 2022 de Angus MacLane por ofrecer un simple beso entre dos mujeres. Nos podemos por tanto imaginar cómo habrá calado este proyecto antes de su estreno. Tal vez, aunque lo dudo, les pueda servir para abrir los ojos y la mente, ante una realidad cada vez más palpable, que demanda la visibilidad que le corresponde. 

Una película muy recomendable contando con una cuidada fotografía de Jean-Louis Vialard y las correctas interpretaciones de su elenco actoral, destacando a Kai Ko, quien defiende con credibilidad el drama personal que arrastra su personaje Fei, a la vez que nos muestra la realidad de un país hipócrita y homófobo.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de Julio

REPARTO: Kai Ko, Chloe Maayan, Yufan Bai, J.C. Lin, Qiheng Sun

PRODUCTORA: KGP Kranzelbinger Gabriele Production// Zorba Production// arte France Cinéma// Panache Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual

LA ISLA DE BERGMAN: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia, Alemania, Bélgica y Suecia, La Isla de Bergman, está escrita y dirigida por Mia Hansen-Løve. “Bergman era cruel en su arte y en su vida”.

Chris (Vicky Krieps) es guionista y Tony (Tim Roth) director y guionista, son un matrimonio estadounidense que viajan hasta la isla de Fårö en Suecia, para inspirarse en sus nuevos trabajos. Isla que como el propio título indica, fue el lugar de residencia hasta el fallecimiento del director sueco Ingmar Bergman. Se alojan en una casa en medio de la naturaleza que posee un molino, también restaurado. Él buscará la inspiración en la casa mientras ella lo hace en el molino.

Pronto la realidad que ellos viven se irá mezclando con la historia que Chris está creando y a la que no encuentra un final convincente. Una historia en la cual una joven llamada Amy (Mia Wasikowska) vive una singular historia de amor con Joseph (Anders Danielsen Lie)

La escritora, actriz y directora, Mia Hansen-Løve, tras finalizar sus estudios en el instituto, donde obtuvo su primer papel en “Fin août, début septiembre” 1998 de Olivier Assayas, se matriculó en el conservatorio de arte dramático de París, que abandonó a los dos años. Ha colaborado como crítica cinematográfica en la revista Cahiers du Cinéma entre los años 2003/05. En la dirección comenzó con los cortometrajes “Après mûre Réflexion”  y “Un pur esprit” ambas en 2004 saltando al largometraje con “Todo está perdonado” 2007, “El padre de mis hijos” 2009, “Un amour de jeunesse (Primer amor)” 2011, “Eden: Lost in music” 2014, “El porvenir” 2016, “Maya” 2018 y ahora nos llega “La isla de Bergman” 2021.

El filme es sin duda un tributo enmascarado o no tanto, sobre el gran Bergman, quien nació en Suecia en Uppsala en el año 1918 y  falleció en 2007, en la isla de Fårö. Se casó 5 veces, tuvo 3 parejas con las que no contrajo matrimonio y un total de 9 hijos. Este detalle final, los hijos, da pie para que durante el transcurso de la película, entre otros temas, se comente y debata  la importancia de la paternidad frente a la creatividad. Familia y trabajo dando vida a las luces y las sombras del artista en medio de sus otros dos amores que fueron el cine y el teatro. Muestra de ello su impresionante filmografía, pues entre cortometrajes, documentales y largometrajes de ficción dirigió un total de 70 obras, escribió 79 guiones y un número indeterminado de piezas teatrales. Un homenaje, como comentaba, en el que no faltarán las visitas a la casa en la que vivió, el museo, la fundación, la filmoteca, su tumba, el efecto que causaron sus películas sobre la gente y el safari que cada día narra y muestra los lugares más emblemáticos en los que filmó algunas de sus películas. Pero el filme no se queda ahí, ya que se centrará en las relaciones de pareja y la creatividad.

Mia Hansen-Løve nos ofrece, a través del guion escrito por ella misma, los amores, los encuentros, los días y  las noches de verano, los flirteos, la climatología del lugar, las fiestas y los baños a media noche,  las tertulias y conferencias, los paseos en bicicleta, la naturaleza y el respeto por la misma, la calma y hasta los conflictos, tomando como telón de fondo esa maravillosa isla y unos habitantes que tienen muy presente al cineasta que allí vivió y murió. Un filme sosegado como el mar y relajante como los campos que les rodean, entre lo jovial y el drama, para mostrarnos el proceso creativo del artista, de la búsqueda de la inspiración a través de la soledad deseada, de los recuerdos e incluso de las vivencias.

Un filme reflexivo en el que el cine también es protagonista. Cine dentro del cine para ofrecernos una nueva lectura en la manera de narrar, de exponer, de expresar y de hacer sentir a los personajes y al espectador, entre las pasiones que de modos muy distintos, perciben estas dos parejas, la real  y la ficticia,  y en donde ambas juegan a la confusión, pues en realidad la magia del amor, de los deseos, de los engaños y de la necesidad del ser y sentir, forma parte de nuestra imaginación. La directora sabe gestionar con suma delicadeza los gestos, los susurros y el clímax sexual que en ocasiones se respira y divisa en el ambiente, en medio de los acercamientos y las idas y venidas.

Las interpretaciones de los cuatro personajes que conforman las dos parejas, están excelentemente interpretados hasta llegar a crear, no en la misma medida todos, complicidad con el espectador. Además la película cuenta con una correcta fotografía en la mirada de  Denis Lenoir quien retrata los maravillosos parajes naturales de la isla de Fårö acompañada de la banda sonora de Raphael Hamburger, en la cual no puede faltar el grupo ABBA.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 1 de julio

REPARTO: Vicky Krieps, Tim Roth, Mia Wasikowska, Anders Danielsen Lie, Joel Spira, Oscar Reis, Jonas Larsson Grönström, Clara Strauch, Wouter Hendrickx, Gabe Klinger, Teodor Abreu, Felix Berg, Grace Delrue, Matthew Lessner, Kerstin Brunnberg.

PRODUCTORA: arte France Cinéma// CG Cinéma// Dauphin Films// Neue Bioskop Film// Piano Producciones// RT Features// Scope Pictures// Film Capital Stockholm// Plattform Produktion// Swedish Televisión.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

PARÍS DISTRITO 13: CRÍTICA DE CINE

PARÍS DISTRITO 13, está dirigida por Jacques Audiard, compartiendo guion con Léa Mysius y Céline Sciamma. “Compenso mi frustración profesional con una intensa actividad sexual”

Emilie Worg (Lucie Zhang) trabaja como teleoperadora, alquila una de las habitaciones de su casa al profesor Camille Germain (Makita Samba) del que se enamora y que durante un tiempo, mantienen sexo a todas horas, hasta que él pone freno y se va, pues ha conocido a Nora (Noémie Merlant), una joven estudiante, que tras asistir a una fiesta con una peluca, comienza a tener problemas en la universidad, al ser confundida con Amber (Jehnny Beth), una exhibicionista de una página porno de pago. Todos ellos viven en el distrito 13 del Barrio Les Opympiades en París.

El director, Jacques Audiard, en los años 80 comenzó a escribir guiones como “Réveillon chez Bob!” 1984 de Denys Granier-Deferre, “Saxo” 1988 de Ariel Zeitoun, “Baxter” 1989 de Jérôme Boivin o “Venus, Salón de Belleza” 1999 de Tonie Marshall. En la dirección debutó con “Mira a los hombres caer” 1994 y continuó con “Un héroe muy discreto” 1996,  “Lee mis labios” 2001, “De latir mi corazón se ha parado” 2005, “Un profeta” 2009, “De óxido y hueso” 2012, “Dheepan” 2015, “Los hermanos Sisters” 2018 y este 2021 llega con “París, distrito 13”.  También ha dirigido los cortometrajes “Nous, sans-Papiers de France” 1997, “Norme française” 1998, capítulos para la serie “Oficina de infiltrados” 2020 y  diversos video clips.

Se dice que el ser humano no ha nacido para estar solo y que el amor, la amistad y la complicidad, son cualidades que se precisan en el día a día, como el comer, el beber o el dormir. Si a todo esto le añadimos la juventud, etapa en la cual las feromonas revolotean alrededor como esos seres embaucadores, invisibles y misteriosos; sedientos de atracción y pasión, saltan todas las alarmas que alberga nuestro ser, para bien y para mal, pero principalmente, para aprender a caminar y descubrir un nuevo capítulo de la vida. París Distrito 13, es una historia de amores y desamores, de acercamientos y revelaciones, de amistades confusas, de experimentar, acertar, errar y percibir. Percibir que la vida es maravillosa aunque en ocasiones no entendamos sus códigos, quizás al ser demasiado jóvenes y con ello, pueda surgir el dolor y los conflictos.

Audiard, toma como escenario el barrio de Les Opympiades, en el Distrito 13 de París y entre todos los jóvenes que habitan en él, selecciona  a cuatro de ellos: Una teleoperadora de nombre Emilie, al profesor Camille, a Nora, una joven y tímida estudiante, que confunden con una chica que se exhibe en un chat porno y, a Amber, la exhibicionista mencionada. Un cuarteto que nos hablará de sus sueños, miedos, anhelos y lo que ven como tragedia, que con el paso de los años se convertirá en una anécdota más de las que la vida les reserva.

Jacques Audiard nos sorprende una vez más con su extraordinario don de la narración y la fluidez, creando esas atmósferas que como sutiles perfumes, le acompañan. En esta ocasión adapta tres cuentos de Adrian Tomine junto Léa Mysius y Céline Sciamma. Una película feminista que nos muestra las mentes abiertas, avispadas y jóvenes, que presumen de tener claro lo que quieren y lo que no, aunque puedan estar confundidas; que no deja de ser natural, a tan temprana edad. Un filme cuya cualidad es la sencillez en los diálogos y la puesta en escena, bajo una dirección elegante y unas creíbles interpretaciones, destacando a Noémie Merlant en el papel de Nora quien junto a Jehnny Beth, encarnando a Amber, nos ofrecen conversaciones, momentos íntimos y una complicidad tal, que captan toda la atención del espectador, y en medio de ellas, sus dos compañeros de reparto, Makita Samba y Lucie Zhang. Un filme en el que además del poderoso lado feminista, tan ingeniosamente presentado, nos deja ver la diversidad que habita en la ciudad de la luz.

Para terminar comentar que no faltarán las referencias al buen y mal uso del móvil, las apps de citas, el cibersexo o las relaciones sexuales, algunas de ellas muy explícitas. El egocentrismo, las envidias y los celos. El confundir amor con deseo, la necesidad de encontrar un lugar en la sociedad o la búsqueda del crecimiento personal y profesionalmente. Un filme que cuenta con una extraordinaria fotografía en blanco y negro en la inquisitiva mirada de Paul Guilhaume y la envolvente banda sonora de Rone. Jacques Audiard, nos vuelve a demostrar su innegable talento.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 8 de abril.

REPARTO: Noémie Merlant, Geneviève Doang, Lumina Wang, Camille Berthomier, Makita Samba, Line Phé, Lucie Zhang, Pol White, Lily Rubens, Anaïde Rozam, Camille Léon-Fucien, Oceane Cairaty y Rong-Ying Yang.

PRODUCTORA: Page 114// France 2 Cinema// Canal+// Ciné+// France Télévision// Cofinova 17

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Avalon Distribucion Audiovisual y Wanda Visión.