REPRESENTACIÓN DE "ADICTO A MÍ" PARA UN PÚBLICO DESNUDO

SANTI SENSO INFORMA QUE REPRESENTARÁ “ADICTO a MÍ” PARA UN PÚBLICO DESNUDO.

Santi Senso tras su gira por México regresa con "ADICTO A MÍ"  al Teatro Umbral de Primavera esta vez con una única función para público desnudo el sábado 1 de Abril a las 22:15 horas. Continuará su gira con este Acto Íntimo por España y por Latinoamérica. 

Hace ya unos años "AANUMA" Asociación Amigos, Amigas Nudistas de Madrid,  organizó funciones con público desnudo con los Actos Íntimos "DesnuDANDO a los CLÁSICOS" y "ORGÍAme, la depravación del YO".  Esta vez Santi Senso se compartirá ante un público desnudo, y al desnudo, exponiéndoSE con su genuina desnudez emocional compartiendo su "árbol adictivo familiar" creando una dramaturgia viva junto a las espectadoras y espectadores, y con su elenco de ADICTAS y ADICTOS.

Senso considera que “La ADICCIÓN es la resistencia a la frustración”. Durante su nuevo ACTO ÍNTIMO propone un encuentro insondable de la personalidad cuestionándoSE a qué es ADICTO, aceptando que es ADICTO. ¿Crees que hablar en tercera persona es un trastorno disociativo de la personalidad? BúscaLO, te sorprenderás.  Además, ¿acaso no formamos parte de las múltiples personalidades? ¿Tengo que renunciar unilateralmente a mi intimidad y a mis necesidades condenándoME así a cuidar, sanar, proteger o dar sin recibir? Esto me da placer. ¿Esto es lo que me sostiene? ¿Es una ADICCIÓN la condición humana? ¿Qué valor doy a mi propio valor? ¿Por qué me cuestiono mis merecimientos como una posible enfermedad? ¿Qué tengo yo para atraerME? ¿Y si no encuentro el USO, o si ABUSO de ese USO? ¿Y si tengo DEPENDENCIA de esa ADICCIÓN y me encuentro con mi coDEPENDENCIA? ¿Se puede heredar una emoción, una ADICCIÓN? ¿Una ADICCIÓN es cuando te modifica la VIDA? Pasado este umbral, ¿en un periodo de cuánto tiempo identificas que ya es tu VIDA y estás de vuelta enganchado a ella? ¿Y tú, eres ADICTA, ADICTO? ¿A qué, a quién?. 

Todo esto me seduce y seduce. Me atrae y me engancho a esa incertidumbre como placebo  donde tal vez no hay nada. Aunque creo que algo encontraré en esta vivencia extrema hacia lo desconocido y por conocerME en el posiblemente ACTO ÍNTIMO con más controversias, contradicciones, confrontaciones, dudas e intrigas por descubrir la “corpomorphosis” que provoca ser ADICTO A MÍ.

¿Y tú sabes qué tienes para exponerTE ante MÍ? ¿Crees que hablar en tercera persona es un trastorno disociativo de la personalidad? BúscaLO te sorprenderás. Además ¿acaso no formamos parte de las múltiples personalidades? ¿Entonces yo soy el ADICTO de MÍ? Quizás eres tú el ADICTO A MÍ por saber y hablar de mí más que yo mismo de MÍ.

¿Se puede heredar una emoción, una ADICCIÓN?

“NO TEMO A MI ADICCIÓN. TEMO A NO SABER CUAL ES Y QUE ME DESTRUYA”

Autoría, dramaturgia y dirección: SANTI SENSO 

Elenco Adicto: DAVID GRAINDORGE, DAN LUZ,  LUCA DANTONA, MARU CALDINI Y SANTI SENSO

Creación audiovisual, fotografía y diseño gráfico: F.A. JIMÉNEZ

Música original y espacio sonoro: GÓMEZ SELVA

Venta de entradas y más información:

https://elumbraldeprimavera.com/evento/adicto-a-mi-3/

 Teaser de la obra:

https://www.youtube.com/watch?v=ohnJwGXZ78g

Trailer de la obra: 

https://www.youtube.com/watch?v=5EV7Deuq1M8 

Ver info de la obra en la web:

https://actosintimos.wixsite.com/website-1/adicto-a-m%C3%AD

NANDO LÓPEZ ESTRENA OBRA EN MADRID "ESTA SÍ TENEMOS QUE BAILARLA"

 

MAREA GLOBLAL COM nos informa que el autor de La edad de la ira, Nando López, estrena obra en Madrid.

El autor de la novela La edad de la ira (ahora en su versión en televisión), Nando López, estrena obra en Madrid, “Esta sí tenemos que bailarla”, que supone su regreso a las tablas tras un año volcado en su faceta de novelista y guionista de televisión. El nuevo texto teatral de López vivirá su estreno en el Teatro Quique San Francisco el próximo 17 de febrero a las 21.30h.

Un montaje que transportará al público del drama a la comedia (como la vida misma) y que cuenta con Fran Perea como autor de la canción original y coproductor de la obra con su compañía Feelgood Teatro.  

Coincidiendo con el estreno, la editorial Dos Bigotes lanzará el texto de la obra de teatro el próximo 20 de febrero. Antes, habrá una presentación en la librería Tipos Infames, el día 15.

SINOPSIS: Dos cuarentañeras se escapan de la fiesta de su promoción del instituto. Huyendo de la nostalgia, comparten un taxi en el arranque de un viaje de bar en bar en el que reivindican su derecho a rendirse, a equivocarse, a rebelarse y, en definitiva, a ser quiénes son más allá de todos los límites que encuentran y han encontrado. Este es un escueto resumen de “Esta sí tenemos que bailarla”, el nuevo texto teatral de Nando López que vivirá su estreno absoluto en el Teatro Echegaray el próximo 25 de enero a las 20h en el Festival de Teatro de Málaga, con una segunda función el día 26. Un montaje que transportará al público del drama a la comedia (como la vida misma) y que cuenta con mucho talento malagueño de la mano de una de sus protagonistas, Rocío Vidal, y del autor de la canción original y coproductor de la obra, Fran Perea. Las entradas ya están a la venta.

Se trata del primer montaje de la compañía Todo al Tres, formada por el propio autor y las dos protagonistas de este montaje: Vidal y Eva Egido, también directora del estreno. La nueva alianza nace tras las exitosas experiencias previas de sus tres integrantes, como #malditos16 o Los amores diversos. Esta sí tenemos que bailarla supone, además, el regreso de Nando López al teatro tras un año consagrado a la novela y a la televisión. El autor ha visto como su libro La edad de la ira ha pasado a la pequeña pantalla y está embarcado en el montaje de la primera serie basada en una idea original suya, Red Flags, de la que es guionista y productor ejecutivo. Finalista hasta en tres ocasiones a los Premios Max, López ha sido representado en numerosos países (EEUU, México, Perú, Chile, Costa Rica, Panamá…).

Como explica Vidal, “esta obra nace de un taller con sus actrices, directora y autor. Se trata de un texto vivo cuyo origen es un proceso igualmente vivo, en el que se ha escrito a pie de escena y donde se ha buscado la verdad a través de las vivencias, emociones y experiencias del equipo”.

En palabras de su autor, “es una unción en la que se habla de temas tan universales como la felicidad, la búsqueda de sentido a nuestras vidas o las crisis que traen consigo la madurez, el cuidado o el paso del tiempo”. “Las protagonistas entablan un combate entre la realidad que viven y las expectativas creadas en torno a temas como la pareja, la maternidad, el trabajo, el sexo o la capacidad de decidir sobre nuestra vida y nuestra muerte”, subraya Nando López.

Es una “comedia que celebra la amistad, la sororidad y el derecho a ser tan imperfectos como sus protagonistas”, añade. “El humor en la función nace de los mecanismos de supervivencia de sus protagonistas: las dos buscan en ese humor el modo de seguir adelante, a pesar de que se abordan temas tan duros como la eutanasia o la insatisfacción personal y profesional y sus consecuencias en nuestra salud mental”.

Egido, por su parte, subraya el “ritmo cinematográfico del montaje, que se ve potenciado por las referencias cinéfilas que lo pueblan y que constituyen también un mapa de memorias compartido con el público”. Además, destaca que es “una obra llena de preguntas que nos interpelan pero que no pretende ofrecernos respuestas, sino que persigue que nos riamos de nuestras propias miserias y que nos animemos, como sus protagonistas, a bailar la canción que queramos bailar”.

La producción corre a cargo de Acciones Imaginarias, Feelgood Teatro (Feelgood, La Estupidez) y Todo al Tres Producciones.

ACTIVIDADES PARALELAS

El estreno de la obra no llega solo a Málaga: su autor y protagonistas tendrán un encuentro con el público tras la función el propio 25 de enero en el que los asistentes podrán realizar preguntas al equipo. Además, el jueves 26 por la mañana, Todo al Tres acudirá a la Escuela Superior de Arte Dramático de Málaga (ESAD) para impartir una charla y un taller al alumnado del centro. Tras su paso por Málaga, la función se estrenará en Madrid.

PROGRAMACIÓN ENERO Y FEBRERO EN EL TEATRO LARA 2023

Isabel G. Jerez, nos informa sobre la programación de Enero y Febrero en el Teatro Lara. Comedia comprometida y mucho humor para combatir la cuesta de enero en el Teatro Lara.

El Teatro Lara apuesta por la comedia comprometida y por el humor para combatir la cuesta de enero. Para arrancar el año, el decano del teatro madrileño ofrece muchas novedades en su cartelera y mantiene sus grandes montajes que han recibido un respaldo indiscutible del público. Cuatro es el número total de estrenos absolutos que va a tener el Teatro Lara durante los meses de enero y febrero. 

El teatro comprometido es uno de los grandes protagonistas durante estos primeros meses del año. “Migas de migajas” es el primer montaje con este sello que acaba de recalar en la sala Lola Membrives. 

Es la historia de dos cómicas que no pierden la ilusión ante nada. Dirigida por Chos, clave en la escena teatral alternativa madrileña, narra un periplo de descalabros en una búsqueda de la identidad y de la aceptación de una misma y de los demás. Esta semana, el jueves 19 de enero, Benja de la Rosa desembarca en la misma sala con “Me quedé antigua”, que protagonizan Patricia García Méndez, Veki Velilla y Carmen Mayordomo. En “Me quedé antigua”, De la Rosa aborda las relaciones tóxicas y los peligros de las nuevas tecnologías con una obra inspirada, muy libremente, en la película de Robert Aldrich “El asesinato de la hermana George”. 

El teatro comprometido se pone de nuevo de manifiesto en Blackbird con el 29 de enero. Blackbird no trata solamente del abuso a menores y los daños, propios y colaterales, que ocasiona. Va más allá y pone el dedo en la llaga de un mal que vemos extenderse ante nosotros cada día como un virus imparable: la irresponsabilidad. Además, a los escenarios del Lara acaba de volver la aplaudida “Solitarias de estreno”, protagonizada por Paula Berenguer y Berta Hernández. Durante el mes de febrero más novedades nos esperan sobre las tablas. El 7 de febrero, la polifacética Chos repite en la dirección, esta vez con “Lo que sea: la vida secreta de Baby Jane”. Mientras que los amantes de la comedia pura y dura estarán de enhorabuena porque a partir del 4 de febrero vuelven la aplaudida comedia “Santas y perversas”.

RISAS Y MÁS 

En la sala Cándido Lara, continuará hasta final de temporada como obra principal “La madre que me parió”, el plan perfecto avalado por el apoyo del público en sus seis temporadas en cartel. El elenco está encabezado por María José Ayuso (Aída), Juana Cordero (Cámera Café, La que se avecina) y Aurora Sánchez (Cancún de Olivares, El Apagón de Yllana, Tres y Arizona, de Juan Carlos Rubio, Acacias 38). En la sala Lola Membrives, los amantes de las risas lo van a seguir pasando en grande con “Punto y coma”, de Montgomery Entertainment. Además, el público podrá disfrutar de “Sofá y dos cuerpos”, una comedia dramática sobre el respeto y la tolerancia en la pareja que nace de resultado de un proceso de investigación sobre las relaciones sentimentales. 

También en esta sala, el montaje más personal de Eloy Arenas: “La inmortalidad es pasajera”, escrita e interpretada por este actor que vuelve al espectáculo unipersonal jugando con el pasado, presente y futuro mostrando, desde la duda, los hechos históricos más relevantes de la historia, relacionándolos con acontecimientos y personajes actuales.

Potente, humorístico, divertido, tierno, provocador. Este montaje subirá a la sala Cándido Lara a partir del 11 de febrero donde se podrá disfrutar los sábados a las 22h30. 

Hasta el próximo 29 de enero los amantes de los musicales podrán seguir disfrutando de “Lavar, marcar y enterrar. El musical”. Protagonizado por la actriz Inma Cuevas y Jacinto Bobo bajo la dirección de José Masegosa (El Ascensor, ganador del concurso Talent Madrid, El lamento de las Divas o Macabaret, premio Broadwayworld al Mejor Musical). Cuatro personajes se ven forzados a compartir un pequeño espacio durante una noche de armas sin seguro y peligrosos recuerdos. Los más pequeños va a poder seguir disfrutando de dos funciones que están teniendo mucho éxito entre el público infantil y juvenil: “Sherlock Holmes y el cuadro mágico” y “El pequeño Mozart” en sesiones matinales. 

En definitiva, el Teatro Lara seguirá ofreciendo este 2023 teatro para todos los públicos en el centro de la capital madrileña. 

PROGRAMACIÓN

ESTAS NAVIDADES EN EL TEATRO PAVÓN: AMOR EN LA TIERRA

El Teatro Pavón canta a la Navidad en Amor en la Tierra, un musical sobre el origen de Jesús de Nazaret a ritmo flamenco.

Del fondo flamenco de Jerez, una de las cunas del cante, surge un musical arraigado en la Navidad, en el relato del nacimiento de Cristo. Amor en la Tierra narra a ritmo del flamenco el periodo de tiempo que va desde el momento de la anunciación de María hasta el nacimiento de Jesús de Nazaret. El Teatro Pavón acoge el próximo 20 de diciembre este espectáculo, que reúne las colaboraciones de algunos de los mejores y más veteranos representantes del flamenco.

Amor en la Tierra, propone un viaje al pasado para situarnos en Belén y vivir desde el flamenco el comienzo de una de las historias más grandes jamás contada. Apoyándose en una esmerada puesta en escena y un repertorio original realizado para la ocasión, este musical es uno de los espectáculos más interesantes, novedosos y diferentes en su originalidad respecto al género navideño flamenco.

El proyecto de Amor en la Tierra (bajo el título genérico de Suena Jerez en Navidad) comenzó su andadura en 2013 bajo la dirección del guitarrista jerezano Pepe del Morao –nieto de Manuel Morao, sobrino de Moraíto chico y primo de Diego del Morao–, heredero del enorme talento de su dinastía, artista prolífico y de gran capacidad creativa.

En el Teatro Pavón se presenta con un elenco formado por las voces de Samara Carrasco, Sandra Rincón, Gema Cantarota, Gema Carpio, María del Bastián, Juana del Mono, Chanquita y Manuel Moneo Carrasco. A las palmas tocarán Markito Carpio y Bastianito. A la guitarra, Pepe del Morao y Rubén Martínez y, a la percusión, Ane Carrasco.

SANTI SENSO REGRESA CON SU NUEVO ACTO ÍNTIMO "ADICTO A MÍ"

 

FOTOGRAFÍA DE: VIRGINIA ROTA

Santi Senso estrena “ADICTO a MÍ” ¿Se puede heredar una emoción, una adicción?

Santi Senso vuelve a doblegarSE ante la preocupación que le habita por considerar que “La ADICCIÓN es la resistencia a la frustración” y no hemos venido al mundo para frustarNOS sino para disfrutarNOS ¿verdad? ¿Es la ADICCIÓN un disfrute tan placentero que no nos permite sentir la frustración de nuestros DESEOS? 

Senso durante su nuevo ACTO ÍNTIMO propone un encuentro insondable de la personalidad cuestionándoSE a qué es ADICTO, aceptando que es ADICTO. ¿Crees que hablar en tercera persona es un trastorno disociativo de la personalidad? BúscaLO, te sorprenderás.  Además, ¿acaso no formamos parte de las múltiples personalidades? ¿Tengo que renunciar unilateralmente a mi intimidad y a mis necesidades condenándoME así a cuidar, sanar, proteger o dar sin recibir? Esto me da placer. ¿Esto es lo que me sostiene? ¿Es una ADICCIÓN la condición humana? ¿Qué valor doy a mi propio valor? ¿Por qué me cuestiono mis merecimientos como una posible enfermedad? ¿Qué tengo yo para atraerME? ¿Y si no encuentro el USO, o si ABUSO de ese USO? ¿Y si tengo DEPENDENCIA de esa ADICCIÓN y me encuentro con mi coDEPENDENCIA? ¿Se puede heredar una emoción, una ADICCIÓN? ¿Una ADICCIÓN es cuando te modifica la VIDA? Pasado este umbral, ¿en un periodo de cuánto tiempo identificas que ya es tu VIDA y estas de vuelta enganchado a ella? ¿Y tú, eres ADICTA, ADICTO? ¿A qué, a quién?. 

Todo esto me seduce y seduce. Me atrae y me engancho a esa incertidumbre como placebo  donde tal vez no hay nada. Aunque creo que algo encontraré en esta vivencia sumersiva extrema hacia lo desconocido y por conocerME en el posiblemente ACTO ÍNTIMO con más controversias, contradicciones, confrontaciones, dudas e intrigas por descubrir la “corpomorphosis” que provoca ser ADICTO A MÍ.

¿Y tú sabes qué tienes para exponerTE ante MÍ? ¿Crees que hablar en tercera persona es un trastorno disociativo de la personalidad? BúscaLO te sorprenderás. Además ¿acaso no formamos parte de las múltiples personalidades? ¿Entonces yo soy el ADICTO de MÍ? Quizás eres tú el ADICTO A MÍ por saber y hablar de mí más que yo mismo de MÍ.

¿Se puede heredar una emoción, una adicción?

“NO TEMO A MI ADICCIÓN. TEMO A NO SABER CUAL ES Y QUE ME DESTRUYA”

ESTRENO el 7 y 8 de octubre a las 21 horas en el Teatro Umbral de Primavera de Madrid dentro de la programación del Festival Surge Madrid en Otoño.

Para seguir en cartel los viernes de octubre y noviembre.

+ info entrando en: 

https://www.madrid.org/surgemadrid/2022/02-adicto-a-mi.html

Venta de entradas: 

https://elumbraldeprimavera.com/evento/adicto-a-mi/

Ver trailer:

https://www.youtube.com/watch?v=ohnJwGXZ78g

Créditos artístico:

Autoría, Dramaturgia y Dirección

SANTI SENSO 

Intérpretes 

SANTI SENSO 

ÁNGELA VAN-BEGIN DE LA MONTAÑA 

SERGIO SAN MILLÁN 

CAMILA GÓMEZ DUVAL 

MANUEL DUARTE

GEMA FATELA

NATO RENATA

JAVIER RUIZ-BOBILLO

Música original y Espacio Sonoro 

GÓMEZ SELVA 

Fotografías, Diseño del cartel y Audiovisuales

 F.A. JIMÉNEZ

SURGE MADRID EN ESTE PRÓXIMO OTOÑO 2022

Surge Madrid en Otoño potencia la escena madrileña con 55 propuestas multidisciplinares del 26 de septiembre al 30 de octubre.

Artistas consagrados y noveles afincados en la Comunidad de Madrid o vinculados a su movimiento cultural protagonizan la novena edición de Surge Madrid en Otoño - Muestra de Creación Escénica, organizada por la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte. Veintitrés salas y teatros, veintiuno en Madrid capital y dos en municipios, acogerán la programación entre el 26 de septiembre al 30 de octubre.

Treinta y seis estrenos, más trece actividades en la sección Transversas y seis propuestas de creadores emergentes pondrán en valor en esta nueva edición de Surge Madrid en Otoño la compleja y contundente realidad escénica que ofrecen las salas, impulsando la rica oferta de trabajos en distintos formatos y géneros.

Asuntos como la toxicidad social, el fin del mundo, los efectos de la separación matrimonial, la guerra civil o revisiones de mitos clásicos como Antígona o Medea, figuran entre los temas que abordarán las obras de esta edición apegada a la actualidad y con una voluntad de experimentación artística en la danza, el teatro, el happening, los espacios sonoros o la fotografía.

La muestra acogerá los estrenos de ¡Ay, Carmela! Elegía de una guerra civil en dos actos y un epílogo. De José Sanchis Sinisterra (Coral Ros), Adicto a mí (Actos íntimos de Santi Senso), Antes-Después (Julia Nicolau), BuenaVentura (Las Martianas), Cosmología de una imbécil (la mínima), ... el continuo interminable amor que tengo por ti (Manuela Barrero dlcAos), El problema filosófico del cambio (Begoña Quiñones & Verónica Garzón), Érase una vez un G.I. Joe en la Cólquide de Uganda (Becuadro Teatro), Fin (Pelayo Muñiz Cabal), Grosse Fuge at last (Tania Arias Winogradow), Hasta que la muerte nos separe (Producciones Inconstantes), Heridas (Estudio Nerea Lovecchio), If (La ligereza) (Cía. del Sr. Smith), La cofradía de las invisibles (Las inviernas teatro), La Maraña (Salto al vacío), La voz de Lola (Los sueños de Fausto, S.L.), Las pistolas no se disparan solas (Poseidón Teatro), Lo que no dije (Amaranta Osorio), Lo valiente (Vito Sanz), Make me wild (Camille Hanson), Matilde Landa no está en los cielos (Lagrada Producciones Teatrales, S. L.), Medea (Cecilia Anahí), Neva (La Cantera exploraciones teatrales), PaElla (Tarambana Espectáculos S. L.), Poder y ruina (Esther Rodríguez-Barbero), Señor B. Algunos desastres de una guerra (Juanma Díez Diego), Somaficción (Fran Martínez - Elena Carvajal), Tana eta Santi, la perra negra y el maricón vasco (Cía Rebeldías Mínimas), Te estábamos esperando (Viviseccionados / Antonio L. Pedraza), Un encuentro con Bronnen (Begoña del Castillo), Un momento oportuno (Provisional Danza), Una boda de cine (Mar del Castillo), Versos en la boca (La Mayko producciones), Viacrucis de un CEO (Teatro de la Caverna. Enrique Bustos) y Vida secreta donde sobrevivir (Al descubierto Physical Theatre).

Estas obras y el resto de las incluidas en Transversas y la sección de emergentes se verán en Artespacio Plotpoint, AZarte, DT Espacio Escénico, El Umbral de Primavera, La Encina Teatro, La Juan Gallery, La Mirador, Nave 73, Nueve Norte, Parque de El Retiro, Réplika Teatro Centro Internacional de Creación, Sala Bululú 2120, Sala Cuarta Pared, Sala Exlímite, Sala Tarambana, Teatro de las Aguas, Teatro del Barrio, Teatro La Usina, Teatro Lagrada, Teatro Pradillo, Sala Mayko, Montalvo Espacio Cultural, Teatro Tribueñe y Teatro TylTyl.

La sección Transversas ofrecerá Audioguías por la memoria _ Paseos por lo que pasó o pudo pasar (Producciones Kepler), Dismorfia (La Tarara), El Decálogo de La Ciudad_Sin_Nombre - Capítulo IV -Que no me entierren la voz (Arturo Babel), El tiempo de las cartas (Natalia Fernandes, Clara Pampyn y Jorge Sevillano), FotoNovela (Paz Alberta), Happening a la carta. El teatro del arte (Cía José Piris. Mimox Teatro), La santa belleza (Virginia Rota), Me las bailo todas (Lucio A. Baglivo), Mesa en abismo (Raúl Marcos), Nosotras (Narváez Arróspide), Ob-skena. La inversión del paisaje (Fran Vélez), Point para la fantasía (Julián Pacomio y Ángela Millano), Un sonido preliminar (Jose Velasco).

Las seis propuestas emergentes son Contención mecánica (Teatro de los invisibles), Esquizofonía (Silbatriz Pons),Ganímedes en la piscina (CZDR), Het Lam Gods. Primera parte: La Pastora. “Idilio” (Victoria Aime / El Temblor), Ifigenia entre los tauros (Diego Carrasco) y Oye la lluvia bajo este paraguas (Colectivo amor & rabia).

Por último, en colaboración con el 40º Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid, y dentro de su programación, se presentan las piezas de Julia Nicolau Y todavía somos, y de Quemar las Naves, Bob o Nunca nadie: La questione del consenso, en las Salas Espacio Exlímite (12 y 13 de noviembre) y Sala Tarambana(19 y 20 de noviembre), respectivamente.

EL FESTIVAL DE TEATRO DE OLITE CONCLUYÓ EL 31 DE JULIO

Más de 4.700 personas asisten al Festival de Teatro de Olite, que retoma el pulso de la calle.

El 23º Festival de Teatro de Olite  concluyó el pasado domingo 31 de julio con un balance “muy satisfactorio” para la organización de una edición marcada por su nueva dirección artística, la recuperación del aforo completo —ya sin las restricciones para hacer frente a la pandemia de la COVID-19 que ha acompañado a las últimas dos ediciones, este año el escenario de La Cava ha ofrecido cerca de 400 localidades en cada función— y  la excelente acogida por parte del público, “que ha conectado con la programación”. Además, “se ha retomado el pulso de la calle y se han consolidado Tafalla y Beire como sedes del Festival”.

En total, el Festival de Teatro de Olite ha acogido una asistencia de 4.720 personas en todos sus espacios. A los ya habituales de La Cava, Casa de Cultura de Olite, Oficina de Turismo-Museo de Vino, Pórtico de Santa María, Plaza de Carlos III El Noble, Plaza de Teobaldos, Centro Cultural Tafalla Kulturgunea y Palacio de Ezpeleta de Beire, se han sumado en esta edición la Ronda del Castillo (La Nevera), Bodegas Ochoa, Parque del Conde en Tafalla y Centro Cultural Lázaro Galdiano de Beire. En La Cava se ha completado el aforo en las funciones de “La casa cuartel de Bernarda Alba” -de la compañía navarra Cardo Producciones-,, “Las que limpian” y “Malvivir”. Asimismo, se han agotado las localidades en los pases en Bodegas Ochoa de “La melancolía del turista”, las funciones de “La Reina del Arga” en distintas localizaciones, el espectáculo inaugural “Marabunta” en la Plaza Carlos III o “Maña” en la Plaza Teobaldos.

Por todo ello, las nuevas directoras artísticas del certamen, Ane Pikaza y María Goiricelaya, hacen un balance “muy positivo” de esta edición. A su juicio, “el festival ha vuelto a inundar las calles de Olite con una mirada fresca y comprometida y el público ha respondido con su participación subrayando así la necesidad de seguir compartiendo lugares de disfrute, arte y reflexión. Hemos cerrado una gran edición donde la paridad, las temáticas sociales, las nuevas dramaturgias, la intergeneracionalidad y la diversidad han tenido un lugar clave”.

ENCUESTA DE SATISFACCIÓN

Otra novedad en esta edición ha sido la elaboración de una encuesta de satisfacción con la que el público ha podido valorar los espectáculos y la atención del Festival a través de un código QR ubicado en los accesos a La Cava. En el 90 % de las respuestas sobre los espectáculos vistos y sobre el propio Festival, la valoración ha sido “buena” o “muy buena”.

La mayor parte de participantes en la encuesta afirman conocer el Festival de Teatro de Olite a través de la prensa, de la página web o por una recomendación personal. En todos los casos, a la pregunta de sí volverán en próximas ediciones, la respuesta ha sido afirmativa.

Organizado por la Dirección General de Cultura - Institución Príncipe de Viana, junto con la Fundación Baluarte, el Festival de Teatro de Olite ha celebrado entre el día 15 y el 31 de julio su vigésimo tercera edición con una programación multidisciplinar nutrida por 38 funciones de los 22 espectáculos programados. De ellos, 11 han sido creados, escritos o dirigidos por mujeres; nueve son de compañías navarras, 2 internacionales —de Bolivia y México—, uno de carácter inclusivo y uno en euskera enfocado al público familiar. El Festival también ha acogido dos residencias artísticas con dos ensayos abiertos cada una de ellas y varias “experiencias Olite”.

Además, el dramaturgo Paco Gámez ha impartido un taller cuyas plazas se agotaron en muy pocos días, y se han vuelto a celebrar los encuentros con artistas y periodistas, así como con compañías navarras, que han gozado de una magnífica acogida.

Desde el equipo que dirige el Festival de Teatro de Olite, también se celebra “la destacada repercusión mediática conseguida, tanto por parte de la prensa local y regional como de medios de ámbito nacional” y las “excelentes críticas recibidas” por montajes como “En un sol amarillo”, “Hoy puede ser mi gran noche”, “La reina del Arga” -de la artista navarra Estefanía de Paz-, “Los perros” -de la compañía navarra Led Silhouette-, “Las aves” o “Malvivir”.

Pikaza y Goiricelaya confiesan que “miramos con ilusión a la próxima edición en la que seguiremos proponiendo mejoras hacia un festival más participativo y esperamos que el público disfrute de ella tanto o más de lo que ha podido hacerlo en esta. ¡Sigamos disfrutando en Olite de los mejores espectáculos del mundo!.

LAS NUEVAS OBRAS QUE LLEGAN AL TEATRO LARA EN MARZO

 

EL TEATRO LARA informa que en marzo llega una función de carácter histórico y otra de espíritu reivindicativo, ambas basadas en hechos reales. 

Alfonso X el Sabio y la lucha por la justicia del sector trans llegan al Lara en marzo.

Marzo trae dos importantes novedades a la cartelera del Teatro Lara. La Sala Lola Mebrives recibe a uno de los montajes incluidos en la programación especial que da cabida a compañías de otras regiones, en este caso, la compañía extremeño-andaluza María de Melo Producciones presenta Alfonso X, la última cántiga desde el 31 de marzo. Antes, abriendo el mes, el 1 de marzo se estrena en el Lara Seis. Tod@s somos culpables, una obra que aborda el tratamiento diferenciado de la Justicia a la hora de juzgar delitos cometidos contra personas transexuales. Así, el Lara continúa programando montajes comprometidos con el movimiento LGTBIQ+ como es habitual en su cartelera.

Durante 2012 y 2013 fueron asesinadas en Uruguay seis mujeres trans. De esos seis asesinatos sólo se ha resuelto uno. A pesar de los esfuerzos de las organizaciones activistas pro derechos de la comunidad LGBTQ+, los cinco asesinatos restantes se mantienen impunes. En Seis. Tod@s  somos culpables, el uruguayo Federico Roca aborda esta cuestión y funciona en dos sentidos: como homenaje a las asesinadas y como una denuncia y exploración de las causas y motivos de la homofobia y la transfobia. A veces en clave de drama y otras en forma de comedia, la obra permite conocer algunas historias, reír de los propios prejuicios y plantea la necesidad de la empatía, dando un paso más allá del conocido “ponerse en los zapatos del otro” y pasando a un más abierto “sentir con el corazón del otro”.

En cuanto a Alfonso X, la última cántiga el teatro y música se unen para dar vida a los últimos años, a los últimos días del monarca sabio en un intento de desentrañar de forma dramática al ser humano y sus contradicciones, sus logros y sus decepciones, enmarcado en la interpretación de siete de sus cantigas. 

El contexto es absolutamente apasionante y demoledor: muerte de su primogénito Fernando, pérdida de sus aspiraciones a ser nombrado Emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, ajusticiamiento de su hermano Fadrique y su presunto amante Simón Ruiz de los Cameros por orden suya, huida de la Reina Violante con los Infantes de la Cerda, guerra civil con su segundo hijo, Sancho, en litigio por los derechos sucesorios, constantes rebeliones de nobles, traiciones de hermanos y antiguos amigos íntimos, destierro a Sevilla, invasiones en el Sur por Benimerines y del norte por Francia, y todo aderezado por una terrible enfermedad, un cáncer maxilofacial que lo tuvo al borde de la muerte en varias ocasiones y que posiblemente influyó en las controvertidas decisiones finales que tomó, y que lo sumían en estados de depresión salpicados por ataques de ira. Su refugio fue su incansable dedicación a la actividad cultural y a su Virgen Santa María.

MONTAJES

Alfonso X, la última cantiga

Expresión apasionada y desesperada de un último canto de despedida, como un grito de alivio y de dolor, su último aliento por soñar en cambiar la historia y el designio de los tiempos. Una obra de poderosa fuerza dramática y calidad musical que emociona y llega al corazón del público, en un diálogo permanente con el presente, en una búsqueda por desvelar la naturaleza y la condición humana que nos es inherente a pesar de los siglos de diferencia. 

Del 30 de marzo al 12 de abril 

Texto y dirección: Jesús Lozano

Elenco: Jesús Lozano, Inma Cedeño, Sara Marina, Ivo Blanek y los músicos Belisana Ruiz y Emilio Villalba.

Seis. Tod@s somos culpables

Obra del dramaturgo uruguayo Federico Roca que pone sobre la mesa la indiferencia de las autoridades frente al asesinato de seis mujeres trans. Esta pieza juega al límite entre el drama y la parodia, exponiendo la homofobia y la transfobia manifiestas en nuestra sociedad. Con humor, crudeza y reflexión se dan a conocer datos y situaciones que llevan a los espectadores por una montaña rusa de emociones. Las versiones realizadas en Montevideo y Nueva York se han alzado con importantes premios del ámbito teatral en ambas ciudades, por ejemplo, ha recibido el premio Abniel Marat a la mejor dramaturgia otorgado por el Fuerza Fest y la comunidad LGBTQ+ de la ciudad de Nueva York en 2017.

Del 1 de marzo al 26 de abril

Autor: Federico Roca 

Dirección y adaptación: Sebastián Bandera 

Elenco: Carlos Martín, Pilar Ávila Mora, Enrique Cordovez, Iris Prinses, Xavier Marcos y Germán Vigara.

EL TEATRO LARA PRESENTA: LA MEDIDA EXACTA DEL UNIVERSO

El Teatro Lara nos informa que “La medida exacta del universo”  de Juan Jiménez Estepa, llegará el 3 de noviembre a la Sala Lola Membrives. Las entradas estarás disponibles desde 12,60€

¿Es la vida que llevamos la que queremos tener o la que debemos llevar? 

De qué va ¿La medida exacta del universo?

Hace 17 años, Lucas vivió en Londres una intensa historia de amor con una chica, que acabó cuando ella se marchó. En el presente, Lucas está en plena separación de Zoe. Tienen un hijo por el que se plantea renunciar a su sueño de ser investigador para mantenerlo con un trabajo más estable y mejor pagado.  Pero Lucas siente que, antes de tomar esa decisión, necesita volver a Londres para reencontrarse consigo mismo y con los sueños que una vez tuvo.

Desde 3 de noviembre, miércoles 19:30 h en la sala Lola Membrives.

RAFAELA CARRASCO despliega su Ariadna flamenca en Teatros del Canal

RAFAELA CARRASCO despliega su Ariadna flamenca en Teatros del Canal, en dos únicas funciones el 30 y 31 de Octubre en Madrid.

El dramaturgo y Premio Max Álvaro Tato (Ron Lalá, Ay Teatro), el actor Carmelo Gómez, el compositor Jesús Torres, el cantaor Antonio Campos y la escenógrafa Gloria Montesinos unen su talento al de la bailaora y coreógrafa Rafaela Carrasco en este montaje que funde baile, toque, cante y poesía bajo el mito de Ariadna.

Ariadna (al hilo del mito) despliega todo su talento y arte el 30 y 31 de octubre en los Teatros del Canal. Se trata del viaje flamenco a un mito que nos enfrenta con nuestros miedos y anhelos ancestrales. Baile, cante, toque y poesía en clave de tragedia griega. “Nuestra Ariadna despierta una y otra vez en la isla sin nombre siempre de vuelta al punto de partida: la soledad del ser humano”, explica su directora y protagonista, Rafaela Carrasco. La bailaora y coreógrafa, da vida a este mito femenino y se adentra en el laberinto de los miedos más profundos del ser humano con la compañía de un solo hilo que marca el camino de regreso.

Carrasco, sin embargo, no está sola en este viaje. La acompaña el talento de un equipo de alto nivel artístico formado por el dramaturgo y Premio Max Álvaro Tato (Ron Lalá, Ay Teatro), la voz en off del actor Carmelo Gómez, la dirección musical de Jesús Torres, el temple del cantaor Antonio Campos y la iluminación y escenografía de Gloria Montesinos, entre otros artistas. En escena, acompañan a Carrasco los bailarines Rafael Ramírez, Gabriel Matías, Ricardo Moro y Felipe Clivio; a la guitarra Torres y Salvador Gutiérrez y al cante Campos y Miguel Ortega. Un montaje de alta calidad artística y dramatúrgica para los amantes del flamenco, de la danza y del teatro.

Entre lo terrenal y lo onírico, entre la realidad y el mito, entre la vigilia y el sueño se desenvuelve esta danza que sigue la estructura de las grandes tragedias griegas, desde el párodos al éxodo, para revivir las claves emocionales de una leyenda tan familiar, tan cercana, tan propia como nuestro primer amor, nuestro miedo a lo desconocido, nuestra pulsión por la huida y el riesgo, nuestro baile al borde del cielo y el abismo. Una Ariadna flamenca y mítica, cotidiana y eterna.

“El mito clásico sirve de punto de partida para una serie de piezas que giran en torno a los temas esenciales; visto desde los ojos de Ariadna, la tejedora solitaria, seguimos el hilo de la esperanza de huida en un entorno patriarcal, recorremos las trampas laberínticas del amor y el deseo y nos liberamos de una prisión para caer en otra”, describe la directora.

“Ariadna (al hilo del mito) es una sola mujer entre varones que sueña por su independencia y lucha por su libertad cuando el amor se cruza en su vida; una figura femenina universal que atraviesa los siglos”, añade Carrasco. Partiendo de las versiones clásicas del mito glosado por poetas latinos como Ovidio y Catulo, el montaje huye de construir una danza narrativa: “Buscamos la mirada de la heroína, cómo se va modificando el mundo en el paso de la fantasía a la realidad, del aislamiento a la relación, de la aceptación ensoñadora a la rebeldía y, en definitiva, al enfrentamiento con la verdad oscura del laberinto que nos conforma”, explica el dramaturgo Álvaro Tato.

“Ariadna posa un pie en la realidad de las mujeres, en la soledad femenina de tantas generaciones del pasado, y relaciona esa realidad con el trasfondo mítico; Ariadna es a la vez un ensueño y una pesadilla recurrente.

Porque el hilo somos nosotros. El monstruo somos nosotros. El laberinto somos nosotros”, describe Tato.

En definitiva, se trata de un espectáculo sobre la búsqueda de uno mismo, del otro y de la libertad. Ariadna es la tejedora, la que halla el hilo para salir del laberinto, pero también la atrapada, la aislada, la traicionada por su amor; una mujer compleja que ha de madurar demasiado pronto por causa del desengaño y es llevada a la perdición por su anhelo de independencia. Una isla, una ilusión, un laberinto, un monstruo, un hilo que va marcando el camino. Ariadna es la crónica emocional de un viaje al interior de nosotros mismos.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dirección y coreografía: Rafaela Carrasco

Dramaturgia y letras: Álvaro Tato

Voz en off: Carmelo Gómez

Baile: Rafaela Carrasco – Rafael Ramírez – Gabriel Matías Ricardo Moro – Felipe Clivio

Dirección musical: Jesús Torres

Composición musical: Antonio Campos – Jesús Torres

Guitarras: Jesús Torres – Salvador Gutiérrez

Cantaores: Antonio Campos – Miguel Ortega

Diseño de vestuario; Leandro Cano

Diseño de iluminación y escenografía: Gloria Montesinos

Diseño de espacio sonoro: Ángel Olalla

Maquinaria: Rusti

Producción ejecutiva: Alejandro Salade

Una producción de Rafaela Carrasco

Distribuye: Emilia Yagüe Producciones

Comunicación: Marea GlobalCOM

Entradas ya a la venta en la taquilla de Teatros del Canal y en este enlace

EL TEATRO LARA NOS INFORMA QUE ESTRENAN "OTRO SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO"

EL TEATRO LARA nos informa que estrenan “OTRO SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO” desde el 16 de septiembre, los miércoles y jueves en la sala Lola Membrives.

La productora Cinema Room Acting Studio hace suyo el clásico de Shakespeare, para despedazarlo sin piedad (y con cariño) y convertirlo en una atrevida y provocadora orgía de comedia, fantasía y frescura, mucha frescura.

Compra tus entradas a precio anticipado por 10 euros + gastos de gestión.

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Cupo limitado para los primeros espectadores en comprar

Sinopsis: Esta es la clásica historia de cuatro jóvenes muy frescos que, seducidos por el ritmo de la noche, acaban perdidos, desnudos y muy - pero que muy - confundidos en un bosque mágico habitado por dioses del Olimpo, hadas coreanas y un fauno muy cachondo que acabará liándola muy parda. Y todo esto acompañado de baladas pegadizas, pop ochentero y, por qué no, sevillanas. Lo dicho, un clásico.

Después de tres temporadas alegrando la cartelera madrileña y de clausurar por todo lo alto el Festival de Teatro Clásico de Olmedo, esta versión gamberra e irreverente vuelve más traviesa que nunca para humedecer las noches del teatro Lara.

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