100 DÍAS DE SOLEDAD - FESTIVAL DE CINE DE GIJÓN

       Tras quedar finalista en los conocidos como los Oscar del cine de naturaleza en Jackson Hole Wildlife Internacional Films Festival, el largometraje 100 DIAS DE SOLEDAD producido por José María Morales (Wanda Films) y dirigido por el asturiano José Díaz se presentará, por primera vez en España, en el Festival Internacional de Cine de Gijón.

José Díaz se ha recluido en su cabaña en el Parque Natural de Redes (Asturias) durante un largo periodo de 100 días, siendo autosuficiente y desconectándose absolutamente del mundo real y sus avances. Sin electricidad, ni móvil, ni televisión, ni ordenador, ni reloj... Sólo el hombre, con la naturaleza.

          Fui feliz, muy feliz, y además lo supe. Viví malos momentos, pero siempre eclipsados por los buenos. En cada caminata conté mis pasos hasta cien mil veces, manteniendo así activas las cuerdas vocales. Tras decenas de fracasos, conservé intacta la ilusión hasta el último momento. Viví sin la compañía de una televisión; el fuego me enseñó cómo hacerlo. Dispuse del tiempo a mi antojo, pero sin dejar de ser disciplinado. Sentí la dureza de la soledad de forma implacable, y aprendí mucho de ella. Subsistí a base de austeridad y todavía me sobraron muchas cosas. Las heladoras duchas me mostraron que tras el sacrificio viene el beneficio. Repuse litros y litros de sudor hidratándome con agua pura, preciado tesoro hoy en día. Ante mis ojos se cruzaron más árboles de los que mucha gente verá a lo largo de sus vidas. Asistí al espectáculo del otoño y disfruté de las nieves del invierno. Comprobé cómo mi sombra iba alargándose día tras día, hasta casi escaparse de mí. Vi las altas copas de los árboles dibujadas en cielos multicolor. Disfruté del celestial sonido que el silencio produce. Atravesé kilómetros de bosque en busca de animales, y, aunque no siempre los encontré, seguí haciéndolo con la misma pasión. Hice mías las palabras de Nelson Mandela, “Fui capitán de mi alma, timón de mi destino”. Aunque lloré, sufrí, dudé, renegué…, fui inmensamente feliz." José Díaz, director.

100 DÍAS DE SOLEDAD - FESTIVAL DE CINE DE GIJÓN

 Sábado, 18 de noviembre

20:00h - Teatro de La Laboral. Pase Especial

Con la presencia de José Díaz (director)

Compra de entradas aquí

UNA RAZÓN PARA VIVIR: CRÍTICA DE CINE

          La ópera prima de Andy Serkis, “Una razón para vivir” hace brillar a su actor principal, Andrew Garfield.

          Robin Cavendish (Andrew Garfield) es un joven británico de 28 años, deportista, vital, aventurero, lleno de energía y con un positivismo que contagia a sus amigos y a Diana (Claire Foy) a quien conquistará y se casarán.

          Nada parece que puede ensombrecer la vida de esta pareja quien disfruta del campo con sus amigos y de una vida confortable. Un día Robin empieza a padecer fuertes dolores hasta quedar su cuerpo paralizado. En el hospital le diagnosticarán que ha contraído la polio y tras unos día en cama y sabiendo que nunca se levantará de ella, confiesa a su mujer que desea morir. Será el amor de su esposa y la amistad incondicional de sus amigos, quienes le ayuden a superar la crisis.

          El británico que encarnó al enigmático Gollum del Señor de los anillos, Andy Serkis, se sitúa tras la cámara, en su ópera prima, para dirigir este emotivo y elegante drama basado en la historia real de Robin Cavendish, que junto a  su mujer y amigos, cambió la forma de vivir a millones de enfermos discapacitados, sin perder jamás su sentido del humor, su sonrisa eterna y su coraje en la lucha.

          Mencionaré primero a su actor principal, por su gran interpretación,  por  llevar todo el peso de la película, por su empatía con el espectador, por ofrecer su cuerpo, sus gestos y su alma al personaje; hablo de Andrew Garfield. Un actor que sorprende por la versatilidad a la hora de encarnar a sus personajes. Recordemos, como ejemplo que el pasado año fue el protagonista de “Hasta el último hombre” de Mel Gibson y de “Silencio” de Martin Scorsese. Estoy convencido que la nominación al Óscar la vuelve a tener en el bolsillo y esperando cuáles pueden ser sus compañeros de nominación, alzarse con la deseada estatuilla que a mi juicio, debió ganar el pasado año. 

          Un gran casting actoral, que  además de a su protagonista masculino,  mencionaré a la maravillosa actriz británica Claire Foy, como Diana, la sufrida, tierna y amorosa esposa de Robin, y como tantas veces he dicho, cuando una película británica está en pantalla, no hay duda sobre la calidad de sus actores y sus correctísimas interpretaciones, sin más que objetar.

          Si a la película le tengo que poner una pega, antes de continuar, sería el guion escrito por William Nicholson, al cual le falta nervio en algunos momentos, pero que pronto se olvida al estar disfrutando de una dirección muy correcta, una impresionante fotografía de Robert Richardson, con instantáneas que evocan a postales de otro tiempo, una magnífica ambientación y vestuario, el preciso montaje con el que cuenta y sin olvidar por supuesto, la atractiva banda sonora compuesta por Nitin Sawhney, donde incluye además de piezas propias, temas como “La marcha triunfal” de la ópera Aida o el famosísimo “Estrella errante” de la excelente película “La leyenda de la ciudad sin nombre” entre otras.

          Una razón para vivir, es de esas películas que no precisa de razones, para ser vista.

          Recomendable para amantes del drama y del buen romanticismo.

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 17 de Noviembre

          REPARTO: Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, Miranda Raison, Dean-Charles Chapman, Kiera Bell, Camilla Rutherford, Ed Speleers, Ben Lloyd-Hughes, Emily Bevan, Roger Ashton-Griffiths, James Wilby, Amit Shah, Honey Holmes, Lasco Atkins.

          PRODUCTORA: Imaginarium Productions.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España

EL AUTOR: CRÍTICA DE CINE

          Cuando El Autor, no es consciente de sus limitaciones, busca la provocación para que la realidad sustituya a la imaginación. Una película de Manuel Martín Cuenca (Caníbal).

          Álvaro (Javier Gutiérrez) está obsesionado con ser escritor, asistiendo, desde hace tres años, a cursos y masterclass de escritura, pero le falta lo más importante, el talento. Su mujer, Amanda (María León) recibe la medalla más importante de Andalucía por su novela, que se ha convertido en un Best-sellers. Los celos de Álvaro por los logros de su mujer y ver como ésta mantiene sexo con un desconocido en un coche, les lleva a la separación.

          Álvaro dejará de rendir en la Notaría en la que trabaja y su jefe le propone que se tome unas vacaciones, acepta y aprovecha para mudarse a un nuevo piso. Este acontecimiento y las conversaciones que comparte con su profesor Juan (Antonio de la Torre) sobre cómo crear personajes con vida, desembocarán en un serio conflicto.

          Manuel Martín Cuenca, dirige esta acertada obra compartiendo guion con Alejandro Hernández y basándose en la novela de Javier Cercas, para narrarnos una historia donde los celos profesionales y personales, el deseo de triunfar, los sueños rotos, la falta de imaginación, las intrigas, la sexualidad, la vida cotidiana, los emigrantes, el paro y la necesidad de sentirse amado, entre otros temas, serán los detonantes para crear una obra divertida y dramática a partes iguales.

          Que la realidad muchas veces supera a la ficción, es una frase que hemos dicho y escuchado en infinidad de ocasiones y aquí Álvaro, nuestro protagonista, la llevará a cabo con su perversa mente, no con la imaginación, pues carece de ella. Una mente perversa y manipuladora, que utilizará contra sus vecinos con un objetivo; que sus dichas y desdichas le sirvan para  crear los personajes de una novela que desea escribir y que su falta de imaginación, le impide. Javier Gutiérrez es el encargado de meterse en la piel de Álvaro, y lo lleva hasta el límite sin pensar en las consecuencias.  Una magnífica interpretación que provoca pena y odio por igual, según su comportamiento, pero ante todo te hace reír, pensar y hasta maldecir. Sigues cada una de sus macabras tretas y esperas al siguiente movimiento, como las piezas que mueve durante las partidas de ajedrez que mantiene con su vecino el Sr. Montero (Rafael Téllez)

          Si Javier es el 75% de la película, en cuanto al tema actoral, el resto del casting no defrauda, sino todo lo contrario. Nombres importantes en el cine español para encarnar a personajes no menos interesantes. A los ya mencionados añadiría a María León, que me sigue cautivando con ese “candor” innato en ella, en un papel sencillamente adorable y la encantadora Adelfa Calvo, como la sufrida portera. Todos, creíbles sin excepción.   

          Una sátira con numerosas lecturas, las cuales serán descubiertas en su totalidad o parte, por el espectador entre la tela de araña que tejen los habitantes del edificio. Un inmueble que bien podría representar a un barrio o una ciudad, con sus conflictos, sus verdades, sus mentiras, el deseo de superación, su lado oscuro y  hasta el ingenuo.

           Destacar la impecable fotografía de Pau Esteve: clara, nítida, precisa, jugando con los contraluces y las sombras chinescas; estas últimas para recrear  situaciones dramáticas, donde lo importante es lo que se escucha y no lo que se debería ver.  

          Un divertimento de casi dos horas de duración, puesto al servicio del espectador.

          Recomendable para amantes de la comedia ácida.

          Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 17 de Noviembre

REPARTO: Javier Gutiérrez, María León, Antonio de la Torre, Adriana Paz, Tenoch Huerta, Adelfa Calvo, Rafael Téllez.

PRODUCTORA: Coproducción España-México/ Icónica Producciones/ Lazona/ La Loma Blanca P.C.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

JUPITER´S MOON: CRÍTICA DE CINE

        Jupiter´s Moon, un drama con toques de ficción, dirigido por el húngaro Kornél Mundruczó.

          “Júpiter posee numerosas lunas, una de las más importantes se llama: Europa”.

          Durante la noche, un grupo de hombres y mujeres se van amontonando en diferentes barcas en silencio, con el fin de pasar  a la otra orilla y así cruzar la frontera hacia Europa. Son descubiertos y abatidos a tiros durante la persecución. Un joven sirio llamado Aryan (Zsombor Jéger) resulta herido y cae al suelo. Entre el dolor provocado por las tres balas, que han atravesado su cuerpo, es consciente y siente como su cuerpo puede levitar. Consigue llegar a  un campo de refugiado donde conocerá al doctor Stern (Merab Ninidze), quien al descubrir su poder, le ayudará a escapar, para explotarle y ganar dinero con él.

          Kornél se arriesga y nos muestra un ejercicio entre la realidad y lo sobrenatural, con un guion firmado junto a Kata Wéber. Una dura crítica social sobre la hambruna, la emigración, los derechos humanos, los refugiados e incluso de forma fugaz, tocar el terrorismo. Un filme hipnótico para el espectador que no sabe cómo afrontar la historia que tiene ante sus ojos, pues si bien la realidad mostrada es lo suficientemente cruda, ¿cómo se asimila el humor ácido, negro y surrealista que nos ofrece o el misticismo bíblico, que sugiere?

          Una obra donde todo está mostrado con una verdad que duele e incluso ofende, si no es bien entendida. Las persecuciones sin límite, la acción desbordante, los diálogos que penetran como cuchillos, la humanidad y la crueldad, el odio y el amor, la avaricia, la lucha por sobrevivir, la corrupción,  la xenofobia, el deseo de salir de la miseria y de todo aquello que su país no puede ya ofrecerles. La esperanza. La esperanza de un mundo mejor, la esperanza que en parte representa Aryan mostrándose como un súper héroe capaz de dar paz a los moribundos, pero a la vez dejarse utilizar por los miedos que le atenazan. Una obra dura, para  una historia viva y en parte latente.

          Antes de hablar de las interpretaciones lo haré de la magnífica fotografía por parte de Marcell Rév, que impregna la pantalla de dolor y resignación, entre los efectos visuales y planos que hablan por sí mismos, cuando las palabras son además reemplazadas por las notas de la banda sonora que nos regala Jed Kurzel.

          Las interpretaciones fortalecen con su credibilidad la narración de la obra. Aunque en ocasiones no hace falta de muchas palabras, sino de cómo están dichas y en este filme, aunque hay diálogos profundos, los silencios son más desgarradores.

          Tras finalizar la película me pregunté si era necesaria la fantasía, las metáforas surrealistas y sobrenaturales que añade a una historia ya potente, por sí misma. Al llegar a casa y escribir estas líneas, me percaté, de todo lo que encierran esas imágenes.

          “Vivimos en un mundo en horizontal y nos olvidamos muchas veces de mirar hacia arriba”

          Recomendable para amantes de quienes no se esconden, ante la realidad que nos rodea.

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en España: 17 de Noviembre.

          REPARTO: Zsombor Jéger, Mónika Balsai, Merab Ninidze, György Cserhalmi.

          PRODUCTORA: Coproducción Hungría – Alemania; KNM/ Match Factory Productions/ Proton Cinema.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

AVANCE DE CINE: YO TONYA

Entertainment One Films Spain, presenta uno de sus próximos estrenos para el 2018. “YO TONYA”

          La historia de esta famosa patinadora Tonya Harding, está interpretada por: Margot Robbie, Sebastian Stan y Allison Janney en sus papeles principales, y dirigida por Craig Gillespie.

          La película tuvo una gran acogida entre crítica y público en el pasado Festival Internacional de Cine de Toronto y es uno de los títulos importantes cara a la próxima temporada de premios cinematográficos, entre ellos los Óscar.

SINOPSIS

          Tonya Harding (Margot Robbie) dominó el hielo con un estilo de patinaje totalmente único. También dominó los titulares por algo completamente diferente. “YO, TONYA” es, por momentos, un absurdo, trágico e hilarante retrato de la mujer en el centro del mayor escándalo en la historia del Deporte.

          Se estrenará en nuestro país de la mano de eOne Fims, el 23 de febrero de 2018

HAPPY DEATH DAY: CRÍTICA DE CINE

          Happy Death Day del director Christopher Landon, juega con todos los tópicos satirizándolos y endemoniándolos  por igual.

          Tree Gelbman (Jessica Rothe) se despierta en una habitación de la universidad donde se aloja su amigo Carter Davis (Israel Broussard) tras una pesadilla en la que es asesinada por un personaje con máscara de bebé  mofletudo, en el día de su cumpleaños.

          Mientras abandona la habitación de su amigo y pasa por todo el campus, nos daremos cuenta de que Tree no pasa desapercibida en belleza y cuerpo, pero por el contrario es la típica una niña pija, soportable solo con su círculo de amigas como ella, que va de sobrada, que no le importa a quien hace daño con sus palabras,  que mira por encima del hombro a casi todo el mundo, que resulta muy básica en su forma de pensar y que no se relaciona ni con su padre.

          Es el día de su cumpleaños y el sueño que creyó tener la noche anterior, no lo era, es asesinada de nuevo por el mismo personaje. Al despertar comienza a ser consciente de que algo no va bien.

          Un Thriller donde Christopher busca sorprender en el género de comedia negra juvenil, con toques de terror o suspense y en Feliz Día de tu Muerte, nos presenta un cóctel con las ideas de las ya conocidas “Scream”, “Atrapados en el tiempo” y las comedias universitarias americanas que nunca parecen  pasar de moda.

          Landon comparte el guion con Scott Lobdell y ambos se ríen de todo lo que están mostrando ante la gran pantalla, sabedores de los referentes que no ocultan en ningún momento y esa comicidad, que me imagino tramada entre ambos frente a frente tomándose una copa, convierte a esta cinta sin ser original, en atractiva, divertida, inteligente y socarronamente alocada.

          Los actores están perfectos, nada que decir negativo de ninguno de ellos, aunque claro que voy a destacar a la maravillosa, espectacular y divertida Jessica Rothe. A través de sus viajes en el tiempo, entre sueños y realidades, vamos viendo su evolución, su transformación, como una metamorfosis moderna para dejar un mensaje que a mi gusto ya está muy manido, pero que en esta ocasión no molesta volver a verlo y escucharlo.  

          La parte técnica de esta cinta está escrupulosamente cuidada. Comenzaré con el montaje, dinámico y directo, no se pierde en detalles que no merecen la pena, sino que va al grano en todo momento. La fotografía de Toby Oliver, clara, nítida, directa, bien iluminada y la música de Bear McCreary un popurrí perfecto evocando el suspense, la acción o la comedia, pasando de un extremo al otro, con total sencillez.

          “Hoy es el primer día, del resto de tu vida” y a esta frase que se ve en la puerta de la habitación de estudiantes de Carter Davis, añadiría: “Así que disfrútalo, como si no hubiera un mañana”

          Recomendable para amantes de la comedia desenfadada, con sustos incluidos.

          Mi nota es un 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 10 de Noviembre

          REPARTO: Jessica Rothe, Israel Broussard, Ruby Modine, Rachel Mattherws, Charles Aitken, Jason Bayle, Phi Vu, Donna Duplantier, GiGi Erneta, Tenea Intriago, Rob Mello, Cariella Smith, Billy Slaughter, Julia Holt, Blaine Kern III, Ron M Patterson.

          PRODUCTORA: Blumhouse Productions/ Digital Riot Media

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Universal Pictures International Spain.

NOTA: VISTA EN PASE ESPECIAL EN NOCTURNA MADRID 2017

AVANCE DE CINE: EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO

          El sacrificio de un ciervo sagrado está dirigido por, Yorgos Lanthimos.

          El perturbador thriller del director de “Canino”, protagonizado por Colin Farrell, Nicole Kidman y Barry Keoghan, entre otros, llega a nuestros cines el 1 de Diciembre tras su paso por Cannes (Mejor Guion) y Sitges (Premio de la crítica José Luis Guarner)

          Yorgos Lanthimos estrena este thriller donde, tras “Langosta”, vuelve a trabajar junto a Colin Farrell, esta vez acompañado de Nicole Kidman, Barry Keogha, Raffey Cassidy, Sunny Suljic y Alicia Silverstone.

          Sinopsis:

          Steven (Colin Farrell) es un carismático cirujano casado con Anna (Nicole Kidman), una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim (Raffey Cassidy) y Bob (Sunny Suljic). Cuando Steven entabla amistad con Martin (Barry Keoghan), un niño de dieciséis años que ha perdido a su padre, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.

          Esta producción de Element Pictures, está co-escrita por Yorgos Lanthimos junto a su colaborador habitual, Efthimis Filippo.

          Como ya he comentado, se estrenará en todas las salas comerciales el próximo día 1 de Diciembre de la mano de @DiamondFilmsES.

AVANCE DE CINE: EL VIAJE

EL VIAJE, es un ejercicio de imaginación basado libremente en el momento clave en el que McGuinnes y Paisley coincidieron dando lugar al diálogo que marcó el principio del fin de las hostilidades entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte. Un momento del que los propios protagonistas han hablado poco... Fue McGuinness quien dio la primera pista a la prensa durante una visita a la Casa Blanca afirmando que "Ian Paisley y yo nunca habíamos tenido una conversación sobre nada – ni siquiera sobre el tiempo – y ahora llevamos siete meses trabajando juntos muy duro".

          El director Nick Hamm se interesó por esta conversación después de que un periodista le contara que durante los conflictos era habitual que los políticos de partidos contrarios viajasen juntos para evitar atentados. "Empecé a investigar y averigüé que hubo un viaje que tuvo lugar en Escocia durante las Conversaciones de Paz que se retomaron en 2006. Las reuniones coincidieron con las bodas de oro de Ian Paisley, que le obligaron a volver a Belfast; Martin McGuinness, a la fuerza o voluntariamente, decidió viajar con él".

          El viaje está interpretado por  Timothy Spall y Colm Meaney. Será distribuido por Vértice Cine a partir del 17 de Noviembre.

LA LIBRERÍA: CRÍTICA DE CINE

        La Librería, dirigida por Isabel Coixet (Nadie quiere la noche). Literatura y coraje, en una obra suave y firme como la brisa del mar.

          Florence Green (Emily Mortimer) vive en un puerto costero en Hardborourgh. Es viuda, lectora apasionada y su sueño, como era el de su marido, es abrir una librería. Alquila una vieja casa del pueblo y además de habitarla, la convierte en su librería soñada.

          Mrs. Violet Gamart (Patricia Clarkson) es una mujer de la alta sociedad, vive junto a su marido ex militar, en un gran caserón donde celebra fiestas para invitar a lo más selecto del lugar. Está empeñada en que la casa que ha convertido en librería Florence, sea un centro dedicado a la cultura, para ello utilizará todas las armas a su alcance…

          Una de las primeras sensaciones que se tiene ante este films, sobre todo para aquellos que hemos vivido muy cerca del mar y a la vez disfrutamos de un libro entre las manos, es como se activa el sentido del olfato. La librería es una película que huele. Huele a salitre, a hierba fresca y arena húmeda, a brisa, a calles empedradas, a casas y mobiliarios antiguos, a paredes faltas de pintura, a madera de estanterías y sobre todo huele a papel de envolver, a papel con tinta impresa... Huele a libros.

          Nos veremos rodeados de muchos títulos, pero en particular destacarán, a mi modo de ver, dos: Lolita, que para su tiempo fue todo un escándalo y la maravillosa Farenheit 451. Cada uno de ellos, tendrá un significado particular durante la obra.

          La adaptación por parte de la propia directora, Isabel Coixet, de la novela de Penélope Fitzgerald, es acertadísima y todas las sensaciones que se perciben entre sus páginas, están plasmadas con gran elegancia, delicadeza y sutil lentitud en el transcurrir del metraje, con unos diálogos brillantes,  bajo el soporte de la fotografía de Jean-Claude Larrieu. Una exquisita fotografía de retratos y estampas de otro siglo, de otra década.

           El poder de la política y la sociedad, vuelve a estar presente en un nuevo filme, en éste demostrando hasta qué punto los hilos son movidos desde administraciones para beneficiar a unos y perjudicar a otros. El caciquismo, la sumisión, la ambición, la preponderancia, las jerarquías, los sinsabores, la felicidad efímera, la lucha, el coraje… Todo esto y mucho más, desfilará por la gran pantalla en sus casi dos horas de proyección.

          Un final de los años 50 perfectamente reproducido a través de sus decorados y puesta en escena, en su vestuario y música y donde la banda sonora, compuesta por Alfonso de Vilallonga, endulza el drama entre instrumentos de cuerda y los sonidos extraídos del piano.  Un drama  que tendrá que vivir en soledad Florence, en lucha contra un pueblo controlado por una “madrastra de cuento”.

           Y al hablar de Florence, no nos podemos olvidar de quien la interpreta de forma tan magistral, Emily Mortimer. De su joven ayudanta  Honor Kneafsey (Christine). De un impecable caballero inglés, Bill Nighy (Mr Brundish), de una perversa, Patricia Clarkson (Mrs. Violet Gamart)  y por supuesto todo el resto de elenco de actores secundarios, en una convincente dirección actoral.

          Recomendable para amantes del cine en general y de los libros en particular.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 10 de Noviembre

          REPARTO: Emily Mortimer, Patricia Clarkson, Bill Nighy, Honor Kneafsey, James Lance, Harvey Bennett, Michael Fitzgerald, Jorge Suquet, Hunter Tremayne, Frances Barber, Gary Piquer, Lucy Tillett, Nigel O´Neill, Toby Gibson, Charlotte Vega.

 

          PRODUCTORA: Copruducción España-Reino Unido-Alemania/ Green Films/ A Contracorriente Films/ Diagonal TV/ Zephyr Films/ ONE TWO Films.

 

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.