lunes, 14 de enero de 2019

NOTICIAS BREVES (XXIV)


MADAVENUE y ADSO FILMS,  nos informan del nuevo estreno, el entrañable docu-ficción, dirigido y escrito por Samuel Collardey, “PROFESOR EN GROENLANDIA” el próximo 15 de febrero.

la película fue nominada al gran Premio del Jurado de la sección World Cinema de Sundance, consiguió el premio del jurado en el Festival 2 Valenciennes 2018 y fue seleccionada en la sección “Écrans Juniors” del festival de Cannes.

rotagonizan la película Anders Hvidegaard y Asser Boassen, actores debutantes en el cine que se interpretan, en cierta medida, a sí mismos.

SINOPSIS: Anders, un profesor recién licenciado, decide dejar su Dinamarca natal en busca de una aventura laboral en Groenlandia. Al llegar allí se siente extraño y alejado de sus habitantes, al ser una comunidad muy cerrada. Gracias a una serie de curiosas circunstancias, Anders cuestionará sus convicciones centroeuropeas y aceptará su nuevo estilo de vida polar. PROFESOR EN GROENLANDIA es una inteligente y tierna película en la que el protagonista nos da una profunda y emocionante lección de vida.

En sus viajes a Groenlandia, Collardey conoció a diferentes maestros y al ver su relación con los niños y las familias del pueblo, vio claro que un profesor o profesora debía ser el protagonista de su película. Y mejor si se trataba de un extranjero que tuviese que acostumbrarse a ese ambiente, a luchar con la soledad y a encontrar su sitio en esa comunidad. En Tinit, un pequeño pueblo de Groenlandia, conoció a Anders Hvidegaard, un joven danés de aspecto vikingo que acabó convirtiéndose en el protagonista de PROFESOR EN GROENLANDIA. “Al entender la motivación real de Anders por su nuevo trabajo como profesor en Groenlandia y su relación con el negocio familiar de Dinamarca, centrado en la ganadería, se descubrió como un buen personaje, con un dilema y una prometedora historia que contar [···] Al final, la película surge del año que pasamos todos juntos y de la vida en sí”, concluye el director.
ADSO FILMS ESTRENARÁ PROFESOR EN GROENLANDIA EL PRÓXIMO 15 DE FEBRERO DE 2019

FILMAX PRESENTA: Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta y Macarena García inician el rodaje de "VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN", distribuida por Filmax.

Se trata de la adaptación cinematográfica de la exitosa novela homónima dirigida por ARITZ MORENO y guionizada por JAVIER GULLÓN

“¿Le apetece que le cuente mi vida?” Helga es abordada con esta desconcertante pregunta de un desconocido durante un viaje en tren. Este encuentro marcará su futuro.

Así es el punto de partida de VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN, thriller conspiranoico protagonizado porLuis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez, Belén Cuesta y Macarena García, que comenzó a rodarse el pasado 10 de diciembre en el País Vasco y que llegará a los cines de la mano de Filmax.

Les acompañan en el reparto Javier Botet, Javier Godino, Stephanie Mignon, con la colaboración deGilbert Melki y Ramón Barea.

Es el primer largometraje de Aritz Moreno como director, con guion de Javier Gullón basado en la novela de culto de Antonio Orejudo, repleto de pintorescas y laberínticas historias, con un sinfín de personajes extraordinarios, enigmáticos y disparatados.

VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN cuenta con la producción de Merry Colomer, Leire Apellaniz y Juan Gordon, la dirección de fotografía de Javier Agirre, la dirección artística de Mikel Serrano, la música de Cristóbal Tapia de Veer, el montaje de Raúl López, el maquillaje de  Karmele Soler, la peluquería de Olga Cruz y el vestuario de Virginie Alba.

Se trata de una producción de MORENA FILMS y SEÑOR Y SEÑORA, coproducida por LOGICAL PICTURES (Francia) y VENTAJAS DE VIAJAR EN TREN A.I.E. con la participación de ETB y MOVISTAR+ y el apoyo de ICAA y GOBIERNO VASCO. Será distribuida por FILMAX.

El rodaje se desarrollará durante 7 semanas en localizaciones de la provincia de Guipúzcoa, en Madrid y en París.

SINOPSIS: Después de descubrir a su marido con la cabeza completamente ida, la editora literaria Helga Pato se ve obligada a internarlo en un psiquiátrico en el norte del país. En el viaje de vuelta en tren, un desconocido, para amenizar el viaje, le pregunta de pronto “¿Le apetece que le cuente mi vida?”. Se trata de Ángel Sanagustín, psiquiatra que trabaja en la misma clínica y que investiga los trastornos de la personalidad a través de los relatos y los escritos de los pacientes. Ángel le cuenta la sórdida y extravagante historia del peor caso clínico al que se ha enfrentado jamás, el de Martín Urales de Úbeda, un enfermo paranoico extremadamente peligroso obsesionado, entre muchas otras cosas, con la basura.

Después de terminar la historia de Martín, Ángel se despide de Helga y desaparece, pero se deja olvidada una carpeta repleta de los relatos escritos por sus pacientes. Al leer su contenido, Helga queda identificada con ellos hasta la fascinación y decide intentar publicarlos. Con ese objetivo, Helga inicia la búsqueda de Ángel. Pero su investigación la lleva a descubrir que el hombre que había conocido en el tren no era Ángel Sanagustín, sino el propio Martín Urales de Úbeda.

Atrapada ya de manera irremediable, Helga sigue el rastro de Martín en busca de un inesperado desenlace.

DyP Comunicación, nos informa del próximo estreno en el Teatro Amaya.

El Teatro Amaya de Madrid (Paseo General Martínez Campos, 9) acogerá desde el próximo 16 de enero de 2019 y hasta el 17 de marzo Muerte en el Nilo, una versión contemporánea del clásico de Agatha Christie dirigida por Víctor Conde, bajo la producción de Alain Cornejo (Concorde Difussio y Saga Producciones).

La obra cuenta con un joven reparto compuesto por: Pablo Puyol, Adriana Torrebejano, Ana Rujas, Ana Escribano, Miquel García Borda, Sergio Blanco, Lorena de Orte, Cisco Lara, Paula Moncada  y Dídac Flores.

El movimiento escénico corre a cargo de Amalia Galeote, la escenografía y vestuario es obra de  Ana Garay,  la iluminación de Lola Barroso (AAI), y la realización de Raúl Gago para Neo 3d.

La música será parte muy importante en la producción, entre los actores habrá un cantante y una pianista, que interpretarán temas musicales de los años 30, apoyados también con una banda sonora original creada por Marc Álvarez.

Tarifa de Carnet Joven y Jubilados para la funciones de los jueves.
 Los compradores de estas tarifas se les solicitará el certificado en el acceso.

Esta actual versión de Muerte en el Nilo inició sus representaciones el  pasado 22 de septiembre en Granada con el cartel de “No hay billetes”. A Madrid la obra llegará después de gira por: Pamplona, Cáceres, Aranjuez,  Altea,  Cartagena, Alcoi (Alicante), Moralzarzal (Madrid),  Albacete, Palma de Mallorca, Palencia, Ávila, Zaragoza y Badajoz.    

AVALON informa que “LOS DÍAS QUE VENDRÁN”, de Carlos Marques-Marcet, tendrá su Premiere internacional en el Festival de Rotterdam (sección oficial).

Los días que vendrán (Els dies que vindran) es el título de la nueva película de Carlos Marques-Marcet (10.000 KM, Tierra Firme) que tendrá su premiere internacional en el Festival de Cine Internacional de Rotterdam Festival de Cine Internacional, donde participa en la sección oficial “Tiger Competition”.

El tercer largometraje de Carlos Marques-Marcet (ganador del Goya a la Mejor Dirección Novel por 10.000KM) está protagonizado por David Verdaguer y María Rodríguez Soto que, con una contrastada trayectoria teatral, afronta su primer papel protagonista en el cine. Este proyecto, inicialmente conocido como La bona espera, cuenta con el guion de Clara Roquet (Petra), Coral Cruz (Incerta glòria) y el propio Carlos Marques-Marcet.
Los días que vendrán (Els dies que vindran) es el relato minucioso del embarazo de una pareja que a lo largo de 9 meses ha de aprender a ser tres cuando ni siquiera había tenido el tiempo de aprender a ser dos. Utilizando el embarazo real de la pareja actores protagonistas, la película explora la dificultad de compartir con el otro la experiencia profundamente transformadora de este proceso.

Producida por Lastor Media y Avalon P.C., con el apoyo del ICAA, ICEC, y la participación de Movistar+ y TVC., Los días que vendrán tiene previsto su estreno en cines en el próximo mes de junio.

SINOPSIS: Vir (30) y Lluís (32) hace solo un año que salen juntos, cuando descubren que están “embarazados”. Durante 9 meses, seguiremos la aventura de esta joven pareja barcelonesa, el giro enorme que dará su vida, sus miedos, alegrías, sus expectativas y las realidades que, durante su embarazo, crecen ante ellos.

domingo, 13 de enero de 2019

MOVISTAR+ SERIES (ENERO 2019)


“EL EMBARCADERO”, la serie creada por Álex Pina y Esther Martínez Lobato, se estrenará en Movistar+ el viernes 18 de enero.

Protagonizada por Álvaro Morte, Verónica Sánchez e Irene Arcos, “El Embarcadero” es una serie original de Movistar+ en colaboración con Vancouver Media y Atresmedia Studios

“El Embarcadero”, una serie de los creadores de “La Casa de Papel” (recién ganadora del Emmy Internacional a Mejor Serie Dramática) Álex Pina y Esther Martínez Lobato a partir de una idea original de Sonia Martínez y cuyos 8 primeros capítulos, de 50 minutos cada uno, llegarán el 18 de enero a Movistar+.

“El Embarcadero” es un thriller romántico que sucede en la actualidad protagonizado por dos mujeres, Alejandra (Verónica Sánchez) y Verónica (Irene Arcos), cuyos destinos se entrelazan tras la repentina muerte de Óscar (Álvaro Morte), el hombre con el que compartían, por separado, su vida.

Completan el reparto Marta Milans, Roberto Enríquez, Cecilia Roth, Antonio Garrido, Judit Ampudia, Miquel Fernández y Paco Manzanedo.

SINOPSIS: La noche que Alejandra recibe la noticia de que su marido se ha suicidado se da cuenta de dos cosas: que el rascacielos que su estudio acaba de vender a un fondo inversor británico no es lo más importante del mundo, y que en realidad no conocía a Óscar a pesar de llevar 15 años casada con él. Su marido llevaba una doble vida en la Albufera con una hija y una mujer encantadora que representa todo lo que ella no es: la espontaneidad, la libertad, lo salvaje.

Alejandra se hará pasar por una desconocida para indagar en la vida de Verónica en busca de respuestas, lo que la llevará, sin que ella se dé cuenta, por el mismo camino que recorrió Óscar; el de una vida diferente, el de la vida que empieza desde cero con el mismo deseo de libertad de un animal después de toda una vida en cautividad.

El Embarcadero cuenta la historia del viaje en el que Alejandra se ve inmersa en la búsqueda de una verdad profunda y que abarca todo su mundo. La verdad sobre ella y sus emociones, sobre su relación con su madre, sobre lo que es importante en la vida y, por supuesto, la verdad sobre su relación con Óscar y las profundas razones que desencadenaron su fatídico final.

“El Embarcadero”, una serie original de Movistar+ en colaboración con Vancouver Media y Atresmedia Studios. Creadores: Álex Pina y Esther Martínez Lobato, según una idea original de Sonia Martínez

Dirección: Jesús G. Colmenar, Álex Rodrigo Rivero
Género: Thriller romántico

Episodios T1: 8

Duración: 50 minutos

Estreno: 18 de enero 2019 (completa bajo demanda)

“SHAMELESS” T9 regresa con nuevos episodios el lunes 21 de enero en Movistar Series (dial 11)

Estreno de nuevos episodios de la temporada 9 a partir del lunes 21 de enero en Movistar Series (dial 11). También disponibles bajo demanda. Los Gallagher se han convertido en nuestra imperfecta familia, esa de la que nos quejamos a discreción pero no toleramos que otros la critiquen. Serán un desastre, pero son “nuestro” desastre. La temporada 9 regresa con siete nuevos episodios, ya sin Cameron Monaghan en el reparto tras su marcha de la serie. Con Ian en prisión, hay un Gallagher menos en casa. Pero por uno que sale, otra que entra. Fiona ha vuelto a darse de bruces con la parte menos amable de la realidad y su fracaso empresarial y emocional la ha dejado literalmente hundida. Los nuevos episodios exploran cómo afecta el regreso de Fiona y la marcha de Ian al resto de los Gallagher. Ganadora de un premio Emmy y nominada a un Globo de Oro. Está protagonizada por William H. Macy, ganador de dos premios Emmy y nominado a un Globo de Oro por su papel, Emmy Rossum, Joan Cusack, ganadora de un Emmy por su papel, Jeremy Allen White, Emma Kenney y Shanola Hampton, entre otros.

“LOS DOS MIL”, nueva serie documental de estreno en #0 de Movistar+

Tom Hanks, Gary Goetzman y Mark Herzog producen ‘Los dos mil’, la serie de CNN que explora los cambios sociales, culturales, políticos y económicos en la época de Facebook, Apple y Obama.

Estreno en #0 de Movistar+ (dial 7) el sábado 12 de enero a las 20:10h. Episodios disponibles bajo demanda cada semana.

Los dos mil tienen en común Facebook, el iPhone, Barack Obama, Lady Gaga o “Los Soprano”. Con la llegada del nuevo milenio los modelos sociales, políticos y culturales cambiaron. “Los dos mil” es una serie documental de CNN, producida por Tom Hanks, Gary Goetzman y Mark Herzog que ahonda en los diferentes aspectos que comenzaron a cambiar en el inicio del siglo XXI.

Si en la música hubo un cambio de paradigma con el declive de los formatos físicos y el auge de nuevas plataformas como Spotify o YouTube, la televisión comenzó a vivir una época dorada con series como “Los Soprano”, “The Wire” o “The Big Bang Theory”.

En lo político, tras los atentados del 11-S el por entonces presidente George Bush inició una guerra contra el terrorismo en la que consiguió el apoyo suficiente para utilizar la fuerza a su antojo. Ya en su segundo mandato, tuvo que hacer frente a la crisis del huracán Katrina mientras mandaba más tropas a Irak en contra de la opinión del Congreso y sin imaginarse que en 2008 Obama haría historia convirtiéndose en el primer presidente afroamericano de Estados Unidos favoreciendo la inclusión de minorías, apostando por la sanidad pública y creando esperanza entre los ciudadanos más desfavorecidos del país.

Pero con los dos mil también llegaron los escándalos financieros y los avances tecnológicos: las quiebras, préstamos y rescates convivieron con el crecimiento de empresas como Apple o el nacimiento de Amazon, adalid del comercio electrónico y del nuevo capitalismo.

“Los dos mil” repasa todos estos hechos en sus ocho entregas. Estreno el sábado 12 de enero a las 20:10h en #0 de Movistar+ (dial 7). Episodios disponibles bajo demanda semanalmente.

También están disponibles bajo demanda las temporadas anteriores: "Los setenta, "los ochenta y "Los noventa". 

“TRUE DETECTIVE” (T3): VUELVE EL THRILLER POLICÍACO MÁS ESPERADO. ESTRENO SIMULTÁNEO A EE UU EN MOVISTAR SERIES

Estreno en doble episodio, simultáneo a EE UU, la madrugada del 13 al 14 enero en Movistar Series (dial 11). También disponible bajo demanda.

Wayne Hays es un detective de la policía de Arkansas. Junto a su compañero Roland West, se ve involucrado en la investigación de un macabro crimen desencadenado por la desaparición de dos niños en plena región de los Ozarks, en el Medio Oeste americano. Un misterio que cala en la vida personal de ambos agentes y se prolonga a lo largo de varias décadas.

Creada por Nic Pizzolatto, se trata de una historia distinta, con nuevos personajes, que no tiene que ver con las temporadas anteriores.

Contada en tres períodos de tiempo, con el personaje de Wayne Hays como eje principal. El juego entre diferentes tiempos le permite jugar con los personajes: quiénes son en realidad frente a lo que piensan que son (e hicieron). Ofrece al espectador un puzzle en el que ir componiendo al personaje: quizá quien comenzó como héroe dista mucho de serlo al conocerlo bien…

La temporada cuenta con una nueva dupla de detectives, Wayne Hays y Roland West: Mahershala Ali (ganador de un Oscar a mejor actor de reparto por su papel en “Moonlight”, también estuvo en “Figuras ocultas” y series como “Luke Cage” y “House of Cards”) es Wayne Hays; Stephen Dorff (“Blade”, “World Trade Center”) es Roland West, policía del estado de Arkansas.

El contrapunto femenino lo pone Carmen Ejogo (“Selma”) como Amelia Reardon, una profesora de un colegio de Arkansas que guarda relación con los dos niños desaparecidos y que entabla una amistad especial con Hays. Completan reparto: Mamie Gummer (“Castle Rock”, “The Good Fight”) y a Scoot McNairy (“Narcos: México”, “Godless”, “Halt & Catch Fire”).

Estreno en doble episodio, simultáneo a EE UU, la madrugada del 13 al 14 enero en Movistar Series (dial 11). También disponible bajo demanda.

sábado, 12 de enero de 2019

ROMA: CRÍTICA DE CINE


          En coproducción entre México y Estados Unidos, el mexicano Alfonso Cuarón escribe y dirige, Roma, un exquisito drama a través de una magistral MasterClass cinematográfica.  Una obra costumbrista en el más puro sentido de la palabra, con claras referencias al neorrealismo italiano.

En un barrio de clase media- alta, en la Colonia Roma, de la Ciudad de México, vive una joven sirvienta, Cleodalgia Gutiérrez “Cleo” (Yalitza Aparicio) trabajando al servicio de una familia de posición acomodada.

Cleo es feliz con las cosas sencillas, rodeada de los niños que cuida en la casa, jugando con ellos y estando pendientes en todo momento para que nada les pase, incluso exponiendo su propia vida, cuando existe algún peligro, que afecte a los pequeños. Cleo se enamora y Fermín (Jorge Antonio Guerrero), su pretendiente, jugará con ella y sus sentimientos, con consecuencias que marcarán a la joven. Cleo es una luchadora silenciosa, a quien el espectador sigue sin condiciones, pues desea saber cuál va a ser su destino; donde sus  emociones, están al servicio de los demás, aunque por dentro en más de una ocasión, se rompa. Cleo, con su forma de ser, "asfixia" al espectador, lo pone contra las cuerdas, logrando que perciba el agobio en su propio ser, cuando ella sufre o está en relativo peligro.

Justo antes de los títulos de crédito, vemos como Cuarón dedica la obra a Libo. Me interesé por dicho nombre y no es otro que el de la cuidadora del propio director y tras ver el filme, queda claro que entre ambos existió esa complicidad, esa unión mágica que se crea en tantas ocasiones entre un niño y su cuidadora, que pasen los años que pasen, el niño siempre la recordará, incluso, como una segunda madre. El amor que Alfonso destila en esta obra a la figura de la cuidadora, es de absoluta reverencia y admiración.

Pero además Alfonso se cubre con el gran manto de la nostalgia de su tierra natal, México, y nos traslada a la década de los 70,  para que contemplemos la crisis política y social que atravesaba y sigue atravesando, las revueltas juveniles, las reyertas con pistola en mano y la diversidad entre las clases sociales. El mexicano (de tez blanca) claro exponente de la clase media alta y el mexicano (de tez morena con /sin rasgos indígenas) en las clases bajas.

Entre muchas lecturas y algunos simbolismos, seremos testigos de una clara crítica al machismo, reinante en el país. Para ello se apoya en  las figuras de Fermín, el joven que intenta conquistar, como si de un pavo real se tratara, a Cleo, con un ritual de ejercicios de artes marciales, en completa desnudez, en la habitación donde ella lo espera en la cama, tímidamente. Y Antonio (Fernando Grediaga), el esposo de Sofía, los dueños de la casa; quien solo se dedica a sus negocios, teniendo abandonada a la familia. La mujer en el hogar y él fuera del mismo. Culmina dicha crítica, cuando Sofía (Marina de Tavira) en un momento de debilidad de Cleo, le comenta: “estamos solas…”


En esta ocasión Cuarón prescinde de la Banda sonora musical, para regodearse de los propios sonidos que ofrecen los espacios por donde caminan, viven, trabajan y disfrutan, cada uno de los personajes. Desde el viento soplando en las terrazas donde lavan, el paso de los aviones, las ruidosas calles con sus vehículos o los gritos de la gente, a los sonidos del agua, tan presente durante toda la obra, en los charcos, el líquido que sacia la sed, las goteras, las olas del mar o el agua que limpia los suelos de la casa.

Al igual que hiciera en su anterior obra, “Gravity” dará mayor importancia a la imagen que a los personajes. Haciendo gala, una vez más, de su gran experiencia  como narrador visual para contar una historia y convertir los escenarios de interiores o exteriores, en los verdaderos protagonistas principales, aunque en esta ocasión, el gran peso de todo el filme, recae en su actriz indiscutible, Yalitza Aparicio, traspasando cada fibra de Cleo. Cuando terminé de ver la película, busqué quien era esta magnífica actriz, pues nada sabía de ella; la gran sorpresa fue descubrir que era su primer trabajo, algo que sorprende por su naturalidad, el desparpajo moviéndose ante la cámara, en sus expresiones… En el sentir. Una magnífica interpretación.

Pero no es una obra perfecta, al menos desde mi punto de vista, le pierde la lentitud con la que está contada esta historia costumbrista. Estoy convencido que si el filme hubiera tenido un poco más de dinamismo y un poco menos de metraje, estaríamos ante una joya cinematográfica en el amplio sentido de la expresión, aun contando con una más que sobresaliente  fotografía en blanco y negro que ha compartido con Galo Olivares o el virtuosismo del manejo de la cámara, que deja una vez más al espectador, con la sensación de haber disfrutado de una ejemplar lección de buen cine. Entre impactantes encuadres, en los cuales, todos los elementos están en su lugar.

Soy consciente de que esa lentitud, es la evidencia provocada por la monotonía del día a día que vive nuestra protagonista, para ofrecernos su verdad, la de una vida solitaria, aunque esté rodeada de gente. De la  falta de amor, aunque le digan que la quieren.  La de su entrega a los demás, aunque nadie lo haga con ella. La de la sonrisa del alma, mientras el rostro permanece afligido, dejando que de vez en cuando, una leve mueca de felicidad, se asome y nos haga sentir aliviados, tras haber creado un exceso de desazón, angustia e incertidumbre en el espectador.

Una obra desgarradora, poética y triste.

Mi nota es: 8

REPARTO: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira, Marco Graf,  Diego Cortina Autrey, Carlos Peralta, Daniela Demesa, Nancy García García, Verónica García, Enoc Leaño, Clementina Guadarrama, Andy Cortés, Fernando Grediaga, Jorge Antonio Guerrero.
          PRODUCTORA: Participant Media// Esperanto Filmoj.


    DISTRIBUIDORA: Netflix.2018: Critics Choice Awards: 8 nominaciones incluyendo mejor película2018: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película extranjera.2018: Asociación de Críticos de Chicago: 5 premios, incl. Mejor película. 9 nom.

viernes, 11 de enero de 2019

ATARDECER: CRÍTICA DE CINE


La coproducción entre Hungría y Francia, Atardecer, está dirigida por László Nemes, compartiendo guion con Clara Royer y Matthieu Taponier.

Es el año 1913, Irisz Leiter (Juli Jakab) regresa a Budapest tras haber pasado toda la infancia en un orfanato. Sus pasos la encaminan a la sombrerería más famosa de la ciudad, la cual lleva su apellido, pues fue regentada por sus padres. Su intención es solicitar trabajo, pero Oskzkár Brill (Vlad Ivanov) el nuevo propietario y antiguo socio, rechaza su solicitud.

Se entera que tiene un hermano y no dudará en buscarle cueste lo que cueste. Lo que no espera, es que en dicha búsqueda, descubrirá los secretos oscuros que rodean el pasado de su familia.

El húngaro, László Nemes, regresa a la dirección con su segundo largometraje, tras su gran éxito con  “El hijo de Saúl” en el 2015 con el cual obtuvo numerosos premios entre los que destacan el Óscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa. Ahora nos sumerge en un extraño ejercicio, en una época agitada y a un año de que estallase la I Guerra Mundial.

Nemes ha vuelto a confiar en gran parte del equipo con el que contó en su ópera prima, entre ellos los actores: Juli Jakab, Sándor Zsótér  y  Levente Molnár  o el director de fotografía Mátyás Erdély  y  el compositor László Melis.

Hablaré primero de lo que más me ha gustado, que sin duda ha sido  la fantástica fotografía de Mátyás Erdéley y la soberbia iluminación que ha utilizado. Cada detalle, por insignificante que nos pueda parecer, está retratado e iluminado, con suma precisión, creando cuadros perfectos; primeros planos que asfixian y los desenfoques, tan propios de este director, donde a mi parecer, abusa más de la cuenta.

El compositor László Melis, quien nos dejó a primeros de este año, ejecuta una banda sonora sólida, acompañando como anfitriona a nuestra protagonista y a nosotros mismos, pues si algo tiene claro Nemes, es que desea que estemos en todo instante al lado de Irisz Leiter y descubramos cuanto  ella está destapando entre verdades y mentiras, entre las luces y las sombras que rodean a sus antepasados más directos, y al propio país. Para terminar, con los diseños de  Györgyi Szakác,  recreando un extraordinario vestuario.  Gracias a estos tres  grandes maestros, las casi dos horas y media de metraje, se hacen más llevaderas, recorriendo las calles  y estancias de un Budapest, en plena ebullición, social y política.

En cuanto a la historia en sí, Nemes navega entre tantas tramas, oscuridades, nobleza y realeza del Imperio Austrohúngaro, personajes sórdidos y misteriosos, el lenguaje de los sombreros, los disturbios en las calles, las idas y venidas de Irisz  o las referencias a la Emperatriz Sisi; todo entre lujosos decorados,  que se pierde en el guion creado por Clara Royer, Matthieu Taponier y él mismo, provocando en el espectador cierta confusión  y "obligándole a  desconectar”, por momentos, para terminar deleitándose con lo visual y sonoro, donde demuestra su auténtica maestría. La pena es que no cierre la obra, con alguna explicación, por pequeña que sea, para el descanso de Irisz y el nuestro.  Lo que sí nos reserva y  regala en el final, es  un magistral plano secuencia.


La interpretación de Juli Jakab, de quien prácticamente vamos agarrados de la mano durante todo el metraje, resulta tan cautivadora como enigmática, ante su inexpresividad absoluta. Su rostro no se altera ante nada de lo que está viendo y viviendo

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Enero

REPARTO: Juli Jakab, Vlad Ivanov, Susanne Wuest, Uwe Lauer, Christian Harting, Levente Molnár, Urs Rechn

PRODUCTORA: Laokoon Filmgroup// Playtime Production// Hungarian National Film Fund.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

jueves, 10 de enero de 2019

BORDER: CRÍTICA DE CINE


El director danés de origen iraní Alí Abbasi, dirige Border, compartiendo guion con Isabella Eklöf y el propio autor de la novela,  John Ajvide Lindqvist.

Tina (Eva Melander) trabaja como funcionaria de aduanas, posee el don de oler las emociones y sentimientos de la gente, lo cual le permite detectar a los contrabandistas que intentan pasar por la aduana cualquier tipo de objeto, no declarado. Vive en una cabaña en medio del bosque, acompañada por un adiestrador de perros. Tras el trabajo disfruta caminando por el entorno, descalza o bañándose desnuda en el lago.

Un día, durante el trabajo, aparece un hombre, Vore (Eero Milonoff), de aspecto peculiar, muy parecido al de Tina. Ella se siente incómoda, presiente que lleva algo escondido, pero más tarde descubrirá que su olfato la está enviando otro tipo de señales, entre ellas la atracción sexual hacia él.

El filme te atrapa por la curiosidad que despierta desde los primeros minutos de metraje, el personaje de Tina: Su aspecto y el modo de olfatear, como si fuera un sabueso. Su forma de vida y comunión con la naturaleza, e incluso sus modales. Algo inquietante la rodea lo cual, provoca un atractivo añadido a la historia, invitándote a conocer su mundo, sus “dominios” y... Una invitación donde ella misma, se verá sorprendida.

Tras Shelley (2016), Ali Abbasi, regresa a la gran pantalla con su segundo largometraje. Otro filme oscuro, aunque en esta ocasión dará más prioridad al drama, que al terror, el cual es sustituido por un thriller perturbador entre lo policiaco y la identidad o la destrucción de la misma.

Una obra que flirtea con diversos géneros cinematográficos entre el suspense a través de la investigación que surge cuando Tina encuentra una tarjeta de memoria con gran material de pornografía infantil, en el móvil de un pasajero. El cine romántico, en la historia pasional vivida entre Tina y Vore o el cine fantástico a través de la fábula que se “esconde” tras la realidad. Pero Border es mucho más que la combinación  de géneros perfectamente combinados, aborda otros temas  tan importantes y actuales como la diversidad, la identidad o las relaciones.

Destacaré, además de sus sólidas interpretaciones de las que hablaré más tarde, la puesta en escena entre espacios naturales cuidadosamente elegidos e iluminados por Nadim Carlsen con su fotografía. Una fotografía pulcra y reveladora, creando atmósferas según las diversas situaciones que rodean en todo momento a los personajes, así como la turbadora banda sonora a cargo de Martin Dirkov. Mención especial merece la labor del equipo de maquillaje bajo la dirección de Pamela Goldammer. Solo hay que comprobar el antes y el después en las transformaciones de Eva Melander y Eero Milonoff.

Y terminamos con los pesos pesados de la película, Eva y Eero, que además de tener que soportar las largas horas de maquillaje y pesadas máscaras sobre sus rostros, realizan dos interpretaciones extraordinarias, destacando a  Eva Melander sobre su compañero, en esa lucha interna entre su personalidad y… Y lo dejo aquí, pues considero que es una obra muy interesante de ver, en la cual su director Alí Abbasi, nos sumerge en un mundo entre la realidad y la fantasía. Entre lo visible e invisible del ser.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Enero

REPARTO: Eva Melander, Eero Milonoff, Viktor Akerblom y Joakim Olsson.

PRODUCTORA: Meta Spark, Kärnfilm.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Karma Films.

miércoles, 9 de enero de 2019

EL GRAN BAÑO: CRÍTICA DE CINE


El francés Gilles Lellouche, dirige y escribe, El gran baño, una comedia entretenida.

Bertrand (Mathieu Amalric) es un hombre que vive deprimido, tomando un gran número de pastillas desde el desayuno. Lleva en paro dos años y pasa algunos ratos en la piscina municipal. Un día, al salir de las instalaciones, lee en el tablón de anuncios que buscan hombres para formar un equipo de natación sincronizada. No se lo piensa dos veces y se apunta, sorprendiéndose que no solo él, está deprimido, sino que todos ellos están pasando por crisis emocionales relacionadas con la familia, el trabajo o  su entorno.

En el equipo conocerá a Laurent (Guillaume Canet), Marcus (Benoît Poelvoorde), Simón (Jean-Hugues Anglade), Thierry (Philippe Katerine) y Basile (Alban Ivanov) entre otros. Todos ellos entrenados por una ex campeona de natación, Delphine (Virginie Efíra) quien también busca su lugar y la estricta, Amanda (Leïla Bekhti)

Partamos, para comenzar, aunque no se oculta en ningún momento, pues así reza en la publicidad, que estamos ante un Full Monty a la francesa y que desde las primeras imágenes, quienes tuvimos el placer de disfrutar de la original en la gran pantalla, nos trae muchos recuerdos, con la  principal diferencia, que en aquel año 1997, lo que llevaba a aquellos hombres a evadirse de la realidad que les atenazaba, era el montar un Show de Stripers y en este 2018 es crear un grupo de Natación Sincronizada Masculina.

La película tiene momentos muy divertidos y otros… no tanto. Aborda temas muy actuales, sobremanera los relacionados con los problemas de la mente: obsesiones, depresiones, bipolaridad o crisis de identidad, entre algunos de ellos, no olvidándose de ese mal que asola a tantas personas, como es la falta de actividad al quedarse en el paro. Todos de una forma u otra, han fracasado en la vida y la piscina es su balón de oxígeno, su salvavidas.
       El filme posee varias lecturas, entre ellas el aunar fuerzas, el sentirse motivados por algo que les aleje de la cruel realidad, la necesidad de ser útiles y respetados, o crear esos instantes de terapias grupales que vemos mientras descansan en los bancos del vestuario o en la sauna; desahogándose entre confidencias, lo que no se han atrevido  a exponer a sus seres queridos.  

Y esto nos lleva a las interpretaciones, sin duda lo mejor de toda la película. Un reparto coral que respira complicidad con un fantástico Mathieu Amalric a la cabeza. Derrochan simpatía y ganas de divertir, divirtiéndose, y el espectador lo agradece.  No hay miedo, no hay complejos, solo sencillez y naturalidad, sin más pretensiones

Mi nota es: 6


ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Enero

REPARTO: Mathieu Amalric, Guillaume Canet, Benoît Poelvoorde, Jean-Hugues Anglade, Virginie Efira, Leïla Bekhti, Philippe Katerine, Alban Ivanov, Mélanie Doutey, Jonathan Zaccaï, Noée Abita y Erika Sainte.

PRODUCTORA: Les Productions du Trésor// Chi-Fou-Mi Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Flins y Pinículas.

martes, 8 de enero de 2019

ASTÉRIX: EL SECRETO DE LA POCIÓN MÁGICA: CRÍTICA DE CINE


Louis  Clichy y Alexandre Astier dirigen Astérix: el secreto de la poción mágica, con guion de Alexandre Astier basándose en el Cómic de René Goscinny y Albert Uderzo.

En el prólogo vemos como Panoramix recoge hierbas y frutos para sus pociones en el bosque, cuando escucha a un pajarito que está en peligro, logra salvarlo pero se cae de uno de los árboles.

Astérix y Obélix se encuentran a Panoramix herido en medio de bosque y lo llevan a la aldea. Panoramix, con la pierna rota, decide que ha llegado su momento, que debe encontrar a un druida joven que le sustituya y enseñarle la fórmula secreta de su poción mágica. Toda la aldea se altera por temor de que Panoramix se equivoque, pero decidido y acompañado por Astérix y Obélix, partirá en busca del nuevo druida.

El director Louis Clichy y el guionista Alexandre Astier, tras su éxito en 2014 con “Astérix: La residencia de los dioses”, vuelven a juntar su talento para ofrecernos esta segunda historia basada en los archiconocidos cómic, franceses.

Louis Clichy aporta todo su saber, como animador, en el parisino estudio Mikros Image, tras haber trabajado en algunas películas de Pixar Animation Studios, entre ellas: Wall-E, Tatatouille o Up.
Un filme donde no faltarán los romanos intentando, incansablemente, asaltar la aldea de los galos que poseen la poción mágica o los piratas que  verán hundirse su barco una y otra vez; por razones que nada tienen que ver con ellos, pero llegando a la décima película de animación sobre estos personajes, nos encontraremos con algunas novedades: la primera, surgiendo las dudas en Panoramix sobre la responsabilidad de ser el único conocedor de la fórmula secreta. ¿Qué ocurriría si le sucediera algo? No tiene un sucesor. La segunda, que deberán enfrentarse a un druida salido de las tinieblas; la tercera, el toque femenino a la hora de acompañar a nuestros héroes, una jovencita que tendrá mucho que ver en el desenlace de la historia y contamos con una cuarta sorpresa, donde la unidad hace la fuerza y aquí lo dejo.

Una vez más, la animación vuelve a reinar en la gran pantalla, para el disfrute de los amantes a este género. Una historia con momentos muy divertidos y situaciones casi surrealistas, como el ver a Jesucristo multiplicando los panes, como si fuese un mago. Todo ello con un ritmo frenético, tan característico en sus cómics; así como el disfrutar de los cientos de pequeños detalles, que mires donde mires, en la gran pantalla, están sucediendo cosas diferentes.

La paleta de color, la iluminación, los encuadres recordando la esencia del cómic, aunque esté completamente digitalizada, facilita la gesticulación y realismo de los personajes, entre efectos visuales a la altura de las grandes producciones. La calidad de este films, poco tiene que envidiar a muchas de las películas de animación que están llegando a nuestras pantallas, y matizo bien, a muchas, no a todas, pero el camino lo tiene bien aprendido Louis Clichy, tras haber trabajado en uno de los estudios más importantes del mundo, como ya he mencionado.

Lo que está claro, es que mayores y pequeños disfrutan por igual. A los más jóvenes no hace falta animarles mucho y a los mayores, que hemos crecido con estos personajes a lo largo de nuestra infancia y juventud, nos despierta al niño que llevamos dentro.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Enero

PRODUCTORA: M6 Studio// Mikros Animations

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine