BLONDE: CRÍTICA DE CINE

 

Blonde está escrita y dirigida por Andrew Dominik, basándose en la novela de Joyce Carol Oeates. “Ana de Armas a las puertas del Oscar”

La historia nos sitúa en los años de infancia de Norma Jeane Mortensen (Lily Fisher), quien con 7 años vivía atormentada por su madre Gladys (Julianne Nicholson) desequilibrada emocionalmente y alcohólica. Seremos testigos del intento de su progenitora por ahogarla en la bañera o internarla entre las llamas del incendio que se originó en Griffith Park en 1933. Todos los conflictos vividos con su madre y la ausencia de un padre, marcarían el destino de quien se convirtió en un icono sexual a nivel mundial en aquellas décadas en Hollywood. Marilyn Monroe (Ana de Armas)

El director, Andrew Dominik, se graduó en la Melbourne´s Swinburne Film School en 1988 y tras dirigir el video musical “Crowded House: Fall at Your Feet” en 1991 debutó en el largometraje con “Chopper” 2000 al que han seguido “El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford” 2007, “Mátalos suavemente” 2012, “One More Time with Feeling” 2016, el documental “Nick Cave: This much I know to be true” 2022 y este mismo año “Blonde” 2022.

Desde el minuto uno Blonde se perfila como un drama tenso, demoledor, doloroso y deprimente que se encamina sin remedio hacia el precipicio. La mente, ese lugar tan misterioso e intrínseco en  el ser humano en el cual confluyen el pensamiento, la conciencia, la memoria o la propia imaginación, se convierten en este filme, en personajes de excepción, pues nuestra protagonista arrastrará el sufrimiento que la persigue como un fantasma insaciable desde niña, hasta los últimos minutos de su vida. Un biopic ficcionado que refleja la traumática vida que consumió a una mujer de carne y hueso y cuya imagen, la de la rubia de oro, la mujer deslumbrante y deseada, la diosa de la sonrisa y del erotismo más latente, la eclipsó y la destruyó.

Atenderemos a esa Norma Jeane encararse al dolor de ver a una madre deteriorándose por la enfermedad, padeciendo la ausencia de un padre, sufriendo abusos sexuales en los primeros años en los que buscaba abrirse camino, cayendo en los brazos de dos jóvenes con los que se sentía feliz, arropada y amada, Charles Chaplin Jr. (Xavier Samuel) y Edward G. Robinson Jr. (Evan Williams). El decir sí en tres ocasiones al matrimonio, primero con James Dougherty, con quien estuvo casada cuatro años, con Joe DiMaggio con quien apenas vivió un año y con Arthur Miller hasta su divorcio pasados cinco años, los abortos, las drogas y la bebida o el mantener una estrecha amistad con J.F. Kennedy. Y hablando del presidente de Estados Unidos, lo que sí me llamó la atención es que nos ofrece una escena en la cual el presidente la obliga a realizarle una felación, mientras le masturba, no existiendo evidencias de que la escena sexual tuviese lugar, por muchas especulaciones que existan entorno a su amistad; en vez de deleitarnos con el “Happy Birthday”, por poner un ejemplo. No es cuestión de puritanismo, que sabéis que disto mucho de ello, sino el saltar de una narración elegante a lo grotesco. A mi juicio no ha sido lo más acertado aun personificando el poder y la sumisión y para terminar, lo que también me llamó la atención y que se repite en varias ocasiones, es el cómo Norma reniega de su alter ego, Marilyn. Marilyn representaba un producto creado por Hollywood, la cara amable, feliz, llena de sensualidad y sexualidad, que movilizaba a las masas y rompía corazones a la vez que llenaba las salas de cine; mientras Norma tenía roto el corazón y obnubilada la mente.

Hablemos de ella, de la joven que si bien ya la consideraba una estrella, con este trabajo se encumbra en el olimpo de las grandes actrices. Ana de Armas está magistral, impecable, arrebatadora, sensual, derrochando energía y tablas delante de la pantalla. Si bien la cámara la adora, en este trabajo cae rendida a sus pies. No hay plano por muy deteriorado que se  encuentre el personaje, que Ana no lo haga brillar con su luz, con su mirada, con su rostro angelical que habla por sí mismo; el gran trabajo de contención y la gran lección del uso del lenguaje corporal con el que dota al personaje, la convierte en la dama de la película. Es la razón por la que ver este filme. Ella es la película a la que devora desde el interior.

Para terminar, hacer mención muy especial a la extraordinaria fotografía de Chayse Irvin, pues si Ana es el gran corazón del filme, la fotografía y la iluminación se apoderan del alma del personaje a través de la cual sentimos lo que Norma/Marilyn padece. Las imágenes borrosas y distorsionadas  entre planos sugerentes y dramáticos apoyados por el uso de la pantalla cuadrada que nos invita a acercarnos y traspasar la barrera de la intimidad.

Mi nota es: 8,5

REPARTO: Ana de Armas, Bobby Cannavale, Adrien Brody, Julianne Nicholson, Evan Williams, Xavier Samuel, Caspar Phillipson, Toby Huss, Sara Paxton, Chris Lemmon, Dan Butler, Garret Dillahunt, Lucy DeVito, Michael Masini, Ned Bellamy, Scoot McNairy, Rebecca Wisocky, Catherine Dent, Spencer Garrett, Eden Riegel, Tygh Runyan, Sonny Valicenti, Haley Webb, David Warshofsky, Ravil Isyanov, Judy Kain, Time Winters, Jerry Hauck, Mia McGovern Zaini, Eric Matheny, Warren Paul, Patrick Brennan, Ryan Vincent, Mike Ostroski, Colleen Foy, Rob Nagle, Rob Brownstein y Jeremy Shouldis.

PRODUCTORA: Plan B Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix

EL PROYECTO ADAM: CRÍTICA DE CINE

El proyecto Adam, está dirigida por Shawn Levy con guion de Jennifer Flackett, Mark Levin, T.S. Nowlin y Jonathan Tropper.

Nos encontramos en el año 2050, el capitán Adam Reed (Ryan Reynolds) pilota una nave que ha robado, se encuentra herido y está siendo perseguido por su superiora Maya Sorian (Catherine Keener), quien le exige se detenga, pero Adam logra escaparse a través de un agujero de gusano.

Año 2022, Adam tiene 12 años (Walker Scobell) y es acosado en los pasillos de su colegio por dos matones, que le dan caza y le propinan una paliza. El joven vive con su madre Ellie Reed (Jennifer Garner) y añora a su padre, el científico Louis Reed (Mark Ruffalo), recientemente fallecido. La aventura comenzará cuando el Adam adulto se encuentra con su yo de 12 años y tras ser descubiertos por la malvada Maya Sorian, deciden emprender un viaje al pasado, para localizar a su padre y convencerle de que debe destruir el proyecto Adam, por el bien de la humanidad.

El actor, productor y director, Shawn Levy, estudió en la Escuela Secundaria de San Jorge y tras finalizar, ingresó en la Stagedoor Manor Performing Arts Training Center de Nueva York, para proseguir con su formación artística en la Universidad de Yale, obteniendo en el año 1989 el título de especialista en Artes Escénicas. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con la interpretación en filmes como, “Zombie Nightmare” 1986 de Jack Bravman y en numerosas series de televisión. Como director debutó con el cortometraje “Broken Record” 1994, saltando al largometraje con “Destino desconocido” y “Just in Time” 1997, “Gordo mentiroso” 2002,  “Recién casados” y “Doce en casa” 2003, “La Pantera Rosa” y “Noche en el museo” 2006, “Noche en el museo 2” 2009, “Noche loca” 2010,  “Acero puro” 2011, “Los becarios” 2013, “Ahí os quedáis”, “Noche en el museo: el secreto del faraón” 2014, “Free Guy” 2021 y este año nos presenta su nuevo filme “El proyecto Adam” 2022. Ha dirigido telefilmes como “Stray Dog” y “Dear America: Dreams in the Golden Country” ambas en 1999, “Su mejor amigo” 2001, “The Deerings” 2004, “Joint Custody” 2005, “Family Album” 2011. “Little Brother” y “Family Trap” 2012. Además ha realizado varios capítulos en numerosas series.

Shawn Levy, ducho en el cine familiar de aventuras, comedia y acción, nos ofrece su nueva propuesta y nos lleva hasta el año 2050 para vivir, junto al protagonista, un viaje interestelar que le regresará al año 2022 y sin esperárselo, no solo conocerá a su yo de 12 años sino que vivirá junto a él, una trepidante aventura llena de peligros. Sin duda Levy, ha encontrado en Reynolds el nuevo actor en quien confiar para sus endiabladas locuras, pues tras Free Guy y El proyecto Adam, regresarán el próximo año con la esperadísima, “Deadpool 3”

Estamos ante un filme de puro entretenimiento que no deja al espectador ni pestañear. No hay una parte de guion que no contenga golpes de ese ingenioso humor negro, llenando los salones de los hogares con las sonrisas y las carcajadas de toda la familia y es que Shawn, sabe muy bien lo que le gusta al público: evasión, diversión, acción y distracción, que no decae a lo largo del metraje. Sus películas no serán sesudas pero sí brillan por el espectáculo que ofrecen. Cine cien por cien palomitero y con el cual, el espectador se olvida de todos los problemas que le rodean en su vida cotidiana, mientras está atento a la pequeña pantalla. Por todo eso y mucho más, se agradece a Shawn Levy y al magnífico equipo de guionista formado por Jennifer Flackett, Mark Levin, T.S. Nowlin y Jonathan Tropper, filmes como este; porque el cine necesita más directores y guionistas que con su saber hacer, consigan unir a las familias y entretenerlas con sus locas y maravillosas historias, e incluso con ese toque reflexivo, que deja como poso en muchos de sus filmes y en este en particular, sobre la importancia de la familia y el error de dejarse absorber por el trabajo, en detrimento de la unidad familiar.

Para terminar, mencionar a quienes dan vida a estos personajes, destacando a un siempre impecable Ryan Reynolds y al maravilloso y encantador Walker Scobell. En el lado femenino cabe mención especial, Jennifer Garner. Lo dicho, diversión para todos los públicos, con una cuidadísima fotografía de Tobias A. Schliessler y una vibrante banda sonora a cargo de Rob Simonsen.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de marzo

REPARTO: Ryan Reynolds, Walker Scobell, Zoe Saldana, Catherine Keener, Jennifer Garner, Mark Ruffalo, Alex Mallari Jr., Milo Shandel, Lucie Guest, Ellie Harvie, Ben Wikinson, Braxton Bjerken, Esther Li y Jessica Bodenarek.

PRODUCTORA: Skydance Productions// 21 Laps Entertainment// Maximum Effort.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix.

MISA DE MEDIANOCHE: CRÍTICA DE SERIE

“El terror más visceral, se aloja en la isla”

La coproducción entre Estados Unidos y Canadá, Misa de Medianoche, está creada y dirigida por Mike Flanagan, compartiendo guion con James Flanagan, Jeff Howard, Dani Parker y Elan Gale.

Un joven ex alcohólico, Riley Flynn (Zach Gilford) tras cumplir condena por matar a una joven en un accidente de coche, regresa a Crockett Island, una pequeña isla con una población de 127 habitantes. A la par que él, llega un joven sacerdote Paul (Hamish Linklater), que cubrirá al monseñor, que ha caído enfermo y está recuperándose en un hospital de la península. Los habitantes de la isla se ven divididos entre los que miran con recelo la llegada del joven Riley, pues la niña muerta vivía en dicha isla y la llegada del nuevo sacerdote, que ante su presencia comienzan a surgir extraños fenómenos, que pronto catalogaran de milagros.

Mike Flanagan está especializado en cine y series de terror, entre las que podemos encontrar  la aplaudida “La maldición de Hill House” 2018 y su segunda temporada “La maldición de Bly Manor” 2020. En la gran pantalla ha firmado obras como la trilogía de “Oculus” y la esperada secuela del “Resplandor” 1980 de Stanley Kubrick, “Doctor sueño” 2019 que no alcanzó las expectativas deseadas.

Misa de medianoche consta de siete capítulos pertenecientes a los libros de la Biblia: 1) Génesis, 2) Salmos, 3) Proverbios, 4) Lamentaciones,  5) Evangelio, 6) Los hechos de los apóstoles y 7) Apocalipsis. Flanagan dirige con maestría esta serie que nos sumerge en una narración que juega con diferentes géneros, principalmente el drama y el terror, de forma brillante, delicada y elegante. Siempre he dicho que para que una película o una serie, provoque el terror en el espectador,  no es necesario que cuente con una fotografía oscura que te obligue a pensar que hay tras las imágenes ocultas, ni los ruidos estridentes, golpes a gogó o sangre a raudales, sin olvidar los excesos que no llevan a ninguna parte. Mike nos envuelve en una magnífica atmósfera desde el inicio, primero mostrándonos el accidente, luego la consecuencia del mismo que es el paso por la cárcel de uno de los protagonistas, para desembocar en la llegada a esa isla de casas de madera, habitada por unos personajes a los cuales les persigue sus propias sombras. Recelosos, esquivos y hasta misteriosos. Mike prepara al espectador para lo que ha de venir. 

Una obra que no precisa de alardes pero sí de tomarse su tiempo para narrarnos una historia rica en matices, diálogos y reflexiva en los monólogos, sobre todo, los que desde el púlpito a modo de sermón, escucharemos en Paul, el sacerdote o las conversaciones de éste con Riley, en las reuniones que mantienen en el centro social. La obra cuenta con personajes perturbadores, creíbles y humanos, en donde Flanagan ha sabido combinar con acierto, religión, terror y sociedad, dejando al espectador sediento de más, al finalizar cada uno de los capítulos. 

Además de la cuidada dirección, cabe mencionar la extraordinaria fotografía de Michael Fimognari y las excepcionales interpretaciones, destacando a una impresionante Samantha Sloyan encarnando a la desconcertante Bev Keane, Zach Gilford en el papel del apesadumbrado Riley Flynn y  Hamish Linklater como el misterioso padre Paul. Pero me reitero que todos están magníficos en sus papeles, tan creíbles que estremecen. 

REPARTO: Kate Siegel, Hamish Linklater, Zach Gilford, Annabeth Gish, Michael Trucco, Samantha Sloyan, Henry Thomas, Rahul Abburi, Crystal Balint, Kristin Lehman, Matt Biedel, Alex Essoe y Rahul Kohli, Robert Longstreet, Igby Rigney y Annarah Shephard.

PRODUCTORA: Intrepid Pictures.

DISTRIBUIDORA: Netflix 

EL PODER DEL PERRO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Australia, Reino Unido y Nueva Zelanda, El poder del perro, está escrita y dirigida por Jane Campion, adaptando la novela de Thomas Savage. “Libra mi alma de la espada, defiéndeme del poder del perro”

Nos encontramos en Montana en el año 1925 con los hermanos Burbank, Phil (Benedict Cumberbatch) y George (Jesse Plemons), muy diferentes entre ellos. Mientras Phil es duro, dominante y un líder nato, su hermano resulta ser silencioso, amable y respetuoso. Son los dueños de un rancho que cuenta con un gran número de reses. George está enamorado de Rose (Kirsten Dunst), viuda y con un hijo muy refinado, sensible y estudiante de medicina, Peter (Kodi Smit-McPhee). Cuando George se casa con Rose y se instalan en el rancho, Phil se vuelve aun más agresivo, ante la decisión de su hermano, hacia su cuñada y el hijo de ésta.

La guionista y directora, Jane Campion, se graduó con una licenciatura en Antropología por la Universidad Victoria de Wellington  en 1975, continuó sus estudios en el Chelsea Art School, se graduó en Bellas Artes en la Sydney College of the Arts en Australia en 1979 y finalmente estudió en la Australian Film, Televisión and Radio School, graduándose en 1984, lugar en el que dirigió los cortometrajes, “Peel” 1982, “An Exercise in Discipline: Peel” 1983, “A Girl´s Own Story” 1984 y “Passionless Moments” y “After Hours” en 1985. En el largometraje debutó con “Sweetie” 1989 para continuar con “Un ángel en mi mesa” 1990, “El piano” 1993, “Retrato de una dama” 1996, “Holy Smoke” 1999, “En carne viva” 2003, “A cada uno su cine” 2008 junto a otros directores,  “8 (ocho)” 2008, “Bright Star” 2009 y este año pasado estrenanría “El poder del perro” 2021. Para televisión se inició con un capítulo para la serie “Dancing Daze” y el telefilme “2 Friends” ambos en 1986 y 8 episodios de “Top of the Lake” 2013/17. Rodó el documental “Le court Des Grands” 2005 y finalizamos con el cortometraje del 2006 “The Water Diary”

Sin la menor duda estamos ante una de las mejores películas estrenadas el pasado año. Un filme inmersivo en el cual, la extraordinaria puesta en escena, proporciona una potente atmósfera desde el inicio de la narración, gracias en parte a la fiel recreación de los decorados, que nos invitan a traspasar las puertas de casas y locales y por supuesto, a ese entorno idílico y crudo, a  partes iguales, que conforman las montañas, valles y ríos, en sus diversas estaciones, sobradamente reconocibles en el género del western, junto al ganado, los aparejos y las tiendas de campaña, como seña de identidad, en donde los hombres se refugiaban de las inclemencias del tiempo, mientras el ganado pastaba en libertad. Un Western contemporáneo en el que Campion se mueve como pez en el agua, pues no es la primera vez que brilla en este terreno. En esta ocasión nos ofrece una historia de amor en donde lo rudo se vuelve sutileza y la fragilidad, crueldad; profundizando en la sique de los personajes de los cuales sabe extraer las luces y las sombras, que guardan celosamente.

Los inteligentes giros en la narración, consiguen que el espectador se mantenga vigilante en todo momento, pues lo que en un principio parece evidente, dejará de serlo, turbando nuestras mentes, hasta caer en una ingeniosa tela de araña, tan bien urdida, que nos hipnotiza; y por si todo esto no fuera suficiente, se apoya en la inquietante y dramática banda sonora de Jonny Greenwood y la extraordinaria fotografía de Ari Wegner. Ahora sí, ahora ya estamos rendidos a sus pies y nos dejamos llevar por una historia de amor tan oscura, como gratificante.

Una película por la que desfilan el alcoholismo, las relaciones tóxicas, el bullying, las envidias y los celos, la impotencia, los arrebatos, los secretos gritados al viento, las apariencias, las amistades envenenadas y la fuerte tensión sexual, que se va filtrando por cada recodo de esos espacios naturales entre lo poético y agreste del lugar. Un filme que muy bien se podría definir como “un drama violento, bajo una fuerte carga sexual y sensual, salvajes y contenidas, en donde el terror psicológico, se va adueñando del entorno y de quienes habitan en él”

 Campion juega con un realismo que estremece y que nos va devorando por dentro, con una ferocidad que duele, entre las verdades y las mentiras,  la nobleza y la tiranía, en medio de los deseos más latentes y los castrados, frente a la falta de integridad, junto a unos personajes que mueren en vida y se envenenan con su propio veneno. Nos obliga mirar a cada ángulo de la pantalla, pues nos lleva de una situación a otra, con el simple chasquido de los dedos. Un filme muy visceral, como las que Peter extrae de los animales muertos, para ampliar sus conocimientos de medicina o castrante, como Phil ejerce sobre el ganado, recién adquirido.

Creo que a estas alturas de la reseña, dejo claro que Jane Campion, ha realizado una extraordinaria película, que ha contado con  un magnífico equipo técnico, del cual destaco la excepcional banda sonora y la impactante fotografía, ya citadas; pero sin sus personajes, la obra no tendría vida y para darles cuerpo y mucha alma, ha contado con un sobresaliente elenco actoral, destacando a un actor que en cada una de sus películas, se supera. Ya no le hace falta demostrar que es un superhéroe, pues ha alcanzado el grado de estrella en el gran firmamento del séptimo arte, iluminando la pantalla cuando aparece en ella, hablo de Bennedict Cumberbatch, en un personaje duro, despreciable y vulnerable, en medio de una batalla constante con el mundo y él mismo. El resto del reparto, vuelvo a repetir, excepcional.

 “La paciencia y la adversidad, hacen al hombre”

Mi nota es: 10

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de noviembre 2021

REPARTO: Benedict Cumberbatch, Jesse Plemons, Kirsten Dunst, Kodi Smit-McPhee, Thomasin Mckenzie, Frances Conroy, Keith Carradine, Geneviève Lemon, Peter Carroll, Adam Beach, Karl Willetts, Yvette Parsons y Tatum Warren- Ngata.

PRODUCTORA: See-Saw Films// Max Films Productions// BBC Films// Brightstar Films// Max Films International// Cross City Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix.

FUE LA MANO DE DIOS: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Italia y Estados Unidos, Fue la mano de Dios, está dirigida y escrita por Paolo Sorrentino. “No me gusta la realidad, es patética”

Estamos en los años 80. Fabietto (Filippo Scotti), es un joven napolitano de 17 años, que vive con su padre Saverio Schisa (Toni Servillo), su madre María (Teresa Saponangelo) y su hermano Marchino (Marlon Joubert). Tiene una tía muy sensual llamada Patrizia (Luisa Ranieri), casada con un hombre muy celoso, violento y machista, Franco (Massimiliano Gallo). Fabietto siente el despertar de su sexualidad, cuando mira a su tía y a través de él, conoceremos la historia de su familia, sus actos y comportamientos, así como los dos acontecimientos que cambiarán su vida, la llegada de Diego Armando Maradona, al equipo del Nápoles y el grave accidente que sufrirán sus padres. Unos padres que no precisaban de las palabras o las caricias, para demostrarse lo que se amaban, sino algo tan sencillo, como los silbidos, aunque también, como buenos italianos, mantenían sus acaloradas peleas. 

El director y guionista, Paolo Sorrentino, comenzó a estudiar economía y comercio en la Universidad de Nápoles Federido II, pero decidió abandonar los estudios para dedicarse al cine. Ha trabajado como inspector de producción y asistente de dirección y guionista, tanto para cine como para televisión. En 1994, junto a Stefano Russo,  dirigió su primer cortometraje “Un paraíso” y en 1998 su primer corto en solitario “El amor no tiene límites” al que han seguido “La larga Noche” 2001, “La partida lenta” 2009,  “En el espejo” 2011, “Arena” y “El sueño” ambas en 2014 para finalizar con “Killer in Red” 2017 y “Piccole avventure romance” en 2018. Su debut en el largometraje llegó con “Un hombre de más” 2001 y continuó con “Las consecuencias del amor” 2004, “Un amigo de la familia” 2006, “Il divo” 2008, “Un lugar donde quedarse” 2011, “La gran belleza” 2013 ( ganando el Oscar, el Globo de Oro y el BAFTA a mejor película extranjera, entre otros premios), “La juventud” 2015, “Silvio (y los otros)”, “Loro1” y “Loro2” todas en 2018 y este año nos ofrece, “Fue la mano de Dios”. Para televisión ha dirigido “Sábado, domingo y lunes” 2004, “La voz de dentro” 2014,  la mini serie “The Young Pope” 2016, capítulos para las series “The New Pope” 2019/20 y “Hecho en casa” 2020.

Fue la mano de Dios, hace referencia al gol que Diego Armando Maradona metió con la mano durante el Mundial de Fútbol de 1986, disputado el 22 de junio en el Estadio Azteca de la Ciudad de México. Tras el encuentro, Maradona comentó sobre el tanto “Un poco con la cabeza y un poco con la mano de Dios” y así fue como la prensa, lo bautizó. Años más tarde en su biografía confesaría “Ahora sí puedo contar lo que en aquel momento no podía, lo que en aquel momento definí como “la mano de Dios”… Qué mano de Dios, ¡fue la mano del Diego!” Fuera como fuese, a Maradona se le considera un Dios e incluso el 30 de octubre de 1998, en la ciudad de Rosario, Argentina, se fundó la Iglesia maradoniana. Está claro que Sorrentino es un gran admirador del jugador, pues durante la narración son varios los instantes que dedica al jugador, desde su fichaje por el Nápoles, todo un acontecimiento en el país; la llegada a la ciudad y el creer verlo en cada esquina, las imágenes de los partidos emitidos por la televisión y por supuesto, el famoso y polémico gol.

La narración, aunque no deja en ningún momento de seguir la historia de esta familia, tiene dos partes muy diferenciadas. La primera resulta jovial, emotiva, emocional y sensual, no exenta de broncas familiares y situaciones un tanto surrealistas, con el característico humor de las grandes comedias italianas, gracias a la idiosincrasia histriónica a la que nos tiene acostumbrados el cine italiano y que siempre, nos sorprende para bien; contando con un ritmo muy adecuado. La segunda parte, estará marcada por el dolor y la desdicha, principalmente en la figura de Fabiettto. Un tramo  que oscurece la historia, entre el drama, las reflexiones, las preguntas que no parecen tener respuestas y las frustraciones ante las dudas.

Fue la mano de Dios, se nos presenta como una cautivadora película autobiográfica, narrándonos y retratando pasajes importantes de la vida de Paolo, que el mismo ha guionizado. Una tragedia personal que exterioriza, buscando dejar atrás definitivamente, pues supuso un antes y un después en su adolescencia, con tan solo 17 años, la muerte de sus padres a causa de una fuga de gas y con quienes debería haber estado, sino fuera porque el destino o la mano de dios, decidieron que no era la hora.

Un filme íntimo por el que desfila su gran amor por cine, asistiendo a un rodaje de una película en medio de una de las calles, en claro homenaje a Fellini, cuyo legado se respira en todo el filme; la familia como centro y corazón de la historia, sus primeros impulsos sexuales a través de su tía y…, el machismo arraigado en la cultura italiana, la liberación de la mujer, la muerte, la orfandad, la sensualidad, sexualidad y el futbol; que gracia a uno de esos encuentros jugados por Maradona, ha podido narrarnos algunas historias, incluyendo la suya. Un filme que ha rodado en lugares como Nápoles, la costa de Amalfi y la isla de Stromboli, fotografiada con frescura y elegancia por Daria D`Antonio y con el acompañamiento de la banda sonora de Lele Marchitelli. Para finalizar, comentar que ha contado con un excelente elenco actoral, destacando a su protagonista principal, el joven Filippo Scotti. Espero que este filme, haya servido para liberar todos los fantasmas y malos recuerdos de su pasado y a partir de ahora, siga ofreciéndonos su buen hacer tras las cámara, con nuevas historias que contar.

Mi nota es un 8.

ESTRENO EN ESPAÑA: 3 de Diciembre.

REPARTO: Filippo Scotti, Toni Servillo, Luisa Ranieri, Teresa Saponangelo, Marlon Joubert, Lino Musella, Renato Carpentieri, Sofya Gershevich, Enzo Decaro, Massimiliano Gallo, Elisabetta Pedrazzi, Ciro Capano y Biagio Manna.

PRODUCTORA: The Apartment// Netflix.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Netflix.

EL JUEGO DEL CALAMAR: CRÍTICA DE SERIE

 

El juego del Calamar está escrita y dirigida por Hwang Dong-Hyuk. “Todos y cada uno de vosotros sois considerados iguales en este mundo, debemos garantizar la igualdad de oportunidades sin discriminación” La nueva serie de Netflix, desprende tanta intensidad que ha convertido a la saga de los juegos del hambre, en un episodio de Barrio Sésamo.

A un número determinado de jugadores, que arrastran graves problemas económicos, se les da la oportunidad de jugar durante unos días, a una serie de juegos, donde el vencedor, ganará una importante suma de dinero. Todos aceptan. Los juegos a los que deberán enfrentarse, son infantiles, pero el resultado no. Estamos muy acostumbrados a este tipo de historias en las que los participantes arriesgan su propia vida, pero nunca se había mostrado con este nivel de crudeza y violencia psicológica.

“El juego del calamar”, es una serie surcoreana que se estrenó en Netflix el 17 de septiembre de este año. Consta de 9 capítulos que van desde los 30 a los 60 minutos de metraje. En agosto de este mismo año, el director comentó que había tardado 10 años en planificarla, pero visto el resultado, está claro que ha merecido la pena, tanto esfuerzo, pues se ha convertido en un gran éxito de crítica y público, llegando a alcanzar el número 1 en el ránking de Shows más vistos en la plataforma Netflix, en Estados Unidos. En Rotten Tomatoes, ha contado con un 8.4 sobre 10 y la audiencia, entre más de 350 críticas, le ha concedido un 87%, estos solo son algunos de los datos. Bienvenidos a un mundo distópico, donde todo o casi todo vale y en el cual, el espectáculo, se tiñe de violencia, sangre y sufrimiento.

Sin la menor duda, el juego del calamar, es una de las series más brutales, surrealistas y adictivas que nos podemos encontrar, cuya violencia extrema te horroriza e hipnotiza, a partes iguales; atrapándote en su demoledora tela de araña. El director y guionista Hwang Dong-Hyuk, ha construido un hábil entretenimiento de gore a través de algo tan inocente como son los juegos infantiles, que en una medida u otra, hemos jugado de niños. Cuenta con frases y comentarios lapidarios, como: “Todo el mundo es igual cuando juega, aquí los jugadores juegan justamente bajo las mismas condiciones. Son los que han sufrido desigualdad y discriminación en el mundo y les damos una última oportunidad de pelear justamente y ganar…” Pero aun con estos principios, la avaricia y el deseo de supervivencia, son capaces de sacar lo peor del ser humano. Veremos desfilar la venta de órganos, las traiciones, los engaños, las alianzas, la resistencia, la fuerza, la debilidad, la astucia, la vulnerabilidad, las artimañas sexuales y hasta buscar la ventaja, cueste lo que cueste; todo ello, plasmado en un guion sólido, que se regodea en el sadismo más visceral, propio de psicópatas. No faltará la crítica del abuso de los más poderosos, que utilizan a los desvalidos como juguetes y marionetas, para sus más perversos entretenimientos. Por momentos nos recuerda al gran maestro Stanley Kubrick e incluso en la vestimenta, aunque ésta algo más sofisticada, a la gran serie “La casa de papel”

Resumiendo, gran dirección, magníficas interpretaciones, espectacular diseño de producción, impresionante fotografía e inquietante banda sonora. Sin la menor duda, una de las grandes series del año.

REPARTO: Lee Jung-jae, Park Hae-soo, HoYeon-Jung, Oh Yeong-su, Heo Sung-tae, Anupam Tripathi, Kim Joo-ryoung, Yoo Sung-joo, Lee Yoo-mi, Kim Si-Hyun, Wi Ha-joon, Lee Sang-Hee y Kim Yun-tae, además de otros invitados.

PRODUCTORA: Siren Pictures

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Netflix

SKY ROJO: CRÍTICA DE SERIE (PRIMERA TEMPORADA)

 

La serie Sky Rojo, está creada por Álex Pina y Esther Martínez Lobato. Una serie dramática con puntos de humor negro, atrevida  y canalla.

Romeo (Asier Etxeandia) es un proxeneta que regenta el club de alterne “Las Novias”. Un burdel de lujo en donde se pueden satisfacer las fantasías más oscuras en medio de luces de neón, música y drogas. Entre las prostitutas nos encontramos con Wendy (Lali Espósito), Coral (Verónica Sánchez) y Gina (Yany Prado); las tres se verán obligadas a huir del burdel en plena noche, cuando Wendy y Coral, salvan a Gina de ser asesinada por Romeo, tras golpearle la cabeza con una figura y pensando que lo han matado.

Pero Romeo no ha muerto, sino que se encuentra en el hospital con medio cuerpo paralizado. En venganza envía a sus dos hombres de confianza, Moisés (Miguel Ángel Silvestre) y Christian (Enric Auquer) en su busca. Romeo las quiere vivas, para hacerlas sufrir, mientras él pasa por la rehabilitación. 

Sky Rojo es una serie original de Netflix, cuya primera temporada ha contado con 8 episodios de 25 minutos. Se estrenó el 19 de marzo de este año. La serie combina diferentes géneros con guiños a películas sobradamente conocidas y a la que sus creadores han denominado “Pulp latino”. Cuenta con un excelente ritmo y un buen montaje en donde cada capítulo sorprende al espectador con las aventuras o deberíamos decir, desventuras de estas tres prostitutas, con quienes simpatizaremos ante la naturalidad, complicidad y desparpajo, con que afrontan los peligros. ¿Seríamos capaces de actuar como lo hacen ella, para sobrevivir sin pensar más allá de lo necesario? Ellas sí.

El creador de “La Casa de Papel” Álex Pina acompañado de Esther Martínez Lobato, regresan a la pequeña pantalla con una serie impactante sobre el mundo de la prostitución, entre proxenetas, prostitutas y clientes, pero como os podéis imaginar, Álex, conociendo su obra, no iba a ofrecernos una historia normal, sino aquello que pudiera impactar al espectador y os puedo asegurar, que no defrauda. A falta de los próximos 8 capítulos de la segunda temporada, que se estrenará el 23 de Julio de este mismo año y que nos narrará el desenlace de este potente drama, esta  primera temporada nos ha dejado con un buen sabor de boca, con un final brutal y provocando que nos cuestionemos que puede suceder y que les deparará a nuestras tres heroínas. Esas tres mujeres cuyos pasados ya conocemos, pero de las que deseamos saber cuál puede ser su futuro y que les tienen reservado los guionistas.

Una Road Movie a bordo de ese coche en el que Wendy, Coral y Gina, nos harán cómplices de sus pensamientos, deseos e intimidades, cuando la acción les da una tregua. Tres personajes impecablemente interpretados por Lali Espósito, Verónica Sánchez y Yany Prado; mientras en el lado opuesto nos encontramos con los proxenetas Moisés, Romeo y Christian que como  lobos hambrientos las acecharán. Ellos, Miguel Ángel Silvestre, Asier Etxeandia y Enric Auquer, también nos desvelarán sus historias. 

Una obra no exenta de polémica, por la temática que trata y cuanto nos van revelando entre flashbacks como los engaños, la esclavitud sexual, el machismo, la toxicidad en dichos locales, las drogas, las amenazas o las humillaciones; disfrazados de riquezas y maquillando la cruda realidad que esconden. Quiero destacar, para finalizar, el extraordinario equipo técnico con el que cuenta.

En la dirección y creación están: Álex Pina (Creador), Esther Martínez Lobato (Creadora), Eduardo Chapero-Jackson, Javier Quintas, Jesús Colmenar, Óscar Pedraza, David Victori y Albert Pintó.

El Guion ha corrido a cargo de: Álex Pina, Esther Martínez Lobato, David Barrocal, Javier Gómez Santander, Mercedes Rodrigo, David Oliva y Juan Salvador López.

En el Reparto nos encontramos con: Verónica Sánchez, Lali Espósito, Yany Prado, Miguel Ángel Silvestre, Asier Etxeandia, Enric Auquer, Luis Zahera, Carmen Santamaría, Elena Sanz, Cecilia Gómez, Godeliv Van den Brandt, Penélope Guerrero, Luisa Vides, Niko Verona, Chema Ruiz, Marc Bosch, Maia Dunne, Aitor Manuel Alonso, Chloe Dunne, Antonio Fdez, Brian Lehane y Daniel Toscano

Está producida por Vancouver Media y distribuida por Netflix.

EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido, El juicio de los 7 de Chicago, está dirigida y escrita por Aaron Sorki.

La película comienza con un prólogo de un noticiario en donde nos informan que ha sido enviada a Vietnam la División Aeromóvil y otras fuerzas, para incrementar los efectivos de 75.000 a 125.000 hombres de forma inmediata e irán aumentando el número cada mes; provocando un reclutamiento masivo obligatorio de jóvenes entre los 18 a los 24 años, acto que provocará las protestas anti-Vietnam, al que se sumaran  el asesinato de Martin Luther King, el de Robert F. Kennedy o el clima de división entre los demócratas, todo ello originará una gran manifestación  en Chicago, durante la Convención del Partido Demócrata. 

Unos meses más tarde, fueron detenidos: Rennie Davis (Alex Sharp) organizador en Chicago del (MOBE), Tom Hayden (Eddie Redmayne), líder y presidente de la organización(SDS), Jerry Rubin (Jeremy Strong)  y Abbie Hoffman (Sacha Baron Cohen), del Partido Internacional de la Juventud (YIPPIES), David Dellinger (John Carrol Lynch) líder de la Movilización para acabar con la Guerra de Vietnam (EL MOBE), Bobby Seale (Yahya Abdul-MateenII), presidente del partido de los Panteras Negras, Lee Weiner (Noah Robbins), estudiante universitario y activista comunitario y John Froines (Daniel Flaherty), químico y activista antiguerra. Los ocho en un principio, siete a partir de un momento del juicio, fueron juzgados en uno de los juicios más mediáticos de la historia del país.

Aaron Sorki, escribió el guion en 2007, con la intención de que fuera Steven Spielberg quien la dirigiera, pero la huelga de guionistas y problemas de presupuesto, provocaron que Spielberg abandonase el proyecto. Tendrían que pasar 11 años para que el guion cambiara de rumbo, siendo el propio Sorki quien la dirigiera entre Chicago y los alrededores de Nueva Yersey. Si bien he mencionado a quienes se sentaron como acusados, es de ley mencionar que los fiscales fueron Richard Schultz (Joseph Gordon-Levitt) y Thomas Foran (J.C. MacKenzie) y en la defensa estuvieron, William Kunstler (Mark Rylance) y Leonard Weinglass (Ben Shenkman)

El guionista, productor, dramaturgo, actor y director, Aaron Sorkin, desde muy joven se interesó por la interpretación, estudió en la Scarsdale High School, fue miembro de los clubes de drama y teatro, graduándose en 1979, año en el que ingresó en la Universidad de Siracusa, graduándose en 1983 con un Bachelor of Arts. Decidió instalarse en Nueva York donde trabajó como actor de forma intermitente. Comenzó a escribir durante un fin de semana, mientras cuidaba la casa de un amigo, su primera obra “Removing All Doubt. Entre sus guiones más importantes encontramos: “Algunos hombres buenos” 1992 y “Mi querido presidente” 1995 de Rod Reiner, “La red social” 2010 de David Fincher o “Steve Jobs” 2015 de Danny Boyle. En 1998 crea la serie “Sports Night” continuando con otras series como “El ala oeste de la Casa Blanca” 1999, “Studio 60 on the Sunset Strip” 2006 y  “The Newsroom” 2012. Su primer largometraje para la gran pantalla llega con “Molly`s Game” 2017 finalizando, de momento, con “El juicio de los 7 de Chicago” 2020.

Sorki se enfrenta a su segundo largometraje, tras una amplia trayectoria como guionista y creador de series televisivas. Lo primero que me ha recordado este nuevo filme, en cuanto a la construcción de la historia e incluso ofreciendo un prólogo potente que nos llevará de nuevo a un intenso y dramático juicio, con un final impactante, como le gusta rematar sus guiones, es a su ópera prima “Molly´s Game”. De nuevo deja claro que lo suyo son los juicios y que se sabe mover como pez en el agua desde el momento en que traspasa las puertas de la sala de vistas, entre abogados defensores, fiscales, jueces, jurado, testigos, mentiras y verdades, política y sociedad y por supuesto, el público, entre los que nos coloca a nosotros, los espectadores, para ir sacando nuestras propias conclusiones, aprobando la postura de unos y criticando la de otros, entre los diversos flashbacks, hasta llegar a ese final en el que el espectador salta en la butaca.

El juicio de los 7 de Chicago, es una obra meditada, escrupulosamente medida y con una importante dirección actoral, no desfalleciendo ante el gran reparto coral con el que cuenta, entre caras muy conocidas y otras no tanto. Quizás esa perfección que tiene a la hora de escribir y dirigir, situando la cámara en el lugar preciso, los exuberantes y profundos diálogos y ese ambiente tan aséptico que se respira, la encorseten un poco, no dejando fluir y respirar a la historia y a los propios personajes, pero no cabe la menor duda que sabe crear tensión y ser tremendamente elegante, ante la exposición de temas tan duros.

Cuenta, como he comentado, con un gran elenco actoral que nos hace disfrutar de cada uno de los personajes, por poco que esté ante la cámara, por lo que no me voy a decantar por ninguno de ellos. Un filme en el que se respira tensión, drama, silencios que invitan a la reflexión, atención ante lo que se dice y lo que se muestra, y con respecto a lo que se muestra, ha confiado  en el director de fotografía Phedon Papamichael, que retrata a la perfección los interiores y exteriores en un amplio abanico de planos, que ayudan a agilizar el metraje, combinándolos con las imágenes de archivo con las que ha contado y para finalizar, destacar la banda sonora, de Daniel Pemberton, en quien ha vuelto a confiar. 

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Octubre 2020 (Aún está en la cartelera de Netflix)

REPARTO: Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Mark Rylance, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Matten II, Michael Keaton, Ben Shenkman, J.C. MacKenzie, Noah Robbins, Alice Kremelberg, Danny Flaherty, John Doman, Mike Geraghty, Kelvin Harrison Jr., Caitlin Fitzgerald, John Quilty, Max Adler, Wayne Duvall, Damian Young, C.J. Wilson.

PRODUCTORA: Amblin Partners// Paramount Pictures// Cross Creek Pictures// Marc Platt Productions// Reliance Entertainment// DreamWorks SKG// MadRiver Pictures// ShivHans Pictures.

DISTRIBUIDORA: Netflix.

MANK: CRÍTICA DE CINE

 

MANK está dirigida por  David Fincher y escrita por Jack Fincher. “Porque el pensamiento, provoca”

En el prólogo nos informan que en 1940, a los 24 años de edad, Orson Welles llego a Hollywood tentado por una RKO Pictures en aprietos y con un contrato a la altura de su talento narrativo. Se le dio total autonomía creativa, sin ninguna supervisión y pudiendo hacer cualquier película, sobre el tema que deseara y con los colaboradores que quisiera.

Al Rancho de huéspedes North Verde de Victorville, en ese mismo año, llega Herman J. Mankiewicz, más conocido por Mank (Gary Oldman), con varios acompañantes entre los que se encuentran John Houseman (Sam Troughton), la enfermera Fraulein Freda (Monika Gossmann) que estará a su cuidado, pues Mank ha sufrido un accidente reciente, y Rita Alexander (Lily Collins) quien escribirá la historia que al dictado, le irá relatando Mank, desde la cama.

El productor y director, David Fincher, comenzó a hacer películas a los 8 años de edad con una cámara de 8mm. Se graduó en la Ashland High School y durante su etapa de secundaria, dirigió diversas obras teatrales y películas caseras. Fue asistente de producción en la estación local de noticias de televisión KOBI en Medford (Oregón). Tras finalizar sus estudios y con 18 años, entra a trabajar en la compañía de George Lucas, Industria Light and Magic, en funciones de producción de algunas películas, debutando con “El retorno del Jedi” 1983. Trabajará en anuncios publicitarios y vídeos musicales, durante unos 10 años. Entre algunos vídeos musicales nos encontramos con: “Steve Winwood: Roll With it” 1988, “Sting: Englishman in New York” 1988, “Paula Abdul: Straight Up” 1989, “Aerosmith: Janie`s Got a Gun” 1989, “George Michael: Freedom! `90” 1990 o el archifamoso “Madonna: Vogue” 1990 entre otros. Su primer largometraje llegó en 1992 con “Alien 3” para continuar con “Seven” 1995, “The Game” 1997, “El club de la lucha” 1999, “La habitación del pánico” 2002, “Zodiac” 2007, “El curioso caso de Benjamin Button” 2008, “La red social” 2010, “Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres” 2011,  “Perdida” 2014 y este pasado año,  “Mank” 2020. Entre su amplia biografía, además de numerosos videoclip que nunca ha dejado de rodar y algunos cortometrajes, también ha dirigido algunas series de televisión como: “House of Cards” 2013 y “Mindhunter” 2017.

“Mank” se nos presenta como una generosa MasterClass, además de tocar otros temas, de cómo escribir un guion, antes de llegar a la gran pantalla convertido en imágenes. David Fincher toma como base el guion escrito por su padre Jack Fincher, que murió en 2003, y lo convierte en un gran tributo, no solo a su progenitor, sino al cine y en particular, a los guionistas. Esos hombres y mujeres que siempre están en la sombra y sin los cuales, ni las películas, ni las series, existirían. El ejemplo lo encontramos cuando surgen las crisis de nuevas ideas, la industria se tambalea y tira de recursos gratuitos como las secuelas o adaptaciones de una obra. Este magnífico guion, rebosante de matices, de diálogos inteligentes y punzantes, nos revela las luces y las sombras de la meca del cine, Hollywood, en donde la opulencia, las espléndidas mansiones y los magníficos estudios, se exhibían al mundo bien maquillados, atrayendo a artistas y artesanos, en busca de una oportunidad; pero como suele suceder, cuando el maquillaje se desquebraja, surge la auténtica realidad, ese rostro, esa imagen, que  David Fincher, ha sabido plasmar con absoluta elegancia e ironía, mostrándonos el corazón del sueño americano.

Una película muy política, antesala de lo que unos pocos años más tarde se convertiría en la famosa caza de brujas, cuando el comité de Actividades Antiamericanas persiguió a los intelectuales más destacados de Hollywood, acusándoles de simpatizantes del comunismo. “¿Sabéis cuál es la diferencia entre comunismo y socialismo?... “En el socialismo todos comparten la riqueza, en el comunismo todos comparten la pobreza”. Estas palabras, entre otras, las escucharemos en una de las mejores escenas que tiene el filme, cuando los invitados al cumpleaños de Louis B. Mayer, están reunidos en el Salón de Asambleas de San Simeón. Una escena en la que no faltarán las referencias al nazismo, el antisemitismo y otros temas de alcoba.

En “Mank” también se habla de Herman J. Mankiewicz, más conocido en la industria del cine como Mank, ese guionista al que se le consideraba un hombre muy divertido, alcohólico y que tuvo que luchar con Orson Welles, para que se le reconociera como autor de la obra maestra “Ciudadano Kane” 1941, único Oscar que logró la película, como mejor guion original y que ninguno de los dos, fue a recoger. Mank no solo es el protagonista principal de este filme, sino nuestro guía por Hollywood, desvelando la verdad que se escondía, cuando las luces de los platós se  apagaban, cuando los decorados se retiraban, cuando los maquillajes dejaban limpias la caras de sus estrellas y cuando los vestidos exuberantes, daban paso a los más cómodos, mostrando a los hombres y mujeres de carne y hueso. De carne y hueso es también Gary Oldman, quien en una extraordinaria interpretación encarna a Mank, atrapándonos entre Flashbacks que recrean los vicios propios y ajenos, mientras nos seduce con su  verborrea, sus frases ingeniosas y algunas, cargadas con balas de tinta. Un hombre que parecía no tener filtros a la hora de hablar, fuera quien fuera su interlocutor. 

Junto a Mank encontramos nombres importantes de la industria de aquellos tiempos, personificados por excelentes actores: Louis B. Mayer, a quien se le hace una fuerte crítica, está cuidadosamente interpretado por Arliss Howard, Amanda Seyfried, encarnando de forma deliciosa a Marion Davies, la actriz conocida por su relación sentimental con el periodista William Randolph Hearst, sobre este último personaje, que asume con credibilidad Charles Dance, se piensa que Mank se inspiró en él  para dar vida a Charles Foster Kane, mientras que Tom Burke se encarga de representar al inolvidable Orson Welles; por nombrar una parte del espléndido reparto con que cuenta esta soberbia película.

Tengo que ir terminando, porque todo en este filme resulta interesante, como el conocer los platós de la Paramount o de la MGM Estudios, los complot que aguardaban celosamente tras las cámaras y los focos, lo positivo y lo negativo, las luchas internas, las decepciones y hasta las pasiones; pero por encima de todo, los sueños. Una caja de sueños ideada para el deleite de los espectadores y plasmada, maravillosamente, por Erik Messerschmidt, el director de fotografía, quien nos transporta, entre los magníficos planos, pequeños grandes detalles y el blanco y negro que envuelve a la obra, a los recuerdos de una película digna de recibir este homenaje, Ciudadano Kane, contando además, con la elegante banda sonora a cargo de Trent Reznor y Atticus Ross. No os quiero desvelar más, solo os invito a disfrutar de esta película, que muy seguramente, los amantes al cine clásico, la visionarán más de una vez, como me ha ocurrido a mí. Cine dentro del cine y arte homenajeando al arte.

Mi nota es: 9,5

ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Noviembre 2020

REPARTO: Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Leven Rambin, Madison West, Adam Shapiro, Monika Gossmann, Paul Fox, Jessie Cohen, Amie Farrell, Alex Leontev, Stewart Skelton, Craig Robert Young, Derek Petropolis, Jaclyn Bethany y Arlo Mertz.

PRODUCTORA: Netflix

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Netflix España.

ESTRENO DE “HOGAR”

DYP COMUNICACIÓN, informa que “HOGAR” LA OBSESIÓN NO CONOCE LÍMITES, tendrá su estreno el 25 de MARZO.

Mario Casas (El fotógrafo de Mauthausen, Contratiempo, Palmeras en la nieve), Javier Gutiérrez (Campeones, El autor, La isla mínima), Bruna Cusí (Premio Goya a Mejor Actriz Revelación por Verano de 1993) y Ruth Díaz (Tarde para la ira, Bajo la piel del lobo) interpretan a Tomás, Javier, Lara y Marga, respectivamente, dos parejas en apariencia desconocidas, pero que tienen algo en común: un apartamento.

Completan el reparto David Ramírez (Narcos, Pelotas), David Selvas (Celda 211, Contratiempo), Raül Ferré (El Día de mañana), David Verdaguer(10.000 km, La Embajada), Vicky Luengo (Las leyes de la termodinámica, Blu-ray) y Ernesto Collado (El Reino, Cuéntame cómo pasó ).

“Hogar es un proyecto con el que llevamos años soñando, un thriller provocativo que explora algunos de nuestros temas favoritos: el deseo, la ambición y la locura que se oculta bajo la plácida superficie de la vida cotidiana”, expresaron David y Alex, “Javier Muñoz, nuestro protagonista, es el espejo roto en el que se reflejan, de forma distorsionada y monstruosa, las aspiraciones más materialistas de la sociedad contemporánea.  Es un honor que Javier, Mario, Bruna y Ruth hayan decidido unirse a esta aventura y que Netflix y Nostromo Pictures apuesten por nuestra propuesta más personal y osada”.

NOSTROMO PICTURES, fundada en 2010, ha producido 17 largometrajes nacionales e internacionales entre los que se incluyen Palmeras en la nieve de Fernando González Molina, Luces rojas de Rodrigo Cortés con Cillian Murphy, Sigourney Weaver  y Robert De Niro, Grand Piano de Eugenio Mira con guion de Damien Chazelle y protagonizada por Elijah Wood y John Cusack, Blackwood de Rodrigo Cortés protagonizada por Anna Sophia Robb y Uma Thurman y El Guardián Invisible dirigido por Fernando González Molina. Sus producciones han participado en los principales festivales mundiales como Sundance, Toronto, San Sebastián o Venecia y han obtenido 16 nominaciones a los premios Goya, el premio Forqué,  Sant Jordi y Meliés entre otros. Actualmente, Nostromo se encuentra en postproducción de Paradise Hills y The Kill Team. Asimismo, tiene en rodaje las secuelas de El Guardián Invisible: Legado en los huesos y Ofrenda a la tormenta y Hogar.

NETFLIX es el servicio de entretenimiento por streaming líder en el mundo. Presente en más de 190 países, sus más de 167 millones de suscriptores de pago disfrutan de series, documentales y largometrajes de una amplia variedad de géneros y en diversos idiomas. Los suscriptores de Netflix pueden ver las series y películas que quieran, cuando quieran, donde quieran, y en cualquier pantalla conectada a Internet. También pueden reproducir, poner en pausa o continuar disfrutando, y todo ello sin anuncios ni compromisos de permanencia.

SINOPSIS: Javier Muñoz era un ejecutivo publicitario de éxito, pero, tras un año en el paro, él y su familia se ven obligados a dejar el piso que ya no se pueden permitir. Un día, Javier descubre que aún conserva un juego de llaves de su antiguo piso y empieza a espiar a la joven pareja que ahora vive allí. Poco a poco, Javier empezará a infiltrarse en la vida de los nuevos propietarios, decidido a recuperar la vida que ha perdido… aunque eso signifique destruir a quien se ponga en su camino.

67 EDICIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIÁN (II)

67 EDICIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL DE SAN SEBASTIÁN (II)

“DIECISIETE”, participará en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

La película es una producción original de NETFLIX. Supone el regreso al cine de Daniel Sánchez Arévalo, uno de los más reconocidos directores de su generación.

El 19 de Julio, el director del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, José Luis Rebordinos, ha desvelado que “DIECISIETE”, película original española de Netflix producida por Atípica Films, será una de las películas que se presentarán en esta edición del certamen, que tendrá lugar del 20 al 28 de septiembre, dentro de la Sección Oficial.

“Diecisiete”, la nueva película de Daniel Sánchez Arévalo (AzulOscuroCasiNegro, Gordos, Primos, La Gran Familia Española), supone el regreso al cine del director y guionista, que cuenta con más de 90 premios internacionales y 30 nominaciones a los Premios Goya.

Tras seis años desde que estrenara su último largometraje, tiempo en el que ha publicado su exitosa novela La Isla de Alice (finalista al Premio Planeta 2015), Sánchez Arévalo regresa con una historia sentida y sencilla.

Producida por Atípica Films, con José Antonio Félez y Cristina Sutherland como productores ejecutivos, “Diecisiete” será la primera película española original de Netflix en participar en la Sección Oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Dice Daniel Sánchez Arévalo, director:

“Han pasado seis años desde que estrené mi último largometraje. Podría decirse que tenía la necesidad de parar. A veces para poder avanzar hay que parar. En este tiempo, he escrito una novela, he realizado publicidad, he dirigido teatro, he seguido rodando cortometrajes. Sí, han sido seis años muy plenos en lo creativo, en los que, a pesar de no haber rodado ningún largometraje, he sentido una clara evolución como cineasta. Y es que creo que todo suma y para mí todo desemboca en lo mismo: contar historias”.

La película, que se estrenará a nivel mundial y de forma simultánea en más de 190 países este otoño, está protagonizada por Biel Montoro (Superlópez, Blue Rai, Mira lo que has hecho) y Nacho Sánchez, que participa por primera vez en un largometraje y el actor más joven en ser reconocido con el prestigioso Premio Max de Teatro 2018 por Iván y los Perros, y Premio Unión de Actores Mejor Actor Revelación por La Piedra Oscura.

Los perros son, junto a los hermanos de esta historia, los protagonistas caninos de este road trip animalista. Fueron elegidos sin ningún tipo de adiestramiento previo, sacados de protectoras de animales con el compromiso de que se les encontrase un hogar.

“Diecisiete”, íntegramente rodada en Cantabria, cuenta la historia de un chico de 17 años que, interno en un centro de menores, participa en una terapia de reinserción con perros donde establece un vínculo indisoluble con uno tan esquivo como él. Cuando un día su perro no aparece porque ha sido adoptado, Héctor, lejos de alegrarse, se escapa para buscarlo.

“Diecisiete” se estrenará a nivel global en otoño de 2019.

Sinopsis: Héctor, de 17 años, interno en un centro de menores, participa en una terapia de reinserción con perros donde establece un vínculo indisoluble con uno tan apocado y esquivo como él. Cuando un día su perro no aparece porque por fin ha sido adoptado, Héctor, lejos de alegrarse, decide escaparse para buscarlo. Así empieza un viaje inesperado, en el que participa su hermano mayor Ismael, su abuela Cuca, dos perros, una vaca y otros animales.

“LA INOCENCIA” competirá en el 67 Festival Internacional de Cine de San Sebastián (Sección Nuevos Directores)

La ópera prima de Lucía Alemany está protagonizada por Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued y la joven promesa Carmen Arrufat.

“La Inocencia”, ópera prima de Lucía Alemany con Laia Marull, Sergi López, Joel Bosqued y la joven promesa Carmen Arrufat, concursará en la 67 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (20-28 de septiembre).

Será en la sección Nuevos Directores, competición internacional de primeros o segundos largometrajes, que optan al Premio Kutxabank-New Directors dotado con 50.000 euros (destinados al director y al distribuidor de la película en España) y al Premio de la Juventud, atribuido por un Jurado formado por unos 300 jóvenes estudiantes de entre 18 y 25 años.

“La inocencia” se estrenará próximamente de la mano de Filmax.

La película parte de la experiencia personal de su directora, que regresa a la pequeña localidad de Traiguera (Castellón) para contar sus años de adolescente. Escenarios reales, improvisación como clave del “acting” y actores naturales y profesionales que se desenvuelven con soltura entre verbenas, procesiones y encierros, forman parte de la ambiciosa propuesta de la realizadora. El resultado es potente y cautivador, y contagia el amor de Lucía Alemany por su pueblo y sus personajes.

Sinopsis: Lis es una adolescente que sueña con convertirse en artista de circo y salir de su pueblo, aunque sabe que para conseguirlo tendrá que pelearlo duramente con sus padres. Es verano y se pasa el día jugando en la calle con sus amigas y tonteando con su novio, unos años mayor que ella. La falta de intimidad y el chismorreo constante de los vecinos obligan a Lis a llevar esa relación en secreto para que sus padres no se enteren. Una relación que cambiará su vida para siempre.

El guion de “La Inocencia” es de Laia Soler Aragonés y Lucía Alemany. Ha sido producida por Lina Badenes, Belén Sánchez y Juan Gordon. Joan Bordera es el director de fotografía, Juliana Montañés la montadora, Asier Musitu y Bea Toro estuvieron a cargo de la dirección de arte, Carlos Lidon del sonido, Giovanna Ribes del vestuario, Natalia Montoya de la peluquería y el maquillaje, Sergio Gil de la dirección de producción y Rafa Carmona fue el primer ayudante de dirección.

"La Inocencia”, rodada en diversas localidades de Valencia y Cataluña, es una producción de Turanga Films, Un Capricho de Producciones y Lagarto Films. En coproducción con À Punt Mèdia y con el apoyo del Institut Català de Empresas Culturals (ICEC), el Institut Valencià de Cultura (IVC) y The Screen (la incubadora de proyectos de la ECAM). Además cuenta con la participación de RTVE, Televisió de Catalunya, Movistar+ y À Punt Mèdia.

“LA GALLINA TURULECA” tendrá su preestreno mundial en el 67 Festival de San Sebastián.

La famosa gallina salta a la gran pantalla en una película de animación llena de música

Eva Hache será la voz de la singular Turuleca y José Mota dará vida al villano Armando Tramas. Llegará a los cines el 1 de enero de la mano de Filmax

“La Gallina Turuleca”  salta a la gran pantalla convertida en un personaje de animación. La película, una importante coproducción internacional entre España y Argentina, tendrá su preestreno mundial en el 67 Festival de cine de San Sebastián, el próximo mes de septiembre, en una sesión especial en el Velódromo ante miles de niños.

La película de animación, que retoma al personaje de la famosa canción infantil popularizada por Los payasos de la tele, llegará a los cines el 1 de enero. Víctor Monigote y Eduardo Gondell dirigen esta entrañable historia pensada para los más pequeños sobre una gallina con un aspecto peculiar y un don muy especial. “La Gallina Turuleca” cuenta la historia de cómo un ser diferente encuentra su lugar en el mundo y, a partir de su talento personal y único, logra vencer sus miedos para iniciar una aventura que le permite reencontrarse con los seres que ama.

SINOPSIS: Turuleca es una gallina singular. Su peculiar aspecto desata las burlas del resto del gallinero, hasta que un día, Isabel, una exprofesora de música, la lleva a vivir a su granja. Allí, feliz y en armonía, la gallina descubre su gran talento oculto con la ayuda de Isabel: ¡Turuleca no sólo puede hablar, sino que canta como jamás has oído cantar a una gallina!

El Velódromo de San Sebastián será el primero en disfrutar de las aventuras de Turuleca, a quien da vida Eva Hache, y que tendrá que vérselas con un vengativo villano, Armando Tramas, interpretado por José Mota.

Con Juan Pablo Buscarini como productor artístico, la cinta es una producción hispano-argentina de Tandem Films, Producións a Fonsagrada, Gloriamundi Producciones y Brown Films, en coproducción con Pampa Films, Argentina Sono Film, Mediabyte, In Post We Trust, Malditomaus, con la participación de RTVE y CRTVG.

Y llegará a los cines de la mano de FILMAX.

“MIENTRAS DURE LA GUERRA” de ALEJANDRO AMENÁBAR, seleccionada por los Festivales de Cine de Toronto y San Sebastián.

“Mientras dure la guerra”, la nueva película de Alejandro Amenábar, participará el próximo mes de septiembre en dos de los festivales de cine más prestigiosos de dentro y fuera de nuestras fronteras.

La 44º edición del Toronto International Film Festival (TIFF 2019), que se celebra del 5 al 15 de septiembre de 2019, acogerá la presentación internacional de Mientras dure la guerra dentro de la sección Special Presentations, que reúne los grandes estrenos de la temporada.

Unos días  más tarde, el séptimo largometraje del reconocido autor de Mar Adentro y Los otros competirá por la Concha de Oro en la 67º edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que comienza el 20 de septiembre y se clausura el 28 de septiembre. La película participará en Sección Oficial a Concurso.

Producida por Movistar+, MOD Producciones, Himenóptero, K&S Films y MDLG A.I.E., MIENTRAS DURE LA GUERRA está protagonizada por Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, que junto a Nathalie Poza, Patricia Lopez Arnaiz, Luis Bermejo, Tito Valverde, Inma Cuevas, Carlos Serrano-Clark, Luis Zahera, Ainhoa Santamaría, Mireia Rey, Luis Callejo, Dafnis Balduz, Jorge Andreu, Itziar Aizpuru, Pep Tosar y Miquel García-Borda completan el reparto.

Tras su paso por estos dos festivales, MIENTRAS DURE LA GUERRA llegará a los cines el próximo 27 de septiembre distribuida por Buena Vista Internacional.

Sinopsis: España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la rebelión militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca.

Mientras tanto, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios. 

Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición de clemencia.

Alejandro Amenábar vuelve a rodar en español después de Mar Adentro (Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa), una historia real que retrata el pasado reciente de España y recupera la figura del excepcional escritor Miguel de Unamuno.

“Mientras dure la guerra” es una película original de Movistar+ en coproducción con  MOD PRODUCCIONES, fundada por Fernando Bovaira y que ha producido las películas de Alejandro Amenábar, Mar Adentro (Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa), Los Otros, Ágora y Regresión; HIMENÓPTERO, compañía fundada por Alejandro Amenábar para la producción de sus películas, y la argentina K&S FILMS, con un exitoso catálogo en el que destaca Relatos Salvajes de Damián Szifron (Nominada al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa). 

La producción cuenta con la financiación del ICAA (Ministerio de Cultura), del INCAA (Argentina) y con la colaboración del Ayuntamiento de Salamanca y de la Universidad de Salamanca en su VIII centenario.