miércoles, 21 de marzo de 2018

GRINGO: se busca vivo o muerto: CRÍTICA DE CINE

         Nash Edgerton dirige la divertidísima comedia, GRINGO: se busca vivo o muerto, con guion de Matthenw Stone y Anthony Tambakis.

          Elaine Markinson (Charlize Theron) y  Richard Rusk (Joel Edgerton) son  dos ejecutivos agresivos de una empresa farmacéutica que llevan entre manos un nuevo producto, cuya fabricación se realiza en México.  Entre sus trabajadores cuentan con Harold Sayinka (David Oyelowo), amigo de Richard, quien tiene grandes sueños respecto a su trabajo dentro de la empresa.

          Los tres se desplazarán a México por negocios y allí Harold irá descubriendo que no todo es como él esperaba ni en los negocios ni en su vida personal, viéndose involucrado en una sucesión de acontecimientos,  en los cuales como si de una diana se tratara, su vida, esté con quien esté, se convertirá en  el objetivo a abatir.

          Edgerton dirige esta disparatada y divertidísima comedia negra, con una acción trepidante en constantes giros inesperados que logran elevar la acción y la comedia hasta llegar al final, sin decaer en ningún momento, algo por lo que hay que felicitarle de entrada. Un final que si bien previsible, también deseado por el espectador, tras el aluvión de acontecimientos  ofrecidos y vividos en las carnes de nuestro protagonista. Una obra perfectamente equilibrada, entre esas sorpresas finamente hiladas junto al humor irónico a través de lo visual y los diálogos. Inolvidable, sin hacer spoiler, de las preguntas: ¿Te gustan los Beatles? ¿Consideras que Sargent Pepper es su mejor álbum? Dicho así, parece no tener importancia, pero cuando esas preguntas las realiza un capo de la mafia en situaciones embarazosas para el interrogado, todo es diferente. Cada pieza de este espectacular puzzle encaja perfectamente, mostrando un resultado más que positivo y agradecido.

          Un filme amable, con grande dosis de crítica sobre el mundo empresarial, de los buitres deseando salvar sus posaderas sin ningún tipo de escrúpulos, de las mafias encubiertas, del poder del dinero, de las envidias y rencillas,  y del status social, del machismo y del feminismo… hasta de referentes políticos actuales, bien conocidos.  

          Si Nash logra sus objetivos en la dirección con buena nota, no menos el elenco de actores con los que cuenta, todos perfectamente en la piel de sus personajes, moviéndose con soltura en los espacios que deben ocupar. David Oyelowo, está magnífico, creíble, divertido, emotivo… con el que el espectador disfruta y acompaña en sus aventuras y desventuras, más desventuras que aventuras, hay que aclarar. Charlize Theron, además de su acertada interpretación entre el cinismo y “loba” de los negocios, está deslumbrantemente bella y seductora, y Joel Edgerton, se convierte en ese personaje despreciable con el que disfrutas cuando en su vida, cambian las tornas.

          Un thriller con un gran montaje, una impecable fotografía de Eduard Grau y una banda sonora, tan trepidante como la acción del filme, de Christophe Beck.

          Por todo lo expuesto, mi nota es 7,5

      
    ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Marzo

          REPARTO: David Oyelowo, Joel Edgerton, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley, Harry Treadaway, Michael Argarano, Alan Ruck, Paris Jackson, Kenneth Choi, Yul Vazquez, Melonie Diaz, Diego Cataño, Hector Kotsifakis, Charles E. Tiedje, Carlos Corona, Rodrigo Corea.

          PRODUCTORA: Blue-Tongue Films/ Denver and Delilah Productions/ Amazon Studios/ Double Barrel VFX/ Pictures in a Row.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

martes, 20 de marzo de 2018

PERDIDO: CRÍTICA DE CINE


          Christian Carion con guion propio dirige, Perdido, un intenso drama narrado sin prisas y eficaz en su desarrollo.

          Julien Perrin (Guillaume Canet) es un hombre que viaja por gran parte del mundo, pasando largas temporadas fuera de casa, lo que provoca que su mujer Marie Blanchard (Mélanie Laurent) le pidiera el divorcio por estar alejado de ellos, pues ambos tienen un hijo, Mathys (Lino Papa), quien está a cargo de su madre. Marie tiene una nueva pareja y está pasando por un mal momento. Un día Julien recibe la llamada de su ex mujer comunicándole que su hijo Mathys ha desaparecido del campamento donde lo habían llevado ella y su nueva pareja para de esta forma, estar un tiempo juntos, sin la presencia del pequeño. Julien, al ver que su hijo no aparece, decide lanzarse en su búsqueda.

          Perdido, es en apariencia un filme sencillo, pero muy lejos de esa realidad, realidad que iremos descubriendo a medida que el metraje avanza, entre sus dolorosas capas: El sentido de la culpa por los errores cometidos, la obsesión por el trabajo, la protección infantil, el coraje paternal, todos ellos y algunos más, a través del viaje que emprenderá en busca de su hijo desaparecido, del supuesto o no secuestro, del miedo a no encontrarlo con vida; por la negligencia de  unos padres que han pensado más en ellos mismos, que en cuidar de la vida que un día engendraron.

          Carion somete al espectador a una narración tal vez demasiado pausada, pero en parte necesaria, pues busca constantemente en su meditada exposición, que nada quede al azar, aunque deje algunos flecos sueltos y aún preguntándonos el por qué, no desmerece a la historia contada, sino que provoca el debate tras la proyección. Una película no exenta de una extraña tensión que a medida que avanza en el tiempo, eleva y crispa los nervios del espectador por la agonía que sufre su personaje principal, por la violencia desatada, que Christian, con buen atino y gusto no muestra de forma escabrosa, sino que lo deja para nuestra imaginación, apoyándolo en los sonidos, aunque  en realidad, no sé qué es peor.
     Una obra con magníficas interpretaciones, todas totalmente creíbles y me atrevo a decir, que imprescindibles; destacando al padre coraje y vengativo que representa  Guillaume Canet y al que seguiremos gustosos en todas sus andanzas, esperando el momento de esclarecer el misterio que rodea a la desgarrada ausencia de su hijo y lo que haya podido sucederle.

          Un filme donde la fotografía de Eric Dumont, tiene mucho que decir y lo hace de forma acertada, entre sus paisajes nevados, entre montañas solitarias, de albergues desérticos guardando en terrible secreto, de carreteras interminables en busca de un resignado final, pero final al fin y al cabo, que le saque de la incertidumbre… Y por supuesto, esa compañera infatigable, casi siempre dándose la mano, como es la banda sonora, está vez en la partitura de, Laurent Pérez del Mar. Tensa, resignada, evocadora, dura, angustiosa y por breves instantes, relajante.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en España: 16 de Marzo

          REPARTO: Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Olivier de Benoist, Marc Robert.

          PRODUCTORA: Nord-Ouest Production

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures.

lunes, 19 de marzo de 2018

A SILENT VOICE: CRÍTICA DE CINE

           A Silent Voice de la directora japonesa Naoko Yamada nos sumerge en un duro drama sobre los problemas en la adolescencia y más concretamente en la  japonesa.

          Shoya Ishida es un joven estudiantes de primaria que busca destacar sobre los demás, va de duro, del malote del colegio y se siente bien al ver como los demás o le admiran o le temen. Un buen día llega una chica nueva, Shoko Nishimiya, una niña sorda quien se convertirá en la diana de las travesuras de Shoya, aunque este siente algo especial por ella, que no desea demostrar. Shoko deberá abandonar el colegio, ante el acoso que recibe de algunos de sus compañeros.

          Pasan los años y Shoya se arrepiente de su pasado y buscará la forma de contactar con su ex compañera de estudios, Shoko, para obtener su perdón, pero no será tan fácil como él espera, pues todos los “fantasmas” se confabularán en su contra.

          Naoko Yamada, trabaja en los estudios de animación Kyoto Animation y en su nuevo proyecto dirige la adaptación que Reiko Yoshida adapta de la novela manga de Yoshitoki Oima. Una obra que consta de siete volúmenes.

          Un Filme duro, desgarrador, tremendamente sincero; a través del cual Naoko  presenta una narración sin rodeos o florituras, por muy dramático que nos parezca el tema. Cuestiones como el Bullying o el suicidio entre los adolescentes, está presente durante toda la obra. El Bullying como el gran problema de toda una sociedad que aun  con campañas de concienciación, parece no tener fin y lo que es peor, el suicidio infantil, que desgraciadamente en un país como el nipón, es más frecuente de lo que muchos pueden pensar.

          Una obra de denuncia y alerta hacia los adultos, los responsables absolutos de preservar el bienestar de los infantes, desde los padres a los educadores; narrada con delicadeza. Un filme que se "ahoga" en el deseo de pedir perdón, sin saber realmente como hacerlo o en esos instantes que ya no tienen remedio. Una película que retrata la falta de comunicación entre jóvenes y adultos, entre los padres y educadores con respecto a si son los hijos o los alumnos, en una sociedad, principalmente la nipona, donde las prisas, el desapego  y el trabajo han sustituido a los sentimientos o relaciones afectivas más elementales y necesarias.  Aquellos que gritan por fluir libremente como en el caso de la amistad, el ser escuchados, el afecto o el romance, pues no olvidemos que los niños, los adolescentes, son los absolutos captadores de todo lo que pasa a su alrededor y los adultos, el claro ejemplo a seguir. 
          La fotografía de Kazuya Takao y Kohei Funamoto para esta animación, es impecable, como fascinante resulta la banda sonora de Kensuke Ushio, manteniendo la tensión e  in crescendo hasta arrancar las lágrimas al espectador.

          Una obra que debería ser de obligada visión para padres e hijos e incluso en los colegios para concienciar, a los alumnos y profesorado.

          Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: (Voces Originales) Shoya Ishida (Miyu Irino), Shoko Nishimiya (Saori Hayami), Toshi Mashibasa (Toshiyuki Toyonaga), Yaeko Nishimiya (Akiko Hiramatsu)

          PRODUCTORA: Kyoto Animation.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Selecta Visión

domingo, 18 de marzo de 2018

ANIMALES HERIDOS: CRÍTICA TEATRAL


          La sala Lola Membrives del Teatro Lara, presenta la obra de Mariano Rochman, Animales Heridos. Un drama que profundiza en las relaciones de pareja y los recuerdos familiares.

          Sinopsis: Román regresa a su ciudad natal tras unos 10 años de ausencia. En casa se encontrará con su hermanastra Cecilia, que ha vivido sola, tras la muerte de los padres.

 
         Román arrastra un pasado convulso que no sólo le afecta a él, sino a quienes dejó en la ciudad, envuelto entre los recuerdos de amores  rotos o no resueltos y lazos familiares dolorosos. Cicatrices sin curar  que en cada recuerdo vivido, gritan buscando un antídoto, una solución, para la liberación que su ser precisa. Para ello recrearán un juego donde intervienen los conflictos, objetivos, circunstancias y urgencia.

         
Una dramaturgia más que interesante donde Mariano hila finamente, como en una tela de araña, las historias de esos recuerdos, de los sueños e instantes de aquello que fue o pudo ser, destilando cierta amargura y resignación, entre la pérdida y la búsqueda del amor. Lo vivido en su infancia y juventud, dentro del seno de una familia disfuncional y los traumas que aún le persiguen, aunque no sólo a él, sin olvidar la atracción sexual entre hermanastros de la misma edad y de sexos diferentes. La búsqueda de respuestas, mientras surgen otras preguntas. La necesidad del perdón y del entendimiento. El lograr extirpar de su mente lo que la nubla, para seguir un nuevo camino.

          Rochman no solo crea una obra perturbadora, dura, desgarradora y dramática, en parte inspirada en sus experiencias, sino que somete a sus dos actores a una batalla sin igual, donde Marta y Víctor entregan todo su ser a sus personajes. Presentan los fantasmas de la humanidad, o al menos de una parte de ella, cuando de amor y familia se trata. Seguramente algunos/as espectadores/as, se verán reflejados/as.  

          Víctor se enfrenta a un personaje fuerte y que logra en escena la total credibilidad, pero quien lleva el mayor peso, sin duda, es Marta, pues se reencarnará en todas las mujeres que han pasado por la vida de Román. Resaltar con que sencillez visual y bien estudiada, pasa de un personaje a otro, simplemente con el cambio de una prenda de vestir.

          Para terminar, dos elementos que quiero destacar son la sencilla y eficaz escenografía y su cuidada iluminación.

          Obra que recomiendo y donde seguramente, cada espectador/a sacará conclusiones  que difieren de las de otros/as, pues si algo tiene Animales heridos, es que en realidad, todos/as en momentos de nuestras vidas, hemos sido, somos y seremos heridos por los sentimientos, de los que está dotado el ser humano.

LA OBRA SE REPRESENTAS TODOS LOS JUEVES A LAS 20:15 HORAS.

TEATRO LARA: SALA  LOLA MEMBRIVES 

EQUIPO ARTÍSTICO:

REPARTO:

MARTA CUENCA es Cecilia y otros personajes

VÍCTOR ANCIONES  es Román.

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: Mariano Rochman

VESTUARIO: Guadalupe Valero

ESCENOGRAFÍA: Juan Sebastián Domínguez

ILUMINACIÓN: Luz ET

MÚSICA: Mariano Rochman

FOTOGRAFÍA: Life Triumph y Raquel Rodríguez

DISEÑO GRÁFICO: José Gonçalo Pais

OPERACIÓN TÉCNICA: Raquel Rodríguez

PRODUCCIÓN: Doble Sentido Producciones

DISTRIBUCIÓN: Mara Bonilla Distribución

sábado, 17 de marzo de 2018

MI NOMBRE ES TE ATA: CRÍTICA DE CINE

            Mi nombre es Te Ata, un filme de Nathan Frankowski que exuda magia e invita a la relajación a través de la exquisita narración con guion de Jeannie Barbour y Esther Luttrell, y la sobresaliente interpretación de Q´orianka Kilcher. 

          María Thompson Fisher (Q,orianka Kilcher), a quien se la conocería por su nombre artístico Te Ata, fue una mujer que vivió en Chickasaw, lo que más tarde se denominó Oklahoma. Un espíritu libre, soñador, aventurero y en comunión perfecta con la naturaleza y la energía que desprendía cada poro de su ser. Tuvo que luchar para lograr sus sueños y entre esas personas, con su protector padre T.B. Thompson (Gil Birmingham) quien no deseaba que su hija sufriera el menor daño. Él había creado su particular “fortaleza”, su pequeño paraíso para la felicidad de su familia; pero Te Ata, buscaba conocer el mundo y que el mundo supiera lo orgullosa que estaba de ser quien era. 

          Cuando una historia ofrece tanta verdad, es difícil que no cautive a los espectadores y sin duda Nathan, posee la maestría y habilidad de narrar este filme basado en hechos reales, con suma exquisitez y buen gusto. Logra mantener el equilibro sobre ese hilo tan delicado, donde la fragilidad de lo narrado, podría evaporarse, pero por el contrario, lo mantiene creando en el espectador sensaciones y emociones maravillosas que permanecen en su mente por un largo periodo. El amor a  la naturaleza, a la Tierra que le aporta la fuerza, a la familia, a la libertad, el dar rienda suelta a su espíritu rebelde y el sentirse orgullosa de su raza.

          La historia real de una mujer que rompió toda clase de barreras y prejuicios, a pesar de las diferencias sociales y raciales de finales del siglo XIX,  donde su espíritu libre, magníficamente representado por el perro blanco que aparece en instantes claves del filme y su magnetismo personal,  la llevará hasta Broadway para descubrir verdaderamente cuál era su destino, sus metas e incluso su espacio donde ofrecer su arte y relatos.

          Mi nombre es Te Ata, cuenta con espléndidas interpretaciones pero sin la menor duda, Q´orianka Kilcher, es quien cautiva con su espectacular y sobrecogedora interpretación, entregando todo su ser al personaje a encarnar. La pulcritud en sus expresiones corporales, la excelencia en las coreografías mientras cuenta la historia, su voz cautivadora al narrar y cantar, sus miradas, sus silencios... Todo en ella parece ser bendecido por un ser especial y el magnetismo que le concede Te Ata, enamorando a la pantalla y a quienes disfrutan de su presencia.

          Una gran dirección, unas interpretaciones totalmente acertadas y un guion cargado de poesía, se enriquecen con las bucólicas  y bellas imágenes que nos ofrece en su gran abanico, la fotografía de Ben Huddleston, acompañado de la emocionante banda sonora del maestro Bryan R. Miller.

          Poco más o mucho se podría decir sobre esta obra que deja sin aliento al espectador, que le despierta sonrisas y lágrimas, que le atrapa fotograma a fotograma, sumiéndolo en un estado de relax total en  la butaca de cine y así poder disfrutar y admirar una historia tan bellamente contada, que es preferible que sea el propio espectador, el que en su mente, rubrique cada emoción vivida.

          "La ignorancia es la causa de nuestros miedos"

          Mi nota es un 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: Q´orianka Kilcher, Gil Birmingham, Graham Greene, Mackenzie Astin, Brigid Brannagh, Cindy Pickett, Jenni Mabrey, Marissa Skell, Boriana Williams, Don Taylor, Robert Ousley, Gordon Fox.

          PRODUCTORA: Chickasaw Nation Productions / Paladin (USA)

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory


viernes, 16 de marzo de 2018

1945: CRITICA DE CINE

            El húngaro Ferenc Török junto al autor de la novela Gábor T. Szántó, guioniza y dirige, 1945. Un filme de Posguerra que hace gala del dicho: “Se recoge lo que se siembra”

          En un pequeño pueblo de Hungría sus habitantes se preparan para la boda del hijo, Arpad (Bence Tasnádi) de uno de los funcionarios y máximo cacique del pueblo, Istvan Szentes (Péter Rudolf), con la ex prometida de su mejor amigo, Kisrozsi (Dóra Sztarenki)

          Lo que parece un día de alegría, se trastocará al conocer la visita de dos judíos ortodoxos que acaban de llegar en tren, portando dos grandes cajas de madera. Cajas que serán acomodadas en un carro tirado por un caballo. El camino hasta el pueblo les llevará una hora y los dos forasteros caminarán, con lentitud, tras dicho carro.

          Por otra parte en el pueblo, Istvan teme que  los dos judíos sean familiares de antiguos lugareños, los cuales fueron deportados o asesinados. La noticia corre como la pólvora entre los demás vecinos, temiendo que otros supervivientes de la guerra regresen, y reclamen las propiedades de las que se han ido apoderando en su ausencia.
          Desde casi los primeros minutos del visionado de este filme, al menos desde mi punto de vista, 1945 nos trae recuerdos  de un inolvidable clásico, también rodado en blanco y negro como es “solo ante el peligro” y que además estoy convencido que Ferenc conoce sobradamente, la existencia de dicha obra. La planificación de la historia,  la narración pausada, el tiempo real en que ambas están rodadas, muchos de los planos utilizados e incluso donde tanto la banda sonora como la fotografía, toman el relevo de la palabra.

          Una banda sonora que va alterando el sistema nervioso del espectador minuto a minuto, con toda la intención para provocar el clímax preciso, a medida que se conoce la vida de sus habitantes, sus secretos y respectivos comportamientos, bajo la batuta de Tibor Szemzö y la plasticidad y nervio visual aportado por la soberbia fotografía de Elemér Ragályi, reforzando y recreando cada elemento de su  puesta en escena.

          1945 cuenta con una cuidadísima narración en un tiempo de posguerra, concretamente la II Guerra Mundial y cómo la implicación y participación de los vecinos de un pueblo, claro reflejo de muchos otros, en sus luchas internas, se implica en la Historia inculpando o favoreciendo a los unos o a los otros. Las rencillas, los ideales políticos, la codicia, los estatus, los caciques y los sumisos, se codearán con el honor y el perdón, mientras en las mentes de los indeseables, el fantasma de la culpabilidad les perseguirá en busca de venganza, más divina que terrenal.

          Acertadísimo el elenco de actores en unas adecuadas interpretaciones, hasta el punto de sentirse por una hora y media, trasportados a un tiempo no deseado, aunque en parte no tan lejos de la realidad cotidiana del hoy en día. Desgraciadamente no hace falta mirar hacia el pasado, para ver que el ser humano, poco o nada ha cambiado cuando el poder o los bienes ajenos, se tienen al alcance.

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus.

PRODUCTORA: Katapult Film.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.


jueves, 15 de marzo de 2018

PREESTRENO DE RISE: LA NUEVA SERIE DE MOVISTAR+

           El martes día 13,  Movistar+ presentó a los medios el preestreno de “Rise” en el Teatro Alcalá de Madrid, a las 19:30 horas, pocas horas antes de su estreno en Estados Unidos.

          Fernando Jerez, director de #0 y contenidos Premium de Movistar+, comentó: “RISE” junto con “RIVERDALE”, “EL JOVEN SHELDON” o “Mr. ROBOT”, “FAMA A BAILAR”, o “LA RESISTENCIA”, entre otros contenidos, representan la apuesta de la plataforma por atender la demanda del público milennial. Una plataforma con cuatro millones de hogares debe incorporar todos los géneros y tener una mirada amplia para llegar a públicos muy diferentes”

          Tras la proyección del capítulo piloto, Fernando Jerez, mantuvo un coloquio con los periodistas: Álvaro Onieva, Alberto Rey, Marina Such e Isabel Samaniego.

    
      Rise” nos narra la historia del profesor Lou Mazzuchelli (Josh Radnor). Tras una crisis personal busca inspiración y para ello se hace cargo del departamento del teatro del instituto donde imparte clases desde hace 17 años como profesor de lengua y literatura. Tracy Wolfe (Rosie Pérez) ha dedicado toda su vida al departamento de teatro y no comprende porqué ha sido sustituida por Lou. En un principio los roces entre ambos son inevitables, pero poco a poco descubrirá el espíritu soñador de Lou y decide unirse a él,  por el bien de los chicos y del teatro.

          Los personajes principales son: Lou Mazzuchelli (Josh Radnor) Profesor de lengua y literatura en el instituto Stanton. Tracy Wolfe (Rosie Pérez) Directora del departamento de teatro del instituto. Lilette Suarez (Auli´i Cravalho), posee una voz increíble y un talento nato para el teatro, pero es una chica insegura llena de miedos y sin creer en ella misma. Robbie Thorne (Damon J. Gillespie) es el chico más popular del instituto, es el jugador estrella del equipo de fútbol, pero posee una gran voz y talento para la interpretación. ¿Fútbol o teatro? Simon Saunders (Ted Sutherland) siempre ha sido el actor principal de las obras hasta la llegada del nuevo director, quien  le ofrece el quinto personaje, un personaje menor pero con una gran carga emocional. A través del personaje, ¿logrará vencer sus fantasmas y exponerse como realmente es? Gwen Strickland (Amy Forsyth) es otra de las jóvenes talentosas. Atractiva, imponente, con un duro carácter y una prodigiosa voz, está acostumbrada a tener los mejores papeles y la atención de todos, pero… Michael Hallowell (Ellie Desautels) Forma parte del coro del instituto destacando por su voz, por lo que Lou le recluta para el grupo. Michael encontrará un entorno en el que se sentirá acogido y no juzgado ni por su transexualidad, ni por su aspecto físico. Maashous Evers (Rarmian Newton) Es el técnico de luces del teatro, además de estudiante. Es tímido, misterioso y discreto. Maashous oculta un gran corazón y el deseo de encontrar un entorno en el que sentirse querido y seguro. Doug Strickland (Joe Tippett) es el entrenador del equipo de fútbol del instituto y no estará dispuesto a que a su jugador estrella, se lo lleve Lou al teatro. Para él solo existen dos prioridades: El fútbol y su hija: Gwen.

          La narración no se quedará dentro de la comunidad de estudiantes, entre las paredes del instituto o del propio teatro, sino que traspasará y calará entre los ciudadanos y familiares de los personajes. Historias envueltas en alegrías y dramas, como sucede en la vida real.

          “Rise” es una serie de NCBUniversal y de los productores de “FRIDAY NIGHT LIGHTS” y el musical “Hamilton”. Se ha estrenado este miércoles en Movistar Series (dial 11) a las 22:30 horas en VOS, solo 24 horas después de su estreno en EE.UU. Los episodios estarán disponibles bajo demanda cada semana, después de su emisión en lineal. La primera temporada consta de 10 episodios. 
        Visto el primer capítulo, solo puedo decir que la serie engancha. Cuenta con un buen guion, una dirección correcta y unas interpretaciones muy creíbles. Una serie familiar donde el público adolescente, seguramente se sentirá identificado, con algunos de los personajes.

          Gracias una vez más a Movistar+ por hacernos partícipes de uno de vuestros estrenos.