LETRAS ROBADAS: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Irlanda y Estados Unidos, Letras Robadas está dirigida por John Carney, quien comparte guion con Peter McDonald. “Esta canción cambió mi vida”

Rick Power (Paul Rudd) es el cantante de un grupo musical de cinco miembros que se dedica a amenizar bodas. Durante una de estas celebraciones, descubren que entre los invitados se encuentra la gran estrella del pop del momento, Danny Wilson (Nick Jonas). A petición de los novios, Rick invita al famoso cantante a subir al escenario ante la algarabía de todos los presentes. Danny demuestra ser un joven simpático y acepta cantar junto a él, convirtiendo la velada en un éxito absoluto.

La noche se vuelve aún más especial cuando, mientras Rick pasea por los jardines de la mansión, Danny lo llama. Ambos entablan una animada conversación de colegueo sobre música y lo que les inspira componer. Durante la misma, Rick le desvela la letra de una canción íntima. Como todas sus composiciones, la escribió pensando en su mujer, Rachel Power (Marcella Plunkett), con quien tiene una hija adolescente, Aja Power (Beth Fallon). Danny le entrega su tarjeta y se despiden.

Pasan unos meses y, mientras camina por un centro comercial, Rick escucha un tema en los altavoces: es la canción que él había compuesto y que Danny le ha robado. El tema se ha transformado en un éxito mundial. Mientras su familia lucha día a día para sobrevivir, Danny se está forrando gracias a las reproducciones en internet. Indignado, Rick decidirá viajar junto a su inseparable compañero Sandy (Peter McDonald) para buscar a la estrella pop y reclamar lo que es suyo.

Pensaba comenzar con las interpretaciones de los personajes, que tanto me han atrapado, pero esta vez he decidido que sea él, John Carney, quien abra la reseña, pues su dirección es sumamente acertada al apostar por una propuesta cinematográfica “blanca”, de esas que hoy en día escasean y se echan tanto de menos, pues resultan ideales para disfrutar en familia. El guion esquiva con elegancia el melodrama facilón o los golpes bajos, manteniéndose libre de palabras malsonantes o de giros innecesarios. Incluso en sus momentos más dramáticos, la historia se acepta con agrado porque no busca manipular al espectador, sino presentar con honestidad las realidades que ambos protagonistas viven en sus carnes, aunque estoy seguro que en el mundo de la industria, son más descarnadas. No hay villanos con maldad en esta función, solo el retrato humano de dos caminos opuestos que chocan de frente.

El gran pilar que sostiene este filme es, sin duda, el excelente duelo interpretativo de sus protagonistas. El buen rollo entre Paul Rudd y Nick Jonas, aun interpretando a dos rivales en pleno conflicto, es fantástico. Se nota desde el primer minuto que ambos se están divirtiendo en la pantalla junto al resto del reparto, algo que de forma innata contagia una energía positiva al espectador. Esta química tan especial permite que la trama fluya y transite por momentos memorables, incluyendo la secuencia de la pelea en la fiesta, que resulta de lo más rocambolesca y divertida. Rudd aporta su habitual carisma impregnado de una emotiva vulnerabilidad, mientras que Jonas sorprende gratamente al encarnar con total naturalidad las luces y las sombras de una gran estrella del pop actual, en ocasiones presionada por quienes tiene alrededor: los verdaderos chupasangres. ¿Cuántos artistas han caído en esas redes especulativas?

Como es de esperar en el cine de Carney, la música se convierte en el mejor compañero de viaje a lo largo de la cinta, dotando al metraje de una fluidez, armonía y entretenimiento encomiables que logran hacerte tararear para tus adentros y mover los pies en la butaca. – No sé a vosotros, al menos a mí sí. – Es una banda sonora juguetona, compuesta por John Carney y Gary Clark, reflejo fiel de la actitud de sus propios personajes. A esta vibrante atmósfera  musical se suma la acertada fotografía de Yaron Orbach, que, aunque nos regala algunas magníficas escenas en exteriores como jardines, carreteras y otros espacios; deslumbra principalmente al retratar los espacios cerrados. La cámara se mueve con maestría entre la espectacularidad de los estadios repletos de fans y la elegancia de los salones de boda, deteniéndose en la intimidad de los estudios de grabación o en esa gran mansión de amplios ventanales desde donde vemos componer, meditar y tocar a Danny. Sin embargo, tras la fachada del éxito comercial y las reproducciones en internet, el filme esconde un latido emocional mucho más íntimo. El enfado de Rick ante el plagio no nace de la codicia ni del deseo de fama, sino del valor sentimental de un recuerdo privado hecho canción; a mi juicio, lo que de verdad te hace abrazar la película de principio a fin.

Resumiendo, toda esta marea de emociones contenidas estalla en su tramo final, gracias a un montaje en paralelo verdaderamente excepcional. Estamos por tanto, ante un filme sumamente entretenido y palomitero que nos invita a reflexionar sobre los entresijos de la industria de la música desde una perspectiva quizás demasiado bucólica; un detalle menor que al espectador apenas le importará, pues lo que realmente busca – y encuentra – es todo lo que rodea a esta entrañable obra: grandes composiciones, interpretaciones magníficas, un ritmo que hace pasar un rato formidable y, por encima de todo, la honestidad de una propuesta que ofrece exactamente lo que promete: diversión para una tarde o noche de verano.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio.

REPARTO: Paul Rudd, Nick Jonas, Jack Reynor, Havana Rose Liu, Rory Keenan, Sophie Vavasseur, Peter McDonald, Kelly Thornton, Paul Reid, Juliette Crosbie, Marcella Plunkett, Mae Higgins, Beth Fallon, Kate Moon, Martha Breen, Peter McGann, Donncha O´Dea, Ebimie Anthony, Caelum Frazer, Ruby Dunne, Sionnan Dunne, Márcio Wille, Hristiyana Yotova, Ian Dillon, Tudor Stefan, Keith McErlean y Naoimh Whelton.

PRODUCTORA: Screen Ireland// Fís Éireann/Screen// 30West// Treasure Entertainment// Likely Story.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films.

FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR: El guionista, productor y director se ha especializado en películas de drama musical. Estudió en el De La Salle College Churchtown y en el Synge Street CBS. Fue bajista de la banda de rock irlandesa The Frames entre 1991/93. Además de contar con la dirección de algunos videos musicales, debutó en el largometraje con “November Afternoon” (1996) continuando con “Park” (1999) y “Al límite” (2001), “Once” (2006), “Zonad” (2009), “The Rafters” (2012), “Begin Again” (2013), “Sing Street” (2016), “Flora y su hijo Max” (2023) y “Letras robadas” (2026). También cuenta con el cortometraje “Zonad” (2003). El programa especial para televisión “Bachelors Walk Christmas Special” (2006) y capítulos para series como: “Bachelors Walk” (2001/03), “The Modest Advewntures of David O`Doherty” (2007), “Modern Love” (2019/2021), “Maravillas modernas” (2024).

UN TALENTO ÚNICO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Canadá y Estados Unidos, Un talento único está dirigida por Daniel Roher quien comparte guion con Robert Ramsey. “El mi bemol está desafinado”

Harry Horowitz (Dustin Hoffman) es afinador de pianos en Nueva York y tiene como aprendiz a Niki White (Leo Woodall). Niki, en su día se vio obligado a abandonar la música cuando comenzó a padecer una severa hiperacusia que le impedía tocar, lo que le forzó a usar protectores auditivos constantemente para tolerar los ruidos extremos. Un día, Harry olvida la combinación de su caja fuerte; gracias a su agudo oído, Niki logra descifrarla,  descubriendo así un don innato para la cerrajería.

Una noche, mientras trabaja en la residencia de un cliente adinerado afinando el piano del gran salón, escucha ruidos extraños que provienen de la parte superior de la vivienda, interrumpiendo el asalto de una banda de ladrones liderada por Uri (Lior Raz). Tras un tenso encuentro, Niki decide ayudarles a abrir la caja fuerte para poder proseguir con su trabajo. Fascinado por su habilidad, Uri le ofrece sumarse a su equipo si de verdad quiere ganar dinero, dejándole su tarjeta y un fajo de billetes sobre el instrumento. Cuando el destino de Harry y su familia se complica críticamente, Niki se verá en la encrucijada de tomar una decisión drástica. Un punto de no retorno del que es mejor no desvelar más.

Un drama musical e íntimo cuyos silencios destrozan el alma y suplican piedad. Tal vez así es como se debería resumir esta obra dolorosa, triste y vivida en una soledad exigida por una vida artística frustrada; y lo primero que evocó mi mente mientras desfilaban los créditos finales: la necesidad de hacer especial hincapié en el abrumador y desolador diseño de sonido, el cual se convierte en un personaje más de la trama, un personaje demoledor. La dirección de Daniel Roher utiliza el contraste auditivo no solo como un elemento técnico, sino como el reflejo del aislamiento psicológico de Niki, brillantemente interpretado por un Leo Woodall, que sostiene la tensión con la mirada y los silencios mencionados. Hay instantes que creemos leer su mente y sufrimos como lo hace él.

Más allá de su impecable apartado técnico, el verdadero motor de la historia reside en su faceta humana y en su reparto de gran nivel. Destaca la entrañable y conmovedora presencia de un veterano como Dustin Hoffman en el papel de Harry Horowitz. Aunque sus apariciones son medidas – pasando gran parte del metraje postrado en la cama de un hospital –, Hoffman nos aporta la calidez, claridad y sapiencia de toda una gran carrera, pero también la fragilidad y la vejez que irremediablemente pasa factura. Junto a una magnífica Tovah Feldshuh como la dulce y resignada Marla, construyen un refugio emocional para Niki. La relación es tan fraternal, como esos “padres” que adoptan a un “hijo”, que justifica la desesperación del joven por salvarlos de las deudas. Niki vive envuelto en un manto de fantasmas que parecen ahogarlo y de sombras pesadas que no le dejan ver el camino que tanto desea continuar, impidiéndole en un principio dar el paso con Ruthie (Havana Rose Liu), a pesar de las insistencias de Harry. La escena que, a mi juicio, une y extrae la esencia más humana a los cuatro personajes es la que transcurre en el hospital. Allí, un viejo y olvidado piano en uno de los pasillos dará vida, aliento y sentido a la humanidad latente en ellos y a su claro amor por la música. Pero, siempre hay un pero, si la luz es ocultada por algunas sombras, es ese momento cuando el mal hace acto de presencia, en este caso el villano Uri, interpretado por un imponente Lior Raz, quien dota a su personaje de una amenaza latente, peligrosa y carismática, quien intentará doblegar al protagonista.

Un talento único se cocina a fuego lento, como los buenos platos, ofreciendo un drama pausado y doloroso que maneja el ritmo con precisión quirúrgica. Su narrativa profunda expone la crudeza de las malas decisiones, aunque estas puedan estar falsamente justificadas, pues son las que se toman ante la desesperación y la falta de pensar antes de actuar cuando la vida se pone del revés y la sociedad se empeña en cerrarte todas las puertas y ventanas justo, cuando precisas respirar. A través de la opulencia de los clientes adinerados de Niki, la cinta lanza una sutil pero afilada crítica social basada en la ley de la utilidad marginal decreciente: cómo aquellos que lo poseen todo dejan de apreciar el verdadero valor de las cosas, asumiendo con arrogancia que cualquier contratiempo o negativa se soluciona vaciando el talonario; un mensaje que queda claro durante una conversación y que, sin duda, nos provoca la reflexión.

En este ecosistema donde afinar un piano significa intentar crear armonía en mitad del caos – una tarea que obliga a aceptar la imperfección –, el conflicto exterior termina por dinamitar la burbuja del protagonista. El punto álgido de la tensión no llega solo por la amenaza criminal que busca alterar nuestro sistema nervioso, sino por la devastadora falta de empatía humana. Un ejemplo, muy latente en nuestra sociedad individualista está presente en la discusión que mantienen Niki y Ruthie, la cual no os voy a desvelar, pero que nuevamente Daniel Roher y Robert Ramsey, nos sumergen en una reflexión no deseada pero necesaria; no solo de ser escuchada, sino también vista, y que plantea una doble pregunta incómoda. ¿Quién es realmente el egoísta en una relación? ¿El que calla sus problemas para no cargar a los demás, o el que se atreve a juzgar la vida del otro desconociendo su realidad?

Resumiendo, Un talento único se alza como una de las sorpresas más gratas, desgarradora y estimulante de la temporada cinematográfica. No sería justo cerrar esta crítica sin aplaudir la partitura melancólica y precisa de Marius De Vries y Will Bates, cuyas notas lloran y reflexionan en silencio y acompañan con sutileza a una fotografía inmersiva, franca y sin artificios en la mirada de Lowell A. Meyer. Roher rubrica un filme que transita entre el drama intimista y la tensión del thriller descarnado. Una obra redonda en sus interpretaciones y demoledora en sus mensajes que bien se merece…

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de junio.

REPARTO: Leo Woodall, Havana Rose Liu, Dustin Hoffman, Lior Raz, Tovah Feldshuh, Jean Reno, Gil Cohen, C.S. Lee y Nissan Sakira.

PRODUCTORA: Black Bear// Elevation Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: Daniel Roher, se graduó en la Etobicoke School of the Arts en el año 2011, destacando en artes visuals. Además estudió en el Savannah College of Art and Design en Georgia (Estados Unidos). Se inició con los cortometrajes “Nunca lejos de casa” (2011), “Niños de la Sirena Cohete” (2013), “Resuelto” y “La visión de Bashir” en (2014), “Sobrevivientes Rowe”, “Conversaciones con un primer ministro fallecido” ambas en (2015),  “Sourtoe: La historia del caníbal arrepentido” (2016), “Dilveen” (2018), “Encontrando a Fukue” (2018). Cuenta con el documental “Ghosts of our Forest (2017), “Once Were Brothers: la historia de la banda” (2019), “Navalny” (2022) y “Blink” (2024) y la serie “Marca Canadá” (2017). En el largometraje de ficción debuta con “Un talento único” (2026).

EL DRAMA: CRÍTICA DE CINE

El Drama está escrita y dirigida por Kristoffer Borgli. “En ocasiones el pasado dinamita los cimientos del amor perfecto”

Emma Harwood (Zendaya), empleada de una librería, y Charlie Thompson (Robert Pattinson), trabajador en un museo, son una pareja joven que se ama y está a punto de dar el “sí quiero” ante su familia y  amigos. Sin embargo, durante una cena con la mejor amiga de Emma, Rachel  (Alana Haim), y su marido Mike (Mamoudou Athie), surge una charla sobre secretos inconfesables del pasado que pone a prueba su estabilidad. Tras conocerse las vivencias de Rachel, Mike y Charlie, llega el turno de Emma, quien revela un episodio que sacude los cimientos de la pareja y transforma para siempre su amistad con el otro matrimonio.

Los secretos de los personajes actúan como el detonante de una trama que se despliega en dos actos: por un lado, la preparación de una boda que, como un flan, se tambalea ante el peligro de desmoronarse en cualquier momento; por otro, el perverso juego de espejos que nos propone Borgli. El guion nos enfrenta a un dilema moral devastador: la confesión de Rachel, un acto de crueldad física y tangible, frente a la de Emma, un secreto que dispara un miedo psicológico mucho más profundo.

¿Qué es más censurable o qué nos asusta más: el daño causado por un error de juventud o la oscuridad latente que elegimos ignorar? El ingenio de Borgli no se limita a este dilema; nos atrapa en un suspense sostenido durante todo el metraje, manejando con maestría esos altibajos emocionales y planos de angustia que traza de manera admirable, siempre bañados por un humor negro y punzante. Es esa ironía marca inequívoca de la casa la que nos permite digerir la densidad del relato; Borgli tiene el don de hacernos reír justo cuando lo que estamos viendo debería, en realidad, aterrarnos y hacernos pensar. Tan astuto es el guion que frases que antes parecían inocentes, tras desvelarse los secretos, despiertan sonrisas heladas o carcajadas nerviosas.

Hay mucha hipocresía y cinismo en las páginas de esta romántica historia que presume de serlo pero, como tantas veces en la vida, no es oro todo lo que reluce. Aunque aquí el director de fotografía Arseni Khachaturan viste de gala cada plano con una luz suave, la realidad se rodea de la turbiedad del ser; de esa hipocresía y ese cinismo, que lo van impregnando todo hasta provocar que nuestra respiración se vuelva  lenta y pesada.

Estamos, por tanto, ante un inteligente drama psicológico cuyo peso emocional y fragilidad de los personajes sustentan dos grandes interpretaciones. Zendaya realiza aquí un ejercicio de contención magistral; su intrigante Emma no es una villana, sino un enigma que se resquebraja bajo el peso de una confesión que no busca el perdón, sino la liberación, sin ser consciente del incendio que provocará en su entorno más cercano. A su lado, Robert Pattinson vuelve a demostrar su capacidad para habitar la vulnerabilidad masculina; su Charlie es el espejo donde se refleja nuestro propio horror, transitando del amor incondicional a una desorientación existencial que hiela la sangre.

La química entre ambos es brutal y el paso emocional de un estado a otro, apabullante: primero luminoso y cómplice, en donde todo fluía con naturalidad como una de esas parejas perfectas y envidiadas, hasta tornar en una macabra danza de sombras en la cual cada silencio pesa más que las palabras y cada frase hiere sin aparente intención, pues la bruma que los envuelve no les deja ver la realidad del presente. Junto a ellos están Alana Haim y Mamoudou Athie, cuyos personajes tienen mucho que decir en la trama, completando este cuarteto de la infelicidad con una naturalidad que incomoda.

En definitiva, Kristoffer Borgli no solo nos regala una película técnicamente impecable, sino una autopsia moral de la honestidad. Bajo el paraguas de A24, el cineasta consolida ese estilo de historias potentes con un trasfondo psicológico incómodo, mientras los personajes entran en contienda con sus dudas, miedos y revelaciones. Borgli nos deja una pregunta que resuena más allá de los títulos de crédito: ¿es posible seguir amando a alguien tras asomarse al abismo de su verdadera naturaleza? Todo ello, mientras suenan las notas de la banda sonora de Daniel Pemberton, una partitura tan perturbadora como la propia película que os recomiendo desde este instante. Es una lástima que no haya podido desarrollar más estas líneas, pero no quiero caer en el error de desvelar el potencial de este brillante guion, sus magníficas interpretaciones y su elegante dirección.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de mayo.

REPARTO: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, YaYa, Michael Abbott Jr., Chase Breithoff, Sydney Lemmon, Hailey Gates, Jordyn Curet, Tierre Diaz, Matthew J McLaughlin, Echo Campbell, Mary Ann Schaub, Ineke Garbacz, Anastasiia Llich, Max Derderian, Casey McNeal, Legacy Jones, Jordan Raf, Charles Coan, Matt DiVito, Ian Dylan Hunt, Kayla Kohla, Mark Zecca, Peyton Jackson, Christopher C. James, Shawn Fogarty, Kara Curnane Joseph, Greer Cohen, Iona Yabut, Ricardo Wilkinson, Doria Bramante, Austin Fabre, Brian Savage, Matt Hayden, Amanda Alamanos, Eric Kahn, Courtney Hanna y Matthew Liptak.

PRODUCTORA: A24// Square Peg// Live Free or Die Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: El director, editor y guionista, Kristoffer Borgli, posee una larga trayectoria en el cortometraje con obras como “Molo” y “Síndromes” (2011), “Lo que sea” (2013), “Famosos de Internet” (2014), “Un lugar que llamamos realidad” (2018),  “No es una fase” y “El perdedor” (2019), “Former Cult Member Hears Music for the First Time”, “El altruista” y “Suave” (2020), “Sí” (2021) y “Willem Dafoe” (2023). En el largometraje debutó con “DRIB” (2017) continuó con “Sick of Myself” (2022), “Dream Scenario” (2023) y este año nos ofrece “El drama” (2026).

NOTICIAS BREVES (CCXCIX)

DEAPLANETA nos informa que “LA MUERTE DE ROBIN HOOD” de Michael Sarnoski, llegará a los cines el 3 de julio.

El nominado a un Oscar® Hugh Jackman protagoniza la nueva propuesta del aclamado estudio A24. Jackman ofrece su interpretación más descarnada hasta la fecha dando vida al legendario personaje Robin Hood en el ocaso de su vida. Le acompañan la ganadora del Emmy Jodie Comer, Bill Skarsgård, Noah Jupe  y la jovencísima Faith Delaney.

Dirige y escribe el reputado cineasta Michael Sarnoski, ganador del Premio Independent Spirit al mejor primer guion por Pig en 2022 y que sorprendió gratamente a crítica y público con Un lugar tranquilo: Día 1, su primera gran superproducción de Hollywood. Con LA MUERTE DE ROBIN HOOD, que se presenta como un título clave para el estudo A24, Sarnoski se consolida como uno de los autores con más nervio y carácter del nuevo plantel cinematográfico.

Inspirada en la balada homónima escrita en el siglo XVII, en “La muerte de Robin Hood” de Michael Sarnoski ha querido mostrar "Cómo habría sido realmente la vida de Robin Hood en pleno siglo XIII".

“La muerte de Robin Hood” plasma un retrato muy humano de la vida de Robin", comenta el actor Hugh Jackman. "Nos muestra las consecuencias de sus actos a través de la oscuridad, el arrepentimiento, el dolor y la pérdida. La violencia siempre deja huella en todos los implicados, independientemente de sus motivaciones. El filme plantea cómo nos afecta esa huella y si puede redimirse una persona atormentada por esas vivencias".

"Sabía que Hugh [Jackman] iba a bordar el lado violento y agresivo de Robin Hood, pero también podría transmitir empatía y complicidad", apunta Sarnoski « [Robin] Sabe que se ha convertido en un hombre violento y también que quiere liberarse de esa losa. Hugh combina a la perfección la cercanía y la intensidad que requiere un personaje tan complejo». Concluye el joven cineasta.

Sinopsis: Robin Hood (Hugh Jackman) intenta lidiar con sus demonios tras una larga vida de crímenes y asesinatos. Cuando en una sangrienta batalla resulta herido de gravedad, es enviado a un misterioso castillo para que curen sus heridas. Allí conocerá a una mujer que le ofrecerá una última oportunidad de redención.

DIAMOND FILMS nos informa que “THE SURFER” con Nicolas Cage, ya disponible en MGM+

El límite entre la realidad y la obsesión vuelve a desdibujarse para Nicolas Cage, quien continúa consolidando una trayectoria marcada por personajes al borde del colapso (Mandy, Longlegs, El insoportable peso de un talento descomunal). Protagonistas atrapados en su propia mente, dominados por la ansiedad, la paranoia o la alucinación, que han terminado por definir un sello muy particular dentro de su filmografía. En The Surfer, esa exploración alcanza un nuevo extremo.

Dirigida por Lorcan Finnegan y presentada en el Festival de Cannes de 2024 en la sección Midnight Screenings, propone un viaje psicodélico y asfixiante en la costa australiana. Lo que comienza como un intento de reconexión con el pasado, se transforma rápidamente en una pesadilla, un enfrentamiento cada vez más tenso con una banda de surfistas locales que no le dejarán en paz hasta llevarlo al límite de su cordura.

SINOPSIS: Un hombre (Nicolas Cage) regresa a la idílica playa de su infancia para enseñarle a su hijo dónde solía surfear. Sin embargo, es humillado por una pandilla de surfistas locales a los que decide enfrentarse ya que reclaman la playa como suya. A medida que se intensifican los enfrentamientos, empieza a desquiciarse hasta llegar al borde de la locura.

Sumérgete en este infierno de playa, YA EN MGM+.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA?” de Hong Sangsoo, llegará a los cines el 29 de mayo.

Hong Sangsoo regresa a las salas españolas el próximo 29 de mayo con el estreno de ¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA?. El largometraje número 33 del prolífico maestro coreano compitió en la Sección Oficial de Berlinale 2025, en el pasado Festival de Gijón y en el New York Film Festival. Os presentamos el póster oficial para su estreno en cines.

Dirigida, escrita, producida, fotografiada y compuesta por Hong Sangsoo, haciendo gala de su faceta de hombre-orquesta del cine, la película narra la visita de Donghwa a la casa de la familia de su pareja Junhee. Allí, conforme el vino y el licor van fluyendo, las tensiones entre ellos irán aumentando y comenzarán a revelarse los secretos.

Ha Seongguk interpreta a Donghwa, un joven poeta que llega a visitar a sus suegros en una deteriorada carraca noventera; Kang Soyi, a quien ya conocimos en “La viajera”, es ahora Junhee, que ya lleva tres años de relación con Donghwa. Ya es hora, por tanto, de presentar oficialmente a su pareja en casa de sus particulares padres, encarnados por Cho Yunhee y Kwon Haeyho, ambos imprescindibles para comprender el universo de Hong.

“Sé que todos los actores notamos la diferencia al trabajar con Hong Sangsoo, porque tienes que aceptar cómo actúan los demás y centrarte en cómo contar tu historia. La libertad que tengo con Hong no la tengo con otros directores y eso me hace muy feliz” - Kwon Haeyho.

ATALANTE estrenará en cines ¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA? el 29 de mayo de 2026

SINOPSIS: Donghwa, un joven poeta de Seúl de treinta y tantos, acompaña a su novia Junhee a casa de sus padres en su coche noventero, con la intención de marcharse pronto. Fascinado por la belleza de la casa, situada en una colina, es invitado por su suegro a quedarse. Es la primera vez que conoce a los padres de su novia, tras tres años de relación.

Durante un día y una noche, comparte la vida de la familia: paseos, una visita a un templo junto al río y largas conversaciones. Entre risas, vino, licor fuerte y una cena casera, las miserias familiares y personales salen a la luz, revelando la naturaleza de cada uno.

VÉRTICE 360 nos informa que “JOIKA” de James Napier Robertson, llegará a los cines el 12 de junio.

Diane Kruger, apasionada de la danza desde pequeña, acompaña a Ryder en el reparto como Volkova, su dura e inspiradora mentora. Su sueño de convertirse en prima ballerina, se truncó cuando a los 13 años se lesionó la rodilla y terminó dirigiendo sus pasos hacia la interpretación.

El bailarín masculino más prometedor del Bolshói Oleg Ivenko, interpreta al primer amor de Joy. Ivenko debutó en la gran pantalla en El bailarín de Ralph Fiennes.

La apasionante, absorbente y cautivadora JOIKA llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio de la mano de Vértice 360..

SINOPSIS: JOIKA es la historia real de Joy Womack (Talia Ryder), reconocida bailarina estadounidense, la primera en graduarse del principal programa de formación de la Academia de Ballet Bolshói – en 2014-, la escuela más competitiva y exigente del mundo, y la segunda en firmar un contrato con el Ballet Bolshói.

Incentivada por la pasión de su primer amor y por el magnetismo de Volkova (Diane Kruger), su tutora en el Bolshói, Joy pondrá a prueba los límites de su dedicación, determinación, sacrificio y virtuosidad. Al final, su entrega absoluta y el aprendizaje llevarán a Joy a tocar la perfección, pero ¿a qué precio?

SOBRE LA PELÍCULA:

La película se rodó íntegramente en Varsovia, en localizaciones tan exclusivas como la Sinfonía de Varsovia, la Ópera Nacional o el Gran Teatro de Varsovia.

Tras graduarse en 2014 y pasar una temporada en Corea del Sur, como bailarina principal del Universal Ballet, Womack regresó a Estados Unidos para bailar en el Boston Ballet.

En JOIKA, además de ejercer como coreógrafa y de haber asesorado en los entrenamientos de Talia Ryder, Womack se puso frente a la cámara para hacer de su doble en las secuencias más exigentes.

Antes de empezar a trabajar con Joy, Talia recibió 5 meses de formación intensiva con una de las mejores profesoras de ballet de Nueva York

El equipo de extras de JOIKA está formado íntegramente por bailarines profesionales, entre los que destaca Oleg Ivenko, el bailarín más prometedor del Bolshói. Natalia Osipova, estrella principal del Royal Ballet de Londres, hace un cameo para interpretarse a sí misma.

NUEVE CARTAS nos informa que “UNA  PISTOLA, UNA BALA Y UN OSO PANDA”, llega a los cines el 12 de junio.

El cineasta catalán Oriol Cardús estrena en cines este próximo 12 de junio  “Una pistola, una bala y un oso panda”, su primer largometraje de ficción. De esta manera, el estreno de la película se retrasa una semana con respecto a la fecha prevista inicialmente.

Se trata de una comedia que mezcla humor y drama existencial con una fuerte carga simbólica. Es, en el fondo, una invitación a dejar atrás el victimismo y lanzarse sin red hacia lo que uno desea, con la convicción de que siempre hay una segunda oportunidad. 

El film está protagonizado por Alain Hernández, José Troncoso y Teresa Ferrer. Además, cuenta con la participación de Petra Martínez, Emma Ozores, Patricia Conde, Mar Ulldemolins, Carles Martínez, Francesc Ferrer y Dafnis Balduz.

“Una pistola, una bala y un oso panda' cuenta con Daniel Losada como director de fotografía; Maite Sánchez es la directora de arte; Edu Arruga  es el jefe de postproducción; Nicolás Celery es el responsable de sonido; y Joan Solsona firma el montaje. También cuenta con Marc Orts como supervisor de sonido y mezclas y con Lluís Castells.

Producida por Sin Parpadear S.L. y rodada en diferentes localizaciones de Catalunya, la película ha contado con un presupuesto de 5 millones de euros, aportados íntegramente a través de la financiación privada.

SINOPSIS: Saúl, un director de cine abandonado por su pareja, en paro y con la cuenta bancaria al límite, atraviesa una depresión profunda que le tiene recluido en casa desde hace más de un mes. Pero la aparición de un paquete misterioso en su rellano —que contiene un revólver, una bala y una enigmática nota—  desencadena una cadena de acontecimientos que cambiará su vida por completo. Acompañado de sus dos mejores amigos (Raúl y Maite), Saúl emprende una aventura alocada y cargada de giros inesperados, donde nada es lo que parece y donde la realidad se mezcla a menudo con los sueños. 

“Una pistola, una bala y un oso panda' es una producción de Sin Parpadear, S.L., compañía con sede en Barcelona creada por el director Oriol Cardús y el productor Jordi Carbonell. Es una productora que combina la creatividad de Cardús para construir historias y la innovación de Carbonell para llevar esas historias a la pantalla. 

Con un enfoque innovador y mirada autoral, Sin Parpadear, S.L, apuesta por apoyar producciones de género con visión personal y por dar voz al talento emergente. Su objetivo, según sus propias palabras, es: "sentar al mayor número posible de espectadores frente a una pantalla y que rían, lloren, sufran y pasen miedo. En definitiva, que se emocionen.” 

FILMAX nos informa que ha comenzado el rodaje de “SI TE HE VISTO NO ME ACUERDO” dirigida por Mar Olid.

Desde hace algunas semanas, tiene lugar en Donostia el rodaje de “SI TE HE VISTO NO ME ACUERDO”, una comedia romántica gamberra, y descaradamente divertida que llegará a los cines la próxima temporada. Dirigida por Mar Olid y escrita por Èric Navarro, Pol Cortecans y Natalia Durán, la película propone una mirada irreverente al género: una comedia romántica que se ríe del romanticismo… mientras lo celebra.

Un triángulo protagonista con mucha química

La película está protagonizada por Silvia Alonso (Bea), Álex González (Julen) y Maxi Iglesias (Edu), que encabezan el trío protagonista de esta historia de amor, engaños y decisiones imposibles. Completan el reparto Aitziber Garmendia, Maribel Salas y César Saratxu, dando vida a una peculiar y muy “ñoñostiarra” familia, con la colaboración especial de Pepe Viyuela.

Una rom-com que rompe las reglas

“Si te he visto no me acuerdo”  juega con los tópicos clásicos del género —amores imposibles, malentendidos, giros inesperados— para darles la vuelta con, descaro, ironía y mucho humor, proponiendo una mirada contemporánea sobre el amor, la identidad y las decisiones que marcan quiénes somos.

Con referentes icónicos como Pretty Woman, La boda de mi mejor amigo o Algo pasa con Mary, y ecos de Ocho apellidos vascos, la película combina además tramas clásicas de timadores y ladrones con la comedia universal y el carácter único euskaldun.

Sinopsis: Bea despierta amnésica en un hospital y descubre que está prometida con Julen, un atractivo y atento multimillonario. Ella intenta adaptarse a su nueva vida y aceptar su inminente boda… pero hay algo que no encaja: No recuerda haber estado enamorada de él.

Todo cambia cuando irrumpe Edu, un guaperas cínico, pero dulce, que le revela una increíble verdad: ella es una estafadora. Ahora debe elegir entre el lujo o volver a su vida delictiva.

Una producción con carácter

Producida por Filmax, Bixagu Entertainment y Pompón AIE, la película, que cuenta con la participación de Movistar Plus+, RTVE y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), se rueda en enclaves idílicos de Donostia y sus alrededores integrando el paisaje, la cultura y el carácter local como parte del relato.

Con un sólido equipo técnico vinculado a éxitos del cine español como Ocho apellidos vascos, Ocho apellidos catalanes o Loco por ella, la película cuenta con el director de fotografía Txarli Arguiñano, el director de arte Mikel Serrano, la figurinista Leire Orella y las responsables de maquillaje y peluquería Ione Gabarain y Lola López, entre otros.

“Si te he visto no me acuerdo” llegará a los cines próximamante distribuida por Filmax.

La visión de la directora:

Para Mar Olid, la película conecta directamente con la tradición del género:

“Cuando leí el guion no pude evitar pensar en todas las comedias románticas que nos han marcado, desde los clásicos de Billy Wilder hasta títulos como Notting Hill, Love Actually o El diario de Bridget Jones. Me encanta la comedia romántica cuando los personajes tienen fuerza, las situaciones son divertidas y la historia te arrastra con ritmo hasta el final. Eso es exactamente lo que ocurre aquí: Dos chicos y una chica, una boda, mucho lujo, secretos familiares, una hermana muy especial… y un perro llamado Pompón. “Si te he visto no me acuerdo” tiene todos los ingredientes para hacer reír y conectar con el público”.

El amor, como el txakoli…

Con una mezcla de romance, ladrones y una pizca de ternura “Si te he visto no me acuerdo” nos propone una historia donde el amor —como el buen txakoli— entra mejor con chispa…  y muchas risas.

Mar Olid: Mar Olid es una de las directoras más destacadas del audiovisual español, con una sensibilidad especial para la comedia. Con una larga trayectoria en televisión, ha estado al frente de algunas de las series de humor y entretenimiento más populares de las últimas décadas, como Aída, Los Serrano, Un paso adelante o El vecino, consolidando una mirada propia basada en el ritmo, la cercanía a los personajes y una gran capacidad para conectar con el público.

Licenciada en Imagen y Sonido por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó su carrera en distintos departamentos técnicos y de dirección antes de convertirse en una realizadora de referencia en ficción televisiva. En los últimos años ha dado el salto al cine con títulos como Al otro barrio, protagonizada por Quim Gutiérrez y Sara Sálamo y Sin cobertura, reafirmando su vínculo con la comedia contemporánea y popular. El próximo mes de julio estrenará la comedia familiar Tres de más con Salva Reina y Kira Miro. Y la próxima temporada, Si te he visto no me acuerdo.

HAYEDA CULTURA nos informa que “NINO” de Pauline Loquès, llegará a los cines 26 de junio.

Nino es una de las grandes revelaciones del nuevo cine francés: una ópera prima delicada, luminosa y profundamente humana, premiada en Cannes y en los César, entre otros.

Lejos del melodrama, Pauline Loquès construye un retrato íntimo sobre la vulnerabilidad, la amistad, el miedo y la necesidad de volver a conectar con el mundo.

La ópera prima de Pauline Loquès cayó como un torbellino de emociones durante la pasada edición del Festival de Cannes, donde se presentó en la Semana de la Crítica coronando a su protagonista, Théodore Pellerín (Becoming Karl Lagerfeld, SOLO), con el prestigioso premio 'Estrella en Ascenso'. En su largo recorrido por festivales, Loquès también ha logrado conquistar al público con una historia luminosa y profunda, dejando huella en citas como el Festival de Cine de Toronto, donde tuvo su premiere mundial, entre muchos otros. En España antes del que será su estreno comercial, el 26 de junio de la mano de Surtsey Films, también ha pasado por las secciones "radar" de Seminci y el D'A de Barcelona.

Una de las películas más aclamadas en Francia, fue el centro de atención de los últimos Premios César, llevándose el galardón a Mejor Ópera Prima y a Mejor Actor Revelación, para un Pellerín cuya actuación han descrito como "fascinante, memorable y llena de gracia natural".

Lo dice la crítica, este film retrata con "sutileza, delicadeza y ternura" una situación compleja: la gestión de un duro diagnóstico médico de una persona de tan solo 28 años. Una historia que nace de la intimidad de la autora, que se enfrentó a la enfermedad de uno de sus seres queridos. "Se llamaba Romain y la película está dedicada a él -confiesa-. Empecé a escribir para recuperar la esperanza. El personaje de Nino surgió por casualidad en mi mente, un poco como un encuentro en una esquina. Como si me hubiera cruzado con ese joven de ropa holgada, de habla vacilante, sobre el que se abate la enfermedad. Él me mostró el camino de lo que iba a vivir. Escribí sobre la marcha, siguiendo su deambular de forma muy instintiva". Pero Loqués tenía muy claro que en esta película había que impregnar ese encuentro de esperanza a través de un viaje introspectivo y emocional positivo: "quería salvar a mi personaje y ver si Nino podía sacar provecho de ello en su vida, si podía avanzar hacia más luz". 

Loqués se centra por eso en los días previos a la gran prueba vital de un joven en shock: "Este periodo me interesa porque se ha representado poco. Hemos visto películas que narran la lucha contra una enfermedad, pero no tanto esos días de espera. Me gusta mucho la banalidad de lo cotidiano, lo anodino, y tenía ganas de explorar ese «tiempo muerto». Entre esos dos acontecimientos importantes, el diagnóstico y el inicio del tratamiento, hay muchos días y noches que vivir… ¿cómo atravesarlos? Como escribí la historia siguiéndole, me gustaba la idea de estar casi en tiempo real con él. También es una forma de cuestionar el presente, en el que nos cuesta tanto invertir por estar tan perdidos en los remordimientos y las proyecciones. Es muy humano ser nostálgico o estar lleno de deseos; es raro sentirse bien donde uno está y conformarse con ello".

SINOPSIS: En tres días Nino tendrá que enfrentarse a una gran prueba. Hasta entonces, los médicos le han encomendado dos misiones. Dos imperativos que llevarán al joven al explorar las calles de París, impulsándolo a reconciliarse con los demás y consigo mismo.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que “NI CONTIGO NI SIN MÍ” llegará a los cines el 17de julio.

A Contracorriente Films estrenará en cines el próximo 17 de julio NI CONTIGO NI SIN MÍ, una comedia escrita y dirigida por María Ruiz. La película propone una mirada cercana y llena de humor sobre las relaciones sentimentales y las contradicciones emocionales que acompañan a la vida a los 40.

Con una historia que entrelaza amor, desamor y las ironías del día a día, la película apuesta por un tono de comedia emocional en la que el humor se convierte en el hilo conductor de un relato tan divertido como reconocible. El film invita al espectador a reírse desde la empatía, explorando temas como los vínculos afectivos y las segundas oportunidades.

“Ni contigo ni sin mí” cuenta con un reconocido reparto integrado por Gorka Otxoa, Adrián Lastra, Cristina Maisonnave, Iván Sánchez y Manuela Vellés.

Sinopsis: A Ernesto le acaba de dejar su mujer. Intentando remontar lo que puede ser el peor cumpleaños de su vida, decide pasarlo en su casa de la playa junto a su mejor amigo. Pero se encuentra con una sorpresa: la nueva novia de su vecino no es otra que su ex.

“Ni contigo ni sin mí” está producida por Ni Contigo Ni Sin Mí La Película S.L. (Secuoya Studios), Álamo Producciones Audiovisuales y A Contracorriente Films.

DEAPLANETA nos informa que “EL PLACER ES MÍO” de   llegará a los cines el 19 de junio.

La película se ha alzado como el mejor estreno de la semana en Francia, colocándose en el TOP3 de la taquilla desde el lunes 11 de mayo y superando los 270.000 espectadores en su primera semana en cartelera. 

Inspirada en el matrimonio que inventó "The Womanizer", el consolador femenino que revolucionó el mercado de los juguetes sexuales, EL PLACER ES MÍO es la primera película que reúne a dos pesos pesados de la comedia francesa: Alexandra Lamy  y François Cluzet.

Ambos se dan la réplica en esta emotiva y simpática película sobre el placer femenino y el sexo en la madurez. Dirige (y co-escribe junto a Gari Kikoïne y David Solal) Reem Kherici, quién también interpreta un papel clave en la comedia: el de la sexóloga que abrirá los ojos a la protagonista femenina.

Completan el reparto François-Xavier Demaison, Kyan Khojandi y Delphine Barril.

“El placer es mío” tuvo su premiere española en la 10ª edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), dentro de la sección "Cinema amb Gracia", dedicada exclusivamente a comedias de carácter popular procedentes de distintas partes del mundo. Posteriormente, la película se proyectó en el Silver Film Festival de Bilbao, el Festival Internacional de cine 55+ que tuvo lugar a finales de abril. Su estreno en cines españoles será el 19 de junio.

Sinopsis: Fanny y Tom llevan 20 años felizmente casados. Sin embargo, un día sale a la luz un secreto revelador: Fanny nunca ha tenido un orgasmo. Tom, ingeniero de profesión, decide ponerse manos a la obra para crear el invento que revolucione el placer femenino. Todo un desafío. La pareja se embarcará entonces en una aventura tan disparatada como conmovedora que transformará su relación para siempre.

"Estoy segura de que [la película] va a dar lugar a conversaciones entre amigos y parejas [···] Me emociona y me siento orgullosa porque quizá permita derribar algunas barreras, cambiar la vida de algunas mujeres y ayudar a otras a dejar de lado ese sentimiento de culpa. EL PLACER ES MÍO es una película entretenida, una comedia que despertará carcajadas entre el público, pero también es un filme con un mensaje potente y un compromiso muy humano. Es mi película más universal" concluye la cineasta y actriz Reem Kherici.

MUBI nos informa que “FATHERLAND” de Paweł Pawlikowski, llegará próximamente a los cines.

MUBI, distribuidora, servicio de streaming y productora, ha compartido el primer avance de FATHERLAND, la nueva película de Paweł Pawlikowski, que tendrá su estreno mundial esta noche en el Festival de Cannes, donde forma parte de la Sección Oficial y compite por la Palma de Oro. 

Escrita por Pawlikowski y Henk Handloegten, la película está protagonizada por la nominada al Oscar Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl, Devid Striesow y Anna Madeley.

La película es una producción de MUBI, OUR Films (una empresa de Mediawan, Italia), Extreme Emotions (Polonia), Nine Hours (Alemania) y Chapter 2 (una empresa de Mediawan, Francia), en colaboración con Circle One (Italia) y Apocalypso Pictures, con la participación de Arte y Pathé. Está producida por Mario Gianani y Lorenzo Mieli para OUR Films, Ewa Puszczynska para Extreme Emotions, Jeanne Tremsal y Edward Berger para Nine Hours, Dimitri Rassam para Chapter 2 y Lorenzo Gangarossa para Circle One.

The Match Factory se encarga de las ventas internacionales. 

Pawlikowski se reúne con su veterano equipo de cineastas, que incluye al director de fotografía nominado al Oscar Lukasz Zal, la diseñadora de vestuario Aleksandra Staszko y los diseñadores de producción Katarzyna Sobańska y Marcel Sławiński.

Ida, de Pawlikowski, obtuvo 70 premios internacionales, incluidos 5 Premios Europeos de Cine y el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2015. Pawlikowski ganó el Premio al Mejor Director en Cannes 2018 por Cold War, y la película obtuvo 52 premios y 126 nominaciones, incluyendo nominaciones al Oscar a Mejor Película Extranjera, Mejor Director y Mejor Fotografía.

SINOPSIS: “Fatherland” retrata la relación entre el escritor ganador del Premio Nobel Thomas Mann (Hanns Zischler) y su hija Erika (Sandra Hüller), actriz, escritora y piloto de carreras. Ambientada en el apogeo de la Guerra Fría, padre e hija emprenden un desafiante y emotivo viaje por carretera en un Buick negro que les lleva a través de una Alemania en ruinas, desde Frankfurt, dominada por Estados Unidos, hasta Weimar, controlada por los soviéticos. Al regresar a casa tras dieciséis años de exilio en Estados Unidos, Thomas Mann tiene que enfrentarse no solo a una patria dividida, sino también a una profunda fractura dentro de su propia familia.

Con “Fatherland”, Pawlikowski sigue donde lo dejó con sus galardonadas Ida y Cold War, explorando temas de identidad, culpa, familia y amor, en medio de la agitación y la confusión moral de la Europa de posguerra.

JUGADA MAESTRA: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Reino Unido y Francia, Jugada Maestra, que está escrita y dirigida por John Patton Ford, nos presenta a Becket Redfellow (Glen Powell) en una situación límite: conversando con el padre Morris (Adrian Lukis) sobre los motivos que lo han llevado al corredor de la muerte. Su historia se inicia con su madre, Mary Redfellow (Nell Williams), quien fue repudiada por su adinerada estirpe al decidir tener al hijo que llevaba en su vientre. Pese al abandono familiar, Becket recibe una educación exquisita, convirtiéndose en un joven culto, pianista y experto arquero.

Tras la muerte de su madre y bajo la promesa de reclamar la vida que “merece”, Becket inicia una metódica y letal escalada hacia la herencia familiar, al ser de nuevo rechazado por su abuelo Whitelaw Redfellow (Ed Harris). Con frialdad y elegancia, comienza a eliminar a sus parientes: desde su primo Taylor (Ley Raff), arrojado al mar con un ancla en el pie, hasta el fotógrafo Noah (Zach Woods), cuyos productos de revelado acaban siendo “misteriosamente” letales. Mientras “poda” el árbol genealógico, Becket se infiltra en el corazón del imperio financiero de su tío Warren (Bill Camp), que le ofrece el puesto de Taylor. ¿Logrará el éxito antes de que su jugada maestra sea descubierta?

Jugada Maestra se consolida como una de las sorpresas más refrescantes de la temporada al recuperar el espíritu de la comedia negra más sofisticada. No se limita a ser un thriller de venganza al uso, sino que se despliega como una sátira social y punzante que disecciona con elegancia los privilegios de clase. Para ello, descarga todo el peso sobre los hombros de un Glen Powell magnético, quien dota a su Becket del equilibrio perfecto entre el saber estar y su refinada maldad. Becket no es un asesino común, sino un estratega que utiliza su exquisita educación como el arma definitiva contra el linaje que lo repudió. Junto a él, las dos mujeres que le llevarán de cabeza, su novia Ruth (Jessica Henwick) y Julia (Margaret Qualley), su amiga de la infancia. Este trío bien o mal avenido, según se mire, bordan sus personajes junto al magnífico elenco de secundarios. El guion brilla por su precisión, regalando diálogos afilados que funcionan como estocadas y situaciones de lo más surrealistas, especialmente cuando la trama gira hacia las traiciones cruzadas.

La película te atrapa y despierta carcajadas con cada una de esas “podas” del “querido” árbol genealógico de Becket, en un ejercicio de justicia poética visualmente impecable, donde el contraste entre los entornos lujosos y la aniquilación metódica subrayan lo absurdo de esa aristocracia deshumanizada y cínica. Apoyada en unos secundarios de lujo que encarnan a la perfección la excentricidad del poder, la obra logra que el espectador se convierta en cómplice del protagonista, ofreciendo un entretenimiento inteligente que demuestra que la verdadera barbarie a menudo, viste de etiqueta. Es, en definitiva, una propuesta implacable en su ritmo y mordaz en su mensaje; una verdadera lección de estilo que cumple con creces la promesa de su título y que el propio espectador agradece no verse manchado de sangre, como en tantos filmes de muertes, con poca clase.

En definitiva, Jugada Maestra se erige como una pequeña y elegante pieza de orfebrería cinematográfica que se disfruta fotograma a fotograma, donde la puesta en escena, junto a la cuidada banda sonora de Emile Mosseri, subraya con ironía cada uno de los pecados de la estirpe Redfellow. Ford no solo nos regala un ejercicio de estilo vibrante, sino que logra que nos deleitemos con el ascenso de este amoral protagonista, convirtiendo la pantalla en un espejo de nuestras propias contradicciones sociales. Es una propuesta imprescindible para quienes recordamos obras como Puñales por la espalda; una cinta que demuestra que el cine de género aún puede ser una de las bellas artes. Sin duda, una jugada bien diseñada.

Mi nota es: 7

REPARTO: Glen Powell, Margaret Qualley, Ed Harris, Jessica Henwick, Zach Woods, Raff Law, Topher Grace, Bill Camp, James Frecheville, Nell Williams, Sean Michael, Martin Munro, Ethan Saunders, Steve Marc, Andre Jacobs, Loulou Taylor, Robert Hobbs, Bianca Amato, Gabe Gabriel, Maggie Toomey, Grady Wilson, Roxanne Prentice, David Chevers, Motsi Tekateka, Natasha Mayet y Nathan Roberts.

PRODUCTURA: Blueprint Pictures// Studiocanal.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR:  El guionista y director, John Patton Ford, asistió a la Universidad de Carolina del Sur y posee una Maestría en Bellas Artes (American Film Institute). Comenzó dirigiendo comerciales y videos musicales. Debutó con el cortometraje “Patrulla” (2010) y en el largometraje con “Emily la estafadora” (2022) y este año nos presenta “Jugada maestra” (2026)

DIAMOND FILMS CUMPLE 10 AÑOS EN ESPAÑA

 

Diamond Films celebra su 10º aniversario en España con una nueva imagen corporativa y el lanzamiento de grandes títulos.

Diamond Films celebra su 10º aniversario en España con una transformación que refleja su evolución: un nuevo logo y una identidad visual que simbolizan la fuerza, la solidez y la ambición de la compañía. Este cambio no solo representa una modernización estética, sino también un paso hacia adelante en el posicionamiento de Diamond Films como distribuidora independiente líder, enfocada en ofrecer cine de calidad para todos los públicos.

A lo largo de estos diez años, Diamond Films ha sido responsable de algunos de los títulos más exitosos y aclamados, como La Asistenta, la saga After, John Wick 4, Lion, Háblame y Moonlight, por nombrar solo algunos. La compañía ha logrado conectar con audiencias a través de historias emocionantes y experiencias cinematográficas únicas. Con este nuevo logo, Diamond Films España no solo quiere destacar su presencia en el mercado, sino también proyectar una imagen clara de crecimiento.

La nueva imagen incluye una evolución de su logotipo, más limpio y contemporáneo, manteniendo su símbolo más icónico, el diamante, pero con una estética más potente, elegante y moderna.

Diamond Films España, parte del grupo Telefilms, líder desde hace décadas en Latinoamérica, sigue consolidándose como un referente en el mercado español. El 2026 comenzó de forma excepcional con el estreno de La Asistenta, que se ha convertido en la película más taquillera de la historia de la distribuidora, superando todas las expectativas y consolidando el mercado español como uno de los más fuertes para el grupo.

Este 10º aniversario también marca el comienzo de una nueva etapa para la distribuidora, con el firme compromiso de seguir proyectando sueños en pantalla grande y ofrecer al público experiencias cinematográficas inolvidables.

“Han sido diez años de desafíos, pero sobre todo de emociones compartidas, de historias que nos conectan. En este nuevo capítulo, queremos seguir creciendo junto a ustedes, siempre con la pasión por el cine como motor", comentó Gonzalo Claiman-Versini, CEO de Diamond Films España.