CINE Y FESTIVALES ESPECIAL AGOSTO 2026 (II)

DIAMOND FILMS nos informa que Sitges regresa este año a la época victoriana

El director artístico de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, Àngel Sala, y la directora de la Fundación, Mònica Garcia i Massagué, han presentado hoy un primer avance de los títulos que estarán presentes en la 59ª edición del festival internacional líder de cine fantástico.

Victorian Psycho, la nueva película de terror y suspense del director Zachary Wigon (El templo, The Heart Machine), participará en el Festival de este año. Un intenso descenso a la locura que llega dispuesto a sacudir a los fans del género. El festival define esta sugerente propuesta como «una elegante combinación de terror gótico y humor negro».

Un relato victoriano en el que conocemos a Winifred Notty (Maika Monroe), una institutriz aparentemente perfecta con unos modales inquietantes. Su tarea es educar y cuidar de los dos niños de la familia Pounds, pero pronto empezará a obsesionarse con formar parte de ella. Bajo una fachada dócil y complaciente se esconden ideas y comportamientos perturbadores y violentos. Su verdadera personalidad emerge lentamente y transforma lo cotidiano en impulsos profundamente oscuros. Monroe brilla y se consolida como scream queen con esta interpretación de una mujer marcada por sus alucinaciones, paranoias y creciente sensación de persecución.

Victorian Psycho está basada en la novela homónima superventas de la escritora española Virginia Feito, que también firma el guion de esta historia.

Victorian Psycho se estrena el 30 de octubre, solo en cines. 

La película Original Movistar Plus 'La bola negra', de Javier Calvo y Javier Ambrossi, se proyectará en el Festival Internacional de Cine de Toronto

Tras su aplaudido y premiado estreno en el Festival de Cannes, 'La bola negra', una producción Original Movistar Plus y Suma Content Films, sigue su recorrido internacional. La película de Javier Calvo y Javier Ambrossi se proyectará en el Festival Internacional de Cine de Toronto, una de las citas imprescindibles de la cinematografía mundial, que celebrará su 51 edición del 10 al 20 de septiembre de 2026.

Javier Calvo y Javier Ambrossi ganaron por 'La bola negra' el premio a la Mejor Dirección en la 79 edición del Festival de Cannes, donde se proyectó por primera vez la película. Después viajó a Australia, donde obtuvo el Premio del Público en el Sydney Film Festival (el único premio al que podía optar), y de nuevo a Francia al Festival de Cine de Biarritz Nouvelles Vagues, donde se proyectó fuera de concurso.

En España 'La bola negra' se estrenará en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, dentro de la sección Perlas, en la que se proyectan largometrajes que han sido aclamados por la crítica y/ o premiados en otros festivales internacionales.

'La bola negra' se estrenará el 25 de septiembre en las salas de cine españolas de la mano de la distribuidora Elastica y, tras su paso por los cines, se podrá ver solo en Movistar Plus.

YouPlanet presentará LEVITICUS, THE CARPENTER’S SON y KILL ME en el Festival de Sitges

YouPlanet estará presente en la próxima edición del Festival de Sitges con tres esperadas propuestas del panorama fantástico actual: LEVITICUS, el debut de terror queer de Adrian Chiarella convertido en fenómeno tras su paso por Sundance; THE CARPENTER’S SON, la provocadora relectura bíblica de Lotfy Nathan protagonizada por Nicolas Cage y FKA Twigs; y KILL ME, la aclamada ópera prima de Peter Warren, un thriller de misterio y humor negro encabezado por Charlie Day y Allison Williams.

LEVITICUS, el terror queer que conquistó Sundance

Escrita y dirigida por el australiano Adrian Chiarella, LEVITICUS se ha convertido en una de las grandes revelaciones del cine de género del año tras su estreno mundial en la sección Midnight del Festival de Sundance. La película sigue a Naim y Ryan, dos adolescentes que descubren el amor en una pequeña comunidad conservadora mientras son perseguidos por una entidad violenta que adopta la forma de la persona que más desean: el uno al otro.

Protagonizada por Joe Bird, Stacy Clausen y Mia Wasikowska, LEVITICUS utiliza el terror sobrenatural para explorar el miedo, la represión y la identidad en una propuesta emocional y perturbadora a partes iguales.

THE CARPENTER’S SON, una oscura relectura bíblica

Dirigida por Lotfy Nathan, THE CARPENTER'S SON ofrece una visión insólita e inquietante de los años de infancia de Jesús. La película sigue a un carpintero, su esposa y su hijo mientras tratan de escapar de fuerzas sobrenaturales que amenazan con destruir a la familia y desatar una guerra espiritual.

Con Nicolas Cage en el papel del carpintero José, FKA Twigs como María y Noah Jupe como el niño Jesús, THE CARPENTER’S SON se sitúa en el cruce entre el terror, el relato bíblico y el coming of age. Una propuesta visualmente poderosa que revisita uno de los relatos más conocidos de la tradición occidental desde una perspectiva inédita, perturbadora y contemporánea.

KILL ME, un thriller existencial con humor negro y estrellas de Hollywood

Tras su estreno en el festival SXSW, KILL ME se ha convertido en una de las sorpresas del año gracias a su combinación de misterio, comedia negra y drama psicológico. Escrita y dirigida por Peter Warren en su debut como realizador, la película está protagonizada por Charlie Day y Allison Williams, acompañados por Giancarlo Esposito, Aya Cash, Jessica Harper y David Krumholtz.

La historia sigue a Jimmy, un hombre que se despierta en una bañera con las muñecas cortadas y sin recordar qué ha ocurrido. Convencido de que alguien ha intentado asesinarlo, y con la ayuda de una operadora del 911, inicia una investigación tan absurda como reveladora que le obligará a enfrentarse a una pregunta inquietante: ¿hay realmente un asesino ahí fuera o está huyendo de sí mismo? KILL ME combina tensión, emoción y humor en un original juego de espejos sobre la identidad, la depresión y la necesidad de conectar con los demás.

DIAMOND FILMS nos informa que “YO SOY ROCKY” tendrá su estreno oficial en el Festival de Toronto (TIFF)

Yo soy Rocky tendrá su estreno internacional en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) el próximo mes de septiembre. Este film sobre la vida de un joven Sylvester Stallone, al que da vida Anthony Ippolito (La oferta, Corazones malheridos), nos presenta el biopic de cómo el actor, director y productor escribió y protagonizó la película que se convertiría en un clásico del cine en 1976. Stallone tenía claro que debía protagonizar la película y se lo jugó todo, personal y profesionalmente, para conseguirlo en uno de los momentos más decisivos de su vida.

La película dirigida por el ganador del Óscar® Peter Farrelly (Algo pasa con Mary, Green Book) se centra en esta figura tan relevante en la industria, con un tono directo y terrenal que ayuda a humanizar a nuestros héroes. El director introduce ese toque emocional que define sus historias a esta narración sobre superación y resiliencia. Una lucha contra la industria para convertir Rocky en una realidad cinematográfica. Una crónica íntima de un hombre que aprende a encontrar y escuchar su propia voz e identidad.

Sinopsis: La sorprendente y emocionante historia real de un joven Sylvester Stallone (Anthony Ippolito) y su inquebrantable convicción de que no solo estaba destinado a escribir Rocky, sino a ser Rocky Balboa. Tras recibir varias negativas en cada paso que daba, Stallone lo apostó todo por sí mismo y se mantuvo firme en su decisión de interpretar el papel protagonista a pesar de todo.

Yo soy Rocky se estrena el 22 de enero de 2027, solo en cines.

AINHOA PERNAUTE nos informa que ELASTICA presenta en el Festival de San Sebastián “SANTS” de Mikel Gurrea, “RUEGA POR NOSOTRAS” de Daniel Monzón y “EL DESHIELO” de Manuela Martelli.

SANTS', la nueva película de Mikel Gurrea. - Sección Oficial a Competición.

Mikel Gurrea vuelve a la Sección Oficial del Festival con su nueva película, 'Sants', protagonizada por Victoria Luengo, Ariadna Gil y Eulàlia Ramón.

SINOPSIS: Mientras lidia con la inminente muerte de su madre, Lali entra a formar parte de una banda de ladrones de figuras religiosas.

'Sants' es una producción de Laura Rubirola Sala para Nocturna Pictures (Suro), en coproducción con Tono Folguera para Lastor Media (Alcarràs, Libertad, Creatura), Ariadna Dot para Deliris Films, y Giovanni Pompilli y Lara Costa Calzado para Kino Produzioni (Alcarràs, Polvo Seran). Cuenta con la financiación de ICEC e ICAA y con la participación de Televisió de Catalunya, Movistar Plus y Filmin. La película será distribuida en España por Elastica en 2027.

'RUEGA POR NOSOTRAS', de Daniel Monzón. - Sección Oficial - Proyecciones especiales.

'Ruega por nosotras', la nueva película de Daniel Monzón, escrita por Jorge Guerricaechevarría y protagonizada por Zoe Bonafonte y Manuela Calle, se presentará en la Sección Oficial - Proyecciones especiales.

Producida por Arcadia junto a Amalur Pictures y Noodles Production (Francia), llegará a los cines el 6 de noviembre.

SINOPSIS: Barcelona, 1974. Ana tiene 19 años y es, a ojos de su acomodada familia, una chica rebelde. Tras una fuga nocturna, su padre decide trasladarla a Madrid para ser internada en un reformatorio donde será sometida a un brutal régimen disciplinario. Allí tratará de sobrevivir buscando apoyo en la amistad de otras chicas, especialmente la de Sole, de una vitalidad contagiosa.

Monzón regresa así al Festival de San Sebastián, cuya Sección Oficial clausuró en 2021 con ‘Las leyes de la frontera’, también escrita junto a Jorge Guerricaechevarría y ganadora de cinco Premios Goya.  El cineasta es además responsable de títulos como ‘Celda 211’, galardonada con ocho Premios Goya, entre ellos los de mejor película y mejor dirección, y ‘El Niño’, que obtuvo 16 nominaciones a los Goya. 

Inspirada en la historia real y silenciada del Patronato de Protección a la Mujer, una institución reformada durante la dictadura franquista con el objetivo de "redimir a la mujer inmoral", RUEGA POR NOSOTRAS se ha documentado a través del estudio de tesis doctorales, documentos de archivo, libros de investigación, documentales y, sobre todo, decenas y decenas de testimonios de mujeres que pasaron por el terrorífico Patronato. 

'EL DESHIELO', de Manuela Martelli. - Horizontes Latinos.

Esta coproducción internacional entre España, Chile, Estados Unidos y México, tuvo su estreno mundial en UN CERTAIN REGARD del Festival de Cannes. Tras su debut '1976', Manuela Martelli, sigue ahondando en la historia de Chile con este thriller ambientado en una pequeña estación de esquí de los Andes en 1992.

El reparto lo integran Maya O’Rourke, Maia Rae Domagala, Saskia Rosendahl, Jakub Gierszal y Paulina Urrutia.

SINOPSIS: Chile, 1992. Durante su estancia en el hotel de sus abuelos en las montañas, Inés (9) se hace amiga de Hanna (15), una esquiadora alemana. Cuando Hanna desaparece sin dejar rastro, su búsqueda revela verdades que se mantenían ocultas.

El debut de la cineasta chilena, '1976' (Quincena de Cineastas del Festival de Cannes, 2022), participó también en Horizontes Latinos de San Sebastián, fue nominada al Goya a la mejor película iberoamericana y logró el Premio Platino a la mejor ópera prima, entre otros reconocimientos.

Producida por Ronda Cine (Chile) Cinema Inutile (Estados Unidos) y Wood Producciones (Chile) en coproducción con Elastica Films (España) y Piano (México) junto a Fundación Rio (Chile).

DYP COMUNICACIÓN nos informa que “5 MINUTOS MÁS” de Javier Ruiz Caldera, competirá en la Sección Oficial de la 74ª Edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

“5 MINUTOS MÁS”, película original de Movistar Plus producida El Terrat e Ikiru Films, escrita por Berto Romero y protagonizada por Javier Cámara, el propio Berto Romero y Belén Cuesta y dirigida por Javier Ruiz Caldera, tendrá su presentación dentro de la Sección Oficial a concurso de la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Los productores de “5 MINUTOS MÁS” son Berto Romero, Bernat Elías, Javier Méndez, Edmon Roch y Movistar Plus.

WARNER BROS. PICTURES y REVOLUTIONARI nos informa que “KARATEKA” tendrá su estreno mundial el próximo 21 de septiembre en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián en la Sección Velódromo. Se estrenará en cines el 30 de octubre.

“Karateka” la increíble historia de la deportista española Sandra Sánchez dirigida por Aritz Moreno, celebrará su estreno mundial el próximo 21 de septiembre en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde participará en la sección Velódromo. La película será presentada por Andrea Ros, Patrick Criado y su director, Aritz Moreno, acompañados por Sandra Sánchez y Jesús del Moral, cuyas vidas inspiran esta emocionante historia. Un encuentro muy especial que reunirá, por primera vez ante el público, a los protagonistas reales y a quienes les dan vida en la gran pantalla. 'Karateka' que se estrenará en cines el 30 de octubre, es una producción de Atresmedia Cine junto a Sr. & Sra.

Más que una película sobre deporte, 'Karateka' es una gran aventura humana. Un viaje que recorre España, Taiwán y Japón para contar la historia de una mujer que decidió desafiar todos los límites cuando parecía demasiado tarde para hacerlo. Una historia en la que conviven la competición, el humor, el descubrimiento de otras culturas, el aprendizaje junto a un maestro, una historia de amor construida desde la admiración mutua y una búsqueda constante de la excelencia. Porque detrás de cada combate hay mucho más que una medalla: hay una manera de entender la vida.

Andrea Ros es la encargada de dar vida en la gran pantalla a Sandra Sánchez desde sus inicios humildes en Talavera de la Reina, hasta el triunfo de conseguir el oro olímpico en Tokio 2020. Patrick Criado interpreta a Jesús del Moral, su entrenador y quien se convertiría en su pareja sentimental, en una combinación única de amor y admiración mutua que trasciende lo deportivo y que acaba transformando sus vidas. 

Bajo la mirada de Aritz Moreno, 'Karateka' construye un universo visual poco habitual en el cine español, combinando la espectacularidad de la competición con una puesta en escena de gran personalidad. Las secuencias rodadas en Japón, la fuerza de los combates y una fotografía muy cuidada convierten la historia de Sandra Sánchez en una experiencia cinematográfica que trasciende el biopic deportivo tradicional.

Para interpretar a estos dos deportistas de élite, Andrea Ros y Patrick Criado se sometieron durante meses a una intensa preparación física y técnica, transformando por completo sus hábitos de vida. Todo el proceso estuvo acompañado muy de cerca por Sandra Sánchez y Jesús del Moral, que participaron activamente como asesores de la película, no solo en la preparación de los actores, sino también durante todo el desarrollo creativo para trasladar con autenticidad el universo, la filosofía y los valores del karate a la gran pantalla.

Junto a Andrea Ros y Patrick Criado, completan el reparto, los actores españoles Ernesto Alterio, Antonio Durán "Morris", Pablo Álvarez, Pilar Castro, Vicente Vergara, Edu Ferrés, Marta Pons y Chani Martín y los actores japoneses Mizuki Yoshida, Denden y Ayako Fujitani.

'Karateka' cuenta con guion de David B. Gil y Pablo Tobías Gavasa con la colaboración de Javier Gullón.

Con una combinación de emoción, humor, romance, aventura y espectaculares escenas de competición, 'Karateka' demuestra que las grandes historias deportivas nunca hablan únicamente de deporte. Hablan de personas capaces de cambiar su destino, de relaciones que transforman una vida y de la búsqueda de un sueño que parecía imposible.

'Karateka' no habla de una campeona del mundo. Habla de todo lo que ocurre antes de convertirse en una leyenda.

En palabras de Aritz Moreno:

"Por fin puedo compartir la historia de la mejor karateka de todos los tiempos. Una historia de amor, amistad y aventuras. 

Un BioEpic diseñado en lo visual y lo sonoro para disfrutar del imponente karate de Sandra a lo grande, en una sala de cine.

Ya queda poco. Tomad asiento. Smile and relax."

Sinopsis: Esta es la historia de Sandra Sánchez, una mujer que nunca dejó de creer y que desafió todas las convenciones. De ser descartada por el sistema a convertirse en la mejor karateka de todos los tiempos. Con la guía de Jesús del Moral, su entrenador y compañero de vida, Sandra emprendió un viaje imposible: conquistar el oro olímpico a los 39 años y redefinir el significado de la perseverancia en un deporte donde los más veteranos se retiran a los 30 años y que siempre habían dominado los japoneses. Un relato de amor, grandeza y lucha que trasciende el Karate y se convierte en leyenda.

'Karateka' es una producción de Atresmedia Cine, Sr.&Sra. y Karateka A.I.E, en coproducción con Wrong Men, Apaches Entertainment y Colosé Producciones. Con la participación de Atresmedia, Netflix, Crea SRG, Triodos Bank, Wallimage, BNP Pariba Fortis Film Finance, con la financiación del Instituto de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales, Ayuntamiento de Madrid con el apoyo de la Diputación Foral de Bizkaia, Creative Europe Media. Distribuida por Warner Bros. Pictures Spain.

CUENTA ATRÁS: CRÍTICA DE CINE

 

Cuenta Atrás está dirigida por David Mackenzie con guion de Ben Hopkins. “Una propuesta de luces y sombras que necesita aire para respirar, pero cumple como distracción pasajera.

Las primeras imágenes nos sitúan en pleno centro de Paddington, donde unas obras de construcción en un solar se ven interrumpidas por un hallazgo alarmante: uno de los trabajadores alerta de que han encontrado una supuesta bomba de la Segunda Guerra Mundial sin explotar. La superintendente Zuzana Greenfield (Gugu Mbatha-Raw) ordena acordonar la zona y evacuar a los ciudadanos a un lugar seguro. Llaman a una puerta para que salga toda la gente y nadie contesta, aunque nosotros sabemos que sí hay gente en el interior; y más cuando vemos moverse las cortinas de una de las ventanas de dicho edificio. Enseguida descubriremos que se trata de una banda de ladrones cuyo objetivo es robar el banco Al Muraqabah en Edgware Road, bajo las órdenes de Giorgos Karalis (Theo James).

Pongamos que he visto muchas, tal vez demasiadas películas de atracos. Cuando uno acumula a sus espaldas tantas tramas ingeniosas y ejecuciones técnicas impecables dentro del género, coge vicios y es inevitable ponerse exigente; por eso mismo, Cuenta atrás me ha dejado un tanto frío. La propuesta naufraga debido a un guion predecible y, sobre todo, a una narrativa visual que avanza a trompicones.

Resulta difícil asimilar que estemos ante un filme firmado por el mismo realizador que nos deslumbró con el excelente wéstern social Comanchería o con el tenso y asfixiante pulso de Relay (El intermediario). Es desconcertante que, al adentrarse en el cine de robos, Mackenzie entregue una obra tan confusa y a la vez predecible. Esta deriva se percibe en un guion con lagunas y en un montaje atropellado, demasiados planos que no dicen nada y otros que deberían contar más y todo, quizás, por buscar más   ritmo cuando no es preciso. Hay historia y momentos que precisan su propio tiempo y necesitan aire para respirar, y más cuando coexisten dos tramas tan dispares como la del robo y la de la desactivación de la bomba. Bajo mi modesta opinión, el lenguaje cinematográfico se diluye aquí en situaciones inverosímiles. Si la película logra mantenernos en la butaca, no es por la solidez de su suspense, sino estrictamente por el alivio de un metraje muy medido que no estira el chicle innecesariamente.

Toca hablar de ellos, quienes dan vida al texto: un reparto que se convierte en el verdadero salvavidas de la función. A pesar de que el guion carece de la profundidad psicológica necesaria, la cinta cuenta con un interesante trío actoral. Aaron Taylor-Johnson y Theo James sostienen el pulso con un magnetismo incuestionable, derrochando el carisma necesario para que sus personajes no queden desdibujados en medio del caos. Asimismo, cabe hacer una mención muy especial para Gugu Mbatha-Raw; su encarnación de la superintendente Greenfield se apoya en un trabajo de campo sumamente comedido, resultando increíblemente creíble. En definitiva, nos encontramos ante una buena dirección actoral, aunque esta tropiece con la general.

En cuanto a la parte técnica, me ha sorprendido el director de fotografía Giles Nuttgens, quien habitualmente trabaja con Mackenzie. Nuttgens rompe drásticamente con la sofisticación cromática y el mimo por las texturas que nos deslumbraron en Comanchería o Relay. En esta ocasión, opta por una iluminación marcadamente cruda, retratando el asfalto y el asedio londinense con gran naturalidad, tal y como lo contemplaría cualquiera que pise esas calles. Pienso que el renunciar a la elegancia visual funciona como un recurso intencionado, pues al despojar el encuadre de cualquier artificio estético, el espectador se ve obligado a focalizar su atención en la inmediatez de lo que sucede, desvinculándose por completo del decorado.

En la misma línea de contención visual se mueve la banda sonora compuesta por Tony Doogan, aliado incondicional en el universo sonoro de Mackenzie. La música ejerce aquí de perfecta acompañante durante todo el metraje; no busca sobresalir con melodías individuales ni regalar temas memorables que distraigan la atención, sino que se mimetice de forma orgánica con cada plano de la fotografía sin alterar la suma del todo.

En definitiva, Cuenta atrás es una propuesta lastrada por evidentes luces y sombras que, para el espectador curtido en el género de atracos, su trama resultará previsible desde el primer acto. Sin embargo, como ya he mencionado, gracias al indiscutible carisma de su trío protagonista, un metraje muy comedido y algunas de sus escenas de acción, la película logra distraer al público mientras consume sus palomitas.  En definitiva, ese es el propósito del cine, entretener en mayor o menor medida, pero también debo decir, que este filme es una obra menor en la carrera de Mackenzie.

Mi nota es: 5

ESTRENO EN ESPAÑA: 14 de agosto.

REPARTO: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Sam Worthington, Gugu Mbatha-Raw, Saffron Hocking, Honor Swinton Byrne, Elham Ahsas, Luke Mably, Nabil Elouahabi, Iain Fletcher, Arron Long, Jorge León Martinez, Atul Sharma, Naveed Khan, Lian Edwards, Joakim Skarli, Rami Nasr, Bharat Mistri, George Pavlidis, Teddy Jay, Richa Prakash, Abdul Basith, Abid Mohammed, Idris Fertout, Taylor Coombes, Alexander Arnold, Samuel Oatley, Vanluke Watson, Lee Hunter, Laurie Duncan, Karen Seacombe, Patrick Pearson, Griffin Stevens, Nisaro Karim, Hannah Collins, Mary Doherty, Anjna Chawhan, Amie Francis, Kris Knight, Liam Ballantyne, Aslan Amjad, Alex Hames, Janny Coates, Luke Mackenzie, Tom Myles, Anshuman Bajaj, Dave Caine, Pádraig Greenwood, Marton Virag y Jonathan Grove.

PRODUCTORA: ACE// Sigma Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGAFIA DEL DIRECTOR: El productor y director, David Mackenzie, estudió en el Duncan of Jordanstone College of Art and Design en Dundee. Es cofundador de la productora Sigma Films con sede en Glasgow. Sus primeros trabajos fueron los cortometrajes “Dirty Diamonds” (1994), “Wanting and Getting” (1995), “California Sunshine” (1997), “Somersault” y “Marcie´s Dowry” (2000). En el largometraje debutó con “The Last Great Wilderness” (2002), “Young Adam” (2003), “Obsesión” (2005), “Hallam Foe” (2007), “American Playboy” (2009), “Perfect Sense” y “You Instead” ambas en (2011), “Convicto” (2013), “Comanchería” (2016), “El rey proscrito” (2018), “Relay” (2024) y ahora llega a nuestras salas “Cuenta atrás” (2026). Cuenta también con capítulos de las miniseries: Lloyds Bank Channel 4 Film Challenge” (1997), “Hecho en casa” (2020) y “Por mandato del cielo” (2022).

DIAMOND FILMS+ INFORMA

DIAMOND FILMS +, la nueva plataforma de streaming, ya está disponible en España.

Los grandes éxitos cinematográficos de la compañía estarán disponibles en un nuevo canal dentro de Prime Video.

Tras consolidarse durante más de un año en mercados como México, Brasil, Chile y Colombia, el canal Diamond Films + desembarca en nuestro país con una propuesta que reúne grandes éxitos de Hollywood, cine europeo y de otros mercados, una amplia variedad de cine reconocido por la crítica y grandes historias para emocionarse, reírse, enamorarse... o pasar miedo si es lo que buscas.

Diamond Films + ofrece una experiencia pensada para los verdaderos amantes del cine, con una oferta que abarca desde romances inolvidables, hasta acción, comedia o lo mejor del terror y cine de autor. Su biblioteca combinará títulos comerciales muy populares entre el gran público, con cine independiente a prueba de los más cinéfilos.

Entre las opciones disponibles se encontrarán aclamados títulos como John Wick 4, Moonlight, Ferrari, Immaculate o Hit Man. Asesino por Casualidad; éxitos de acción como Greenland: El Último Refugio, Juego de Ladrones. El Atraco Perfecto o Beekeeper: el Protector; propuestas para los amantes del terror como Háblame o La Huérfana: Primer Asesinato y sagas reconocidas como el fenómeno ‘young adult’, After, con sus cinco entregas disponibles, entre otros títulos destacados.

Se tratará de un catálogo en constante crecimiento. Así, el canal sumará nuevas incorporaciones cada semana, ampliando su colección con nuevas historias y consolidándose como una opción clave para descubrir historias para todos los gustos.

Diamond Films + no es solo un canal, es un punto de encuentro entre producciones de calidad y amantes del cine, que llega a España para ofrecer un espacio de entretenimiento, y en constante crecimiento, donde los usuarios siempre descubrirán nuevas historias apasionantes.

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LETRAS ROBADAS: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Irlanda y Estados Unidos, Letras Robadas está dirigida por John Carney, quien comparte guion con Peter McDonald. “Esta canción cambió mi vida”

Rick Power (Paul Rudd) es el cantante de un grupo musical de cinco miembros que se dedica a amenizar bodas. Durante una de estas celebraciones, descubren que entre los invitados se encuentra la gran estrella del pop del momento, Danny Wilson (Nick Jonas). A petición de los novios, Rick invita al famoso cantante a subir al escenario ante la algarabía de todos los presentes. Danny demuestra ser un joven simpático y acepta cantar junto a él, convirtiendo la velada en un éxito absoluto.

La noche se vuelve aún más especial cuando, mientras Rick pasea por los jardines de la mansión, Danny lo llama. Ambos entablan una animada conversación de colegueo sobre música y lo que les inspira componer. Durante la misma, Rick le desvela la letra de una canción íntima. Como todas sus composiciones, la escribió pensando en su mujer, Rachel Power (Marcella Plunkett), con quien tiene una hija adolescente, Aja Power (Beth Fallon). Danny le entrega su tarjeta y se despiden.

Pasan unos meses y, mientras camina por un centro comercial, Rick escucha un tema en los altavoces: es la canción que él había compuesto y que Danny le ha robado. El tema se ha transformado en un éxito mundial. Mientras su familia lucha día a día para sobrevivir, Danny se está forrando gracias a las reproducciones en internet. Indignado, Rick decidirá viajar junto a su inseparable compañero Sandy (Peter McDonald) para buscar a la estrella pop y reclamar lo que es suyo.

Pensaba comenzar con las interpretaciones de los personajes, que tanto me han atrapado, pero esta vez he decidido que sea él, John Carney, quien abra la reseña, pues su dirección es sumamente acertada al apostar por una propuesta cinematográfica “blanca”, de esas que hoy en día escasean y se echan tanto de menos, pues resultan ideales para disfrutar en familia. El guion esquiva con elegancia el melodrama facilón o los golpes bajos, manteniéndose libre de palabras malsonantes o de giros innecesarios. Incluso en sus momentos más dramáticos, la historia se acepta con agrado porque no busca manipular al espectador, sino presentar con honestidad las realidades que ambos protagonistas viven en sus carnes, aunque estoy seguro que en el mundo de la industria, son más descarnadas. No hay villanos con maldad en esta función, solo el retrato humano de dos caminos opuestos que chocan de frente.

El gran pilar que sostiene este filme es, sin duda, el excelente duelo interpretativo de sus protagonistas. El buen rollo entre Paul Rudd y Nick Jonas, aun interpretando a dos rivales en pleno conflicto, es fantástico. Se nota desde el primer minuto que ambos se están divirtiendo en la pantalla junto al resto del reparto, algo que de forma innata contagia una energía positiva al espectador. Esta química tan especial permite que la trama fluya y transite por momentos memorables, incluyendo la secuencia de la pelea en la fiesta, que resulta de lo más rocambolesca y divertida. Rudd aporta su habitual carisma impregnado de una emotiva vulnerabilidad, mientras que Jonas sorprende gratamente al encarnar con total naturalidad las luces y las sombras de una gran estrella del pop actual, en ocasiones presionada por quienes tiene alrededor: los verdaderos chupasangres. ¿Cuántos artistas han caído en esas redes especulativas?

Como es de esperar en el cine de Carney, la música se convierte en el mejor compañero de viaje a lo largo de la cinta, dotando al metraje de una fluidez, armonía y entretenimiento encomiables que logran hacerte tararear para tus adentros y mover los pies en la butaca. – No sé a vosotros, al menos a mí sí. – Es una banda sonora juguetona, compuesta por John Carney y Gary Clark, reflejo fiel de la actitud de sus propios personajes. A esta vibrante atmósfera  musical se suma la acertada fotografía de Yaron Orbach, que, aunque nos regala algunas magníficas escenas en exteriores como jardines, carreteras y otros espacios; deslumbra principalmente al retratar los espacios cerrados. La cámara se mueve con maestría entre la espectacularidad de los estadios repletos de fans y la elegancia de los salones de boda, deteniéndose en la intimidad de los estudios de grabación o en esa gran mansión de amplios ventanales desde donde vemos componer, meditar y tocar a Danny. Sin embargo, tras la fachada del éxito comercial y las reproducciones en internet, el filme esconde un latido emocional mucho más íntimo. El enfado de Rick ante el plagio no nace de la codicia ni del deseo de fama, sino del valor sentimental de un recuerdo privado hecho canción; a mi juicio, lo que de verdad te hace abrazar la película de principio a fin.

Resumiendo, toda esta marea de emociones contenidas estalla en su tramo final, gracias a un montaje en paralelo verdaderamente excepcional. Estamos por tanto, ante un filme sumamente entretenido y palomitero que nos invita a reflexionar sobre los entresijos de la industria de la música desde una perspectiva quizás demasiado bucólica; un detalle menor que al espectador apenas le importará, pues lo que realmente busca – y encuentra – es todo lo que rodea a esta entrañable obra: grandes composiciones, interpretaciones magníficas, un ritmo que hace pasar un rato formidable y, por encima de todo, la honestidad de una propuesta que ofrece exactamente lo que promete: diversión para una tarde o noche de verano.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 26 de junio.

REPARTO: Paul Rudd, Nick Jonas, Jack Reynor, Havana Rose Liu, Rory Keenan, Sophie Vavasseur, Peter McDonald, Kelly Thornton, Paul Reid, Juliette Crosbie, Marcella Plunkett, Mae Higgins, Beth Fallon, Kate Moon, Martha Breen, Peter McGann, Donncha O´Dea, Ebimie Anthony, Caelum Frazer, Ruby Dunne, Sionnan Dunne, Márcio Wille, Hristiyana Yotova, Ian Dillon, Tudor Stefan, Keith McErlean y Naoimh Whelton.

PRODUCTORA: Screen Ireland// Fís Éireann/Screen// 30West// Treasure Entertainment// Likely Story.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films.

FILMOGRAFÍA DEL DIRECTOR: El guionista, productor y director se ha especializado en películas de drama musical. Estudió en el De La Salle College Churchtown y en el Synge Street CBS. Fue bajista de la banda de rock irlandesa The Frames entre 1991/93. Además de contar con la dirección de algunos videos musicales, debutó en el largometraje con “November Afternoon” (1996) continuando con “Park” (1999) y “Al límite” (2001), “Once” (2006), “Zonad” (2009), “The Rafters” (2012), “Begin Again” (2013), “Sing Street” (2016), “Flora y su hijo Max” (2023) y “Letras robadas” (2026). También cuenta con el cortometraje “Zonad” (2003). El programa especial para televisión “Bachelors Walk Christmas Special” (2006) y capítulos para series como: “Bachelors Walk” (2001/03), “The Modest Advewntures of David O`Doherty” (2007), “Modern Love” (2019/2021), “Maravillas modernas” (2024).

UN TALENTO ÚNICO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Canadá y Estados Unidos, Un talento único está dirigida por Daniel Roher quien comparte guion con Robert Ramsey. “El mi bemol está desafinado”

Harry Horowitz (Dustin Hoffman) es afinador de pianos en Nueva York y tiene como aprendiz a Niki White (Leo Woodall). Niki, en su día se vio obligado a abandonar la música cuando comenzó a padecer una severa hiperacusia que le impedía tocar, lo que le forzó a usar protectores auditivos constantemente para tolerar los ruidos extremos. Un día, Harry olvida la combinación de su caja fuerte; gracias a su agudo oído, Niki logra descifrarla,  descubriendo así un don innato para la cerrajería.

Una noche, mientras trabaja en la residencia de un cliente adinerado afinando el piano del gran salón, escucha ruidos extraños que provienen de la parte superior de la vivienda, interrumpiendo el asalto de una banda de ladrones liderada por Uri (Lior Raz). Tras un tenso encuentro, Niki decide ayudarles a abrir la caja fuerte para poder proseguir con su trabajo. Fascinado por su habilidad, Uri le ofrece sumarse a su equipo si de verdad quiere ganar dinero, dejándole su tarjeta y un fajo de billetes sobre el instrumento. Cuando el destino de Harry y su familia se complica críticamente, Niki se verá en la encrucijada de tomar una decisión drástica. Un punto de no retorno del que es mejor no desvelar más.

Un drama musical e íntimo cuyos silencios destrozan el alma y suplican piedad. Tal vez así es como se debería resumir esta obra dolorosa, triste y vivida en una soledad exigida por una vida artística frustrada; y lo primero que evocó mi mente mientras desfilaban los créditos finales: la necesidad de hacer especial hincapié en el abrumador y desolador diseño de sonido, el cual se convierte en un personaje más de la trama, un personaje demoledor. La dirección de Daniel Roher utiliza el contraste auditivo no solo como un elemento técnico, sino como el reflejo del aislamiento psicológico de Niki, brillantemente interpretado por un Leo Woodall, que sostiene la tensión con la mirada y los silencios mencionados. Hay instantes que creemos leer su mente y sufrimos como lo hace él.

Más allá de su impecable apartado técnico, el verdadero motor de la historia reside en su faceta humana y en su reparto de gran nivel. Destaca la entrañable y conmovedora presencia de un veterano como Dustin Hoffman en el papel de Harry Horowitz. Aunque sus apariciones son medidas – pasando gran parte del metraje postrado en la cama de un hospital –, Hoffman nos aporta la calidez, claridad y sapiencia de toda una gran carrera, pero también la fragilidad y la vejez que irremediablemente pasa factura. Junto a una magnífica Tovah Feldshuh como la dulce y resignada Marla, construyen un refugio emocional para Niki. La relación es tan fraternal, como esos “padres” que adoptan a un “hijo”, que justifica la desesperación del joven por salvarlos de las deudas. Niki vive envuelto en un manto de fantasmas que parecen ahogarlo y de sombras pesadas que no le dejan ver el camino que tanto desea continuar, impidiéndole en un principio dar el paso con Ruthie (Havana Rose Liu), a pesar de las insistencias de Harry. La escena que, a mi juicio, une y extrae la esencia más humana a los cuatro personajes es la que transcurre en el hospital. Allí, un viejo y olvidado piano en uno de los pasillos dará vida, aliento y sentido a la humanidad latente en ellos y a su claro amor por la música. Pero, siempre hay un pero, si la luz es ocultada por algunas sombras, es ese momento cuando el mal hace acto de presencia, en este caso el villano Uri, interpretado por un imponente Lior Raz, quien dota a su personaje de una amenaza latente, peligrosa y carismática, quien intentará doblegar al protagonista.

Un talento único se cocina a fuego lento, como los buenos platos, ofreciendo un drama pausado y doloroso que maneja el ritmo con precisión quirúrgica. Su narrativa profunda expone la crudeza de las malas decisiones, aunque estas puedan estar falsamente justificadas, pues son las que se toman ante la desesperación y la falta de pensar antes de actuar cuando la vida se pone del revés y la sociedad se empeña en cerrarte todas las puertas y ventanas justo, cuando precisas respirar. A través de la opulencia de los clientes adinerados de Niki, la cinta lanza una sutil pero afilada crítica social basada en la ley de la utilidad marginal decreciente: cómo aquellos que lo poseen todo dejan de apreciar el verdadero valor de las cosas, asumiendo con arrogancia que cualquier contratiempo o negativa se soluciona vaciando el talonario; un mensaje que queda claro durante una conversación y que, sin duda, nos provoca la reflexión.

En este ecosistema donde afinar un piano significa intentar crear armonía en mitad del caos – una tarea que obliga a aceptar la imperfección –, el conflicto exterior termina por dinamitar la burbuja del protagonista. El punto álgido de la tensión no llega solo por la amenaza criminal que busca alterar nuestro sistema nervioso, sino por la devastadora falta de empatía humana. Un ejemplo, muy latente en nuestra sociedad individualista está presente en la discusión que mantienen Niki y Ruthie, la cual no os voy a desvelar, pero que nuevamente Daniel Roher y Robert Ramsey, nos sumergen en una reflexión no deseada pero necesaria; no solo de ser escuchada, sino también vista, y que plantea una doble pregunta incómoda. ¿Quién es realmente el egoísta en una relación? ¿El que calla sus problemas para no cargar a los demás, o el que se atreve a juzgar la vida del otro desconociendo su realidad?

Resumiendo, Un talento único se alza como una de las sorpresas más gratas, desgarradora y estimulante de la temporada cinematográfica. No sería justo cerrar esta crítica sin aplaudir la partitura melancólica y precisa de Marius De Vries y Will Bates, cuyas notas lloran y reflexionan en silencio y acompañan con sutileza a una fotografía inmersiva, franca y sin artificios en la mirada de Lowell A. Meyer. Roher rubrica un filme que transita entre el drama intimista y la tensión del thriller descarnado. Una obra redonda en sus interpretaciones y demoledora en sus mensajes que bien se merece…

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de junio.

REPARTO: Leo Woodall, Havana Rose Liu, Dustin Hoffman, Lior Raz, Tovah Feldshuh, Jean Reno, Gil Cohen, C.S. Lee y Nissan Sakira.

PRODUCTORA: Black Bear// Elevation Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: Daniel Roher, se graduó en la Etobicoke School of the Arts en el año 2011, destacando en artes visuals. Además estudió en el Savannah College of Art and Design en Georgia (Estados Unidos). Se inició con los cortometrajes “Nunca lejos de casa” (2011), “Niños de la Sirena Cohete” (2013), “Resuelto” y “La visión de Bashir” en (2014), “Sobrevivientes Rowe”, “Conversaciones con un primer ministro fallecido” ambas en (2015),  “Sourtoe: La historia del caníbal arrepentido” (2016), “Dilveen” (2018), “Encontrando a Fukue” (2018). Cuenta con el documental “Ghosts of our Forest (2017), “Once Were Brothers: la historia de la banda” (2019), “Navalny” (2022) y “Blink” (2024) y la serie “Marca Canadá” (2017). En el largometraje de ficción debuta con “Un talento único” (2026).

EL DRAMA: CRÍTICA DE CINE

El Drama está escrita y dirigida por Kristoffer Borgli. “En ocasiones el pasado dinamita los cimientos del amor perfecto”

Emma Harwood (Zendaya), empleada de una librería, y Charlie Thompson (Robert Pattinson), trabajador en un museo, son una pareja joven que se ama y está a punto de dar el “sí quiero” ante su familia y  amigos. Sin embargo, durante una cena con la mejor amiga de Emma, Rachel  (Alana Haim), y su marido Mike (Mamoudou Athie), surge una charla sobre secretos inconfesables del pasado que pone a prueba su estabilidad. Tras conocerse las vivencias de Rachel, Mike y Charlie, llega el turno de Emma, quien revela un episodio que sacude los cimientos de la pareja y transforma para siempre su amistad con el otro matrimonio.

Los secretos de los personajes actúan como el detonante de una trama que se despliega en dos actos: por un lado, la preparación de una boda que, como un flan, se tambalea ante el peligro de desmoronarse en cualquier momento; por otro, el perverso juego de espejos que nos propone Borgli. El guion nos enfrenta a un dilema moral devastador: la confesión de Rachel, un acto de crueldad física y tangible, frente a la de Emma, un secreto que dispara un miedo psicológico mucho más profundo.

¿Qué es más censurable o qué nos asusta más: el daño causado por un error de juventud o la oscuridad latente que elegimos ignorar? El ingenio de Borgli no se limita a este dilema; nos atrapa en un suspense sostenido durante todo el metraje, manejando con maestría esos altibajos emocionales y planos de angustia que traza de manera admirable, siempre bañados por un humor negro y punzante. Es esa ironía marca inequívoca de la casa la que nos permite digerir la densidad del relato; Borgli tiene el don de hacernos reír justo cuando lo que estamos viendo debería, en realidad, aterrarnos y hacernos pensar. Tan astuto es el guion que frases que antes parecían inocentes, tras desvelarse los secretos, despiertan sonrisas heladas o carcajadas nerviosas.

Hay mucha hipocresía y cinismo en las páginas de esta romántica historia que presume de serlo pero, como tantas veces en la vida, no es oro todo lo que reluce. Aunque aquí el director de fotografía Arseni Khachaturan viste de gala cada plano con una luz suave, la realidad se rodea de la turbiedad del ser; de esa hipocresía y ese cinismo, que lo van impregnando todo hasta provocar que nuestra respiración se vuelva  lenta y pesada.

Estamos, por tanto, ante un inteligente drama psicológico cuyo peso emocional y fragilidad de los personajes sustentan dos grandes interpretaciones. Zendaya realiza aquí un ejercicio de contención magistral; su intrigante Emma no es una villana, sino un enigma que se resquebraja bajo el peso de una confesión que no busca el perdón, sino la liberación, sin ser consciente del incendio que provocará en su entorno más cercano. A su lado, Robert Pattinson vuelve a demostrar su capacidad para habitar la vulnerabilidad masculina; su Charlie es el espejo donde se refleja nuestro propio horror, transitando del amor incondicional a una desorientación existencial que hiela la sangre.

La química entre ambos es brutal y el paso emocional de un estado a otro, apabullante: primero luminoso y cómplice, en donde todo fluía con naturalidad como una de esas parejas perfectas y envidiadas, hasta tornar en una macabra danza de sombras en la cual cada silencio pesa más que las palabras y cada frase hiere sin aparente intención, pues la bruma que los envuelve no les deja ver la realidad del presente. Junto a ellos están Alana Haim y Mamoudou Athie, cuyos personajes tienen mucho que decir en la trama, completando este cuarteto de la infelicidad con una naturalidad que incomoda.

En definitiva, Kristoffer Borgli no solo nos regala una película técnicamente impecable, sino una autopsia moral de la honestidad. Bajo el paraguas de A24, el cineasta consolida ese estilo de historias potentes con un trasfondo psicológico incómodo, mientras los personajes entran en contienda con sus dudas, miedos y revelaciones. Borgli nos deja una pregunta que resuena más allá de los títulos de crédito: ¿es posible seguir amando a alguien tras asomarse al abismo de su verdadera naturaleza? Todo ello, mientras suenan las notas de la banda sonora de Daniel Pemberton, una partitura tan perturbadora como la propia película que os recomiendo desde este instante. Es una lástima que no haya podido desarrollar más estas líneas, pero no quiero caer en el error de desvelar el potencial de este brillante guion, sus magníficas interpretaciones y su elegante dirección.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de mayo.

REPARTO: Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim, Mamoudou Athie, YaYa, Michael Abbott Jr., Chase Breithoff, Sydney Lemmon, Hailey Gates, Jordyn Curet, Tierre Diaz, Matthew J McLaughlin, Echo Campbell, Mary Ann Schaub, Ineke Garbacz, Anastasiia Llich, Max Derderian, Casey McNeal, Legacy Jones, Jordan Raf, Charles Coan, Matt DiVito, Ian Dylan Hunt, Kayla Kohla, Mark Zecca, Peyton Jackson, Christopher C. James, Shawn Fogarty, Kara Curnane Joseph, Greer Cohen, Iona Yabut, Ricardo Wilkinson, Doria Bramante, Austin Fabre, Brian Savage, Matt Hayden, Amanda Alamanos, Eric Kahn, Courtney Hanna y Matthew Liptak.

PRODUCTORA: A24// Square Peg// Live Free or Die Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA DEL DIRECTOR: El director, editor y guionista, Kristoffer Borgli, posee una larga trayectoria en el cortometraje con obras como “Molo” y “Síndromes” (2011), “Lo que sea” (2013), “Famosos de Internet” (2014), “Un lugar que llamamos realidad” (2018),  “No es una fase” y “El perdedor” (2019), “Former Cult Member Hears Music for the First Time”, “El altruista” y “Suave” (2020), “Sí” (2021) y “Willem Dafoe” (2023). En el largometraje debutó con “DRIB” (2017) continuó con “Sick of Myself” (2022), “Dream Scenario” (2023) y este año nos ofrece “El drama” (2026).

NOTICIAS BREVES (CCXCIX)

DEAPLANETA nos informa que “LA MUERTE DE ROBIN HOOD” de Michael Sarnoski, llegará a los cines el 3 de julio.

El nominado a un Oscar® Hugh Jackman protagoniza la nueva propuesta del aclamado estudio A24. Jackman ofrece su interpretación más descarnada hasta la fecha dando vida al legendario personaje Robin Hood en el ocaso de su vida. Le acompañan la ganadora del Emmy Jodie Comer, Bill Skarsgård, Noah Jupe  y la jovencísima Faith Delaney.

Dirige y escribe el reputado cineasta Michael Sarnoski, ganador del Premio Independent Spirit al mejor primer guion por Pig en 2022 y que sorprendió gratamente a crítica y público con Un lugar tranquilo: Día 1, su primera gran superproducción de Hollywood. Con LA MUERTE DE ROBIN HOOD, que se presenta como un título clave para el estudo A24, Sarnoski se consolida como uno de los autores con más nervio y carácter del nuevo plantel cinematográfico.

Inspirada en la balada homónima escrita en el siglo XVII, en “La muerte de Robin Hood” de Michael Sarnoski ha querido mostrar "Cómo habría sido realmente la vida de Robin Hood en pleno siglo XIII".

“La muerte de Robin Hood” plasma un retrato muy humano de la vida de Robin", comenta el actor Hugh Jackman. "Nos muestra las consecuencias de sus actos a través de la oscuridad, el arrepentimiento, el dolor y la pérdida. La violencia siempre deja huella en todos los implicados, independientemente de sus motivaciones. El filme plantea cómo nos afecta esa huella y si puede redimirse una persona atormentada por esas vivencias".

"Sabía que Hugh [Jackman] iba a bordar el lado violento y agresivo de Robin Hood, pero también podría transmitir empatía y complicidad", apunta Sarnoski « [Robin] Sabe que se ha convertido en un hombre violento y también que quiere liberarse de esa losa. Hugh combina a la perfección la cercanía y la intensidad que requiere un personaje tan complejo». Concluye el joven cineasta.

Sinopsis: Robin Hood (Hugh Jackman) intenta lidiar con sus demonios tras una larga vida de crímenes y asesinatos. Cuando en una sangrienta batalla resulta herido de gravedad, es enviado a un misterioso castillo para que curen sus heridas. Allí conocerá a una mujer que le ofrecerá una última oportunidad de redención.

DIAMOND FILMS nos informa que “THE SURFER” con Nicolas Cage, ya disponible en MGM+

El límite entre la realidad y la obsesión vuelve a desdibujarse para Nicolas Cage, quien continúa consolidando una trayectoria marcada por personajes al borde del colapso (Mandy, Longlegs, El insoportable peso de un talento descomunal). Protagonistas atrapados en su propia mente, dominados por la ansiedad, la paranoia o la alucinación, que han terminado por definir un sello muy particular dentro de su filmografía. En The Surfer, esa exploración alcanza un nuevo extremo.

Dirigida por Lorcan Finnegan y presentada en el Festival de Cannes de 2024 en la sección Midnight Screenings, propone un viaje psicodélico y asfixiante en la costa australiana. Lo que comienza como un intento de reconexión con el pasado, se transforma rápidamente en una pesadilla, un enfrentamiento cada vez más tenso con una banda de surfistas locales que no le dejarán en paz hasta llevarlo al límite de su cordura.

SINOPSIS: Un hombre (Nicolas Cage) regresa a la idílica playa de su infancia para enseñarle a su hijo dónde solía surfear. Sin embargo, es humillado por una pandilla de surfistas locales a los que decide enfrentarse ya que reclaman la playa como suya. A medida que se intensifican los enfrentamientos, empieza a desquiciarse hasta llegar al borde de la locura.

Sumérgete en este infierno de playa, YA EN MGM+.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA?” de Hong Sangsoo, llegará a los cines el 29 de mayo.

Hong Sangsoo regresa a las salas españolas el próximo 29 de mayo con el estreno de ¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA?. El largometraje número 33 del prolífico maestro coreano compitió en la Sección Oficial de Berlinale 2025, en el pasado Festival de Gijón y en el New York Film Festival. Os presentamos el póster oficial para su estreno en cines.

Dirigida, escrita, producida, fotografiada y compuesta por Hong Sangsoo, haciendo gala de su faceta de hombre-orquesta del cine, la película narra la visita de Donghwa a la casa de la familia de su pareja Junhee. Allí, conforme el vino y el licor van fluyendo, las tensiones entre ellos irán aumentando y comenzarán a revelarse los secretos.

Ha Seongguk interpreta a Donghwa, un joven poeta que llega a visitar a sus suegros en una deteriorada carraca noventera; Kang Soyi, a quien ya conocimos en “La viajera”, es ahora Junhee, que ya lleva tres años de relación con Donghwa. Ya es hora, por tanto, de presentar oficialmente a su pareja en casa de sus particulares padres, encarnados por Cho Yunhee y Kwon Haeyho, ambos imprescindibles para comprender el universo de Hong.

“Sé que todos los actores notamos la diferencia al trabajar con Hong Sangsoo, porque tienes que aceptar cómo actúan los demás y centrarte en cómo contar tu historia. La libertad que tengo con Hong no la tengo con otros directores y eso me hace muy feliz” - Kwon Haeyho.

ATALANTE estrenará en cines ¿QUÉ TE DICE ESA NATURALEZA? el 29 de mayo de 2026

SINOPSIS: Donghwa, un joven poeta de Seúl de treinta y tantos, acompaña a su novia Junhee a casa de sus padres en su coche noventero, con la intención de marcharse pronto. Fascinado por la belleza de la casa, situada en una colina, es invitado por su suegro a quedarse. Es la primera vez que conoce a los padres de su novia, tras tres años de relación.

Durante un día y una noche, comparte la vida de la familia: paseos, una visita a un templo junto al río y largas conversaciones. Entre risas, vino, licor fuerte y una cena casera, las miserias familiares y personales salen a la luz, revelando la naturaleza de cada uno.

VÉRTICE 360 nos informa que “JOIKA” de James Napier Robertson, llegará a los cines el 12 de junio.

Diane Kruger, apasionada de la danza desde pequeña, acompaña a Ryder en el reparto como Volkova, su dura e inspiradora mentora. Su sueño de convertirse en prima ballerina, se truncó cuando a los 13 años se lesionó la rodilla y terminó dirigiendo sus pasos hacia la interpretación.

El bailarín masculino más prometedor del Bolshói Oleg Ivenko, interpreta al primer amor de Joy. Ivenko debutó en la gran pantalla en El bailarín de Ralph Fiennes.

La apasionante, absorbente y cautivadora JOIKA llegará a los cines españoles el próximo 12 de junio de la mano de Vértice 360..

SINOPSIS: JOIKA es la historia real de Joy Womack (Talia Ryder), reconocida bailarina estadounidense, la primera en graduarse del principal programa de formación de la Academia de Ballet Bolshói – en 2014-, la escuela más competitiva y exigente del mundo, y la segunda en firmar un contrato con el Ballet Bolshói.

Incentivada por la pasión de su primer amor y por el magnetismo de Volkova (Diane Kruger), su tutora en el Bolshói, Joy pondrá a prueba los límites de su dedicación, determinación, sacrificio y virtuosidad. Al final, su entrega absoluta y el aprendizaje llevarán a Joy a tocar la perfección, pero ¿a qué precio?

SOBRE LA PELÍCULA:

La película se rodó íntegramente en Varsovia, en localizaciones tan exclusivas como la Sinfonía de Varsovia, la Ópera Nacional o el Gran Teatro de Varsovia.

Tras graduarse en 2014 y pasar una temporada en Corea del Sur, como bailarina principal del Universal Ballet, Womack regresó a Estados Unidos para bailar en el Boston Ballet.

En JOIKA, además de ejercer como coreógrafa y de haber asesorado en los entrenamientos de Talia Ryder, Womack se puso frente a la cámara para hacer de su doble en las secuencias más exigentes.

Antes de empezar a trabajar con Joy, Talia recibió 5 meses de formación intensiva con una de las mejores profesoras de ballet de Nueva York

El equipo de extras de JOIKA está formado íntegramente por bailarines profesionales, entre los que destaca Oleg Ivenko, el bailarín más prometedor del Bolshói. Natalia Osipova, estrella principal del Royal Ballet de Londres, hace un cameo para interpretarse a sí misma.

NUEVE CARTAS nos informa que “UNA  PISTOLA, UNA BALA Y UN OSO PANDA”, llega a los cines el 12 de junio.

El cineasta catalán Oriol Cardús estrena en cines este próximo 12 de junio  “Una pistola, una bala y un oso panda”, su primer largometraje de ficción. De esta manera, el estreno de la película se retrasa una semana con respecto a la fecha prevista inicialmente.

Se trata de una comedia que mezcla humor y drama existencial con una fuerte carga simbólica. Es, en el fondo, una invitación a dejar atrás el victimismo y lanzarse sin red hacia lo que uno desea, con la convicción de que siempre hay una segunda oportunidad. 

El film está protagonizado por Alain Hernández, José Troncoso y Teresa Ferrer. Además, cuenta con la participación de Petra Martínez, Emma Ozores, Patricia Conde, Mar Ulldemolins, Carles Martínez, Francesc Ferrer y Dafnis Balduz.

“Una pistola, una bala y un oso panda' cuenta con Daniel Losada como director de fotografía; Maite Sánchez es la directora de arte; Edu Arruga  es el jefe de postproducción; Nicolás Celery es el responsable de sonido; y Joan Solsona firma el montaje. También cuenta con Marc Orts como supervisor de sonido y mezclas y con Lluís Castells.

Producida por Sin Parpadear S.L. y rodada en diferentes localizaciones de Catalunya, la película ha contado con un presupuesto de 5 millones de euros, aportados íntegramente a través de la financiación privada.

SINOPSIS: Saúl, un director de cine abandonado por su pareja, en paro y con la cuenta bancaria al límite, atraviesa una depresión profunda que le tiene recluido en casa desde hace más de un mes. Pero la aparición de un paquete misterioso en su rellano —que contiene un revólver, una bala y una enigmática nota—  desencadena una cadena de acontecimientos que cambiará su vida por completo. Acompañado de sus dos mejores amigos (Raúl y Maite), Saúl emprende una aventura alocada y cargada de giros inesperados, donde nada es lo que parece y donde la realidad se mezcla a menudo con los sueños. 

“Una pistola, una bala y un oso panda' es una producción de Sin Parpadear, S.L., compañía con sede en Barcelona creada por el director Oriol Cardús y el productor Jordi Carbonell. Es una productora que combina la creatividad de Cardús para construir historias y la innovación de Carbonell para llevar esas historias a la pantalla. 

Con un enfoque innovador y mirada autoral, Sin Parpadear, S.L, apuesta por apoyar producciones de género con visión personal y por dar voz al talento emergente. Su objetivo, según sus propias palabras, es: "sentar al mayor número posible de espectadores frente a una pantalla y que rían, lloren, sufran y pasen miedo. En definitiva, que se emocionen.” 

FILMAX nos informa que ha comenzado el rodaje de “SI TE HE VISTO NO ME ACUERDO” dirigida por Mar Olid.

Desde hace algunas semanas, tiene lugar en Donostia el rodaje de “SI TE HE VISTO NO ME ACUERDO”, una comedia romántica gamberra, y descaradamente divertida que llegará a los cines la próxima temporada. Dirigida por Mar Olid y escrita por Èric Navarro, Pol Cortecans y Natalia Durán, la película propone una mirada irreverente al género: una comedia romántica que se ríe del romanticismo… mientras lo celebra.

Un triángulo protagonista con mucha química

La película está protagonizada por Silvia Alonso (Bea), Álex González (Julen) y Maxi Iglesias (Edu), que encabezan el trío protagonista de esta historia de amor, engaños y decisiones imposibles. Completan el reparto Aitziber Garmendia, Maribel Salas y César Saratxu, dando vida a una peculiar y muy “ñoñostiarra” familia, con la colaboración especial de Pepe Viyuela.

Una rom-com que rompe las reglas

“Si te he visto no me acuerdo”  juega con los tópicos clásicos del género —amores imposibles, malentendidos, giros inesperados— para darles la vuelta con, descaro, ironía y mucho humor, proponiendo una mirada contemporánea sobre el amor, la identidad y las decisiones que marcan quiénes somos.

Con referentes icónicos como Pretty Woman, La boda de mi mejor amigo o Algo pasa con Mary, y ecos de Ocho apellidos vascos, la película combina además tramas clásicas de timadores y ladrones con la comedia universal y el carácter único euskaldun.

Sinopsis: Bea despierta amnésica en un hospital y descubre que está prometida con Julen, un atractivo y atento multimillonario. Ella intenta adaptarse a su nueva vida y aceptar su inminente boda… pero hay algo que no encaja: No recuerda haber estado enamorada de él.

Todo cambia cuando irrumpe Edu, un guaperas cínico, pero dulce, que le revela una increíble verdad: ella es una estafadora. Ahora debe elegir entre el lujo o volver a su vida delictiva.

Una producción con carácter

Producida por Filmax, Bixagu Entertainment y Pompón AIE, la película, que cuenta con la participación de Movistar Plus+, RTVE y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), se rueda en enclaves idílicos de Donostia y sus alrededores integrando el paisaje, la cultura y el carácter local como parte del relato.

Con un sólido equipo técnico vinculado a éxitos del cine español como Ocho apellidos vascos, Ocho apellidos catalanes o Loco por ella, la película cuenta con el director de fotografía Txarli Arguiñano, el director de arte Mikel Serrano, la figurinista Leire Orella y las responsables de maquillaje y peluquería Ione Gabarain y Lola López, entre otros.

“Si te he visto no me acuerdo” llegará a los cines próximamante distribuida por Filmax.

La visión de la directora:

Para Mar Olid, la película conecta directamente con la tradición del género:

“Cuando leí el guion no pude evitar pensar en todas las comedias románticas que nos han marcado, desde los clásicos de Billy Wilder hasta títulos como Notting Hill, Love Actually o El diario de Bridget Jones. Me encanta la comedia romántica cuando los personajes tienen fuerza, las situaciones son divertidas y la historia te arrastra con ritmo hasta el final. Eso es exactamente lo que ocurre aquí: Dos chicos y una chica, una boda, mucho lujo, secretos familiares, una hermana muy especial… y un perro llamado Pompón. “Si te he visto no me acuerdo” tiene todos los ingredientes para hacer reír y conectar con el público”.

El amor, como el txakoli…

Con una mezcla de romance, ladrones y una pizca de ternura “Si te he visto no me acuerdo” nos propone una historia donde el amor —como el buen txakoli— entra mejor con chispa…  y muchas risas.

Mar Olid: Mar Olid es una de las directoras más destacadas del audiovisual español, con una sensibilidad especial para la comedia. Con una larga trayectoria en televisión, ha estado al frente de algunas de las series de humor y entretenimiento más populares de las últimas décadas, como Aída, Los Serrano, Un paso adelante o El vecino, consolidando una mirada propia basada en el ritmo, la cercanía a los personajes y una gran capacidad para conectar con el público.

Licenciada en Imagen y Sonido por la Universidad Complutense de Madrid, comenzó su carrera en distintos departamentos técnicos y de dirección antes de convertirse en una realizadora de referencia en ficción televisiva. En los últimos años ha dado el salto al cine con títulos como Al otro barrio, protagonizada por Quim Gutiérrez y Sara Sálamo y Sin cobertura, reafirmando su vínculo con la comedia contemporánea y popular. El próximo mes de julio estrenará la comedia familiar Tres de más con Salva Reina y Kira Miro. Y la próxima temporada, Si te he visto no me acuerdo.

HAYEDA CULTURA nos informa que “NINO” de Pauline Loquès, llegará a los cines 26 de junio.

Nino es una de las grandes revelaciones del nuevo cine francés: una ópera prima delicada, luminosa y profundamente humana, premiada en Cannes y en los César, entre otros.

Lejos del melodrama, Pauline Loquès construye un retrato íntimo sobre la vulnerabilidad, la amistad, el miedo y la necesidad de volver a conectar con el mundo.

La ópera prima de Pauline Loquès cayó como un torbellino de emociones durante la pasada edición del Festival de Cannes, donde se presentó en la Semana de la Crítica coronando a su protagonista, Théodore Pellerín (Becoming Karl Lagerfeld, SOLO), con el prestigioso premio 'Estrella en Ascenso'. En su largo recorrido por festivales, Loquès también ha logrado conquistar al público con una historia luminosa y profunda, dejando huella en citas como el Festival de Cine de Toronto, donde tuvo su premiere mundial, entre muchos otros. En España antes del que será su estreno comercial, el 26 de junio de la mano de Surtsey Films, también ha pasado por las secciones "radar" de Seminci y el D'A de Barcelona.

Una de las películas más aclamadas en Francia, fue el centro de atención de los últimos Premios César, llevándose el galardón a Mejor Ópera Prima y a Mejor Actor Revelación, para un Pellerín cuya actuación han descrito como "fascinante, memorable y llena de gracia natural".

Lo dice la crítica, este film retrata con "sutileza, delicadeza y ternura" una situación compleja: la gestión de un duro diagnóstico médico de una persona de tan solo 28 años. Una historia que nace de la intimidad de la autora, que se enfrentó a la enfermedad de uno de sus seres queridos. "Se llamaba Romain y la película está dedicada a él -confiesa-. Empecé a escribir para recuperar la esperanza. El personaje de Nino surgió por casualidad en mi mente, un poco como un encuentro en una esquina. Como si me hubiera cruzado con ese joven de ropa holgada, de habla vacilante, sobre el que se abate la enfermedad. Él me mostró el camino de lo que iba a vivir. Escribí sobre la marcha, siguiendo su deambular de forma muy instintiva". Pero Loqués tenía muy claro que en esta película había que impregnar ese encuentro de esperanza a través de un viaje introspectivo y emocional positivo: "quería salvar a mi personaje y ver si Nino podía sacar provecho de ello en su vida, si podía avanzar hacia más luz". 

Loqués se centra por eso en los días previos a la gran prueba vital de un joven en shock: "Este periodo me interesa porque se ha representado poco. Hemos visto películas que narran la lucha contra una enfermedad, pero no tanto esos días de espera. Me gusta mucho la banalidad de lo cotidiano, lo anodino, y tenía ganas de explorar ese «tiempo muerto». Entre esos dos acontecimientos importantes, el diagnóstico y el inicio del tratamiento, hay muchos días y noches que vivir… ¿cómo atravesarlos? Como escribí la historia siguiéndole, me gustaba la idea de estar casi en tiempo real con él. También es una forma de cuestionar el presente, en el que nos cuesta tanto invertir por estar tan perdidos en los remordimientos y las proyecciones. Es muy humano ser nostálgico o estar lleno de deseos; es raro sentirse bien donde uno está y conformarse con ello".

SINOPSIS: En tres días Nino tendrá que enfrentarse a una gran prueba. Hasta entonces, los médicos le han encomendado dos misiones. Dos imperativos que llevarán al joven al explorar las calles de París, impulsándolo a reconciliarse con los demás y consigo mismo.

A CONTRACORRIENTE FILMS nos informa que “NI CONTIGO NI SIN MÍ” llegará a los cines el 17de julio.

A Contracorriente Films estrenará en cines el próximo 17 de julio NI CONTIGO NI SIN MÍ, una comedia escrita y dirigida por María Ruiz. La película propone una mirada cercana y llena de humor sobre las relaciones sentimentales y las contradicciones emocionales que acompañan a la vida a los 40.

Con una historia que entrelaza amor, desamor y las ironías del día a día, la película apuesta por un tono de comedia emocional en la que el humor se convierte en el hilo conductor de un relato tan divertido como reconocible. El film invita al espectador a reírse desde la empatía, explorando temas como los vínculos afectivos y las segundas oportunidades.

“Ni contigo ni sin mí” cuenta con un reconocido reparto integrado por Gorka Otxoa, Adrián Lastra, Cristina Maisonnave, Iván Sánchez y Manuela Vellés.

Sinopsis: A Ernesto le acaba de dejar su mujer. Intentando remontar lo que puede ser el peor cumpleaños de su vida, decide pasarlo en su casa de la playa junto a su mejor amigo. Pero se encuentra con una sorpresa: la nueva novia de su vecino no es otra que su ex.

“Ni contigo ni sin mí” está producida por Ni Contigo Ni Sin Mí La Película S.L. (Secuoya Studios), Álamo Producciones Audiovisuales y A Contracorriente Films.

DEAPLANETA nos informa que “EL PLACER ES MÍO” de   llegará a los cines el 19 de junio.

La película se ha alzado como el mejor estreno de la semana en Francia, colocándose en el TOP3 de la taquilla desde el lunes 11 de mayo y superando los 270.000 espectadores en su primera semana en cartelera. 

Inspirada en el matrimonio que inventó "The Womanizer", el consolador femenino que revolucionó el mercado de los juguetes sexuales, EL PLACER ES MÍO es la primera película que reúne a dos pesos pesados de la comedia francesa: Alexandra Lamy  y François Cluzet.

Ambos se dan la réplica en esta emotiva y simpática película sobre el placer femenino y el sexo en la madurez. Dirige (y co-escribe junto a Gari Kikoïne y David Solal) Reem Kherici, quién también interpreta un papel clave en la comedia: el de la sexóloga que abrirá los ojos a la protagonista femenina.

Completan el reparto François-Xavier Demaison, Kyan Khojandi y Delphine Barril.

“El placer es mío” tuvo su premiere española en la 10ª edición del Festival Internacional de Cine de Barcelona-Sant Jordi (BCN FILM FEST), dentro de la sección "Cinema amb Gracia", dedicada exclusivamente a comedias de carácter popular procedentes de distintas partes del mundo. Posteriormente, la película se proyectó en el Silver Film Festival de Bilbao, el Festival Internacional de cine 55+ que tuvo lugar a finales de abril. Su estreno en cines españoles será el 19 de junio.

Sinopsis: Fanny y Tom llevan 20 años felizmente casados. Sin embargo, un día sale a la luz un secreto revelador: Fanny nunca ha tenido un orgasmo. Tom, ingeniero de profesión, decide ponerse manos a la obra para crear el invento que revolucione el placer femenino. Todo un desafío. La pareja se embarcará entonces en una aventura tan disparatada como conmovedora que transformará su relación para siempre.

"Estoy segura de que [la película] va a dar lugar a conversaciones entre amigos y parejas [···] Me emociona y me siento orgullosa porque quizá permita derribar algunas barreras, cambiar la vida de algunas mujeres y ayudar a otras a dejar de lado ese sentimiento de culpa. EL PLACER ES MÍO es una película entretenida, una comedia que despertará carcajadas entre el público, pero también es un filme con un mensaje potente y un compromiso muy humano. Es mi película más universal" concluye la cineasta y actriz Reem Kherici.

MUBI nos informa que “FATHERLAND” de Paweł Pawlikowski, llegará próximamente a los cines.

MUBI, distribuidora, servicio de streaming y productora, ha compartido el primer avance de FATHERLAND, la nueva película de Paweł Pawlikowski, que tendrá su estreno mundial esta noche en el Festival de Cannes, donde forma parte de la Sección Oficial y compite por la Palma de Oro. 

Escrita por Pawlikowski y Henk Handloegten, la película está protagonizada por la nominada al Oscar Sandra Hüller, Hanns Zischler, August Diehl, Devid Striesow y Anna Madeley.

La película es una producción de MUBI, OUR Films (una empresa de Mediawan, Italia), Extreme Emotions (Polonia), Nine Hours (Alemania) y Chapter 2 (una empresa de Mediawan, Francia), en colaboración con Circle One (Italia) y Apocalypso Pictures, con la participación de Arte y Pathé. Está producida por Mario Gianani y Lorenzo Mieli para OUR Films, Ewa Puszczynska para Extreme Emotions, Jeanne Tremsal y Edward Berger para Nine Hours, Dimitri Rassam para Chapter 2 y Lorenzo Gangarossa para Circle One.

The Match Factory se encarga de las ventas internacionales. 

Pawlikowski se reúne con su veterano equipo de cineastas, que incluye al director de fotografía nominado al Oscar Lukasz Zal, la diseñadora de vestuario Aleksandra Staszko y los diseñadores de producción Katarzyna Sobańska y Marcel Sławiński.

Ida, de Pawlikowski, obtuvo 70 premios internacionales, incluidos 5 Premios Europeos de Cine y el Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2015. Pawlikowski ganó el Premio al Mejor Director en Cannes 2018 por Cold War, y la película obtuvo 52 premios y 126 nominaciones, incluyendo nominaciones al Oscar a Mejor Película Extranjera, Mejor Director y Mejor Fotografía.

SINOPSIS: “Fatherland” retrata la relación entre el escritor ganador del Premio Nobel Thomas Mann (Hanns Zischler) y su hija Erika (Sandra Hüller), actriz, escritora y piloto de carreras. Ambientada en el apogeo de la Guerra Fría, padre e hija emprenden un desafiante y emotivo viaje por carretera en un Buick negro que les lleva a través de una Alemania en ruinas, desde Frankfurt, dominada por Estados Unidos, hasta Weimar, controlada por los soviéticos. Al regresar a casa tras dieciséis años de exilio en Estados Unidos, Thomas Mann tiene que enfrentarse no solo a una patria dividida, sino también a una profunda fractura dentro de su propia familia.

Con “Fatherland”, Pawlikowski sigue donde lo dejó con sus galardonadas Ida y Cold War, explorando temas de identidad, culpa, familia y amor, en medio de la agitación y la confusión moral de la Europa de posguerra.