LA INVITACIÓN: CRÍTICA DE CINE

La invitación está dirigida por Olivia Wilde con guion Rashida Jones y Will McCormack.

Angela (Olivia Wilde) se apresura a realizar las últimas compras antes de regresar a casa y preparar todo para una cena especial. Joe (Seth Rogen), su marido, trabaja como profesor de música en un conservatorio. Es un hombre un tanto amargado, siempre quejándose de sus dolores de espalda, antisocial y molesto con sus vecinos, a los que Angela ha invitado a cenar: Piña (Penélope Cruz) y su marido Hawk (Edward Norton), debido a los ruidos y gemidos que provocan cada noche mientras realizan sus actos sexuales. Angela intenta convencerlo de no sacar determinados temas durante la cena, en particular los mencionados, pero Joe no está dispuesto a ello. La tensión comienza a florecer cuando Piña y Hawk entran en la casa y Hawk, que no tiene filtro, les dice abiertamente que les ha estado escuchando discutir. ¿Cómo terminará la velada?

La invitación – tercer nombre que recibe esta obra – fue escrita y dirigida originalmente por Cesc Gay. Primero nació en el teatro bajo el título Los vecinos de arriba (2016) y más tarde fue llevada al cine como Sentimental (2020), obteniendo un gran éxito; ahora, de la mano de Olivia Wilde, la incómoda cena se traslada a la gran pantalla estadounidense con el título La invitación (2026).

Tomando como referencia el recuerdo de la obra original estrenada en 2020, resulta una grata sorpresa comprobar que Hollywood ha respetado con creces el esqueleto del texto, la fina ironía y la mordacidad tan características de nuestro querido Cesc Gay. ¿Les habrá asesorado? Lejos de edulcorar la función para el mercado norteamericano, la adaptación cinematográfica se atreve a mantener el pulso notablemente picante y desvergonzado. La propuesta camina con inteligencia sobre el filo de la navaja: es una comedia decididamente subidita de tono, pero medida al milímetro para no rebasar los límites permitidos, logrando así una clasificación idónea para conquistar al gran público sin perder su esencia gamberra. Por momentos me parecía estar viendo a Cesc tras la cámara, por lo que de entrada felicito a Wilde.

En este tablero de juego a cuatro, Penélope Cruz se convierte en el auténtico torbellino de la función con una clase indiscutible. Cuando nuestra Pe se pone seductora, no hay quien le baje la mirada; la actriz derrocha esa fuerza, raza y temperamento tan genuinamente españoles que desarman por completo a sus compañeros de reparto. Sus palabras remarcan, pero sus miradas fulminan. Asimismo, el guion introduce ciertos cambios muy acertados respecto al film original. Mientras que en la cinta de 2020 arrancaba directamente entre las cuatro paredes del hogar, al más puro estilo teatralizado, aquí la dirección de Olivia Wilde acierta de lleno al regalarnos un inicio en exteriores con las secuencias de las compras y la búsqueda de la alfombra perfecta; unos minutos que aportan un dinamismo visual magnífico y sirven para rebajar la tensión teatral antes de que se cierren las puertas del apartamento.

El verdadero triunfo dramático de la función reside principalmente en la genialidad del guion, que sabe contrastar la psique que define a ambas parejas, dibujadas como las dos caras de una misma moneda. Por un lado están los invitados – Hawk y Piña –, quienes se muestran espontáneos, positivos, sin filtros y despreocupados ante la situación, porque en realidad ellos tienen un objetivo claro; por otro, los anfitriones, quienes arrastran una constante estela de tensión, fragilidad, negatividad e inhibición, pues su objetivo es muy diferente al de los invitados. Es como si la primera pareja caminara arropada por el sol, la luz y el calor, mientras la segunda arrastrara sobre sus cabezas un gran nubarrón.

Estos diálogos mordaces y cautivadores, algunos como puñales afilados, ofrecen a este cuarteto de excelentes actores la posibilidad de lucimiento tanto en el conjunto como de forma individual, no desaprovechando ninguna ocasión. Seth Rogen lo borda interpretando al quejica por excelencia, ese tipo huraño que uno reza por no tener al lado en ninguna situación; es un hombre ajeno a todo que no se avergüenza de lo que dice, para sufrimiento de quien lo tiene que padecer. Por su parte, la interpretación de Olivia Wilde como la esposa exasperada intenta disimular la frustración que siente hacia su marido, sus responsabilidades y hacia un matrimonio en crisis que naufraga. Este comportamiento divierte y a la vez atrae a Piña y Hawk, como un entretenimiento de una noche.

En cuanto a la pareja formada por Edward Norton y Penélope Cruz funciona con la precisión de un reloj suizo. Él despliega una ironía brillante a través de una “alarmante” falta de filtros, mientras ella derrocha magnetismo y seducción al hablar con absoluto desparpajo sobre su sexualidad y los encuentros compartidos con terceras personas, dejando por momentos intrigados y noqueados a sus anfitriones. Lo más gratificante de la función es no desvelar más detalles de la velada, ya que el arriesgado juego psicológico al que se someten los cuatro personajes termina por revelar sus propias y valiosas moralejas.

Para ir terminando, Olivia Wilde mantiene con pulso firme las riendas de la narración, abrazando con orgullo el tono teatralizado de la propuesta y logrando que el ritmo no decaiga en ningún instante. La realizadora recurre con inteligencia al uso del plano-contraplano o a planos generales, como una elección formal e idónea para no perderse un solo detalle de las interpretaciones ocultas en las miradas, el peso de los diálogos y la expresividad gestual de los cuatro. A este triunfo interpretativo se le suma la correcta labor tras las cámaras del director de fotografía Adam Newport-Berra, quien opta por una iluminación y unos encuadres funcionales que, lejos de buscar un protagonismo innecesario, pasan desapercibidos de forma muy elegante para cederle todo el escenario al verdadero tesoro del film: las monumentales actuaciones de su cuarteto protagonista.

Para concluir, la invitación demuestra que, incluso en una era donde Hollywood abusa de las fórmulas prestadas, un buen guion y un reparto en estado de gracia pueden convertir un remake en un ejercicio brillante. Olivia sale airosa del desafío de trasladar el universo de Cesc Gay a las colinas de San Francisco, firmando una obra tan incómoda como magnética. Una inteligentísima comedia de salón que, tras sus puñales afilados, sus deseos a flor de piel y sus provocaciones modernas y moderadas, nos obliga a mirarnos en el espejo de nuestras propias rutinas conyugales. Pasen, pónganse cómodos y disfruten de la velada; pocas veces un naufragio matrimonial ajeno resultó tan sumamente divertido.

Mi nota es: 8,5

Estreno en España: 16 de octubre.

Reparto: Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton.

Productoras: Filmnation Entertainment// Annapurna Pictures// Permut Productiones.

Distribuidora en España: Diamond Films España.

Filmografía: La actriz, productora y directora, Olivia Wilde, estudió interpretación en la Academia Phillips en Andover (Massachusetts), se trasladó a Dublín matriculándose en la Gaiety School of Acting y de nuevo regresó a los Ángeles para trabajar en una agencia de casting.  Además de su larga trayectoria como actriz, Wilde ha dirigido los cortometrajes: “Free Hugs” (2011), “Wake Up” (2020); los videoclips “Edward Sharpe and the Magnetic Zeros: No love Like Yours” y “Red Hot Chili Peppers: Dark Necessities” ambos en (2016) y debutando en el largometraje con “Súperempollonas” (2019) para continuar con “No te preocupes, querida” (2022) y este año nos ofrece “La invitación” (2026).

EL ARBOL MUY MUY LEJANO

 

El árbol muy muy lejano está dirigida por Ben Gregor con guion de Simon Farnaby.

“La magia de la infancia se suele olvidar. Esta es la historia de alguien que la quiso guardar”

Polly Thompson (Claire Foy) es una investigadora que decide renunciar a su trabajo al descubrir que su empresa había instalado cámaras ocultas en el refrigerador inteligente que ella misma diseñó para espiar a los clientes. Su marido, Tim Thompson (Andrew Garfield), está desempleado y a cargo de sus tres hijos: Beth (Delilah Bennett-Cardy), Joe (Phoenix Laroche) y Fran (Billie Gadsdon). Los dos primeros son adictos a las tecnologías. Ante esta crisis, Tim y Polly ven la oportunidad de cumplir con un viejo sueño: mudarse al campo con toda la familia, montar un negocio de salsa de tomate casera y reconectar en medio de la naturaleza.

Mientras atraviesan el bosque hacia su nuevo hogar, Fran tiene un encuentro con un hada llamada Silky (Nicola Coughlan). Una noche, junto al duende enojado (Hiran Abeysekera), la criatura se cuela en la habitación de la niña para dejarle una invitación sobre la almohada. Al despertar, Fran sigue las instrucciones del mapa hasta dar con el majestuoso Árbol Mágico Lejano, un lugar habitado por seres tan peculiares como la propia Silky, el duende enojado, Cara de luna (Nonso Anozie) o el estrafalario hombre de las cacerolas (Dustin Demri-Burns).

Estamos ante uno de esos films amables para toda la familia, una propuesta cien por cien blanca, libre de estridencias, palabras gruesas o dobles sentidos. En la vida diaria e incluso en el panorama cinematográfico actual donde lo soez parece acampar a sus anchas, la cinta de Ben Gregor se arriesga a abrazar una inocencia pura que algunos podrían tachar de cursi, pero que en realidad no es más que un regreso a la verdad llana de la niñez. Es el reflejo de una infancia sin dobleces, narrada con un lenguaje limpio y una calidez que reconforta.

Detrás de su desbordante fantasía, el largometraje sostiene un pilar fundamental: la unidad familiar como motor absoluto. La historia nos recuerda con firmeza qué si el núcleo permanece cohesionado y fuerte, todo lo demás termina por llegar. Lo verdaderamente fascinante es cómo el filme integra la magia dentro del relato; lejos de resultar forzada, fluye con una naturalidad pasmosa donde incluso los personajes más extravagantes logran conectar con el espectador. El equilibrio entre el divertimento puro y la nostalgia es total: los más pequeños disfrutarán con cada instante, mientras que los adultos, siempre y cuando se dejen llevar y se despojen del miedo al juicio ajeno, se verán arrastrados por una oleada de recuerdos compartidos que, en mi caso personal, logró conmoverme profundamente. Y es que, a mi edad, todavía sigo siendo el Peter Pan, con el que tantas veces me han apodado.

Como estamos viendo en algunos filmes recientes, la obra también se detiene en el tratamiento de la tecnología, en esta ocasión de una manera tan real que cualquiera de nosotros podría verse reflejado. Los hijos, convertidos aquí en los más vulnerables ante las redes se convierten también en el espejo de la gran mayoría de los adultos de nuestra sociedad, sintiéndose completamente consternados al descubrir las limitaciones de su nuevo hogar: la falta de cobertura, la carencia de lo más esencial como la electricidad o algo tan básico como la falta de medios para regar. En este sentido, el guion regala momentos muy divertidos, brillantes y clarificadores como cuando el padre pregunta a los chicos si saben de dónde sale la electricidad, a lo que el más pequeño responde con total inocencia: “de los enchufes”.

Una crítica divertida pero que cala por mucho que se intente evitar, especialmente en quienes pasamos el día rodeados de teléfonos móviles, ordenadores y tabletas. Lo verdaderamente acertado de la propuesta de Ben Gregor es que, sin caer en la trampa de intentar dar un sermón moralista o aleccionar al espectador de forma directa, logra transmitir su mensaje con una eficacia rotunda. El uso de este conflicto tecnológico se reserva para momentos muy concretos, los justos para hacernos comprender que es posible vivir desconectados del ruido digital. La cinta nos demuestra, con una tremenda dosis de sutileza y elegancia, que la vida es mucho más que la pantalla de un móvil y que los niños necesitan, hoy más que nunca, que se les dé el espacio necesario para despertar su propia imaginación; un vehículo este, en el que he creído siempre para el desarrollo de una persona.

En el apartado puramente formal, el despliegue visual de la producción resulta extraordinariamente vistoso, atractivo e incluso extravagante, convirtiéndose en un regalo constante para los ojos del espectador. Sí, aquí también debes dejarte llevar y sacar el niño que llevas dentro. La recreación del imponente árbol gigante es magnífica; la estructura se siente vibrar y cobrar vida desde el preciso instante en el que se cruza el umbral hacia lo desconocido y se pronuncia ese mantra eterno con los ojos cerrados: “Creo en la magia”. En ese mágico segundo, la naturaleza se inclina y se despliega ante ellos un colorido universo de imaginación donde mundos tan dispares como “La Tierra de las Golosinas” o “La Tierra de los Cumpleaños” – accesibles tras coronar una enrevesada escalera – deslumbran por su originalidad, evocando de inmediato las sensaciones de los grandes clásicos de la literatura fantástica y algunos filmes.

Es de justicia destacar que, ante el riesgo de saturar la pantalla, los efectos digitales están medidos al milímetro y no desentonan en ningún momento, integrándose orgánicamente en el relato. Gran parte de este triunfo estético recae en la excelente fotografía firmada por Zac Nicholson, quien inunda el metraje de una luz y una paleta cromática rebosante de vida que acentúa el tono de fábula. A este dinamismo visual se le suma la vibrante banda sonora de Isabella Summers y el montaje sumamente ágil de Gary Dollner, el cual no solo dota de ritmo a la peripecia de los Thompson, sino que resuelve con notable ingenio y ligereza las situaciones más inverosímiles de la aventura.

Antes de concluir, hay que hablar del elenco actoral ya que las actuaciones resultan sencillamente increíbles, hasta el punto de hacer pensar que cualquier niño querría tener unos padres como los que vemos en pantalla. Andrew Garfield desborda una sencillez, nobleza, naturalidad y energía arrolladoras, dotando a su personaje de un aura tocada por el amor, la honestidad y las ganas de vivir. A su lado, Claire Foy se erige como el complemento perfecto; ambos actores logran transmitir una complicidad única, la de dos adultos que llevan como escudo la verdad, la vida llana y, por encima de todo, que demuestran no haber perdido jamás al niño que llevan dentro. Por su parte, el trío infantil se desenvuelve con esa increíble naturalidad tan propia de los más jóvenes en el cine, cargando con el peso de la aventura de forma magnífica y dotando a cada hermano de su propia y genuina personalidad.

Asimismo, el abanico de personajes fantásticos que habita el árbol se muestra excepcional y muy juguetón. Aunque algunos de ellos, evoquen inevitablemente a criaturas de otras célebres obras de la literatura fantástica, logran conquistar al espectador desde su primera aparición. Entre todos ellos, es imposible no destacar  la magnífica interpretación de Nicola Coughlan en la piel del hada Silky; una actriz que, a quienes seguimos de cerca su estela en Los Bridgerton, vuelve a atraparnos por completo en la gran pantalla gracias a su carisma y magnetismo.

Para terminar, El árbol muy muy lejano se revela como algo más que una simple aventura de fantasía: es un bálsamo cinematográfico necesario en los tiempos que corren. Ben Gregor y su entregado elenco nos regalan una obra luminosa que nos invita a aparcar las pantallas para encender los lazos que verdaderamente importan. Con una factura visual deslumbrante y unas interpretaciones repletas de alma, la película logra el mayor de los milagros cinematográficos: recordarnos que la madurez no tiene por qué estar reñida con la inocencia. Una propuesta imprescindible que emociona, divierte y que, sobre todo, empuja a los adultos a reconciliarse con la naturaleza y con ese niño interior que la rutina nos obliga a olvidar. Una joya familiar que demuestra que, si uno se atreve a creer en la magia, siempre habrá un árbol lejano esperándonos en el bosque y no solo para ofrecernos su sombra.

Mi nota es: 8

Estreno en España: 9 de octubre.

Reparto: Claire Foy, Andrew Garfield, Rebecca Ferguson, Nonso Anozie, Jennifer Saunders, Nicola Coughlan, Jessica Gunning, Delilah Bennett-Cardy, Billie Gadsdon, Phoenix Laroche, Dustin Demri-Burns, Mark Heap,Oliver Chris, Lenny Henry, Michael Palin, Simon Russell Beale, Hiran Abeysekera, Pippa Bennett-Warner, Tim Plester, Pierre Bergman, Jos Vantyler, Tom Meeten, Luke Millington-Drake, James Dowell, Julia Saubier, John Kamau y Ryan Mark De Battista.

Productoras: Neal Street Productions// Ashland Hill Media Finance// Elysian Film Group// Palisades Park Pictures// Studiocanal.

Distribuidora en España: Diamond Films España.

Filmografía: El director, guionista y productor, Ben Gregor, también ha dirigido anuncios publicitarios y televisión. Se ha especializado en comedia con un estilo visual distintivo. Debutó en televisión con las series: “No Heroics” (2008) y “The Midnight Beast” (2012) y en el largometraje con “Streetdance Kids” (2013). Continuó con las series “The Trouble with Maggie Cole” (2020) y “Black Ops” (2023) y este año nos ofrece “El árbol muy muy lejano (2026)

EN LA ZONA GRIS: CRÍTICA DE CINE

En la zona gris está dirigida por Guy Ritchie quien comparte guion con Paul Tamasy y Eric Johnson.

La trama sigue a Rachel Wild (Eiza González), una abogada que, como nos confiesa, se mueve entre lo moral e inmoral, el blanco y el negro, lo legal e ilegal, por lo que considera que su mundo es una gama de grises. Ella y su equipo son contratados para recuperar una deuda de mil millones de dólares del mafioso Salazar (Carlos Bardem). Sus hombres de confianza son dos exsoldados: Sid (Henry Cavill) y Bronco (Jake Gyllenhaal). Por su parte, Salazar vive en una isla privada donde tiene comprada a la policía y posee un ejército propio. Aunque el golpe se planifica milimétricamente, nada termina saliendo como se esperaba y…

Creo que solo los fans de Guy Ritchie entienden verdaderamente el trabajo de Ritchie, siendo los únicos capaces de perdonarle los fallos en los que tropiezan sus obras. Al fin y al cabo, el director británico compensa cualquier laguna regalándonos, desde el primer minuto, unas narraciones que avanzan a una velocidad tan endiablada que ni el mismísimo Speedy Gonzales lograría superar. Gran parte del metraje está conducido por ese juego de voces en off que tanto le gusta exprimir, logrando un ritmo frenético que no te deja tomar aire, ni despegar la mirada de la pantalla. A esto se le suma una banda sonora atronadora que eleva todavía más la tensión de lo que vemos en pantalla, y un catálogo de personajes que, como ya es marca de la casa, derrochan carisma por todos sus poros. Dicho esto, iré parte a parte.

La película se articula en tres fases claramente diferenciadas: 1.- Presión y derecho, 2.- Planificación y preparación, y un clímax final bajo el título de Reunión con el enemigo. Como ya es habitual en el cine de Ritchie, cada una de estas etapas nos la detalla con una precisión de cirujano, sin olvidar un solo detalle. En ocasiones pienso que demasiada información para ser asimilada por el espectador, pero se agradece, pues su intención es que seamos uno más en la trama. Sin embargo, lo verdaderamente interesante de este viaje estructural no es el rigor del papel, sino ver cómo Guy utiliza estos tres bloques como un resorte de tensión ascendente. Nos va sumergiendo de lleno en una falsa sensación de control absoluto durante las dos primeras fases para, de golpe y porrazo, tras los aciertos y reveses, preparar al público para esa media hora o algo más donde lo da todo, dejando una vez más al espectador abrumado.

Y es que, a este director, como bien sabemos, le gusta jugar con fuego, explosiones y los tiros más que a un niño un caramelo; pues creo firmemente, tras escribir esta frase, que para Ritchie cada una de sus películas es ese juguete con el que disfruta mientras le da vida. Es precisamente en ese tramo final donde lo que comienza como una misión calibrada al milímetro, se transforma velozmente en una guerra abierta de supervivencia, engaños, acción táctica y estrategia militar sin margen de error. O vives o mueres. Para plasmar este caos con su habitual sello, nos deleita con un despliegue frenético de todo tipo de vehículos que devoran la pantalla: carreras de coches, motos, buggies todoterreno, los llamativos autogiros monoplaza y tirolinas en momentos puntuales. Un festín de adrenalina pura que demuestra que, cuando se desata la tormenta, Ritchie está en el centro.

En el apartado interpretativo, la película se sostiene gracias al carisma del cuarteto protagonista, quienes defienden con solvencia unos roles muy marcados por el sello del director. Eiza González capitanea la función con una Rachel Wild magnética, explosiva y bellísima que dota a su personaje de la sangre fría e inteligencia necesarias para liderar esa ambigua gama de grises morales en la que se mueve. A su lado, la química entre Henry Cavill y Jake Gyllenhaal encarnando a Sid y Bronco respectivamente, traspasa la pantalla; una pareja de exsoldados que derrocha presencia física y soltura en las escenas tácticas, convirtiéndose en el brazo ejecutor perfecto del plan. Por último, Carlos Bardem compone a un Salazar imponente y despiadado, un villano de la vieja escuela que se siente intocable en su isla privada y que se convierte en el contrapeso ideal para poner en aprietos a nuestros héroes.

Para ir terminando, comentaros que gran parte del mérito de que este torbellino no descarrile se debe a la espectacular labor de montaje de Martin Walsh. Su tijera debió echar humo al dictar ese ritmo frenético de la cinta, logrando que el constante vaivén entre la voz en off y la acción se sienta orgánico, fluido y sumamente adictivo. Con ese pulso tan medido, el director se guarda un último cartucho en la recámara para el final y, con ello, rematar la faena, que no es poco; una sorpresa de última hora que reordena las piezas del tablero en el último segundo y que dejará a los espectadores con una sonrisa cómplice. En resumen: En la zona gris no inventa nada nuevo y el director utiliza casi los mismos parámetros que en otras obras, pero funciona a la perfección como un adrenalínico regreso a las salas, ideal para disfrutar en una pantalla grande y arrancar el curso cinematográfico con pura diversión.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de septiembre.

REPARTO: Jake Gyllenhaal, Henry Cavill, Eiza González, Kristofer Hivju, Carlos Bardem, Rosamund Pike, Emmett J Scanlan, Jason Wong, Fisher Stevens, Michael Vu, Christian Ochoa, Kojo Attah, Raya Meddine, Cory Douglas Campbell, Gonzalo Bouza, Karlos Klaumannsmoller, Silvia Naval, Marcus Glimne, Darrell D`Silva, Susan Lawson-Reynolds, Peter M. Smith, Nathalie Fani, Mark Mottram, Gabriella Muir González, Victor Chaga y Max Keene.

PRODUCTORAS: Black Bear// Yellow Camel Studios// Black Bear International// C2 Motion Picture Group// Toff Guy Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Diamond Films España.

FILMOGRAFIA: El director, productor y guionista británico, Guy Ritchie, se inició en el mundo del cine con el cortometraje “The Hard Case” (1995). Su ópera prima, en el largometraje, llegaría tres años más tarde con la divertida y por méritos propios obra de culto “Lock and Stock” (1998), continuó con “Snatch. Cerdos y Diamantes” (2000), “Barridos por la marea” (2002), “Revolver” (2005), RocknRolla” (2008),  “Sherlock Holmes” (2009), “Sherlock Holmes: Juego de Sombras (Sherlock Holmes 2) (2011), “Operación U.N.C.L.E” (2015), “Rey Arturo: La leyenda de Excalibur” (2017), “Aladdin” (2019), “The Gentlemen: Los señores de la mafia” (2020), “Despierta la furia” (2021), “Operación Fortune: El gran engaño” y “Guy Ritchie: El pacto” ambas en (2023), “El ministerio de la guerra sucia” (2024), “La fuente de la eterna juventud” (2025) y este año nos llega “En la zona gris” (2026). También ha dirigido los videoclips “WestBam, Koon & Stephenson: Always Music” y “Nightcrawlers: Don`t Let the Feeling Go” ambos en (1995) y musical “Madonna: What It Feels Like for a Girl” (2001). Los cortometrajes “The Hard Case” (1995), “The Hire: Star” (2001), “Nike: Take It to the Next Level” (2008), “Un rendez-vous” (2010) y “Touching Hands” (2024) y para televisión el telefilme “Sospechoso” (2007) y en las series “The Gentlemen: La serie” (2024), “Tierra de familias” (2024), “El joven Sherlock” (2025).

CINE Y FESTIVALES (CCXIX)

 

VERTICE CINE nos informa que La Mostra de Venecia acogerá La Premiere Mundial de “THE ECHO CHAMBER”

Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel, estrenará en los cines españoles, THE ECHO CHAMBER, el drama romántico dirigido por Andrea Pallaoro, basado en una idea original del legendario director Bernardo Bertolucci.

El 6 de septiembre, la película celebró su premiere mundial dentro de la 83 edición del Festival Internacional de Cine de Venecia donde se proyectará dentro de la Sección Oficial a competición.

La historia es una exploración emocional del amor y la dependencia protagonizada por Alicia Vikander, Luca Marinelli y Susan Sarandon en la que los límites entre la presencia y la ausencia, el cuidado, el deseo y el control se difuminan hasta desaparecer.

The Echo Chamber fue el último trabajo de Bertolucci antes de su fallecimiento en 2018. El director italiano completó, junto a las guionistas italianas Ilaria Bernardini y Ludovica Rampoldi, el primer borrador y, al retomar el proyecto años después ellas se encargaron de finalizar el libreto.

The Echo Chamber llegará próximamente a los cines españoles de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.

SINOPSIS: Una historia de amor en la que los límites entre la presencia y la ausencia, el cuidado y la dependencia, el deseo y el control se difuminan hasta desaparecer. Leo (Luca Marinelli), y Anne (Alicia Vikander) se persiguen, se tocan, se pierden, se buscan. No pueden soltarse ni liberarse. La voz de Ava (Susan Sarandon) resuena por las habitaciones, atravesando el tiempo y permitiendo que salga a la superficie aquello que se resiste o que ya no se puede retener.

SOBRE LA PELÍCULA

La fotografía es obra de Diego García y la música fue compuesta por Clément Ducol.

The Echo Chamber es una coproducción europea entre Indigo Film y Rai Cinema (Italia), junto con Versus (Bélgica). Cuenta con el apoyo del Fondo Europeo y el Ministerio de Cultura de Italia.

Paradise City Sales y UTA Independent Film Group manejan sus ventas internacionales.

FILMAX nos informa que “5 minutos más” de Javier Ruiz Caldera, se proyectará en el Festival de Sitges.

“5 MINUTOS MÁS”, película Original de Movistar Plus producida El Terrat e Ikiru Films, escrita por Berto Romero y protagonizada por Javier Cámara, el propio Berto Romero y Belén Cuesta y dirigida por Javier Ruiz Caldera, se proyectará en la sección Sitges Collection de la 59ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña, tras su paso por el Festival Internacional de Cine de San Sebastián y del Fantastic Fest de Austin, en Estados Unidos.

Los productores de “5 minutos más” son Berto Romero, Bernat Elías, Javier Méndez, Edmon Roch y Movistar Plus.

“5 minutos más” es el debut como guionista cinematográfico de Berto Romero y marca un nuevo encuentro creativo entre Romero y Ruiz Caldera, tras su colaboración en las series ‘Mira lo que has hecho’ (Premio Ondas a mejor serie de comedia) y ‘El otro lado’ ambas también originales de Movistar Plus, producidos por El Terrat.

Javier Ruiz Caldera ha consolidado una de las trayectorias más versátiles del panorama audiovisual español. Su filmografía destaca por la libertad con la que combina géneros y por un humor muy personal que impregna sus historias. Con “5 minutos más” vuelve a colaborar con Berto Romero, compañero creativo habitual al que ha dirigido en ‘El otro lado’, ‘Mira lo que has hecho’, ‘Anacleto: agente secreto’, ‘Tres bodas de más’ y ‘Wolfgang’.

Sinopsis: “5 minutos más” narra la historia de un matrimonio en crisis que decide pasar un fin de semana de turismo rural en una casa aislada en el campo. Allí se reúnen con un encargado de la agencia que les enseña la casa y les entrega las llaves. Pero antes de que los deje solos, sucede una cosa extraordinaria: el tiempo retrocede 5 minutos.

En palabras del director Javier Ruiz Caldera, “Uno siempre busca que su siguiente película sea diferente a la anterior; que represente un nuevo reto y me obligue a enfrentarme a ella desde una perspectiva desconocida como director. En cuanto leí el primer guion de largometraje de Berto Romero supe que había encontrado el proyecto soñado. El desafío de "5 MINUTOS MÁS" era hacer creíble una premisa tan original como la que propone la historia”.

Completan el reparto Carlos Bernardino (‘Mano de hierro’), Marc Soler (‘UPA Next’), Clàudia Melo (‘En los márgenes’), Puchi Lagarde (‘Galgos’), Tian Tosas (‘La última noche en Tremor’) y Nia Tosas (‘El mal invisible’).

“5 minutos más” llegará a los cines el 22 de enero de 2027. Filmax se encarga de la distribución nacional y de las ventas internacionales.

DIAMOND FILMS nos informa que competirá en el Festival de Sitges con “ANIQUILACIÓN” de Adam Wingard.

El Festival de Sitges anunció el 3 de septiembre en rueda de prensa los títulos que formarán parte de la 59.ª edición del certamen.

Entre las películas seleccionadas para formar parte de la Sección Oficial Fantàstic a Competición se encuentra Aniquilación, el nuevo proyecto de Adam Wingard (Tú eres el siguiente; The Guest). La historia sigue a Celeste (Adria Arjona), una francotiradora del ejército apartada de la sociedad, se da cuenta de que debe utilizar sus habilidades como exmilitar para proteger a su hija Daisy (Blake Kennedy) de una masacre. Esta tranquila y aislada comunidad se convierte en el objetivo de unos soldados, modificados genéticamente para ser más fuertes y violentos, que no dudan atacan a sus habitantes sin piedad.

Una mezcla de adrenalina y resiliencia que confirma a Arjona como la intérprete ideal para dar vida a esta madre coraje.

Aniquilación se estrena el 30 de octubre, solo en cines.

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “SALITRE” de Norma Vila, competirá en la Sección Oficial del Festival de Sitges.

El Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya acogerá el estreno mundial de SALITRE. El primer largometraje de la directora bilbaína Norma Vila es un thriller psicológico que examina, desde una mirada femenina, contemporánea y desmitificadora, el síndrome del nido vacío y el miedo visceral a la pérdida.

Protagonizada por Nagore Aranburu y Haizea Carneros, SALITRE sitúa el horror en un territorio cotidiano pero inquietante: la relación entre una madre y una hija que están a punto de separarse. El miedo al abandono comienza entonces a adquirir una dimensión física y sobrenatural.

La película parte de una idea original de la guionista Candela Echenique y cuenta con Nagore Aranburu al frente del su elenco. Ganadora del Premio Feroz a la Mejor Actriz Protagonista por Querer y del Premio Goya a la Mejor Actriz de Reparto por Los Domingos (ambas de Alauda Ruiz de Azúa), Aranburu es una de las intérpretes más reconocidas del cine español. Junto a ella, la joven actriz Haizea Carneros da vida a Nerea, una adolescente que sueña con abandonar el pueblo y comenzar una nueva vida lejos de su madre. Tras formar parte del reparto de films como Ilargi guztiak (Igor Legarreta) o Sacamantecas (David P. Sañudo), Carneros se ha convertido en una destacada actriz emergente.

SINOPSIS: Cuando su hija adolescente decide marcharse a estudiar fuera, Maite siente que el mundo que ha construido se desmorona. A medida que el miedo a la pérdida crece, una presencia extraña comienza a extenderse por la casa, contaminando el espacio y el vínculo que la une a su hija.

EL DEBUT DE NORMA VILA EN EL LARGOMETRAJE

El largometraje supone el debut en la dirección de largometrajes de Norma Vila, cineasta bilbaína con una amplia trayectoria en el cortometraje y cuya obra ha pasado por festivales nacionales e internacionales. En su equipo técnico destacan: el director de fotografía Kiko de la Rica -ganador del Premio Goya por Mediterráneo-; la directora de arte Idoia Esteban -habitual colaboradora de  Nacho Vigalondo y Paco León-; la compositora Aránzazu Calleja -ganadora del Goya a la Mejor Música Original por Akelarre- y el responsable de efectos visuales Iñaki Madariaga, ganador del Premio Goya y del Premio del Cine Europeo por su trabajo en El hoyo.

Con SALITRE, Norma Vila construye un relato sobre la maternidad, la dependencia emocional y el síndrome del nido vacío. En palabras de la propia directora: La película nace de una inquietud muy concreta: la imposibilidad de aceptar que el amor también implica dejar marchar."

"El largometraje se acerca al síndrome del nido vacío desde ese lugar incómodo, lejos de la melancolía, como una experiencia límite en la que el miedo a la pérdida lo contamina todo. Quería explorar cómo ese miedo, cuando no se nombra ni se gestiona, puede deformar el vínculo hasta convertirlo en algo asfixiante, violento y siniestro".

"No busco un terror basado en el sobresalto, sino en una incomodidad que se instala y permanece. Algo más cercano al desasosiego que al impacto inmediato. Una experiencia que se construye desde el silencio, desde lo que no se ve del todo, desde lo que intuimos."

UNA PELÍCULA RODADA ÍNTEGRAMENTE EN EL PAÍS VASCO

La película es una producción de Ipuin Kontalaria AIE, Euskadi Movie, Pris & Batty Films, Bondi Stories y Festival Films y cuenta con participación de EITB y RTVE y la colaboración del Departamento de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco. Festival Films la distribuirá en cines.

HAYEDA CULTURA nos informa que “JUPITER” de Alexandre Smia, se presenta en la Venice Open de la Sección Oficial de La Mostra.

JUPITER, la ópera prima del cineasta Alexandre Smia -guionista de, entre otros, 13 días, 13 noches-, tendrá su estreno mundial el 4 de septiembre en la Venice Open - Fuera de Competición de la Selección Oficial de la 83ª edición del Festival de cine de Venecia. Protagonizada por el ganador del Goya por As bestas Denis Ménochet, en el papel del Presidente de la República Francesa, le acompañan en el reparto un "gabinete de crisis" formado por André Dussollier, Reda Kateb, Dominique Blanc, Ella Rumpf, Frédéric Pierrot, Céline Sallette, Cédric Kahn y Jérémy Lopez.

En este thriller político Smia ha recreado el hermético y legendario refugio francés llamado PC Jupiter, construido bajo el Elíseo durante la Segunda Guerra Mundial y transformado en un puesto de mando blindado a finales de los 70. Recuerda el director que el auténtico búnker "es un lugar 'mitológico' donde el presidente toma las decisiones más difíciles en absoluto secreto. Por eso -detalla- Thomas Finkielkraut, mi coguionista, y yo queríamos contar esta historia de la manera más realista posible".

No solo el espacio, Smia también ha recreado la tensión: "JUPITER -asegura- no es únicamente lo que se podría describir como una 'película de catástrofes'; es también una exploración brutal de lo que significa tener en las manos, literalmente, el poder de destruir el mundo. Una autopsia del poder, una inmersión en las profundidades de una decisión que podría aniquilarlo todo".

Tras su estreno mundial en el Festival de Venecia JUPITER llegará a las salas españolas próximamente de la mano de Divisa Films y Vercine.

SINOPSIS: Recién elegido, el presidente francés Paul Archambault es convocado de urgencia al búnker antiatómico Júpiter, situado bajo el Palacio del Elíseo. Debe hacer frente a una crisis internacional desatada tras el intento de asesinato de su homólogo ruso. Tras señalar a los ucranianos por el ataque, Rusia lanza un ultimátum nuclear. La tensión aumenta y la guerra se avecina: desde el puesto de mando Paul Archambault y sus asesores se enfrentan a una decisión que pone en juego el destino de la humanidad.

VÉRTICE 360 en la 59 Edición del Festival de Sitges.

Vértice 360 nos informa que la 59 edición del Sitges Festival Internacional de Cine de Catalunya, acogerá las premieres europea y española de dos de nuestros próximos estrenos en salas: “Boúna: la leyenda del Amazonas” y “Wicker”

Tras celebrar su premiere mundial en el Fantastic Fest 2026, BOIÚNA: LA LEYENDA DEL AMAZONAS, la vertiginosa propuesta de supervivencia y terror dirigida por Mike P. Nelson (Noche de paz, noche de horror, V/H/S/85, Wrong Turn: Sendero al infierno) y producida por el responsable de la saga Resident Evil, Jeremy Bolt, celebrará su premiere europea dentro de la 59 edición del Festival de Sitges.

Esta sangrienta e implacable lucha por la supervivencia revive el mito de una colosal serpiente prehistórica que despierta en las profundidades del Amazonas para reclamar su territorio y decidir quién vive y quién muere.

Boiúna: La leyenda del Amazonas” está protagonizada por Logan Marshall-Green conocido, entre otros, por sus papeles en La Odisea (Christopher Nolan) y Prometheus (Ridley Scott), Jessica Rothe, conocida por interpretar a Tree Gelbman en el slasher Feliz día de tu muerte y su secuela y Kiana Madeira conocida por las trilogías de La calle del terror y After.

El 17 de septiembre, “Boiúna: La leyenda del Amazonas” inaugurará el Fantastic Fest. y, tan solo un mes después, el 16 de octubre, tras pasar por el Fantastic Fest y el Festival de Sitges, “Boiúna: La leyenda del Amazonas”  llegará a los cines españoles, de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel. 

SINOPSIS: En lo más profundo del Amazonas, una misión médica se convierte en una lucha por la supervivencia cuando Boiúna, una colosal depredadora ancestral, despierta para reclamar su territorio. En la selva, donde la naturaleza ejerce un poder absoluto, ella decide quién vive y quién muere.

Dos semanas después de clausurar Sitges, WICKER llegará a los cines el 30 de octubre de la mano de Vértice 360, distribuidora del grupo Squirrel.

Mitad fábula, mitad comedia fantástica y totalmente excéntrica: “Wicker” nos invita a reconsiderar e incluso a incendiar las historias que nos hemos contado a nosotros mismos sobre el matrimonio, creando un espacio para que se desarrolle el verdadero romance. WICKER será la encargada de poner este año punto final a la 59 edición del Sitges Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya.

La película dirigida y escrita por Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer se basa en el cuento corto The Wicker Husband de Ursula Wills-Jones, publicado en 2008, sobre la envidia, el compromiso y las trampas de las normas sociales. La pareja debutó en 2020 en el Festival de Sundance con ¡Desconectados!, su opera prima, y habitualmente escriben y dirigen a 4 manos.

WICKER cuenta con generosas dosis de humor irónico y un reparto estelar entre los que destacan Olivia Colman (Los Rose, The Crown), Alexander Skarsgård (Pillion, Lee Miller), Peter Dinklage (Hermanos, Juego de Tronos) y Elizabeth Debicki (The Crown, Tenet).

Olivia Colman da vida a la maloliente y sarcástica pescadora que desafía todas las expectativas y desmonta con seguridad las tradiciones mientras lucha por la relación que desea y el trato que se merece por parte del enigmático y sereno hombre de mimbre (Alexander Skarsgård).

SINOPSIS: «WICKER», una audaz fábula, en clave de comedia, sobre el sexo, el matrimonio y lo absurdo de las convenciones sociales, narra la original historia de amor de una pescadora socialmente marginada (Olivia Colman) que encarga al artesano local (Peter Dinklage) que le fabrique un marido de mimbre (Alexander Skarsgård).

Cuando su marido resulta ser más espectacular de lo que jamás había podido imaginar, su espíritu conmovedor y sus habilidades excepcionales despiertan algo en su interior. Lo que comienza como un simple plan de la protagonista para molestar a sus entrometidos vecinos, acaba convirtiéndose en un auténtico romance desencadenando una oleada de celos, fascinación y agitación que amenaza el propio tejido de la vida del pueblo.

NUEVE CARTAS nos informa que “GATIBU, AGUR ESAN BARIK” tendrá su estreno mundial en el Festival de San Sebastián.

«Gatibu, agur esan barik / Gatibu, sin decir adiós», el documental dirigido por Jabi Elortegi («El vasco») sobre la despedida de la banda de rock Gatibu, tendrá su estreno mundial en la 74ª. edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La película formará parte de Zinemira, la sección dedicada específicamente al cine vasco, y competirá por el Premio Irizar al Cine Vasco.

La película acompaña a los integrantes de Gatibu durante la gira con la que pusieron fin a 25 años de trayectoria. El recorrido combina grandes conciertos —como la despedida de Gernika y las tres actuaciones consecutivas con todas las entradas agotadas en el BEC-Bizkaia Arena— con paradas de carácter íntimo y simbólico: el bar Zeppelin, escenario de sus primeros encuentros; Urepel, la localidad que dio nombre a su primera canción; o Boise.

Más allá de la crónica musical, «Gatibu, agur esan barik» mira hacia atrás para reconstruir una historia que dejó once discos, más de 800 conciertos y canciones incorporadas a la memoria colectiva de varias generaciones. El documental aborda también el paso del tiempo, los cambios personales y colectivos, la madurez y la importancia de saber despedirse.

Rodada desde la cercanía, la película combina imágenes de los conciertos, material de archivo, momentos de backstage y entrevistas personales con los miembros del grupo y las personas de su entorno. La puesta en escena equilibra la dimensión épica de los grandes escenarios con la intimidad del viaje y de los silencios que acompañan al último adiós.

Dirigida y escrita por Jabi Elortegi, la película cuenta con Itziar Zeberio («El vasco», «Desaparecido», «Go!azen») y el propio Jabi Elortegi al frente de la producción ejecutiva. La dirección de fotografía corre a cargo de Lander Andonegi («Popel / Cenizas»), mientras que Hannot Mintegia («Popel / Cenizas», «Markak») firma tanto el montaje como la música original. Asier Renteria («Andy», «Cuatro paredes») es el responsable del diseño de sonido.

«Gatibu, agur esan barik» es una producción de Pausoka Entertainment. La película se estrenará próximamente en cines con distribución de Atera Films.

El director, Jabi Elortegi, explica que «no queríamos hacer un funeral, sino una celebración. Gatibu forma parte de los recuerdos sentimentales de mucha gente: sus canciones han estado presentes en celebraciones, viajes, rupturas y reconciliaciones. Hemos querido contar esta historia con emoción, cercanía y respeto; que quien vea la película sienta que está bailando bajo la lluvia».

SINOPSIS: Tras 25 años de trayectoria, el grupo de rock Gatibu se despide de los escenarios convertido en la banda sonora de toda una generación. El documental acompaña a sus integrantes durante esta última gira, captando momentos clave y pasajes íntimos cargados de emoción. Más allá de la crónica de una gira, la película reflexiona sobre el paso del tiempo, la transformación personal y colectiva, la madurez y la importancia de saber decir adiós.

NUEVE CARTAS nos informa que Tsai Ming-Liang expondrá “WALKER” en Tabakalera durante el Festival de San Sebastián.

El cineasta taiwanés Tsai Ming-Liang expondrá su  instalación “Walker” del 18 de septiembre al 6 de diciembre en el Centro Internacional de Cultura Contemporánea Tabakalera de San Sebastián. La obra, concebida específicamente para este espacio, se podrá visitar en la Sala de Exposiciones 3 en horario de 11:00 a 13:00 y de 16:00 a 20:00 de martes a domingo. El cineasta estará disponible para entrevistas presenciales del 11 al 21 de septiembre en la capital guipuzcoana. 

Previo a su presentación en España en la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián (Zabaltegi-Tabakalera), la undécima película de la serie «El caminante», tendrá su première mundial en la 83ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia dentro de la sección «Venice Open». El film se podrá ver en el certamen italiano el 8 de septiembre a las 16:30 en la Sala Giardino y el 9 de septiembre a las 9:00 en la Sala Astra 1. «La deriva» tendrá tendrá su estreno en cines de España el 9 de octubre.

La obra «Walker» está compuesta por tres piezas audiovisuales «No Form» (2012), «Walker» (2012) y «Journey to the West» (2014) donde invita a recorrer las calles de Hong Kong, Taipéi y Marsella desde una mirada contenida. Al hacer de la lentitud una virtud, el cineasta revela una manera distinta de afrontar la vida y de observar el entorno. La instalación se enmarca en la línea expositiva de Tabakalera dedicada a explorar la intersección entre el arte contemporáneo y el cine.

Desde 2012, la serie «El caminante» ha crecido hasta sumar once obras centradas en la relación entre cuerpo, espacio y duración. «La deriva», rodada durante el verano de 2025 en Gipuzkoa en espacios tan icónicos como el Peine del Viento, la Concha o Chillida Leku, retrata al monje interpretado por Lee Kang-Sheng caminando una vez más, esta vez en España. El recorrido del monje permite registrar los usos cotidianos del territorio, así como sus formas de habitar y mirar. El resultado es una meditación caminante, una reflexión en el cuerpo de la audiencia.

La serie completa de películas de “El caminante” se encuentra disponible en la plataforma Filmin.

YouPlanet sigue sumando títulos a Sitges: Father Joe, con Kiefer Sutherland y Al Pacino, y Sacrifice, de Romain Gavras, se añaden a la programación del festival

YouPlanet continúa reforzando su presencia en el Festival de Sitges con la incorporación de tres nuevos títulos a su selección para esta edición. A las ya anunciadas “Leviticus”, que competirá en Sección Oficial, The Carpenter`s Son, protagonizada por Nicolas Cage e incluida en Sitges Collection, y “Kill Me” que formará parte de la sección Òrbita, se suman ahora “Father Joe”, “Sacrifice” y “The Cycle”, consolidando una destacada presencia de la distribuidora en uno de los festivales de género más importantes del mundo.

Entre las nuevas incorporaciones destaca FATHER JOE, dirigida por Barthélémy Grossmann y protagonizada por dos nombres míticos del cine internacional: Kiefer Sutherland y Al Pacino. La película, que tiene su première mundial en Venecia, se presentará en la sección Òrbita de Sitges. Una combinación de thriller, crimen y acción a través de la historia de un sacerdote ex militar que, tras perder a toda su familia, emprende una cruzada secreta contra el crimen que domina su barrio. Su misión se verá alterada con la llegada de un poderoso capo interpretado por Al Pacino.

También llega a Sitges Collection SACRIFICE, el nuevo largometraje del cineasta francés Romain Gavras, conocido por títulos como Atenea y El mundo es tuyo. La película, una codistribución con Caramel Films, cuenta con un elenco internacional de primer nivel encabezado por Chris Evans, Anya Taylor-Joy, Salma Hayek, Vincent Cassel y John Malkovich, en una ambiciosa propuesta que combina acción, thriller y sátira social.

Completa las nuevas incorporaciones THE CYCLE, dirigida por Jordan Downey. La película, un thriller de terror, se incorpora también a Sitges Collection.

Esta presencia refuerza la apuesta de YouPlanet Distribution por el cine de género, el talento internacional y las propuestas capaces de conectar con el público de Sitges, consolidando una línea que combina títulos de cine de autor y nuevas voces con producciones de gran alcance y repartos internacionales.

KARMA FILMS nos informa que “EL MAL HIJO” de Jaime Lorente, inaugurará la Sección New Directors del Festial de San Sebastián el viernes 18 de septiembre.

“EL MAL HIJO”, ópera prima del director Jaime Lorente, inaugurará la sección New Directors de la 74ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La premiere mundial tendrá lugar el viernes 18 de septiembre, día en el que arranca el prestigioso certamen. Después, el filme llegará a los cines el 16 de octubre de la mano de Karma Films y AF Pictures.

Jaime Lorente da el salto a la dirección con una historia inspirada en la novela homónima de Salvador S. Molina, que también firma el guion. La historia narra el viaje emocional de Rubén, un niño de once años que, tras la misteriosa desaparición de su padre, debe convivir con una abuela a la que apenas conoce junto a la que irá descubriendo una historia familiar marcada por el silencio, la culpa y las heridas que se transmiten de generación en generación.

“El mal hijo” está protagonizada por Susi Sánchez, ganadora de dos premios Goya a Mejor Actriz Protagonista por "La enfermedad del domingo" y a Mejor Actriz de Reparto por "Cinco lobitos", trabajo por el que también recibió el Premio Feroz, el Premio Platino y la Biznaga de Plata del Festival de Málaga, Miguel Ángel Puro ("Los años nuevos", "A diente de perro"), Hugo Arbués ("The Walking Dead: Daryl Dixon", "Las largas sombras"), Óscar de la Fuente, ganador del Premio Feroz a Mejor Actor de Reparto por su interpretación en "La casa", y Abel de la Fuente, en el papel de Rubén, el niño protagonista.

En el equipo técnico destacan los nombres de Elías M. Félix  en la dirección de fotografía; Fernando González en la dirección de arte; Marta Goenaga como jefa de vestuario; Ernesto Jiménez y Paco López como jefes de maquillaje y peluquería respectivamente y Antuan Mejías como jefe de sonido. La canción original, “Déjame que te sienta”, ha sido compuesta por Niño de Elche para la película.

 “El mal hijo” es una producción de El mal hijo la película en asociación con EMEDIA Canary Projects con la participación de AF Canary Islands Studios, Match Point y CREA SGR y con el apoyo de Canary Islands Film.

La película llegará a los cines el 16 de octubre codistribuida por Karma Films y AF Pictures. Las ventas internacionales estarán a cargo de Film Factory.

SINOPSIS: Cuando el padre de Rubén, un niño de once años, desaparece misteriosamente, éste se ve obligado a irse a vivir con su abuela a la que apenas conoce. En un entorno rural donde el tiempo parece haberse detenido, el niño aprenderá de la mano de su abuela cómo las heridas familiares se transmiten de generación en generación y luchará a medida que crece por intentar sanarlas.