EL VENDEDOR DE TABACO: CRÍTICA DE CINE

Coproducción entre Austria y Alemania, El vendedor de tabaco, está dirigida por Nikolaus Leytner, compartiendo guion con Klaus Richter y basándose en la novela de Robert Seethaler.

Franz Huchel (Simon Morzé) es un joven de 17 años, que aconsejado por su madre Margarete Huchel (Regina Fritsch), viajará a Viena a trabajar en la tabacalera que regenta el judío Otto Trsnjek (Johannes Krisch) y así, salir de la mala situación económica por la que atraviesan.

Ya en Viena, Franz, conocerá  a Anezka (Emma Drogunova) una hermosa joven de la cual se enamorará y entre la importante clientela que acude a la tabacalera de Otto, al prestigioso Psicólogo Sigmund Freud (Bruno Ganz) con quien hará una gran amistad y le pedirá consejo sobre el amor.

Nikolaus Leytner, compartiendo guion con Klaus Richter y el propio autor de la novela  Robert Seethaler, nos traslada a la Viena de 1937, en unos tiempos convulsos donde Austria está a punto de ser anexionada por la Alemania nazi, acontecimiento que se llevó a cabo el 12 de marzo del 38  y finalizando en la primavera del 45. En esta ocasión no estamos ante un nuevo filme sobre el nazismo, ni siquiera sobre la propia guerra, pero el ambiente de la gran tormenta que se avecinaba, se respira en cada esquina, en cada personaje e incluso en las propias conversaciones y detenciones.

Nikolaus Leytner es un escritor y  director independiente que vive en la ciudad de Viena. Estudió en la Universidad de Música y Artes Escénicas en el departamento de Cine y Televisión, comenzó su trayectoria con el cortometraje “The Angels So Far” 1980 y dos años más tarde con el documental “Con mis manos, con mi cabeza” para saltar al largometraje de ficción en 1984 en “Fuerza centrífuga”. Tras otras películas cofundaría en 1989 la productora de cine austriaca: Allegro Film y en 2009, junto a otros compatriotas cineastas, la Academia de Cine Austriaco. Ha sabido compaginar, a lo largo de su vida, televisión con cine, creando importantes obras tanto en un apartado como en el otro, en sus funciones de director y guionista.

El vendedor de tabaco se presenta ante nosotros como un drama sólido, con aire clásico y magníficas interpretaciones bajo una cuidada y delicada dirección. A destacar la fabulosa ambientación, el excelente vestuario de Caterina Czepek y la soberbia fotografía de Hermann Dunzendorfer, logrando crear la atmósfera que el espectador percibe a su alrededor en el comienzo de una etapa oscura para Austria. Cada nota de la banda sonora de Matthias Weber, impregna cada rincón y espacio en el cual viven los personajes.

Todos los personajes están perfectamente interpretados, pero destacaré al  gran Bruno Ganz, que nos dejó recientemente, en el papel de Freud, junto al joven Simon Morzé en el papel de Franz. La veteranía frente a la inexperiencia, descubriendo la complicidad que surgió entre ambos, lo que logra traspasar la pantalla. Bruno nos regala a un Sigmund Freud en los últimos años de su vida, negándose a abandonar Viena, pero obligado a hacerlo por su condición de judío y tras el acoso nazi, refugiarse en Londres y su partner en la obra,  Simon, encarnando a un joven noble e inexperto Franz, quien veremos crecer en madurez, como tantas veces nos obliga la propia vida, para sobrevivir. En medio de ellos, chocamos con el coraje que demuestra Otto Trsnjek, en otra extraordinaria interpretación de Johannes Krisch.

Una obra por la que desfilarán el deseo de libertad, la persistencia, la envidia,  los odios, el descubrimiento del amor, la búsqueda por sobrevivir en tiempos agitados, la soledad, la sexualidad, el ansia de aprender, la resignación y los sueños, la importancia de los sueños. Los sueños que padece el joven Franz y desea dilucidar sin tumbarse en el sillón del psicólogo, pero sí en medio de los paseos que ambos realizan y de los puros como obsequios.

Un filme exquisito, relajante, en el cual todo lo que nos ofrece puede ser analizado según nuestra curiosidad y anhelo de saber más allá de lo puramente expuesto.

 “Las personas son como los cigarros, si las presionas demasiado no te darán ningún placer”

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de junio

REPARTO: Simon Morzé, Bruno Ganz, Johannes Krisch, Emma Drogunova, Karoline Eichhorn, Michael Fitz, Elfriede Irrall, Rainer Wöss, Sabine Herget y Gerti Drassl

PRODUCTORA: Epo-Film Produktionsgesellschaft// Glory Film// Tobis Film// ARD Degeto Film// FilmVergnuegen// Perathon Film-und Fernsehproduktions GmbH

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine.

X-MEN FÉNIX OSCURA: CRÍTICA DE CINE

La nueva entrega de los X-Men, está dirigida y escrita por Simon Kinberg, bajo el título de: X-Men Fénix Oscura, basándose en el cómic de Jack Kirby y Stan Lee.

Es el año 1975 cuando una familia compuesta por el padre, la madre y una niña, viajan en el coche escuchando la radio, la pequeña Jean quiere oír otra música diferente a la que sus padres tienen puesta, como su madre no accede a su petición, con su mente cambia de emisora, la madre vuelve a la original y así continuarán un buen rato, hasta que el coche pierde el control y choca contra un camión. En el accidente la niña sale sin ningún rasguño.

Tras dicho prólogo entramos en el año 1992, una misión espacial está en peligro y el presidente de los Estados Unidos pide ayuda a los X-Men, acudiendo al rescate. Entre el equipo de salvación se encuentra  Jean Grey (Sophie Turner) que es alcanzada por una explosión de una misteriosa fuerza cósmica, convirtiéndose en el ser más poderoso del universo, poderes que en ocasiones no puede controlar, provocando daño y  muerte a quienes más ama. Buscará respuesta a preguntas que parece que nadie sabe responder, lo que la alejará de los X-Men, aunque estos nunca se darán por vencidos, principalmente su mentor el profesor Charles Xavier (James McAvoy) y Cíclope (Tye Sheridan), por si todo esto fuera poco, la Tierra está en peligro por la presencia de unos alienígenas, comandados por la despiadada Vuk (Jessica Chastain)  

Una nueva entrega de la saga que, en esta ocasión, profundizará  en el pasado del personaje más poderoso de los X-Men, Jean o más conocida como Fénix, querida y temida a partes iguales, cuando su carácter cambia repentinamente.

Al frente de esta nueva historia, nos encontramos con: Simon Kinberg, de quien os contaré que es productor, guionista y ahora con esta película, debuta como director. Ha estado muy vinculado con la saga de X-Men, pues ha sido guionista de: “X-Men: La decisión final” 2006 de Brett Ratne,  “X-Men: Días del futuro pasado” 2014  y X-Men: Apocalipsis 2016 estas dos últimas de  Bryan Singer, y como productor de otros títulos, ha coescrito y producido  para Timur Bekmambetov en  “Abraham Lincoln: Cazador de vampiros” 2012 y con Josh Trank en  “Los cuatro fantásticos” 2015; ahora se enfrenta a la dirección para llevarnos hasta el comienzo de la década de los 90 en el siglo pasado.

La psique humana, como todos bien sabemos es compleja, más cuando algo de forma innata o anómala la perturba; en esencia este será el tema que toma el nuevo filme de los X-Men. La compleja mente de Jean que desde niña es diferente a los demás, o como ella misma pregunta entre sollozos a su mentor, el profesor Xavier, tras el accidente: “¿Tú me puedes arreglar?", al no entender que le está pasando y nadie explicárselo. Sí, es una niña diferente, donde sus poderes crecen al hacerse adulta y donde por un accidente en el espacio, esos poderes tomarán dimensiones inimaginables e incontrolables, lo que perturbará más su mente, al ver como provoca sufrimiento y muerte entre sus seres queridos y convertirse en el ser más poderoso de la galaxia. ¿Un nuevo debate sobre cómo los niños con mentes superiores a la de los demás, en este caso incluyendo los poderes,  deben de ser tratados, para integrarse en la sociedad que les teme por tales dones y supremacía?

Simon Kinberg, buen conocedor de los personajes, como antes he comentado al haber estado al frente de gran parte de los guiones, se enfrenta a su ópera prima para dar su propia versión, en este caso desligándola en gran parte de la historia de los cómics y por otro lado, incidiendo en esa zona oscura que dichos cómics poseen. Esa lucha interna entre lo humano y lo sobrenatural, entre la consciencia y la inconsciencia, entre su lado vulnerable y el que les confiere o casi, como seres omnipotentes y de paso,  ese deseo de saber sobre su yo verdadero y en ese combate interno con el que Jean tiene que luchar, quedando patente en otros de sus compañeros.

Kinberg nos envuelve en la atmósfera de la década de los 90 con precisa naturalidad, apoyado por los jefes de decorados Elizabeth Wilcox y Claude Paré, para hacer más comprensible la historia que desea narrarnos, junto a la extraordinaria fotografía de Mauro Fiore, quien dota a la película de una iluminación y  texturas  muy cuidadas, dependiendo del momento y de los espacios en el que se desarrolla la acción. Y  a la vez, Simon nos ofrece ese punto futurista entre las naves, el espacio exterior y las escenas de batallas, a través de unos efectos visuales correctamente supervisados por  Philip Brennan.

No estamos ante un filme épico, pero sí muy interesante, del cual el espectador disfruta de principio a fin y por el que desfilarán además de Fénix y el profesor Charles Xavier; Mística, Ciclope, Bestia, Tormenta, Magneto o Quicksilver. Encuentros y relaciones intensas recreando esa interrelación entre lo humano y sobrenatural, en cada uno de ellos. En unos personajes que bien conocen los actores que los interpretan, pues en casi todos, se percibe que se sienten cómodos y así lo transmiten; digo casi todos, porque por poner un ejemplo nunca he visto más alejada de su papel de Raven/Mística, que a Jennifer Lawrence, no convence y se agradece que salga el tiempo justo. Por otro lado quiero destacar a Sophie Turner entre la grandiosidad de su personaje de Fénix y la vulnerabilidad como Jean. A un siempre fantástico, al menos desde mi punto de vista, James McAvóy como el profesor Xavier, un impecable Michael Fassbender como Magneto y a una alienígena por la que también siento particular debilidad, Jessica Chastain, una mala, perversa e implacable enemiga. El resto, como ya he dicho, cumplen con su cometido en una obra disfrutable con un correctísimo montaje a cargo de Lee Smith.

“La mente es frágil, basta un mínimo toque para inclinarla hacia el lado equivocado”

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Junio

REPARTO: Sophie Turner, Jessica Chastain, James McAvóy, Jennifer Lawrence, Michael Fassbender, Nicholas Hoult, Tye Sheridan, Alexandra  Shipp y Kodi Smit-McPhee

PRODUCTORA: 20^th Century Fox Film Corporation// Bad Hat Harry Productions// Donners´ Company.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

ANTES DE LA QUEMA: CRÍTICA DE CINE

Antes de la quema está dirigida por Fernando Colomo y guion de Javi Jáuregui.

Quique (Salva Reina) al que llaman  familiarmente chirigotero,  ya que forma parte de una agrupación gaditana, está en paro, viviendo con su madre Asun (María Alfonsa Rosso) enferma de alzhéimer y su hermana Meme (Maggie Civantos)  quien en la actualidad se halla  en la cárcel por traficar con drogas.  

Están en carnavales, las calles inundadas de viandantes disfrazados y Quique preparando la chirigota para el concurso. El Tuti (Joaquín Núñez), un traficante de drogas, le propone un trabajo que durará unos días y se llevarán un buen dinero, pues tiene pensado robar el depósito de drogas incautado por la policía, antes de ser quemada; pero la operación se complica al entrar  en el juego un famoso mafioso, El Gallego (Manuel Manquiña).

El polifacético y madrileño, Fernando Colomo: arquitecto, director de cine, actor, guionista y productor; desde sus inicios con su ópera prima “Tigres de papel” 1977,  “¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste?” 1978 o “La mano negra” 1980,  demostró su estilo propio en la comedia. Comedia madrileña, como se ha bautizado a su personal mirada a este género, estando además muy vinculado, allá por los 80, con la famosa movida madrileña. Otros filmes a destacar son: “Bajarse al moro” 1988 “El efecto mariposa” 1995 o “Los años barbaros” 1998, sin olvidarnos de su etapa televisiva con su primera serie “Chicas de hoy en día” 1995 o la última “El pacto” 2010. 

El humor de este director madrileño, se caracteriza por su ironía fina y elegante, ingredientes que confieren a sus filmes de una personalidad muy reconocible, como ya he comentado algunas veces y en esta nueva propuesta, en este thriller policiaco entorno al mundo de las drogas y como telón de fondo lo carnavales gaditanos, no iba a ser menos.

Juega de forma ingeniosa con los típicos chistes escuchados decenas de veces, intercalados en las conversaciones de sus personajes, como es frecuente escuchar a muchos andaluces en cualquier bar, calle, hogar e incluso en los puestos de trabajo. Esa identidad propia de un pueblo, de una región, donde quienes no están familiarizados con su manera de expresarse, puede llama al despiste al no saber si están hablando en broma o en serio, lo que inmediatamente logra esbozar una sonrisa en quien escucha.

Javi Jáuregui participó en el concurso de guiones “Julio Alejandro” de la Fundación SGAE, en el cual Beatriz de la Gándara  era miembro del jurado, se interesó por la historia y se la hizo llegar a Colomo. Sin la menor duda, es la película más andaluza del director madrileño,  cuidando todos los aspectos y detalles, la vida en la calle durante los carnavales, el concurso de chirigotas rodado desde el Teatro Falla, el acento, los chascarrillos en las conversaciones y la belleza de los escenarios naturales; todo ello acompañado de la banda sonora de Fernando Furones y la participación especial de Antonio Carmona, quien ha compuesto e interpreta el tema principal “Me quema”

Una película muy entretenida, de sonrisas más que carcajadas y con unas excelentes interpretaciones, destacando a Salva Reina, que no para un solo minuto durante todo el metraje y una maravillosa dama del teatro, María Alfonsa Rosso, todos bajo la impecable dirección de Colomo, con su sello indiscutible de comedia sutil y elegante.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Junio

REPARTO: Salva Reina, Manuela Velasco, Maggie Civantos, Joaquín Núñez, Manuel Manquiña, Mará Alfonsa Rosso, Vicente Romero, César Mateo y Sebastián Haro.

PRODUCTORA: Sangam Films// La Mirada Oblicua Producciones// La Fiesta Producciones.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértice Cine.

MR. LINK. EL ORIGEN PERDIDO: CRÍTICA DE CINE

Mr. LINK. El origen perdido cuenta con guion y dirección de Chris Butler.

Sir Lionel Frost (voz española de Arturo Valls) es un investigador inglés, de mitos y monstruos, al cual nadie parece creer. Deseoso de formar parte del club de los grandes descubridores, emprende un viaje a Cascadia, al noroeste americano del Océano Pacífico, donde espera encontrar al eslabón perdido, siguiendo una nota que le han enviado.

 

 

Sir Lionel se encontrará con Mr. Link (voz española de Brays Efe), un ser de grandes dimensiones, inteligente y educado. Él es quien le ha enviado la nota a Sir Lionel para que le ayude a encontrar a otros miembros de su especie, pues se siente muy solo. Sir Lionel cree que Mr. Link es un descendiente del mítico Yeti.

Sir Lionel Fronst vestirá de humano a Mr. Link para que pase desapercibido y ambos emprenderán el viaje en busca de otros miembros de su especie, en el valle de Shargri-La. El camino a dicho lugar, se encuentra trazado en un mapa que posee Adelina Fortnight (voz española de Maggie Civantos). Una independiente aventurera, que se unirá a ellos.

Chris Butler nació en Liverpool, es escritor, guionista gráfico y director. Comenzó su carrera como codirector de secuencias y diseñador de personajes para el filme de animación “La película de Tigger. Las Nuevas aventuras de Winnie the Pooh” de Jun Falkenstein en 2010, participó en 2005 en “Tarzán2” de Brian Smith y “Novia Cadáver” de Tim Burton y Mike Johnson en el storyboard artístico, y tras otras colaboraciones, debutó en la dirección en 2012 con “El alucinante mundo de Norman” junto a Sam Fell y cuyo guion también corrió de su cuenta. Cuatro años más tarde, coescribió con Marc Haimes, la obra maestra de Travis Knight “Kubo y las dos cuerdas mágicas” cuya crítica podéis encontrar en este blog. Ahora, de nuevo,  escribe, diseña los personajes y dirige, “Mr. Link. El origen Perdido”.

El sello Laika es más que suficiente para acercarse a una sala de cine a disfrutar de una de sus obras, pues dicho estudio ofrece la técnica más sofisticada en el Stop-Motion, como se conoce en el término inglés o animación fotograma por fotograma, en nuestro lenguaje. En esta ocasión la compañía se ha desmelenado un poco y ha salido de su zona de confort, ofreciéndonos este filme escrito y dirigido Chris Butler. Un obra muy blanca y tremendamente divertida. Mr. Link logra hacer las delicias de los pequeños y de los mayores. Una película para el disfrute de toda la familia.

Una aventura en busca del origen de una especie en extinción, para, como tantas veces sucede en un viaje, encontrase a uno mismo. Es como se podría definir a este nuevo films, pues la obra nos presenta a Sir Lionel Fronst, un egocéntrico investigador que desea formar parte de la élite, siendo aceptado en un club selecto, cueste lo que cueste y por otro lado a Mr. Link, al que no me gusta definir como animal prehistórico, pues su nobleza, inteligencia y hasta educación, supera a la de los humanos; el lado femenino y más sensato lo pone, Adelina Fortnight.

Como suele suceder en la gran mayoría de las películas de animación destinadas a toda la familia, no pueden faltar los mensajes. Mensajes como la protección a las especies en extinción, la naturaleza, el poder de la amistad, la educación, el amor e incluso las manipulaciones históricas, según intereses; rodeados de grandes aventuras.

Una obra llena de color, luz y vida, de humor y momentos serios, de complot y misterios; que van desfilando por la gran pantalla durante 95 minutos de puro entretenimiento, con diálogos muy sencillos pero tremendamente ingeniosos, acompañados de la trepidante banda sonora de Carter Burwell. Una película en la cual los personajes y los espacios que les rodean nos dan la sensación de estar vivos por su realismo y es que sin duda, los avances en las técnicas del Stop-Motion están rozando la perfección, ofreciendo al espectador los miles de detalles que compone cada plano y cada escena, haciéndonos olvidar que estamos ante un filme de animación, al contar, además,  con la combinación de otras técnicas cinematográficas.

De nuevo Laika Entertainment, logra sobradamente su objetivo y sorprendernos con otro  fantástico filme.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Junio

PRODUCTORA: Laika Entertainment// Annapurna Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

REGRESA A MADRID "MEMORIA" OBRA TEATRAL

Este mes de junio Madrid recibe de nuevo la obra “MEMORIA” Una historia de mujeres contada por mujeres, en la Sala Mirador.

Memoria es un homenaje a las mujeres que lucharon por nuestro presente.

Una celda y multitud de personajes en el cuerpo de una maestra que nos invitan a un viaje por nuestras raíces.

De la escuela republicana a las cárceles franquistas: una historia de mujeres contada por mujeres.

Un homenaje a los que siguen en nuestras cunetas.

“La primera semilla de la que nace este espectáculo fue un proyecto de intervención artística seleccionado dentro de la Convocatoria 'Galerías' (2015) en la Antigua Cárcel de Segovia  y actual Centro de Creación. Las propuestas seleccionadas podían exponer su obra dentro de una de las celdas del edificio, siendo el objetivo de Memoria recrear lo que pudo ocurrir entre aquellas paredes en su etapa como Prisión Central de Mujeres. El resultado fue una pieza teatral de quince minutos de duración y de una gran intensidad dramática. Ese mismo año la pieza es finalista dentro  del Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid”… “Tras la experiencia de aquellas representaciones su autora decide continuar construyendo la biografía de este personaje creando un espectáculo completo. De esta forma, la protagonista ya no sólo revive ante el público sus peores recuerdos sino también los más felices en lo que fue su vida como maestra republicana”

SINOPSIS: Nos encontramos en el interior de una cárcel franquista. Una presa compartirá con el público sus recuerdos, ilusiones y vivencias desde la fría soledad de la celda. Música en directo, gestualidad y texto se unen en un viaje por nuestro pasado reciente.  

SOBRE VIRGINIA RODERO

Licenciada en Interpretación Gestual en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Allí se forma con maestros como Ana Vázquez de Castro, quien la dirige en el montaje Buffet Libre (estrenado en el Festival Courants d'Airs de Bruselas) o Andrés del Bosque, con quien profundiza en los bufones y el clown realizando montajes como Peleles (Cía. La Tribu Imaginaria) y Rezad, la caridad empieza por casa. Previamente había cursado estudios teatrales en el Taller Municipal de Teatro de Segovia con Maite Hernangómez y Andrzej Skandera.

Trabaja en compañías como La Bastilla Teatro, con el espectáculo Totum Revolutum (estrenado en el Teatro Alfil y ganador del Primer Premio del Certamen de Jóvenes Creadores de Madrid) o Las Trovatrices, con Juglaresas. En 2014, es seleccionada por la compañía italiana Smile Theater y realiza una gira por toda Italia. Continúa siempre en su formación como actriz con maestros como Fabio Mangolini (Comedia del Arte), Leo Bassi, Joaco Martín, y Gabriel Chamé (Clown). En 2015, escribe su primer texto teatral Memoria y realiza estudios dramatúrgicos con Sergi Belbel en la Escuela de Teatro de la Universidad de Baeza.

Virginia Rodero escribe, dirige e interpreta esta obra que se podrá disfrutar los días: 12, 13 y 14 de junio a las 20h.

Sala El mirador    C/Doctor Fourquet 31  - Madrid  Metro: Lavapies y Embajadores L-3

 “Todas las noches son eternas, pero la de hoy es la más larga”

 “No hace falta pasar mucho tiempo aquí dentro para entender que la humanidad que les falta a nuestros verdugos, sobra entre compañera”

MEJOR QUE NUNCA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Estados Unidos, Mejor que nunca, está  escrita y dirigida por Zara Hayes con guion de Shane Atkinson.

A Martha (Diane Keaton) le han diagnosticado un cáncer, decide no tratarse, vender todas sus pertenencias en un mercadillo e irse a vivir, el tiempo que le quede, a una residencia de ancianos. Allí conocerá a Sheryl (Jacki Weaver)

La residencia cuenta con diversos clubs y si los clubs que ya existen, no le gustan, se puede crear uno propio, así se lo explica la directora del centro. Un lugar de descanso, de paz y armonía, el cual cuenta con su propia seguridad, aunque esta no esté autorizada legalmente. Martha encuentra lo que busca, descansar hasta que llegue su día, pero su nueva amiga Sheryl no está dispuesta a ello, cuando descubre que en su juventud, no pudo cumplir su sueño de “Cheerleaders”. Animadora de un equipo deportivo. Lo que empieza siendo un juego, se irá complicando.

Siempre han existido películas sobre la tercera edad, pero de un tiempo para acá han sido varias las que se han asomado, de forma discreta, a la gran pantalla, con temas muy diferentes y de ambos sexos, por lo que no me extrañaría que de seguir así, se englobe al cine de la tercera edad, como género o subgénero cinematográfico.

La tercera edad y el baile, la tercera edad y el sexo, la tercera edad y los clubs de lectura, la tercera edad y… La lista comienza a ser importante como lo es la propia tercera edad, donde los hombres y mujeres se revelan ante los años, ante las dolencias y ante el permanecer quietos sin hacer nada. No, la tercera edad todavía tiene mucho que decir. Esos hombres y mujeres que habiendo "cumplido" con la sociedad, casándose, teniendo hijos, criarlos, trabajar y luchar por sacar a las familias adelante, ahora es el tiempo para disfrutar, disfrutar de esos años de la mejor manera posible e incluso muchos, volver a vivir la juventud perdida o quienes no las vivieron, que de todo hay. Un merecido homenaje y recordatorio a la tercera edad.

Zara Hayes dirigió conjuntamente con James Erskine, el documental “The Battle Of The Sexes” 2013, ahora en solitario nos ofrece este filme de ficción donde las protagonistas son mujeres sexagenarias y septuagenarias.

Mejor que nunca, cuenta con un nutrido grupo de importantes actrices, lo que también la convierte, en otro filme femenino. En cabeza nos encontramos como una  Diane Keaton, que sigue deslumbrando en la gran pantalla a sus 73 años, junto a ella estarán la divertidísima Jacki Weaver con sus 72 primaveras, Pam Grier 70 añitos, Celia Weston 67 años o Rhea Perlman con 71 años; entre otras veteranas actrices y en el lado opuesto a los jóvenes, Alisha Boe como la animadora y Charlie Tahan, como el sobrino de Sheryl, entre ese importante elenco actoral y donde se lamenta que no se les hayan sacado todo el partido a este ramillete de estrellas, con un guion más sólido.

Un filme que tiene el gran propósito de demostrar que la edad solo es una fecha en un documento, que mientras se tienen sueños, todo es posible, aunque también nos recuerda las enfermedades, lo importante que es cuidarnos y que morir no es un drama, es el final que debemos aceptar con la mayor dignidad posible y si es con una sonrisa, mejor, aunque todos sepamos que las enfermedades en ocasiones, no nos lo permiten.

Una comedia llena de tópicos, de optimismo y con ese punto emocional que llega a tocar la fibra, dotada de un buen ritmo y un excelente montaje a cargo de Annette Davey, bajo la fotografía de Tim Orr y la dinámica banda sonora del compositor Pedro Bromfman.

Una obra agradable, que despierta ternura y sonrisas. Un filme para un público maduro, que disfrutara de las aventuras de estas mujeres.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de junio

REPARTO: Diane Keaton, Jacki Weaver, Pam Grier, Celia Weston, Rhea Perlman, Charlie Tahan, Bruce McGill, Alisha Boe, Phyllis Somerville, Suehyla El-Attar, Sharon Brackwood, Carol Sutton, David Maldonado, Frank Hoyt Taylor, Charles Green, Patricia French, Robert Larriviere, Alexandra Ficken, Maxwell Highsmith, Henardo Rodriguez, Karen Beyer, Kevin Petruski Jr., Wesley Williams.

PRODUCTORA: Sierra Affinity// Mad As Birds// Green Rose Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Diamond Films España.

10 DÍAS SIN MAMÁ: CRÍTICA DE CINE

La divertida comedia italiana, “10 días sin mamá”, está dirigida por Alessandro Genovesi quien comparte guion con Giovanni Bognetti.

Carlo (Fabio De Luigi) trabaja en una empresa llamada Family Market, a quien dedica más tiempo que a la propia  familia, está casado con Giulia (Valentina Lodovini) con quien tiene tres hijos. La adolescente Camilla (Angelica Elli), el travieso Tito (Matteo Castellucci) y la pequeña Bianca (Bianca Usai). Es un hombre a la antigua usanza, creyendo que su mujer tiene tiempo libre la mayoría del día.

Un día Giulia cansada y apoyada por su cuñada, deciden hacer un viaje  a Cuba, dejando la casa y los hijos al cuidado de Carlo. Carlo es un auténtico desastre, hasta el punto de atropellar a la chica del hogar que tienen, lidiar con su travieso hijo, intentar entender lo que parlotea su hija más pequeña y enfrentarse a la adolescencia de su hija, que más que nunca, necesita los consejos de su madre.  

10 días sin mamá, es una divertida comedia italiana, que tirando de los tópicos típicos, nos hace divertirnos y sonreír. Una familia que aun estando unida, cada uno va a lo suyo y es que la madre, sabe cuáles son las debilidades de cada uno y cómo afrontarlas, mientras que el padre, el padre es un auténtico desastre, aunque les ame a todos.

El italiano Alessandro Genovesi, es un reconocido actor, guionista y director. Durante unos años trabajo en teatro, colaborando con directores como Luca Ronconi o Carlo Cecchi, hasta que en 2007 se decidió por escribir y dirigir su primera obra teatral “Happy Family” con la que obtuvo un gran éxito, dando el salto al cine con su ópera prima “La peor semana de mi vida” 2011 y tras el nuevo éxito continuar la fórmula en “La peor Navidad de mi vida” 2012, otras de sus obras son “Qué agradable sorpresa” 2015 o “Puedes besar al novio” 2018, ahora llega con su sexta película.

Me reafirmo que el gran éxito de una comedia, no radica exclusivamente en sus actores principales, sino en el conjunto de todo el elenco actora. Este es el caso de 10 días sin mamá, que aun no siendo un filme original en su propuesta, logra su objetivo sobradamente, divertir y entretener al público a través de una exquisita dirección tanto en el conjunto de la obra, como de cada uno de sus personajes, contando además, con un extraordinario montaje de la mano de Claudio Di Mauro, que no deja al espectador acomodarse más de lo necesario.

Está claro que la columna vertebral de la película es Fabio De Luigi en el personaje de Carlo, insultantemente divertido sin parar un minuto durante todo el filme. Convence con sus palabras, sus gestos e incluso en los instantes, lo pocos instantes que está quieto. Está  bien respaldado por actrices como Valentina Lodovini, en el papel de su mujer, Angelica Elli interpretando a su hija Camilla o Diana Del Bufalo encarnando a Lucía, la asistenta del hogar. En cuanto al sexo masculino, destaco a Niccoló Senni como Alessandro e incluso el joven Matteo Castellucci, en el travieso Tito.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de mayo

REPARTO: Fabio De Luigi, Valentina Lodovini, Angelica Elli, Bianca Usai, Bianca Usai, Matteo Castellucci, Diana Del Bufalo, Niccolò Senni y Antonio Catania.

PRODUCTORA: Colorado Film Production

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Alfa Pictures.