ALIEN: ROMULUS: CRÍTICA DE CINE

Alien Romulus, está dirigida por Fede Álvarez compartiendo guion con Rodo Sayagués.

Tras un misterioso prólogo, la acción nos sitúa en una colonia en la que viven los hermanos Rain Carradine (Cailee Spaeny) y Andy (David Jonsson) quienes junto a Kay (Isabela Merced), Tyler (Archie Renaux), Bjorn (Spike Fearn) y Navarro (Aileen Wu), deciden embarcarse en una misión en busca de una nave que se encuentra a la deriva y  en cuyo interior se hallan unas valiosas cápsulas, pero… La nave oculta un misterio oscuro y terrorífico al que los jóvenes deberán enfrentarse, si desean regresar a sus hogares.

El guionista, productor y director, Fede Álvarez, estudió en la Universidad Católica del Uruguay (UCU) la carrera de comunicación. Mientras cursaba dichos estudios, trabajó dirigiendo videoclips y tras terminar la facultad entró a formar parte de la Productora Paris Texas, elaborando comerciales. Sería durante ese periodo cuando realizó el video que le llevaría a la fama “Ataque de pánico” 2009 con guion de Rodo Sayagués, al que conoció unos años antes en su debut con “El cojonudo” 2005. “Posesión infernal” llegaría en 2013 para continuar con “No respires” 2016, “Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte” 2018, “No respires 2” y “Caos: el inicio” 2021, “Texas Chainsaw Massacre” 2022 y este año estrenan “Alien: Romulus” 2024. Para televisión ha rodado capítulos de “Abierto hasta el amanecer” 2014 y “Calls” 2021.

Llega la película número 9 de la franquicia que se inició con “Alien, el octavo pasajero” 1979 del maestro Ridley Scott. Un filme que sedujo y provocó un fuerte impacto entre público y crítica, dejando sin aliento a quienes tuvimos la suerte de disfrutarla en las salas de cine. Un filme que elevó la ciencia ficción y el terror a otra dimensión. Tuvieron que pasar siete años para que otro maestro, James Cameron, se enfrentará a la secuela con un excelente resultado “Alien: El regreso” 1986 a la que siguieron “Alien 3” 1992 de David Fincher, “Alien: La resurrección” 1997 de Jean-Pierre Jeunet, “Alien vs. Depredador” 2004 de Paul W.S. Anderson, “Alien vs. Depredador  2” 2007 de Greg Strause y Colin Strause. En 2012 Ridley Scott regresó a la saga para ofrecernos dos nuevas entregas “Prometheus” 2012 y “Alien: Covenant” 2017 y de momento se cierra el ciclo con Fede Álvarez y su “Alien: Romulus” 2024. De entrada, puedo asegurar que la espera ha merecido la pena.

Sin duda, los fans de la franquicia van a disfrutar de cada minuto del correctísimo metraje que Fede ha considerado conveniente para contar esta nueva historia, junto a su amigo y guionista Rodo Sayagués. Ambos son conscientes del material que tienen entre manos, la estela que han dejado sus antecesoras hasta la fecha y la “osadía” bien diseñada para atreverse a dar un paso adelante con la intención de no defraudar y ofrecer un gran espectáculo al público en general y en particular a los fans, impacientes por regresar, desde sus butacas, a esa nave y a los espacios que ya conocemos y que tanta tensión, oscuridad y terror, han causado.

Fede y Rodo logran con buena nota atrapar al espectador en un sorprendente vaivén emocional, pues cuando director y guionista parece que nos van a dar un leve respiro, no les pedimos más, un nuevo giro, un nuevo loopings más potente, vertiginoso, dramático o una nueva caída a los infiernos; ocasionan que no nos atrevamos a despegar nuestra mirada de la gran pantalla, con la única pretensión de no perdamos ningún detalle. La obra se enriquece con las luces, sombras, tramas y color de la imponente y tenebrosa fotografía de Galo Olivares mientras que los nervios terminan de tensarse, como las cuerdas de una guitarra, gracias a las aplastantes y abrumadoras notas de la banda sonora de Benjamin Wallfisch. El conjunto, crea una axfisiante atmósfera que lo impregna todo.

Toca hablar de ellos, del reducido y extraordinario elenco actoral. Seis actores cuyas interpretaciones originan que desde el primer instante empaticemos con sus personajes, principalmente con Cailee Spaeny y David Jonsson, Rain y Andy, sorprendiéndonos positivamente pues con ellos sufrimos en más de una ocasión, debido a la franqueza de sus interpretaciones, los trances que deben vivir y las fuertes personalidades que emanan sus personajes y… Hasta aquí puedo contar.

En resumen, Alien: Romulus, está creada para contentar y lo hace sin escatimar,  con escenas muy cañeras donde no faltarán los gritos, el gore y los desmembramientos hasta llegar a un acto final brutal. Una puesta en escena retro que nos retrotrae a los tiempos del primer Alien: Los monitores, el mobiliario, las armas, los trajes, los decorados de interior y  esos fantásticos efectos visuales artesanales, que agradecemos al darnos  un respiro ante tanta digitalización. La suma del todo resulta convincente y natural entre la cacharrería. Me atrevo a aseguraros que viviréis una nueva experiencia de terror futurista, en donde los nervios estarán a flor de piel.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de agosto.

REPARTO: Cailee Spaeny, David Jonsson, Isabela Merced, Aileen Wu, Spike Fearn, Archie Renaux.

PRODUCTORAS: 20th Century Studios// Scott Free Productions// Brandywine Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

KINDS OF KINDNESS: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos, Kinds of Kindness está dirigida por Yorgos Lanthimos compartiendo guion con Efthymis Filippou.

Un filme dividido en tres capítulos. El primero de ellos titulado “La muerte de RMF”, en el que se nos presenta a Robert (Jesse Plemons) controlado por su jefe Raymond (Willen Dafoe) y padeciendo la venganza de este, al negarse a ejecutar una orden. En el segundo segmento, titulado “RMF está volando”, veremos a un joven policía, Daniel (Jesse Plemons), abatido por la desaparición de su mujer Liz (Emma Stone), en el mar; cuando esta reaparece en casa, él comienza a dudar de que sea su verdadera esposa y termina con “RMF se come un sándwich”, relato en el que se nos muestra a Emily (Emma Stone) junto a su compañero Andrew (Jesse Plemons), quienes buscan cumplir una profecía, la de una mujer con el don de resucitar a los muertos y así poder regresar al extraño grupo del que ella fue expulsada. Tres intrigantes historias como el propio significado de las iniciales “RMF” ¿Un Macguffin?, quizás.

El director de teatro y cine, Yorgos Lanthimos, estudió dirección de cine y televisión en la Escuela de Cine de Atenas. Debutó en la dirección con el cortometraje “O viasmos tis Hlois” 1995 y en el largometraje con “My Best Friend” 2001, “Kinetta” 2005, “Canino” 2009, “Alps” 2011, “Langosta” 2015, “El sacrificio de un ciervo sagrado” 2017, “La favorita” 2018, “Pobres criaturas” 2023 y este año estrena “Kinds of Kindness” 2024. En el cortometraje encontramos piezas como  “Uranisco Disco” 2002, “Necktie” 2013, “Nimic” 2019, “Gucci Of Course a Horse” 2020 y el mediometraje “Vlihi” 2022. También ha dirigido un importante número de videoclips. 

Si Lanthimos pretendía regresar a sus orígenes con un filme desagradable, provocador y con cierto toque gore, sin duda lo ha logrado y de paso confundir, aunque con Yorgos siempre creemos y debemos estar preparados, al espectador al que estaba acostumbrando a películas menos rocambolescas como “La Favorita” o la reciente “Pobres criaturas”. Dos obras vistas por el gran público, muy premiadas en festivales y esta última, ganadora del Oscar, entre otros apartados, a mejor actriz para una impresionante Emma Stone, que aquí, tal vez por tener las expectativas muy altas, me ha defraudado un poco.

Estamos ante una obra que me provocó mil sensaciones cuando la estaba visionando. Tras finalizar y mientras se encendían las luces de la sala, comencé a echar humo hasta por las orejas y una vez reposada en mi mente unos días, me he reconciliado en parte con el director. ¡En parte!. No cabe duda que se ha extralimitado con sus fobias, posibles traumas, fantasmas que le persiguen por algún motivo que al menos yo desconozco y con una duración que nos lleva a la extenuación.

La nueva propuesta de Yorgos se divide en tres historias interpretadas por los mismos actores en personajes y contextos diferentes. Estrellas que defienden con dignidad el trabajo encomendado, aunque en esta ocasión a Emma Stone la he visto un poco perdida entre las páginas de ese insólito guion y la retorcida mente del director; los motivos son sencillos, no me ha convencido, me resulta extremadamente sobreactuada aunque sea exigencia del guion y lo peor de todo, es que por instantes nos recuerda a su maravillosa Bella Baxter de Pobre Criaturas. No diré nunca que su interpretación no esa buena, pues Emma es de esas actrices que devoran la pantalla con su magnetismo innato, pero en mi modesta opinión, debería dar un nuevo paso, pues ya sabemos de lo que es capaz y por eso se la premió.

Lanthimos, en cada uno de sus filmes, manifiesta que el poder de su perversión y extenso imaginario, no tienen límites. Su cerebro, al menos cuando escribe sus historias y luego las lleva a la gran pantalla, parece sufrir de un singular cortocircuito que vomita toda su maestría, su genialidad, el surrealismo de que es capaz y por el que se le admira y odia a la vez.

Este singular tríptico incide de nuevo en temas como la identidad del ser, el sometimiento de la persona, los miedos ante lo desconocido, el poder de control de las sectas, el dolor físico y mental basculando en la fina línea del sadomasoquismo, el dominio de las situaciones, la sensualidad y sexualidad más explícitas, sin olvidar el egoísmo y el ego; todo ello aderezado de drama, crueldad, vida, pérdida y muerte; humor negro y dosis de tensión emocional. Repito, con Yorgos, siempre hay que estar preparados y dejar nuestra humanidad más humana, fuera de la sala de cine, porque él es capaz de arrebatárnosla.

No quiero extenderme más, porque los amantes de este director estarán deseando disfrutar de su nueva obra y los que no lo son o nunca han visto una película de Lanthimos, que se acerquen, es bueno perder la virginidad con película a las que uno no está acostumbrado e incluso piensan que no existen. Yo lo hice hace unos años y el viaje sigue siendo brutal. Reconozco que me tiene enganchado en su compleja visión del ser humano.

Finalizo mencionando la extraordinaria fotografía Robbie Ryan quien dispensa a la obra de una atmósfera turbadora entre la variedad de planos que juegan con el blanco y negro y el color, retratando y diferenciando los sueños de la realidad real o la distorsionada, en donde cada uno de los encuadres nos brinda su propia lectura. La desconcertante partitura de Jerskin Fendrix al piano con sus acordes disonantes y coros que evocan lo sobrenatural y concluyo con cuidado montaje de Yorgos Mavropsaridis.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de junio

REPARTO: Emma Stone, Jesse Plemons, Willem Dafoe, Margaret Qualley, Hong Chau, Joe Alwyn, Mamoudou Athie, Hunter Schafer, Susan Elle, Merah Benoit, Elton LeBlanc, Cynthia LeBlanc, Rose Bianca Grue, Krystal Alayne Chambers, Jess Weiss, Victoria Harris, Ja`Quan Monroe-Henderson, Timothy Hinrichs, Nathan Mulligan, Tessa, Bourgeois,  Julianne Binard, Tremayne Cole y Christian M. Letellier.

PRODUCTORA: Element Pictures// Film4 Productions// Fox Searchlight

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Fox Searchlight // Twentieth Century Studios España.

ÁMSTERDAM: CRÍTICA DE CINE

             ÁMSTERDAM está escrita y dirigida por David O. Russell.

En 1933 nos encontramos con Burt Berendsen (Christian Bale), propietario de un consultorio médico destinado a los veteranos de guerra que sufrieron impactos en sus rostros y cuerpos. Un día recibe la visita de su gran amigo y abogado Harold Woodsman (John David Washington), solicitándole que realice la autopsia de Bill Meekins – quien durante la I Guerra Mundial fue comandante de su regimiento-, por petición de su hija Elizabeth, pues está convencida que ha sido asesinado, el resultado confirma las sospechas. Harol y Burt se reúnen con Elizabeth y mientras están conversando sobre el tema, un transeúnte lanza a Elizabeth sobre un coche, arrollándola y muriendo en el acto. El transeúnte, que es un asesino a sueldo, grita que Burt y Harold son los asesinos y éstos al verse acorralados por la multitud y la policía que corre hacia ellos, deciden huir. En un callejón, Burt, nos comenta como comenzó todo, 15 años atrás, cuando conoció a Harold y Valerie (Margot Robbie).

Es 1918. Burt se encuentra luchando en la Guerra y entre las trincheras entablará amistad con Harold. Los dos sufren varias heridas de balas y será la enfermera Valerie Voze, quien les extraiga toda la metralla, guardándola en cajas, pues con ella crea obras de arte. Un pequeño contratiempo en el hospital, forjará una gran amistad entre los tres, realizando un juramento de que siempre permanecerán juntos y mudándose a Ámsterdam. El resto, en la sala de cine.

El productor, guionista y director de cine y televisión, David O. Russell, durante su adolescencia estudió en Mamaroneck High School en Nueva York y se graduó en Ciencias Políticas e Inglés en el Amherst College en 1991. Ha formado parte del jurado del Festival de Cine de Sundance 2003. Su filmografía la componen los cortometrajes “Bingo Inferno: A Parody on American Obsessions” 1987 y “Hairway to the Stars” 1989, saltando al largometraje con “Spanking the Monkey” 1994, “Flirteando con el desastre” 1996, “Tres reyes” 1999, “Extrañas coincidencias” y el documental “Soldiers Pay” 2004, “The Fighter” 2010, “El lado bueno de las cosas” 2012, “La gran estafa americana” 2013, “Un accidente llamado amor”  y “Joy” ambas en 2015, el cortometraje “Past Forward” 2016 y en este año 2022 nos llega “Ámsterdam”.

Ámsterdam se perfila como una historia basada en hechos reales. Una obra de espionaje a la que hay que estar muy atento a cada uno de los detalles, pues como es propio en este género y en el ambiente que rodea al espía, las mentiras, las verdades o medias verdades, están a la orden del día y la confusión,  uno de sus atributos principales. Un espacio determinado entre guerras que goza de una impecable puesta en escena en medio de los elegantes  decorados de Patricia Cuccia, el impecable vestuario de J.R. Hawbaker, la fotografía en la mirada de Emmanuel Lubezki, teñida de ocres, tan apropiados para retratar la época y cuyos planos logran crear una acertada atmósfera en ocasiones un tanto asfixiante, aunque el guion y el director, no le permitan ir más allá.

Un reparto de lujo en el cual Russell realiza un modesto trabajo de dirección actoral concediendo el  tiempo necesario de lucimiento a cada uno de ellos, y priorizando en detallar la identidad del trío estelar desde el inicio, para saber quién es quién en ese recorrido hacia una aventura un tanto peligrosa que toma como telón de fondo el periodo entre las dos guerras mundiales y los motivos que originaron la segunda. Ese trío está formado por un excepcional Christian Bale, un tanto irreconocible por el maquillaje, dando vida al médico Burt; John David Washington como el abogado Harold y la siempre bella Margot Robbie, en el papel de la enfermera de campaña. Una obra que se apoya en la amistad y el romanticismo, sin olvidar la crítica social y política a los poderosos, empresarios, el fascismo y el racismo, entre otros; problemas que no se alejan mucho de lo que estamos viviendo en la actualidad y que en aquella década de los treinta, logró destapar un gran complot en Estados Unidos.

En resumen, la parte positiva está marcada por el extraordinario diseño de producción, al que no le falta detalle; el magnífico elenco actoral, como se puede leer en el reparto, regalándonos notables sorpresas, pues hasta los secundarios son estrellas de primer nivel; la fotografía ya mencionada y  la banda sonora en la partitura de Hildur  Guðnadóttir. En el lado negativo la dirección general peca de extender demasiado la historia de un guion al que le falta fuerza y alma, cayendo en una lentitud que le pasa factura.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 28 de Octubre.

REPARTO: Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Alessandro Nivola, Anya Taylor-Joy, Andrea Riseborough, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Robert De Niro, Taylor Swift, Rami Malek, Timothy Olyphant y Zoe Saldana.

PRODUCTORA: 20^th Century Studios// Regency Television// Forest Hill Entertainment// Canterbury Classic.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

FREE GUY: CRÍTICA DE CINE

FREE GUY está dirigida por Shawn Levy con guion de Matt Lieberman y Zak Penn. “Los héroes no siempre llevan capa, son inmortales o tienen súper poderes. Los héroes de carne y hueso poseen… determinación, corazón y grandes dosis de humor”

Guy (Ryan Reynolds) es un hombre feliz que vive en Free City. Cada mañana al levantarse da los buenos días a su pequeño pez y camina por las calles de la ciudad, hasta el banco donde trabaja. Todos los días viste de la misma forma, camisa azul y pantalón marrón, únicas prendas que se repiten en su armario. En el banco, cuenta con su amigo, el vigilante jurado Buddy (Lil Rel Howery), con quien mantiene conversaciones triviales. Banco que cada día sufre un atraco, pues en realidad, lo cotidiano en la ciudad es ver robos, personajes en tirolinas disparando, choques entre coches, helicópteros estrellándose en edificios y cuanta violencia callejera podamos imaginar. Todo cambiará, cuando un buen día conoce  Milly/Molotov Girl (Jodie Comer) y se enamora de ella, descubriendo que su ciudad no es una ciudad real, sino que forma parte en un videojuego.

El cine, internet y los videojuegos, también han sido buenos compañeros de viaje, con mayor o menor fortuna y como yo soy optimista, me quedaré con lo mejor. De una forma u otra, estos títulos forman parte del universo de ese mundo que cada día cuenta con más seguidores que están atrapados en las redes. Por mencionar algunos títulos citaré por año de producción: “Level Five” 1977 de Chris Marker, la película de culto “Tron” 1982 de Steven Lisberger, “Juegos de Guerra” 1983 de John Badham, “Final Fantasy: La Fuerza Interior” 2001 de Hironobu Sakaguchi y Motonori  Sakakibara, “Resident Evil” 2002 de Paul W.S: Anderson, “Silent Hill” 2006 de Christophe Gans”, “Prince of Persia: Las arenas del tiempo” 2010 de Mike Newell, “Rompe Ralph! 2012 de Rich Moore, la extravagante “Pixels” 2015 de Chris Columbus, “Warcraft: El origen” 2018 de Brad Peyton, “Jumanji: Bienvenidos a la jungla” 2017, “Sword Art Online the Movie: Ordinal Scale” 2017 de Tomohiko Ito,  Ready Player One” 2018 de Steven Spielberg o “Proyecto Rampage” 2018 de Brad Peyton.  

El actor, productor y director, Shawn Levy, estudió en la Escuela Secundaria de San Jorge y tras finalizar, ingresó en la Stagedoor Manor Performing Arts Training Center de Nueva York, para proseguir con su formación artística en la Universidad de Yale, obteniendo en el año 1989 el título de especialista en Artes Escénicas. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con la interpretación en filmes como, “Zombie Nightmare” 1986 de Jack Bravman y en numerosas series de televisión. Como director debutó con el cortometraje “Broken Record” 1994, saltando al largometraje con “Destino desconocido” y “Just in Time” 1997, “Gordo mentiroso” 2002,  “Recién casados” y “Doce en casa” 2003, “La Pantera Rosa” y “Noche en el museo” 2006, “Noche en el museo 2” 2009, “Noche loca” 2010,  “Acero puro” 2011, “Los becarios” 2013, “Ahí os quedáis” y “Noche en el museo: el secreto del faraón” 2014 y este año, tras dirigir diversos capítulos en numerosas series, llega con “Free Guy” 2021.  

“Free Guy” nos propone conocer su cuidad, sus gentes y sus “actividades”, que algunos las considerarían un poco peligrosas. ¿Pero qué sería la vida sin los peligros que ayudan a liberar nuestra adrenalina, para sentirnos más vivos?. Además, contamos con un magnífico anfitrión, Guy, un joven que irradia felicidad y buen rollo, manteniendo una buena relación con sus vecinos y su amigo Buddy, aunque su día a día, sea pura rutina. A nuestro personaje le falta algo importante, enamorarse y cuando ese momento llega, cuando ve pasar a la chica de sus sueños, decide tomar las riendas de su vida, aunque para ello precise de unas gafas de sol,  las que le mostrarán el mundo en el que vive, el de un videojuego, en el cual él es un NPC, un NPC que decide revelarse y tomar identidad propia. Su vida la controla solo él, digan lo que digan los creadores del juego.

¿Te apetece venirte de vacaciones a esta ciudad y conocer a Guy? Yo, que he estado allí, te aseguro que te vas a divertir y disfrutar de una gran aventura, como hacía tiempo no lo hacías, mientras tu adrenalina corre por todo tu cuerpo, hasta el final de la película, cuando por fin respiras tranquilo y dices, al igual que sucede cuando bajas de una impactante atracción, quiero más, quiero volver a subir, en este caso, quiero volver a internarme en el mundo de Free City. Puedo afirmar, esperando no equivocarme, que estamos ante el Blockbuster más entretenido, divertido, vistoso, imaginativo y hasta romántico, no solo del verano, sino posiblemente del año. Todo juega a su favor, desde una excepcional historia escrita por Matt Lieberman y Zak Penn, enriquecida con giros y guiños cinematográficos como los dedicados al Capitán América o Hulk. Una fantástica puesta en escena, que nos recuerda a la inolvidable “El Show de Truman” 1998 de Peter Weir y cuya historia está cortada por el mismo patrón; una dirección correctísima, dotando a la obra con un sobresaliente ritmo e imágenes espectaculares y por supuesto, el atractivo casting actoral. 

Free Guy cuenta con interpretaciones muy interesantes, entre las cuales destaco a Ryan Reynolds en complicidad absoluta con Shawn Levy, llevando a buen puerto esta magnífica comedia, encarnando a un personaje que nos creemos, al que seguimos y al que sin duda, tendríamos como amigo. La gran sorpresa nos la ofrece Jodie Comer, en su doble personaje, por un lado el de la jugadora Milly y del otro, su audaz avatar, Molotov Girl, conquistándonos a todos, y también merece mención especial, Lil Rel Howery, en su corto, pero simpático papel. En el otro lado de la balanza, está el siempre sobreactuado Taika Waittiti, con el que es muy complicado empatizar y creernos como el malo de la historia, a no ser que la idea fuera ridiculizarlo. El filme cuenta con sorpresas muy agradables, que no os debéis de perder y  sí evitar cualquier spoiler. 

Para finalizar, cabe reseñar los magníficos efectos visuales, la fotografía de George Richmond y la vibrante banda sonora de Christophe Beck.  Comentaros, también, que tras visionar Free Guy, os aseguro que veréis los videojuegos, al menos durante una temporada, de manera muy diferente y aunque pueda resultar una locura, os cuestionaréis sobre los personajes tanto principales como secundarios, que forman parte de un juego. ¿Qué sucedería si un NPC, tuviera conciencia propia?. 

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Agosto

REPARTO: Ryan Reynolds, Jodie Comer, Lil Rel Howery, Utkarsh Ambudkar, Joe Keery, Taika Waititi, Britne Oldford, Camille Kostek, Jamaal Burcher, Bob Gilliam, Matty Cardarople, Owen Burke y Leah Procito.

PRODUCTORA: Berlanti Productions// 20^th Century Studios// 21 Laps Entertainment// Lit Entertainment Group// Maximum Effort.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

LA LLAMADA DE LO SALVAJE: CRÍTICA DE CINE

Michael Green adapta la novela de Jack London, LA LLAMADA DE LO SALVAJE que dirige Chris Sanders.

 

Buck es un perro grande, bonachón y juguetón, que tiene locos a todos los que viven en la casa, con sus travesuras. Un día su dueño se enfada con él porque ha destrozado la comida que habían preparado, para el cumpleaños de la hija pequeña. Como castigo, le deja durmiendo en el porche de la casa.

 

Estamos a finales del siglo XIX, durante la fiebre del oro en Alaska. Hay una gran demanda de perros para tirar de trineos y en esa noche, el bueno de Buck, mientras descansa en el porche, es secuestrado y llevado a las frías tierras de Canadá, donde vivirá una gran aventura, conociendo, entre otros, al solitario John Thornton (Harrison Ford),  con quien pronto hará una gran amistad.

 

Un filme a caballo entre la imagen real y la animación digitalizada, logrando, entre otros aspectos importantes, mostrar a nuestro protagonista tal y como el autor Jack London, lo ideó en su novela “The Call of the Wild”. Un perro mezcla entre San Bernardo y Collie escocés. La obra ya ha vivido otras adaptaciones entre ellas: “La selva blanca” 1972 de Ken Annakin o el telefilme “La llamada salvaje” 1997 de Peter Svatek, pero nunca narrada desde el punto de vista de los perros, lo que personalmente, considero un gran acierto.    

 

Chris Sanders, abarca los campos de la dirección, productor, actor de doblaje, escritor, ilustrador y animador. Se graduó en el Instituto de las Arts de California especializándose en animación de personajes, en 1984. Comenzó a trabajar en el diseño de los personajes de la famosa serie de animación “Muppet Babies”, en 1987 pasó al departamento de desarrollo visual de Walt Disney Company y muy pronto destacaría gracias a sus trabajos en películas como “La bella y la bestia” 1991 de Gary Trousdale y Kirk Wise, “Aladdin” 1992 de John Musker y Ron Clements o “El Rey León” 1994 de Rob Minkoff y Roger Allers. En el año 2002 llegaría su debut cinematográfico escribiendo “Lilo and Stitch” compartiendo la dirección con Dean DeBlois; obra  que  adaptó a serie de televisión en 2003. Abandonó Disney para irse a trabajar a DreamWorks, volviendo a dirigir junto a Dean DeBlois y compartiendo guion con otros escritores en “Cómo entrenar a tu dragón” 2010. En 2013 junto a Kirk De Micco, escriben y dirigen “Los Croods. Una aventura prehistórica” y ahora dirige en solitario “La llamada de lo salvaje” para  20th Century Studios.

 

Una nueva película familiar llega a la gran pantalla, para el disfrute de pequeños y mayores. Una deliciosa y entretenida historia cuyo protagonista, Buck, se hace querer y achuchar. Un grandullón con mirada de niño travieso y mente despierta, quien se verá obligado a adaptarse a los diversos espacios y situaciones que el destino le tiene preparado, hasta descubrir cuál es su verdadero lugar en el mundo, mientras su espíritu, representado por el lobo negro, le guiará en este viaje iniciático. Una aventura cuidadosamente dirigida por Chris Sanders, llena de alma y de vida.

 

Lo primero que llama poderosamente la atención, son los aspectos técnicos. Las maravillosas recreaciones digitales de los perros que veremos durante toda la proyección y en especial a la gran estrella que es Buck, ante el que caemos rendidos por su forma de ser y  los sentimientos que emanan de él, al igual que del resto de sus compañeros de tiro. Sí, lo que sienten e incluso piensan estos animales, traspasa la gran pantalla, hasta calar en el espectador. El realismo es absoluto. Esa es otra de las grandes virtudes de este filme.

 

Sobresale la impoluta fotografía del oscarizado Janusz Kaminski  sobrecogiéndonos ante la majestuosidad con la que ofrece la naturaleza, en su estado puro. Un filme rodado en Yukon, entre otras localizaciones de Canadá, además de Santa Clarita (California), lugares que describe Jack London en su novela. La banda sonora, a cargo de John Powell, será la fiel compañera en cada momento que nuestro protagonista de cuatro patas, tiene que vivir. Muy a tener en cuenta a  William Hoy y David Heinz, los montadores de este filme, pues en gran parte, el soberbio ritmo con el que cuenta la historia, es gracias a ellos.

 

Una obra en la cual los humanos, tienen poco que decir, aunque sus actuaciones ayuden en el  desarrollo de la acción. Entre esos humanos me quedo con la interpretación del carismático Harrison Ford, encarnando a un lobo solitario, que arrastra los tristes recuerdos de un pasado. Buck enseguida se hará amigo de él.

 

En definitiva, estamos ante una película muy amena, en  donde también seremos testigos del comportamiento, tanto humano como animal: La ambición y la generosidad, las envidias, los celos, los liderazgos, la lucha por la supervivencia o el compartir y ayudar, entre otros; siempre en la búsqueda, de ese equilibrio entre el bien y el mal que nos rodea, mientras encontramos el lugar que nos corresponde por derecho.

 

Mi nota es: 8

 

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Febrero

 

REPARTO: Harrison Ford, Dan Stevens, Brandley Whitford, Karen Gillan, Omar Sy, Jean Louisa Kelly, Terry Notary, Cara Gee, Colin Woodell, Wes Brown, Anthony Molinari, Brand Greenquist, Adam Fergus, Alex Solowitz, Scott MacDonald, Karl Makinen, Micah Fitzgerald, Kirk Geiger, Chris Graham, Andrew Sykes, P.J. King, Hal Dion, Sherwin Ace Ross, Dillon Daniel, Chris McLaughlin y Paul Mabon.

PRODUCTORA: 3 Arts Entertainment// 20^th Century Studios.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Studios España

VIDA OCULTA: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Estados Unidos y Alemania, VIDA OCULTA, está escrita y dirigida por Terrence Malick.

 

En plena naturaleza, en un paraje idílico entre montañas, en una granja alpina en Sankt Radegund Austria, viven felices Franz Jägerstätter (August Diehl) y Fani Jägerstätter (Valerie Pachner) junto a sus tres hijas. Ambos trabajan la tierra, al igual que  sus vecinos, con quienes mantienen un fuerte lazo de amistad.

 

Al estallar la Segunda Guerra Mundial y Austria ser anexionada por la Alemania Nazi el 12 de marzo de 1938, los ciudadanos comenzaron a simpatizar con los nazis, salvo Franz que no se dejó doblegar por las ideas del nuevo régimen, negándose a prestar juramento de lealtad a Hitler y convertirse en el primer objetor de conciencia en un mundo de ferviente nacionalismo.

 

Una nueva historia basada en hecho reales durante la segunda guerra mundial y como no, con los nazis de por medio, que chocaron con los fuertes ideales de un hombre que no se dejó someter, sabiendo lo que le esperaba con ellos y con todo el pueblo en contra. Le llamaron traidor, cuando en realidad defendía sus ideales, la vida y la paz.

 

El guionista, productor y director de cine, Terrence Malick, tras finalizar la secundaria en Waco y estudiar en el instituto en Austin, acudiría a Harward para estudiar filosofía. Tuvo varios trabajos, como: periodista para el periódico “The New Yorker” y como freelance para la revista “Life”. También fue traductor y profesor de filosofía en el Instituto de Tecnología de Massachusetts. Finalmente estudió cinematografía en el American Film Institute de Los Ángeles, donde dirigió y escribió sus primeros cortometrajes entre ellos “Lanton Mills” 1969 y cuatro años más tarde, su ópera prima en el largometraje “Malas Tierras” (Concha de Oro a la Mejor película y mejor actor Martin Sheen, en San Sebastián), “Días del Cielo” 1978 (Ganadora de varios premios, entre ellos Mejor director en Cannes), “La delgada línea roja” 1998 (Numerosos premios entre los cuales logró el Oso de Oro y Mención especial para John Toll, en el Festival de Berlín), “El nuevo mundo” 2005 y “El árbol de la vida” 2011 (Palma de Oro a la Mejor película en Cannes y otros premios internacionales) son parte importante de su filmografía;  además de documentales como: “Voyage of Time: The Imax Experience” o “Voyage of Time: Life´s Journey” ambas en 2016.

 

Casi tres horas para contarnos una historia que en una hora y media o poco más, nos hubiera dejado con un gran sabor de boca y muy seguramente, ser otro de sus importantes trabajos. Por el contrario Terrence Malick, nos lleva a la desesperación absoluta y nos hace sufrir en la butaca,  sin compasión. Se ha superado con creces en metraje a cualquiera de sus anteriores filmes y de forma innecesaria.

 

Tiene un fantástico arranque con paisajes pastoriles, rodeados de hermosas montañas, presentando la tranquila vida de unos campesinos a los cuales iremos conociendo en la medida que Malick tiene dispuesto y centrándose, como es natural, en los 5 miembros de la familia Jägerstätter, quienes irradian felicidad, armonía y complicidad. Todo ello, magníficamente retratado a través de la extraordinaria fotografía de Jörg Widmer, filmada prácticamente en gran angular y como perfecto acompañamiento, la banda sonora de: James Newton Howard. Sin ninguna duda, de lo mejor de la película, que durante un largo tiempo, nos mantiene entretenidos cuando los personajes están desarrollando sus vidas, entre los juegos de las niñas o descansando, hasta que se vuelven repetitivos y las propias montañas, comienzan a provocarnos una extraña claustrofobia.

 

El filme es parco en diálogos y rico en narración en voz en off, a través de la cual, descubriremos lo que piensan, sienten y padecen los personajes ante las situaciones que la vida les pone en el camino o las cartas, que se escribieron el matrimonio en el tiempo que estuvieron separados.  Un amor que nunca mermó, ni en los momentos más críticos. Correctas interpretaciones entre las que destaco al “mártir” recreado por August Diehl, quien logra mostrar a través de  sus expresiones corporales y largos silencios, toda la desolación y dolor.

 

Vida oculta, es un filme que nos exige paciencia, mucha paciencia y disfrutar de la historia tal y como el creador nos la desea contar, con sus luces y sus sombras, como es Malick. Rodada en inglés y alemán y algo que sí llama la atención es que los diálogos en alemán, no están subtitulados, aunque intuimos, por el contexto de las escenas, saber que están diciendo. ¿Un nuevo riesgo por parte del director?

 

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 7 de Febrero

REPARTO: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Martin Wuttke, Karl Markovics, Franz Rogowski, Tobias Moretti y Florian Schwienbacher.

PRODUCTORA: Studio Babelsberg// Medienboard Berlin-Branderburg.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.