viernes, 15 de septiembre de 2017

DETROIT: CRÍTICA DE CINE


        Angustia e impotencia, serán algunas de las sensaciones que el espectador percibirá viendo, Detroit de la oscarizada directora Kathryn Bigelow (En tierra hostil), con el magnífico guion de Mark Boal

          Los disturbios de Detroit comenzaron el 23 de Julio de 1967 cuando la policía realizó una batida en un bar sin licencia para la venta de alcohol. Esperaban que hubiera poca clientela, pero se encontraron con 82 afroamericanos que celebran el regreso de dos soldados de la Guerra de Vietnam.

          La policía no lo dudó y realizó un arresto general, sin mirar quien era quien y sin ningún motivo. Los furgones iban llenando las calles y los arrestados siendo tratados con violencia, bajo la docilidad de los mismos, mientras eran introducidos en el interior de los vehículos.
        La zona se  fue llenando de vecinos,  mayoritariamente de raza negra, que estaban cansados de dichos arrestos sin motivo aparente… Ese día dejaron de ser pacíficos y sumisos,  para provocar un caos sin precedente en la ciudad y en el país, durante 5 días.

          Una de esas noches, el ruido de unos disparos procedentes del Motel Algiers,  en 12th Street Riot, ocasionaron una redada en su interior, donde la crueldad de los acontecimientos, es el foco principal de esta película.  El resultado de aquellos 5 días, se saldó con: 43 muertos, 1189 heridos, más de 7.200 detenidos y 2000 edificios destruidos.To help end the disturbance, Governor George W. Romney ordered the Michigan Army National Guard into Detroit, and President Lyndon B. Johnson sent in both the 82nd and 101st Airborne Divisions .

          Sin duda estamos ante la mejor película de la directora Kathryn Bigelow, una joya que estremece y cautiva fotograma a fotograma, donde intencionadamente está diseñada para que salgas cabreado, con ganas de soltar sapos y culebras por la boca, sobre la vergonzosa segregación racial en Estados Unidos y las consecuencias de la misma.
Kathryn Bigelow  en un momento del rodaje

          Por primera vez voy a hablar del casting de actores, uno de los grandes aciertos sin duda de toda la película, junto con la sobresaliente dirección de los mismos, pues el grupo coral que lo compone es magnífico. Es cierto que por encima destacan algunos, como es el caso de John Boyega (Dismukes, el guardia de seguridad) y Will Poulter (Krauss, el policía racista) Dos interpretaciones muy diferentes originando el yin yang en sus formas de ser. La cordura y la docilidad de Dismukes, contra la agresividad y la paranoia de Krauss. En los personajes secundarios podría nombrar a todos, pero destacaré a dos féminas, las amigas Julie (Hannah Murray) y Karen (Kaitlyn Dever) cuyos registros actorales van evolucionando a medida que suceden los acontecimientos.

          Angustia e impotencia, las dos palabras con las que abro esta crónica y es que sin duda Kathryn, no quiere que el público esté tranquilo en su butaca, provoca que se remueva en ella, porque todo nuestro ser está en alerta ante las imágenes tan impactantes y maravillosamente filmadas,  en la fotografía  de Barry Ackroyd, prácticamente con cámara al hombro durante toda la obra, al más puro estilo documental, creando con ello la fuerza dramática y el no perder detalle de nada de lo que está sucediendo. La diversidad y riqueza de planos, con el deseo de provocación visual, nos llega sin filtros para directamente cortarnos la respiración, a través de manos temblorosas, gotas de sudor provocado por el miedo, cayendo lentamente por el rostro. Miradas de dolor, de resignación, de poder, entre cuerpos temblando bajo las suaves ropas veraniegas, algunas impregnadas en sangre, como en la piel de muchos de ellos.
         Una obra dura, con diálogos que cortan el ambiente de la sala, por la crudeza de sus palabras, de sus frases, de… la impotencia ante el avasallamiento del opresor sobre el oprimido, sin poder pedir este último, auxilio.

          Muchas veces hablamos de sentirnos dentro de una historia, pero creo que en esta ocasión esa frase se queda corta, pues  por momentos parece que pisamos el mismo suelo que aquellos infelices pisaron dentro de aquel motel. Que nuestras manos están pegada sobre la pared, esperando cual va a ser el próximo movimiento de unos policías sin escrúpulos. Oliendo el miedo del compañero de al lado. Sin duda, el hiperrealismo claustrofóbico reinante en esta película, roza el “sadismo” cinematográfico. Cuando la cámara nos saca del hotel para mostrarnos algún detalle del exterior, estamos deseando que regrese, queremos saber todo lo que sucede entre aquellas paredes.

          Para finalizar decir que lo que hace a esta película poderosa, además de lo expuesto, es que limita la acción, para transformarla en dolorosa frustración. Una obra redonda que se corona con un montaje espectacular, aportándole un gran dinamismo para sus casi dos horas y media de metraje y donde la banda sonora, se camufla como un personaje más. James Newton Howard, ha creado una partitura no solo estremecedora, sino absorbente.

          Muy recomendable para todos los amantes del cine.

          Mi nota es: 9

          ESTRENO en ESPAÑA: 15 de SEPTIEMBRE

  
        REPARTO: John Boyega, Jack Reynor, Hannah Murray, Anthony Mackie, Will Poulter, Jacob Latimore, Jason Mitchell, Maitlyn Dever, John Krasinski, Darren Goldstein, Jeremy Strong, Chris Chalk, Laz Alonso, Leon Thomas III, Malcolm David Kelley, Joseph David-Jones, Algee Smith, Ben O´Toole, Joseph David Jones, Ephraim Sykes, Samira Wiley, Peyton Alex Smith, Austin Hebert.

          PRODUCTORA: Annapurna Pictures/ First Light Production         
          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

jueves, 14 de septiembre de 2017

JUERGA DE MAMIS: CRÍTICA DE CINE


           Juerga de Mamis dirigida por Alethea Jones y con guion de Julie Rudd, nos ofrece una comedia costumbrista norteamericana, sin más pretensión que hacer pasar una hora y media de sonrisas y buen rollo, que no es poco.

          Cuatro mujeres, cuatro madres: Emily (Katie Aselton), Kate (Toni Collette), Melanie (Bridget Everett) y Jamie (Molly Shannon), deciden tomarse una noche libre de sus hijos y maridos, y salir de cena para hablar de sus temas,  despejarse de los problemas y recordar los tiempos en que se conocieron. Todo muy inocente, pero… La cena y la noche, les ofrecerá algo más.

           Una comedia donde el máximo protagonismo lo tienen las mujeres, quedando los hombres relegados a un segundo plano.

          A la película se le puede pedir más acción y más diversión, pues sin duda estas cuatro mujeres están dispuestas a darlo todo, contando ya de entrada con la facilidad que logran que los espectadores se sientan cómodos en su presencia desde la presentación de sus personajes pero, siempre hay un pero que en las comedias cuesta perdonar y es dejar al espectador a medias en escenas que podrían haber reventado la sala de carcajadas,  y en cambio solo lograr sonrisas. No hay culpables, por supuesto, pero sí responsables y en esta ocasión la novatada la paga Alethea con esta su primera película, pues debería haber revisado el guion de Julie Rudd y percatarse de que precisaba de más de un golpe de gracia, pero no lo ha hecho y el resultado ha sido una comedia agradable, divertida, con un humor blanco que se agradece en estos tiempos, pero desgraciadamente no resulta brillante, al menos desde mi punto de vista.
         Katie, Toni, Bridget y Molly, son sin la menor duda los cuatro pilares de la cinta, consiguiendo llevar a buen puerto toda la obra gracias a su saber hacer. Con la complicidad existente entre ellas, al menos ante las cámaras, consiguen un resultado creíble, natural, de máxima sencillez y espontaneidad, alcanzando vislumbrar en cada una de ellas,  a esas madres que imaginas como serán sus vidas cuando sus hijos están en el colegio, con los padres o libres de sus maridos. La rutina y lo cotidiano se convierte en diversión y la diversión en el entretenimiento que el espectador busca cuando se sienta en una butaca de cine con sus palomitas y refresco.
         Una película más que engrosa en ese grupo de: “La boda de mi mejor amiga” “Despedida de soltera” o la reciente, “Una noche fuera de control”

          Para finalizar no quiero olvidarme de la música de Julian Wass y la selección de temas que acompañan a toda la película, para conseguir que el espectador disfrute aún más. Momento a tener en cuenta la escena del Karaoke, y ya no cuento más.

          Recomendable para los amantes de la comedia.

          Mi nota es: 6

          ESTRENO en ESPAÑA: 15 de SEPTIEMBRE

          REPARTO: Toni Collette, Adam Scott, Katie Aselton, Jaz Sinclair, Paul Rust, Molly Shannon, Kathryn Prescott, Rob Huebel, Adam Levine, Sam Lerner, April Martucci, Owen Vaccaro, Cooper J. Friedman, Bridget Everett, Hart Denton, Emmersyn Fiorentino.

          PRODUCTORA: Gettin´Rad Productions/ June Pictures/ Voltage Pictures.


          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

miércoles, 13 de septiembre de 2017

NOTICIAS FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE TORONTO


Durante el fin de semana del 8 de Septiembre, en El Festival Internacional de Cine de Toronto, entre otras obras, se proyectaron “MOLLY`S GAME” y “I, TONYA” con una acogida clamorosa por parte del público y la crítica internacional especializada.

          Ambas películas serán estrenadas en nuestro país por eOne Films Spain.  Concretamente “Molly´s Game” el 5 de enero de 2018 y entre las diversas críticas resalto un fragmento de SCREEN “Ferozmente elocuente, profusamente llena de ideas, inmensamente entretenida, “MOLLY’S GAME” es una película que fetichiza el poder y el éxito, al tiempo que sirve como fábula admonitoria. (…) Como la protagonista de la película, dura como el acero pero tremendamente honesta, Sorkin juega para ganar.”

          En cuanto a “I, Tonya” HOLLYWOOD REPORTER ha dicho: “Una divertida, refrescante y curiosamente emotiva historia que surge de una antigua noticia de la prensa sensacionalista. Demostrando, después de tantas escenas robadas, su talento como actriz principal, (…) Margot Robbie disfruta interpretando a la patinadora Tonya Harding, desde su vulnerable adolescencia hasta su “lo tomas o lo dejas” retiro. La vívida y vibrante película se apoya en unas sólidas patas comerciales y marca el resurgir de Gillespie.”

          Sin duda vamos a tener un invierno de grandes estrenos.

martes, 12 de septiembre de 2017

THE LIMEHOUSE GOLEM: CRÍTICA DE CINE


         Juan Carlos Medina dirige The LimeHouse Golem con guion de Janes Goldman, basándose en la novela de Peter Ackroyd

          La acción transcurre en el sucio, peligroso y miserable Londres victoriano del 1880, en el distrito de Limehouse donde el pánico se ha adueñado de las calles,  ante los asesinatos tan macabros que está sufriendo. Asesinatos tan violentos que son atribuidos a un personaje mitológico de la historia del país: El Golem. La policía decide poner al frente de la investigación al detective John Kildare (Bill Nighy) para terminar con la masacre.

          Por otra parte cada noche en una barroca sala de music hall es aclamado el artista más importante de la ciudad, Dan Leno (Douglas Booth) quien tras el grito de ¡Aquí estamos otra vez! relatará la triste historia de una joven que actuó en dicho escenario, su querida amiga Elizabeth (Olivia Cooke) quien se enamorará, casará y acusarán de asesinar, a su protector desde que la viera por primera vez en escena, John Cree (Sam Reid)

          Mientras permanece en prisión Elizabeth en espera del veredicto, John se interesará por su historia y la interrogará en los calabozos, intentando con ello descubrir si tiene relación la muerte de su marido, con las del supuesto Golem.


         
Juan Carlos nos sitúa en tres vértices diferenciados y a la vez relacionados entre sí: Por una parte el teatro del music hall y todo lo que acontece en el escenario o entre bambalinas. Un segundo punto será el vinculado con la investigación de los crímenes en serie que aterran a la ciudad y para terminar, la cárcel donde será llevada Elizabeth recibiendo la visitas continuas del inspector de Scotland Yard. Medina logra hacerse con las riendas de la película, pero por momentos la obra se torna confusa, aunque consiga mantener con cierta tensión al espectador en la butaca, llevándolo a un final nada esperado y explicado en una batería de breves flash back de escenas ya vistas durante el metraje , como es tradicional en este género de películas.

          La parte técnica de la obra resulta perfecta, destacando: La magnífica ambientación de los decorados de interiores y exteriores, junto a su vestuario. La selección musical a cargo de Johan Söderqvist y la lujosa fotografía de Simon Dennis, predominando los ocres, colores apagados y dando gran importancia a las luces tenues, todo muy propio de la época.

          Un thriller donde cada secundario lo es más que nunca, cumpliendo a la perfección su cometido y sobre los que destacan, el trio de principales compuesto por: Bill Nighy como el detective, Olivia Cooke como la joven actriz y Douglas Booth en el papel de maestro de ceremonias y actor/cantante del teatro de variedades. A mi juicio, Douglas es la mejor interpretación de las tres, consiguiendo pasar del drama a la comedia, con una credibilidad absoluta, a la vez que ofrece sus personajes en el escenario.

“Aquel que observa no derrama menos sangre, que aquel que inflige el golpe”

         
Recomendable para amantes del cine de suspense con aires de época.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 8 de SEPTIEMBRE

          REPARTO: Bill Nighy, Olivia Cooke, Douglas Booth, Daniel Mays, Eddie Marsan, María Valverde, Sam Reid, Morgan Watkins, Adam Brown, Peter Sullivan, Amelia Crouch, Damien Thomas, Mark Tandy, Michael Jenn, Simon Meacock

          PRODUCTORA: Number 9 Films

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Alfa Pictures.

lunes, 11 de septiembre de 2017

LA ESCALA (VOIR DU PLAYS): CRÍTICA DE CINE


          La escala (Voir du Pays) dirigida por las directoras y guionistas francesas Delphine Coulin y Muriel Coulin, nos narran una historia de los daños producidos en la psique tras la guerra y la intervención de la mujer en el ejército, como soldado.

          Marina (Soko) y Aurora (Ariane) son amigas, ambas han estudiado juntas y a la vez forman parte de familias vinculadas con el ejército, por lo que las dos decidieron un día alistarse al cuerpo y más tarde unirse a una misión en Afganistán.

          La intervención de toda su sección ha finalizado tras seis meses y de regreso a casa harán una escala en Chipre, en un hotel de 5 estrellas, para su descomprensión de lo vivido en la guerra.

          Tres días en un complejo turístico bañado por el sol donde serán sometidos a intensas sesiones de terapia. Allí Aurora, Marina y Fanny (Ginger Roman), junto a sus compañeros varones, deberán reajustarse para regresar a la “vida normal”.

    
       Las hermanas Coulin nos ofrecen una obra tensa, dura, cargada en matices, por el tema que tratan; la guerra narrada desde un punto de vista muy diferente, el testimonio de quienes allí estuvieron y sus experiencias, pero no se quedarán en lo meramente bélico, pues la visión e intervención de la mujer tiene una gran importancia en esta cinta. Dos de sus tres protagonistas femeninas, Marina y Aurora, deberán enfrentarse en esos tres días de supuesto descanso y recuperación, a la ira, el trauma y el sexismo del ejército.
    

          La realidad virtual a la que son obligados a someterse, crea en el espectador una cierta sensación de ansiedad, pues en la pantalla que el soldado tiene detrás se reflejan las imágenes virtuales de lo que él mismo ha experimentado en la batalla y el trauma que el miedo, la muerte y las situaciones vividas, aun le atenazan en su mente. Imágenes que van viendo, desde sus asientos, todos sus compañeros y efecto que se  transfiere a los espectadores de la sala de cine. 

          La dirección del equipo coral de actores logra la empatía con los personajes representados, sobresaliendo las dos protagonistas principales con sus personajes de,  Marina y Aurora, dos mujeres muy diferentes, de personalidades opuestas y de forma de enfrentarse a la vida y al momento, muy distintos. La agresividad de Marina, solo es calmada cuando está junto a Aurora o cuando se divierte a su lado.

          Cuenta con la magnífica fotografía de Jean-Louise Vialard, ofreciendo a la cinta encuadres precisos para envolvernos en la atmósfera deseada e interactuando con las imágenes de realidad virtual.

          Una nueva exploración del cine en la guerra, visto una vez más desde las huellas que como heridas sin cicatrizar, deja en la mente del soldado su paso por el campo de batalla.

          Recomendable para amantes del drama bélico

          Mi nota es un 7

            ESTRENO en ESPAÑA: 8 de SEPTIEMBRE

          REPARTO: Soko, Ariane Labed, Ginger Romàn, Karim Leklou, Robin Barde, Damien Bonnard, Andreas Konstantinou, Jérémie Laheurte, Sylvain Loreau, Alexis Manenti, Kostis Maravegias, Makis Papadimitriou.

          PRODUTORA: Archipel 35 / Blonde Audiovisual Productions/ Arte France Cinéma.

          DISTRIBUIDORA: Pirámide Films

domingo, 10 de septiembre de 2017

PREMIO DONOSTIA PARA: AGNÈS VARDA 2017


          Agnès Varda, “la abuela de la nueva ola” a sus 89 años pasa por un momento dulce. Recientemente se anunció que recibirá el Oscar honorífico en la 90ª edición y este año, obtendrá el premio Donostia en la 65ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián por su trayectoria, el 24 de Septiembre. 

          El prestigioso galardón que reconoce la extraordinaria aportación al mundo del cine de grandes figuras que quedarán para siempre en su historia y que desde 1986, se ha entregado entre otros nombres a: Gregory Peck, Vittorio Gassman, Bette Davis Lauren Bacall, Robert Michum, Lana Turner, Catherine Deneuve, Al Pacino, Jeanne Moreau, Anthony Hopkins, Robert de Niro, Julie Andrews, Francis Ford Corppola, Woody Allen, Richard Gere, Meryl Streep, Julia Roberts, Oliver Stone, Hugh Jackman, Denzel Washington y Sigourney Weaver, el pasado año.

          Junto a la entrega del premio, se prestará su trabajo documental: Caras y Lugares el cual dirige junto al artista JR. El trabajo de ambos fue presentado en el pasado Festival de Cannes y en este mes de septiembre se verá en el Festival de Telluride, Toronto y Nueva York.

 

ALGUNOS CRÍTICOS HAN DICHO:
 “Una idea sencilla y adorable en la era del selfie que funciona a las mil maravillas” (CINEMANIA)

“Agnès Varda, en la gloria de sus años dorados, se ha convertido en una maga humanista… “Caras y lugares” hace una declaración poderosa sobre el tipo de sociedad en la que nos estamos convirtiendo” (VARIETY)

“Una joya de la invención, la juventud, de libertad: de cine” (LE DAUPHINÉ LIBÉRÉ)

“Un simpático recorrido por Francia para escuchar a su gente” (Le Figaro)
 

Sobre Agnès Varda:

          Es una de las últimas figuras vivas de la Nouvelle Vague francesa, es considerada por buena parte de la crítica como una de las pioneras del cine feminista. La obra de la realizadora se caracteriza también por un marcado carácter social y realista unido al estilo experimental basado en el uso de la primera persona cinematográfica. Con una larga lista de películas en su historial, a lo largo de su carrera ha sido premiada varias veces por su trabajo; en 1985 obtuvo el León de Oro del Festival de Cine de Venecia con la película “Sin techo ni ley” y en 2009 ganó el Premio César a la Mejor Película Documental con “Les plages d’Agnés”.

          Sobre JR

          Es un artista callejero y fotógrafo anónimo especializado en retratos. Comenzando por las calles de París, sus proyectos artísticos se han ido extendiendo por todo el mundo. En 2004 realizó Retratos de una generación, proyecto donde retrataba a la juventud parisina y en 2007 puso rostros de palestinos e israelís cara a cara en varias ciudades del mundo. En 2008 realizó la gira Women are Heroes, donde subrayaba la dignidad de las mujeres, y cuyo trabajo se completó con un documental homónimo. En 2011 obtuvo el premio TED, otorgado también a figuras populares como el cantante del grupo U2, Bono, o el político estadounidense Bill Clinton.

          La película se estrenará en los cines españoles en el 2018 de la  mano de Sherlock Films.

sábado, 9 de septiembre de 2017

AVANCE DE PELÍCULA: SE RUEDA: ALADDIN

Will Smith, Mena massoud, Nai Scott y Marwan Kenzi.

Se rueda: ALADDIN

          Desde Burbank, California, nos llega la noticia de que el 6 de este mes se ha cerrado el reparto de “Aladdin”, la adaptación de acción real del clásico de animación, comenzando el rodaje en los estudios Longcross, a las afuera de Londres.

          La película será interpretada por: Will Smith (Men in Black), quien encarnará al Genio, que como todos sabemos, concederá tres deseos a quien posea la lámpara. Mena Massoud (Jack Ryan) como Aladdin, el ladronzuelo enamorado de la hija del Sultán. Naomi Scott (Power Rangers) será la princesa Jasmine, la hija del Sultán, que no la gusta estar encerrada en palacio. Marwan Kenzari (Asesinato en el Expreso de Oriente) interpretará al malvado hechicero Jafar, quien desea gobernar Agrabah y derrocar al Sultán. Navid Negahban (Homeland) encarnará al Sultán. Nasim Pedrad (Saturday Night Live) es Dalia, la doncella y confidente de Jasmine. Billy Magnussen (Into the Woods) en el papel del príncipe Anders, el pretendiente de la princesa Jasmine y para terminar, Numan Acar (Patria) es Hakim, la mano derecha de Jafar y jefe de los guardias del palacio.

          La dirección de Aladdin recae en las manos de Guy Ritchie (Sherlock Holmes), bajo guion de John August (Sombras tenebrosas) basándose en la película de animación del año 1992, “Aladino” y en las historias de las “Mil y una noches”. La banda sonora está a cargo de Alan Menken, ganador de 8 premios de la academia, entre ellas “La bella y la bestia” y “La sirenita” donde incluye nuevas grabaciones de las canciones originales compuestas por Menken y por los letristas ganadores del Oscar, Howard Ashman y Tim Rice, así como dos nuevas canciones escritas por Menken y por los compositores, también ganadores del Oscar y del Tony, Benj Pasek y Justin Paul

          El productor de la película es Dan Lin (La LEGO película) y los productores ejecutivos son Marc Platt, Jonathan Eirichj y Kevin De La Noy.
 
        Aún no se sabe la fecha aproximada de estreno, pero os mantendré informados.
        The Walt Disney Company Spain

 

viernes, 8 de septiembre de 2017

CHURCHILL: CRÍTICA DE CINE


         Churchill de Jonathan Teplitzky, una nueva incursión del cine en la II Guerra Mundial.

          Winston Churchill (Brian Cox) se involucra de forma enérgica y se toma como algo personal, los tres días antes del desembarco de Normandía en 1944, el famoso día D. No está de acuerdo en la manera que los aliados han decidido sorprender y vencer a Hitler.  Tal decisión le llevará a enfrentarse no solo a sus propios generales, sino a los de los países aliados.

          En su mente ronda el recuerdo de situaciones que vivió en la I Guerra Mundial y deseando que no se vuelvan a cometer los mismos errores, dejando claro que puede resultar una masacre, una auténtica carnicería, como le recrimina en un momento determinado, en pleno cabreo, a Eisenhower (John Slattery), pues el número de jóvenes muertos se pueden contar por miles en dicho desembarco. Él único que es capaz de tranquilizarle un poco es su Mariscal Jan Smuts (Richard Durden), otra excelente interpretación.

          Un nombre suena con fuerza tras ver esta película y no es ninguno de los históricos de aquella batalla, ni siquiera la de su director, aunque lo haga bien y luego hablaré de él. Ese nombre es sin la menor duda el de Brian Cox. La palabra magistral se queda corta, cuando se piensa en su interpretación. Su presencia, sus miradas, su voz que retumba en la sala cada vez que habla, su convicción del personaje a interpretar, la complejidad del mismo e incluso el relativo parecido; nos hace creernos que Churchill está entre nosotros, con aquello que expone, sus miedos por los errores del pasado, su amor por la libertad y la vida de ser humano y la creencia de un mundo más justo.

          ¿Qué haré cuando ya no tenga que seguir luchando? Le pregunta en un momento determinado a su esposa Clemmine (Miranda Richardson), quien por cierto, borda su personaje. Esa mujer en segundo plano, sumisa a la disciplina militar y paciente ante los traumas de su marido, con deseos de ser escuchada. Pero lo que está claro es que si su marido manda en la política como primer ministro del Reino Unido, ella lo hace en casa.

          De nuevo, de la mano de  Jonathan Teplitzky, como comentaba en el titular, volvemos a ver en la gran pantalla otro fragmento de la II Guerra Mundial y sinceramente, me empiezo a preguntar el por qué. ¿Por qué tantas películas sobre dicha guerra en tan poco tiempo? Mientras espero la respuesta, deciros que la dirección me resulta muy correcta, sin grandes pretensiones, relatando la historia con mano firme y en un tiempo adecuado. No da  rodeos, expone lo que quiere presentar y creando por  momentos tensión emocional, que sabe transmitir al espectador.

          Un thriller escrito por el historiador Alex von Tunzelman, lo que confiere a la obra un punto importante de credibilidad histórica como, por poner un ejemplo, el poder disfrutar de los discursos que Churchill ofrecía a través de la radio, levantando el ánimo del pueblo británico.

          Nada que objetar al casting actoral, todos en sus puestos. Un montaje, con un ritmo preciso. Vestuario y decorados impecables,  destacando una vez más  la magnífica fotografía ofrecida por David Higgs y la soberbia banda sonora compuesta por Lorne Balfe.

          Recomendables para amantes del cine histórico.

          Mi nota es: 7,5

            ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Septiembre   

          REPARTO: Brian Cox, Miranda Richardson, John Slattery, James Purefoy, Julian Wadham, Richard Durden, Ella Purnell, Danny Webb, Jonathan Aris, George Anton, Steven Cree, Angela Costello, Peter Ormond, Suki Waterhouse.

          PRODUCTORA: Salon Pictures / Tempo Productions Limited

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.