FLIXOLÉ LANZA "CIELO NEGRO" RESTAURADA Y EN ALTA CALIDAD

FLIXOLÉ LANZA UNA COPIA RESTAURADA Y EN ALTA DEFINICIÓN DE LA OBRA MAESTRA DE MANUEL MUR OTI “CIELO NEGRO”

Desde su recuperación a mediados de los ochenta, “Cielo negro” (Manuel Mur Oti, 1951) es considerada un auténtico clásico del cine español. Y sin embargo, a pesar de ello, ha sido una película invisible, con pocas emisiones en televisión y sin presencia en ninguna plataforma. FlixOlé, en su línea de recuperación del patrimonio de cine español, ha decidido ofrecer una copia original de esta película, después de un proceso de restauración completo tanto de imagen como de sonido y en calidad HD. Protagonizada por una espléndida Susana Canales (Premio CEC a la mejor actriz por su interpretación), Fernando Rey y Luis Prendes, Cielo negro es una verdadera joya cinematográfica que podrán visionar desde hoy, los cinéfilos así como las nuevas generaciones aficionadas al buen cine.

“Cielo negro” es un melodrama inequívoco, por cómo trata una sucesión de desdichas que convierten a una mujer, con la que el espectador empatiza rápidamente, en una víctima del destino. Pero la gran aportación de Cielo negro al melodrama español es cómo trasciende dos géneros que están en el origen de la película. Por una parte el folletín, con esa sucesión de situaciones a cada cual más novelesca, y por la otra parte, el costumbrismo más castizo, ya que está inserto en un contexto más reconocible, más afín al espectador medio. Cielo negro sobrepasa ese origen y se convierte en un melodrama auténtico, pasional y doloroso, que empieza siendo una tragedia grotesca en la línea de Calle Mayor, de Bardem. Cielo negro es una de las obras cumbres del melodrama español.

Y lo es también por el famoso travelling final, el punto donde confluyen todas las fuerzas de la película, de la puesta en escena, tan compleja y tan virtuosa y la de la trama, porque lo que narra es una desesperación tan grande que no permite ni ponerle fin. Pero sobre todo, lo que consigue Mur Oti es uno de los momentos más bellos, sino el que más, del cine español, de un virtuosismo técnico pocas veces alcanzado.

La película tuvo una excelente acogida en su estreno y fue saludada como una obra maestra absoluta, como la obra de un genio y como el camino de excelencia que debía seguir el cine español. Pero después de esto, la película cayó en el olvido. Poco a poco se la empezó a reivindicar y hoy es considerada no sólo un clásico absoluto sino una de las películas más bellas de nuestra historia, que por fin, y después de una elaborada restauración, FlixOlé pone a disposición del público en la mejor calidad posible.

Manuel Mur Oti fue considerado uno de los mayores genios del cine español desde sus inicios como guionista, porque tenía mucha sensibilidad no sólo para contar tramas complejas sino para mostrar matices y claroscuros en los personajes. Su primera película, Un hombre va por el camino ya fue aplaudidísima. Tanto que Joaquín Romero-Marchent puso su productora al servicio de Mur Oti y le ofreció la adaptación de una novela de la que había comprado los derechos: Miopita, de Antonio Zozaya, de la que Mur Oti limó los aspectos más folletinescos, para acercarlos a lo que él quería, un melodrama poderoso: “Cielo negro”.

FlixOlé está disponible en Smart TV, tabletas y teléfonos IOS y Android, Amazon Fire TV o a través del ordenador, además la película se puede descargar para verla sin conexión a internet en cualquier dispositivo móvil.

II TEMPORADA DE: P-VALLEY EN STARZPLAY

EVA CALLEJA y STARZ STARZPLAY informan que:

STARZ APUESTA POR EL ÉXITO GLOBAL DE “P-VALLEY” COLOCÁNDOLO EN EL CENTRO DEL ESCENARIO CON UNA SEGUNDA TEMPORADA

Starz, compañía de Lionsgate (NYSE: LGF.A, LGF.B), anunció el día 28 de Julio que da luz verde a una segunda temporada de su nueva serie original “P-Valley” de la creadora y showrunner Katori Hall, tras establecer un nuevo record de la serie más vista en la aplicación de STARZ con un 17% sobre el record anterior. La audiencia para el segundo episodio se elevó un 26 a través de la aplicación de STARZ y un 7% en general.

A día de hoy, P-Valley ostenta la 1ª posición entre las series premium más vistas por afroamericanos en 2020 (L+3, P2+ XXXK) y está en el Top 5 de los hogares afroamericanos.

“P-Valley” se ha convertido rápidamente en la más novedosa serie de televisión más vista de este verano, ya que tanto críticos como audiencia se han interesado por los auténticos y convincentes personajes que hacen que The Pynk cobre vida”, dijo Christina Davis, presidenta de la programación original. “Katori ha ofrecido un drama provocativo que mira más allá del glamour y penetra en los corazones y mentes de estos personajes perfectamente perfilados y convincentes, explorando los personajes a través de una mirada femenina que invita a la audiencia a dar un paseo sobre sus tacones de aguja. Sabemos que Katori tiene muchas historias increíbles que contar y mucho que ofrecer a estas mujeres en una segunda temporada”.

“P-Valley” es la última serie de STARZ que ejemplifica el compromiso de la compañia para dar voz a la diversidad y poner sobre la mesa historias que reflejen un espectro completo de mujeres tanto delante como detrás de la cámara. Opera prima en dirección de la showrunner Katori Hall, la primera temporada de “P-Valley” también contó con la participación solo de directoras.  “P-Valley” está disponible en la aplicación STARZ, On Demand y en STARZ en los Estados Unidos y Canadá y se emite al tiempo en día y fecha en el servicio de streaming internacional STARZPLAY en toda Europa, América Latina y Japón.

Sobre  “P-Valley”

En el fondo del Delta del Mississippi, un áspero lugar para la existencia humana donde la belleza puede ser difícil de encontrar, se halla un oasis de arena y brillo. Este drama sureño, de una hora de duración, cuenta la historia caleidoscópica de un pequeño club de striptease que podría llegar a ser algo y de los personajes que entran por sus puertas: los esperanzados, los perdidos, los rotos, los jugadores, los guapos y los condenados. La música trap y el cine negro se fusionan en esta lírica y atmosférica serie que se atreve a preguntar qué sucede cuando la gente de un pueblo pequeño sueña más allá de los límites marcados por los típicos supermercados como el Piggly Wiggly y las casas de empeños.

Basada en la obra Pussy Valley está creada por Katori Hall (The Mountaintop, Tina: The Tina Turner Musical) quien es a su vez showrunner y productora ejecutiva de la serie. “P-Valley” está protagonizada por Brandee Evans como Mercedes; Nicco Annan como el tío Clifford, Shannon Thornton como Miss Mississippi; Elarica Johnson  como Autumn Night; Skyler Joy como Gidget; J. Alphonse Nicholson  como Lil' Murda; Parker Sawyerscomo Andre; Harriett D. Foy como Pastor Woodbine; Tyler Lepley como Diamond y Dan J. Johnson como Corbin. Chernin Entertainment también es productor ejecutivo de P-Valley. 

La serie presenta con orgullo un trabajo realizado exclusivamente por directoras y que incluye a la galardonada directora de videos musicales Karena Evans, quien dirigió el episodio piloto, así como Kimberly Peirce, Millicent Shelton, Tamra Davis, Geeta V. Patel, Tasha Smith, Sydney Freeland  y Barbara Brown.

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MOVISTAR+ CINE II (ESTRENO AGOSTO 2020)

MARGOT ROBBIE Y SU ESTRAMBÓTICA HARLEY QUINN LLEGA A MOVISTAR+

 

Además, acción con “Los Ángeles de Charlie”, comedia con “Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho... ahora?” o thriller sobrenatural con “Doctor Sueño”, entre los destacados de agosto en la plataforma.

EL OFICIAL Y EL ESPÍA  (Domingo 2 en Movistar Estrenos (dial 30))

Roman Polanski dirige a Jean Dujardin, Louis Garrel y Emmanuelle Seigner en este drama histórico que narra los acontecimientos que llevaron ante un consejo de guerra, en 1894, al capitán Alfred Dreyfus, acusado de espionaje por un ejército francés que sabía que era inocente.

Gran Premio del Jurado y premio FIPRESCI en el Festival de Venecia de 2019, la película está basada en los hechos históricos que el escritor Robert Harris había plasmado en su novela “An Officer and an Spy”, los mismos hechos que llevaron al escritor Émile Zola a escribir “J’accuse…!”, la carta abierta dirigida al presidente francés Félix Faure que publicó el diario “L'Aurore” en su portada. Precisamente “J’accuse” es el título original de la película “El oficial y el espía”.

LOS ÁNGELES DE CHARLIE  (Viernes 7 en Movistar Estrenos (dial 30))

Elizabeth Banks dirige, escribe el guion, coprotagoniza y produce esta tercera incursión en la gran pantalla de las agentes secretas que revolucionaron las series de acción a finales de la década de 1970.

 

Con las actrices Kristen Stewart, Naomi Scott y Ella Balinska en el centro de la acción, la película cuenta cómo las investigadoras de la Agencia Townsend -más inteligentes, preparadas, internacionales y letales que nunca- deben proteger a la joven informática encargada del potencialmente peligroso proyecto Calisto.

 

La película supone un recomienzo de las aventuras de estos ángeles cañeros, a los que dieron vida Cameron Diaz, Drew Barrymore y Lucy Liu en las cintas “Los ángeles de Charlie” (2000) y “Los ángeles de Charlie: Al límite” (2003).

SÓLO NOS QUEDA BAILAR (Lunes 10 en Movistar CineDoc&Roll (dial 31))

Aclamado drama que retrata el despertar sexual de un bailarín gay en el conservador y opresivo entorno de la danza georgiana.

 

Este poderoso manifiesto político en contra del odio irracional -seleccionado por Suecia para competir en los Oscar de 2020- está escrito y dirigido por Levan Akin y protagonizado por el debutante Levan Gelbakhiani, quien, entre otros premios, ganó el galardón al mejor actor en la Seminci y estuvo nominado en los Premios del Cine Europeo.

 

Tras recibir numerosas amenazas de muerte, el equipo de la cinta incorporó guardaespaldas al 'set' de rodaje.

DOCTOR SUEÑO (Viernes 14 en Movistar Estrenos (dial 30))

Ewan McGregor da vida a un adulto Danny Torrance (el niño de “El resplandor”) en este 'thriller' sobrenatural de terror, secuela de la cinta de Kubrick de 1980.

 

Adaptación de la novela “Doctor Sueño” -escrita por Stephen King en 2013 como secuela del libro en el que se basa la película original-, la cinta muestra a Dan Torrance como un adulto atormentado por las visiones que busca desesperadamente encontrar la paz.

 

Dirigida y escrita por el especialista en terror Mike Flanagan, cuenta también con las interpretaciones de Rebecca Ferguson, Kyliegh Curran y Cliff Curtis.

LA GRAN MENTIRA (Sábado 15 en Movistar Estrenos (dial 30))

Ian McKellen y Helen Mirren, dos leyendas británicas de la interpretación, protagonizan este 'thriller' dramático en el que Roy Courtnay, un consumado estafador, pone en su punto de mira a la adinerada -y recientemente viuda- Betty McLeish. Lo que comienza como una sencilla estafa, termina convirtiéndose en un peligroso juego del gato y el ratón.

 

El director y guionista Bill Condon, que ya había dirigido a McKellen en “Mr. Holmes” y en “Dioses y monstruos” (con la que ganó el Oscar al mejor guion) es el realizador de esta adaptación del "bestseller' “The Good Liar”, de Nicholas Searle.

 

Junto a Mirren y McKellen (que nunca habían coincidido en un plató, aunque sí en el escenario de un teatro), completan el reparto Russell Tovey y Jim Carter.

DIOS MÍO, ¿PERO QUÉ TE HEMOS HECHO... AHORA? (Viernes 21 en Movistar Estrenos (dial 30))

Esta secuela de la taquillera comedia francesa “Dios mío, ¿pero qué te hemos hecho?” vuelve a hacer una satírica y divertida caricatura de la burguesía francesa de provincias a través de las peripecias de un conservador matrimonio, un tanto chovinista, cuyas cuatro hijas se han casado con un musulmán, un judío, un chino y un africano.

 

Con un humor tan ácido como su antecesora, esta nueva parodia costumbrista vuelve a contar con la dirección de Philippe de Chauveron y con el mismo reparto coral, encabezado por el cómico francés Christian Clavier y la actriz Chantal Lauby.

CATS (Sábado 22 en Movistar Estrenos (dial 30))

Un reparto estelar encabezado por Judi Dench, Jason Derulo, Idris Elba, Taylor Swift, James Corden, Ian McKellen y la primera bailarina del Royal Ballet Francesca Hayward protagoniza esta adaptación del célebre musical “Cats”.

Dirigida por Tom Hooper (“La chica danesa”, “Los miserables”, “El discurso del rey”), la película hace una adaptación del musical de Andrew Lloyd Webber, actualizada para albergar estilos de danza que van desde el ballet clásico hasta el hip hop, el jazz, el baile urbano o el claqué.

“Cats”, uno de los musicales que más tiempo ha estado en cartel en el West End londinense y en el Broadway neoyorquino, está basado en una colección de poemas de T.S. Eliot recogida en el libro “El libro de los gatos habilidosos del viejo Possum”.

BACURAU (Lunes 24 en Movistar CineDoc&Roll (dial 31))

Una de las películas más premiadas y populares del reciente cine brasileño. La cinta, que estuvo a punto de ser enviada a los Oscar, ganó el Premio del Jurado en Cannes en 2019, así como tres galardones más en el Festival de Sitges.

Lo que comienza como una narración casi cercana al documental etnográfico, escala poco a poco hacia la sátira social y, finalmente, al 'thriller' violento con ecos de Carpenter, resultando en una de las películas más interesantes y sorprendentes llegadas del país amazónico.

AVES DE PRESA Y LA FANTABULOSA EMANCIPACIÓN DE HARLEY QUINN  (Viernes 28 en Movistar Estrenos (dial 30))

Margot Robbie encarna de nuevo a Harley Quinn -en esta ocasión, soltera y más desenfrenada que nunca- en esta divertida cinta de acción que supone su primera gran aventura en solitario.

Humor negro, ternura psicótica y mucho 'girl power' en este 'spin-off' de “Escuadrón Suicida” (2016), un gamberro espectáculo femenino que funciona como perfecto contrapunto de “Joker” (2019).

Completan el reparto Mary Elizabeth Winstead, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell y Rosie Perez, entre otros.

UNDERWATER (Sábado 29 en Movistar Estrenos (dial 30))

Ciencia ficción, suspense y terror se unen en esta cinta protagonizada por Kristen Stewart y Vincent Cassel  y que transcurre en lo más profundo de las profundidades marinas.

Dirigida por William Eubank (“La señal”), la película muestra la lucha por la supervivencia de unos investigadores que, tras ver cómo el agua irrumpe en la estación submarina en la que trabajan, anegándola por completo, deciden caminar por el lecho marino para intentar llegar a una plataforma abandonada. A la dificultad del viaje se unirá la compañía de unas desconocidas y mortíferas criaturas.

BLANCO EN BLANCO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Chile, España, Francia y Alemania, BLANCO EN BLANCO está dirigida por Theo Court compartiendo guion con Samuel M. Delgado. “Son muchas las capas que ofrece esta obra interesantes de descubrir y algunas tan terribles, como el genocidio o el matrimonio con menores”

 

Nos encontramos a principios de siglo XX en Tierra de Fuego, lugar al que llega el fotógrafo Pedro (Alfredo Castro) para fotografiar el enlace del latifundista Mr. Porter con la jovencísima Sara (Esther Vega Pérez), quien está al cuidado de Aurora (Lola Rubio). Pedro pronto se obsesionará con la belleza y candidez de la joven. Tras ser  malinterpretados sus actos y sin cobrar por sus servicios, se verá involucrado en una extraña espiral.

 

Con cierto aroma a Western y con un corte teatralizado, Court nos ofrece este drama de otros tiempos. Un filme rodado entre Chile y Canarias excesivamente pausado y con muchas capas por descubrir, algunas de ellas tan terribles, como el genocidio que sufrieron los pueblos indígenas de Tierra de Fuego, entre los que se encontraban los Selknam o el matrimonio con menores. Una obra en la cual destaca la magnífica fotografía de José Ángel Alayón y el carisma de Alfredo Castro, de quienes más tarde hablaré.

 

El director y guionista, Theo Court realizó sus estudios entre España y Chile. Tras terminar su carrera de fotografía y cine en Madrid, regresó a Chile para continuar con sus estudios de cine en ARCIS durante dos años y  terminar su formación en Cuba, en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños. En Cuba dirigió sus primeras obras: El cortometraje “El espino” 2004, el mediometraje de animación, “Sendero” 2008 y su ópera primera en el largometraje “Ocaso” 2010. Ahora y tras 9 años, nos llega su segundo largometraje “Blanco en blanco”.

 

Blanco en Blanco cuenta con unas interpretaciones sobrias, distantes y parcas en palabras y movimientos. Estados propios de otros tiempos y posiciones. Del carácter áspero que se gestaba en los pueblos, dominados por el aislamiento y el caciquismo. Los miedos, la ignorancia y las clases sociales, provocando dilemas difíciles de esquivar, cuando se llegaba de otros lugares con mayor cultura, como es el caso de Pedro, un fotógrafo con una mente más abierta, más liberal; en definitiva, más clara ante la oscuridad que envuelve al pueblo, al que llega. El carismático Alfredo Castro, será el encargado de dar vida al fotógrafo en una de sus magníficas interpretaciones y junto a él, una mujer de modales severos y educados, curtida por una vida de soledad  y austeridad, en medio de una tierra casi despoblada y desértica, Aurora, encarnada por Lola Rubio.

 

Además de la crítica a un tiempo pasado, Court balancea su obra entre la belleza y el poder. La belleza de la juventud a través de la joven casadera que trastorna la mente del fotógrafo, hasta atreverse a retratar más allá de lo que le estaba permitido y el poder de quien se cree superior, el caciquismo dominante o los conquistadores que arrasaban culturas, tradiciones y pueblos enteros, en pro del progreso. Una obra que envuelve, con gran acierto, la dolorosa banda sonora escrita por Jonay Armas.

 

Entre las diversas subtramas que Theo nos presenta, frente a la trama principal, algunas más sutiles que otras, el director también nos ofrece toda una lección de fotografía, copando prácticamente la atención del filme y siendo la parte visual, lo más atractivo de la obra. Court ha convertido su nuevo filme en retratos de un pasado que no debe caer en el olvido, para no repetirlo en el futuro. La importancia de captar el momento a través de una instantánea, de un encuadre, de la luz precisa o de los gestos  y posturas bien estudiadas; eleva el significado de la narración, de lo que Court nos quiere transmitir. Esa quietud en las imágenes, ese silencio solo interrumpido por el fotógrafo contando hacia atrás,  para capturar a los personajes en esas estampas de otra época, van perfilando un tiempo de violencia, soledad, vacíos, oscuridad, abandono, pobreza, sometimiento y obediencia al amo; sin olvidar el simbolismo de las fotografías tomadas a Sara, en donde la sensualidad y liberación de la opresión de las prendas que viste la joven, cobran un trasfondo no solo sensual, sino político. Una obra contemplativa que nos hace reflexionar y cuestionarnos sobre un pasado, en la era de la tecnología.  Una magnífica fotografía de José Ángel Alayón con texturas muy ricas, entre los contrastes, la iluminación e incluso en esa extraña suciedad que presenta el color apagado y por momentos difuso.

 

“Estamos haciendo historia, estamos haciendo patria”

 

Mi nota es: 7,5

 

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Julio.

 

REPARTO: Alfredo Castro, Lars Rudolph, Lola Rubio, Esther Vega Pérez y David Pantaleón.

 

PRODUCTORA: El Viaje Films// Don Quijote Films// Kundschafter Films// Pomme Hurlante Films.

 

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Elamedia Estudios.

MORTAL: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre Noruega, Estados Unidos y Reino Unido, MORTAL, está dirigida por André Øvredal compartiendo guion con Norman Lesperance y Geoff Bussetil. “Era como un Dios airado, pero piadoso con los humanos”

 

En un bosque frondoso al oeste de Noruega, nos encontramos con Eric (Nat Wolff), que viaja con una pequeña mochila. Acampa entre unos árboles  para pasar la noche. Se queja del dolor en una pierna, que presenta lo que parece una gran quemadura. A la mañana siguiente, bien temprano, se acerca al pueblo y roba material para curar la herida. Al mirarse en un espejo comprueba su aspecto desaliñado y se corta el pelo con unas pequeñas tijeras. De nuevo en ruta, caminando por la carretera, un coche con cuatro jóvenes le increpan y uno de ellos, tras bajarse del vehículo, se atreve a golpearle. Eric le advierte que no le toque o arderá. El chaval le agarra con fuerza por la chaqueta y cae al suelo muerto, sin que Eric le haya tocado. Eric es detenido, sin ofrecer resistencia.

 

El comisario de policía Henrik (Per Frisch) contacta con Christine (Iben Akerlie), una psicóloga que está pasando por un mal momento, y le asigna el caso de Eric. La informa de que posiblemente sea el culpable de un incendio donde murieron 5 personas y de la muerte reciente de un joven cuyos amigos afirman que apenas tocó a Eric, su amigo cayó desplomado. Ella, tras conocer a Eric, acepta ayudarlo, convirtiéndose en su protectora.

Øvredal, tras sus dos últimas películas de terror más clásico, nos ofrece un nuevo filme en el cual combina terror con mitología, y si bien en una primera parte de la película nos podría dar la sensación que estamos ante una versión moderna del clásico de La Bella y la Bestia, a medida que el metraje avanza, Eric pasará de ser esa supuesta bestia que se calma ante la bella, para convertirse en uno de los grandes personajes mitológicos de la cultura nórdica.

El director y guionista noruego, André Øvredal, trabajó como director de publicidad en Noruega y otros países, estudió en el Brooks Institute de Santa Bárbara, en Ventura (California) y tuvo la oportunidad de dirigir su primera película en dicho centro durante el cincuentenario, “Future Murder” 1997 cuyo lanzamiento se llevó a cabo en DVD y en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara. Su segunda película fue el cortometraje “Customer Support” 2009, continuando con “Troll hunter 2010, un falso documental  en el cual se verán Trolls gigantes, propios de la mitología  de su país. Tras colaborar en algunos trabajos junto  a otros directores, filmará en el 2016 el cortometraje “The Tunner” y ese mismo año nos ofrecerá el impactante e inquietante thriller “La autopsia de Jane Doe” premiado en festivales como el de Toronto, Sitges o el  Fantastic Fest de Austin. En el año 2019 dirigió “Historias de miedo para contar en la oscuridad” y este año llega a nuestras pantallas con “Mortal”, otro inquietante thriller.

La búsqueda de quienes somos, cuál es nuestra misión en la sociedad o el por qué nos suceden determinadas cosas, son interrogantes que el ser humano se ha cuestionado a lo largo de la vida o al menos, una parte de esa humanidad, cuando se siente diferente a los demás. Esto es precisamente lo que le sucede a nuestro protagonista Eric, encarnado por Nat Wolff, en una magnífica interpretación. Desde su primera aparición en pantalla, sabemos que algo le sucede y debido a la “vulnerabilidad y fragilidad” que muestra con sus miradas y expresiones corporales, nos hacemos cómplices de su sufrimiento y los avatares que la vida le está mostrando. La angustia y la culpa se ceban con él y la empatía se apodera del espectador, como le sucede a quien se convertirá en su compañera Christine (Iben Akerlie), la psicóloga que detecta en él a un ser noble, introvertido, acorralado por su mente y lo que ésta, le obliga a hacer.  Un dúo que funciona a la perfección desde el primer encuentro, pues ambos arrastran sus propios fantasmas, en donde Christine será el salvavidas de Eric, en todos los sentidos.

André no es un director de cine de terror convencional, él busca profundizar en las entrañas y en la mente de los personajes y extraer de ellos lo mejor o lo peor, dependiendo de las circunstancias de cada uno. No le gusta quedarse en la superficie, pues cree más en el alma y en el poder de la mente, que en la materia ;y a la vez, de forma más sinuosa, hace análisis social, no sólo de su país. En este caso me quedo con uno de esos instantes críticos hacia a la ignorancia, el endiosamiento y la dominación por parte de algunas fuerzas y cuerpos de seguridad, que se creen con derecho a exterminar todo aquello que no entienden o saben que no podrán controlar. Ese poder que algunas personas creen tener sobre los demás, por llevar un simple uniforme, nos ha dejado muestras aberrantes a lo largo de la historia, con lamentables resultados y prácticas de abusos de autoridad.

Según palabras del propio director, es su obra más personal y deja constancia de ello a través  del tratamiento de los temas, de su pasión por la mitología y el amor que profesa a su país,  apoyándose en la bucólica y espectacular fotografía de Roman Osin, quien pasa con total naturalidad de las imágenes de acción propiamente dicha, a los instantes más pausados y necesarios, por medio de la hermosa naturaleza entre montañas y fiordos, que nos regala el país nórdico. Naturaleza en toda la expresión de la palabra, que le sirve a André para trabajar con los tiempos necesarios, con los que tanto le gusta experimentar, para construir, con precisión, la narración de manera progresiva y así mantener al espectador, expectante. Por supuesto, no puedo olvidarme de otra pieza fundamental en las obras de Øvredal, como es la banda sonora, compuesta por Marcus Paus, impregnando con sus notas, cada plano.  Y no desvelo más, porque lo que deseo es que la disfrutéis, como yo he hecho.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Julio

REPARTO: Nat Wolff, Priyanka Bose,  Per Frisch, Arthur Hakalahti, Iben Akerlie, Per Egil Aske, Oddrun Valestrand, Ravdeep Singh Bajwa, Ania Nova, Niko Rusakov y Kai Kolstad Rødeth.

PRODUCTORA: 42// Automatik Entertainment// Eldorado Film// Nordisk Film Production AS.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Flins y Pinículas.