VENGANZA BAJO CERO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido, Noruega, Estados Unidos, Canadá y Francia, Venganza bajo cero, está dirigida por Hans Petter Moland y cuenta con guion de Frank Baldwin.

Nels Coxman (Liam Neeson) vive tranquilamente en una cabaña de montaña, junto a su esposa Grace Coxman (Laura Dern) y su hijo adolescente. Su trabajo consiste en conducir una quitanieves. Un día recibe la noticia de que su hijo ha muerto por una sobredosis, dictamen que no cree y empieza a investigar, viéndose en medio de dos bandas de narcotraficantes, dirigidas por Trevor Calcote “El Vikingo” (Tom Bateman) quien tiene un hijo pequeño junto a su esposa Aya (Julia Jones) y Toro blanco (Tom Jackson), jefe de  una tribu india.

El director danés, Hans Petter Moland, tras obras como “Un hombre bastante bueno” 2010, la tercera entrega de “Los casos del departamento Q: Redención” 2016 o “Uno tras otro” 2014, regresa para dirigir un remake de esta última película mencionada, en esta ocasión contando con un nuevo guionista, Frank Baldwin. Un filme en el cual las muescas por muerto, no se marcan en la culata de un revolver, sino en la propia pantalla de cine, con símbolos como la cruz cristiana, la judía, un águila o el de la paz, según el personaje que muere.

Tal vez algunos se preguntarán porqué Moland, ha rodado el remake de uno de sus filmes más recientes, pues “uno tras otro” se estrenó en 2014. La razón es muy sencilla  y además no es la primera vez que Hollywood, que en tantas ocasiones ha dado evidencias de escasez de ideas para acometer nuevos proyectos, versiona éxitos de otros países; es por ello que su director se ha puesto nuevamente tras la cámara, para realizar esta historia con actores norteamericanos y con Liam Neeson en el papel de Nels.

Un filme donde la venganza se descontrola y todo deja de tener sentido, con un humor  muy negro y un enfoque tarantiniano, incluso en el detalle de que sus personajes no usen sus nombres, sino un determinado apodo. "Sí tienes un apodo, eres alguien". Toda la historia se desarrolla en un plácido pueblecito de montañas nevadas, donde la vida del tranquilo quitanieves, se ve alterada tras el asesinato de su hijo.

Una obra que atrapa al espectador entre correctas interpretaciones, a través de un disparatado guion, incluso en los personajes del frío y calculador Liam Neeson o la irritante Julia Jones. Las conversaciones, los golpes de efecto o los actos de ejecuciones entre los unos y los otros, que aunque ya lo hemos visto en filmes similares, sigue despertando más de una sonrisa; sobre todo, cuando tras cada muerte, se rubrica con el nombre del asesinado. Destacaría escenas como la entrada de Nels en una impoluta y cuidadísima tienda de vestidos de novia, la masacre en medio de la nieve con máquina quitanieves incluida o la sobreactuación controlada por parte de Tom Bateman; en el lado opuesto, no entendí muy bien el momento gay entre los  dos mafiosos. Me parece correcto y aplaudo que la diversidad sexual, cada vez se vea con más naturalidad en el cine, pero no que esté impostada.

Hay que destacar, además de la correcta dirección y las interpretaciones, el montaje a cargo de Nicolaj Monber, creando el dinamismo que la obra precisa y la espléndida fotografía de Philip Øgaard, entre elegantes encuadres, donde algunos nos recuerdan a bellas postales invernales.

No es una obra original en su planteamiento, ni pretende serlo,  pero lo que sí se puede asegurar, es que la diversión y el entretenimiento, están asegurados.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 28 de junio.

REPARTO: Liam Neeson, Laura Dern, Emmy Rossum, Julia Jones, William Forsythe, Elysia Rotaru, Tom Bateman, Aleks Paunovic, John Doman, Domenick Lombardozzi, Raoul Trujillo, Ben Hollingsworth, Emily Bruhn, Nathaniel Arcand, Victor Zinck Jr., Arnold Pinnock, Wesley Maclnnes, Chris Logan, Bradley Stryker, Tom Jackson, Micheál Richardson, Elizabeth Thai, Loretta Walsh, Glen Gould, Jim Shield, Nels Lennarson, Dani Alvarado, Ben Sullivan y Lucy Ssuubi.

PRODUCTORA: StudioCanal// Paradox Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Film.

AYLA: LA HIJA DE LA GUERRA: CRÍTICA DE CINE

Basada en un hecho real, Ayla: La hija de la guerra, está dirigida por Can Ulkay con guion de Yigit Güralp.

Estamos en 1950, Süleyman (Ismail Hacioglu/ Çetín Tekindor) vive en Alejandreta, Turquía, está enamorado de Nuram (Damia Sönmez), que cada día lo espera a la puerta de su casa, cuando él va al cuartel junto a sus amigos en bicicleta, pero alguien más ama a Süleyman, ella es Nimet (Meral Çetinkaya).  Süleyman, es un joven  noble y de gran corazón. Al llegar un día a la 39 división de infantería a la que pertenece, le comunican a él y a otros compañeros, que deben salir rumbo a Corea del Sur, donde es destinado a la unidad motorizada.

Formará parte de un grupo en el que se encuentran: Ali, su mejor amigo (Ali Atay), Sadik (Caner Kurtaran), el teniente Mesut (Murat Yildirim) y el teniente Lee (Johnny Young). Una noche se internan en un bosque para evitar el ataque del enemigo, cuando se encuentran un campo lleno de muertos, entre ellos, Süleyman escucha un sollozo y descubre a una niña. La toma en brazos, llevándola con él a la base militar turca, allí la pequeña será protegida por todos, pero la relación entre Süleyman y Ayla, como él la llamará al desconocer su verdadero nombre, se convertirá en un amor fraternal.


Un drama en el escenario de la Guerra de Corea, basado en hechos reales. Un encuentro entre una niña coreana y un joven militar turco y los lazos que van surgiendo durante los años en que la pequeña convive con los militares, con el beneplácito de los surcoreanos, a quienes han ido a ayudar contra corea del norte y su aliada China. Una historia tan hermosa, que la guerra queda en las sombras, aunque veamos la crudeza de la misma.

Como ya va siendo habitual en mis reseñas, toca hablar del director. Can Ulkay, se graduó en arte, cine y televisión. Trabajó para la TRT, la televisión de Estambul, entre los años 1985/94, participó en spot publicitarios para televisión y en 2017 dirigió junto a Mutlu Karadogan “Children of Sarikamis” un drama histórico. Aun teniendo dos películas rodadas, la una en 2018, con Ketche “Muslum” y en este año “Turkish Ice Cream”, la  que ahora llega a las pantallas de todos los cines españoles y sin la menor duda, una sorpresa muy agradable para el público, es “AYLA, la hija de la guerra” Un enternecedor drama, que va calando minuto a minuto, ante la presencia de la maravillosa jovencita. La auténtica reina de la película. Los actores que la acompañan, ofrecen una verdad que traspasa la pantalla, sobre todo los dos actores que encarnan a Süleyman: Ismail Hacioglu y Çetín Tekindor.

Una historia real que sucedió en Corea del Sur y donde Süleyman, antes de regresar a su tierra natal y no pudiéndose llevar a la pequeña, por la burocracia entre los países, le promete que volverá a buscarla, pero su vuelta  a Alejandreta, no será como él se espera. ¿Qué sucederá con nuestra pequeña?

Una obra con una espectacular fotografía a cargo de Jean-Paul Seresin, entre planos bucólicos y dramáticos, entre los cambios de estaciones y los estallidos de las bombas, entre el día y la noche; dotando a cada instante de una luz especial y un color retro, que logra que las imágenes hablen por sí mismas, junto a la dramática banda sonora de Fahir Atakoglu. Ambos imprescindibles para mostrar una historia llena de amor, de sentimientos, de emociones, de entrega, de protección y de humanidad, por un lado y por el otro, contemplar el horror de la guerra, las pérdidas, los abandonos de los más pequeños quedándose huérfanos, de los egoísmos personales, del amor que siempre espera y del inexorable paso del tiempo, doloroso cuando las “heridas” no quedan cerradas. Narrado con maestría, delicadeza y temple por Ulkay.

Un filme que también nos alerta, que según informes de UNICEF hay 28 millones de niños como le sucede a nuestra protagonista, Ayla, que han sido castigados por la guerra en todo el mundo y que 1,5 millones de ellos, viven actualmente en Turquía.

Para terminar me quedo con una hermosa frase que dice Nimet  “Tu niña es ahora mi niña y tu promesa mi promesa”

Mi nota es. 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Çetín Tekindor, Ismail Hacioglu, Kyung-Jin Lee, Ali Atay,  Murat Yildirim, Damia Sönmez, Taner Birsel, Meral Çetinkaya, Caner Kurtaran, Johnny Young, Kim Seol, Murat Yildirim, Cade Carradine, Kim Byoungsoon, Meral Çetinkaya, Mehmet Esen, Altan Erkekli, Caner Kurtaran, Büsra Develi, Sinem Uslu, Nilgün Kasapbasoglu, Erkan Petekkaya, Burç Kümbetlioglu, Claudia Memory Monroe, Duygu Yetis, Ali Barkin, Esra Dermancioglu, llber Gurtunca, Koray Ergun, Toygan Avanoglu, Mine Teber, Kang Yeon Jeong, Halil Kumova, Chaby Han y Mert Hepcan.  

PRODUCTORA: Dijital Sanatlar Production.

 

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: European Dreams Factory.

KARMA FILMS PRESENTA NOVEDADES EN DVD/BR JULIO 2019

UTOYA: 22 DE JULIO: CRÍTICA DE CINE

Erik Poppe dirige, Utoya: 22 de Julio con guion de Anna Bache-Wiig y Siv Rajendram.

Kaja (Andrea Berntzen) es una joven de 18 años, está pasando el verano junto a su hermana pequeña Emilie (Elli Rhiannon Müller Osbourne) y otros compañeros en un campamento en la isla noruega de Utoya. A través de los móviles se enteran de la explosión de una bomba,  unas horas antes, que ha afectado a la oficina del ministro de Estado y del Ministerio de Justicia y Seguridad Pública en Oslo, lo que desconocen es, que el terrorista de ultraderecha Anders Behring Breivi, está en la isla con la intención de llevar a cabo una gran masacre.  

Un thriller dramático, duro, abrumador y devastador; narrado en tiempo real con cámara en mano, provocando de esta manera, un mayor impacto y realismo, en el espectador. El filme comienza 12 minutos antes del nefasto atentado, en el que murieron 77 personas y hubo más de un centenar de heridos. Con sangre fría y mucho temple, Poppe nos presenta su versión de los hechos.

El noruego, Erik Poppe, es uno de los directores más experimentados de su país. Comenzó su carrera como fotógrafo para el periódico  “Verdens Gang” el diario más importante de Noruega y en la agencia de noticias “Reuters” cubriendo noticias nacionales y conflictos internacionales. Tras un percance, decidió ingresar en el Dramatiska Institutet de Estocolmo, especializado en Cine, Radio, Teatro y Televisión, graduándose como director en el año 1991. Trabajó para otros realizadores como director de fotografía, “EGGS” de Bent Hamer 1995  y en 1998 presentó su ópera prima “Schpaaa”  obteniendo un gran éxito; continuaría con “Hawaii, Oslo” 2004, “Aguas turbulentas” 2008, “Mil veces buenas noches” 2013, “La decisión de Rey” 2016 y tras el documental sobre el profesor Per Fugelli “Yo muero” en 2017, nos llega esta demoledora película.

El 22 de Julio de  2011, es un día que Noruega no olvidará jamás y que Poppe desea mostrar al público, no solo de su país, sino al mundo entero, para que tampoco lo haga. Una obra entre el documental y la ficción, pues nuestra protagonista Kaja, que será el hilo conductor de lo que va a suceder, es un personaje ficticio, como el resto de sus compañeros.

Con cámara en mano, como ya he comentado, el director nos intenta sumergir en el epicentro de la historia con absoluto realismo, realizando una recreación de los hechos a través de un dudoso plano secuencia. Un tiroteo que no cesa en ningún momento, hasta el final de la obra. Seremos partícipes de las estrategias que tanto Kaja como sus compañeros, buscarán para no ser alcanzados por un proyectil y aquí digo que intenta, porque si bien durante gran parte del metraje, lo logra, la monotonía y los pocos e innecesarios diálogos que nuestra protagonista mantiene con sus compañeros, provocan que por instantes, nos saque de la historia. Me he preguntado si no será porque nuestra mente así lo requiere o por la forma en que discurren los acontecimientos en la gran pantalla, sea como sea, no exime al filme de causar una agobiante y asfixiante claustrofobia,  más cuando al asesino no se le ve en ningún momento, pero sí las carreras frenéticas de los jóvenes y los rostros de algunos de ellos.

Cada nota de la dolorosa banda sonora a cargo de Wolfgang Plagge,  convive de forma precisa con los gritos de los jóvenes, las cortas conversaciones, las respiraciones, los sonidos de la naturaleza, las carreras y los tiros que se van introduciendo en nuestra cabeza, hasta  desear que cesen.

“No deseo abrir nuevas heridas, sino acompañar al largo proceso de curación” (Erik Poppe)

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Andrea Berntzen, Aleksander Holmes, Brede Fristad, Ada Eide, Sorosh Sadat, Elli Rhiannon Müller Osbourne, Torkel Dommersnes Soldal,  Solveig Koløen Birkeland, Magnus Moen e Ingeborg Enes Kjevik.

PRODUCTORA: Paradox Film 7 // Programme MEDIA de la Communauté Européenne// Nordisk Film// Norsk Filminstitutt.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

BOSQUE MALDITO: CRÍTICA DE CINE

Bosque Maldito cuenta con guion de Lee Cronin y Stephen Shields y está dirigida por Lee Cronin.

Sarah O´Neill (Seána Kerslake)  decide romper con su pasado y se traslada con su hijo Chris O`Neill (James Quinn Markey) a un caserón cerca de un gran bosque, para emprender una nueva vida. Madre e hijo se llevan muy bien aunque Chris echa de menos la ciudad y sus amigos. Un día Chris se enfada con su madre y se interna en el bosque, perdiéndose. Sarah lo busca, descubriendo como en medio de ese bosque, existe un gigantesco cráter. Regresa a casa con la esperanza de que su hijo haya regresado. Chris aparece al poco tiempo, pero algo ha cambiado en él.

La infancia, de nuevo, como hilo conductor de una película, y es que sin la menor duda, la fragilidad que ofrece un niño, tanto física como psicológicamente, siempre nos mantiene alerta y con ese instinto de protección, sea o no de nuestra propia sangre. En “Bosque maldito” que yo prefiero una vez más su título original “The Hole in the Ground” (El agujero en el suelo), Cronin nos interna en ese mundo a través de Chris y Sarah.

Lee Cronin, escritor y director irlandés, antes de ofrecernos su ópera prima “Bosque maldito” dirigió algunos cortometrajes “Through the Night” 2010, “BillyandChuck” 2011, hasta llegar su obra más premiada “Tren fantasma” 2013 ganando importantes premios entre ellos el Mélièr d`Argent al mejor cortometraje fantástico europeo. En 2016 junto a otros directores, colaboró en “Minutes Past Midnight” con una pequeña pieza, ahora nos llega con este filme de terror, como me gusta denominarlo: "familiar" y que por sí mismo, se está convirtiendo en un subgénero, pues ya va siendo habitual ver películas donde las relaciones madre e hijo, son frecuentes.

Antes de nada, comentaros que Bosque Maldito, es uno de esos filmes de bajo presupuesto y que aunque considero que es una obra para ser disfrutada y degustada por los exquisitos del género, presenta algunas carencias, como es el abuso de la oscuridad, que si bien en algunos instantes es necesaria para crear cierta atmósfera, entre esas tonalidades grisáceas, que como nubes plomizas parecen caer sobre los personajes, en otros momentos, nos obliga, en demasía, a esforzarnos por ver lo que no podemos ver y creemos necesario visualizar.

No es un filme que ofrezca una historia original en un principio, pues no desvelo nada, al decir que estamos de nuevo ante una posesión de un niño, porque ya en la propia publicidad del filme reza “Qué pasa si el mal se apodera de tu hijo” intuyendo que Bosque maldito entra en ese apartado de filmes de invasiones que los amante al cine recordarán títulos como: “La invasión de los ladrones de cuerpos” de Don Siegel 1956 o el remake de 1978, “La invasión de los ultracuerpos”  de Philip Kaufman, sin olvidarnos de “Secuestradores de cuerpos” de Abel Ferrara 1993. La diferencia entre las mencionadas y la que nos incumbe ahora, es la relación madre e hijo y este sin la menor duda es el gran fuerte de la película.

Seána Kerslake y James Quinn Markey, nos hacen olvidarnos en más de una ocasión, que estamos ante un filme de terror, porque en realidad, no es una película de miedo al uso, más bien es una obra que parece querer invadir nuestro espacio vital. Uno de esos filmes invasivos a través del cual, la vulnerabilidad queda al descubierto, como le sucede a nuestros personajes. Por un lado tenemos a la madre amorosa y protectora que intenta dejar un triste pasado tras ellos, aunque no nos lo diga con claridad y ese niño, que como cualquier infante, no comprende los cambios tan drásticos que provocan los adultos. Una perfecta relación madre e hijo que tras una discusión y ese internamiento en el bosque del joven, todo cambia para entrar en el lado más perturbador del filme.

Bosque Maldito es una película incómoda y angustiosa en la cual, desgraciadamente, Lee Cronin, aun con una excelente dirección actoral, se pierde un poco en la historia y deja algunos hilos sueltos que obliga al espectador a sacar sus propias conclusiones, más allá de lo necesario. Destaco, la magnífica banda sonora donde a través de sus notas, Stephen McKeon, nos va sumergiendo en la historia y la fotografía de Tom Comerford, pues resuelve muy bien, la carencia de presupuesto a la hora de los decorados.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Seána Kerslake, James Quinn Markey, James Cosmo, Kati Outinen, Simone Kirby, Steve Wall, Eoin Macken, Sarah Hanly, Bennett  Andrew, David Crowley y John Quinn.

PRODUCTORA: SP Films// Bankside Films// Head Gear Films// Metrol Technology// Wrong Men North.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

AL AGUA GAMBAS: CRÍTICA DE CINE

Al agua gambas está dirigida y escrita por Máxime Govare y Cédric Le Gallo.

 

Matthias Le Goff (Nicolas Gob) es subcampeón del mundo de Waterpolo. En una entrevista hace un comentario homófobo y el comité le castiga teniendo que entrenar a un equipo compuesto por gays, cada uno de ellos al cual más desastroso, solo piensan en divertirse... en todo el amplio abanico de la palabra. Mientras, en sus vidas diarias, arrastran sus propios fantasmas. Son el peor equipo de los Gay Games, donde volverán a participar, tras clasificarse.

“Los gambas purpurina” como se denomina el equipo, está formado por: Jean (Alban Lenoir), Cédric (Michael Abiteboul), Alex (David Baïot), Damien (Romain Lancry),  Xavier (Geoffrey  Couët), Joël (Rolan Menou) y Bertrand (Pierre Samuel). Juntos  emprenderán un largo viaje en un autobús de dos plantas, hacia Croacia, a los Gay Games. Un viaje en el que todos aprenderán de todos, pero quizás el más enriquecido con la experiencia será, Mathias.

Una nueva comedia francesa llena de tópicos típicos, en esta ocasión, sobre el universo gay, tratados con inteligencia y astucia. Una obra con un guion sencillo, predecible y disfrutable. Casi siempre nos adelantamos a lo que va a suceder, ante la naturalidad y la credibilidad que nos ofrecen sus personajes.

La película está dirigida por Máxime Govare y Cëdric Le Gallo: Máxime es un escritor, productor y director francés de cine y televisión. Ha participado en diversas series. Su  ópera prima para la gran pantalla fue “Toute Première fois” 2015 que dirigió y escribió junto a Noémie Saglio, continuando con “Daddy Cool” 2017 compartiendo guion, una vez más, con Noémie, pero dirigiendo ya en solitario y este 2019 nos llega con “Al agua gambas” que escribe y dirige junto a Cëdric Le Gallo. Para Cëdric es su primera película, basándose en su propia historia, cuando decidió unirse a un equipo de waterpolo gay, para hacer amigos. El título de la película surgió mientras Cëdric estaba una noche en una piscina. “Shiny Shrimps”, "Camarones brillantes". Camarones, por el lado acuático, y brillantes, por la parte festiva de la obra. Un filme entre el lado desenfadado y en ocasiones exagerado y los diálogos que nos harán meditar en más de una ocasión.

En los últimos años hemos visto un cierto acercamiento entre deporte y homosexualidad pues deportistas masculinos y femeninos de élite han dicho:  Hasta aquí hemos llegado, declarándose abiertamente gays o lesbianas y en ese gesto de liberación personal, provocar una marea positiva en cientos de niños y niñas, incluyendo a sus familias, que veían en esos jóvenes deportistas de ambos sexos,  héroes  a imitar. Un buen número de armarios se han abierto en estadios de futbol, canchas de tenis, piscinas, pabellones olímpicos, etc., y los que faltan por abrirse.

Hablemos de los actores, pues el gran peso de la obra son ellos y sus extravagantes locuras. Cada frase, por estúpida que parezca, ellos la convierten en una sonrisa o carcajada o aquellas, que deben llevar a la reflexión al espectador e incluso el tocar la fibra. Todos los personajes arrastran sus propios fantasmas y en ese viaje irán liberándolos, abandonándolos en el camino, aprendiendo de la vida que aunque no siempre sea al gusto de todos, podamos sacar una sonrisa e incluso, de la adversidad. Ocho actores masculinos que si bien destaca su actor principal Nicolas Gob, el resto de sus compañeros están a la par. Todos, sin excepción, defienden sus personajes entre sus miedos, problemas y deseos de seguir adelante.

Una comedia gratificante y refrescante para esta época del año. Los dos directores saben lo que le gusta al público y se lo ofrecen, y lo que está claro, es que al salir de la película, lo que apetece, con estos calores, es un buen chapuzón en una piscina.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Nicolas Gob, Alban Lenoir, Michael Abiteboul, David Baïot, Romain Lancry, Thomas Croisière, Jonathan Louis, Romain Brau, Geoffrey  Couët, Rolan Menou, Maïa Quesemand, Pierre Samuel y Felix Martínez.

 

PRODUCTORA: Improductible// Kaly Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

GÉNESIS: CRÍTICA DE CINE

Génesis, cuenta con guion y dirección del canadiense Philippe Lesage.

Charlotte (Noée Abita)  y Guillaume (Théodore Pellerin) son dos hermanastros adolescentes. A Charlotte su novio Maxime (Pier-Luc Funk) le propone ser pareja abierta, ella no está conforme y poco a poco se va alejando de él. En una fiesta conocerá a Theo (Maxime Dumontier) con quien comenzará una relación.

Guillaume, estudia en un internado, es conversador, divertido, seguro de sí mismo y popular entre sus compañeros. Tiene un gran amigo, por el que siente cierta atracción. Su homosexualidad está latente y buscará la forma de hacerla pública, aunque dicha decisión, tal vez no obtenga los resultados que él espera.

Félix (Édouard Tremblay-Grenier) conocerá a una chica durante su estancia en un campamento de estudiantes, de quien se enamorará. Los dos buscan estar el mayor tiempo posible juntos, pues saben que tras el campamento, posiblemente no se vuelvan a ver.

La juventud canadiense a través de las andanzas de esta pareja de hermanastros durante gran parte del filme, con sus personalidades tan dispares al enfrentarse a la vida y a la sexualidad, y la de Félix, en su recta final. Nos mostrarán los celos, las envidias, las separaciones, las inseguridades, los engaños, las fiestas y desfases, las relaciones abiertas en la pareja, los estudios e incluso la primera vez que dos manos se entrelazan entre miradas.  

Philippe Lesage nació en Quebec, estudiando en la Universidad McGill y en el European Film College. Comenzó su carrera como documentalista, con su ópera prima “Pourrons-nous vivre ensemble?” estrenado en 2006, continuando con “¿Cómo puedes saber si los pececitos son felices?” 2009 y en 2010 con “El corazón que late” ganaría el Premio Jutra al Mejor Documental, saltó al cine narrativo con “Los demonios” 2015, un año más tarde estrenaría “Copenhague: A Love Story” y ahora llega con su tercer largometraje “Génesis” en un nuevo filme autobiográfico.

Un filme que navega entre las etapas del amor, desde el primer embelesamiento a las decepciones tras un tiempo compartiendo. Lo que uno considera como pareja para toda la vida, la otra persona, creerá que no tiene porqué ser así. El deseo de volar a otros nidos, entre el arrepentimiento y la satisfacción. El amor presentado de forma sutil, desde la heterosexualidad a la homosexualidad y las consecuencias que provoca ese primer encuentro, ese primer choque y esa primera experiencia.

El propio director aseguraba que está basado en sus propias vivencias, que a la postre, pueden ser las de cualquier persona, pues quien más o menos, ha vivido ese despertar entre fiestas en discotecas o pub, entre charlas en los pasillos del colegio o caminando por el parque. Cuando nos llevamos el primer cigarrillo a la boca, disfrutamos de la primera cerveza, en medio de coqueteos con el sexo que más nos atrae. Los primeros besos furtivos, esas manos unidas, que muestran ante los demás, que existe algo más que una amista y las miradas, la gran importancia que el director da a las miradas sobre las palabras, como signo inequívoco de lo que está pasando o está por venir.  

Historias contadas con elegancia y sin prisas,  en las cuales el romanticismo y el dolor flotan en el ambiente desde el comienzo hasta llegar al final, en unas interpretaciones correctísimas y tan creíbles, que seguramente muchos y muchas se sentirán identificados. Una obra no exenta de guiños sociales y políticos, escuchando términos como islamofobia o terrorismo. Un filme donde las emociones  están a flor de piel y que Nicolas Canniccioni, logra plasmar a través de su cuidada fotografía.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Théodore Pellerin, Noée Abita, Brett Dier, Mylène MacKay, Marc Beaupré, Pier-Luc Funk, Maxime Dumontier, Édouard Tremblay-Grenier, Paul Ahmarani, Rose-Marie Perreault, Emilie Bierre, Vassili Schneider, Tomas Ross, Jules Roy Sicotte y Jean-Simon Leduc.

PRODUCTORA: Productions l´Unite Centrale.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Surtsey Films.