LA CAJA DE CRISTAL: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Alemania y Bélgica, La caja de cristal, está escrita y dirigida por Asli Özge “Mientras no me afecte a mí”

Una mañana, en un edificio del centro de Berlín, colocan una gran caja acristalada en el patio. La caja en sí hará las funciones de una inmobiliaria, cuya propiedad recae en el dueño del edificio, Johannes Horn (Felix Kramer).  Al día siguiente la policía cerca la puerta principal del inmueble impidiendo que entren o salgan los vecinos, pues se ha declarado un estado de emergencia. Henrike Koch (Luise Heyer), una de las propietarias, precisa salir para asistir a una importante reunión de trabajo pero se lo impiden. En su búsqueda por encontrar una solución, irá descubriendo que algo extraño está pasando entre sus vecinos.

La guionista, productora y directora, Asli Özge, se licenció en Comunicación en la Universidad de Estambul en 1995 y se graduó en la Facultad de Bellas Artes, Departamento de Cine y Televisión, en la Universidad de Mármara en 1999. Su primer trabajo llegó con el cortometraje “Büyük Harf C (Capital C) 2000 y su primer largometraje para cine con “Hombres en el puente” 2009, continuando con “Para toda la vida” 2013, “All of a Sudden” 2016 y este año presentarnos “La caja de cristal” 2023. Para televisión ha dirigido el largometraje “Ein bisschen April” 2003, el documental “Hesperos`un Çömezleri” 2005 y 6 episodios de la serie televisiva “Dunkelstadt” 2020.

Asli Özge disecciona a la sociedad actual con un bisturí bien afilado y sin temblarle el pulso, creando un drama tenso, asfixiante y demoledor, pues desde las primeras imágenes nos sitúa en el corazón del conflicto y nos perturba con la colocación de esa extraña caja de cristal, que ubica en el patio de una comunidad de vecinos un tanto peculiar. A través de ese acontecimiento se irán desvelando las miserias de las que el ser humano es capaz de albergar en su fuero interno, entre ellas: la avaricia, el odio, las mentiras, los miedos, los juicios de valor, la soledad, la familia, el trabajo o la falta del mismo o el aferrarse a los cambios y lo desconocido entre las traiciones, los celos, el racismo, la incertidumbre y cuanto puedas imaginar. Un cóctel molotov que eleva y altera la convivencia de quienes pululan por el bloque y traspasa la pantalla, calando en el espectador. ¿Qué está sucediendo realmente en esa finca en donde las conversaciones se vuelven secretas, los silencios refugio y las asambleas que llevan a cabo, campos de batalla?

La directora nos abre las puertas y ventanas para que seamos espectadores de excepción de este drama que se fragua a fuego lento, hasta llegar al desconcertante final, en medio de simbolismos y diálogos perturbadores y envenenados que se dispensan los propietarios, inquilinos y visitantes inesperados. Una obra teatralizada acomodada en los diferentes escenarios que componen el edificio: Interiores de las casas, el sótano, el ático, los pasillos, las ventanas indiscretas y por supuesto el patio, que late de modo muy especial. En cada uno de esos ambientes se desarrollan las escenas que dan cuerpo al filme, apoyándose en la desesperación por no saber qué les mantiene secuestrados, los secretos bien guardados de algunos de ellos, las verdaderas pretensiones de la inmobiliaria y la gentrificación como raíz.

Un thriller psicológico que cuenta con un nutrido grupo de actrices y actores que dan vida a los diferentes personajes, no libres de prejuicios. Un filme complejo al que no se le puede perder de vista en ningún instante, sino queremos perdernos entre las paredes y rincones. Este intrincado puzle nos envuelve en una atmósfera decadente, desoladora y terrorífica, pues no hay nada peor que pensar en medio del caos.

El filme está rodado prácticamente con cámara en mano, convirtiéndose, como en otras ocasiones, en un personaje más a tener en cuenta y que deambula en silencio, revelando instantáneas desde diferentes prismas que ayudan a desmarañar el oscuro guion, también escrito por Özge. La fotografía recae en Emre Erkmen, sustentada en su mayoría en planos cortos, provocando con ello una extraña intimidad entre el espectador y lo que está aconteciendo.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de Mayo

REPARTO: Luise Heyer, Felix Kramer, Christian Berkel, Timur Magomedgadzhiev, Manal Issa, André Szymanski, Sascha Alexander Gersak y Hanns Zischler.

PRODUCTORA: Gilles Mann Filmproduktion// Les Films du Fleuve// Port au Prince Film & Kultur Produktion// Zeitsprung Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Pirámide Films y Barlovento Distribución de películas.

EL FALSIFICADOR DE PASAPORTES: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Alemania y Luxemburgo, El falsificador de pasaportes, está escrita y dirigida por Maggie Peren.

La acción nos sitúa en Berlín en el año 1942, donde conoceremos a un joven judío de 21 años de nombre Cioma Schönhaus (Louis Hofmann), entrando a toda velocidad en unas dependencias de objetos perdidos, gritando que ha perdido su cartera en el autobús. Los responsables le ruegan que se calme y espere su turno. Obedece y sentado en un banco, se entretiene dibujando en un cuaderno que saca del bolsillo, llevándonos a un tiempo pasado en el que comenzó trabajando de falsificador de pasaportes, para evitar la deportación de judíos.

Maggie Peren, estudió Literatura alemana e inglesa, especializándose en Psicología por la Universidad Ludwig Maximilians de Munich. Antes de dirigir su primer cortometraje, fue autora de diversos guiones con los que obtuvo diversos premios. Sus primer trabajo en cine fue con el cortometraje “Hipocondríaco” 2005 para debutar en el largometraje con “Escolta especial” 2007 y continuar con “El color del océano” 2011, “Boda sin fin” 2020 y este año ofrecernos “El falsificador de pasaportes” 2022.

Cine con aroma clásico para relatarnos un nuevo drama basado en hechos reales, acaecidos en los inicios de los años 40 en Berlín, durante la guerra. Eran muchos los judíos que temían por sus vidas y para ello, buscaban la manera de cambiar de identidad con nuevos pasaportes y así pasar inadvertidos frente a los nazis. Entre esos judíos destacaré a sus tres protagonistas principales, al ya mencionado Cioma, a su gran amigo Det (Jonathan Berlin) y a la joven Gerda (Luna Wedler), rodeados de un interesante elenco actoral, que darán vida a los personajes de esta doliente estampa de la historia. Una historia de un pasado oprimido por el sufrimiento, los miedos, la violencia, el hambre, la miseria, las vejaciones y la muerte; que generó el nazismo durante la II Guerra Mundial y que pasados 80 años sigue latiendo en la sociedad, pues no sólo ha quedado plasmada en los libros de historia o en los recuerdos de los supervivientes, sino que poco a poco, año tras año, va siendo recogida por el séptimo arte desde la mirada de quienes la sufrieron, se les recuerda o escribieron sobre esa etapa oscura que nunca debió de existir. En esta ocasión, nos muestra a Cioma, representando a esos hombres y mujeres que intentaron salvar tantas vidas como tuvieron a su alcance, incluyendo las suyas propias, de las manos del diablo.

Maggie nos vuelve a hablar de ese dolor, desolación, tristeza y penurias que padecieron los judíos durante la etapa nazi, a través de un punto de vista, si cabe, más humano, alejándose del ruido y la metralla originadas en las zonas de combate o de las vejaciones y muertes en los campos de concentración; Peren nos sitúa en la ciudad de Berlín respirando miedo y hambruna. Humaniza a sus personajes. Judíos y no judíos temiendo por sus vidas, luchando por conseguir cupones de comida a cualquier precio, cuando el precio a pagar muchas veces no era el dinero, pues los bolsillos estaban vacíos y lo más importante, sobrevivir a las persecuciones de los especuladores o traidores, aunque también se abrían camino los benefactores.

Un filme duro y triste desde el primer fotograma al último, a través del  magnífico trabajo de dirección de Maggie Peren y las correctísimas interpretaciones, destacando a un extraordinario e impecable Louis Hofmann, encarnando a ese joven que lucha por vivir, por ser feliz, por pasar inadvertido, aunque siempre llegue tarde a su trabajo; que desea enamorarse y ser correspondido, que cuida de sus amigos e incluso entiende el terror por el que pasa la portera de su edificio, que no es judia. Una interpretación que conmueve al espectador y lo acompaña en ese infierno en la tierra.

La obra cuenta con una puesta en escena que genera escalofríos, transmitida por la mirada del director de fotografía Christian Stangassinger y la banda sonora de Mario Grigorov, cuyas notas musicales penetran en nuestra mente con tal sutileza, que duele. Un filme recomendable, pues si algo no podemos olvidar jamás, es la historia y las consecuencias que provocan gobiernos enfermos por la codicia y el dominio.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 13 de enero.

REPARTO: Louis Hofmann, Jonathan Berlin, Luna Wedler, Nina Gummich, André Jung, Marc Limpach, Yotam Ishay, Luc Feit, Jeanne Werner, Sina Reib, Catherine Janke, Stephanie Stremler, Stefan Merki, Marie Jung y Nickel Bösenberg.

PRODUCTORA: Dreifilm GbR// Amour Fou Filmproduktion// Network Movie Film-und Fernsehp.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: VERCINE.

PENÍNSULA: CRÍTICA DE CINE

PENÍNSULA está dirigida por Yeon Sang-ho compartiendo guion con Ryu Yong-Jae.

En el prólogo veremos al capitán de marina Jung- Seok (Gang Dong-won) llevar en su coche a su hermana mayor (Jang So-Yeon), a su cuñado Chul-min (Kim Do-yoon) y su sobrino Dong-hwan (Moon Woo-jin). Los cuatro subirán a un barco para escapar del brote de zombis. Ya en la cabina  un hombre infectado se convierte en zombi y entre el caos que crea, infecta a su sobrino y hermana, logrando sobrevivir el cuñado y él.

Han pasado cuatro años y a Jung-Seok y Chul-min, les persigue la culpa de no haber podido salvar a los suyos, viéndose involucrados en una misión para regresar a la península que está en cuarentena y recuperar un camión de comida abandonado que contiene 20 millones de dólares en bolsas, logran encontrar el camión en medio de la noche, pero los zombis están al acecho.

La película también ha sufrido su propia pandemia, pero antes, recordaros que “Península” es la secuela de “Tren a Busan”. Un filme Surcoreano que cosechó un gran éxito de crítica y taquilla. “Península” fue seleccionada para el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2020, el cual fue cancelado debido al COVID-19 y finalmente se estrenó en cines en Corea del Sur el 15 de Julio de 2020 y en los Estados Unidos el 21 de Agosto de este mismo año, durante esa tregua, tan corta, que nos ha dado la maldita pandemia. Un nuevo filme de zombis con una historia y personajes totalmente diferentes.

El actor, productor, guionista y director, Yeon Sang-ho, se graduó en la Universidad Sangmyoung con un grado en Pintura Occidental. Dirigió su primer cortometraje animado “Megalomania of D” 1997, continuando con otros trabajos como “D-Day” 2000, “The Hell” 2003,  “The Hell: Two Kinds of Life” 2006 y “Love Is Protein” 2008. En 2004 fundó la productora Studio Dadashow. Entre sus largometrajes de animación nos encontramos con “The King of Pings” 2011. En 2013 dirige el cortometraje “The Window” y el largometraje “The Fake”,  para finalizar con la animación, de momento, con “Seoul Station” 2015. En 2016 nos sorprende con el films de zombis “Tren a Busan” que obtuvo en Sitges los premios a Mejor director y Efectos especiales. Su siguiente trabajo será en 2018 “Psychokinesis” y este año regresa a las pantallas de los cines con la secuela de Tren a Busan, bajo el título de “Península”

Prefería el título que se había barajado anteriormente “Train to Busan: Península”, pues dejando solo la palabra “Península” puede despistar a los seguidores de la antecesora, que nos dejó a todos sorprendidos, incluso a mí, que no soy amante de estos seres come cerebros, pero no cabe la menor duda, que Yeon Sang-ho, tiene un gran dominio de la dirección creando filmes potentes en cuanto a la acción y el espectáculo. En esta ocasión va más allá y como él mismo ha reconocido, la película está inspirada en grandes referentes del cine apocalíptico, entre los que se encuentran el manga llevado al cine “Akira” 1988 de Katsuhiro Otomo o “Mad Max: Furia en la carretera” 2015 de George Miller. Mad Max, está muy presente en la persecución que encontramos hacia las tres cuartas partes de la película, incluso me atrevería a afirmar que reproduce algunas de las coreografías, de la película citada.

Y cuando digo de ir más allá, es que lo hace. En sus casi dos horas de metraje lo da todo y lo exagera todo. Creo que se ha envalentonado tras el éxito de Train to Busan y ha querido ofrecer el más todavía a los espectadores y no dar un salto mortal, sino varios; lo que sin duda va a dividir a los espectadores entre aquellos que pensarán que es una joya del género y quienes afirmarán que se le ha ido de las manos. Yo prefiero quedarme en un término medio y decir que la he disfrutado y el motivo es porque aunque se ven zombis a todas horas, hay momentos para los personajes vivos y con ello conocer un poco sus historias; tanto de los  ya citados en la sinopsis, como algunos de los que, en un principio, parecían ser pequeños secundarios.

Dirección general y actoral muy correcta. Un ritmo frenético desde el comienzo hasta el final, no decayendo la película en ningún momento. Una magnífica fotografía de Lee Hyung-deok, para una obra oscura y dolorosa y por supuesto la gran acompañante siempre de un filme, la música, en esta ocasión en la batuta de Young-gyu Jang. Un filme en el que no puede faltar la redención, el sacrificio, la enseñanza, la amistad, la familia, la pérdida y mucho más a través de unos magníficos actores, que como sucediera en la primera entrega de lo que parece será una saga, se muestran al espectador con absoluta credibilidad, empatizando con ellos desde el comienzo, mientras se disfruta de toda la pirotecnia visual entre balas, explosiones, persecuciones en coches, grandes coreografías, zombis hasta en la sopa que parecen ansiosos por correr maratones, en cuanto escuchan un bocinazo o lanzan una bengala, hasta llegar a las lágrimas de los más pequeños que, al menos a quien está escribiendo esta reseña, le conmueven. Lo dije casi al comienzo, no me gustan las películas de zombis salvo tres o cuatro contadas, por la trama que ofrecen, pero con este director, los disfruto.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Abril.

REPARTO: Gang Dong-won, Lee Jung-hyun, Lee Re, Kwon Hae-hyo, Kim Min-jae, Gyo-Hwan Koo, Kim Do-yoon y Lee Ye-won.

PRODUCTORA: Next Entertainment World// Blumhouse Productions// RedPeter Film.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

JUDAS Y EL MESÍAS NEGRO: CRÍTICA DE CINE

 

Judas y el Mesías negro está dirigida por Shaka King compartiendo el guion con Will Berson, basándose en una historia de Keith Lucas, Kenneth  Lucas, Shaka King y Will Berson. “¿Por qué la placa?... ¿Por qué no usar un cuchillo o una pistola, como un ladrón normal?”… “Porque una placa intimida más que un arma”.

El filme comienza con la entrevista a Bill O´Neal en 1989, preguntándole sobre sus actividades a finales de los 60 y principios de los 70. Se queda pensativo y nos lleva al año del asesinato de Martin Luther King a través de imágenes de archivo,  los disturbios que se originaron y el gran crecimiento de los Panteras Negra, quienes  alimentaban a los niños y cuidaban de la población negra. El líder de dicho grupo, Fred Hampton (Daniel Kaluuya) se convirtió en el enemigo público número uno para el FBI.

William O`Neal (Lakeith Stanfield) irrumpe en un bar haciéndose pasar por un agente del FBI, pero la jugada le sale mal y tiene que huir en un coche robado, siendo detenido por el agente del FBI Roy Martin Mitchell (Jesse Plemons) quien le propone un trato a cambio de retirar todos los cargos que tienen sobre él, para ello debe infiltrarse en los Panteras Negras; objetivo que consiguió al convertirse en uno de los jefes de seguridad del líder Fred Hampton (Daniel Kaluuya) y llevar consigo las llaves de varios cuarteles generales y casas francas de los Panther.

El partido Panteras Negra (Black Panther Party) fue una organización nacionalista negra, socialista y revolucionaria, que estuvo activa en Estados Unidos desde el año 1966 a 1982, creada para la autodefensa del pueblo negro e induciendo a la población negra a ejercer el derecho constitucional de tener armas. Entre sus actividades principales destacaban el asegurar  que todos los niños estuvieran alimentados, la lucha contra las drogas, la habilitación de clínicas gratuitas para la población y el impartir clases gratuitas de derecho y economía, autodefensa y primeros auxilios. William O`Neal dio su primera y única entrevista para la docu-serie “Eyes On The Prize 2”, fue miembro activo del Partido de las Pantera Negras y un informante pagado del FBI hasta principios de 1970, ganando el equivalente actual de más de 200.000 Dólares. Esta es la historia de algunos de sus componentes.

Shaka King, debido a que sus padres eran maestros de escuelas públicas, tuvo una educación en diversos vecindarios de Spanish Harlem y Fort Greene. Asistió a una escuela preparatoria predominantemente blanca en Bay Ridge y fue durante sus años de secundaria, cuando descubrió su pasión por la escritura creativa. Estudió Ciencias Políticas y cursó producción cinematográfica en Vassar Collage. Unos años más tarde ingresó en un programa de posgrado en Cine en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, en donde tuvo como profesor a Spike Lee. Su primer largometraje “Newlyweeds” 2013, fue su proyecto de tesis. Ha dirigido capítulos de series de televisión como: “People of Earth”  y “High Maintenance”, ambas en 2016, “Random Acts of Flyness” 2018 y “Shrill” 2019.  Realizó el cortometraje “Mulignans” 2014 y regresa al largometraje con “Judas y el mesías negro” 2020.

Judas y el mesías negro, nos ofrece una magnífica ambientación entre finales de los 60 a primeros de los 70, recordándonos con su estética visual a los filmes de aquella época a través de sus coches, mobiliario e incluso el vestuario creado por Charlese Antoinette Jones; pero sobre todo en el esmerado uso del color y la iluminación retro, entre planos muy sugerentes, en la mirada del director de fotografía Sean Bobbitt, quien logra sumergirnos, ya de entrada, en un tiempo entre décadas del pasado siglo XX. A tener en cuenta también, la inquietante partitura de Craig Harris y Mark Isham, que nos acompaña a lo largo del metraje.

Está claro que el anterior presidente de los Estados Unidos, con sus pensamientos retrógrados, levantó ampollas y cabreos entre el colectivo afroamericano, surgiendo movimientos como el Black Life Matters, que nos recuerda a otros tiempos que nadie debe olvidar, para que la historia no se repita. Sigo sin entender, como un país que se abraza a la bandera de la democracia y la libertad, presumiendo a los cuatro vientos de ser el país más avanzado, puede seguir tratando a una gran parte de su población como lo hace. Es por ello, que en estos últimos años, estamos observando que la industria del cine ante esa falta de tolerancia, violencia, maltrato y desigualdad, grita a través de la gran pantalla y de la pequeña, aquello que se ha escondido y se desea esconder tras cortinas de humo, con una fuerte crítica socio-política y Judas y el mesías negro, es un claro ejemplo, de lo que está sucediendo en la actualidad, en dicho país.

La película cuenta con un importante reparto actoral, a través del cual destacan sus dos protagonistas principales; ese traidor llamado William O`Neal, interpretado por Lakeith Stanfield y el líder de los Panteras Negra encarnado por un Daniel Kaluuya, en puro estado de gracia. Las interpretaciones de ambos, donde podrían tener una cierta paridad con Judas y el Mesías, elevan la tensión del filme, a través de dos personajes tan dispares y a la vez tan complementarios. Un tándem perfecto para un filme duro y desgarrador, narrando una historia pausada, que estremece de principio a fin.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Marzo en HBO Max.

REPARTO: Daniel Kaluuya, Lakeith Stanfield, Jesse Plemons, Martin Sheen, Ashton Sanders, Lil Rel Howery, Algee Smith, Jermaine Fowler, Robert Longstreet, Terayle Hill, Dominique Fishback, Nick Fink, Darrell Britt-Gibson, Amber Chardae Robinson, Adam Ratcliffe, Caleb Eberhardt, Zak lee, Alysia Joy Powell, Crystal Lee Brown, Amari Cheatom, Debbie Scaletta, Chris Hahn, Michael Buonomo, James Udom, Michael Harrity, Matt Hudson, Linda D. Gaines, Alonda Shevette, Steve Rizzo, Laura Allen, David Gragg, Peter Lawsn Jones, Mell Bowser, David Haynes, Aaron Kleiber, Tone Tank, Rober Petan, Todd C. Adelman, Anthony Garcia, Chris Drexel, Shalanda Fresh, Chris Breen, Bobby Rodriguez, Chris McCail, Brian Andrus, Suzie Coker, Longa Fry, David Goebel, Dominique Thorne.

PRODUCTORA: Bron Creative// MACRO// Participant Media

DISTRIBUIDORA: Warner Bros y HBO Max.

RELIC: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Australia y Estados Unidos, RELIC está dirigida por Natalie Erika James quien comparte guion con Christian White.

Kay (Emily Mortimer), es avisada de que su madre Edna (Robyn Nevin) hace días que no es vista por sus vecinos. Kay, junto a su hija Sam (Bella Heathcote) se desplazan  hasta la casona familiar, encontrándose con ella vacía, descuidada, con una sustancia negra que cubre una de las paredes del piso superior y notas recordatorias por toda la casa, pues Edna sufre un trastorno de la memoria.

Esa primera noche, Sam ve desde la ventana a su vecino Jamie (Chris Bunton) que padece síndrome de Down y le comenta que hace tiempo no visita a Edna, porque su padre se lo ha prohibido, mientras, Kay sufre pesadillas con un cadáver marchito y podrido en una vieja choza en el bosque. A la mañana siguiente, Kay se encuentra con su madre en la cocina, descalza y tras preguntarle dónde ha pasado esos días, la madre no contesta. Cuando Edna se retira a su cuarto, descubriremos que tiene un gran hematoma negro en el pecho.

El terror vuelve a visitar nuestras pantallas y nuevamente un extraño misterio y una casa encantada, serán los protagonistas principales de este filme, junto a las enfermedades hereditarias y la muerte, la demencia, el Alzheimer y por supuesto, la senectud. Un filme con tres protagonistas femeninas, tres generaciones con comportamientos y maneras de actuar muy diferentes, hacia las responsabilidades y el amor.

La escritora, directora y productora japonesa-australiana, Natalie Erika James de origen norteamericana, ha vivido en diferentes partes del mundo: Japón, China y Australia. Desde muy joven deseó ser directora, convirtiéndose en una gran consumidora de cine clásico. Viviendo en Shangahi, mientras estudiaba la secundaria, tuvo una profesora de arte australiana que la animó a conseguir su sueño, ingresando en el Victorian Collage Of The Arts en Molbourne. Tras la carrera se dedicó a los videos musicales y comerciales. En 2017 dirige “Creswick”, cortometraje que formó parte del Festival Internacional de Cine de Melbourne, entre otros festivales.  En 2018 realiza un nuevo cortometraje, “Drum Wave” y este año llega a nuestras pantallas con su ópera prima en el largometraje,  “Relic”.

“Relic” (La reliquia), que muy pronto descubrirá el espectador, a través de Natalie en la dirección y Christian con el guion, de forma física, no deja de ser una representación de la enfermedad como tal y que dicha enfermedad además, sea hereditaria; así como los fantasmas de quienes habitaron o están en la memoria de las mujeres, que no veremos, pero sí presentiremos sus presencias tras las paredes. Una casa que está viva, cambiando caprichosamente de forma y provocando con ello, una atmósfera claustrofóbica. Ejemplo de ello es cuando Sam se mete dentro de un cuarto, que minutos antes nos han relatado su historia y vive una experiencia angustiosa. Por esto y mucho más, nos damos cuenta de que no estamos ante un filme de terror al uso, sino más bien, que ese miedo, es producto de la propia psique. Aquí no vamos a contar con una banda sonora en la cual la percusión es la machacona protagonista de siempre, pues en esta ocasión, la música, cobrará lecturas muy diferentes, en la partitura de Brian Reitzell. Una banda sonora navegando en un pentagrama en el cual las notas crean una composición de dolor, drama y asfixia; como la propia historia inspira.

Una obra teatralizada en el interior de un caserón en el cual convivirán tres mujeres magníficamente interpretadas por Robyn Nevin, Emily Mortimer y Bella Heathcote; abuela, hija y nieta respectivamente, dando vida a personajes sólidos, dramáticos y oscuros. Cuenta además con una cuidadísima ambientación sustentada en los decorados de Steven Jones-Evans  y la fotografía de Charlie Sarroff, logrando un entorno espeluznante y claustrofóbico; bien acompañada, como antes comenté, por la banda sonora de Brian Reitzell.

En pocas ocasiones el final de un filme de terror, resulta tan emocional y tétrico.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 12 de Marzo

REPARTO: Emily Mortimer, Bella Heathcote, Robyn Nevin, Steve Rodgers, Chris Bunton, Jeremy Stanford, Catherine Glavicic, Christina O´Neill, John Browning, Robin Northover.

PRODUCTORA: AGBO, Carver Films// Films Victoria// Nine Stories Productions// Screen Australia//

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Selecta Vision.

NUEVO ORDEN: CRÍTICA DE CINE

En coproducción entre México y Francia, la película “Nuevo Orden” está escrita y dirigida por Michel Franco. “Una pesadilla que te mantendrá con la mirada en la pantalla hasta el final”

Marianne (Naian González Norvind) y Alan (Dario Yazbek Bernal) están celebrando su boda en la mansión familiar de Marianne, rodeados de sirvientes, seguridad e invitados muy importantes, pertenecientes a la alta sociedad. Cada rincón de la casa y de los jardines goza de la festividad entre risas, copas y comida servida en bandejas, esperando la llegada de la jueza que oficiará el enlace.

Ajena a esta fiesta, la ciudad se ve envuelta en  fuertes disturbios que originarán un golpe de estado. Los muertos se amontonan en las calles entre asesinatos a sangre fría, los hospitales se saturan de heridos y los arrestados son confinados en cárceles en donde sufren un trato vejatorio, esperando que las familias paguen los rescates. En medio de todo este caos, se encontrará Marianne, que a pocas de su boda, decide salir a ayudar a una mujer enferma del corazón.

El guionista, productor y director, Michel Franco, estudió comunicación en la Universidad Iberoamericana durante dos semestres, abandonando los estudios para abordar un trabajo de uno de sus profesores quien además le aconsejó que se dedicara al mundo del cine. Él no lo dudó rodando poco más tarde sus primeros cortometrajes “Cuando seas grande” 2001 y   “Entre dos” 2003, para debutar en el largometraje en 2009 con “Daniel y Ana” a los que han seguido “Después de Lucía” 2012, con el que ha conseguido diversos premios internacionales,  “A los ojos” 2013 junto a Victoria Franco, “El último paciente: Chronic” 2015 y “Las hijas de Abril” 2017, premiada en diversos certámenes. Este año nos presenta “Nuevo Orden”

Absorbente, demoledora, impactante e inmersiva son algunos de los adjetivos con los que se podría definir esta nueva obra de Michel Franco, rayando casi el terror psicológico en una distopía que nos mantiene pegados a la butaca, hasta su conclusión. Una voraz crítica a la sociedad, la política, el ejército y a la corrupción, entre otros temas, algunos de máxima actualidad. La crudeza y realidad con la que Franco nos muestra las imágenes, retratando las diferencias de clases sociales y la violencia con la que los poderosos ejercen el poder, sin la menor compasión, nos deja sin respiración. La cámara está constantemente en el punto de mira, en el corazón del volcán, a través de los diferentes escenarios por los que deben transitar, como si de un viacrucis se tratara, la joven  Marianne y algunos de los sirvientes de la familia, resultando especialmente claustrofóbicos los espacios carcelarios, en los que se encuentran secuestrados un gran número de ciudadanos. El director y guionista, tomando como testigos a los espectadores, exhibe sin miramientos, el final de un régimen y el comienzo de otro, con un desenlace que nos invita a sacar nuestra propia conclusión.

Uno de los grandes atractivos de este filme, es la humanidad que destilan los personajes, tanto los escritos sobre el papel como a la hora de ser interpretados. Franco nos brinda una dirección general muy potente y una actoral, que nos conmueve. La credibilidad otorgada por los actores se filtra a través de la pantalla logrando mantenernos en tensión, sin respirar y aun sabiendo que es una fábula, enojarnos. Naian González Norvind encarnando a Marianne, nos muestra su mundo exterior e interior con total espontaneidad y honestidad, entre el altruismo, nobleza y anteponiendo el socorro de los desfavorecidos a su bienestar personal.

A subrayar el importante equipo técnico con el que ha contado Michel detrás de las cámaras, destacando al director de fotografía Yves Cape, quien como un reportero de campo, nos muestra con claridad y en planos precisos, cuanto acontece en las revueltas, en la gran boda y en otros instantes, que ya irá descubriendo el espectador; apoyándose en el extraordinario montaje a cargo de Óscar Figueroa y Michel Franco, la sobrecogedora banda sonora de Cormac Roth  y por supuesto el sonido que traspasando nuestros tímpanos, llega a nuestro cerebro. Que diferencia el México que nos ofreció Alfonso Cuarón con su “Roma” al que nos trae este año Michel Franco. Por poético me quedo con el de Alfonso, pero por impactante y desgraciadamente realista, la nueva obra de Michel, no tiene parangón.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Febrero.

REPARTO: Naia González Norvind, Diego Boneta, Mónica del Carmen, Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle, Eligio Meléndez, Lisa Owen, Patricia Bernal, Enrique Singer, Gustavo Sánchez Parra, Javier Sepulveda, Sebastian Silveti, Roberto Medina y Analy Castro.

PRODUCTORA: Teorema// Les Films d`Ici

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A CONTRACORRIENTE FILMS.

23 PASEOS: CRÍTICA DE CINE

 

23 Paseos está escrita y dirigida por Paul Morrison. “Para el amor, no existe la edad”

Dave (Dave Johns) cada día pasea a su perra pastor alemán al igual que Fern (Alison Steadman) a su perro Yorkshier. Fern se queja de que Dave no lleve a su perra atada, cuando quien ladra es su perro. Poco a poco y día a día, los dos van intimando, con ciertas reservas y secretos que llevan en las mochilas de sus vidas. Durante 23 paseos iremos conociéndoles con sus defectos, virtudes e incluso con sus problemas familiares. ¿Qué guardan con tanto celo, que no desean que el otro conozca?

Paul Morrison, es guionista, productor y director de series de televisión y largometrajes; se ha especializado en documentales y filmes dramáticos. Una de sus películas más conocidas es “Solomon&Gaenor” 1999 que compitió al Oscar a mejor película internacional, en el año que Almodóvar se lo llevó por “Todo sobre mi madre”. Otras de sus obras son: “Wondrous Oblivion (Sorpresas de la vida)” 2003 y “Sin límite” 2007, el documental “The Night Show: Lucrezia Borgia Reveals All”, los cortometrajes “Without Walls: The night Show-A midsummer Night`s Scream” y “Degas and Pissarro Fall Out”1994 y para televisión “Unstable Elements” 1988 y “From Bitter Earth” 1989. Este año llega con su nuevo largometraje “23 paseos”.

Morrison retrata con gran naturalidad el paisaje inglés con sus campos e incluso con las nieblas tan características, aunque en esta ocasión no rodee a los personajes, sino a parte del paisaje. Un paisaje que se nos ofrece gélido en presencia de los dos protagonistas principales y casi únicos, que nos invitan a acompañarles, junto a sus dos compañeros fieles, a conocer sus historias, su relación y esos senderos por los cuales caminan, encontrándose con otros transeúntes que pasean a sus mascotas, como hacen ellos o practicando algún deporte.

Nuevamente la tercera edad en el cine, para concienciarnos que la vida la tenemos que experimentar con cada aliento que sale de nuestro ser. El dejarnos abatir o no, dependerá en gran medida del carácter y las ganas de vivir que se tengan, cuando surja ese momento, en ocasiones tan temido. ¿Quién dijo que el amor desaparece cuando se llega a cierta edad? Nada desaparece hasta el instante en que nos sumergimos en el sueño eterno y Dave y Fern, están muy lejos de darse por vencidos, tras unas vidas marcadas por las luces y las sombras. “23 Paseos” es un filme relajante, en el cual no existe el mínimo sobresalto, salvo en los secretos que él y ella guardan y que nos irán descubriendo a lo largo del metraje. Dos sutiles interpretaciones para un guion que podría haber dado un poco más de sí, pues todo se desarrolla demasiado lineal, como la vida misma, que sin duda es el objetivo de su narración.

La fotografía de David Katznelson y la música de Gary Yershon, nos acompañaran en esos paseos, largos y profundos paseos, junto a dos maravillosos perros cuya misión es acompañar a sus dueños y quienes también tienen sus propias historias.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 15 de Enero

REPARTO: Alison Steadman, Dave Johns, Rakhee Thakrar, Natalie Simpson, Oliver Powell, Vivienne  Soan, Bob Goody, Marasha Millar y Graham Cole.

PRODUCTORA: Met Film Production

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films.

SALVAJE: CRÍTICA DE CINE

 

Salvaje está dirigida por Derrick Borte, con guion de Carl Ellsworth. “La gente vive bajo tanta presión, que la mente no puede soportarlo”

Nos encontramos con un hombre (Russell Crowe) sentado en el interior de una furgoneta bajo una torrencial lluvia, se toma una pastilla y saliendo del auto camina dirección a la casa que tiene en frente, con un martillo en la mano. Revienta la puerta a martillazos y continúa con la misma operación con todos los miembros de la familia y antes de salir, prende fuego la casa. Ya dentro de su furgoneta, vemos como la casa explota

Rachel (Caren Pistorius) es una madre en proceso de separación. Vive con su hijo Kyle Flynn (Gabriel Bateman), su propio hermano Fred (Austin P. McKenzie) y Mary (Juliene Joyner) novia de Fred. Esa mañana Rachel se ha dormido y va tarde, tanto al colegio donde debe dejar a  Kyle como a su propio trabajo. En un cruce el semáforo pasa de rojo a verde y la furgoneta que hay delante no se mueve, tras unos segundos ella toca con fuerza el claxon y adelanta a dicha camioneta, en cuyo interior vemos al hombre que ha asesinado a la familia. Él la sigue y en el siguiente atasco, el hombre se disculpa con ella desde la camioneta y le pide que haga lo mismo con él, ella le dice que no tiene nada por lo que disculparse. A partir de ese instante, se desencadena una pesadilla que Raquel no podrá olvidar.

Esta nueva Road Movie que nos visita en este comienzo de año, se nos ofrece al más puro psicothriller, que nos recuerda a “El diablo sobre ruedas” 1971 de Steven Spielberg, aunque en esta ocasión el argumento se ha modernizado a la vez que resulta más demoledor y excesivo. Un exceso que hace honor al título “Salvaje”

El productor, guionista y director, Derrick Borte, se graduó en First colonial High School de Virigina en 1985 para continuar su formación en la Universidad Old Dominion (ODU) con un BFA en pintura. En 1991 se mudó a los Ángeles. Comenzó a vender sus obras en una famosa galería de arte y a trabajar como diseñador gráfico para empresas de Surf como Billabong, Gotcha y Rip Curl. Un año más tarde, en 1992, se trasladó al Este de Nueva York, para asistir a la Parsons School of Design en la cual se graduó con una Maestría en Artes en Estudios de Medios. Tras su graduación y pasar por diversos trabajos relacionados con el medio, logró un puesto en WAVY-TV 10. Junto a Scott Lochmus fundaron su propia productora “Storyland Pictures”. Debutó en el largometraje con “La familia Jones” 2010 a la que siguieron “H8RZ” 2015, “London Town” 2016 y “American Dreamer” 2018. Este año 2020, llega a las pantallas con “Salvaje”.

“Tocó el claxon a la persona equivocada y sufrirá las consecuencias” Sin duda esa sería la frase que definiría esta película de acción y violencia, pero además el filme hace una crítica voraz  a la sociedad norteamericana, en la que cada día que pasa, los episodios de furia se desatan en todo el país. La situación se ha vuelto insoportable y no solo en los barrios marginales, sino en las grandes ciudades y estados. Este es el relato, ficticio, de uno de esos psicópatas que andan sueltos y que la ley les protege bajo el amparo de que no pueden hacer nada hasta que no comentan un hecho violento o lleven a cabo una amenaza determinada. El propio director comentó “Con Salvaje me propuse escribir el guion más intenso de mi vida,  con un ritmo frenético y urgente. La historia se desarrolla en tiempo real y no levanta el pie del acelerador hasta que salen los créditos finales”. Doy fe de estas palabras, te mantiene pegado a la butaca, cortándote la respiración.

“Salvaje” es un filme oscuro viciado por la violencia, la agresividad y la esquizofrenia que cada día y con más virulencia se esconde en las pequeñas y grandes ciudades, despertándose con cada amanecer y plegando cuando la ciudad duerme, si es que lo hace; en ocasiones lejos de nuestro entorno, por lo que no somos conscientes de lo sucedido a no ser que lo veamos o escuchemos en las noticias, además, ¿cuántas veces nos hemos levantado con la pierna izquierda y vivimos un día nefasto en el que todo parece salir mal?.

En esta película nos encontramos con dos personajes muy diferentes, por un lado al perverso psicópata, encarnado muy acertadamente por Russell Crowe, quien con su mirada perdida junto al descuidado y voluminoso cuerpo que presenta en la actualidad, resulta idóneo para romper nuestros nervios y mantenernos en tensión, durante todo el filme. Os aseguro que lo logra. Del otro lado de la balanza, está esa mujer que se ha quedado dormida y va de cabeza para intentar llegar a tiempo al colegio de su hijo y a su puesto de trabajo, bajo una intensa lluvia y grandes atascos; y si todo esto fuera poco, se cruza en el camino con este ser despiadado, obsesivo, tóxico, deshumanizado y tremendamente violento. Una  interpretación muy correcta de Caren Pistorius. Dos personajes que durante una hora y media, harán vivir al espectador al filo del colapso, bajo una dirección precisa y un ritmo endiablado.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 6 de Enero

REPARTO: Russell Crowe, Caren Pistorius, Jimmi Simpson, Gabriel Bateman, Anne Leighton, Lucy Faust, Devyn A. Tyler, Michael Papajohn, Austin P. McKenzie, Stephen Louis Grush, Sylvia Grace Crim, Vivian Fleming-Alvarez, Jenanne Alexander, Gretchen Koerner, Samantha Beaulieu, Juliene Joyner, Donna Duplantier y Tim Bell.

PRODUCTORA: Solstice Studios// Burek Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

MI AMIGO PONY: CRÍTICA DE CINE

 

Mi amigo Pony está dirigida por Nicolas Vanier compartiendo guion con Maxime Giffard y Jérôme Tonnerre.

Cécile (Elisa de Lambert) tiene 10 años y se traslada junto a su madre Louise (Julie Gayet), recién separada, a la casa familiar que esta  conserva en un pueblo. Cécile se siente un tanto sola y perdida, porque no consigue hacer nuevos amigos,  es entonces cuando un pequeño circo ambulante se instala en el pueblo. Cécile se cuela y ve la función, contemplando con extrañeza como el dueño del circo, Brancalou( Pastrick Timsit), maltrata a un pony de nombre Poly. Cécile decide rescatar al animal y huir con él.

Una vez más Nicolas Vanier confía en una novela de la escritora Cécile Aubry para llevarla al cine. La primera fue “Belle et Sébastien” que dirigió en 2013 adaptando el guion junto a Juliette Sales y Fabien Suarez, obteniendo un importante éxito; aquella historia nos narraba las aventuras de Sébastian, un niño de 6 años y su pero Belle; ahora llega con “Mi amigo Pony”, una nueva aventura familiar para estas fechas tan especiales, que la propia autora adaptó y dirigió para la televisión entre los años 1961/73. En esta ocasión será una niña la que buscará la manera de salvar la vida de un pony.

Las obras documentales y novelas del aventurero, escritor y director, Nicolas Vanier, están basadas en sus aventuras efectuadas por las zonas más peligrosas y salvajes vividas entre las montañas. Un gran defensor de la naturaleza, cuya opinión se sustenta en  que naturaleza y hombre, son uno.  Siempre ha tenido en cuenta, en sus más de 25 años de experiencia, el respeto por el medio y los autóctonos del lugar, durante sus visitas y rodajes. Entre sus obras encontramos su ópera prima “El último cazador” 2004, sobre el mundo de los tramperos. “Lobo” 2009, “Belle y Sebastián” 2013, “La escuela de la vida” 2017, “Volando juntos” 2019 y este año nos ofrece “Mi amigo Pony” 2020.

Mi amigo pony se perfila como una de las películas familiares de estas navidades, una obra de la cual disfrutarán pequeños y mayores tocando los temas favoritos de su director: La naturaleza, el mundo rural, la protección de los animales y el entorno, la amistad, la familia y en esta ocasión, además, el machismo. Una obra que habla directamente al espectador, como es frecuente en él, entre narraciones sencillas. No busca aleccionar pero si concienciar, en donde sigue apostando por su teoría que “La naturaleza y el hombre, son uno” y en esa defensa, nos involucra indirectamente a que comprendamos y nos comprometamos a respetar la vida en todas sus variantes, dejando que el destino siga trazando los caminos, en la libertad que la naturaleza y el destino tienen trazados.

Como buen viajero y documentalista que es, en las obras de Vanier observamos ese lado aventurero y un tanto naturalista en sus personajes, sin olvidar el toque documental que confiere a las imágenes y los entornos que rodean a los protagonistas. Espacios fotografiados en esta ocasión por Christophe Graillot, con quien trabaja por primera vez, pero que sabe muy bien como seguir esa estela que caracteriza al director. Nicolas se apoya en un elenco actoral en parte adulto y en parte joven, que dirige con espontaneidad, para obtener unas interpretaciones correctas entre diálogos sencillos y comprensibles, para todos los públicos. La banda sonora ha corrido a cargo de Éric Neveux, que endulza el filme con sus notas. 

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Diciembre.

REPARTO: François Cluzet, Julie Gayet, Patrick Timsit, Elisa de Lambert, Orian Castano, Patrick de Valette, Matthieu Pillard, Anne-Marie Pisani, Luc Palun, Jean-Jérôme Esposito.

PRODUCTORA: SND Groupe M6// Bonne Pioche// France3 Cinéma// Umedia// uFund// Canal+// France Télévisions// OCS// Région Languedoc-Roussillon-Midi Pyrénées// Le Tax Shelter du Gouvernem.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

PERFUMES: CRÍTICA DE CINE

 

PERFUMES está escrita y dirigida por Grégory Magne. “La amistad es la esencia de la vida”.

Guillaume Gavre (Grégory Montel) trabaja como chofer para una empresa, está separado, con una hija, Léa (Zélie Rixhon) a la que adora y ella a él. Anne Walberg (Emmanuelle Devos) es una perfumista, una “nariz” profesional, que trabaja creando perfumes y en aquellos lugares que requieren de su arte. Es una mujer engreída y egoísta, que ni siquiera es capaz de dar las gracias. Cuando Anne contrata a Guillaume para que la lleve a determinados actos, descubrirá su arrogancia, pues Guillaume le pondrá las cosas muy claras. Curiosamente, tras el primer enfrentamiento, Anne  vuelve a requerir sus servicios, para un nuevo trabajo.

Los o las Narices, son personas profesionales que trabajan en la industria de la belleza. Son artistas que están entrenados en profundidad en los conceptos de la estética de las fragancias y que son capaces de transmitir conceptos abstractos y estados de ánimo con sus composiciones.  Se dice que para crear un buen perfume, las narices tienen que tener un entrenamiento de más de 10 años. Estas narices, normalmente, empiezan con la creación de perfumes para jabones o champús. Según el perfumista argentino Bernardo Conti “La Nariz es siempre una persona muy entrenada en el aspecto olfativo que conoce muy bien los 5.000 componentes disponibles para crear un perfume y sobre todo, tiene acceso a mucha información sobre las tendencias, los gustos de los consumidores y sus hábitos de uso.” Los cinco más valorados en orden alfabético: Alberto Morillas, François Demachy, Jean Claude Ellena, Olivier Cresp y Thierry Wasser.

El guionista y director, Grégory Magne, dirigió su primer documental en 2007, cuando decidió cruzar el Atlántico desde La Rochelle hasta Salvador de Bahía en un velero de 6,5 metros, con tan solo una cámara y sin medios de comunicación y así relatar su vida en el mar. Unos años más tarde, en 2012 junto al guionista, cámara y director Stéphane Viard escribió y dirigió el que sería su primer largometraje “L´Air de Rien  y ahora llega en solitario con “Perfumes” 2020.

Bajo el título de perfumes, - aunque yo haya comenzado hablando de las mejores narices del mundo y no por el tamaño de las mismas, sino por la virtud que tienen determinadas personas, para distinguir y mezclar olores y así luego poder disfrutar de maravillosos perfumes - el filme de Grégory Magne nos guarda varias agradables sorpresas; la primera, el encuentro entre ese chofer y esa profesional del olor. Dos personas muy diferentes que viven en mundos muy dispares, pero que el trabajo y el ser muy sinceros el uno hacia el otro, logrará el milagro del acercamiento creando una tensión emocional muy importante, en donde a través de esos viajes por trabajo, entre detalles, comidas y conversaciones, conoceremos la vida de ambos. Vidas interesantes que Magne elabora sin prisas, al igual que los perfumistas crean un buen perfume.

Si bien la semana pasada os comentaba que hay un número de directores galos que parecen estar acomodados sin el deseo de salir de su zona de confort, repitiendo hasta la saciedad un tema en concreto y manido por todos; aquí nos encontramos con lo opuesto y eso hay que reconocerlo y aplaudirlo. Grégory no solo ha dirigido con elegancia y temple este filme, sino que también ha escrito esta deliciosa comedia con toques dramáticos que nos hace sentir cómodos, con pequeños detalles, que se quedan grabados en nuestras retinas. Un filme amable hasta el punto de percibir la caricia con la que desliza la cámara, convirtiéndola en nuestros ojos para ser testigos de una historia de amistad, maravillosamente retratada.

El perfume de este filme cuenta con varias fragancias que se filtra entre las butacas durante los 100 deliciosos minutos del metraje. La primera de ellas y la más importante, la que dará cuerpo y vida a dicha esencia, la pareja protagonista que nos abraza en una  serie de situaciones difíciles de creer en un principio, pero que al final sucumbimos, pues Emmanuelle Devos y Grégory Montel nos seducen con sus impecables, delicados y creíbles trabajos. En segundo lugar el aroma que proporciona la banda sonora de Gaëtan Roussel, tan sutil que se vuelve etérea entre los fotogramas y la tercera, el poso refinado que nos deja la fotografía de Thomas Rames, luminosa, entre encuadres muy acertados y detallistas.

Prefiero, como me sucede en ocasiones, dejarlo aquí y que seáis vosotros quien descubráis esta encantadora y amable película y os dejéis llevar por su esencia, en estas fechas tan especiales.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Diciembre.

REPARTO: Emmanuelle Devos, Grégory Montel, Gustave Kervern, Zelie Rixhon, Sergi López y William Sciortino.

PRODUCTORA: France 3 Cinéma// Fes Films Velvet// Ciné+// France Télévisions// Région lle-de-france// Pyramide Distribution// CNC// Indéfilms 7// Région Grand Est// OCS

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures.

EL PADRE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido y Francia, EL PADRE, está dirigida por Florian Zeller quien comparte guion con Christopher Hampton. “El corazón de la demencia que se encuentra en nuestros cerebros, nos habla en primera persona”

Anthony (Anthony Hopkins) es un hombre octogenario, socarrón y obstinado, que vive solo. Su hija Anne (Olivia Colman) ha encontrado  de nuevo el amor y tiene intención de trasladarse a Francia con él. Busca, sin conseguirlo, la manera de que su padre esté lo mejor atendido posible, enfadándose con él por haber echado de malas maneras a Ángela, la última cuidadora  que había contratado y a quien ha acusado de robarle el reloj. 

La mente de Anthony comienza a fallarle, desconectándolo constantemente de la realidad, olvidando nombres y confundiendo a unas personas con otras, los espacios en los que se mueve o en los que creer estar habitando, mezclando instantes del presente con los del pasado e incluso, cambiando de carácter. Pero esto, como suele suceder muchas veces, es una pequeña parte de la historia.

Muchas veces se ha dicho que la vida es injusta y para mí lo es cuando se llega a determinadas edades, surgiendo el momento de poder disfrutar de la vida tras haber cumplido con las responsabilidades y obligaciones sociales, pero que por el contrario de una forma u otra, al llegar a esa tercera edad algunas veces, en vez de poder disfrutar de los años que quedan por vivir, atacan con virulencia las enfermedades y entre ellas, una de las más crueles, la pérdida de la memoria, la demencia senil o como ahora la conocemos, el Alzheimer. El problema es que además de que la persona que lo sufre va perdiendo la consciencia olvidando el mundo que le rodea, sus familiares sufren por ver como su ser querido se va deteriorando física y psíquicamente, precisando cuidados día y noche, sin tregua para el descanso.

El dramaturgo y director Florian Zeller, se graduó en el Instituto de Estudios Políticos de París. Según The Independent, Florian es “uno de los mejores talentos literarios de Francia”  Su primera novela la publico con 22 años “Artificial Snow” recibiendo el premio de la Fundación Hachette. Ganó el Prix Interallié en 2004 por su novela “Fascination of Evil” y varios premios Molière  para “La Mère y Le Père”. Su obra “Vérité” se representó en más de 30 países y mencionada en Londres, como la mejor comedia del año 2017. Su obra “La Mère y Le Père” ha sido traducida al inglés como “El Padre” por Christopher Hampton quien adapta dicha obra, al cine, junto a Florian, siendo además su ópera prima en el largometraje.

Dos importantes dramaturgos adaptan para el cine esta obra que ya cosechó grandes éxitos y premios muy importantes. Una obra en la cual lo que en un principio puede parecer un argumento sencillo, no exento de una fuerte carga emocional por el tema que trata, que ya es mucho, logra, además, elevar la tensión y complicarse ante los giros que Florian y Christopher ofrecen a la narración, manteniendo al espectador alerta gracias al espléndido montaje de Yorgos Lamprinos casando a la perfección esas piezas laberínticas procedentes de la mente enferma de Anthony, a la exquisita y elegante dirección de Florian Zeller y  por supuesto, a quienes nos sobrecogen con sus extraordinarias e impolutas interpretaciones de la mano de dos grandes estrellas como son, Anthony Hopkins y la carismática Olivia Colman. 

Dos grandes actores con esa flema británica que frente a la cámara, lo dan todo, devorándola, apoderándose  de su embrujo y llenando la pantalla con sus presencias. Olivia y Anthony están soberbios y como siempre, difícil de describir sus interpretaciones. Olivia Colman nos conmueve con su personaje de Anne, encarnando a esa hija que se enfrenta al dilema del cuidado de su padre con una grave enfermedad mental y la necesidad de rehacer su vida, tras lo perdido. Esa lucha interna anhelando lo mejor para su progenitor, pero también para ella, que ha vuelto a encontrar el amor; por su lado Sir Anthony Hopkins, el hombre polifacético, que lo mismo produce, escribe, compone, dirige, pinta o actúa; y precisamente actuando, a sus 82 años, es como nos atrapa bajo el carisma que le caracteriza y el aura que le envuelve. Es brutal el trabajo realizado a través del personaje que lleva su mismo nombre.  Ambos actores consiguen colarse en esas maquinarías perfectas que son nuestros cerebros y desmontar nuestros corazones.

Florian Zeller impregna de ese aroma teatral al filme y a la vez, lo dota de la agilidad y elegancia que requiere la filmación, diferenciando muy bien entre las tablas de un teatro y el plató cinematográfico, sin perder con ello la esencia del origen. Consigue con sutileza y naturalidad que entremos en la psique  del protagonista y experimentemos en primera persona, lo que siente el personaje, creándonos confusión, incertidumbre, vulnerabilidad y dudas, muchas dudas, hasta la resolución final. Se ha arropado con la delicada fotografía de Ben Smithard, quien con planos muy sutiles, nos muestra todo aquello que nos es necesario conocer.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Diciembre

REPARTO: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Willians, Mark Gatiss, Evie Wray y Ayesha Dharker.

PRODUCTORA: Trademark Films// Embarkment Films// Film4 Productions// F Comme Film// AG Studios NYC.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

EL INCONVENIENTE: CRÍTICA DE CINE

 

El Inconveniente está dirigida por Bernabé Rico que comparte guion con Juan Carlos Rubio. “…Eso tiene su gracia”

Sara (Juana Acosta) visita una vivienda con intención de comprarla, el agente inmobiliario (Carlos Areces), un tanto patoso y charlatán, le muestra una en una buena zona de Sevilla. El piso tiene un precio muy bajo, pero tiene un inconveniente, que la dueña del inmueble, Lola (Kiti Mánver), una mujer casi entrada en los 80 años, tiene que seguir viviendo en la casa hasta que fallezca. A pesar de este inconveniente, Sara compra la vivienda.

Sara es ejecutiva en una agencia de seguros. Una mujer cuyo carácter resulta severo y frío, pero solo con la gente que ella considera que debe serlo, a la vez que práctica en la vida real. Está casada con Daniel (Daniel Grao) con el que lleva 8 años conviviendo y no parece sentirse feliz. Lola, que está separada de Víctor (José Sacristán), se convertirá en su amiga y confidente.

De nuevo el teatro llega a la gran pantalla. La obra  fue escrita y dirigida por Juan Carlos Rubio, originalmente titulada “100m2”. Se estrenó en Miami en mayo del 2008 y en nuestro país el 3 de agosto de 2010, en el Festival Internacional de Teatro de San Javier en Murcia. Sus intérpretes originales fueron María Luisa Merlo, Miriam Díaz-Aroca, Jorge Roelas y Miguel Vigil y producida por Cinco Jotas, Vértigo y Txalo Producciones, S.L. Alcanzó un gran éxito a nivel internacional, viajando por países como Australia, Costa Rica, Grecia, Italia, Puerto Rico, Suiza y Venezuela, entre otros y traduciéndose a seis idiomas. En la actualidad se preparan nuevas giras internacionales y nacionales.

El productor, guionista y director, Bernabé Rico, Estudió Arte Dramático con Cristina Rota en Madrid. Regresó a Sevilla, para terminar la Carrera de Derecho que había dejado a aparcada y fundó junto a otros compañeros la compañía Tal&Cual. Su trabajo ha navegado entre las artes escénicas y cinematográficas, trabajando junto a Juan Diego Botto en el montaje “Lorca, al rojo vivo”. Otras obras de teatro que ha producido han sido “Las heridas del viento” y “El Príncipe de Maquiavelo” de Juan Carlos Rubio, “El pez gordo” de Roger Rueff así como “Razas” y “Muñeca de Porcelana” ambas de David Mamet y Oddi de Sergi Pompermayer, entre otras. Es miembro de FAPAE, de la Junta Directiva de la Asociación de la Industria del Cortometraje (AIC) y la Coordinadora del Cortometraje Español. Entre sus cortometrajes se encuentras obras como “Libre directo” 2011, “Cowboys” 2014, “Todos mis padres” 2018 e “Intermedio” 2020; este mismo año, además ha debutado en el largometraje con “El inconveniente”.

No he tenido la oportunidad de ver esta obra en teatro, pero desde luego que el mayor acierto, entre otros muchos que tiene la película, es haber contado con Kiti Mánver en el papel de Lola. Está deslumbrante, magnífica, espectacular, divertidísima, emotiva… hasta el punto de desear que fuera nuestra tía, abuela o la vecina de al lado, a la que se le tiene tanto cariño. El espectador se rinde ante ella y ella lo lleva a su terreno, al igual que hace con su partner Sara, interpretada por una Juana Acosta, brillante. Aunque el filme  cuenta con algunos secundarios importantes, ellas dos solas se bastan para llenar la pantalla y hacer disfrutar al espectador, hasta el último segundo.

No siempre una adaptación al cine de una obra teatral funciona como se espera, pero no es este el caso, pues Bernabé Rico ha sabido conferir al filme de un excelente ritmo y una sobresaliente puesta en escena,  para que la historia no decaiga en ningún momento y por el contrario, sacar el mejor partido a un magnífico guion que ha compartido con Juan Carlos Rubio, el autor de la obra original. Todo parece estar confabulado para que esta película, sencilla en su base, se convierta en una pieza fundamental y necesaria en estos momentos, incluso en ese punto en el que Lola decide confinarse voluntariamente en su casa y tener su propio escondite, alejado de la vista de los demás.

Un filme amable que ha ganado diversos premios como el Premio del Público y la Biznaga de Plata a la Mejor actriz Kiti Mánver en el Festival de Málaga. La banda sonora ha corrido a cargo de Julio Awad, incluyendo  temas como “Chez Luna” interpretado por Vicky Luna, “Venecia sin ti- Que C´est triste venise” por Charles Aznavour, “Venecia sin ti” por Siempre así o “Déjame vivir” en la voz de Carlos Areces. Para finalizar no voy a citar la frase que Sara menciona en un momento determinado, porque prefiero que la escuchéis en su voz, pero sí ese dicho de que debemos vivir el momento, porque el mañana no sabemos si realmente existe y si existe, ¿qué nos depara?

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Diciembre

REPARTO: Juana Acosta, Kiti Manver, Carlos Areces, José Sacristán, Daniel Gravo y Eduardo Rejón.

PRODUCTORA: La Claqueta PC// TalyCual Producciones// Tito Clint Movies.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.