UNA RECETA FAMILIAR: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Singapur, Japón y Francia, Una receta familiar, está dirigida por Eric Khoo con guion de  Tan Fong Cheng y Wong Kim Hoh.

Masoto (Takumi Saitoh) regenta un restaurante Ramen en Takasaki (Japón) junto a su padre, trabajo del cual está orgulloso, buscando siempre, nuevos sabores con los que atraer y sorprender a los clientes. Un buen día, su padre muere y mientras revisa los recuerdos guardados en una vieja maleta, encuentra el diario inacabado de su madre fallecida, una historia que le llevará a viajar a Singapur, para encontrar la razón del sufrimiento de su madre.

En Singapur conocerá a Miki (Seiko Matsuda), una bloguera de comida japonesa, quien le ayudará a localizar a sus familiares; entre ellos a su tío materno Ah Wee (Mark Lee (III)) y su abuela Mei Lian (Beatrice Chien). Su tío, tía y primos están encantados con su presencia, pero con respecto a la abuela…

Un filme que navega entre la ficción  de sus personajes y el lado “documental”, que nos ofrece las diferencias gastronómicas entre Japón y Singapur. La diversidad en el arte culinario entre ambos países se convierte por sí misma en protagonista casi absoluta y la fotografía, de Brian Gothong Tan,  la causante y encargada de vestir cada plato y  escena.

         Brian Gothong Tan, nos ofrece una fotografía sutil y delicada,  al revivirse los recuerdos de un pasado incompleto, con matices suaves e idílicos, a través de estampas difuminadas. El presente por el contrario, estará marcado por tonalidades contemporáneas, equilibrando los instantes vividos entre fogones o las situaciones de los encuentros familiares. La riqueza de planos y el ágil montaje a cargo de Natalie Soh, enriquecerán toda la obra como los condimentos,  a los alimentos.

          Un viaje por los sentidos y los recuerdos familiares. Un homenaje a la gastronomía, a los aromas que desprenden los guisos tradicionales tan característicos en cada una de las casas, aunque no podamos percibirlos, realmente,  a través de la pantalla.  Recetas guardadas como tesoros, como el tradicional Miso Ramen japonés o el Bak kut teh . El amor a la cocina, es como el perfume que desprenden nuestras madres, que por muy alejados que estemos y por mucho que pasen los años, nos hará volver nuestra infancia, cuando traspase nuestras fosas nasales y papilas gustativas.

Un interesante guion desarrollado por Tan Fong Cheng y Wong Kim Hoh, a través del cual  Eric Khoo, nos narra de forma elegante, una historia con un pasado triste, con hojas en blanco en un diario que clama ser concluido, buscando las respuestas que nunca fueron contestadas y esperando un positivo desenlace. Los porqués, el perdón, las palabras que jamás quisieron ser escuchadas o murieron antes de ser citadas, los distanciamientos, el sentarse frente a la mesa y  compartir los instantes con la mejor compañía: la familia y los alimentos cocinados al amor de la lumbre.

Kevin Mathews, envuelve a la obra con su magnífica partitura, mientras disfrutamos de las actuaciones de cada uno de los personajes. Destacaría a Takumi Saitoh y a Seiko Matsuda.

Un filme escrito para despertar los  sentimientos y filmado para elevar los sentidos.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

REPARTO: Takumi Saitoh, Tsuyoshi Ihara, Seiko Matsuda, Jeanette Aw, Tetsuya Bessho, Mark Lee y Beatrice Chien.

PRODUCTORA: Zhao Wei Films Pte Ltd.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Avalon Distribución Audiovisual.

INFILTRADOS EN EL KKLAN: CRÍTICA DE CINE

La comedia de denuncia a la política Norte Americana, Infiltrado en el kkklan, está dirigida por Spike Lee (Malcolm X), con guion compartido con Kevin Willmott, David Rabinowitz y Charlie Wachtel, adaptando la novela de Ron Stallworth, protagonista del  filme.

Las primeras imágenes que vemos forman parte de la escena de “Lo que el viento se llevó”, cuando Scarlett O´Hara, entra  en una gran plaza durante la Guerra de Secesión, en la cual los heridos del Sur cubren todo el suelo, mientras son atendidos por enfermeras y un  médico, de ese momento saltaremos al  discurso racista de un político supremacista blanco, abogando por un país libre de negros y ensalzando el eslogan de “Que Dios bendiga a la América blanca” 

Es 1978 cuando Ron Stallworth (John David Washington), entra a formar parte de la policía de Colorado Springs, destinándole al departamento de archivos. Un día lee en el periódico local que el Ku Klux  Klan está buscando nuevos miembros y se le ocurre la brillante idea de infiltrarse dentro de la organización, contactando con ellos y citándose con uno de los jefes, pero Ron es negro y  para ello tendrá que pedir ayuda a su amigo Flip Zimmerman (Adam Driver)

Durante la entrevista que le realizan a Ron, para ingresar en  el cuerpo de policía, Spike Lee,  ya nos regala una frase importante: “Nunca ha habido un policía negro en esta ciudad, creemos que usted puede cambiar las cosas por aquí”. Frase que el alcalde negro de Colorado Spring, le dispensa a Ron, en unos tiempos de grandes revueltas sociales, por la lucha de los derechos civiles.

          Spike Lee, aunque haya afirmado algunas veces que no es un director político, no hace honor a sus palabas, pues toda la cinta está cargada de una fuerte crítica social y política racial hacia los afroamericanos, comenzando con esa emblemática escena de la mítica película, los discursos por ambas partes, hasta llegar a las imágenes de las manifestaciones  recientes en Estados Unidos, protestando por las políticas de su actual presidente.

         A través de las vivencias reales de Ron Stallworth, adaptadas de su libro, nos ofrece una extraordinaria comedia negra, en la cual si bien se esbozan algunas sonrisas, predomina más el drama y la tensión emocional. En parte  por seguir sin comprender, el por qué de tanto odio hacia la raza negra, desde los tiempos de la esclavitud hasta los nuestros, porque si algo sigue teniendo una gran parte de esa gran Nación a quienes se les llena la boca con la palabra democracia, es el racismo, no solo ya hacia la raza negra, sino hacia hombres y mujeres de otros países.

Un filme directo, incisivo, escarbando en las heridas y dejando a la vista los graves problemas por los que atraviesa el país. Una película provocadora con un buen ritmo que mantiene al espectador atento a todo lo que sucede, pues en ocasiones ambas formas de pensar entran en el juego, como ocurre con la fantástica escena en la cual  de manera paralela los supremacistas blancos (KKK) reciben al gran líder, la fiesta que montan para él y finalizando con la proyección de la película “el nacimiento de una Nación” de David Wark Griffith, gritando y saltando de alegría, cuando el KKK mata a los esclavos negros que pretenden escapar y del otro lado, la reunión de los afroamericanos escuchando a un anciano histórico, relatando como fueron las revueltas en sus tiempos y como la misma película, provocó a los blancos en medio de los enfrentamientos, a primeros del siglo XX, linchar y quemar a un joven afroamericano.

Excelentes interpretaciones donde hay que destacar sin la menor duda, a la pareja protagonista. Parece como si hubieran trabajado, siempre juntos. Cómplices hasta la última escena, desbordando una gran naturalidad.

Lo mejor de la película, sin duda, es toda la ironía que Spike derrocha y  ofrece al espectador, una vez más, en medio de una crítica social  potente, entre escenas en las cuales lo visual habla por sí mismo, a través de la mirada del fotógrafo, Chayse Irvin, el ágil montaje y la música de Terence Blanchard. Lo peor, aunque se soportan bien, son los largos discursos de un lado y del otro.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

REPARTO: John David Washington, Adam Driver, Topher Grace, Laura Harrier, Ryan Eggold, Corey Hawkins, Robert John Burke, Paul Walter Hauser, Craig Grant, Michael J. Burg, Chris Banks, Tom Stratford, Jasper Pääkkönen, Ashlie Atkinson y Ken Garito.

PRODUCTORA: Blumhouse Productions// Monkeypaw Productions// QC Entertainment// Perfect World Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Universal Pictures Internacional Spain.

BOHEMIAN RHAPSODY: CRÍTICA DE CINE

Bohemian Rhapsody es una coproducción entre Estados Unidos  y Reino Unido, dirigida por Dexter Fletcher y Bryan Singer, con guion de Anthony McCarten, Peter Morgan, Stephen J. Rivele y Christopher Wilkinson.

Freddie Mercury (Rami Malek) es un joven impulsivo, cantante y compositor, con un gran carisma. Busca formar una banda y se lo propone a un grupo que acaban de perder a su cantante. En ese grupo están  Brian May (Gwilym Lee), Roger Taylor (Ben Hardy) y el bajista John Deacon (Joseph Mazzello)

Comenzarán tocando en bares de música en directo, con temas que la banda llevaba en su repertorio e incluyendo algunos propios de Freddie Mercury. A una fiesta a la que son invitados, Freddie conocerá  a Mary Austin (Lucy Boynton) la chica de la que se enamorará y vivirá una intensa historia con ella, hasta que descubre su homosexualidad y aun así, Mary será para Freddie, su gran compañera y talismán, hasta el punto de irse a vivir a un piso, enfrente del suyo.

Aunque lo pueda parecer, no es un biopic sobre la vida de Freddie Mercury, eso vaya por delante, es la historia del nacimiento de la mejor banda de Rock que nunca ha existido,  lo que rodeó al álbum publicado en 1975, “A Night at the Opera” y cómo su sencillo, Bohemian Rhapsody, con una duración de 6 minutos,  les lanzó a la fama, entre críticas encontradas, pues se salía de todo lo que hasta entonces se había escuchado en una banda de Rock; hasta llegar a tocar  el cielo, en la participación del gran concierto “Live Aid” en 1985. Por tanto, si alguien busca lo sórdido de este gran cantante o del propio grupo, que se documente a través de biografías ya escritas, estamos ante un filme serio y sólido. Divertido y emotivo. Emocionante y nostálgico. Con grandes temas musicales y con un ritmo frenético.

Está claro, que la figura indiscutible de la película es el gran Freddie Mercury, su éxito, su caída a los infiernos y el resurgir como el Ave Fénix, para convertirse en la gran leyenda que es y que nunca olvidaremos. No profundiza en lo más interno de los personajes, ni falta que hace, aunque en parte seremos partícipes de las desavenencias que Freddie mantenía con su padre, la pasión por su madre, sus miedos, los amores confusos y verdaderos, las traiciones, la soledad, la amistad, la familia, las conveniencias, las envidias, los intereses creados, las manipulaciones, las mentiras y el aprender a quererse a uno mismo, hasta lograr la redención personal y profesional.

         Interpretaciones tan cuidadas, que por instantes creemos estar ante los componentes de la gran banda, sobre todo Rami Malek, poseído absolutamente por Freddie, en una interpretación magistral, digna de todos los premios, Gwilym Lee, como  Brian May o Ben Hardy como el mismísimo Roger Taylor y secundarios de la talla de, Ace Bhatti, en el papel del padre de Freddie. Pero me repito, que podría nombrar a todo el reparto y aprovecho para felicitar al fabuloso casting de Susie Figgis.

          Sobre la autoría en la dirección, a mi juicio hay que tener en cuenta a los dos directores. Bryan Singer comenzó con el proyecto, hasta que fue despedido, tras varios meses de rodaje, en diciembre de 2017, siendo sustituido por Dexter Fletcher. Dos direcciones correctísimas manteniendo el equilibrio entre lo emocional y el espectáculo. Han logrado sobradamente, desde mi punto de vista, todos los objetivos.

Una obra que te atrapa desde el minuto uno, contando con un gran equipo técnico. Destacaré el ritmo que le ha conferido al montaje el director Dexter Fletcher, la fastuosa fotografía de Newton Thomas Sigel, la impecable banda sonora  compuesta por Brian May y Roger Taylor, el diseño de vestuario de Julian Day o la dirección artística de los creadores: Aaron Haye, Hannah Moseley y David Hindle, en representación de todo el personal que ha participado.

Y he querido dejar para el final, la gran guinda del pastel, de esta obra impecable. La participación en el gran concierto que se ofreció el 13 de Julio de 1985 en el estadio Wembley de Londres. Ese día hubo dos conciertos para recaudar fondos en beneficio de los países de África Oriental. El ya mencionado y en el John F. Kennedy Stadium, en Filadelfia. En Wembley, Londres, el público enloqueció con las versiones que Queen ofreció ajustándose a los 20 minutos que cada artista tenía, piezas como: “Bohemian Rhapsody”, “Radio Ga Ga”, “Crazy Little Thing Called Love” o “Hammer to Fall” además de fragmentos de “We Will Rock You” y el gran himno “We Are The Champions” pero entre medias de estas magnificas composiciones, Freddie Mercury ofreció un impresionante duelo vocal con el público, algo que hacía en todos sus conciertos. Miles de personas, coreando, cantando y bailando, como lo harán los espectadores desde sus butacas, con el gran espectáculo que esta película ofrece.

Si tenéis la oportunidad de verla en una sala dotada con el sonido Dolby Atmos, no lo dudéis. La música os envolverá y creeréis estar en los conciertos o las salas de grabación.

Por todas las grandes sensaciones que esta película me ha ofrecido, por esos 20 minutos íntegros e inolvidables del concierto mencionado,  por la gran realización de la misma, por el extraordinario equipo que hay detrás y por las magníficas interpretaciones, doy a esta película mi primer 10 a un filme en imágenes reales, pues como muchos recordaréis, el otro 10 fue para una película de animación.

          Mi nota, sin la menor duda: 10

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

REPARTO: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Allen Leech, Michelle Duncan, Max Bennett, Ace Bhatti, Jorge Leon Martínez, Aidan Gillen y Tom Hollander.

PRODUCTORA: GK Films// New Regency Pictures// Queen Films Ltd. // Tribeca Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.

SIN FIN: CRÍTICA DE CINE

Sin Fin es la adaptación al largometraje de los hermanos César y José Esteban Alenda, de uno de sus exitosos cortometrajes.

Javier (Javier Rey) siempre ha vivido en su mundo, con ideas que va anotando en una libreta, y el trabajo como científico, donde su sueño es construir una máquina para viajar en el tiempo. Piensa más en el pasado y el futuro, que en su propio presente.  María (María León) es una joven desenfadada, divertida, viviendo la vida y tomando lo que esta le ofrece. Una mujer del presente.  

Un día ambos se conocen en un autobús nocturno. Él sentado solo con su libreta de notas y ella con dos chicos que la quieren llevar de fiesta. Al llegar a una parada, María decide no bajarse con los chicos y se queda con Javier. Ve en él algo que la atrae, aunque él no de ninguna muestra de interés. Ese desinterés, con el tiempo, le pasará factura a María, creando en ella, una terrible depresión.

Los hermanos Esteban Alenda, llevan al largometraje uno de sus cortometrajes, en una historia de ficción donde el amor o el intentar recuperarlo, será el tema principal, aunque su obra, posea múltiples capas.

Un drama romántico que nos habla de la timidez, de las indecisiones, de la cobardía ante las relaciones, del desgaste del amor, por no haber creído en él, por pensar que siempre va a estar ahí o simplemente  por dar prioridad al trabajo ante los sentimientos. Sin duda, uno de los grandes males de nuestra sociedad, el volverse hermético o demostrar ser frío como el témpano, aunque por dentro se esté ardiendo de pasión. El secuestrar los sentimientos por el fantasma de la inseguridad y postergar la felicidad en pro de los éxitos y del trabajo. 

Dos interpretaciones correctísimas para dos personajes cargados de matices, de conflictos internos y traumas no resueltos, que les impiden abrirse camino en el presente, chocando con un muro invisible, el creado por ellos. Javier Rey, se introduce en la piel y el alma de un personaje angustioso e introvertido. María León, está simplemente espléndida, radiante y adorable, en un personaje melancólico donde su corazón parece haberse detenido, como el reloj que lleva colgado.

Tras finalizar la película, me quedó la duda de si César y José habían hecho bien llevando al largometraje su corto, pues en algunos momentos la obra parece tender a caer en el abismo, como les ha sucedido a los propios protagonista, o tal vez es esa sensación de agonía, de tristeza palpable, de dolor desgarrado, de soledad no deseada; de miradas intensas, profundas, sentenciadoras, amorosas, reflexivas y cargadas de preguntas que reflejan los maravillosos ojos de María o las constantes dudas de Javier, presentes en su rostro; la verdadera razón del tempo que se toman. Una obra con claros símbolos como el reloj con forma de corazón que se detiene en un momento determinado, el “corre trigo” escrito en la libreta, el último rayo de sol, el viaje en autobús en el pasado y el presente, y tantos pequeños detalles, con los que los dos hermanos directores, nos mantienen atados a la butaca de forma cruel, para que agonicemos juntos a los personajes y sea nuestro corazón el que grite por ellos.

Hay dos apartados técnicos de los que casi siempre suelo hablar, son la música y la fotografía y en esta ocasión, casi no los menciono y el motivo es muy sencillo, tanto el fotógrafo Ángel Amorós, como el compositor Sergio de la Puente, han logrado crear intimismo con sus trabajos, sin apenas hacerse notar. Justo lo que la  obra requería. Mis felicitaciones.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Octubre

REPARTO: Javier Rey, María León, Juan Carlos Sánchez y Mari Paz Sayago

PRODUCTORA: Producciones Transatlánticas// Solita Films// Elamedia Estudios.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

MILLENNIUM: LO QUE NO TE MATA TE HACE MÁS FUERTE

"MILLENNIUM: LO QUE NO TE MATA TE HACE MÁS FUERTE"

Sony Pictures Releasing nos presenta el cartel oficial en castellano de "MILLENNIUM: LO QUE NO TE MATA TE HACE MÁS FUERTE", la primera adaptación a la gran pantalla del bestseller internacional escrito por David Lagercrantz, “The girl in the spider's web”, en la que volveremos a ver en la gran pantalla a Lisbeth Salander, personaje de culto y protagonista de la aclamada saga literaria creada por Stieg Larsson, que lleva venidos más de 86 millones de ejemplares en todo el mundo

La ganadora del Globo de Oro a mejor actriz por su interpretación de Isabel II en la exitosa serie “The Crown”, Claire Foy, interpreta a la proscrita justiciera bajo la dirección de Fede Álvarez, director de la aclamada película de suspense de 2016 “No Respires”. La acompañan en el reparto Sverrir Gudnason ("Borg vs. McEnroe") en el papel del célebre periodista de investigación Mikael Blomkvist y Sylvia Hoeks ("Blade Runner 2049"). La adaptación del guion es de Steven Knight, Jay Basu y del propio Fede Álvarez. La cinta llegará a los cines de toda España el próximo 9 de noviembre. 

LA NOCHE DE HALLOWEEN: CRÍTICA DE CINE

           David Gordon Green dirige,  La noche de Halloween, con guion compartido con Danny Mcbride, basándose en el  personaje creado por John Carpenter.

Han pasado 40 años desde que el Psicópata
 Michael Myers (Nick Castle) hiciera de las suyas hasta ser encarcelado. Ahora, el Dr. Sartain (Haluk Bilginer) ha logrado que sea cambiado de institución penitenciaria, para poder estudiar su mente.

Por otro lado, Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) permanece encerrada en su casa fortificada, tras haber vivido la traumática experiencia con el asesino en serie, 40 años atrás, y sobrevivir a sus ataques. Su hija Karen Strode (Judy Greeer) está felizmente casada y con una hija adolescente, Allyson Strode (Andi Matichak)

La víspera de Halloween, mientras Michael es trasladado a la nueva penitenciaria, el furgón sufre un accidente, quedando libres todos los presos, incluido Myers, quien comienza con las primeras matanzas, para continuar por las famosas calles de Haddonfield; pero esta vez, hay una persona que le espera, Laurie Strode.

Estamos ante la secuela del gran clásico del  maestro del terror y suspense John Carpenter y sinceramente, me ha gustado mucho. En parte porque David Gordon ha sabido respetar a su antecesora y no se ha aminorado ante ella, sino que por el contrario, se ha crecido para rendirle un gran homenaje, con claras referencias al cine de género y sobremanera a otras obras del maestro Carpenter. No en vano es el productor y es posible le habrá asesorado, pues se advierte el temple que John prestaba a cada secuencia, exprimiéndolas al máximo, con nervio de acero, para ahogarnos con la tensión del qué va a pasar. Por poner un ejemplo,  al principio del filme, encontramos un pequeño guiño a su película “La Niebla”

Nada es gratuito y nada está en exceso, pues toda la puesta en escena logra crear la atmósfera claustrofóbica necesaria para que el espectador esté en constante tensión. Sí, claro que voy a hablar de la fotografía. Excelente y magnífica fotografía a cargo de Michael Simmonds, entre nieblas, noches de luna, focos y linternas, mañanas claras y colores vivos, para dotar a cada plano y encuadre de minuciosos detalles, deleitándose entre recovecos, juegos  entre los cristales de los ventanales, que tal mente dan la sensación de poder traspasar o los diversos objetos que provocan el desconcierto. A tener en cuenta también, la envolvente y absorbente música compuesta por John y Cody Carpenter y Daniel A. Davies. Las notas creadas por John Carpenter para su obra original, son inconfundibles a lo largo de todo el metraje. Destacar el correctísimo montaje de Timothy Alverson.

Una vez más estamos ante una obra, que demuestra que con una  buena dirección, un apropiado guion, interpretaciones muy correctas siguiendo las pautas de una estudiada coreografía y un espléndido equipo técnico, se puede realizar una película, que nada tiene que envidiar a su antecesora. Estoy segurísimo que los amantes del género, van a disfrutar hasta el último minuto del filme, porque el final… es perfecto.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 26 de Octubre.

REPARTO: Nick Castle, Jamie Lee Curtis, Judy Greeer, Miles Robbins, Virginia Gardner, Will Patton, Toby Huss, Haluk Bilginer, Jefferson Hall, Andi Matichak y Christopher Allen Nelson.

PRODUCTORA: Blumhouse Productions// Rough House Pictures // Trancas Internacional Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Universal Pictures International Spain.


INAUGURACIÓN, FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO, NOCTURNA MADRID, 2018 (Fuera de concurso)

CLAUSURA DE LA VI EDICIÓN FESTIVAL INTERNACIONAL CINE FANTASTICO NOCTURNA MADRID 2018

Y con la entrega de premios y Mandy, llegó el final.

Un año más despedimos al Festival Internacional de Cine Fantástico, Nocturna Madrid, agotados tras los maratones de largometrajes y cortometrajes visionados durante 6 días. Seis intensos días donde se fortalecen amistades y se crean otras nuevas, en un festival abierto a las risas, gritos, conversaciones y mucho cine fantástico, adquiriendo cada año, mayor relevancia.

Un festival por el que han desfilado, a través de la gran pantalla, producciones llegadas de países como: Brasil, Argentina, EE.UU., Francia, Nueva Zelanda, Italia, Alemania, Japón, Australia, Reino Unido y de producción española. Es posible que se quede algún país en el tintero.

         Sergio Molina, director de Nocturna Madrid, emocionado un año más, tras el duro y fructífero resultado, comentó: “Hemos tenido una ventana para asomarnos al cine fantástico en Madrid durante 6 días y lo hemos hecho con pasión y respeto. Creemos profundamente en el cine de género, sabemos de su importancia, tanto popular como históricamente, e intentamos seguir fomentando su difusión, conocimiento y conservación mientras podamos”. Habló de la importancia de este festival para la ciudad de Madrid, cuyo impulsor fue su padre, el mítico Paul Naschy “...allí donde se encuentre estará esbozando una sonrisa”.

Una vez más, pues ha sido algo que ha repetido incansablemente cada día, agradeció al público de Nocturna Madrid su fidelidad, su implicación y su participación en un evento “que se hace por y para vosotros y que tiene algo de vertiginoso, pero también es muy gratificante”… “Hemos pasado unos días espectaculares. Muchas gracias, porque vosotros sois el festival”.

En su discurso no se olvidó de nadie, donde agradeció a las instituciones y a las entidades colaboradoras su apoyo para consolidar el festival. Mencionó a KBN Next Media y al Cinesa Proyecciones como las anfitrionas del festival, a la Fundación SGAE y al Ayuntamiento de Madrid a través de Cineteca por su apoyo fundamental y a Dark TV y a 8 Madrid Televisión, por “contribuir a difundir y preservar un legado cinematográfico de gran riqueza”, afirmaba. Mientras, hacía un guiño a su equipo “por hacer fácil lo difícil” y a pesar de la extenuación que provoca el ritmo de un festival como éste, “esbozar cada mañana una sonrisa”.  Y es que es cierto, las sonrisas nunca han dejado de iluminar los rostros de quienes componen este magnífico festival.

Los jurados del festival fueron, por parte de DARK VISIONS: Eva Baltés, Eduardo Zaramella y Quim Crusellas.

El premio  de los BLOGOS DE ORO, fue concedido por: Ignasi Muñoz (Palomitrón), Paco Reig (Última Fila centrado) y Miguel Ramos (Cine en serio)

El jurado de la Sección Oficial, estuvo compuesto por: Paco Fox, Jesús Palacios y Maria Kosty.

PALMARES DEL FESTIVAL 2018

• PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE INTERNACIONAL

BAGHEAD  del español Alberto Corredor

. PREMIO AL MEJOR CORTOMETRAJE NACIONAL

AMANCIO VAMPIRO DE PUEBLO de Alejo Ibáñez

• LOS PREMIOS DARK VISIONS A LA MEJOR PELÍCULA

TIGERS ARE NOT AFRAID de Issa López

• MENCIÓN ESPECIAL

SANTA AGATHA de Darren Lyn Bousman

• PREMIO de la crítica BLOGOS DE ORO

WHAT KEEPS YOU ALIVE

• PREMIO MEJORES EFECTOS ESPECIALES

THE NIGHTSHIFTER de Dennison Ramalho

• MEJOR ACTRIZ

BRITTANY ALLEN por What Keeps You Alive

• MENCIÓN ESPECIAL SECCIÓN OFICIAL

THE INVOCATION OF ENVER OF SIMAKU de Marco Lledó

• PREMIO DE HONOR NOCTURNA MADRID 2018

JORGE GRAU

• MEJOR ACTOR - PREMIO  VINCENT PRICE

CHRISTOPHE ABBOT por Piercing

• MEJOR GUION SECCIÓN OFICIAL

MIRAI, MI PEQUEÑA HERMANA de Mamoru Hosoda

• PREMIO DEL PÚBLICO A LA MEJOR PELÍCULA

MIRAI, MI PEQUEÑA HEMANA de Mamoru Hosoda

• PREMIO MEJOR PELICULA SECCIÓN OFICIAL (PREMIO PAUL NASCHY)

GHOSTLAND de Pascal Laugier

• PREMIO MEJOR DIRECTOR- SECCIÓN OFICIAL

PASCAL LAUGIER por Ghostland

EL PREMIO MAESTRO DEL FANTÁSTICO, que este año ha recaído en DON MANCINI, se entregó en el acto de inauguración.

         Un año más, por la parte que me toca como prensa acreditado al Festival, solo puedo agradecer las facilidades, el cariño, el respeto y las sonrisas que nos ofrecéis, sabiendo el esfuerzo y trabajo que lleváis  a vuestras espaldas, día a día. Muchísimas gracias a todos/as, por mantener vivo un gran festival hecho con el corazón, la mente y la lucha.

Mis felicitaciones y nos vemos el próximo año.