BAILANDO LA VIDA: CRÍTICA DE CINE

         El británico Richard Loncraine dirige Bailando la Vida, una amable comedia dramática con guion de Meg Leonard y Nick Moorcroft.

          Sandra (Imelda Staunton) está celebrando en su lujosa casa, junto a su familia y amigos, su jubilación. En un momento determinado escucha unos extraños ruidos y sorprende a su marido, Mike (John Sessions) enrollándose con su mejor amiga. Descubre en ese instante que llevan varios años viéndose y Sandra decide abandonar a su marido y el hogar e irse a vivir con su hermana mayor, la bohemia Bif (Celia Imrie)

          Bif y Sandra no tienen nada en común, salvo que se quieren, aunque lleven 10 años sin verse. Bif pasa el tiempo libre en clases de baile y aunque a Sandra le encanta bailar, tiene un alto sentido del ridículo, pero…

          De Bailando la vida se puede decir que es  sincera y dulce y en contra, que es totalmente predecible y tira de algunos tópicos. Dicho esto de entrada, comentaré que estamos ante una comedia dramática deliciosamente dirigida y magistralmente interpretada. No hay más que leer el elenco actoral con el que cuenta el filme.

         

     Si durante décadas hemos visto en el cine, los beneficios terapéuticos y sociales del baile entre los jóvenes  y la necesidad de practicarlo, mientras se comparten problemas e inquietudes, ¿por qué los más veteranos no iban a tener su réplica?

          Bailando la vida toca temas como la infidelidad, las diferencias sociales, la necesidad de amar y de compartir la vida, la vejez, la enfermedad, la búsqueda de la felicidad, los miedos, el recuperar la identidad y como dice en un momento una de las protagonistas: dar un salto de fe. Estamos ante una obra que destila humanidad  y verdad, de esos filmes que se agradecen para recordar lo que podemos estar perdiendo, mientras vivimos en una sociedad tan superficial como la actual.

          Los momentos musicales y coreográficos son simplemente deliciosos, despertando las ganas de vivir, de soñar, de sentir que se forma parte de la sociedad, de ofrecer lo mejor que se puede dar sin importar la edad y “robando” al espectador sonrisas cómplices; para ello, Michael J. McEvory se encargará de inundar el filme de buena música y buen rollo, mientras John Pardue, nos regala una delicada y más que acertada, fotografía.

          Como reseñaba prácticamente al comienzo, Richard Loncraine, dirige con aplomo y elegancia este filme y a sus  actores,  desde las soberbias interpretaciones por parte de las dos actrices principales Imelda Staunton y Celia Imrie, encarnando a las dos hermanas, pasando por el siempre impecable Timothy Spall y hasta el último de los secundarios, para convencer al espectador.

“Una cosa es tener miedo a morirse y otra muy diferente tener miedo a vivir”

          Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

          REPARTO: Imelda Staunton, Timothy Spall, Celia Imrie, David Hayman, John Sessions, Joanna Lumley, Indra Ove, Richard Hope, Sian Thomas, Josie Lawrence, Victoria Wicks, Frankie Oatway, Marianne Oldham, Paul Chan, Karol Steele

          PRODUCTORA: Ecipse Films/ Catalyst Global Media/ Powder Keg Pictures.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Distribuidora Wanda Visión.

UN LUGAR TRANQUILO: CRÍTICA DE CINE

          Un lugar tranquilo, la inquietante historia escrita por Bryan Woods y Scott Beck, que adaptan junto al director John Krasinski.

          Esta vez voy a ser muy breve en la sinopsis, pues nada quiero desvelar para que el espectador disfrute desde el primer segundo.

          La familia Abbott compuesta por Lee Abbott (John Krasinski), Evelyn Abbott (Emily Blunt), Regan Abbott (Millicent Simmonds), Marcus Abbott (Noah Jupe) y Beau Abbott (Cade Woodward), buscan un lugar tranquilo donde vivir, aterrorizados y sabiendo que el mínimo ruido, puede poner en peligro sus vidas.

          Un lugar tranquilo, arranca con un prólogo tan espectacular, que cualquier pensamiento que nuestra mente albergue en esos momentos, por pequeño que sea, desaparece al instante.

     

     El cine se homenajea a sí mismo una vez más, en esta ocasión volviendo a los orígenes, al cine mudo, y aquí con razones de peso. Una obra muda utilizando el lenguaje de signos y  cuidadosamente subtitulada, donde la palabra solo existe durante breves minutos, por lo tanto, queda claro que además de las interpretaciones de las que hablaré más adelante, el gran peso lo soporta la fotografía. Krasinski ha confiado dicho trabajo en Charlotte Bruus Christensen para hechizar al espectador y someterlo a una hora y media de auténtico infarto. Durante la proyección, solo hay que estar atento a dos cosas: No perder de vista la gran pantalla y no olvidarse de respirar, muy importante este último consejo y os aseguro que no es gratuito. Charlotte ejecuta un trabajo exquisito fotografiando con una percepción y precisión que sobrecoge. Revela todo aquello que debe ser mostrado, presentándolo con una fuerza arrolladora,  para atenazar al espectador en su butaca.

          Una obra para el lucimiento de sus cuatro actores principales, como ya comentaba, pues el lenguaje gestual, de signos  y corporal sustituye a la palabra, al convertirse el silencio, en el máximo aliado para sobrevivir a las situaciones que tendrán que lidiar. Emily Blunt, está simplemente brutal, espectacular, sobrecogedora, impresionante. Lo da todo y nos deja sin aliento. Si bien Emily con su personaje es el ejemplo de madre coraje, John Krasinski lo será como cabeza de familia cuya labor es proteger a los suyos cueste lo que cueste buscando, infatigablemente, la manera de que todos sobrevivan al holocausto que están sufriendo, en una interpretación correctísima. En cuanto a los dos jóvenes, destacaré primero a  Millicent Simmonds, que a primeros de año ya nos sorprendió en la magnífica obra “Wonderstruck: El museo de las maravillas” y aquí lo vuelve a lograr. De entrada el espectador debe saber que es sorda desde que tenía un año, por una sobredosis de medicación infantil, detalle a tener en cuenta, por la naturalidad en sus interpretaciones; y terminaremos con  su hermano en la ficción, Noah Jupe, el cual con sus miradas de pánico, deseos contenidos de hablar y el lenguaje que ofrece con su cuerpo, nos tienta a auxiliarlo en todo momento.

          Estamos ante una historia de terror con mayúsculas, sin la menor duda, donde Krasinski nos ofrece muchas lecturas, algunas de las cuales seguramente pasarán inadvertidas en un primer visionado, ante tanta tensión. Lo que sí destacaré es la importancia que presta a la familia. El poder de la unidad familiar, la necesidad de la complicidad entre sus miembros y el amor que se profesan. Con estos elementos, todo o casi todo, se puede conseguir.

          Nada quiero desvelar de la película, porque nada es gratuito. Es una obra para ser degustada de principio a fin y sin hacer spoiler os diré que a mí juicio una de las escenas más sobrecogedoras, es la de la bañera, aunque descubriréis otras donde las "alertas" se disparan. Si bien el silencio en los personajes es una necesidad, también es cierto que se convierte en una obligación contar con una buena banda sonora y sin la menor duda, Marco Beltrami, lo consigue.

          Dejo para el final al gran hacedor de esta obra maestra, John Krasinski. Como se puede leer en los títulos de crédito, no solo se enfrenta a la espléndida dirección, sino que también es guionista junto a los creadores de la historia, además del actor principal, como ya he comentado.  
       Es su tercer largometraje tras “Brief Interviews With Hideous Men” no estrenada en nuestro país y "The Hollar". Con este nuevo filme demuestra que conoce muy bien a los grandes maestros del suspense y del cine de terror porque, Un lugar tranquilo, encierra todo lo mejor del género y del buen hacer de maestros sobradamente conocidos.

          “Angustiosa, asfixiante, brillante, demoledora… El cine de terror necesitaba esta película, para cautivar a los amantes de este género”

          Mi nota es: 9

             ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

          REPARTO: John Krasinski, Emily Blunt, Noah Jupe, Millicent Simmonds, Cade Wooward, Evangelina Cavoli, Ezekiel Cavoli, Doris McCarthy.

          PRODUCTORA: Platinum Dunes/ Sunday Night.

         

           DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Paramount Pictures Spain

CUSTODIA COMPARTIDA: CRÍTICA DE CINE

           Custodia Compartida, drama de rabiosa actualidad dirigido y con guion propio de Xavier Legrand. Un filme que no te dejará indiferente.

          Myriam Besson (Léa Drucker) y Antoine Besso (Denis Ménochet) están divorciados. Tienes dos hijos, una adolescente rebelde Joséphine (Mathilde Auneveux) y el pequeño de 11 años, Julien (Thomas Gioria).

          Myriam solicita que sea revocada la custodia compartida de su hijo Julien, argumentando que éste no quiere saber nada del padre y presentando pruebas de ser un hombre violento. Por su parte Antoine intenta defenderse ante la juez, exponiendo que es la madre la que ha puesto a sus hijos en contra y que si bien Joséphine ya puede elegir con quien estar, pues en unos días cumplirá los 18 años, él desea seguir cuidando y educando a su hijo en una custodia compartida. La jueza falla a favor del padre.  

          Xavier se estrena en el largometraje, tras el gran éxito obtenido por el cortometraje nominado al Óscar “justo antes de perderlo todo”  En esta ocasión no se vuelve a andar por las ramas. Con guion propio, mesura y convencido de lo que debe narrar, presenta en la gran pantalla un nuevo drama familiar, en esta ocasión llevado al extremo absoluto hasta resultar chocante, pero comprendiendo a la vez, que es la única forma de hacer entender al gran público, la problemática tan grave que muchas familias atraviesan en nuestros tiempos cuando surge una separación y de la vulnerabilidad de los hijos, ante dicho conflicto. Una visión necesaria para educar a esos hombres y mujeres que ante una separación, por dolorosa que pueda resultar, la violencia no es ninguna solución.

          Un drama familiar tan absorbente como aterrador, cortando la respiración al espectador a quien deja tomar aliento en contadas ocasiones. Una narración que va calando segundo a segundo, ante la credibilidad de lo expuesto y de la fuerza de sus personajes, relacionándolos con casos reales y recientes. Si tuviera que poner un pero a esta obra, sería el no ser imparcial, pues si bien la gran mayoría de los casos conocidos son de mujeres e hijos maltratados e incluso asesinados por hombres, no se puede olvidar, que también existen mujeres maltratadoras y violentas. Hago esta pequeña reflexión, porque no es la primera vez que se escucha en boca de mujeres y hombres, cuando salen a relucir estos temas; pero aquí no estamos para juzgar, sino para analizar una obra magnífica que nadie debería perderse por la fuerza escénica que ofrece, sustentada no solo por la dirección y la historia, sino también por las excelentes interpretaciones. Eligiendo una de ellas, tal vez  por su vulnerabilidad, me quedo con la del joven Thomas Gioria.

          El clímax narrativo, es apoyado por la excelente fotografía de Nathalie Durand y la práctica ausencia de la banda sonora, para así poder percibir cada sonido natural que provocan sus personajes y los elementos con los que conviven. Un final impactante que deja sin habla al espectador y en silencio absoluto a los títulos de crédito finales.

           Demos la bienvenida a Xavier Legrand, al mundo del largometraje.

          Mi nota es: 8,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 20 de Abril

          REPARTO: Léa Drucker, Denis Menochet, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Coralie Russier.

          PRODUCTORA: K.G. Productions.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Golem Distribución.

LA FUNDACIÓN TONY MANERO: EN CONCIERTO

           La Fundación Tony Manero presentó su nuevo disco “Lugares comunes”  el pasado sábado 14 de abril en El Café Berlín de Madrid a las 23:00 horas, con lleno y éxito absoluto, quedándose mucha gente en la puerta sin entradas. Todos los allí presentes bailamos sus temas más bailables y disfrutamos de los más tranquilos.

          Dicen que la veteranía es un grado y el pisar muchos escenarios aún más, y está claro que La Fundación Tony Manero que naciera allá por el año 1996, a finales del siglo XX, como 20 son los años que cumplen como agrupación, saben  lo que le gusta al público en directo  y no dudan en ofrecerlo.

         Para quienes no conozcan a dicha banda, compuesta por, Miguelito Superstar (Voz), Lalo López (Guitarra y Voz) Paquito Sex Machine (Voz, Guitarra española y pandereta), Deliciosa Smith (Bajo y voz). Mr. Paco Manzanares (Teclados) y Marc Benaiges (Batería), comentaros que se trata de un grupo barcelonés de música disco y funk. Tuvieron a bien adoptar el nombre del personaje interpretado por John Travolta en Fiebre del Sábado Noche. En 1999 lanzaron su primer disco llamado “Bikini 17 y 18 de Marzo ´99” y desde entonces no han parado, debido al gran éxito que siempre han obtenido de público y crítica.

          Y es que sin duda, como he dicho anteriormente, saben cómo entretener al personal. Durante algo más de hora y media, jóvenes y no tan jóvenes, cantaron, tararearon y bailaron, entre los que me incluyo, cada uno de los temas. Son pura energía, no paran quietos en el escenario e interactúan constantemente con el público.

           En el concierto se tocaron temas como: “Sin querer” “La llama” “Día ideal” “Lugares comunes” título del nuevo álbum. “Can´t Nobody” “Antes de que te olvides de mí” “Algoritmo” “Beibi” “Bruno & Mía” “Dance Usted” “Supersexy” entre otros.

          Como bien dicen en su carta de presentación  sobre Lugares Comunes “Es un disco íntimo, lleno de belleza, ritmo y sensibilidad, en el que lejos de acomodarse, la banda da un paso más en su constante evolución a la búsqueda de un lenguaje propio dentro de la escena negra nacional, comenzando su gira de conciertos” … “Soul sofisticado y contemporáneo que habla de los lugares comunes  a los que hace referencia el nombre del disco, de elementos fundamentales de la vida de todos nosotros: La familia, el amor, la paternidad, los amigos, los momentos importantes y la vida cotidiana” 

          Sin duda, un disco maduro para un grupo con solera, cuyos conciertos recomiendo para quienes deseen disfrutar de dicha agrupación y su sonido en directo. Bailarás, cantarás y lo más importante, te evadirás de todos los problemas.

          Sobre el nuevo CD os comento que la primera edición se presenta en una edición Deluxe limitada a 300 unidades numeradas, con un artwork claramente inspirado y a la vez homenaje a las portadas de los vinilos de CTI Records.

          LA GIRA COMENZÓ EN MADRID EL: 14 de abril en el Café Berlín y continúa:

20 abril.-  Girona - Festival Strenes

27 abril.- Barcelona - La Farinera

5 mayo.-Zaragoza - Sala López

25 mayo.- Sevilla - Sala X

MATAR A JESÚS: CRÍTICA DE CINE

          La colombiana Laura Mora Ortega, dirige “Matar a Jesús”, compartiendo guion con Alonso Torres y basándose en hechos reales, vividos en sus propias carnes.

          Paula (Natasha Jaramillo) presencia desde el interior del coche de su padre, como éste es disparado a sangre fría, mientras sale del auto. Oculta de lo disparos, logra ver al homicida, escapar en una moto.

          Tanto ella como su familia, se sienten abandonados por la policía, que no hacen nada por encontrar al criminal, incluso de entre sus pertenencias, ha desaparecido el reloj del padre. Paula decide buscar por su cuenta y se interna en los suburbios de Medellín, hasta localizar al joven asesino.

          Laura Mora no se anda por las ramas, nos narra una parte de su propia historia en toda su crudeza, desafiante, dolorosa y con mano firme, para mostrar también la realidad de su país en pleno siglo XXI. Un país como en una gran parte de esa América, que parece estar detenida en el tiempo del progreso, de la sociedad, navegando entre políticas que en vez de apoyar al ciudadano, lo marginan.

          El clímax narrativo se va enrareciendo sin apenas ser percibido, penetrando en nuestra mente con gran sutileza y máxima efectividad. Te hace sentir incómodo,no estando muy seguro, en un principio, quien o el qué lo está originando, pues hasta la aguda banda sonora de Sebastián Escofet, conspira con la trama y los naturales encuadres de la magnífica fotografía de James L. Brow. Una obra sencilla en apariencia y grande en su mensaje. Laura Mora se desahoga, expulsando todo el sufrimiento que alberga su alma, mientras escribe y filma esta obra.

          La naturalidad en las interpretaciones está cuidadísima,  y sus dos protagonistas principales: Natasha Jaramillo y Giovanni Rodríguez, sobresalientes.  

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Natasha Jaramillo, Giovanni Rodríguez, Camilo Escobar, Carmenza Cossio, Juan Pablo Trujillo, José David Medina, Juan Camilo Cárdenas.

          PRODUCTORA: Coproducción Colombia-Argentina

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: El Sur Films

HEARTSTONE, CORAZONES DE PIEDRA: CRÍTICA DE CINE

          Heartstone, corazones de piedra cuenta con guion y dirección del islandés,  Gudmundur Arnar Guomundsson.

          Thor (Baldur Einarsson) vive con su madre, separada y sin ninguna aspiración en la vida, junto a sus dos hermanas. Christian (Blær Hinriksson) convive con sus padres, quienes discuten con frecuencia, siendo la bebida uno de los causantes.

          Thor y Christian son grandes amigos y en ambos comienza a despertar la sexualidad de forma muy diferente, el uno experimentando atracción hacia las chicas del lugar y en el otro, hacia su propio amigo.

          Gudmundur debuta en el largometraje tras su reputada carrera en el cortometraje y en palabras propias al preguntarle sobre su ópera prima dice: “Es una historia con un claro mensaje hacia los más jóvenes, una historia de hermandad, de aceptación de uno mismo y de la importancia de la familia” Y en efecto son sus tres puntos fuertes: Familias con problemas y viviendo vidas monótonas. El refugio de los más jóvenes en la amistad y la lucha por la aceptación según su condición. 

          Arnar juega astutamente con todos los elementos de la adolescencia, que pasen los años que pasen, sobre todo si se vive en zonas rurales o pequeños pueblos, como es en el caso de este films, se repiten una y otra vez. Los juegos inocentes, la complicidad entre amigos, el despertar de la sensualidad y la sexualidad dentro de las pandillas, los conflictos familiares e incluso los brabucones del pueblo, siempre buscando bronca y pelea.

          Un filme donde la sensación de claustrofobia está cuidadamente retratada por la magnífica fotografía de Sturla Brandth Grøvlen, mostrando en el ambiente esa frialdad y el paisaje gris, aun siendo verano. Las lluvias, los charcos, la hierba anegada, los cielos encapotados, donde las noches no existen como tal y las zonas más rurales presentan abandono de población en grandes extensiones naturales. La banda sonora de Kristian Eidnes Andersen, acunará una narración a un tiempo que parece inmóvil.

          Una dirección amable y tremendamente pausada, como exponente al reflejo que confiere el clima sobre el carácter de sus habitantes, pues cada día parece una continuación del anterior. Donde no existen razones por las que alterarse, sino sucede algo de verdadera importancia, pues incluso el alcohol y las discusiones familiares, son parte de la monotonía diaria.

          Hay mucho a tener en cuenta en esta obra, pero sin la menor duda me quedo con las magníficas y conmovedoras interpretaciones de sus dos protagonistas principales. Baldur Einarsson lleva con total naturalidad el peso de la película sobre sus hombros, enfrentándose a los dramas que se originan a su alrededor, principalmente en el personaje de su amigo y compañero, Christian, interpretado por Blær Hinriksson. Un papel complicado y contenido, discreto y emotivo, desembocando en sensaciones, emociones, conflictos internos y pasiones, sabedor que no podrá seguir ocultando por mucho tiempo sus sentimientos.

          Mi nota es 6,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Baldur Einarsson, Blær Hinriksson, Gunnar Jónsson, Søren Malling, Nína Dögg Filippusdóttir, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Nanna Kristín Magnúsdóttir, Dijá Valsdóttir, Katla Njálsdóttir, Daniel Hans Erlendsson.

          PRODUCTORA: SF Film Production ApS

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Abordar Distribución

LA DELGADA LINEA AMARILLA: CRÍTICA DE CINE

            La delgada línea amarilla cuenta con guion y dirección del mexicano Celso García, en cuya ópera prima narra una historia que mantiene al espectador atento desde las primeras imágenes.

          Toño (Damián Alcázar), Gabriel (Joaquín Cosío), Mario (Gustavo Sánchez Parra), Atayde (Silverio Palacios) y Pablo (Américo Hollander) son contratados por un ingeniero (Fernando Becerril) para pintar  la línea divisoria de una carretera entre dos puntos que distan más de 200 km., en un tiempo de dos semanas. 

          Esta curiosa Road Movie, a caballo entre el drama y la comedia, le sirve a Celso García para presentar en la gran pantalla su ópera prima. Una obra premiada en numerosos festivales internacionales. Es la primera vez que menciono un dato como este y si lo hago es  porque sinceramente una película tan elemental, con una historia en apariencia tan sencilla y unos recursos básicos, logran todos los objetivos pensados y deseados.

          El gran  peso del filme, sin duda, recae en una dirección ejecutada con el máximo equilibrio y precisión, bajo el apoyo de unas interpretaciones perfectas y totalmente creíbles, quedando clara la complicidad entre los cinco actores, a través de  sus espectaculares papeles. Esa complicidad se palpa desde el minuto uno, trasladando al espectador al lado más humano de los personajes y provocando en nuestras mentes, cuestiones del día a día.

          Unos personajes donde el “camino” les ha ofrecido vidas muy diferentes entre sí, vivencias y recuerdos en los cuales cada uno ha sabido sortear con mayor o menor acierto, según su carácter y manera de enfrentarse al destino, a cada situación, a cada instante…en definitiva, a la existencia única y personal del ser. La madurez de cuatro de ellos en frente a la juventud que representa Pablo. Un personaje que vive entre la nostalgia de haber abandonado su hogar y el deseo de aprender en cada paso que ha decidido dar, sirviendo de enlace durante el filme, con sus preguntas, para ir conociendo y comprendiendo a sus compañeros y lo que les ha llevado al trabajo que tienen en ese momento encomendado. Un viaje de más de 200 km., para la reflexión sobre la importancia de vivir y de no dejar atrás nada sin resolver que les pueda alterar el sueño.

          Celso García trata el material a narrar con suma delicadeza, como si lo tuviera entre algodones y no desear que nada ni nadie, sufra más heridas que las que ya llevan entre los recuerdos, en las mochilas de sus vidas. Una obra poética en un espacio de polvo y asfalto. De silencios y conversaciones. Un ejercicio de honestidad entre lo acertado y los fallos de los actos humanos, de la lucha por la supervivencia y…

          La exquisita fotografía de Emilio Villanueva nos hace partícipes de ese viaje y de cada instante que esos personajes viven, envueltos en una delicada banda sonora a cargo de Daniel Zlotnik, para un filme amable y muy necesario en nuestros tiempos.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Abril

          REPARTO: Damián Alcázar, Joaquín Cosío, Gustavo Sánchez Parra, Silverio Palacios, Américo Hollander, Fernando Becerril, Tara Parra, Sara Juárez, Enoc Leaño, Fermín Martínez.

          PRODUCTORA: Coproducción México-Francia/ FOPROCINE/ Springall Pictures/ Fidecine/ Mamut Cine.

          DISTRIBUIDORA en España: Syldavia Cinema.