MUÑECO DIABÓLICO: CRÍTICA DE CINE

Basándose en el personaje de Don Mancini, Muñeco Diabólico, está dirigida por Lars Klevberg con guion de Tyler Burton Smith.  Una diabólica comedia, con mucho ingenio.  

Karen (Aubrey Plaza) es una madre soltera, con un hijo adolescente, Andy (Gabriel Bateman) que acaban de mudarse a una nueva ciudad. Trabaja en unos grandes almacenes en el departamento de devoluciones. Siente pena por su hijo, que apenas sale de casa, no se relaciona con otros chicos y todo el día lo pasa  pegado a su móvil.

Al departamento van llegan algunas devoluciones de un muñeco, con la excusa de que no les gusta el color del pelo, de los ojos… aunque en realidad lo que desean, es el nuevo modelo. Buddi (Mark Hamill), es el muñeco de moda, es un juguete de última generación, que habla, aprende, se comunica con los niños y ayuda en diversa tareas.  Karen al descubrir que los muñecos devueltos serán destruidos, se lleva uno a su casa, para regalárselo a su hijo. Pero este Buddi que de entrada desea le llamen Chucky, tiene una forma perversa de demostrar su cariño, y es que hay amores que matan.

Recordemos que el muñeco diabólico, Chucky, es un personaje creado por Don Mancini. Un muñeco poseído por magia vudú que alberga en su interior el alma del asesino en serie Charles Lee Ray, una historia que escribió en 1988 Don Mancini y que dirigió Tom Holland. Fue tal el éxito que alcanzó, que dio pie a toda una saga. Ahora nos llega una nueva versión, adaptada a los tiempos que vivimos, tan sumergidos entre  las nuevas tecnologías.

El director noruego, Lars Klevberg, desde muy joven se interesó por la fotografía y al poco de licenciarse en cine,  escribiría y dirigiría su primer corto “The Wall” 2012, tres años más tarde presentó su nuevo cortometraje “Polaroid” alcanzando un gran éxito, hasta el punto de desarrollarlo como largometraje, estrenado este año, junto a “Muñeco Diabólico”

La película comienza con el director de la corporativa Kaslan anunciando las cualidades de Buddi. Un muñeco de alta tecnología que es el regalo ideal para cualquier niño, pues está programado para convertirse en su amigo inseparable, además de ayudar en determinadas tareas, pero uno de esos muñecos ha sido manipulado, el por qué lo descubriremos a través de un Flashback. Por lo tanto, el nuevo Chucky no está poseído, sino programado para aprender sin limitaciones.

Como he dicho en la cabecera, estamos ante una diabólica comedia, con mucho ingenio y algunos guiños a filmes muy conocidos por los amantes del género de terror, como es el caso de “Carrie” 1976 o hacia la propia saga, donde incluso el propio muñeco pide a su nuevo amigo Andy, que lo llame Chucky, cuando en su camiseta figura Buddi.

Un guion perverso, agudo y con una fuerte dosis de comedia ácida, que parafraseando al gran Charles Chaplin “Desde cerca, la vida parece una tragedia, desde lejos, una comedia”  Una comedia con una gran parte de crítica social, en concreto hacia las nuevas tecnologías y al abuso que se hace de ellas. Al consumismo, donde un producto con ligeras modificaciones, se vende año tras año, quedando obsoleto el anterior.  A la explotación en el trabajo, viendo como  algunos trabajadores son infravalorados en sus puestos y hacia esa juventud, que interactúan más a través de sus móviles, que en la vida real.

Pero en esta ocasión, aunque el Chucky al que nos enfrentamos en su naturaleza no es malo, aquí de nuevo el guionista Tyler Burton, incide en esa sociedad en la que vivimos, mostrando actos de violencia o maltrato, como algo ya habitual en nuestras vidas o el que una película gore, nos provoque más risas que terror, ante la visión de la sangre por litros mientras  se desmiembra un cuerpo, por poner algunos ejemplo; algo para lo que el nuevo Chucky no está programado, pero que irá formando parte de su ADN tecnológico. 

Por supuesto, para los amantes del cine gore y de terror, también hay páginas en ese ocurrente guion, que veremos representadas en la gran pantalla. Por tanto, el filme tiene para todos los gustos e incluso el haber elegido a Mark Hamill, para dar voz a Chucky. Escuchar cantar la canción al defensor de la galaxia, Luke Skywalker, en los títulos de crédito, no tiene precio, para los fans.

Cuenta con una excelente dirección de Lars Klevberg y  un buen montaje a cargo de Tom Elkins, que no dejan decaer la película en ningún momento. La correcta fotografía en la mirada de Brendan Uegama y el acompañamiento musical en la partitura de Bear McCreary, y terminaré mencionando que las interpretaciones resultan creíbles y disfrutables, en cada uno de sus personajes.

Estoy convencido que el muñeco diabólico no ha regresado para quedarse, pero de lo que sí estoy casi seguro, es que el espectador la va a disfrutar desde el principio hasta el final, pues ofrece todos los ingredientes necesarios.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 28 de Junio

 

REPARTO: Aubrey Plaza, Mark Hamill,  Gabriel Bateman, Brian Tyree Henry, Ty Consiglio, Beatrice Kitsos, Tim Matheson, Michael Bardach, Marlon Kazadi, Nicole Anthony, Anantjot S Aneja, Carlease Burke, Ambert Taylor, David Lewis, Hannah Drew,  Kristin York, Kenneth Tynan, Ariana Nica, Veenu Sandhu, Ben Andrusco-Daon, Trent Redekop, Eddie Flake, Amor Majzoub, Nicholas Dohy, Johnson Phan y Zahra Anderson.

PRODUCTORA: KatzSmit Productions// Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) // Oddfellows Entertainment// Orion Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN: "LA IDEA DEL DESNUDO" por FEDE POUSO

Inauguración Exposición  “LA IDEA DEL DESNUDO”  por Fede Pouso.

Fede Pouso es un artista Uruguayo residente en Madrid.

Desde muy temprana edad trabaja como estilista y diseñador en el mundo de la moda, teatro y cine.

En sus trabajos utiliza la pintura y el color como medio para transmitir su forma de ver el mundo, buscando comunicar aquello que le daña y le genera amor. 

Su incursión al mundo de las artes plásticas surge de la mano de su madre a la que ve pintar desde niño. Se convierte así en un artista plástico autodidacta que explora siempre nuevos caminos que le obligan a salir de su zona de confort. 

En su nueva obra “La idea del desnudo” nos habla de sus recuerdos y experiencias vividas a lo largo de su carrera en el mundo de la moda.

Sus cuadros bajo la técnica del acrílico nos propone un momento de intimidad, un viaje donde los colores representan un estado de ánimo y una energía que habita esos cuerpos que hablan de la felicidad y del acercamiento con uno mismo.

“… estas mujeres representan para mi a esas amigas de la infancia que me aceptaron en sus grupos de mujeres sin dudar, esas mujeres que me integraron en su vida personal e íntima, que me protegieron ante la mirada de otros varones por no ser lo suficientemente masculino…” nos cuenta el autor en su nuevo trabajo pictórico. 

Jueves, 27 de Julio a las 20:00 horas Hotel ME BY MELIÁ Plaza Santa Ana, 14

Fede Pouso  @fedepouso @fedepousoart www.fedepouso.com 662 491 382

UN ATARDECER EN LA TOSCANA: CRÍTICA DE CINE

Un atardecer en la Toscana cuenta con guion y dirección del polaco, Jacek Borcuch.

María Linde (Krystyna Janda) está celebrando en su casa de la Toscana, junto a unos amigos y familiares, el Premio Nobel de literatura.  Su marido Antonio (Antonio Catania) se dedica a las labores del hogar. En el hogar están de vacaciones su hija Anna (Kasia Smutniak)  con sus hijos pequeños Elena y Salvo, que se llevan muy bien, siempre jugando entre ellos.

Un día Elena y Salvo hacen una apuesta, a que ella no es capaz de encontrarlo, llega la noche y Elena se preocupa, tras llamar a la policía, encuentran al pequeño con Nazeer (Lorenzo de Moor), un joven egipcio copto, amigo de la familia. Todos se extrañan de que Nazeer no haya llamado a la casa y María les comenta que sí, que lo había hecho. Se provoca un silencio incómodo entre miradas. Pero este, no será el único detonante de la historia.

Un atardecer en la Toscana está rodado en Volterra, uno de los pueblos más emblemáticos de la Toscana. Un filme que se presenta ante el público como un intenso drama, por el que desfilarán el honor, la hipocresía, las diferencias de edad, la inmigración y su efecto sobre la sociedad, el terrorismo, la familia, la libertad, la xenofobia y tantas lecturas como el espectador esté dispuesto, a descubrir.

El polaco Jacek Borcuch, es actor, director y guionista de cine. Estudió filosofía en la Universidad de Varsovia. Ha trabajo en diversas series de televisión, como director nos encontramos con obras como: “Tulipanes” 2004 “Aquello que amamos” 2009 o  “Indeleble” 2013 y ahora para su quinta película, nos sumerge en un drama poético y narrado con suma delicadeza, pero afilado como los dientes de un león.

Siempre he pensado que la edad, además de un número de una fecha determinada, es el tiempo en el que el ser humano puede aprender todo lo que precisa para saber discernir sobre la realidad de nuestra sociedad y su  importancia, entre otras muchas cuestiones y exponerlas sin miedos y libremente, sin importar el qué dirán y sus consecuencias.

María, la protagonista del filme, es judía y de padres polacos, supervivientes del holocausto nazi. Cuando se declaró la ley marcial en Polonia, ella estaba en la Toscana y allí decidió quedarse. Así comienza el discurso polémico, desgarrador e impactante que ofrece a sus conciudadanos al recibir un premio local y comunicar que rechaza el Premio Nobel de Literatura, que le han concedido. Un discurso crítico contra quienes mandan en los campos de refugiados en Europa, como dice en un momento determinado “Financiados por el gobierno y controlados por las mafias”, pero esa frase no será el detonante de lo que vendrá, pues llega a afirmar que un acto terrorista es como una obra de arte a la que no pueden alcanzar escritores e intelectuales. Un discurso que por sí solo, vale toda la película, pues no deja indiferente a nadie,  ante el temple que ofrece Krystyna Janda con sus palabras, como tampoco durante el resto de la narración

La obra se divide en dos partes, que juegan entre sí, por un lado la visión de la familia y por el otro, la de la sociedad y política que les rodea. Un filme que se mantiene en esa fina línea que separa lo cómodo de lo incómodo, en la cual Jacek arriesga “arañando”  el lado vulnerable del ser humano, poniendo al desnudo la Europa en la que vivimos, el terrorismo que sufrimos y las víctimas que siempre son los inmigrantes. Un filme que deja demasiadas preguntas en el aire y todas  necesarias, pues  Borcuch no desea involucrarse más de lo necesario, dejando que cada espectador, saque sus propias conclusiones.

El gran peso de esta película, sin la menor duda, recae en su protagonista principal femenina, Krystyna Janda, quien está impresionante, encarnando a una mujer  impenetrable, fría, intensa, seductora y calculadora, dentro de la humanidad que encierra en su compleja mente. Sus miradas, sus estados de quietud, sus palabras afiladas como dardos e incluso sus estados de duda, que pronto transforma en decisiones, acertadas o erróneas. Una interpretación impecable para una gran actriz, que llena la pantalla con su magnetismo, dejándonos con un final cargado de simbolismo, en su largo plano secuencia.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Junio

REPARTO: Krystyna Janda, Antonio Catania, Lorenzo de Moor, Robin Renucci, Vincent Riotta, Kasia Smutniak.

PRODUCTORA: No Sugar Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures

EXPOSICIÓN FEDE POUSO: RESEÑA

EXPOSICIÓN FEDE POUSO

Todo esto nace de una experiencia personal, todo lo que pinto, lo que pienso, lo que sale de mi tiene que ver con quién soy sin filtros, lo que construí, lo que he aprendido, todo lo que he vivido.  Esto es un escalón más en mi constante búsqueda de saber quién soy, de saber qué tengo para dar, de cuál es mi servicio y qué propósito tengo en esta dimensión. 

Siempre tomé la decisión de cada día ser la versión más honesta y fiel posible de mi para nunca defraudarme. Eso se lo debo siempre a la libertad  y valentía que desde pequeño siento en mi interior y que jamás pude callar ni disimular.  Por eso la palabra agradecimiento es un mantra para mí, es mi manera de celebrar la vida con errores y aciertos. He comprobado que lo único que importa en esta vida es soltar y soltarse, entregarse sin condiciones aun sabiendo que hay riesgos. En esta vida he aprendido que todo esto vale la pena. 

“La idea del desnudo” 

La idea del desnudo comienza con mis recuerdos y experiencias vividas a lo largo de mi carrera en el mundo de la moda.  Los recuerdos que más me han marcado como persona y profesional son los de ver a niñas/mujeres de 17 años que comenzaban sus carreras como modelo a muy temprana edad. Esos recuerdos son de cómo esas chicas se exponían a la mirada del mundo, a veces con valentía y a veces con la búsqueda de aprobación, pero sobre todo expuestas a la mirada de los “otros” con solo una pieza de ropa que cubría sus partes íntimas y sus debilidades. Por momentos, las admiraba y, por momentos, vivía junto a ellas la lucha de la aceptación.  Toda la vida escuché a mis amigas dudar de sus capacidades solo por la inconformidad con sus cuerpos y esto nunca me dejó indiferente, de hecho es algo contra lo que luché toda mi vida. 

Y me pregunto… ¿Cómo podemos llegar a un momento de comodidad y aceptación con nosotros mismos dentro de un mundo hipersexualizado y con las miradas y creencias  ajenas sobre nuestro propio cuerpo?

En el cine, la televisión, la publicidad, los medios de comunicación o las redes sociales envían continuamente mandatos socializadores a fin de reproducir un modelo de feminidad centrado en el atractivo físico y sexual. Estos mandatos únicamente están enfocados a la erotización del cuerpo de las mujeres, poniéndolas constantemente en tela de juicio sobre sus capacidades, basándose únicamente en su aspecto físico. 

¿A quién le interesa que las mujeres siempre duden sobre ellas mismas?

En nuestra cultura la idea de que las mujeres deben ser valoradas básicamente  por su atractivo sexual, se ha convertido en parte fundamental del nuevo modelo normativo que exige a  las adolescentes y mujeres adultas. 

Mi obra por lo contrario a esta realidad, nos expone un momento de intimidad, representa una instancia de conexión  y celebración con el cuerpo. Muestra a nuestras protagonistas en un momento de aceptación y admiración sobre su propio cuerpo. Nos enseña que el poder personal esta lejos de esa idea de que sus cuerpos deben crearse en función a la aceptación de los demás, a esa mirada hipersexualizada donde los cuerpos solo cumplen dos funciones: la del placer y la maternidad.

Estas mujeres representan  para mi a esas amigas de la infancia que me aceptaron en sus grupos de mujeres sin dudar ni preguntar, esas mujeres que me integraron en su vida personal e íntima, que me protegieron de todo maltrato ante la mirada de otros varones por no ser lo suficientemente masculino.

Las protagonistas de esta serie nos invitan a desnudarnos. Ellas abren su intimidad y pensamientos como una vez lo hicieron conmigo, ellas nos cuentan sus secretos más íntimos, nos invitan a contemplarlas a través de una mirada sanadora. Mi obra propone un viaje donde los colores representan un estado de ánimo y una energía que habita estos cuerpos, que habla de la felicidad y del acercamiento con uno mismo. Me refiero a ese momento al que todos llegamos cuando nos sentimos cómodos con nosotros, donde las dudas desaparecen y aparece el poder personal, donde la conexión con el cuerpo habla de la aceptación y del amor que debemos lograr.

BIOGRAFÍA DE: FEDE POUSO   

Fede Pouso nació en Montevideo, Uruguay, en 1988. Graduado en el 2010 como diseñador de indumentaria y arte textil en la Universidad del Trabajo del Uruguay (UTU) en Montevideo, comienza su carrera profesional a muy temprana edad como asistente y mano derecha de uno de los diseñadores de alta costura más importantes de su país natal.

A los 23 años comienza a trabajar como estilista en numerosas editoriales de moda para las revistas más importantes de su país.   Como director de arte y productor trabaja creando las campañas y los contenidos visuales para diseñadores y marcas de moda, logrando ser parte del equipo de dirección y arte de la Fashion Week de Uruguay.

Desde el año 2015 reside en Madrid, España, tierra de sus padres inmigrantes donde incursiona en las artes escenas como figurinista y vestuarista de teatro en la obra "El Descanso de Caronte", de la compañía Actos Íntimos, de Santi Senso, llevando su trabajo a diferentes escenarios en festivales nacionales e internacionales como el Festival de Teatro Clásico de Cáceres, el Festival Internacional de Medellín, Colombia y el prestigioso Teatro Fernán Gómez en Madrid.

Su incursión al mundo de las artes plásticas surge de la mano de su madre a la que ve pintar desde niño. Se convierte así en un artista plástico autodidacta en Madrid, explorando siempre nuevos caminos que le obligan a salir de su zona de confort. En sus trabajos, utiliza la moda, la pintura y el color como medio para transmitir su forma de ver el mundo, buscando comunicar aquello que le daña y le genera amor.

Actualmente no solo trabaja como estilista para el mundo editorial y artístico en España sino que comienza en una intensa carrera dentro del audiovisual español, trabajando como director y jefe de vestuario para numerosas películas, y publicidades junto a importantes directores y creadores del medio.

Fede Pouso se considera fan de la gente que va contra corriente y dedica su tiempo y su vida a demostrar que no estamos pre- programados, que no somos una simple pieza de ajedrez y que el amor, nuestro amor, es la única cura.

Jueves, 27 de Julio a las 20:00 horas Hotel ME BY MELIÁ Plaza Santa Ana, 14

Fede Pouso  @fedepouso @fedepousoart www.fedepouso.com 662 491 382

MOVISTAR+ CINE (JULIO 2019)

Estrenos destacados de cine en Movistar+: “Superlópez”, “Ralph Rompe Internet” y “Pesadillas 2: noche de Halloween”, entre otras.

CINE DE ESTRENO DESTACADO:

“THE GUILTY”

Lunes 1 de julio a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31)

Estrenado en la World Cinema Dramatic Competition del Festival de Sundance, donde logró el Premio del Público, este tenso 'thriller' se desarrolla íntegramente entre las cuatro paredes de la comisaría de policía en la que el oficial Asger Holm, degradado recientemente a trabajos administrativos, recibe una angustiosa llamada. Entre otros muchos galardones, esta película danesa obtuvo en la Seminci 2018 el premio Miguel Delibes al mejor guion y el premio Blogos de Oro de la crítica. También estuvo nominada en los Premios del Cine Europeo a mejor actor (Jakob Cedergren), guion (Gustav Möller y Emil Nygaard Albertsen) y descubrimiento europeo (Gustav Möller, que debutaba como director de largometrajes con esta cinta).

“LA (DES)EDUCACIÓN DE CAMERON POST” - PREESTRENO EXCLUSIVO EN PASE ÚNICO

Jueves 4 de julio a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31)

Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance de 2018 y Espiga de plata (ex aequo con "A la vuelta de la esquina") y Premio de la Juventud en la Seminci del mismo año, "La (des)educación de Cameron Post" sigue a una chica de 16 años que es enviada a un centro terapéutico especializado en la 'curación' de la homosexualidad. Protagonizada por Chloë Grace Moretz, Sasha Lane, John Gallagher Jr. y Jennifer Ehle, es la segunda película de la neoyorquina de origen iraní Desiree Akhavan.

“PESADILLAS 2: NOCHE DE HALLOWEEN”

Viernes 5 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Segunda entrega de la franquicia basada en “Pesadillas”, la colección de libros de terror para niños escrita por R. L. Stine. Dirigida en esta ocasión por Ari Sandel (Oscar en 2005 por su corto “Historia del West Bank”) y con guion de Rob Lieber (“Peter Rabbit”, “Alexander y el día terrible, horrible, espantoso, horroroso”).

“EL REGRESO DE BEN”

Sábado 6 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Drama inspirado en hechos reales dirigido por Peter Hedges y protagonizado por Julia Roberts y el joven Lucas Hedges (nominado en 2017 al Oscar al mejor actor de reparto por "Manchester frente al mar"), hijo del director de la cinta. Completan el reparto Kathryn Newton y Courtney B. Vance.

“VIUDAS”
Viernes 12 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Steve McQueen (“12 años de esclavitud”) dirige esta cinta basada en la serie de televisión británica de 1983. Protagonizada por Viola Davis (cuya interpretación le valió una nominación al BAFTA 2019 a la mejor actriz protagonista), Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Cynthia Erivo, Liam Neeson, Colin Farrell, Daniel Kaluuya y Robert Duvall.

 

“EL VEREDICTO, LA LEY DEL MENOR”

Domingo 14 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Adaptación de la novela “La ley del menor”, de Ian McEwan, quien también ejerce como guionista. Protagonizado por Emma Thompson, Stanley Tucci, Ben Chaplin, Nikki Amuka-Bird y Fionn Whitehead, este drama judicial está dirigida por Richard Eyre (“Diario de un escándalo”).

"EL BOSQUE MALDITO” - PREESTRENO EXCLUSIVO EN PASE ÚNICO

Jueves 18 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Lee Cronin, especialista en cortos de terror (ganó con “Tren fantasma” el Méliè de plata al mejor corto fantástico europeo en el Festival de Molins de Rei de 2014) debuta en la dirección de largometrajes con este 'thriller' de terror protagonizado por Seána Kerslake y el niño James Quinn Markey, quienes dan vida a una joven madre y a su hijo (o no).

“SUPERLÓPEZ”
Viernes 19 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

En esta adaptación del clásico del cómic español “Superlópez”, Dani Rovira da vida al superhéroe del bigote, todo un icono de la cultura popular española creado en 1973 por el dibujante Jan (Juan López Fernández). Dirigida por Javier Ruiz Caldera y escrita por Borja Cobeaga y Diego San José, la película cuenta también con las interpretaciones de Alexandra Jiménez, Julián López y Maribel Verdú.

“RALPH ROMPE INTERNET”

Viernes 26 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Ralph sale de los recreativos y se adentra en el inexplorado y emocionante mundo de Internet en esta cinta Disney que estuvo nominada al Oscar y al Globo de oro a la mejor película de animación en 2019. Secuela de "¡Rompe Ralph!" (2012), que también estuvo nominada al Oscar, al Globo de oro y al BAFTA a la mejor película de animación.

“LA SOCIEDAD LITERARIA Y EL PASTEL DE PIEL DE PATATA”

Sábado 27 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Adaptación del “bestseller” homónimo escrito por Annie Barrows y Mary Ann Schaffer. Dirigida por Mike Newell (“Grandes esperanzas”, “Cuatro bodas y un funeral”) y protagonizada por Lily James, Matthew Goode, Jessica Brown Findlay y Michiel Huisman.

“DOGMAN”

Miércoles 31 de julio a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31)

Ganadora del premio al mejor actor (Marcello Fonte) en el Festival de Cannes de 2018 y gran triunfadora en los premios David di Donatello 2019 con diez galardones (entre ellos, película, director y guion), “Dogman” es un “thriller” dramático basado en hechos reales y dirigido por Matteo Garrone (“Gomorra”), quien coescribe el guion junto a Ugo Chiti y Massimo Gaudioso (también guionistas de “Gomorra”).

CINE INÉDITO DESTACADO:

“TOP KNOT DETECTIVE”

Martes 9 de julio a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31)

Acción, comedia y gore se unen en este falso documental que cuenta la historia de una falsa serie japonesa que se convirtió en serie de culto en Australia. Coproducida por Australia y Japón, la película cuenta el encumbramiento y la caída a los infiernos del inexistente protagonista de la serie, Takashi Takamoto, quien daba vida a un samurái de la era Edo que se dedicaba a resolver crímenes y matar monstruos mientras intentaba vengar el asesinato de su maestro. Como explica el codirector y coguionista del filme, “la serie era sexista, estaba mal escrita, peor interpretada y horriblemente traducida, lo que la llevó a esa categoría llamada “tan mala que es buena””.

“EL CABALLERO DE LAS SOMBRAS”

Miércoles 17 de julio a las 22:00h en Movistar Estrenos (dial 30)

Jackie Chan da vida a un legendario cazador de demonios en horas bajas en esta película china que une acción, comedia y fantasía. El personaje de Chan, con la ayuda de un atolondrado policía, de un enigmático personaje y de un heterogéneo grupo de amistosos demonios, persigue a las entidades malignas que se adentran en la dimensión humana.

“GIANT LITTLE ONES”

Martes 23 de julio a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31)

Maria Bello (“Nunca apagues la luz”), Kyle MacLachlan (“Twin Peaks”) y los jóvenes Josh Wiggins y Darren Mann protagonizan este drama en el que un acontecimiento ocurrido durante la celebración del 17º cumpleaños de uno de los dos chicos protagonistas dará un vuelco a la vida de ambos y de las personas que los rodean. Dirigida y escrita por Keith Behrman.

“THE OUTLAWS (BEOMJOIDOSI)”

Martes 30 de julio a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31)

Cinta de acción, basada en hechos reales, que narra la historia de un rudo detective (siempre al borde de la ley) del barrio de Chinatown de Seúl que intenta mantener la paz ante la llegada a la ciudad de un despiadado capo de la mafia china. Dirigida y escrita por el debutante Kang Yoon-sung.

EL SECRETO DE LAS ABEJAS: CRÍTICA DE CINE

El secreto de las abejas, está dirigida por Annabel Jankel con guion de Henrietta Ashworth y Jessica Ashworth, adaptando la novela de Fiona Shaw.

Lydia (Holliday Grainger) vive con su hijo, separada de su marido Robert (Emun Elliott), un hombre machista y maltratador. Él la sigue amenazando con llevarse a su hijo Charlie (Gregor Selkirk). Charlie se pelea en el colegio con sus compañeros, defendiendo a su madre, pues hablan mal de ella; tras una de esas peleas,  conocerá a la doctora Jean Markham (Anna Paquin) que posee un panal de abejas. Charlie siente predilección por la vida de estos curiosos insectos y su forma de comunicarse. Lydia y Jean, iniciarán una amistad que las llevará a vivir juntas, tras la pérdida de trabajo de Lydia, ser desahuciada y Lean ofrecerle un trabajo de ama de llaves. La relación entre ambas provocará rumores en el pueblo, un pueblo inglés en los años 50.

Tomando la novela homónima de Fiona Shaw, la británica Annabel Jankel dirige esta adaptación, para lucimiento de sus dos actrices principales. Un filme femenino, feminista y lésbico, en los años 50 en la Inglaterra rural, donde las mentiras, los engaños, los secretos y la hipocresía, se cebaban con quienes se les consideraba más débiles o "diferentes".

Annabel Jankel es una afamada directora británica de cine y televisión. Comenzó su carrera en los años setenta a través de la productora de cine que fundó junto a su socio, Rocky Morton. Tras una larga temporada creando videos musicales y anuncios para televisión y ganar diversos premios, rodarán la serie “The Max Headroom Show”, las películas “Muerto al llegar” 1989, “Súper Mario Bros” 1993 y ya en solitario, con el filme para televisión “Skelling” 2009 y su primer largometraje para la gran pantalla,  “El secreto de las abejas” 2019.

Annabel muestra de una forma elegante, directa y sencilla la historia de estas dos mujeres, en medio de un ambiente rustico y hostil,  cuyas vidas o debería decir, relaciones con los hombres no han sido satisfactorias. La primera de ellas, la doctora Jean, por su condición homosexual y la segunda, Lydia, una trabajadora en una empresa textil, cuyo marido es un maltratador, el cual considera que ella sigue siendo de su propiedad, amenazándola con llevarse un día a su hijo. Descubrirá el amor que nunca ha sentido junto a su marido, en los brazos de Jean. Un amor limpio, de caricias y sensaciones. De miradas y conversaciones cómplices. De intimidad que salvaguardan entre las paredes o en lugares solitarios.  Una historia donde las miradas y  las habladurías se cobijan en cada esquina y la hipocresía se cierne en el ambiente.

Son muchas las lecturas que se filtran entre los fotogramas, entre las palabras dichas y ocultas, entre ese enjambre de abejas, como gran simbolismo de todo el filme con sus rituales, sus danzas  y forma de vida. Dos mujeres maravillosamente encarnadas por las potentes interpretaciones de Anna Paquin y Holliday Grainger, en una dirección sosegada que Bartosz Nalazek, logra captar y plasmar en cada plano, en cada encuadre, en cada rincón de su delicada y bucólica fotografía. Un canto de amor y libertad, que abraza la banda sonora compuesta por Claire M. Singer, a través del drama angustioso y doloroso, que calará en el espectador, sin ser consciente, hasta su desenlace.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de junio

REPARTO: Anna Paquin, Holliday Grainger, Kate Dickie, Emun Elliott, Lauren Lyle, Rebecca Hanssen, Gregor Selkirk, Zara Howell, Steven Robertson y Alexa Snell.

PRODUCTORA: Reliance Entertainment Productions 8 // Archface Films// Cayenne Film Company// Motion Picture Capital// BFI Film Fund// Riverstone Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

LA INFLUENCIA: CRÍTICA DE CINE

Adaptando la novela de Ramsey Campbell, La Influencia, está dirigida por Denis Rovira van Boekholt, quien comparte el guion junto a Michel Gaztambide y Daniel Rissech.

Alicia (Manuela Vellés) junto a su esposo Mikel (Alain Hernández) y su hija Nora (Claudia Placer) regresan al hogar en el que años atrás, Alicia vivió junto a su hermana Sara (Maggie Civantos) y cuyos recuerdos no fueron nada agradables.

Sara ha pedido ayuda a su hermana, pues tienen a su madre enferma en casa, en estado de coma, sin poder llevarla a un hospital, pues así reza en las primeras voluntades de la madre, Victoria (Emma Suárez). Una mujer, una casa y una familia, que guardan más de un secreto.
 

Lo que está muy claro, tras finalizar la película, es que Denis Rovira es un degustador del cine de terror gótico y de ese género B, que tanto ha aportado al séptimo arte a través de las décadas.  Logra que algunas escenas imposibles al entendimiento de lo exageradas que se presentan y en el “atropellado” terror que  desea exponer, más que miedo, provoquen las carcajadas e incluso los aplausos.

Estamos ante la ópera prima como director y guionista de largometrajes, pero Denis no es un desconocido en el mundo del cine y de la publicidad. Estudió dirección de cine en Los Ángeles y ha trabajado para campañas publicitarias de compañías como Coca-Cola, Nescafé, Nitrilón, Banco Sabadell o Bayer Aspirina y es conocido por su trilogía de cortometrajes de cine fantástico: “Ángel” 2003, “Lazarus Taxon” 2008 y “El grifo” 2010. Trilogía con  la que ha obtenido varios premios nacionales e internacionales, ahora, nueve años más tarde, decide ponerse al frente de su primer largometraje, con un gran plantel de actores.
 

Quiero destacar, en primer lugar, lo que más me ha gustado y sin duda ha sido, la ambientación claustrofóbica y  los magníficos decorados, donde sabe combinar muy bien lo antiguo con lo moderno. Los objetos de una casa centenaria, con elementos tan modernos como los aparatos de respiración para mantener en coma a la matriarca de la casa o los móviles con ese uso de la linterna para entrar en habitaciones en las cuales no existe la luz. La extraordinaria fotografía, a través de una iluminación de sobresaliente,  de la mano de Isaac Vila, entre encuadres muy precisos, dejando ver todo lo que es necesario ver, incluso desde las sombras y jugando siempre con las formas y espacios por donde los personajes vivirán su pesadilla, en la que nos va envolviendo, entre pequeños detalles. Y lo que menos, su tedioso montaje, que me encorajina  pues con un poco de dinamismo, solo un poco, la historia no se diluiría en el espacio tiempo de la mansión, como desgraciadamente sucede, pues aunque la historia requiera de cierta monotonía, el espectador precisa de algo de vida y la obra se apaga como la respiración de la anciana, haciéndonos olvidar por instantes,  lo realmente importante.
 

Estoy seguro, que Denis es lo suficientemente inteligente, pues en su obra se aprecia, que este filme le habrá servido para comprender algo muy sencillo, la diferencia entre el cortometraje y el largo. Llenar la pantalla con una hora y media, puede resultar tan sencillo como complicado, si no se tienen todas las lecciones aprendidas y algunas de esas lecciones, con el tiempo, la ofrece la experiencia.
 

Hay muchas referencias al cine de terror, por poner algunos ejemplos vemos reflejada “Hereditary” tan reciente en nuestras mentes, “El Resplandor”  o incluso de un filme bastante antiguo como es “Patrick” 1978, donde un joven, desde su estado de Coma, es capaz de realizar determinados actos a través de la telequinesis. Esto no es una crítica negativa, pues hoy por hoy, salvo algunas excepciones que no mencionaré, todos maman de todos; aunque tal vez para el espectador curtido en el género, le resulte un tanto cansino volver a encontrarse con otro filme donde la familia es el nudo de la obra y en la que las casas con más o menos aire gótico y misterio, recoge a sus visitantes.
 

Si bien Denis debe pulir algunos aspectos a la hora de dirigir un filme en su conjunto, lo que sí le apruebo y con nota, es la dirección de actores. Aunque algunos puedan parecer sobreactuados, a mi juicio están extraordinarios, destacando al trío familiar compuesto por Alain Hernández, Claudia Placer y Manuela Vellés. El personaje de Emma Suárez, se pierde demasiado  entre el aplastante maquillaje y los planos tan oscuros, por otra parte necesarios para crear la atmósfera necesaria, donde no la dejan lucirse, salvo en los flashback  de los recuerdos de una vida en la que era “feliz”.
 

Para terminar, estoy convencido que los amantes del cine de lo fantástico, van a disfrutarla, desgranarla y sacar todo lo que Denis nos ha ofrecido y aquello, que hubiéramos deseado ver.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Junio

REPARTO: Emma Suárez, Manuela Vellés, Maggie Civantos, Alain Hernández, Claudia Placer, Mariana Cordero, Ramón Esquinas, Bianca Kovacs, David Luque y Daniela Rubio.

PRODUCTORA: Mogambo// Nadie es perfecto.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.