sábado, 29 de junio de 2019

NOTICIAS BREVES (XL)

VÉRTICE 360 no informa de que “Ángel has fallen” se estrena en España como “Objetivo: Washington D.C.”

Vértice 360 nos confirma que Angel Has Fallen, el último film de la saga Objetivo, se estrenará en España el próximo 30 de agosto bajo el título de OBJETIVO: WASHINGTON D.C.

SINOPSIS: El presidente de los Estados Unidos, Allan Trumbull (Morgan Freeman) queda en coma tras un intento de asesinato. Su siempre confidente, el agente secreto Mike Banning (Gerard Butler), es injustamente acusado de perpetrarlo. Retenido por los suyos, Banning logra escapar de la custodia policial convirtiéndose en un fugitivo.
Al margen de la ley y de su propia agencia, Banning tendrá que encontrar a los verdaderos culpables, aliándose esta vez con la persona más inesperada... Ahora su objetivo es limpiar su nombre, proteger a su familia y salvar, sin el apoyo del FBI, al país de un peligro inminente.

SOBRE LA PELÍCULA: El cineasta Ric Roman Waugh (El mensajero), es el encargado de dirigir OBJETIVO: WASHINGTON D.C., la tercera entrega de la exitosa saga iniciada con Objetivo: La Casa Blanca, que sigue los pasos del exsoldado Mike Banning, agente del Servicio Secreto de EEUU. Al igual que en las dos anteriores entregas, Katrin Benedikty Creighton Rothenbergerestán tras el guion, que firma también Robert Mark Kamen.
Gerard Butler (300, Dioses de Egipto), además de retomar su personaje, se involucra una vez más en la producción de esta entrega de Millennium Films. Morgan Freeman (Seven, Invictus) repite en la piel del presidente de EE.UU y la actriz Piper Perabo (El bar Coyote) sustituye en esta ocasión a Radha Mitchell en el papel de Leah Banning, la esposa de Banning. Completan el reparto, entre otros, Nick Nolte (Warrior, Head Full of Honey), como padre ausente del protagonista y Jada Pinkett Smith (Plan de chicas, Malas madres), como la agente Thompson.

MOVISTAR+  informa del filme “MIENTRAS DURE LA GUERRA”. La nueva película de Alejandro Amenábar, producida por Movistar+, MOD Producciones, Himenóptero, K&S Films y MDLG A.I.E., está protagonizada por Karra Elejalde, Eduard Fernández, Santi Prego, que junto a Nathalie Poza, Patricia López, Luis Bermejo, Tito Valverde, Inma Cuevas, Carlos Serrano-Clark, Luis Zahera, Ainhoa Santamaría, Mireia Rey, Luis Callejo, Dafnis Balduz, Jorge Andreu, Itziar Aizpuru, Pep Tosar y Miquel García-Borda completan el reparto.
“Mientras dure la guerra” llegará a los cines el próximo 27 de septiembre distribuida por Buena Vista Internacional.

SINOPSIS: España. Verano de 1936. El célebre escritor Miguel de Unamuno decide apoyar públicamente la rebelión militar que promete traer orden a la convulsa situación del país. Inmediatamente es destituido por el gobierno republicano como rector de la Universidad de Salamanca.
Mientras tanto, el general Franco consigue sumar sus tropas al frente sublevado e inicia una exitosa campaña con la secreta esperanza de hacerse con el mando único de la guerra. La deriva sangrienta del conflicto y el encarcelamiento de algunos de sus compañeros hacen que Unamuno empiece a cuestionar su postura inicial y a sopesar sus principios.
Cuando Franco traslada su cuartel a Salamanca y es nombrado Jefe del Estado de la zona nacional, Unamuno acudirá a su Palacio, decidido a hacerle una petición de clemencia.
Alejandro Amenábar vuelve a rodar en español después de Mar Adentro (Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa 2005), una historia real que retrata el pasado reciente de España y recupera la figura del excepcional escritor Miguel de Unamuno.
“Esta película es muy especial para mí al tratarse de la primera que ruedo en mi país después de mucho tiempo. Pero sobre todo es especial porque, además de contar algunos hechos históricos que muchos habrán olvidado y otros ni siquiera conocíamos, apela muy directamente a nuestro presente y nuestra condición como ciudadanos que conviven, discuten y a veces, lamentablemente, se destruyen. Siento que la historia de Unamuno está hoy más viva que nunca, como si él siguiera dudando y hablándonos sobre cuestiones esenciales: quién o qué nos representa, de dónde venimos y, sobre todo, hacia dónde queremos dirigir esa enorme y compleja comunidad de vecinos llamada España”, ha declarado Alejandro Amenábar.
“Mientras dure la guerra” cuenta con un equipo técnico de primer nivel liderado por Fernando Bovaira en la producción ejecutiva y en el que destacan Alejandro Hernández como co-guionista,Álex Catalán como director de fotografía, Juan Pedro de Gaspar en la dirección de arte, Sonia Grande como diseñadora de vestuario, Eva Leira y Yolanda Serrano como directoras de casting, Carolina Martínez Urbina en montaje, Nacho Díaz a cargo del diseño de maquillaje especial, Ana López-Puigcerver y Belén López-Puigcerver como responsables de maquillaje y peluquería, Juanma Nogales como supervisor de efectos digitales y Aitor Berenguer y Gabriel Gutiérrez en sonido. Alejandro Amenábar ha compuesto la banda sonora como hizo en algunos anteriores trabajos.
La película se rodó el pasado verano en Salamanca, Toledo, Madrid y Bizkaia.
“Mientras dure la guerra” es una película original de Movistar+ en coproducción con  MOD PRODUCCIONES, fundada por Fernando Bovaira y que ha producido las películas de Alejandro Amenábar, 'Mar Adentro' (Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa), 'Los Otros', 'Ágora' y 'Regresión'; HIMENÓPTERO, compañía fundada por Alejandro Amenábar para la producción de sus películas y la argentina K&S FILMS, con un exitoso catálogo en el que destaca 'Relatos Salvajes' de Damián Szifron (Nominada al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa).

La producción cuenta con la financiación del Gobierno de España, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales ICAA (Ministerio de Cultura) y el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina y con la colaboración del Ayuntamiento de Salamanca y de la Universidad de Salamanca en su VIII centenario.

ENTERTAINMENT ONE SPAIN: EL GORDO Y EL FLACO (STAN & OLLIE)
Alquiler y venta plataformas digitales: 05.07.2019
Venta DVD y BD: 05.07.2019
Laurel (Steve Coogan) y Hardy (John C. Reilly), el dúo de comedia más famoso del mundo, intentan reavivar sus carreras cinematográficas mientras se embarcan en una maratoniana gira teatral por la Gran Bretaña de postguerra.
REPARTO:  Steve Coogan, John C. Reilly, Shirley Henderson y Danny Huston.
DIRECTOR: Jon S. Baird.
DIOMAS* 5,1 Castellano e inglés (DVID) // 5.1 DTS HD Castellano e inglés (BD)
SUBTÍTULOS: Castellano e Inglés para personas con discapacidad auditiva.
DURACIÓN: 93 minutos (DVD) // 97 minutos (BR)
EXTRAS EDICIÓN: DVD y BD*: - Cómo se hizo – Caracterización – Una relación especial – Efectos visuales – Escenas Eliminadas (El Lejano al Oeste, El huevo duro, Las dos puertas y los sombreros) – La Alfombra Roja – Estreno Mundial.

PRIMA IDEAS, nos informa del comienzo de los rodajes en Las Bodegas de la Denominación de Origen Rueda.
Los participantes en la IV edición del festival de cortometrajes ‘Rueda con Rueda’ optarán a 10.000 euros en premios y tienen hasta el 7 de octubre para presentar sus trabajos.

Varios equipos de rodaje recorren estos días las bodegas y viñedos de la D.O. Rueda en busca de la localización perfecta para sus cortometrajes. En los primeros guiones recibidos en esta edición del festival encontramos historias románticas, dramas históricos o incluso thrillers. En todos los cortos aparecerá una botella de vino blanco de la D.O. Rueda, ya que este es el requisito principal para participar en este certamen. La temática es libre y los cortos deben durar como máximo 10 minutos.
El festival ofrece la posibilidad de rodar en las instalaciones y viñedos de 37 bodegas de Denominación de Origen. Los cortometrajes grabados en la D.O. Rueda podrán optar al premio principal, dotado con 5.000 euros y también al premio “Origen Rueda”, que asciende a 3.000 euros.

El certamen también otorga un premio de 2.000 euros al mejor cortometraje realizado por estudiantes de cine y audiovisuales. Para fomentar la participación de los jóvenes se han realizado presentaciones en universidades y escuelas de cine de toda España, en ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Bilbao o Santander, entre otras.
“Rueda con Rueda” cuenta con el apoyo de la Diputación de Valladolid y la Semana Internacional de Cine de Valladolid. De hecho, los premios se entregarán el 23 de octubre dentro de la sección Cine y Vino de la SEMINCI. Además, los trabajos ganadores serán proyectados durante los días del festival.
Ediciones anteriores
En 2018 el jurado estuvo formado por los directores Esteban Crespo e Inés León, los actores Gorka Ochoa y Marina Salas, el director de la Semana Internacional de Cine de Valladolid, Javier Angulo y el director general de la D.O. Rueda Santiago Mora. El cortometraje “Cambio de Turno”, de Federico Untermann, se alzó con el primer premio, dotado con 5.000 euros. Mientras, “Vino en las venas”, de Leire Albinarrate, consiguió los 3.000 euros al mejor corto rodado en la D.O. Rueda y "No hay más que una", de Jesús Díaz Morcillo, ganó el premio al mejor cortometraje de estudiantes de cine, recompensado con 2.000 €.

ELLAS COMUNICACIÓN informan del rodaje de “MALNAZIDOS”.
Miki Esparbé, Aura Garrido, Luis Callejo, Álvaro Cervantes, Jesús Carroza y María Botto encabezan el reparto de MALNAZIDOS, película en la que dan vida a un grupo de combatientes huidos de bandos rivales que durante la Guerra Civil deben aliarse para hacer frente a un adversario común. Para lograrlo, tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.

Con esta premisa de pura acción y aventura codirigen Javier Ruíz Caldera y Alberto de Toro esta película coral que hoy presenta sus primeras imágenes.
Distintas localizaciones de Cataluña están acogiendo el rodaje de las complejas escenas de explosiones, enfrentamientos armados, huidas por el bosque, ataques zombis y los minuciosos procesos de transformación que forman parte de un proyecto de la envergadura de MALNAZIDOS.

Recrear un universo bélico creíble ha sido el reto de Pepe Domínguez, diseñador de Arte, que ha propuesto localizaciones naturales con intervenciones precisas en espacios considerados monumentos (minas de sal) y ha apostado por la construcción de más de 200 metros de vías de tren para manipular y movilizar los dos trenes blindados de época, usados por los nazis en ese periodo histórico y construidos para la película. Más de 20 vehículos militares de época, entre ambulancias, motos, un sidecar, jeeps y camiones de guerra acorazados, todos ellos perfectamente funcionales y en activo para soportar el exigente uso de la película de acción que idearon sus directores, componen el parque móvil del filme.
Mostrar con realismo las transformaciones físicas ha sido determinante para el equipo de maquillaje de MALNAZIDOS, liderado por Montse Sanfeliú, jefa de Maquillaje, Jesús Martos como jefe de Peluquería y Pablo Perona como jefe de Maquillajes Especiales. Han sido necesarias semanas de preparación y pruebas de luz con el director de Fotografía, Kiko de la Rica, para crear los personajes y conseguir que las transformaciones fuesen creíbles, tanto en secuencias con luz día como en secuencias de interior.
El trabajo con prótesis para la búsqueda de volúmenes en la recreación de cortes o mordidas de zombis, la investigación para producir y mostrar la sangre en tres estados distintos -fresca, coagulada o seca- y la texturización de las pieles del grupo protagonista han sido auténticos retos para este departamento, pero, sin duda, las tres fases de trasformación de más de 150 figurantes algunos días han supuesto la mayor dificultad artística.
Componer y dotar a cada fase de transformación de elementos propios para hacerlos perceptibles al espectador ha sido un verdadero desafío: desde la sudoración inicial de la fase de mordida, pasando por el ojo rojo y la trasparencia cutánea en la fase de conversión, hasta llegar al uso de lentillas especiales y en fase experimental, para lo que se ha incorporado un óptico como un miembro más del equipo técnico de maquillaje en la fase de convertidos. Las texturas sucias o de pelo muerto han sido el gran reto del equipo de peluquería de esta película, junto a los cortes de pelo adecuados al año 1939.
El coach de zombis Oscar Valsecchi ha sido el encargado de dotar de identidad y de su esencia más “bestial” a estos infectados, trabajando con cada uno de los figurantes, minuciosamente elegidos por su fisonomía y gestualidad. Todo coordinado con el jefe de Especialistas y Efectos, Lluíz Rivera, y el coordinador de Acción, Sergi Subirà.
Más de 2000 figurantes y más de 80 especialistas, entre zombis y soldados, ha tenido que vestir la figurinista Cristina Rodríguez, conjugando la ropa ambientada y de época con protecciones para las escenas de acción. La propuesta de vestuario de los protagonistas ha sido su otro gran reto, teniendo que dotar de carácter y personalidad a sus personajes con un único cambio de ropa capaz de transmitir aventura, época, comedia y amor en un escenario infectado de zombis.
Como núcleo del equipo técnico figura Marta Sánchez de Miguel, habitual directora de Producción de Javier Ruiz Caldera, con quien afronta su cuarto proyecto en común tras “Superlópez”, “Tres bodas de más” y “Promoción fantasma”.
La película está producida por TELECINCO CINEMA, CACTUS FLOWER PRODUCCIONES, MALNAZIDOS AIE, LA TERRAZA FILMS e IKIRU FILMS, con la participación de MEDIASET ESPAÑA y MEDITERRÁNEO MEDIASET GROUP, y será distribuida en España por SONY PICTURES ENTERTAINMENT IBERIA.
SINOPSIS: Meses de sangrientos combates han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras. Jan Lozano, capitán de la quinta brigada, cae prisionero. La única posibilidad de escapar a la sentencia de muerte es hacer frente a una misión imposible en campo enemigo. Pero un peligro mayor del esperado obligará a los bandos rivales a unirse contra un nuevo y desconocido adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y así evitar convertirse en zombis.

VERCINE, estrena el 26 de Julio la road movie 303, dirigida y escrita por Hans Weingartner (Los edukadores, Un juego de inteligencia) y protagonizada por los jovencísimos Mala Emde (Brecht) y Anton Spieker (El lugar del crimen). Después de proyectarse en la sección Generation 14plus de la Berlinale, la película pasó por la Seminci de Valladolid el pasado mes de octubre.

SINOPSIS: Cuando Jule, una joven estudiante de biología descubre que está embarazada, empieza un viaje hacia Portugal en su vieja autocaravana 303 para decírselo a su novio Álex. A su vez, se cruza con Jan, un estudiante de ciencias políticas que hace autoestop para llegar a España para conocer a su padre biológico. Juntos, empezarán un viaje lleno de experiencias que cambiarán su vida y su forma de pensar.
303: LA AVENTURA DE SUS VIDAS

El rodaje de 303 fue toda una aventura para el equipo de producción. Rodaron de forma cronológica durante unos 60 días. Un reducido equipo de 10 personas (incluyendo al director, un ayudante de dirección, un DOP, un sonidista, un cocinero y los dos actores) se marcharon de Berlín para embarcarse en un viaje hacia Portugal. Los actores se encargaban de su propia ropa y maquillaje y el equipo solía dormir en tiendas de campaña y autocaravanas, como la 303 que aparece en la película (denominada 308 en realidad), en campings a las afueras. El equipo grabó tanto material que, en un primer montaje, la película sobrepasaba las 4 horas. Hicieron falta más de cuatro meses para ajustar el minutaje del largometraje.

“Quiero que el espectador se vaya de viaje con ellos, que se meta en esa autocaravana con los dos. Y para conseguirlo, usamos una cámara de mano, lentes amplias y solamente luz natural. La posición de la cámara, además, emula la posición en la que podría estar el espectador. No quería hacer planos de gran presupuesto, como por ejemplo, desde un helicóptero, al estilo americano. Eso haría que la película parecería “Bigger than life”... Cuando uno viaja en autocaravana, no ve ese tipo de perspectivas”, comenta el director, Hans Weingartner.
El origen de la película se encuentra en la extraordinaria cinta de Richard Linklater Antes del amanecer de 1994, donde el director Hans Weingartner trabajó como asistente de producción. Cuando leyó el guión original quedó tan fascinado que decidió que una vez en su vida haría un filme similar. Más de 20 años después, Weingartner nos deleita con su propia visión de un romance incipiente en el extranjero.
“Elegí escribir un argumento romántico porque quería descubrir algo sobre el amor, investiga el amor y las relaciones. Es la base de nuestra felicidad, la decisión más importante de nuestras vidas, pero realmente no sabemos nada al respecto y, a menudo, tomamos decisiones equivocadas porque nos aferramos a viejos ideales románticos que están lejos de la realidad", comenta Weingartner al respecto de 303.
¿QUIÉN ES HANS WEINGARTNER?
Hans Weingartner nació en Austria en 1977. Después de estudiar Neurociencia, empezó a estudiar cine en la Academy of Media Arts de Colonia. Su trabajo final de grado, White Noise, sobre un joven que lucha contra la esquizofrenia, ganó diferentes premios internacionales e impulsó la carrera de una joven promesa alemana: Daniel Brühl.
Su segunda película, Los edukadores (también protagonizada por Brühl), se proyectó en la sección oficial a competición del Festival de Cannes recibiendo elogios y críticas muy positivas. Tras su estreno mundial, Los edukadores se convirtió rápidamente en una película de culto para toda una generación y se posicionó como una de las películas alemanas más exitosas de la década.  
VERCINE ESTRENARA 303 EL PRÓXIMO 26 DE JULIO

MADAVENUE PR COMMUNICATIONS informa que el próximo 26 de julio, ADSO FILMS estrena la comedia romántica QUIEN ME QUIERA QUE ME SIGA dirigida y escrita por el cineasta José Alcala (Coup d’Éclat, Alex). Los veteranos y galardonados actores Daniel Auteuil (Una razón brillante, Caché), Catherine Frost (Madame Marguerite, La cocinera del presidente) y Bernard Le Coq (Daddy Cool, El capital) protagonizan la película.
Completan este reparto de lujo Vanessa Paric y Diouc Koma. Producen QUIEN ME QUIERA QUE ME SIGA el reputado director y productor Robert Guédiguian (La casa junto al mar, Las nieves del Kilimanjaro) y Nicolas Blanc (El joven Karl Marx).
SINOPSIS: Gilbert y Simone viven una conflictiva jubilación en un pueblo del sur de Francia. El enfado permanente de su marido, la falta de dinero y la partida de Étienne (vecino ¡y amante!), empujan a Simone a abandonar su hogar. Es entonces cuando Gilbert se da cuenta de que está dispuesto a todo con tal de recuperar a su mujer, su verdadero amor.

El director y guionista José Alcala cuenta que la idea de QUIEN ME QUIERA QUE ME SIGA surgió de la necesidad de hablar “sobre aquellas personas que no tienen una jubilación digna para realizar lo que desean, pero que no han perdido las ganas de vivir. Es una película actual que también evoca a una generación que en el 68 había inventado los ideales de libertad y fraternidad y que tenía algo maravilloso que transmitir”.
Reflexionando sobre el trío protagonista, Alcala comenta “en general nunca escribo pensando en actores, pero desde Coup d’Éclat tenía muchas ganas de volver a trabajar con Catherine Frost. Así que no escribí a Simone para ella, pero sí la escribí soñando con ella. Para el personaje de Gilbert, mis productores Nicolas Blanc y Robert Guédiguian pensaron en Daniel Auteuil tras leer el primer boceto del guión. Y ciertamente, él era mi sueño secreto. Y para Étienne, Catherine me sugirió a Bernard Le Coq, el cual no conocía. Nuestro entendimiento fue inmediato. Como lo fue entre ellos tres ya en la primera lectura de guión”.

“En QUIEN ME QUIERA QUE ME SIGA quería permanecer al nivel del suelo, con personajes que afrontan el mundo día a día, sin esconderse, sin decir mentiras. Son personas persistentes que se desenvuelven con lo que tienen y lo que son, y que nunca se dan por vencidas. Se caen y siempre se levantan. Mientras estemos de pie, ¡estamos vivos!”, concluye el cineasta.
ADSO FILMS ESTRENARÁ QUIEN ME QUIERA QUE ME SIGA EL PRÓXIMO 26 DE JULIO

viernes, 28 de junio de 2019

INSTINTO MATERNAL: CRÍTICA DE CINE

Instinto Maternal está dirigida por Olivier Masset-Depasse quien comparte guion con Giordano Gederlini.

Alice (Veerle Baetens) sorprende a Céline (Anne Coesens) con una fiesta de cumpleaños, que prepara en la propia casa de Céline. Las dos vecinas se llevan como hermanas, como también sus maridos Simon (Mehdi Nebbou) y Damien (Arieh Worthalter) y sus hijos Theo y Maxime, respectivamente. Todo parece ir perfecto en sus vidas, en sus chalet adosados a las afueras de Bruselas en los años 60.
La felicidad que reina entre las dos parejas se verá alterada cuando un día Alice, desde su jardín, ve como Maxime, el hijo de Céline,  se encuentra en el alféizar de la ventana. Le grita que se introduzca en el interior y al no hacerle caso, corre hacia la casa de sus vecinos, entra en ella gritando el nombre de Céline mientas sube las escaleras hacia la habitación del niño. Al llegar a la puerta, las dos madres, comprueban como el pequeño se ha caído al exterior.
La banda sonora va marcando los pasos desde el comienzo de la obra. Cada nota cobra el sentido dramático, tenso y abrumador que el filme precisa. Una partitura que llora, que clama por la pérdida, busca el abrazo e incluso la venganza. Una pieza musical en las manos de Renaud Mayeur y Frédéric Vercheval.

Olivier Masset-Depasse, de nacionalidad belga, es director y guionista cinematográfico. Tras sus dos cortometrajes “Cold Storage” 2010 y “In the Dark” 2004, dirigirá su ópera prima “Cages” 2006 continuando con “Illegal” 2010. En 2015 realiza para la televisión “Santuario”, sobre el terrorismo y ETA, para llegar a su tercer largometraje para la gran pantalla, con el thriller psicológico, “Instinto Maternal” 2019.
Exquisitamente ambientada en los años 60 por la decoradora Anna Falguères y el diseñador de vestuario Thierry Delettre, Instinto maternal se presenta al público como un thriller dramático en torno a la familia o debería decir a dos familias, como es en esta ocasión. Un filme, que desde las primeras imágenes, aunque puedan resultar alegres, se cierne la tragedia, que no sabemos muy bien por donde nos va a venir, pero que enseguida lo descubriremos para dar paso, a la tortuosa relación entre las dos mujeres, que lógicamente afectará a todos los miembros.

Un nuevo filme escrito para lucimiento de las protagonistas femeninas, pues los personajes masculinos quedan en un segundo e incluso tercer plano. Aquí serán Alice y Céline o lo que es lo mismo, Veerle Baetens y Anne Coeens, quienes nos arrollarán con sus interpretaciones, entre la elegancia, sobriedad y el despiste, para no saber quién de las dos está perdiendo la cordura y ser tratada por un psicólogo, pues incluso, si tenemos la mínima sospecha, el guion se encargará de confundirnos y así llevarnos hasta el final. Dos mujeres con carácter y dos actrices que lo dan todo. Ellas dos solas y el repelente niño, son suficientes para desconcertarnos y entretenernos durante todo el metraje.
He comentado que los secundarios quedarían incluso en un tercer plano, pues el espectador disfrutará, entre los decorados, el vestuario y la banda sonora ya mencionada, de una cuidadísima fotografía a cargo de Hichame Alaouie, donde muchos de los planos nos recordarán a estampas retro de la época, entre la iluminación y los encuadres. Y es que sin la menor duda, la atmósfera es otro de los grandes protagonistas, pues se percibe desde que arranca la película y abraza a las dos extraordinarias interpretaciones. Un filme en el cual Olivier, no deja nada al azar, todo está escrupulosamente medido.
Mi nota es: 7
ESTRENO en ESPAÑA: 28 de junio
REPARTO: Veerle Baetens, Anne Coesens, Mehdi Nebbou, Arieh Worthalter, Jules Lefebvres y Luan Adam.
PRODUCTORA: Savage Film // Versus Production
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Karma Films.

jueves, 27 de junio de 2019

MARIO Y LOS PERROS: CRÍTICA DE CINE

El documental, Mario y los Perros, está dirigida por Chema de la Peña, con guion compartido con Óscar de Julián.
Mario y los Perros es el magnífico documental que nos narra la historia de Mario Vargas Llosa, desde los 10 años hasta la publicación de su primera novela. “La ciudad y los Perros” en 1963.
Una narración que seguiremos a través de la voz sosegada y aterciopelada de Nacho Marraco, con  una acertada fotografía, del propio director,  en blanco y negro,  para no contrastar con las imágenes de archivo, algunas tratadas digitalmente y otras como se conservan en la actualidad.
Un espléndido documento audiovisual, en el cual conoceremos el porqué de una de las obras más emblemáticas del autor, pues en ella descarga todos sus miedos, traumas y frustraciones, desde que siendo muy niño, con tan solo 10 años, sufría la crueldad de su padre, hasta el punto, como el propio autor nos narra, de meterse en la cama antes de tiempo e incluso vestido, para no verle y tener que soportar la tensión que provocaba en el hogar. Su paso por el colegido militar Leoncio Prado a los 13 años, por mandato de su progenitor, una estancia de dos años, que le marcaría para toda la vida. Su primer trabajo a los 16 años, en el periódico “La Crónica” en la sección de sucesos, con colaboraciones posteriores en el periódico “La Industria” en el cual publicó artículos en la columna Campanario…
Una parte importante de la vida de Mario, estará marcada por la política, no solo de su país, sino de lo que estaba sucediendo en otros más alejados al suyo, lo que le llevó a ingresar en la universidad más politizada, La Universidad Nacional Mayor de San Marcos en 1953, en la cual estudió La Carrera de Derecho, siendo, durante un periodo, militante de un grupo comunista.

En 1955, con tan solo 19 años y siendo menor de edad, falsifica los papeles para casarse con Julia Urquidi, un matrimonio que duró hasta 1964. El apoyo que ella aportó a su marido, sería decisivo para lanzar su carrera como escritor. Su primer cuento “El desafío” logra cumplir con uno de sus sueños, pues el premio, consistió en 15 días en París, en el mes de Enero de 1958, con 21 años de edad. A la vuelta finaliza sus estudios y la tesis sobre Rubén Darío, solicitará una beca de posgrado en la Universidad de Madrid donde es admitido, llegando en octubre de 1958. Frecuentará la Taberna Jute, en la cual comenzó a esbozar su primera novela “La Ciudad y los Perros” reflejando  la violenta experiencia en el colegio militar y el trauma que supuso tales vivencias, entre otras historias que iremos conociendo del gran escritor, hasta llegar a terminar la novela y caer en manos de Carlos Barral en Barcelona y lo que supuso su publicación, pues no fueron aguas mansas por las que pasó, en aquel año 1963.
Un documental con narradores de excepción como: Alfredo Barnechea (Periodista y político), Alonso Cueto (Escritor), Héctor Béjar (Ex miembro Chauide y profesor de la Universidad San Marcos), Carlos Aguirre (Historiador y profesor de la Universidad Oregón), Harry Belevan (Escritor y Director del Instituto Raúl Porras Barrenechea), Jorge Edwards (Escritor), Julio Cortázar (Escritor), Rosa Regás (Escritora), Carlos Barral (Editor y Escritor), Fico Camino (Filósofo y amigo personal de Vargas Llosa) y por supuesto, él mismo, de joven y en la actualidad.
Además escucharemos las críticas y comentarios sobre la novela en las voces de: Carlos Fuentes (Escritor), Guillermo Cabrera Infante (Escritor), Julio Cortázar (Escritor), Carmen Balcells (Agente Literaria de Vargas Llosa), Javier Cercas (Escritor), Alonso Cueto (Escritor) y las cartas que Mario escribía a Abelardo Oquendo.
Vuelvo a repetir que es un magnífico documento para entender en profundidad su primera obra literaria, conocer las vivencias del autor y lo que confirió su carácter, sin olvidar la importancia para el mundo literario.
Os dejo con una, de las muchas frases que se escuchan en dicho documental, que a mí personalmente, me parece relevante.
“Era preferible no ser nada, en una ciudad que lo era todo” Julio Cortázar.  
ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Junio

miércoles, 26 de junio de 2019

MUÑECO DIABÓLICO: CRÍTICA DE CINE

Basándose en el personaje de Don Mancini, Muñeco Diabólico, está dirigida por Lars Klevberg con guion de Tyler Burton Smith.  Una diabólica comedia, con mucho ingenio.  

Karen (Aubrey Plaza) es una madre soltera, con un hijo adolescente, Andy (Gabriel Bateman) que acaban de mudarse a una nueva ciudad. Trabaja en unos grandes almacenes en el departamento de devoluciones. Siente pena por su hijo, que apenas sale de casa, no se relaciona con otros chicos y todo el día lo pasa  pegado a su móvil.
Al departamento van llegan algunas devoluciones de un muñeco, con la excusa de que no les gusta el color del pelo, de los ojos… aunque en realidad lo que desean, es el nuevo modelo. Buddi (Mark Hamill), es el muñeco de moda, es un juguete de última generación, que habla, aprende, se comunica con los niños y ayuda en diversa tareas.  Karen al descubrir que los muñecos devueltos serán destruidos, se lleva uno a su casa, para regalárselo a su hijo. Pero este Buddi que de entrada desea le llamen Chucky, tiene una forma perversa de demostrar su cariño, y es que hay amores que matan.
Recordemos que el muñeco diabólico, Chucky, es un personaje creado por Don Mancini. Un muñeco poseído por magia vudú que alberga en su interior el alma del asesino en serie Charles Lee Ray, una historia que escribió en 1988 Don Mancini y que dirigió Tom Holland. Fue tal el éxito que alcanzó, que dio pie a toda una saga. Ahora nos llega una nueva versión, adaptada a los tiempos que vivimos, tan sumergidos entre  las nuevas tecnologías.
El director noruego, Lars Klevberg, desde muy joven se interesó por la fotografía y al poco de licenciarse en cine,  escribiría y dirigiría su primer corto “The Wall” 2012, tres años más tarde presentó su nuevo cortometraje “Polaroid” alcanzando un gran éxito, hasta el punto de desarrollarlo como largometraje, estrenado este año, junto a “Muñeco Diabólico”
La película comienza con el director de la corporativa Kaslan anunciando las cualidades de Buddi. Un muñeco de alta tecnología que es el regalo ideal para cualquier niño, pues está programado para convertirse en su amigo inseparable, además de ayudar en determinadas tareas, pero uno de esos muñecos ha sido manipulado, el por qué lo descubriremos a través de un Flashback. Por lo tanto, el nuevo Chucky no está poseído, sino programado para aprender sin limitaciones.
Como he dicho en la cabecera, estamos ante una diabólica comedia, con mucho ingenio y algunos guiños a filmes muy conocidos por los amantes del género de terror, como es el caso de “Carrie” 1976 o hacia la propia saga, donde incluso el propio muñeco pide a su nuevo amigo Andy, que lo llame Chucky, cuando en su camiseta figura Buddi.


Un guion perverso, agudo y con una fuerte dosis de comedia ácida, que parafraseando al gran Charles Chaplin “Desde cerca, la vida parece una tragedia, desde lejos, una comedia”  Una comedia con una gran parte de crítica social, en concreto hacia las nuevas tecnologías y al abuso que se hace de ellas. Al consumismo, donde un producto con ligeras modificaciones, se vende año tras año, quedando obsoleto el anterior.  A la explotación en el trabajo, viendo como  algunos trabajadores son infravalorados en sus puestos y hacia esa juventud, que interactúan más a través de sus móviles, que en la vida real.
Pero en esta ocasión, aunque el Chucky al que nos enfrentamos en su naturaleza no es malo, aquí de nuevo el guionista Tyler Burton, incide en esa sociedad en la que vivimos, mostrando actos de violencia o maltrato, como algo ya habitual en nuestras vidas o el que una película gore, nos provoque más risas que terror, ante la visión de la sangre por litros mientras  se desmiembra un cuerpo, por poner algunos ejemplo; algo para lo que el nuevo Chucky no está programado, pero que irá formando parte de su ADN tecnológico. 

Por supuesto, para los amantes del cine gore y de terror, también hay páginas en ese ocurrente guion, que veremos representadas en la gran pantalla. Por tanto, el filme tiene para todos los gustos e incluso el haber elegido a Mark Hamill, para dar voz a Chucky. Escuchar cantar la canción al defensor de la galaxia, Luke Skywalker, en los títulos de crédito, no tiene precio, para los fans.
Cuenta con una excelente dirección de Lars Klevberg un buen montaje a cargo de Tom Elkins, que no dejan decaer la película en ningún momento. La correcta fotografía en la mirada de Brendan Uegama y el acompañamiento musical en la partitura de Bear McCreary, y terminaré mencionando que las interpretaciones resultan creíbles y disfrutables, en cada uno de sus personajes.

Estoy convencido que el muñeco diabólico no ha regresado para quedarse, pero de lo que sí estoy casi seguro, es que el espectador la va a disfrutar desde el principio hasta el final, pues ofrece todos los ingredientes necesarios.
Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 28 de Junio

 
REPARTO: Aubrey Plaza, Mark Hamill,  Gabriel Bateman, Brian Tyree Henry, Ty Consiglio, Beatrice Kitsos, Tim Matheson, Michael Bardach, Marlon Kazadi, Nicole Anthony, Anantjot S Aneja, Carlease Burke, Ambert Taylor, David Lewis, Hannah Drew,  Kristin York, Kenneth Tynan, Ariana Nica, Veenu Sandhu, Ben Andrusco-Daon, Trent Redekop, Eddie Flake, Amor Majzoub, Nicholas Dohy, Johnson Phan y Zahra Anderson.


PRODUCTORA: KatzSmit Productions// Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) // Oddfellows Entertainment// Orion Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

martes, 25 de junio de 2019

INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN: "LA IDEA DEL DESNUDO" por FEDE POUSO

Inauguración Exposición  “LA IDEA DEL DESNUDO”  por Fede Pouso.

Fede Pouso es un artista Uruguayo residente en Madrid.
Desde muy temprana edad trabaja como estilista y diseñador en el mundo de la moda, teatro y cine.

En sus trabajos utiliza la pintura y el color como medio para transmitir su forma de ver el mundo, buscando comunicar aquello que le daña y le genera amor. 
Su incursión al mundo de las artes plásticas surge de la mano de su madre a la que ve pintar desde niño. Se convierte así en un artista plástico autodidacta que explora siempre nuevos caminos que le obligan a salir de su zona de confort. 

En su nueva obra “La idea del desnudo” nos habla de sus recuerdos y experiencias vividas a lo largo de su carrera en el mundo de la moda.
Sus cuadros bajo la técnica del acrílico nos propone un momento de intimidad, un viaje donde los colores representan un estado de ánimo y una energía que habita esos cuerpos que hablan de la felicidad y del acercamiento con uno mismo.

“… estas mujeres representan para mi a esas amigas de la infancia que me aceptaron en sus grupos de mujeres sin dudar, esas mujeres que me integraron en su vida personal e íntima, que me protegieron ante la mirada de otros varones por no ser lo suficientemente masculino…” nos cuenta el autor en su nuevo trabajo pictórico. 
Jueves, 27 de Julio a las 20:00 horas Hotel ME BY MELIÁ Plaza Santa Ana, 14

Fede Pouso  @fedepouso @fedepousoart www.fedepouso.com 662 491 382

lunes, 24 de junio de 2019

UN ATARDECER EN LA TOSCANA: CRÍTICA DE CINE

Un atardecer en la Toscana cuenta con guion y dirección del polaco, Jacek Borcuch.

María Linde (Krystyna Janda) está celebrando en su casa de la Toscana, junto a unos amigos y familiares, el Premio Nobel de literatura.  Su marido Antonio (Antonio Catania) se dedica a las labores del hogar. En el hogar están de vacaciones su hija Anna (Kasia Smutniak)  con sus hijos pequeños Elena y Salvo, que se llevan muy bien, siempre jugando entre ellos.

Un día Elena y Salvo hacen una apuesta, a que ella no es capaz de encontrarlo, llega la noche y Elena se preocupa, tras llamar a la policía, encuentran al pequeño con Nazeer (Lorenzo de Moor), un joven egipcio copto, amigo de la familia. Todos se extrañan de que Nazeer no haya llamado a la casa y María les comenta que sí, que lo había hecho. Se provoca un silencio incómodo entre miradas. Pero este, no será el único detonante de la historia.

Un atardecer en la Toscana está rodado en Volterra, uno de los pueblos más emblemáticos de la Toscana. Un filme que se presenta ante el público como un intenso drama, por el que desfilarán el honor, la hipocresía, las diferencias de edad, la inmigración y su efecto sobre la sociedad, el terrorismo, la familia, la libertad, la xenofobia y tantas lecturas como el espectador esté dispuesto, a descubrir.
El polaco Jacek Borcuch, es actor, director y guionista de cine. Estudió filosofía en la Universidad de Varsovia. Ha trabajo en diversas series de televisión, como director nos encontramos con obras como: “Tulipanes” 2004 “Aquello que amamos” 2009 o  “Indeleble” 2013 y ahora para su quinta película, nos sumerge en un drama poético y narrado con suma delicadeza, pero afilado como los dientes de un león.
Siempre he pensado que la edad, además de un número de una fecha determinada, es el tiempo en el que el ser humano puede aprender todo lo que precisa para saber discernir sobre la realidad de nuestra sociedad y su  importancia, entre otras muchas cuestiones y exponerlas sin miedos y libremente, sin importar el qué dirán y sus consecuencias.
María, la protagonista del filme, es judía y de padres polacos, supervivientes del holocausto nazi. Cuando se declaró la ley marcial en Polonia, ella estaba en la Toscana y allí decidió quedarse. Así comienza el discurso polémico, desgarrador e impactante que ofrece a sus conciudadanos al recibir un premio local y comunicar que rechaza el Premio Nobel de Literatura, que le han concedido. Un discurso crítico contra quienes mandan en los campos de refugiados en Europa, como dice en un momento determinado “Financiados por el gobierno y controlados por las mafias”, pero esa frase no será el detonante de lo que vendrá, pues llega a afirmar que un acto terrorista es como una obra de arte a la que no pueden alcanzar escritores e intelectuales. Un discurso que por sí solo, vale toda la película, pues no deja indiferente a nadie,  ante el temple que ofrece Krystyna Janda con sus palabras, como tampoco durante el resto de la narración

La obra se divide en dos partes, que juegan entre sí, por un lado la visión de la familia y por el otro, la de la sociedad y política que les rodea. Un filme que se mantiene en esa fina línea que separa lo cómodo de lo incómodo, en la cual Jacek arriesga “arañando”  el lado vulnerable del ser humano, poniendo al desnudo la Europa en la que vivimos, el terrorismo que sufrimos y las víctimas que siempre son los inmigrantes. Un filme que deja demasiadas preguntas en el aire y todas  necesarias, pues  Borcuch no desea involucrarse más de lo necesario, dejando que cada espectador, saque sus propias conclusiones.
El gran peso de esta película, sin la menor duda, recae en su protagonista principal femenina, Krystyna Janda, quien está impresionante, encarnando a una mujer  impenetrable, fría, intensa, seductora y calculadora, dentro de la humanidad que encierra en su compleja mente. Sus miradas, sus estados de quietud, sus palabras afiladas como dardos e incluso sus estados de duda, que pronto transforma en decisiones, acertadas o erróneas. Una interpretación impecable para una gran actriz, que llena la pantalla con su magnetismo, dejándonos con un final cargado de simbolismo, en su largo plano secuencia.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Junio

REPARTO: Krystyna Janda, Antonio Catania, Lorenzo de Moor, Robin Renucci, Vincent Riotta, Kasia Smutniak.

PRODUCTORA: No Sugar Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: BTeam Pictures

domingo, 23 de junio de 2019

EXPOSICIÓN FEDE POUSO: RESEÑA

EXPOSICIÓN FEDE POUSO
Todo esto nace de una experiencia personal, todo lo que pinto, lo que pienso, lo que sale de mi tiene que ver con quién soy sin filtros, lo que construí, lo que he aprendido, todo lo que he vivido.  Esto es un escalón más en mi constante búsqueda de saber quién soy, de saber qué tengo para dar, de cuál es mi servicio y qué propósito tengo en esta dimensión. 
Siempre tomé la decisión de cada día ser la versión más honesta y fiel posible de mi para nunca defraudarme. Eso se lo debo siempre a la libertad  y valentía que desde pequeño siento en mi interior y que jamás pude callar ni disimular.  Por eso la palabra agradecimiento es un mantra para mí, es mi manera de celebrar la vida con errores y aciertos. He comprobado que lo único que importa en esta vida es soltar y soltarse, entregarse sin condiciones aun sabiendo que hay riesgos. En esta vida he aprendido que todo esto vale la pena. 
“La idea del desnudo” 
La idea del desnudo comienza con mis recuerdos y experiencias vividas a lo largo de mi carrera en el mundo de la moda.  Los recuerdos que más me han marcado como persona y profesional son los de ver a niñas/mujeres de 17 años que comenzaban sus carreras como modelo a muy temprana edad. Esos recuerdos son de cómo esas chicas se exponían a la mirada del mundo, a veces con valentía y a veces con la búsqueda de aprobación, pero sobre todo expuestas a la mirada de los “otros” con solo una pieza de ropa que cubría sus partes íntimas y sus debilidades. Por momentos, las admiraba y, por momentos, vivía junto a ellas la lucha de la aceptación.  Toda la vida escuché a mis amigas dudar de sus capacidades solo por la inconformidad con sus cuerpos y esto nunca me dejó indiferente, de hecho es algo contra lo que luché toda mi vida. 
Y me pregunto… ¿Cómo podemos llegar a un momento de comodidad y aceptación con nosotros mismos dentro de un mundo hipersexualizado y con las miradas y creencias  ajenas sobre nuestro propio cuerpo?
En el cine, la televisión, la publicidad, los medios de comunicación o las redes sociales envían continuamente mandatos socializadores a fin de reproducir un modelo de feminidad centrado en el atractivo físico y sexual. Estos mandatos únicamente están enfocados a la erotización del cuerpo de las mujeres, poniéndolas constantemente en tela de juicio sobre sus capacidades, basándose únicamente en su aspecto físico. 
¿A quién le interesa que las mujeres siempre duden sobre ellas mismas?
En nuestra cultura la idea de que las mujeres deben ser valoradas básicamente  por su atractivo sexual, se ha convertido en parte fundamental del nuevo modelo normativo que exige a  las adolescentes y mujeres adultas. 
Mi obra por lo contrario a esta realidad, nos expone un momento de intimidad, representa una instancia de conexión  y celebración con el cuerpo. Muestra a nuestras protagonistas en un momento de aceptación y admiración sobre su propio cuerpo. Nos enseña que el poder personal esta lejos de esa idea de que sus cuerpos deben crearse en función a la aceptación de los demás, a esa mirada hipersexualizada donde los cuerpos solo cumplen dos funciones: la del placer y la maternidad.
Estas mujeres representan  para mi a esas amigas de la infancia que me aceptaron en sus grupos de mujeres sin dudar ni preguntar, esas mujeres que me integraron en su vida personal e íntima, que me protegieron de todo maltrato ante la mirada de otros varones por no ser lo suficientemente masculino.
Las protagonistas de esta serie nos invitan a desnudarnos. Ellas abren su intimidad y pensamientos como una vez lo hicieron conmigo, ellas nos cuentan sus secretos más íntimos, nos invitan a contemplarlas a través de una mirada sanadora. Mi obra propone un viaje donde los colores representan un estado de ánimo y una energía que habita estos cuerpos, que habla de la felicidad y del acercamiento con uno mismo. Me refiero a ese momento al que todos llegamos cuando nos sentimos cómodos con nosotros, donde las dudas desaparecen y aparece el poder personal, donde la conexión con el cuerpo habla de la aceptación y del amor que debemos lograr.
BIOGRAFÍA DE: FEDE POUSO   
Fede Pouso nació en Montevideo, Uruguay, en 1988. Graduado en el 2010 como diseñador de indumentaria y arte textil en la Universidad del Trabajo del Uruguay (UTU) en Montevideo, comienza su carrera profesional a muy temprana edad como asistente y mano derecha de uno de los diseñadores de alta costura más importantes de su país natal.
A los 23 años comienza a trabajar como estilista en numerosas editoriales de moda para las revistas más importantes de su país.   Como director de arte y productor trabaja creando las campañas y los contenidos visuales para diseñadores y marcas de moda, logrando ser parte del equipo de dirección y arte de la Fashion Week de Uruguay.
Desde el año 2015 reside en Madrid, España, tierra de sus padres inmigrantes donde incursiona en las artes escenas como figurinista y vestuarista de teatro en la obra "El Descanso de Caronte", de la compañía Actos Íntimos, de Santi Senso, llevando su trabajo a diferentes escenarios en festivales nacionales e internacionales como el Festival de Teatro Clásico de Cáceres, el Festival Internacional de Medellín, Colombia y el prestigioso Teatro Fernán Gómez en Madrid.
Su incursión al mundo de las artes plásticas surge de la mano de su madre a la que ve pintar desde niño. Se convierte así en un artista plástico autodidacta en Madrid, explorando siempre nuevos caminos que le obligan a salir de su zona de confort. En sus trabajos, utiliza la moda, la pintura y el color como medio para transmitir su forma de ver el mundo, buscando comunicar aquello que le daña y le genera amor.
Actualmente no solo trabaja como estilista para el mundo editorial y artístico en España sino que comienza en una intensa carrera dentro del audiovisual español, trabajando como director y jefe de vestuario para numerosas películas, y publicidades junto a importantes directores y creadores del medio.
Fede Pouso se considera fan de la gente que va contra corriente y dedica su tiempo y su vida a demostrar que no estamos pre- programados, que no somos una simple pieza de ajedrez y que el amor, nuestro amor, es la única cura.
Jueves, 27 de Julio a las 20:00 horas Hotel ME BY MELIÁ Plaza Santa Ana, 14
Fede Pouso  @fedepouso @fedepousoart www.fedepouso.com 662 491 382