MARTIN EDEN: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Alemania y Francia; Martin Eden está dirigida por Pietro Marcello compartiendo guion con Maurizio Braucci. “¿Puede una ley moral sustituir a la ley natural?”

Martin Eden (Luca Marinelli) es un joven atractivo y deseado por las jovencitas del pueblo. Trabaja como marinero en un barco, desde el cual ve como un hombre maltrata a un joven y sale en su defensa. El joven se llama Arturo Orsini (Giustiniano Alpi) y en agradecimiento lo lleva a su casa, en donde conocerá a su hermana Elena (Jessica Cressy) y a su madre Matilda (Elisabetta Valgoi). Lo invitan a comer y se hará amigo de la familia. Una familia de clase media alta. Elena y Martin, sienten  atracción el uno por el otro. Martin le pide a Elena que le ayude a adquirir los conocimientos necesarios para convertirse en escritor y ella le anima a que vuelva a estudiar, pues él confiesa que tuvo que abandonar los estudios siendo muy joven y ahora no puede pagarse las clases.

Martin vive en la casa de su hermana Giulia (Autilia Ranieri) quien está casada con Bernardo (Marco Leonardi) y tiene dos hijos. Bernardo busca que Martin trabaje con él y Martin siempre se niega, lo que provoca enfrentamientos entre ambos por no ayudar ni aporta dinero en casa. En uno de esos enfrentamientos Bernardo le echa a la calle, mientras se burla de él.

Martin Eden está basada en la versión libre de una de las  novelas más importantes del escritor estadounidense Jack London. Una obra autobiográfica y naturalista que se publicó en entregas entre los años 1908 al 1909 en The Pacific Monthly, convirtiéndose en libro en 1909. Al tratarse de la formación de un artista, a esta obra se la considera que pertenece al género del Künstlerroman.

El guionista, productor y director; Pietro Marcello, estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Nápoles. Se inició con el documental radiofónico “Il tempo dei Magliari” 2002 emitido por Radio 3. En 2003 rodó sus dos primeros cortometrajes “Carta” y “Scampia”, a los que siguieron “Il Cantiere” 2004, “La Baracca” 2005, “Napoli 24” (Episodio Rettifilo) 2010, “Marco Bellocchio, Venezia 2011” 2011, “Venice 70” 2013 (Episodio senza titolo), “9x10 noventa” 2014 (documental) y “Ossessione” 2016. En el documental de largometraje  ha filmado “Il passaggio della línea” 2007, “La bocca del lupo” 2009 y “Il silenzio di Pelešjan” 2011. En el largometraje de ficción debutó con “Bella y perdida” 2015 y ahora llega a nuestras pantallas con “Martin Eden”.

Una obra ambientada en una época indeterminada, pues juega con elementos de finales del siglo XIX, comienzos del XX  y de otros instantes  en los que la pobreza buscaba la forma de escapar de la miseria mientras que la cultura, coqueteaba con las clases sociales, pues ella no precisa del dinero para alimentarse, pero sí de las mentes lúcidas. Un filme que bebe de los grandes maestros del neorrealismo italiano, retratando los campos con exquisita belleza, los rostros de los marineros y de las gentes realizando las tareas cotidianas en las ciudades y los campos; con cierto halo de romanticismo y bajo la atenta mirada de los directores de fotografía, Alessandro Abate y Francesco Di Giacomo, con un uso extraordinario de la iluminación y los encuadres, ofreciéndonos desde las imágenes más sofisticadas rodeando a la clase media alta, hasta las más bucólicas y rurales de los hogares humildes, los campos y los establos. Un filme que contiene una gran carga emocional, entre interesantes metáforas, que la convierten en una obra muy personal, haciendo crítica del individualismo, la burguesía viciada, la sociedad corrompida, los empresarios opresores y hasta la falsa democracia, recordándonos, en todo momento, la importancia de la educación y el conocimiento, frente al analfabetismo.

El filme posee una interesante parte documental, género en el que Marcello se mueve con gran soltura, recordándonos el pasado del personaje, su vida como marinero y las diferencias entre clases, además de otros instantes que el director ha considerado necesarios para enriquecer la narración visual. Lo que también resulta innegable, es la capacidad, junto a Maurizio Braucci, de adaptar la obra de Jack London para que los alegatos, entre otros, el de la evolución, posean aún más fuerza a día de hoy, pues en realidad hemos evolucionado en relación a las comodidades y la tecnología, pero en lo esencial como seres humanos… Mejor dejarlo aquí, porque ese sería otro debate, y es que la obra invita constantemente a la reflexión.

Llega el momento de él,  de Luca Marinelli, el joven que da vida a Martin Eden, ese hombre que se crea y se destruye a sí mismo, cayendo en algunos de los vicios que él mismo criticaba y hablando de críticas, quiero destacar una de sus disertaciones, con la que sorprende a los comensales durante una cena en la casa de su novia Elena, tras la cual todo cambiará en él. Un hombre que a través de la escritura deseaba salir de la pobreza, exponer y asentar sus ideas, evolucionar como persona y ser reconocido por los demás. Esa humanidad que desprende, navegará entre la humildad y la vanidad más insolente y Marinelli se entrega en cuerpo y alma, llegando en algunas ocasiones a rayar la sobreactuación, sobre todo, cuando descarga sus monólogos o discursos. Una brillante interpretación.

Para terminar, tras todo lo expuesto,  anotar que Pietro Marcello sella la obra, de forma magistral, con una escena final en la cual resume con sutileza e inteligencia cuanto hemos visto, lo que se avecina con la I Guerra mundial y cuanto está sucediendo. Una obra que hablando del pasado, nos recuerda el presente.

“¿Y si intentas ver el mundo de otra manera?... ¿Y al escribir también?”

Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Diciembre.

REPARTO: Luca Marinelli, Carlo Cecchi, Jessica Cresssy, Denise Sardisco, Vincenzo Nemolato, Carmen Pommella, Autilia Ranieri, Marco Leonardi, Savino Paparella, Elisabetta Valgoi, Pietro Ragusa, Giustiniano Alpi, Anna Patierno, Vincenza Modica, Gaetano Bruno, Maurizio Donadoni, Chiara Francini, Aniello Arena, Giuseppe Luliano, Peppe Maggio, Franco Pinelli, Lana Vlady, Diego Sepe, Sergio Longobardi y Giordano Bruno Guerri.

PRODUCTORA: L´Avventura Film B.V.// IBC Movie// The Match Factory// RAI Cinema// Shellac Sud.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

BABY: CRÍTICA DE CINE

 

BABY está escrita y dirigida por Juanma Bajo Ulloa. “No siempre son necesarias las palabras”.

El filme comienza con imágenes en medio de la naturaleza, entre campos y animales de diversas especies alternándose con los edificios de la ciudad y la presencia de una joven embarazada que vive sola. Dará a luz sobre una mesa entre gritos ahogados, hasta que el recién nacido sale de su interior. La joven vive en un constante mono, entre el alcohol y las drogas, cuidando como puede de su hijo, hasta que decide venderlo para que lo adopten y de paso sacar un dinero para pagar las deudas. Cuando es consciente de lo que ha hecho, buscará la manera de recuperar a su bebé, cueste lo que cueste, aunque arriesgue su propia vida.

El director y guionista Juanma Bajo Ulloa, desde muy niño estuvo relacionado con la imagen, debido al comercio de fotografía regentado por su familia. Estudió la Carrera de Técnico de Imagen y Sonido, y cursos de Producción, Guion y Realización. En 1984 fundó la productora “Gasteizko Zinema”. Se inició en el cortometraje con “Akixo” y “El reino de Víctor” ambos en 1989. Con el segundo ganó el Goya al mejor cortometraje. En 1991 llegaría su debut en el largometraje con “Alas de Mariposa” obteniendo 3 Goyas (Mejor director novel, guion original y actriz Silvia Munt) y la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián.  Le han seguido otras obras como “La madre muerta” 1993 (Mejor director ex aequo en el Festival de Montreal y Goya a los mejores efectos especiales), “Airbag” 1997, “Frágil” 2004 y   “Rey Gitano” 2015. Entre los documentales encontramos “Historia de un grupo de rock” 2008 y “Rocknrollers” 2016, además de los videoclips “Joaquín Sabina: Por el bulevar de los sueños rotos” 1994, “Cronómetrobudú: La flor del Tiempo” 2011 y “Alex O´Dogherty&La Bizarrería: No hubo manera” 2013, sin olvidar el cortometraje “Americanos cotidianos” 1999. Este año nos ofrece, “Baby”.

Una vez más, la palabra es sustituida por la imagen, al igual que  han hecho otras obras como el melodrama “The Artist” 2011 de Michel Hazanavicius,    el drama “Blancanieves” 2012 de Pablo Berger o  la magnífica película de terror “Un lugar tranquilo” 2018 de John Krasinski. Juanma nos envuelve en una atmosférica trama presentándonos a un grupo de mujeres que deambulan en una realidad irreal, alejadas de la sociedad y encerradas en sus mundos. Así conoceremos a la niña (Mafalda Carbonell) quien experimenta su paso de niña a adolescente, entre ropajes  antiguos o ante la llegada de su menstruación. El dolor y la pérdida de un hijo a temprana edad que arrastra la  mayor de ellas (Harriet Sansom Harris) y sus consecuencias o la joven adicta que se arrepiente de haber vendido a su hijo por dinero. Pero “Baby” nos habla de mucho más, de aquello que nos grita y susurra, siempre en silencio.

Estamos ante una fábula macabra, con tintes góticos en donde no existen los nombres, pues no son necesarios y no se escuchan palabras, pues sobran ante la historia que Ulloa nos desea relatar. Las imágenes y el uso de los elementos paralingüísticos como los sonidos fisiológicos y emocionales, entre ellos los gritos, el llanto o la risa, incluyendo los silencios, nos contarán más, que si existiera la palabra pronunciada. Una obra rica en simbolismos en la cual las féminas son el pilar central de toda la historia. La mujer ante la menstruación, el embarazo, la pérdida de un hijo, las adicciones, el abandono, el deseo de ser madres, sin la intervención de varón, en la figura de una pareja lésbica y la maternidad, serán las más importantes. Una historia extraña y arriesgada, entre los claroscuros del ser humano.

Una narración prolífica de símbolos a través de los animales como las arañas (en cuyos hogares tejidos con esmero se entra con facilidad, pero resulta difícil de escapar), las cigüeñas (simbolizando la maternidad) o el caballo blanco (expresión de libertad) por mencionaros algunos de ellos, pero también estarán presentes los buitres, las mariposas, la serpiente o el búho; que vosotros mismos descubriréis a quienes están representando; así como la ingesta de fresas con las que se busca no solo alimentarse, sino detener el tiempo. Un filme con esos toques góticos en medio de la modernidad, la naturaleza y la miseria que les rodea, signo inequívoco de que existió un tiempo mejor. Un filme que se nutre de la magnífica banda sonora compuesta por Bingen Mendizábal y Koldo Uriarte y la tenebrosa y  bucólica fotografía de Josep M. Civit.

Una película protagonizada exclusivamente por mujeres, encarnando con precisión a los personajes y asumiendo personalidades muy dispares, en una obra entre sus luces y sombras, en la cual, las miradas y las expresiones corporales, asumen el relevo de la palabra. Bajo Ulloa dirige con minuciosidad este filme del que se ha sabido rodear de un gran equipo técnico.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 18 de Diciembre

REPARTO: Natalia Tena, Harriet Sansom Harris, Rosie Day, Charo López Mafalda Carbonell, Susana Soleto y Amalia Ortells.

PRODUCTORA: Frágil Zinema// La Charito Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

LA MUJER ILEGAL: CRÍTICA DE CINE

 

La mujer ilegal está dirigida por Ramón Térmens con guion compartido con Daniel Faraldo. “La gente no se implica porque tiene miedo”

Fernando Vila (Daniel Faraldo)  está casado con Rosa (Montse Germán) que padece cáncer. Fernando es abogado especializado en conseguir los permisos de residencia a los inmigrantes. Entre las personas con las que se entrevista, se encuentra Zita Krasniqi (Klaudia Dudová) quien es detenida en pleno proceso y muere de forma sospechosa, lo que le llevará a investigar qué le ha sucedido a su clienta, al chocarse con el silencio de la policía y del Centro de Internamiento para Extranjeros.

Fernando conocerá a Juliet Okoro (Yolanda Sey) una gran amiga de la fallecida Zita, quien busca obtener los premisos para poder irse, pues está atrapada en las garras de una mafia de prostitución, de la que no puede salir. Ambos trabajarán juntos para desenmascarar lo que está ocurriendo. Mientras, Juliet conoce a un policía, Oriol Cadenas (Isak Férriz), que posee un lado oscuro.

Los Centros de Internamiento de Extranjeros (CIE) son establecimientos públicos de carácter no penitenciario, algo que hay que tener muy en cuenta, pues en dichos lugares solo se debe retener de manera cautelar y preventiva a los extranjeros sometidos a expediente de expulsión del territorio nacional. Estos centros son un instrumento extendido por toda la Unión Europea adoptado en desarrollo de la política migratoria común suscrita en el Acuerdo de Schengen de 1985. En España existen 8 de estos centros divididos por todo el país: Algeciras, Barcelona, Fuerteventura, Las Palmas, Madrid, Murcia, Tenerife y Valencia. Todos ellos dependen del Ministerio de Interior y en ellos no se puede estar más de 60 días internado.

Ramón Térmens, estudió Filosofía en la Universidad de Barcelona y tras finalizar se matriculó en el Centro de Estudios Cinematográficos de Cataluña (CECC). Debutó en la gran pantalla junto a Carles Torras en “Jóvenes” 2004, se trasladó a los Ángeles trabajando de guionista y regresó para rodar “Negro Buenos Aires” 2009. Dos años más tarde coescribió, dirigió, produjo y distribuyó “Catalunya über alles!” con su propia productora Segarra Films, con la que obtuvo diversos premios. “El mal que hacen los hombres” llegaría en 2015 y este año nos ofrece “La mujer ilegal”.

Un filme de visionado imprescindible, demoledor y doloroso; estas fueron las primeras palabras que surgieron en mi mente, al salir de la proyección. La película ha sido rodada en la ciudad de Lleida. “La mujer ilegal”, juega con el documental y la ficción en una obra que te mantiene pegado a la butaca, pues mucho  hemos escuchado y visto sobre la inmigración, pero no como nos lo relata Térmens desde ese inicio en el cual vemos a Fernando entrevistando a gente sin papeles, pasando por su vida personal, con su mujer que padece cáncer en estado avanzado y desea que la ayude a morir, hasta envolvernos en ese thriller entorno a las desapariciones y muertes misteriosas en el CIE. Una obra narrada con tranquilidad pero sin pausa, pues en todo momento está sucediendo algo, bien en un campo u otro, mientras descarga todo el peso de la narración sobre los hombros de su personaje principal, Fernando Vila, quien nos sumerge en ese mundo entre el dolor, el miedo, la desesperación, las vejaciones, la eutanasia, la soledad, la enfermedad, el machismo, la impotencia, la nobleza y el deseo de justicia.

Un filme con el que Ramón lanza un grito de protesta por el trato inhumano que muchas veces sufren los inmigrantes a lo largo y ancho de nuestra geografía, en donde por el hecho de no tener papeles, en ocasiones son tratados como un número, como ganado, como mercancía con la que traficar cuando no dejados de la mano, abandonados en una esquina y silenciados, porque si hablan, pueden no solo ser deportados, sino humillados de mil maneras; sin tener en cuenta los derechos fundamentales del ser humano. Térmens no se queda en la superficie, indaga a través del abogado Vila qué es lo que realmente está sucediendo, como funcionan esos prostíbulos y quienes están implicados en ellos, sin ruborizarse y sin amedrentarse. Denuncia social para concienciar a la población y que reaccione ante lo que está realmente ocurriendo, pues como en tantas ocasiones, permanece oculto porque interesa mantenerlo en la oscuridad.

Hay que subrayar, además de la magnífica dirección general, la actoral, destacando a los dos actores principales; por un lado a la actriz protagonista en su debut en la gran pantalla, aunque ya conocida por sus trabajos en el teatro musical y como integrante del trio vocal The Sey Sisters, Yolanda Sey, encarnando a Juliet, quien nos sobrecoge con esa naturalidad y verdad que destila y por supuesto a la impecable y sobresaliente interpretación del argentino Daniel Faraldo como el abogado Fernando, a quien seguimos gustosamente sus pasos. Ha contado también con una excelente fotografía de Pol Orpinell.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Diciembre

REPARTO: Daniel Faraldo, Yolanda Sey, Isak Férriz, Gorka Lasaosa, Oriol Cadenas, Kaudia Dudova, Àngels Bassas, Montse Germán, Boris Ruiz,  Raquel Camon, Adeline Flaun, Godeliv Van den Brandt, Josep María Alejandre y  David Arribas

PRODUCTORA: Mimesis Film// Segarra Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Segarra Films.

NUESTROS MEJORES AÑOS: CRÍTICA DE CINE

NUESTROS MEJORES AÑOS está dirigida por Gabriele Muccino compartiendo guion con Paolo Costella. “Por lo que nos hace sentir”

Giulio (Pierfrancesco Favino), Gemma (Micaela Ramazzotti), Paolo (Kim Rossi Stuart) y Riccardo (Claudio Santamaria) son cuatro amigos, que desde muy jóvenes, disfrutaban de sus salidas juntos y que a través de los años, seguirán en contacto, acudiendo a los actos más importantes que los cuatros experimentarán, desde el final de los estudios, la graduación de algunos de ellos, las bodas, etcétera.

Una historia que abarca cuatro décadas, desde los 80 del siglo pasado hasta la actualidad, pasando de la adolescencia a la edad adulta, con todo lo que eso representa. Crear familias, abrirse camino en las profesiones elegidas, los sueños, los éxitos y fracasos, las separaciones, los tiempos felices, el amor y la amistad y hasta los pesares por lo que se va perdiendo por el camino. Historias cotidianas repletas de emociones y anécdotas, no exentas de sorpresas y no todas agradables.

Gabriele Muccino, comenzó estudiando Filología Italiana en la Universidad La Sapienza, pero pronto se dio cuenta que aquello no era lo que buscaba como profesión y se inclinó por inscribirse en el Centro Spreimentale Cinematográfico. Tras graduarse, por una parte trabajó como ayudante de dirección y por la otra, dirigiendo sus primeros cortometrajes y proyectos televisivos para la RAI. Continuó su formación como guionista en el Centro Sprimentale de Cinecittá y dirigiría su ópera prima en 1998 con “Ecco fatto” continuando con “Ahora o nunca” 1999, “El último beso” 2001, “Ricordati di me” 2003, “En busca de la felicidad” 2006, “Siete almas” 2008, “Baciami ancora” 2010, “Un buen partido” 2012, “De padres a hijas” 2015, L´estate addosso” 2016 y “A casa tutti bene” 2018. Entre los cortometrajes encontramos: “Heartango” 2007, “Timeless” 2010 y “She Was Here” 2012. Este año llega a nuestras pantallas con “Nuestros mejores años.

Una narración que incluye los acontecimientos importantes sucedidos en esas décadas, como la caída del muro de Berlín el 9 de Noviembre de 1989, el atentado a las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de Septiembre de 2001 o los cambios políticos en Italia en 1992 con el proceso judicial conocido como Mani Pulite (Manos Limpias) contra la corrupción política; por poner algunos ejemplos, integrados de forma sutil e ingeniosa, entre las vivencias de estos cuatro personajes, que tienen mucho que decir y vivir. Vivir, disfrutar y decir a través de un  guion muy bien escrito,  navegando entre el drama y la comedia, equilibrando los tiempos de intervención de los personajes y así conocer sus personalidades, sus puntos fuertes y aquellos que les hacen más vulnerables, pero ante todo, fuertemente unidos por los lazos de la amistad y en algunos casos, del amor.

Resulta interesante escuchar las conversaciones que mantienen, a través de  las diferentes épocas, como la que celebran en un momento determinado ya de adultos, alrededor de una mesa, entre copas de vino. Una conversación en la que reflexionan como la vida se repite generación a generación y que aquello que antes se veía como natural, cuando se era joven, al paso de los años, se critica en los nuevos jóvenes, cuando se es adulto. La misma retahíla que los padres repiten una y otra vez a los hijos, incluyendo la clásica frase de “Aquellos eran otros tiempos, no se puede comparar”, y es que la vida es muy sencilla, sino la complicamos y que las experiencias y la madurez, nos hacen más cautos que cuando nuestras mentes gozaban de libertad y estaban exentas de la contaminación social y política. La inocencia frente a las responsabilidades y en ocasiones, las responsabilidades, como freno a la libertad de acción.

Gabriele Muccino no solo dirige con mano firme y ladina una historia que mantiene al espectador expectante ante los acontecimientos narrados, sino que borda la dirección actoral con estos cuatro magníficos actores, quienes penetran por cada poro de los personajes, hasta hacerlos propios, por lo que felicito a todos por igual; así como extiendo mi felicitación al montaje de Claudio Di Mauro, la extraordinaria banda sonora, propia en la batuta de Nicola Piovani y la selección de otros temas musicales y por descontado, a la fotografía de Eloi Molí. Dos horas y cuarto de metraje de buen cine, para ser disfrutado.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 11 de Diciembre

REPARTO: Pierfrancesco Favino, Micaela Ramazzotti, Kim Rossi Stuart, Claudio Santamaria, Francesco Centorame, Andrea Pittorino, Nicoletta Romanoff, Paola Sotgiu, Francesco Acquaroli.

PRODUCTORA: Lucky Lotus Production// RAI Cinema// Leone Film Group.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

LA INCREÍBLE HISTORIA DE DAVID COPPERFIELD: CRÍTICA DE CINE

La increíble historia de David Copperfield está dirigida por Armando Iannucci compartiendo guion con Simon Blackwell.

El escenario de un teatro recibe la presencia de David Copperfield (Dev Patel) bajo el sonoro aplauso de todos los asistentes. Sentándose comunica que va a escribir una nueva historia basándose en su vida y para ello, como él mismo comenta, nada mejor que remontarse al día de su nacimiento, que veremos entre los gritos de su madre, la histeria por no saber qué hacer de la criada/comadrona Peggotty (Daisy May Cooper) y de otros personajes que van llegando a la casa y a partir de ahí, seremos testigos de como su padrastro lo abandona, trabajará en una empresa de envases de vidrio, de la cual se marcha, arrojándolo todo a su paso, tras ser informado que su madre ha muerto, la han enterrado y él, último en enterarse. Es en ese momento cuando nuestro personaje comienza su aventura.

Al hablar de David Copperfield hay que diferenciar entre el David ilusionista, del que todos hemos visto trucos increíbles a través de los años del Copperfield escrito por el gran Charles Dickens, a quien se dedica esta película. Es la octava novela que escribió Dickens y como sucedía en aquellos tiempos, se publicó por entregas mensuales hasta llegar al formato libro en 1850. Una obra en gran parte autobiográfica y como dejó escrito en un prólogo el propio autor “De todos mis libros, éste es el que más me gusta”… “Como muchos padres, tengo un hijo preferido, un hijo que es mi debilidad, este hijo se llama David Copperfield” Una novela que se ha llevado al teatro, a la televisión y a la gran pantalla, destacando: “David Copperfield” 1935 de George Cukor, el telefilme “David Copperfield 1969 de Delbert Mann, el telefilme de animación “David Copperfield” 1993 de Don Arioli, el telefilme “David Copperfield” 1999 de Simon Curtis  y el telefilme “David Copperfield” 2000 de Peter Medak.

El director y guionista Armando Iannucci, se graduó en Literatura inglesa por la Universidad de Oxford, ha trabajado en programas de radio humorísticos en la BBC Radio 4 y comenzó en televisión con series como: “Knowing Me, Knowing You with Alan Partridge” y “The Day Today” ambas en 1994, en 1997 participó en “I´m Alan Partridge” continuando con otras como “The Armando Iannucci Shows” 2001, “The Tnick of it” 2005, “Time Trumpet” 2006 y “Veep” 2012. Su primer trabajo para el cine llegó con “Tube Tales” 1999 compuesto por 9 cortometrajes dirigidos por diferentes realizadores. Ya en solitario si primer largo sería “In the Loop” 2009 al que han seguido “La muerte de Stalin” 2017 con la que obtuvo diversos premios internacionales y este año llega “La increíble historia de David Copperfield”

Si alguien está esperando una nueva versión clásica del personaje de Charles Dickens “David Copperfield”, esta no es la película, pues si bien  los decorados, el vestuario, la puesta en escena e incluso la fotografía, nos acercarían al clásico, Armando Iannucci, como se esperaba de él, da su propia versión. Una versión más alocada, atrevida y desconcertante; por momentos brillante y en otros, asfixiante, rodeándose de un magnífico reparto actoral. Vuelve a la carga con sus interminables diálogos muy teatralizados, entre espacios por los que constantemente están entrando y saliendo personajes de escena. Sin duda el exceso es la mejor manera de definir a  la película y por supuesto a su director; también es cierto, que la obra de Dickens es complicada de adaptar al cine, pero no imposible, como ya demostró el gran maestro George Cukor. En esta ocasión, además, el drama de la novela queda solapado por las constantes pinceladas de humor, en ocasiones burlesco y en otras, crítico; a través del guion que Iannucci comparte con Simon Blackwell.

Entre las muchas rarezas que presenta la película, nos encontramos con la diversidad racial de la que se rodea, confundiendo totalmente al espectador pues es testigo, de entrada, que de la relación entre un hombre blanco y una mujer blanca nazca un niño moreno de pelo rizado, que es nuestro protagonista, Copperfiel, quien con los años será interpretado por Dev Patel, el cual aun siendo británico, es desciende e inmigrante de indios; pero no será el único, pues los personajes más importantes y la gran mayoría de los secundarios, estarán representados por una gran variedad étnica, habitando ciudades y  campiñas británicas, eso sí, siempre soleadas. Se ve que a los creadores de la historia  y al propio director, les molestaba el mal tiempo, sello de identidad de la isla.

A tener en cuenta, la banda sonora a cargo de Christopher Wills que fluye como una protagonista más, siguiendo los avatares de cada uno de los personajes y acompañando a la fotografía que Zac Nicholson  nos brinda. Una obra, muy teatralizada, pero con un ritmo frenético, excesivamente frenético, que no da tregua para respirar.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Diciembre en Plataformas Digitales.

REPARTO: Dev Patel, Tilda Swinton, Hugh Laurie, Peter Capaldi, Morfydd Clark, Ben Whishaw, Benedict Wong, Darren Boyd, Gwendoline Christie, Paul Whitehouse, Aneurin Barnard, Daisy May Cooper, Nikki Amuka-Bird, Jairaj Varsani, Nigel Betts, Fisaya Akinade, Aimee Kelly, Anthony Welsh y Rosalind Eleazar.

PRODUCTORA: Filmnation Entertainment// Searchlight  Pictures// Film 45

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

EL JINETE DEL DRAGÓN: CRÍTICA DE CINE

 

El Jinete del Dragón está dirigido por Tomer Eshed con guion de John R. Smith. “Acepta el pasado y sigue adelante”

Hace mucho tiempo, los humanos y los dragones vivían en perfecta armonía hasta que…

Lung es un joven dragón que tiene como amiga a una pequeña duende llamada Sorrel (Piel de azufre). Un día Lung descubre que los humanos están destruyendo el valle en el que los dragones se esconden y al ver que el resto de sus compañeros no quieren hacer nada, decide ir en busca de la orilla del cielo. Lugar que según la leyenda los dragones viven en libertad, lejos de los humanos y felices. Su amiga le acompañará y por el camino conocerán a Ben, un huérfano ladronzuelo. El dragón lo confunde con el legendario jinete del dragón y Ben aprovecha la oportunidad para hacerse pasar por él y huir junto a ellos, volando y alejándose de sus perseguidores. En ese viaje se encontrarán con el comedragones, Nettlebrand (Ortiga Abrasadora). Los tres vivirán una gran aventura.

Dragon Rider  (en alemán: Drachenreiter) y traducida en nuestro país como El jinete del dragón, es un filme basado en la novela homónima de Cornelia Funke, cuyo  guion ha sido adaptado por John R. Smith. Una obra en la cual se relatan las aventuras de un ladronzuelo huérfano, un duende y un dragón plateado. Las voces originales han corrido a cargo de: Felicity Jones, Thomas Broadie Sangster, Freddy Highmore y Sir Patrick Stewart. Una historia que nos habla de amistad, de unidad, de confianza y en pro de la naturaleza, concienciándonos sobre la importancia de proteger el ecosistema de nuestro planeta. Un viaje, rumbo al Himalaya, con la épica banda sonora de Stefan Maria Schneider.

El director y animador Tomer Eshed, se graduó en la School of Arts High School” en el departamento de Arts Plásticas de Jerusalén entre los años 2004/09 y en la “Academia de Cine y Televisión Konrad Wolf” departamento de animación, Potsdam (Alemania). Es cofundador del estudio de animación “Talking Animals” Berlín (Alemania) 2013/16. Director, animador y cofundador de “Lumatic GmbH&Co KG” Berlín (Alemania) y Director de “Constantin Film GmbH” Múnich (Alemania). Su debut llegó en 2008 como director, guionista, animador y editor del cortometraje “Our Wonderful Nature”, continuando con los cortometrajes “Orgullo flamenco” 2011 y “Nuestra maravillosa naturaleza. El camaleón” 2016, con los que ha obtenido diversos premios y reconocimientos. Ahora llega con su primer largometraje “El jinete del dragón”.

Tomer dirige esta deliciosa película de animación, con un ritmo frenético,  una exquisita paleta de color y un dibujo muy realista, en donde no solo conquistará a los más pequeños de la casa, sino también a los mayores, padres y no padres. Como ya viene siendo habitual en el largometraje de animación, el filme puede ser visto con los ojos inocentes de un niño, que disfrutará de las aventuras de estos personajes y desde la mirada de los adultos, a quienes van destinados los mensajes que esconde la historia. Una obra que juega con el cuento y la leyenda y a la vez, incorpora las nuevas tecnologías que veremos usar a los propios personajes, como los ordenadores portátiles y los móviles y escuchando con total naturalidad términos como: Internet o Skype.

Además de los personajes ya citados, el público se encontrará con un basilisco, el monstruo de las cosquillas, el Djinn de los mil ojos que les responderá a una importante pregunta, el espía pata de mosca, la dracóloga que les orientará hacia donde deben ir o la serpiente marina, por mencionar algunos de ellos; y entre los humanos al profesor Greenbloom, que será determinante en el final de la película. Hay un guiño a un personaje de sobra conocido en el mundo de la animación y que tantos buenos ratos nos ha hecho pasar con sus locas aventuras “Scrat la ardilla y su nuez”. Os reto a que descubráis su paradero.

Solo me queda animaros para que junto a vuestros hijos, sobrinos o con quien lo deseéis, disfrutéis de un buen rato con esta historia animada con la que vais a poder viajar a lomos de ese dragón plateado llamado Lung, recorrer lugares de nuestro planeta fácilmente reconocibles y regresar a la más tierna infancia, entre la naturaleza y la vida que se abre ante ellos.

“Llegará el día en que la plata valga más que el oro”

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Diciembre

PRODUCTORA: Constantin Films// Able&Baker// Cyborn// Lumatic// Rise Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Flins y Piniculas.

MADAME CURIE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre el Reino Unido, Hungría y China, MADAME CURIE, está dirigida por Marjane Satrapi con guion de Jack Thorne. “La cara y la cruz de un invento revolucionario”

Madame Curie (Rosamund Pike) conocerá a Pierre Curie (Sam Riley), quien la ofrece trabajar con él en su laboratorio, pero ella busca uno mayor para llevar a cabo sus investigaciones. Pierre se lo proporcionará a través de la Escuela Superior de Física y de Química Industriales de París (ESPCI). Ambos trabajarán juntos y producto se esa amistad, se casarán teniendo dos hijas Irène Joliot – Curie (Anya Taylor-Joy) quien seguirá los pasos de sus padres y Ève Curie.

El matrimonio Curie descubrirán dos nuevos elementos, el Radio y el Polonio bajo la hipótesis de que tenía que existir un elemento en la Pechblenda, más radioactivo que el Uranio. Por dicho trabajo se les concede el Premio Novel de Física en 1903.

Los biopic se han convertido en un género por sí mismo, logrando con mayor o menor acierto, narrarnos las vidas de famosos en diferentes campos profesionales y como era de esperar, la gran científica Madame Curie, no iba a ser menos, dejando su huella tanto en televisión como en el cine: “Madame Curie” 1943 de Mervyn LeRoy, en la serie televisiva “You Are There” en un capítulo del año 1955 titulado “Pierre and Marie Curie Discover Radium (January 12, 1902)”, en el cortometraje “Monsieur et Madame Curie” 1956 de Georges Franju, el telefilme “Marie Curie: Une certaine jeune fille” 1965 de Pierre Badel, la miniserie “Marie Curie, una mujer honorable” 1991 de Michel Boisrond, “Los méritos de Madame Curie” 1997 de Claude Pinoteau,  el telefilme “Marie Curie, una mujer en el frente” 2014 de Alain Brunard, el cortometraje “Girl Couch” de Clara Altimas y en la miniserie documental “The Mystery of Matter: Search for the Elements” en el capítulo titulado “Unruly Elements” ambos en 2015. En 2016 llegará “Marie Curie” de Marie Noëlle en donde Karolina Gruszka realizó una de las mejores interpretaciones de la científica y en la serie “Genius” 2017 dedicaron dos capítulos a Curie; una serie creada por Kenneth Biller y Noah Pink y llegamos a este año 2020 con el título genuino de “Madame Curie”. Entre otros filmes.

Marjane Satrapi, Estudió en el Liceo Francés de Viena (Austria) y tras finalizar su educación laica, regresó a Irán para estudiar Bellas Artes y de ahí, trasladarse a Francia, instalándose en París. En París conocerá a David B, quien la anima a crear un cómic reflejando sus vivencias y su visión de la sociedad iraní. Cómic del que más tarde, en el año 2000, surgirá la serie “Persépolis”, que llevó al largometraje de animación junto a Vincent Paronnaud. “Pollo con ciruelas” 2011 será su siguiente largometraje continuando con, “The Gang of the Jotas” 2012,  “The Voices” 2014 y en 2019 estrena “Madame Curie”, que llega ahora a nuestras pantallas.

Una vez más prefiero quedarme con su título original “Radioactive” el cual nos muestra a una mujer decidida, valiente, inteligente y con fuerte carácter, teniendo que luchar en un mundo dominado por hombres, allá por finales del siglo XIX. Como en la película no se dice, os comentaré que Marie Curie nació en Polonia en el seno de una familia judía. Su nombre completo fue el de María Salomea Sktodowska-Curie. Estudió de forma clandestina en la “Universidad Flotante” de Varsovia y a los 24 años se trasladó a parís junto a su hermana en donde finalizó sus estudios. Es la primera persona en obtener dos Premios Nobel en distintas categorías “Física” y “Química” y la primera en ocupar un puesto de profesora en la Universidad de París.  El guion está basado en la novela gráfica de Lauren Redniss.

Estamos ante una nueva visión de la gran científica ganadora de dos Premios Nobel, que en los tiempos en los que vivió, resultó toda una proeza y ese es precisamente uno de los temas que toca este filme. Curie vivió en un mundo dominado y gobernado por hombres, pero ella supo poner sus cartas sobre la mesa, sabiendo a lo que se enfrentaba y no dejándose abatir nunca, ni en los peores momentos de su vida. Una absoluta luchadora defendiendo su causa y que al igual que el Ave Fénix,  resurgía de entre las adversidades impuestas por la sociedad de la época, su condición de judía y polaca. Tuvo la suerte de contar con un gran aliado, su marido, quien murió muy joven. Otro de los temas importantes que nos ofrece la obra, es el poner sobre los diferentes platillos de la balanza, lo positivo y negativo de sus primeros descubrimientos: El Radio y el Polonio, pues si bien han supuesto un gran adelanto para la medicina moderna, salvando millones de vidas, también, desgraciadamente,  dichos elementos han  estado al servicio de otros fines, como la creación de las centrales y las armas nucleares. La película nos mostrará imágenes de los efectos devastadores de la bomba atómica o el terrible accidente sucedido en la central nuclear Vladímir Llich Lenin, en Chernóbil en el año 1986.

Como buen filme femenino, su protagonista principal brilla con luz propia, como el bote de Radio que siempre la acompaña, iluminándola en las noches con sus destellos verdosos y para encarnar de nuevo a la Nobel de Física y de Química, Marjane Satrapi ha elegido a Rosamund Pike, en una actuación sobria, elegante y totalmente creíble; representando  por un lado el símbolo del trabajo científico en condiciones complejas y por otro  la lucha, como ya he comentado, de la mujer en un mundo de hombres, logrando hacerse respetar y escuchar. Científica, esposa, madre, docente y ante todo mujer; quizás de todas las versiones antes mencionadas, la que profundiza más en su naturaleza humana; aunque también estoy seguro, que no será la última versión de esta gran mujer. ¿Será la próxima la película definitiva? Pues aunque esta nueva versión nos resulta interesante, como siempre, queda mucho por mostrar de Madame Curie, en la gran pantalla.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Diciembre

REPARTO: Rosamund Pike, Sam Riley, Anya Taylor-Joy, Aneurin Barnard, Simon Russell Beale, Jonathan Aris, Indica Watson, Mirjam Novak, Tim Woodward, Cara Bossom, Richard Pepple, Michael Gould, Mark Phelan y Corey Johnson.

PRODUCTORA: Working Title Films, Studio Canal, Shoebox Films, Pioneer Stilking Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.

VOLVER A EMPEZAR: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Irlanda y el Reino Unido, Volver a Empezar está dirigida por Phyllida Lloyd con guion de Malcolm Campbell y Clare Dunne.

En la cocina de una casa nos encontramos con la estampa familiar de una madre, Sandra (Clare Dunne) con sus dos hijas pequeñas, Emma (Ruby Rose O´Hara) y Molly (Molly McCann) bailando al son de la música procedente de un aparato de radio, cuando son interrumpidas por su padre Gary (Ian Lloyd Anderson). Gary manda salir a las dos niñas de la casa, casi a empujones y cuando ya están fuera, comienza a maltratar entre gritos y golpes, a Sandra.  

Sandra logra escapar a la casa de su jefa, la doctora O`Toole (Harriet Walter), que sufre de graves dolencias de cadera y musculares. Sandra ve un anuncio a través del cual animan a la gente a construirse su propia casa y decide, gracias a la ayuda de la doctora, quien le presta dinero y le regala un terreno dentro de su finca, construirse una con la ayuda de algunos vecinos y amigos, pero las desgracias para Sandra y su familia, no han hecho más que empezar.

La vivienda, el trabajo y el maltrato a través del machismo dentro de la familia, serán algunos de los temas que trata este drama, que poco a poco, con gran sutileza, va calando en el espectador, sorprendiéndole hasta  llegar al final. Una película femenina, feminista y realista, de rabiosa actualidad.

Phyllida Lloyd, tras graduarse en la Universidad de Birmingham entró a trabajar en la BBC, en el área de contenidos y entretenimiento durante 5 años, alternando dicho trabajo con el teatro. Formó parte del Royal Exchange Teather y de la Royal Shakespeare Company. Pasados unos años y habiendo alcanzado una gran notoriedad, se embarcó en el  musical “Mamma Mía! 1999, alcanzando un gran éxito tanto en el West End como en Broadway. Ocho años más tarde, para su ópera prima en el cine, adaptaría dicha obra bajo el título de “¡Mamma Mia! La película” 2008 a la que han seguido “La dama de hierro” 2011 de nuevo con Meryl Streep, interpretación que le valió a Meryl el Oscar, el Globo de Oro, el BAFTA y el Premio del Círculo de Críticos de Nueva York a la mejor actriz y este año nos ofrece “Volver a Empezar”. También ha dirigido la miniserie sobre los mejores dramas de Shakespeare “The Donmar Warehouse´s All-Fenake Shakespeare  Trilogy”, interpretados exclusivamente por mujeres, dichas obras fueron: “Julio Cesar” 2012, “Henrique IV” 2014 y “La tempestad” 2016.

El guion escrito por Malcolm Campbell y Clare Dunne, resulta cálido, doloroso y vulnerable, a partes iguales. Personajes que nos muestran toda su humanidad, como es el caso de esa madre coraje, Sandra, interpretado por una excepcional Clare Dunne quien nos ofrece un intenso registro, entre la emotividad, la firmeza, la vulnerabilidad y el amor, con una naturalidad que cala; logrando empatizar con el espectador, quien la acompañará en su amargo tránsito. Un drama bien construido sobre una relación familiar en la cual la toxicidad del marido y padre, buscará entre sus actos de violencia física y verbal, infringir el miedo y de esta forma,  alcanzar el propósito de someter a su mujer. Sin conseguirlo, lo intentará con las amenazas  de quitarle la custodia de las niñas y aun así... Afortunadamente, en esta ocasión, pues no siempre sucede de esta manera, Sandra no estará sola, contando con el apoyo de sus dos hijas, la ayuda inestimable de su jefa y quienes se van uniendo a la causa, de forma desinteresada.

Phyllida Lloyd realiza una correctísima dirección actoral, pues si bien, Clare Dunne es la columna vertebral de todo el filme, no podemos omitir a las dos jovencitas, Molly McCann y Ruby Rose O´Hara, encarnando a las encantadoras y sufridas Molly y Emma respectivamente, así como a Harriet Walter en el papel de la doctora O´Toole. Estos nombres, son solo una representación del magnífico elenco que da vida a  este drama social, en el cual no faltarán las pinceladas de humor para relajar la tensión provocada por ese “virus” que no se logra erradicar de las enfermas mentes de tantos hombres.

El filme ha contado con una correcta fotografía de Tom Comerford y la dramática banda sonora de Natalie Holt. Una obra interesante para no olvidar que el machismo sigue vivo en tantos maltratadores, acosadores e incluso asesinos, y lo peor de todo, es que aun no existan leyes suficientemente severas para castigar sin piedad, a quienes comenten tales actos. La vida es demasiado hermosa y corta, para que ningún malnacido, pretenda truncarla.

MI NOTA ES: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Diciembre

REPARTO: Clare Dunne, Harriet Walter, Conleth Hill, Cathy Belton, Ericka Roe, Rebecca O´Mara, Sean Duggan, Charlene Gleeson, Chelsea Gill, Lucy Parker Byrne, Ally Ni Chiarain, Eimear Morrissey, Liz Fitzgibbon, Molly McCann, Ruby Rose O´Hara, Dmitry Vinokurov, Aaron Lockhart y Anita Petry.

PRODUCTORA: Element Pictures

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

IRÉ DONDE TU VAYAS: CRÍTICA DE CINE

 

IRÉ DONDE TÚ VAYAS, está dirigida por Géraldine Nakach compartiendo el guion con Yohan Gromb y Rebecca Zlotowski.

León (Patrick Timsit) es un hombre optimista y divertido, al que le pronostican un cáncer, tiene dos hijas Mina (Leïla Bekhti) racional y tímida, que trabaja en un hospital como terapeuta y Vali (Géraldine Nakache) cantante en un grupo para celebraciones y bodas, soñadora e impulsiva.

Vali le pide a su padre que la acompañe a una audición en París y él se niega, sin darle una explicación. En realidad ese día tiene una sesión de quimioterapia y la anima para que sea su hermana quien vaya con ella. Vali no quiere, pues ambas hermanas están distanciadas y son polos opuestos en su forma de pensar y actuar; finalmente el padre convence a Mina, contándole la verdad, que debe someterse a una sesión de quimio y que por favor guarde el secreto con su hermana, para que no se preocupe y haga bien la audición. Ambas hermanas emprenden un viaje de fin de semana en el cual aprenderán a conocerse.

Lo que me voy dando cuenta desde hace un tiempo, es que en el cine francés se acumulan cuantos conflictos internos y externos como puedan existir, pues salvo excepciones, por su filmografía desfilan toda clase de  desgracias, enfrentamientos familiares, de jóvenes conflictivos, profesores con serios problemas de empatía, una gran variedad de enfermedades graves, separaciones y divorcios o de excéntricos llevados al límite, sin olvidar el racismo, la homofobia, la xenofobia y casi todo aquello que acabe en fobia. Si lo que nos relatan en las películas, es el día a día del país vecino, no cabe duda de que viven en un drama continuo, buscando la ironía constantemente.

La actriz, guionista y directora, Géraldine Nakache, obtuvo un diploma en Cine en DEUG. Ha trabajado como asistente de dirección de casting y asistente de dirección y productora ejecutiva. Como actriz ha participado en filmes como “Tu peux garder un secret?” 2008 de Alexandre Arcady,  “Jusqu´à toi” 2009 de Jennifer Devoldère, “Je fais le mort” 2013 Jean-Paul Salomé, “L´Ex de ma vie” 2014 de Dorothée Sebbagh,  o “Robin des bois, la Véritable histoire” 2015 de Anthony Marciano. En la dirección de largometraje debutó junto a Hervé Mimran con “Todo brilla” 2010, con quien también dirigió su segundo largometraje “Nous York” 2012 y ya en solitario nos visita este año con “Iré donde tú vayas”

Estamos ante una comedia con tintes dramáticos o un drama con tintes de comedia, en realidad pueden ser ambas, pues en el país galo tienen la virtud, si se puede llamar así, sin generalizar,  de mezclar comedia y drama y reírse incluso de los temas que, a mi juicio, son lo suficientemente serios, como para no frivolizar y hacer bromas gruesas sobre ellos, pues puede molestar a algunos espectadores sensibles; pero no seré yo quien reprenda a quien busca provocar una sonrisa, ya que sin duda es el mayor regalo que se puede hacer y más en los tiempos que corren.  

Gérandine Nakache asume  por primera vez las tres  funciones principales: guionista, directora y actriz, volando en solitario como directora tras sus dos anteriores trabajos junto a Hervé Mimran, pero arropándose de nuevo con Leïla Bekhati, con quien ha trabajado también en sus anteriores filmes “Todo brilla” 2010 y “Nous York” 2012. Un tándem que funciona a la perfección proyectando frescura, naturalidad y credibilidad en la pantalla. Las dos están magníficas en sus papeles, que parecen estar escritos para ellas. Dos personalidades muy dispares, la una entre lo racional y la prudencia y la otra, dejándose llevar por la vida y disfrutando con ella. Ambas tienen mucho de qué hablar y a la vez, ofrecerse; sobre todo hablar, siendo  ese viaje que emprenden de forma  precipitada y necesaria, hacia Paris, la excusa perfecta para llegar a ser las hermanas que busca su padre, León. León, ese padre deliciosamente interpretado por Patrick Timsit y a quien nos hubiera gustado ver más tiempo en pantalla.

Una vez más el problema lo encontramos en el guion, cuando este se escribe de forma precipitada, al menos eso parece,  sin hacer una revisión exhaustiva o  pararse a pensar que menos puede ser más. Ese exceso en algunos momentos, origina que habiendo podido disfrutar con una historia lúcida y más sólida, tengamos que sufrir instantes un tanto absurdos entre diálogos, que no llevan a ninguna parte. Las mejores situaciones las encontramos cuando ellas hablan a solas, buscando entenderse y sacando fuera lo cada una lleva guardando y presionando su ser, durante tanto tiempo; pero luego, toda esa magia se rompe ante algunas escenas que mejor se hubieran eliminado del montaje. Aun así, estamos ante un filme amable, con mensajes interesantes y que en estos tiempos difíciles, nos ayudan a pasar un buen rato frente a la gran pantalla.

MI NOTA ES: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Noviembre.

REPARTO: Géraldine Nakache, Leïla Bekhti, Patrick Timsit, Pascale Arbillot, Célia Pilastre, Romain Francisco, Johanne Toledano, Vincent Darmuzey y Jean-Gabriel Nordmann.

PRODUCTORA: Nord-Ouest Films// Mars Films// France 2 Cinema// Canal+// Ciné+//France Télévisions// Films Distribution.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Alfa Pictures.

SIN SEÑAS PARTICULARES: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre México y España, Sin señas particulares está dirigida por Fernanda Valadez compartiendo guion con Astrid Rondero. “Cuando el infierno abre sus puertas y el diablo campa a sus anchas por tierras mexicanas”

Dos jóvenes mexicanos, con el permiso de sus madres, abandonan el hogar con la ilusión de alcanzar una vida mejor en los Estados Unidos. Pasadas unas semanas y al comprobar que no dan señales de vida, ambas mujeres denuncian a las autoridades su desaparición, descubriendo que uno de los jóvenes murió en unos disturbios ocurridos cerca de la frontera y del otro chico, solo han encontrado la bolsa en la que llevaba sus pertenencias, deduciendo que también estará muerto en algún lugar. Magdalena (Mercedes Hernández) la madre del joven no encontrado, decide emprender un viaje con la esperanza de hallarlo, hacia el norte de México, recorriendo paisajes desolados, caminos peligrosos y preguntando a quienes se encuentra a su paso. En el camino se cruzará con Miguel (David Illescas) que regresa al hogar, tras su deportación.

La productora y directora, Fernanda Valadez, se licenció en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) de México. Ha producido los largometrajes “Plástico” 2015 de Ricardo Soto y “Los días más oscuros de nosotras” 2017 de Astrid Rondero.  Se inició en la dirección con los cortometrajes “De este mundo” 2010 y “400 maletas” 2014, con los que obtuvo diversos premios y nominaciones. Este año 2020 debuta en el largometraje con “Sin señas particulares”. Comentaros también que en 2014 fundó, junto a otros cineastas, la productora EnAguas Cine.

Fernanda Valadez entra por la puerta grande con su ópera prima en el largometraje y más, abordando un drama tan duro y emocional como el que nos presenta. Sencillo, delicado y exquisitamente filmado. Una película casi al 100% femenina, pues si bien en el reparto cuenta con algunos actores secundarios masculinos, el resto del elenco y el equipo técnico, lo forman mujeres; desde la actriz principal, Mercedes Hernández, de la que más tarde hablaré, continuando con Clarice Jensen quien se encarga de la angustiosa partitura que abraza al filme, Claudia Becerril Bulos con su fotografía realista, potente y sutil que acompaña en todo momento a la protagonista en ese viacrucis de esperanza, soledad y aflicción  y Astrid Rondero, con quien la directora comparte el correctísimo montaje y el doloroso guion. Una historia escrita desde las entrañas del alma femenina, que clama por los muertos y los hijos que perdieron; junto al coraje de esas madres que no les importa dejarlo todo y vagar por tierras hostiles, con tal de saber el paradero de sus hijos. En cada paso que Magdalena recorre, descubrimos el infierno a su alrededor, hasta ese instante que se nos revela a través de la narración de uno de los personajes, en el cual la reencarnación del mal se hará visible entre el fuego, los gritos, la sangre, las carreras y los tiros; ese ser demoniaco que abandona el inframundo, porque en esa tierra se siente más cómodo.

Una obra que nos habla de amor, de identidad, sufrimientos, sueños rotos, de violencia, incertidumbres, inmigración, represión, pobreza, muerte y resignación; entre los desaparecidos y los conflictos armados a orillas de la frontera. En medio de ese mundo, que aun continua latente en México, nos encontramos con Magdalena, en representación de todas esas mujeres sufridoras y luchadoras, la mayoría de las veces arrastrando su dolor en silencio. Un silencio que rasga las vestiduras de la piel y la carne, para dejar al descubierto el corazón que se encoge ante las situaciones que se siguen viviendo en el país y más concretamente, al filo de esa frontera, que separa ambos países. Una Magdalena que se apodera de Mercedes Hernández, quien da vida con una naturalidad y honestidad asombrosa al personaje y que nos invita a acompañarla en el mismo silencio que ella nos ofrece, viendo el mismo paisaje que ella contempla o escuchando lo que otras personas relatan. Un personaje y una actriz que se fusionan para criticar las injusticias. No puedo dejar de mencionar a David Illescas, interpretando a Miguel, el joven con el que Magdalena se encuentra en el camino y sus corazones heridos conectan. Una interpretación breve, pero intensa, como intenso resulta todo el filme que nos llevará hasta un final demoledor.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Noviembre.

REPARTO: Mercedes Hernández, David Illescas, Juan Jesús Varela y Ana Laura Rodríguez.

PRODUCTORA: Corpulenta// FOPROCINE// Avanti Pictures// EnAguas Cine// Nephilim Producciones.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.

CONTAGIO EN ALTA MAR: CRÍTICA DE CINE

 

La coproducción entre Irlanda, Estados Unidos, Reino Unido, Suecia y Bélgica, Contagio en alta mar, está dirigida y escrita por Neasa Hardiman.

Una estudiante de biología marina, Siobhán (Hermione Corfield) es aconsejada por su profesor para que realice unas prácticas en un barco pesquero, como final de sus estudios. Barco propiedad del matrimonio Freya (Connie Nielsen) y Gerard (Dougray Scott), quienes junto a su tripulación reciben a la joven con reservas, más cuando descubren que es pelirroja, pues Gerard es supersticioso a dicho color de cabello. En alta mar el barco cambiará de rumbo misteriosamente y al poco tiempo experimentarán que algo extraño les tiene atrapados, comenzando a aparecer extrañas perforaciones en el casco del barco, hasta descubrir que un extraño virus, procedente de unos seres luminiscentes de las profundidades, les están atacando. En un principio parte del personal culparán a la joven por ser pelirroja, pero luego tendrán que confiar en ella.

El mar, ese gran desconocido por mucho que sobre él se investigue y sus entrañas, aun más misteriosas,  han dado tema para cientos de leyendas y novelas, entre ellas las aventuras del capitán Nemo en “Veinte mil leguas de viaje submarino” 1870 de Julio Verne, llevada al cine en 1954 por Richard Fleischer y el cine, como es natural, también se ha nutrido de un buen número de títulos de lo más variado, entre los que destacaré “Moby Dick” 1956 de John Huston, “Deep Rising (El misterio de las profundidades” 1998 de Stephen Sommers, “The Abyss” 1989 de James Cameron, “Waterworld” 1995 de Kevin Reynols o la reciente “Underwater” 2020 de William Eubank, por poner algunos ejemplos.

La guionista y directora, Neasa Hardiman, estudió en la Escuela Nacional de Arte y Diseño de Irlanda y debido a sus notas, logró una beca de posgrado para la Universität der Künste de Berlín, en la cual estudió cine creativo, a la vez que obtenía una maestría en Política y Estética en NCAD, finalizando sus estudios con un doctorado en teoría cinematográfica en el Trinity Collage en Dublín. Tras sus estudios comenzó en el documental, diseñó el logotipo y la marca de la emisora nacional y entraría en el teatro como la directora más joven en la serie dramática de RTÉ, Fair City. Ha trabajado bajo encargo para la BBC, Channel Four, Netflix y Amazon. Algunas de las series que ha dirigido junto a otros compañeros han sido: “Tracy Beaker Returns” 2010 (BBC), “Jessica Jones” 2015 (Marvel&Netflix)  y “Con ella empezó todo” 2016 (Amazon Prime Video). En el cine se inició con el cortometraje “Olive”2003 y ahora debuta en el largometraje con “Contagio en alta mar” 2020.

Si bien el filme cuenta con un correcto metraje, unas interpretaciones acertadas y un cierto suspense durante la primera parte de la narración, la película flaquea debido a su guion. Una pena, pues la premisa resultaba interesante, partiendo del enfrentamiento que surge entre los personajes que viven del y para el mar y quien estudia dicho elemento, entre supersticiones que no ayudan mucho y un extraño virus procedente de unos seres desconocidos; en medio del océano, sin radio para comunicarse y sin ayuda a su alcance. Lamentablemente todo queda a flote, sin profundizar, echándose de menos algunas inmersiones extras y así saber algo más de lo que está sucediendo en las profundidades marinas con esos seres luminiscentes  y no tanto en la superficie que apenas se crean situaciones entre los personajes y cuando ocurre, todo se resuelve demasiado rápido. Quizás el inconveniente esté en que la historia más que centrarse en esos seres luminiscentes y la causa (virus), intentando buscar una salida real y satisfactoria, ya que cuentan con una bióloga a bordo, la narración gire, prácticamente, alrededor de la protagonista, Siobhán.

La película bebe de diferentes filmes de ficción como “La cosa” 1982 de John Carpenter o “Alien, el octavo pasajero” 1979 de Ridley Scott; aunque “Contagio en alta mar” dista mucho de dichos argumentos; también nos da la sensación de estar ante una crítica social de lo que estamos viviendo en la actualidad frente al Covid-19, estableciendo un paralelismo entre el comportamiento y reacción que causa el virus entre los personajes, para hacernos testigos de la división que se provoca entre aquellos que poseen el instinto de supervivencia sin pensar en el daño que el contagio ocasionaría al llegar a tierra y quien pretende implantar una cuarentena para saber quién está o no infectado, mientras se busca la manera de erradicarlo. Un filme atmosférico gracias en parte a la fotografía de Ruairi O`Brien, que nos muestra con acierto la claustrofobia que produce el mar en su inmensidad y más en su profundidad, en donde el miedo y el egoísmo personal, serán parte de los detonantes de la historia.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Noviembre

REPARTO: Connie Nielsen, Dougray Scott, Hermione Corfield, Olwen Fouere, Jack Hickey, Ardalan Esmaili, Elie Bouakaze y Dag Malmberg.

PRODUCTORA: Bright Moving Pictures// Creativity Capital// Fantastic Films// Frakas Productions// Makar Productions// Flexibon Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: A Contracorriente Films.