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sábado, 4 de mayo de 2019

LA PRIMERA CITA: CRÍTICA DE CINE

La primera cita cuenta con guion y dirección de Jesús Ponce.

Sebastián (Sebastián Haro) está prejubilado del ejército y “felizmente” casado con su mujer Isabel (Isabel Ampudia), con quien no ha tenido hijos.  Un día Isabel comienza a tener ciertos mareos y tras ser examinada, el médico militar (Víctor Clavijo) informa a Sebastián de que su mujer padece de Alzheimer, que debe tener mucha paciencia con ella, no contradecirle y muy importante, que mantenga activa la memoria. Sebastián se encuentra en una encrucijada, pues no sabe cómo atender a su mujer, pues siempre ha sido ella, quien cuidaba de él.

Isabel empieza a mezclar momentos de su vida pasada con la presente. Sebastián decide llevarla unos días al mar, al lugar favorito de ella y que él nunca ha pisado, pues aborrece la playa;  será allí, frente al mar, desde una terraza, donde ella confunde a su marido con otro hombre, un hombre que mientras él hacía prácticas militares, la hacía feliz, lo que él nunca había logrado. Sebastián sufrirá un ataque de celos, aunque él también guardada sus secreto.
Un guion en apariencia sencillo, escondiendo importantes  verdades, las de esta pareja que como otras tantas, en la mayoría de las ocasiones se llevan a la tumba. Solo algunos descuidos o enfermedades como la mencionada, provocarán en esos lapsus mentales, en esas pérdidas de conciencia, descubrir aquello que se ha guardado con sumo celo.

Jesús Ponce, se ha movido entre el mundo de la televisión y del cine. En televisión ha dirigido series como “Pelotas”, “Padre Medina” o el telefilme “Diamantino”. En el largometraje su ópera prima la dirigió en 2005 con “15 días contigo”, continuando con “Skizo” 2006, “Déjate caer” 2007, “Todo saldrá bien” 2015, llegando a su quinto largometraje con “La primera cita”

El director sigue confiando en muchos de los actores con los que ha trabajado durante estos años, destacando a las actrices Isabel Ampudia y Mercedes Hoyos, las cuales, junto a Sebastián Haro, vuelven a ser el trío protagonista. Confianza que se convierte en complicidad, presintiéndose en la forma en que los actores se desenvuelven en la escena entre ellos: naturales, sencillos y sin artificios.  
Tres personajes que ofrecen sus verdades en momentos claves, desde la honestidad, la enfermedad o el engaño. La honestidad que representa Mercedes (Mercedes Hoyos), la dueña del local de alterne. La enfermedad que persigue a Isabel no siendo consciente de lo que habla en algunos instantes  y el fuerte machismo, arraigado en la personalidad de  Sebastián, que como tantos maridos, no eran  ni son conscientes del abandono que sufrían y sufren sus mujeres. Una obra abundante en pequeños matices, desgranados sin prisas ante la cuidada dirección y guion escrito por el propio Ponce, tratando temas como el machismo, la represión en la mujer, la soledad, las mentiras, las infidelidades y la necesidad de sentir al menos, cariño. Temas que desfilarán entre otros, por esta película, rica en emociones.
Una historia que nos muestra las verdades y las mentiras que han vivido y siguen viviendo muchos matrimonios, donde ellas permanecen en silencio y ellos… Una obra en la cual  ambos deben emprender un viaje muy especial, el de verse a sí mismos en el espejo al que nunca han deseado asomarse, o la vida les presenta por primera vez.  Un viaje de ida y vuelta, una ida al pasado para poder comprender el porqué del presente.  Magníficas interpretaciones por parte de todo el elenco actoral, destacando, como ya he comentado, al trío protagonista y un convincente Mario Ayuso, como el ex coronel Rivas.
Acertada elección de los escenarios naturales, bajo la cuidada fotografía de David Barrio Calderón y  acompañada por la partitura de Juan Cantón. Si bien recomiendo la película por todos los mensajes que encierra, por la magnífica dirección y las impecables interpretaciones, debo confesar que me ha chocado la utilización de determinados planos de apoyo en algunas escenas, que no tienen mucho sentido. ¿Capricho del director? ¿Error de montaje? Sea como sea, tampoco interfiere en el desarrollo de la historia.  
Mi nota es: 7,5
ESTRENO en ESPAÑA: 3 de Mayo
REPARTO: Isabel Ampudia, Sebastián Haro, Mercedes Hoyos, Víctor Clavijo, Mario Ayuso, Darío Paso, Ana Cuesta, Daniel Morilla, Carlos Bernardino, Lucía Hoyos, Andrea Haro, Paqui Montoya, Ana Carvajal, Juan Carlos Sánchez, Eduardo Trías, Abel Portilla, Alicia Moruno, Lucía Paredes, Manu Yuste, María Ángeles Herrera, Pablo Gil de Montes, Carlos Cano y Sandra Cardesín.
PRODUCTORA: KMPC slu// Magnetika Films.
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

viernes, 25 de enero de 2019

ÖTZI, EL HOMBRE DEL HIELO: CRÍTICA DE CINE


En coproducción entre Alemania, Italia y Austria, ÖTZI, el hombre del hielo cuenta con guion y dirección de Félix Randau.

Hace 5.300 años, en la Era del Cobre, en los Alpes Ótztal, vivía Kelab (Júrgen Vogel) el líder y cuidador del objeto sagrado del clan.  Un día sale de caza y a su regreso descubre que los miembros de otro clan, han dado muerte a todos los suyos, prendido fuego sus chozas y robado el objeto sagrado. Tan solo un niño ha sobrevivido a la matanza.

Decide ir detrás de los tres asesinos y ladrones de la caja que contiene la reliquia sagrada, en un viaje por las inhóspitas montañas de los Alpes, junto al niño superviviente y una cabra.  

Randau parte de la noticia que saltó a todos los medios de comunicación en 1991, cuando en los Alpes de Otztal  se descubrió, al que llamarían "Ötzi, el hombre de hielo", congelado y en perfecto estado. En un principio se pensó que se trataba de un alpinista, pero los análisis efectuados al cadáver, descubrieron que tenía una antigüedad de unos 5.300 años. Lo que también averiguaron es que había sido asesinado por una flecha que atravesó uno de sus pulmones. Nada más se sabe de él por muchos estudios que se han realizado en la zona. Félix crea una historia ficticia de venganza, para mostrar al espectador la crudeza de la naturaleza y lo duro que era sobrevivir.

Lo primero que sorprende, aunque por una parte es comprensible, es que la película, aunque sus personajes hablen en contadas ocasiones, su “idioma” no es traducido, lo que provoca un doble esfuerzo por parte del director y el espectador; el primero sustituyendo las palabras por la gesticulación y expresión corporal en sus personajes que el segundo, el espectador, pueda comprender e incluso poner las palabras que no existen. Ejercicio, a mi juicio, que Félix, logra con nota. Sabremos cuando están irritados, agradecidos, cansados,  sufriendo…

Una película donde la imagen y el sonido cobran toda la importancia, pues aunque el actor Júrgen Vogel, elabora un impecable trabajo y los pocos secundarios que le acompañan en ocasiones, cumplen con sus personajes; serán las imágenes fotografiadas por Jakub Bejnarowicz y la música compuesta por Beat Solèr, los verdaderos protagonistas del filme, cautivando al espectador y en particular, a los amantes de la naturaleza y de la montaña. Hay que destacar la excelente labor en el montaje a cargo de Vessela Martschewski.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero.

REPARTO: Júrgen Vogel, Susanne Wuest, Andre Hennicke, Sabin Tambrea, Martin Schneider, Franco Nero, Paula Renzler, Nora Pider y Ann-Birgit Höller.
         PRODUCTORA: Port au Prince Film// Kultur Produktion// Echo Films// Lucky Bird Pictures// Amour Fou Filmproduktion.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

miércoles, 21 de noviembre de 2018

A LA SOMBRA DE KENNEDY: CRÍTICA DE CINE


El biopic, A la sombra de Kennedy, está dirigido por Rob Reiner con guion de Joey Hartstone. 

Es el 22 de Noviembre de 1963, en Dallas, Texas, Estados Unidos. Un día radiante y feliz para la familia Kennedy. El coche presidencial, junto al resto de la comitiva, comienzan el desfile hacia el centro de Dallas y al llegar a la Plaza Dealey, el presidente JFK (Jeffrey Donovan) es tiroteado, muriendo a las pocas horas en el hospital.

En la comitiva presidencial entre otros altos cargos, iba el vicepresidente, Lyndon B. Johnson (Woody Harrelson), a quien Kennedy había nombrado por su experiencia parlamentaria y ser de origen sureño. Le había puesto al frente del Comité sobre la igualdad de oportunidades en el empleo, para poder llevar a cabo la Ley de Derechos Civiles.  LBJ, fue nombrado presidente a las pocas horas de la muerte de JFK, ofreciendo de esta manera la imagen de una nación fuerte y estable.

Tras leer el título traducido al español, cualquier espectador podría pensar que estamos ante un nuevo filme sobre la familia Kennedy, de las cuales recientemente hemos podido ver “Jackie” de Pablo Larraín o “El escándalo Ted Kennedy” de John Curran, pero muy lejos de la realidad. Si por el contrario observamos el título original “LBJ (Lyndon B. Johnson) ya nos podemos hacer una idea de que nos encontramos ante el presidente que sin ser elegido por el pueblo, se ganó el respeto de los demócratas y de la mayoría de los ciudadanos norteamericanos, siendo presidente entre los años 1963 a 1969 y retirándose para no volver a ser reelegido.

A la sombra de Kennedy es la revisión de una parte de la historia norteamericana, en unos años movidos por todos los cambios que se originaron, entre ellos prohibir la discriminación racial en aquellos lugares, negocios y espacios, que estuvieran bajo los fondos federales. Un filme con una fuerte carga política, entre  despachos, congreso, senado e incluso dormitorios, viendo hasta donde se puede llegar para gobernar o lograr determinados objetivos.

Un biopic bien dirigido, aunque tal vez excesivamente  pulcro y convencional. Parte de la narración está fragmentada por flashback, tomando como eje el famoso desfile por Dallas, para adentrarnos en la figura de Johnson. Ni una sola línea está escrita al azar, algo que juega a su favor, pero tanta pulcritud, también se torna en su contra, pues el espectáculo queda ligeramente deslucido.

Como ya viene siendo frecuente en este género cinematográfico, tan en boga en los últimos años, quienes destacan por encima de toda la obra, son sus personajes y en esta ocasión, además de las buenas interpretaciones, hay que hacer mención especial a la fabulosa ambientación y caracterización, que nos muestra Barry Markowitz, en su fotografía. Una obra que gana, también, gracias al montaje de Bob Joyce, dotándola de agilidad.

Dejo para el final lo mejor, que sin duda es Woody Harrelson en el papel del presidente Lyndon B. Johnson. Woody pone toda la carne en el asador y no es que interprete a Johnson, sino que traspasa cada fibra de un presidente, muy pocas veces mostrado en la gran pantalla. Un momento brillante, su intervención en el congreso.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Noviembre

REPARTO: Woody Harrelson, Bill Pullman, Jennifer Jason Leigh, Michael Stahl-David, Richard Jenkins, Brian Stepanek, Kim Allen, Judd Lormand, Joe Chrest, Brent Bailey, Katrina Cerio, John Burke, Tim Ransom, Rob Steinberg y Dean J. West.

      PRODUCTORA: Acacia Filmed Entertainment// Castle Rock Entertainment// Star Thrower Entertainment//Savvy Media Holdings.


      DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

lunes, 17 de septiembre de 2018

MATAR A DIOS: CRÍTICA DE CINE

          Matar a Dios de los directores y guionistas catalanes, Caye Casas y Albert Pintó, en su ópera prima nos someten a un extraño ejercicio, que sólo el espectador, podrá juzgar.

          Carlos (Eduardo Antuña) y su mujer Ana (Itziar Castro) invitan a cenar al hermano (David Pareja (II)) y el padre (Boris Ruiz) de Carlos, el día de Noche Vieja, en un caserón apartado en el bosque. La cena, una cena humilde, como la que se prepara un día de diario, se desarrolla con normalidad, entre conversaciones familiares.

          En el silencio del hogar escuchan el sonido de la cisterna del baño que proviene de la parte superior. Los cuatro se alarman, descubriendo a un vagabundo de baja estatura, poco aseado y con ropajes viejos, quien se unirá a la celebración. En un momento determinado les anuncia que es Dios y que  esa noche será el fin del mundo. Se miran entre ellos incrédulos ante lo escuchado, será entonces cuando el anciano, les hará una extraña demostración, en la cual, además, les informa que solo dos humanos sobrevivirán. En medio de la confusión les propone un macabro juego, ellos son los elegidos para decidir quiénes en todo el Planeta sobrevivirán, bien entre los que allí se encuentran sentados o…

          Caye y Albert ofrecen a la gran pantalla, una comedia surrealista con un humor muy negro. No sé si con toques de terror, de drama, de suspense, de amor, como los dos directores afirman o quizás todo a la vez y nada en concreto. Cuestionable según gustos. Lo que sí está claro es la crítica feroz a la especie humana, bajo ese sarcasmo tan personal y que curiosamente por alguna extraña circunstancia, engancha. El espectador queda expectante hasta donde llegará tal excentricidad, tal extravagancia y locura, no sé si siendo consciente o no, de lo que está viendo. Una rareza que ya nos sorprende en la preparación de la cena de fin de año. No hay mantelería, ni vajilla, ni cubertería de lujo y el menú está compuesto de tortilla de patatas y embutidos.

          Acertadísimo el casting de actores y aún más acertadas las interpretaciones. Itziar, Eduardo, David y Boris, están impresionantes, fantásticos y totalmente creíbles. A mi juicio no hay actores principales ni secundarios en esta pieza cinematográfica, pues los cuatro están a una, como los mosqueteros, en una obra filmada al más puro estilo teatral.

          Lúgubre, oscura, tenebrista, son algunas palabras con las que se podría definir el espacio que habitan los personajes. Una ambientación y puesta en escena muy cuidada, para una historia con toques kafkianos, bajo la mirada atenta del director de fotografía, Miquel Prohens.

          Me quedaré con una frase para el final de esta reseña, la dice en un momento determinado uno de los personajes, refiriéndose a la raza humana:

           “somos una basura, un cáncer para este Planeta”  

          Mi nota es: 6

          ESTRENO en ESPAÑA: 21 de Septiembre

          REPARTO: Itziar Castro, Eduardo Antuña, Boris Ruiz, David Pareja, Emilio Gavira

          PRODUCTORA: Alhena Production

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films

miércoles, 25 de abril de 2018

INVITACION DE BODA: CRÍTICA DE CINE

           Invitación de boda cuenta con guion y dirección de la directora palestina Annemarie Jacir, con claras referencias y críticas políticas hacia la situación que se vive en su país.

          Shadi (Saleh Bakri) regresa de Italia tras varios años ausente en su ciudad natal, Nazaret, para acudir a la boda de su hermana Amal (María Zreik) y cumplir la tradición del “Wajib”. Repartir las invitaciones de la boda, junto a su padre, Abu Shadi (Mohammad Bakri).

          Abu tiene 60 años, está divorciado, estado que aún no ha asumido, es profesor de escuela y tiene dos hijos. Cuando su hija se case, vivirá solo y en los días que su hijo esté en la ciudad, buscará la forma de que se quede con él, encuentre una buena mujer palestina y se olvide de Italia, pero Shadi tiene las ideas muy claras.

          La entrega de las invitaciones y la convivencia en esos días del padre y del hijo, servirán a Jacir para presentarnos las notables diferencias que existen entre quien vive en el país y quien ha salido de él. Los choques  generacionales, la crítica social y política, serán el denominador común de la obra, entre quienes se afirman en sus raíces y aceptan resignados el lugar que les vio nacer y les verá morir,  y aquellos que desean progresar labrándose un nuevo presente, para vivir un incierto pero tal vez mejor futuro.

          Un drama bien construido con toques de humor. Posee un ritmo adecuado y diálogos cuidadosamente elaborados e hilvanados los unos con los otros, para el lucimiento de sus dos actores protagonistas, Mohammad Bakri y Saleh Bakri, padre e hijo en la vida real y aquí en la ficción, ofreciéndonos su complicidad y naturalidad ante la cámara. Naturalidad que proyecta la verdad que Annemarie Jacir busca y logra de su país, calando en la mente del espectador a través de la historia que desea narrar y los temas que pretende resaltar; todo bajo la cuidada y acertada fotografía de Antoine Heberlé.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Abril

          REPARTO: Saleh Bakri, Mohammad Bakri, Maria Zneik, Mahmoud More, Rana Alamudin Karam, Tarik Kopty, Monera Shehadeh, Ossama Bawardi, Ruba Blal, Henry Andrawes, Lama Tatour, Samia Shanan, Jalil Abu Hanna, Makram Khoury

          PRODUCTORA: Coproducción Palestina-Francia-Dinamarca-Colombia-Noruega/ Philistine Films/ Ape&Born/ Ciudad Lunar Producciones/ Snowglobe Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.

viernes, 16 de marzo de 2018

1945: CRITICA DE CINE

            El húngaro Ferenc Török junto al autor de la novela Gábor T. Szántó, guioniza y dirige, 1945. Un filme de Posguerra que hace gala del dicho: “Se recoge lo que se siembra”

          En un pequeño pueblo de Hungría sus habitantes se preparan para la boda del hijo, Arpad (Bence Tasnádi) de uno de los funcionarios y máximo cacique del pueblo, Istvan Szentes (Péter Rudolf), con la ex prometida de su mejor amigo, Kisrozsi (Dóra Sztarenki)

          Lo que parece un día de alegría, se trastocará al conocer la visita de dos judíos ortodoxos que acaban de llegar en tren, portando dos grandes cajas de madera. Cajas que serán acomodadas en un carro tirado por un caballo. El camino hasta el pueblo les llevará una hora y los dos forasteros caminarán, con lentitud, tras dicho carro.

          Por otra parte en el pueblo, Istvan teme que  los dos judíos sean familiares de antiguos lugareños, los cuales fueron deportados o asesinados. La noticia corre como la pólvora entre los demás vecinos, temiendo que otros supervivientes de la guerra regresen, y reclamen las propiedades de las que se han ido apoderando en su ausencia.
          Desde casi los primeros minutos del visionado de este filme, al menos desde mi punto de vista, 1945 nos trae recuerdos  de un inolvidable clásico, también rodado en blanco y negro como es “solo ante el peligro” y que además estoy convencido que Ferenc conoce sobradamente, la existencia de dicha obra. La planificación de la historia,  la narración pausada, el tiempo real en que ambas están rodadas, muchos de los planos utilizados e incluso donde tanto la banda sonora como la fotografía, toman el relevo de la palabra.

          Una banda sonora que va alterando el sistema nervioso del espectador minuto a minuto, con toda la intención para provocar el clímax preciso, a medida que se conoce la vida de sus habitantes, sus secretos y respectivos comportamientos, bajo la batuta de Tibor Szemzö y la plasticidad y nervio visual aportado por la soberbia fotografía de Elemér Ragályi, reforzando y recreando cada elemento de su  puesta en escena.

          1945 cuenta con una cuidadísima narración en un tiempo de posguerra, concretamente la II Guerra Mundial y cómo la implicación y participación de los vecinos de un pueblo, claro reflejo de muchos otros, en sus luchas internas, se implica en la Historia inculpando o favoreciendo a los unos o a los otros. Las rencillas, los ideales políticos, la codicia, los estatus, los caciques y los sumisos, se codearán con el honor y el perdón, mientras en las mentes de los indeseables, el fantasma de la culpabilidad les perseguirá en busca de venganza, más divina que terrenal.

          Acertadísimo el elenco de actores en unas adecuadas interpretaciones, hasta el punto de sentirse por una hora y media, trasportados a un tiempo no deseado, aunque en parte no tan lejos de la realidad cotidiana del hoy en día. Desgraciadamente no hace falta mirar hacia el pasado, para ver que el ser humano, poco o nada ha cambiado cuando el poder o los bienes ajenos, se tienen al alcance.

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de Marzo

          REPARTO: Péter Rudolf, Tamás Szabó Kimmel, Dóra Sztarenki, Bence Tasnádi, Ági Szirtes, József Szarvas, Eszter Nagy-Kálózy, Iván Angelus.

PRODUCTORA: Katapult Film.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Festival Films.