TU FOTOGRAFÍA: CRÍTICA DE CINE

Tu Fotografía está coproducida por Alemania, India y Estados Unidos, con guion y dirección de Ritesh Batra.

Alrededor de La Puerta de la India, en Mumbai, se encuentra un grupo de fotógrafos callejeros haciendo fotos a turistas y locales, como recuerdo de su paso por dicho monumento. Entre ellos conoceremos a Rafi (Nawazuddin Siddiqui) quien insiste en sacar una foto a una hermosa joven de nombre Miloni (Sanya Malhotra), ella accede y mientras Rafi busca una funda para guardar la foto recién impresa, ella se va, al escuchar su nombre.

Rafi pertenece a la clase baja, cuyo objetivo es ganar el dinero suficiente, para saldar una deuda familiar. Comparte habitación con otros compañeros, mientras su abuela Dadi (Farrukh Jaffar), insiste en que debe buscar una mujer para casarse. La vida de Rafi cambiará cuando conoce a la joven Miloni y le propone hacerse pasar por su novia, pues su abuela está a punto de visitarlo.

Un filme a través del cual, Ritesh Batra, nos muestra las tradiciones y costumbres de su país, las viejas ideas conviviendo con las nuevas, los sueños y las esperanzas que se ven truncadas una y otra vez en ese contraste con las claras diferencias sociales y la imagen de un país, en donde los cambios se producen con suma lentitud.

El director indio, Ritesh Batra, tras finalizar sus estudios de secundaria AVM High School en Mumbai, se trasladó a  EE.UU., graduándose en economía en Drake University. Comenzaría a trabajar en la profesión, pero su sueño era el séptimo arte, por lo que dejó el trabajo y volvió a estudiar, esta vez en la Universidad de Nueva York, aunque no terminaría sus estudios. Como la mayoría de los cineastas, comenzó en el cortometraje: “The Morning Ritual” 2008, “Gareeb Nawaz´s Taxi” 2010 y con el que obtuvo una gran notoriedad “Café Regular Cairo”. Su ópera prima en el largometraje sería “The Lunchbox” 2013, obteniendo un gran éxito de público y crítica, con numerosos premios en festivales. Un año más tarde, funda la productora “PoeticLicense Motion Pictures”, tras el éxito de “The Lunchbox”. Otras de sus obras son: “El sentido de un final”  y “Nosotros en la noche” 2017 y ahora nos presenta “Tu fotografía”

Esos cambios lentos, de los que hablaba, que parecen tan notorios para una sociedad como la nuestra, también queda evidenciada en la parsimonia con que Batra nos narra los acontecimientos, tomando como pretexto una extraña historia de amor, un cuento casi de  ensoñación,  para incidir en la realidad de un pueblo sumido en la pobreza, en el cual observamos como los jóvenes comparten habitaciones para vivir, dormir, comer y relatar sus inquietudes; donde la soledad habita entre la multitud y en los silencios, existe más vida que en el bullicio que la ciudad ofrece. En definitiva,  una obra que nos va meciendo en un viaje sin retorno y casi siempre, sin esperanzas, cultivando los pilares principales: familia, amistad y amor.

En este viaje conoceremos a sus tres personajes principales, Rafi que se ha echado sobre sus espaldas una deuda familiar, a la que quiere hacer frente, como el hombre de la familia. Miloni, una joven de clase media alta, inquieta, inteligente e independiente y la abuela Dadi, quien con la experiencia del pasado, sabe aconsejar en los momentos que son necesarios, aunque su objetivo principal sea que su nieto, encuentre una mujer. Pasado y presente de un país, en el cual Batra navega regocijándose de forma tímida, pero efectiva, en la cultura más tradicional y ese despertar, aun pausado, hacia el pensamiento de la nueva juventud, deseosa de abrir nuevos caminos.  Interpretaciones más que interesantes, las de los actores que encarnan a estos personajes.

Ben Kutchins, a través de su fascinante fotografía, logra crear el punto de atmósfera que la obra precisa y su director exige, mostrando con delicadeza y humildad, la vida cotidiana de los personajes y habitantes de la ciudad, entre rincones, calles, casas ausentes de decoración e incluso de pintura en sus paredes; interiores de autobuses donde se respira humanidad o cines abarrotados, en los cuales  el ver una rata, es algo normal. Y en ese recorrido, otro elemento importante, nos acompaña, la música de Peter Raeburn, que se filtra por esquinas, puertas y ventanas.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Agosto

REPARTO: Nawazuddin Siddiqui, Sanya Malhotra, Abdul Quadir Amin, Denzil Smith, Saharsh Kumar Shukla, Ashok Pathak, Sunil Shakya, Robin Das y Sanjay Kumar Sonu.

PRODUCTORA: Poetic License Production// Film Science// Pola Pandora Filmproduktions// KNM.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

AL AGUA GAMBAS: CRÍTICA DE CINE

Al agua gambas está dirigida y escrita por Máxime Govare y Cédric Le Gallo.

 

Matthias Le Goff (Nicolas Gob) es subcampeón del mundo de Waterpolo. En una entrevista hace un comentario homófobo y el comité le castiga teniendo que entrenar a un equipo compuesto por gays, cada uno de ellos al cual más desastroso, solo piensan en divertirse... en todo el amplio abanico de la palabra. Mientras, en sus vidas diarias, arrastran sus propios fantasmas. Son el peor equipo de los Gay Games, donde volverán a participar, tras clasificarse.

“Los gambas purpurina” como se denomina el equipo, está formado por: Jean (Alban Lenoir), Cédric (Michael Abiteboul), Alex (David Baïot), Damien (Romain Lancry),  Xavier (Geoffrey  Couët), Joël (Rolan Menou) y Bertrand (Pierre Samuel). Juntos  emprenderán un largo viaje en un autobús de dos plantas, hacia Croacia, a los Gay Games. Un viaje en el que todos aprenderán de todos, pero quizás el más enriquecido con la experiencia será, Mathias.

Una nueva comedia francesa llena de tópicos típicos, en esta ocasión, sobre el universo gay, tratados con inteligencia y astucia. Una obra con un guion sencillo, predecible y disfrutable. Casi siempre nos adelantamos a lo que va a suceder, ante la naturalidad y la credibilidad que nos ofrecen sus personajes.

La película está dirigida por Máxime Govare y Cëdric Le Gallo: Máxime es un escritor, productor y director francés de cine y televisión. Ha participado en diversas series. Su  ópera prima para la gran pantalla fue “Toute Première fois” 2015 que dirigió y escribió junto a Noémie Saglio, continuando con “Daddy Cool” 2017 compartiendo guion, una vez más, con Noémie, pero dirigiendo ya en solitario y este 2019 nos llega con “Al agua gambas” que escribe y dirige junto a Cëdric Le Gallo. Para Cëdric es su primera película, basándose en su propia historia, cuando decidió unirse a un equipo de waterpolo gay, para hacer amigos. El título de la película surgió mientras Cëdric estaba una noche en una piscina. “Shiny Shrimps”, "Camarones brillantes". Camarones, por el lado acuático, y brillantes, por la parte festiva de la obra. Un filme entre el lado desenfadado y en ocasiones exagerado y los diálogos que nos harán meditar en más de una ocasión.

En los últimos años hemos visto un cierto acercamiento entre deporte y homosexualidad pues deportistas masculinos y femeninos de élite han dicho:  Hasta aquí hemos llegado, declarándose abiertamente gays o lesbianas y en ese gesto de liberación personal, provocar una marea positiva en cientos de niños y niñas, incluyendo a sus familias, que veían en esos jóvenes deportistas de ambos sexos,  héroes  a imitar. Un buen número de armarios se han abierto en estadios de futbol, canchas de tenis, piscinas, pabellones olímpicos, etc., y los que faltan por abrirse.

Hablemos de los actores, pues el gran peso de la obra son ellos y sus extravagantes locuras. Cada frase, por estúpida que parezca, ellos la convierten en una sonrisa o carcajada o aquellas, que deben llevar a la reflexión al espectador e incluso el tocar la fibra. Todos los personajes arrastran sus propios fantasmas y en ese viaje irán liberándolos, abandonándolos en el camino, aprendiendo de la vida que aunque no siempre sea al gusto de todos, podamos sacar una sonrisa e incluso, de la adversidad. Ocho actores masculinos que si bien destaca su actor principal Nicolas Gob, el resto de sus compañeros están a la par. Todos, sin excepción, defienden sus personajes entre sus miedos, problemas y deseos de seguir adelante.

Una comedia gratificante y refrescante para esta época del año. Los dos directores saben lo que le gusta al público y se lo ofrecen, y lo que está claro, es que al salir de la película, lo que apetece, con estos calores, es un buen chapuzón en una piscina.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Julio

REPARTO: Nicolas Gob, Alban Lenoir, Michael Abiteboul, David Baïot, Romain Lancry, Thomas Croisière, Jonathan Louis, Romain Brau, Geoffrey  Couët, Rolan Menou, Maïa Quesemand, Pierre Samuel y Felix Martínez.

 

PRODUCTORA: Improductible// Kaly Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

MUÑECO DIABÓLICO: CRÍTICA DE CINE

Basándose en el personaje de Don Mancini, Muñeco Diabólico, está dirigida por Lars Klevberg con guion de Tyler Burton Smith.  Una diabólica comedia, con mucho ingenio.  

Karen (Aubrey Plaza) es una madre soltera, con un hijo adolescente, Andy (Gabriel Bateman) que acaban de mudarse a una nueva ciudad. Trabaja en unos grandes almacenes en el departamento de devoluciones. Siente pena por su hijo, que apenas sale de casa, no se relaciona con otros chicos y todo el día lo pasa  pegado a su móvil.

Al departamento van llegan algunas devoluciones de un muñeco, con la excusa de que no les gusta el color del pelo, de los ojos… aunque en realidad lo que desean, es el nuevo modelo. Buddi (Mark Hamill), es el muñeco de moda, es un juguete de última generación, que habla, aprende, se comunica con los niños y ayuda en diversa tareas.  Karen al descubrir que los muñecos devueltos serán destruidos, se lleva uno a su casa, para regalárselo a su hijo. Pero este Buddi que de entrada desea le llamen Chucky, tiene una forma perversa de demostrar su cariño, y es que hay amores que matan.

Recordemos que el muñeco diabólico, Chucky, es un personaje creado por Don Mancini. Un muñeco poseído por magia vudú que alberga en su interior el alma del asesino en serie Charles Lee Ray, una historia que escribió en 1988 Don Mancini y que dirigió Tom Holland. Fue tal el éxito que alcanzó, que dio pie a toda una saga. Ahora nos llega una nueva versión, adaptada a los tiempos que vivimos, tan sumergidos entre  las nuevas tecnologías.

El director noruego, Lars Klevberg, desde muy joven se interesó por la fotografía y al poco de licenciarse en cine,  escribiría y dirigiría su primer corto “The Wall” 2012, tres años más tarde presentó su nuevo cortometraje “Polaroid” alcanzando un gran éxito, hasta el punto de desarrollarlo como largometraje, estrenado este año, junto a “Muñeco Diabólico”

La película comienza con el director de la corporativa Kaslan anunciando las cualidades de Buddi. Un muñeco de alta tecnología que es el regalo ideal para cualquier niño, pues está programado para convertirse en su amigo inseparable, además de ayudar en determinadas tareas, pero uno de esos muñecos ha sido manipulado, el por qué lo descubriremos a través de un Flashback. Por lo tanto, el nuevo Chucky no está poseído, sino programado para aprender sin limitaciones.

Como he dicho en la cabecera, estamos ante una diabólica comedia, con mucho ingenio y algunos guiños a filmes muy conocidos por los amantes del género de terror, como es el caso de “Carrie” 1976 o hacia la propia saga, donde incluso el propio muñeco pide a su nuevo amigo Andy, que lo llame Chucky, cuando en su camiseta figura Buddi.

Un guion perverso, agudo y con una fuerte dosis de comedia ácida, que parafraseando al gran Charles Chaplin “Desde cerca, la vida parece una tragedia, desde lejos, una comedia”  Una comedia con una gran parte de crítica social, en concreto hacia las nuevas tecnologías y al abuso que se hace de ellas. Al consumismo, donde un producto con ligeras modificaciones, se vende año tras año, quedando obsoleto el anterior.  A la explotación en el trabajo, viendo como  algunos trabajadores son infravalorados en sus puestos y hacia esa juventud, que interactúan más a través de sus móviles, que en la vida real.

Pero en esta ocasión, aunque el Chucky al que nos enfrentamos en su naturaleza no es malo, aquí de nuevo el guionista Tyler Burton, incide en esa sociedad en la que vivimos, mostrando actos de violencia o maltrato, como algo ya habitual en nuestras vidas o el que una película gore, nos provoque más risas que terror, ante la visión de la sangre por litros mientras  se desmiembra un cuerpo, por poner algunos ejemplo; algo para lo que el nuevo Chucky no está programado, pero que irá formando parte de su ADN tecnológico. 

Por supuesto, para los amantes del cine gore y de terror, también hay páginas en ese ocurrente guion, que veremos representadas en la gran pantalla. Por tanto, el filme tiene para todos los gustos e incluso el haber elegido a Mark Hamill, para dar voz a Chucky. Escuchar cantar la canción al defensor de la galaxia, Luke Skywalker, en los títulos de crédito, no tiene precio, para los fans.

Cuenta con una excelente dirección de Lars Klevberg y  un buen montaje a cargo de Tom Elkins, que no dejan decaer la película en ningún momento. La correcta fotografía en la mirada de Brendan Uegama y el acompañamiento musical en la partitura de Bear McCreary, y terminaré mencionando que las interpretaciones resultan creíbles y disfrutables, en cada uno de sus personajes.

Estoy convencido que el muñeco diabólico no ha regresado para quedarse, pero de lo que sí estoy casi seguro, es que el espectador la va a disfrutar desde el principio hasta el final, pues ofrece todos los ingredientes necesarios.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 28 de Junio

 

REPARTO: Aubrey Plaza, Mark Hamill,  Gabriel Bateman, Brian Tyree Henry, Ty Consiglio, Beatrice Kitsos, Tim Matheson, Michael Bardach, Marlon Kazadi, Nicole Anthony, Anantjot S Aneja, Carlease Burke, Ambert Taylor, David Lewis, Hannah Drew,  Kristin York, Kenneth Tynan, Ariana Nica, Veenu Sandhu, Ben Andrusco-Daon, Trent Redekop, Eddie Flake, Amor Majzoub, Nicholas Dohy, Johnson Phan y Zahra Anderson.

PRODUCTORA: KatzSmit Productions// Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) // Oddfellows Entertainment// Orion Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

THE OLD and THE GUN: CRÍTICA DE CINE

The old Man and the Gun, está dirigida por David Lowery compartiendo guion  con David Grann.

Forrest Tucker (Robert Redford) tiene 70 años y continúa robando bancos. Su método sorprende a todos, por su atuendo, su gran educación y aunque siempre muestra un arma, nunca la ha tenido que usar. Roba por el placer de hacerlo, pues los fajos de billetes,  los guarda bajo el suelo de la casa.

En la carretera, huyendo de la policía, se encuentra con una mujer cuya furgoneta está averiada, para despistar a sus perseguidores se detiene a ayudarla. Jewel (Sissy Spacek) resulta ser una anciana encantadora y entre ambos comenzará una buena amistad.

The old Man and the Gun, está basada en hechos reales  sobre un artículo de David Grann. Tucker fue un ladrón profesional, conocido como el artista del escape, pues desde la primera vez que fue ingresado en un Internado con  15 años, se fugó un total de 18 veces, siendo la más famosa de sus evasiones, la perpetrada en la prisión estatal de San Quintín en 1979. Su último robo lo realizó en el año 2000, cuando contaba con 80 años.

Para encarnar a dicho personaje, David Lowery ha contado con una estrella que sigue brillando en el firmamento de los grandes actores norteamericanos, Robert Redford, quien comentó cuando aceptó el papel, que sería su retirada definitiva. Un papel a su medida. Una tierna y entrañable comedia, que nos hace esbozar sonrisas y disfrutar de quien aún tiene la capacidad de llenar la gran pantalla, con su sola presencia.

    

           Elegancia, saber estar, carisma y esa mirada de picarón/seductor que aún permanece tras las arrugas que cubren su rostro. Protagonista de películas como: “Dos hombres y un destino”  y “El golpe” con el inigualable Paul Newman, o en las que intervino con otras grandes estrellas como Dustin Hoffman en “Todos los hombres del presidente” o la gran dama Meryl Streep en “Memorias de África”. Un actor y director con una filmografía apasionante, la propia de una estrella de su altura. Ahora, en su despedida, nos regala una pequeña y deliciosa película rodeándose de otros astros de ese firmamento, que podemos leer y ver en el filme.

Un filme, ameno, dirigido con un respeto y cariño encomiable. Narrado con una exquisita sensación de estar dentro de una fábula, sin importarnos mucho si el personaje fue real o no, que lo fue. La ciudad en la que vive e incluso su historia, que se narra de forma escueta.  Tan solo observar a Forrest Tucker, vestido impecablemente, a cara descubierta donde las arrugas muestran el paso inexorable del tiempo, su gorro, el maletín, la pistola que vemos en muy pocas ocasiones, pero sabemos que muestra a los cajeros de los bancos y la elegancia con la que atraca, siempre esbozando una sonrisa e incluso tranquilizando a quien está atracando, ya merece la pena estar sentado en la butaca.

Dos geniales  y hasta seductoras interpretaciones por parte de Robert y Sissy. La madurez tiene esa virtud de provocar relax y esa es precisamente la sensación que percibe el espectador en cada plano que ambos están.

Lowery ha contado con Joe Anderson, como fotógrafo, quien ha sabido dotar a cada plano de una magia especial, advirtiéndose más que viéndose. Hay sensibilidad y pasión en los encuadres y la iluminación, al igual que en las notas de la banda sonora a cargo de Daniel Hart.  Un filme que todo amante del cine debería ver, para entender por qué las grandes estrellas iluminaban e iluminan con su trabajo, las pantallas de todo el Planeta.

El cine está escrito con letras de oro, con polvo de estrellas y con aura de leyendas.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 25 de Enero

REPARTO: Robert Redford, Sissy Spacek, Casey Affleck, Danny Glover, Tika Sumpter, Elisabeth Moss, Tom Waits, Isiah Whitlock jr., Robert Longstreet, Keith Carradine, Jordan Trovillion, John David Washington, Augustine Frizzell, Barlow Jacobs, Gene Jones, Leah Roberts, Kevin McClatchy, Patrick Newall, Todd Terry, James Siderits, Christine Dye y Toby Halbrooks.

PRODUCTORA: Identily Films// Wildwood Enterprises// Endgame Entertainment// Conde Nast Entertainment// Sailor Bear.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España

LO QUE ESCONDE SILVER LAKE: CRÍTICA DE CINE

David Robert Mitchell, escribe y dirige, Lo que esconde Silver Lake, un filme surrealista y desconcertante, a la vez que,  apasionante.

Sam (Andrew Garfield) es un joven sin oficio ni beneficio, holgazán y  que se dedica a espiar a sus vecinas con sus prismáticos, desde su apartamento en una urbanización de Los Ángeles. Cuando las conoce personalmente, las embauca con su labia y actitud de chico "malo".

Una mañana  su mirada queda fija en una chica sexy, rubia y seductora, Sarah (Riley Keough), que pasea a su perro. Al tiempo que se presenta, se enamora de ella. Logra una cita y pasan una noche inolvidable. Se despiden en la puerta de la casa de la joven quedando para el día siguiente, pero Sam se sorprenderá cuando al ir a buscarla, no solo no está ella, sino que la casa está completamente vacía.  Sam  recurre a la policía, pero ni se inmutan, por lo que será él quien se encargue de buscarla.

Tras sus apariciones en filmes como “Hasta el último hombre” de  Mel Gibson y “Silencio” de Martin Scorsese ambas en el 2016 o sus Spider-Man del 2012 y 2014 dirigidas por Marc Webb, entre otros éxitos, Andrew Garfield, se ha puesto en las manos de  David Robert Mitchel,  quien en 2014 obtuvo un gran éxito con su filme de suspense “Está detrás de ti”. Ahora vuelve a las salas, con este nuevo e inquietante thriller psicológico, surrealistas y crítico.

David Robert ha tomado referentes de la cultura pop, para crear su nuevo filme. Una historia detectivesca navegando entre escenas al más puro estilo Hitchcock y reminiscencias de Alicia en el País de las maravillas. Nos presenta un  filme policiaco, que va tomando carisma de suspense con toques de terror psicológico, recordándonos a algunas obras del  maestro Hitchcock, incluso cuando se escucha la voz en off de Garfield. Filmes tan clásicos como  “La ventana indiscreta”, “Vértigo o “Psicosis”.  En cuanto a Alicia en el País de las maravillas, detalles de cómo el Rey de los indigentes le invita a entrar en ese mundo surrealista en el que supuestamente se encuentra Sarah o el que tenga que comer un trozo de una galleta para acceder a una fiesta muy especial.  Galleta que no le hará crecer, sino alucinar. Estas son simples pinceladas, de esta obra tan compleja.

Una rareza en la cual involucra a un gran actor como es Andrew Garfield, que al igual que le sucediera a Alicia, se sorprende ante todo lo que está experimentando, pero lo toma como algo natural. ¿Serán los efectos de la galleta o del entorno que le abduce? Al igual que Alicia, él también tiene un claro objetivo, en su caso, encontrar a la chica que le ha enamorado. Garfield está simplemente magnífico, divertido, socarrón y atrevido.

Una obra con una gran carga de crítica social, siendo partícipes de momentos en los que se habla de los desahucios, los indigentes, marginados, ricos y vagabundos. Sectas, clases sociales, manipulaciones, mensajes subliminales y códigos secretos entre objetos cotidianos. Las mentiras, la muerte y las drogas o la soledad y el vacío, entre algunas de las miserias creadas por los habitantes de este Planeta; pero también la liberación o la libertad, en busca de la felicidad y del amor. No todos los corazones y mente están podridos por el consumismo, el egoísmo y otras vanidades, o tal vez sí.

Os podría hablar de muchas escenas de esta película, pero una de las que más me impactó es la conversación que Sam mantiene con el Compositor (Jeremy Bobb). En un plausible discurso aparentemente sencillo, podemos sacar tantas lecturas como seamos capaces. Un Jeremy Bobb, en una interpretación brutal.

Lógicamente toca hablar de los aspectos técnicos y en primer lugar quiero destacar el correctísimo montaje a cargo de Julio C. Pérez, así como la ambientación de Michael Perry que Mike Gioulakis, ha sabido retratar con su espléndida fotografía, entre una selecta paleta de color y encuadres. La banda sonora en las notas de Rick Vreeland, rematan una obra necesaria por su atrevimiento. El  séptimo arte precisa de obras como esta, cuando son tratadas con respeto, elegancia y saber hacer.

Para terminal, afirmar que sí, es rara y mucho. Un filme que no te deja acomodarte en la butaca. Para un público exigente que estoy convencido, la convertirá en una obra de culto, y en la cual se deben poner al servicio de la gran pantalla, todos los sentidos.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 28 de Diciembre

REPARTO: Andrew Garfield, Riley Keough, Callie Hernandez, Topher Grace, Jimmi Simpson, Riki Lindhome, Summer Bishil, Zosia Mamet, Patrick Fischler, Laura-Leigh, Grace Van Patten, Allie MacDonald, Rex Linn, Sydney Sweeney, Adam Bartley, Don McManus, John Eddins, Jules Willcox, Nea Dune, Stephanie Moore, Pepi Sonuga, Izzie Coffey, Sky Elobar, Sibongile Mlambo y Jessica Makinson.

PRODUCTORA: Michael De Luca Productions// Stay Gold Features// Vendian Entertainmen

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

LOS CASOS DEL DEPARTAMENTO Q. EXPEDIENTE 64: CRÍTICA DE CINE

         Los casos del departamento Q. Expediente 64, es el absorbente thriller basado en la novela de Jussi Adler-Olsen, con guion de Nikolaj Arcel, Bo Hr. Hansen y Mikkel Nørgaard y dirigida por Christoffer Boe.

En 1961 en Copenhague, Nete Hermansen (Fanny Bornedal) se encuentra embarazada de su primo, con el que se ve a escondidas hasta que su padre les sorprende, la internan en una institución para chicas, donde conocerá a quien será su amiga, Rita (Clara Rosager) y al joven doctor Curt Wad (Elliott Crosset Hove), un personaje un tanto extraño y oscuro.

En 1985 avisan a la comisaría donde trabaja Carl Mørck (Nikolaj Lie Kaas) para que acudan a un domicilio, pues al tirar una pared falsa, descubren una habitación con tres cadáveres momificados alrededor de una mesa, junto a una silla que está tirada en el suelo. Carl y su compañero Assad (Fares Fares) se harán cargo del caso.

Estamos ante la cuarta entrega de la saga: Los casos del Departamento Q, basada en las novelas de Jussi Adler-Olsen. Las anteriores entregas fueron: “Misericordia” (2013) y “Profanación” (2015) de Mikkel Norgaard y “Redención” (2016) de  Hans Petter Moland, ahora recae la dirección en Christoffer Boe (“Todo irá bien”), quien cuenta de nuevo con la misma pareja de actores protagonistas, entre otros personajes.

        Un thriller de suspense, dividido en dos tiempos diferentes. Los acontecimientos que sucedieron a primeros de los años 60, y el descubrimiento macabro de las momias tras una pared, en tan extraña situación. Historias que lógicamente están relacionadas y que la pareja de detectives, que ya conocemos de las anteriores entregas, buscarán por una parte, quién fue el asesino y por otra, a quién pertenecía la silla vacía que se encuentra tirada en el suelo. ¿Qué se esconde tras la extraña escena?

         La discriminación de la mujer, la eugenesia, el racismo, la esterilización femenina o la obsesión patológica, serán algunos de los temas a tratar en esta trama, con connotaciones políticas, sociales y médicas.

 Christoffer Boe, arranca de forma vertiginosa para luego dosificar la tensión y mantenernos en suspense, entre los sucesos que estamos viendo, las pistas que nos va ofreciendo y las propias vidas de los personajes. Sentimientos y emociones a flor de piel, muchas veces contenidas, como le sucede a Carl ante la decisión de su compañero Assad, que desea tomar otro rumbo.

           Una vez más  hay que destacar por una parte, la inquietante  banda sonora de los compositores, Anthony Lledo y Mikkel Maltha y por otro,  la correctísima fotografía a cargo de Jacob Møller. Como los "personajes" imprescindibles para mantener la intriga y no despegar los ojos de la gran pantalla.

No deseo desvelar nada de la obra, así que terminaré haciendo mención de las acertadísimas interpretaciones, destacando a la pareja compuesta por Nikolaj Lie Kaas y Fares Fares, quienes ya tienen bien asumidos a sus personajes, traspasando sus pieles y almas. Estoy convencido que los fieles a la saga y amantes del suspense, van a volver a disfrutar con esta nueva entrega.

           Mi nota es: 8  

ESTRENO en ESPAÑA: 14 de Diciembre.

REPARTO: Nikolaj Lie Kaas, Fares Fares, Nicolas Bro, Anders Hove, Soren Pilmark, Morten Bjorn, Elliott Crosset Hove, Diem Camille Gbogou, Anders Juul, Fanny Bornedal, Johanne Louise Schmidt, Clara Rosager, Amanda Radeljak, Nastja Arcel, Michael Brostrup, Per Tofte Nielsen, Marianne Hogsbro, Morten Feldt y Lennart Falk.

PRODUCTORA: Det Danske Filminstitut// Deutscher Filmförderfonds// Film// Väst// Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein// Nordmedia Fonds// Zentropa Productions.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.