EIFFEL: CRITICA DE CINE

 

EIFFEL, está dirigida por Martin Bourboulon compartiendo guion con Thomas Bidegain, Caroline Bongrand, Martin Brossollet y Natalie Carter.

El filme nos sitúa en el 31 de Marzo de 1889. Gustave Eiffel (Romain Duris) está dibujando y recordando cuando en septiembre de 1886, recibió un homenaje en los Estados Unidos, por la creación de la estructura interna de la Estatua de la Libertad, siendo nombrado Ciudadano de Honor de los Estados Unidos de América. Está viudo y tiene a su cargo a  su hija mayor, Claire (Armande Boulanger)  y sus hijos, más pequeños, Albert  y Églantine.

El gobierno francés quiere que cree algo espectacular para la Exposición Universal de 1889, pero él está interesado en construir el metro. Finalmente acepta a participar en el concurso y en medio de una fiesta, se queda sorprendido al ver entre los invitados a Adrienne Bourgès (Emma Mackey), un amor del pasado, que no ha podido olvidar. Adrienne, en la actualidad está casada con Antoine Restac (Pierre Deladonchamps).

La torre de 300 metros, hoy conocida en todo el mundo como la Torre Eiffel, fue diseñada por los ingenieros Maurice Koechlin y Émile Nouguier, encarnados en el filme por los actores Jérémy Lopez y Damien Zanoly, de cuyo aspecto definitivo se encargó el arquitecto Stephen Sauvestre y construida por el ingeniero francés Alexandre Gustave Eiffel junto a sus colaboradores, para la Expo Universal de 1889 en París.  Se encuentra situada en el extremo del Campo de Marte a la orilla del río Sena y como datos, inicialmente tenía una altura de 300 metros, se emplearon 18.038 piezas metálicas y 2,5 millones de remaches. Tiene 1.665 escalones desde el suelo hasta la cima y fue construida en dos años dos meses y cinco días. Por ella han pasado casi 300 millones de visitantes.

El director, Martin Bourboulon, comenzó a trabajar como ayudante de dirección de Bertrand Tavernier y Jean-Paul Rappeneau. A la dirección saltó con el cortometraje “Sale Hasard” 2003 y debutó en el largometraje con “Papá o Mamá” 2015, un año más tarde dirigió la secuela “Papá y mamá 2” 2016 y este año nos trae “Eiffel” 2021. Para televisión ha rodado la serie “Une journée dehouf” 2005.

Bourboulon, nos propone acompañarle en un maravilloso viaje al  pasado, a esa ciudad del amor, que es París y  a la nostalgia que respiran sus calles, para ofrecernos una doble historia de amor; por un lado la relación frustrada y no olvidada en el tiempo, entre Eiffel y Adrienne y del otro, la construcción de la monumental y majestuosa torre, que llevaría el nombre de su constructor. Entre flashback, nos irá sumergiendo en la historia de Gustave, sus momentos de gloria y aquellos más oscuros. Los éxitos en el trabajo y el fracaso en el amor, en donde la intervención, como solía suceder en aquellos tiempos, de la figura paterna sobre las hijas, provocó una separación no deseada, que el tiempo se ocupó de recuperar. Una obra por la que desfilarán las clases sociales, el poder de los más acaudalados,  la riqueza en contraste con la pobreza y hasta las envidas poco sanas.  

Una narración sencilla y con un resultado espectacular, pues muestra cuanto desea ofrecer con entusiasmo, estilo y belleza, y esos detalles por parte del director y los guionistas, se agradece y se disfrutan a partes iguales, pues la obra va captando el interés del espectador paso a paso, pieza a pieza, desde la visión de cómo se construyó la majestuosa torre, a la que tantos enamorados y románticos han subido, disfrutado de sus vistas e incluso de una cena inolvidable y, por supuesto, de la historia de los dos protagonistas, impecablemente interpretados por  Romain Duris y Emma Mackey. Destacando a un extraordinario Romain Duris, que lleva todo el peso de la obra y acompañados por un elenco cuyas interpretaciones, resultan muy correctas.

A destacar, además de la delicada dirección de Martin Bourboulon, la banda sonora, romántica y seductora del maestro Alexandre Desplat y la fotografía de Mathias Boucard, que nos recuerda a estampas de otros tiempos y por supuesto, al correcto montaje de Virginie Bruant y Valérie Deseine.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de Noviembre

REPARTO: Romain Duris, Emma Mackey, Pierre Deladonchamps, Armande Boulanger, Juliette Blanche, Michèle Clément, Julien Sarazin, Philippe Hérisson, Bruno Raffaelli, Pierre Le Baleur, Alexandre Steiger, Andranic Manet y Jérémie Petrus.

PRODUCTORA: Pathé

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Entertainment One.

ICE ROAD "RIESGO BAJO CERO"

Ice Road “Riesgo bajo cero”, está escrita y dirigida por Jonathan Hensleigh.

La acción nos sitúa en la mina de diamantes Katka, al norte de Manitoba, a 700 kilómetros por debajo del Círculo Polar Ártico. Durante una de las jornadas de trabajo, estalla una bolsa de metano, provocando heridos y sepultando al resto. 

En Dakota del Norte, en Pembina, Mike (Liam Neeson), conduce un camión. En la central, varios camioneros se burlan de Gurty (Marcus Thomas), hermano de Mike y al verlo éste, responde con violencia, contra el causante de la provocación, motivo por el que son despedidos. Mike busca ayuda para su hermano, que sufre un problema ocasionado por la guerra en la que intervino, a la vez que es contratado para transportar una boca de pozo, con la que poder extraer la bolsa de metano de la mina de diamantes y rescatar a los trabajadores que han quedado atrapados. El pequeño convoy lo componen Tantoo (Amber Midthunder) junto a Tom Varnay (Benjamin Walker) de la aseguradora, en uno de los camiones; Jim Goldenrod (Laurence Fishburne), en  otro de ellos y Mike y Gurty, en el tercero. 

El productor, guionista y director de cine y televisión, Jonathan Hensleigh, se licenció en Historia en la Universidad de Massachusetts Amherst en 1981 y en Derecho en la Facultad de Derecho de la Universidad de Tulane de Nueva York. Durante unos años trabajó en el Colegio de Abogados de Massachusetts, hasta que comenzó a escribir sus primeros guiones para la serie de televisión, “Las aventuras del Joven Indiana Jones” entre los años 1992/93, saltando a la gran pantalla en  filmes como “La jungla de cristal: la venganza” 1995 de John McTiernan, “Jumanji” 1995 de Joe Johnston,  o “Armageddon” 1998 de Michael Bay. Dio el paso a la dirección con “The Punisher (El castigador) 2004, “Bienvenidos a la Jungla” 2007, “Matar al irlandés” 2011 y tras otros trabajos en series de televisión y videos musicales, llega ahora a las pantallas con “Ice Road” 2021.

Como se nos explica en el inicio,  “en las gélidas regiones de Norte América, los conductores atraviesan carreteras artificiales sobre ríos congelados, lagos y océanos de hielo de menos de 70 centímetros de grosor, en vehículos de 30 toneladas. Estos recorridos son peligrosos y a veces fatales, algunos conductores los describen como misiones suicidas. Son las llamadas, rutas de hielo”. Es en una de esas rutas de hielo, donde transcurre la acción de este filme, además de la mina de diamantes, en la que han quedado atrapados varios hombres. Por lo que, Jonathan Hensleigh, nos irá mostrando lo que está sucediendo en los dos escenarios principales. El primero de ellos, las carreteras heladas, por las cuales transitan los tres camiones, con las bocas de pozo, sorteando los peligros que la propia naturaleza esconde, pues la nieve, por muy bonita y bucólica que nos parezca, se puede volver en contra si no se cumplen minuciosamente sus reglas, ya que al mínimo descuido, puedes quedar atrapado bajo ella; sin contar, que en el grupo de rescate, no es todo oro lo que reluce. Y el segundo escenario, será la mina, en donde un grupo de mineros han quedado enterrados, esperando y deseando que llegue a tiempo la ayuda y surgiendo, entre ellos, las rencillas, las traiciones, los miedos, el despertar del instinto de supervivencia e incluso las amistades más fieles. 

Un filme tenso y angustioso, correctamente dirigido por Hensleigh quien mantiene un interesante equilibrio entre ambas historias, lanzando una feroz crítica a la explotación y especulación empresarial, que ponen en peligro vidas humanas sin ningún tipo de escrúpulo, con tal de obtener los máximos beneficios. Las disputas que nacen entre los propios trabajadores o la lucha por la supervivencia, cuando saltan todas las alarmas, en sus mentes. Por tanto, estamos ante un filme entretenido, con un reparto actoral que cumplen con sus personajes y capitaneados por un actor ducho en este género de acción como es, Liam Neeson, a cuyo semblante, prácticamente inexpresivo, estamos más que acostumbrados. Destacando, para finalizar, la vistosa fotografía de Marcus James y Tom Stern. 

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 27 de Agosto

REPARTO: Liam Neeson, Laurence Fishburne, Amber Midthunder, Holt McCallany, Matt McCoy, Martin Sensmeier, Matt Salinger, Paul Essiembre, Marcus Thomas, Lauren Cochrane, Gabriel Daniels, Bj Verot y Chad Bruce.

PRODUCTORA: Code Entertainment// Aperture Media Partners// Envision Media Arts// ShivHans Pictures// Solution Entertainment Group.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: eOne Spain.

CUESTIÓN DE SANGRE: CRÍTICA DE CINE

Cuestión de Sangre, está dirigida por Tom Mcarthy  compartiendo guion con Thomas Bidebain, Noé Debré y Marcus Hinchey. “La vida es brutal”

Bill Baker (Matt Damon) ha trabajado toda su vida en una plataforma petrolífera alejado de su hija Allison (Abigail Breslin),  que se ha criado  con su abuela Sharon (Deanna Dunagan), tras morir su madre. Una joven un tanto rebelde que se ve envuelta y condenada por la muerte de su amiga y amante, Lina. 

Bill, tras entrevistarse con Leparq (Anne Le Ny), abogada de Allison, comentarle que no puede hacer nada y que Allison deberá cumplir la condena, decide indagar por su cuenta. Mientras investiga, conocerá a Virginie (Camille Cottin) y a su hija pequeña Maya (Lilou Siauvaud), quien pronto se encariñará con él y él, con ellas, descubriendo emociones que nunca había experimentado o creía olvidadas. 

El actor, guionista y director de cine y televisión, Tom Mcarthy, se graduó en la Nueva Escuela Secundaria de New Providence, continuó en la Boston College hasta el año 1988 y finalmente se matriculó en la Escuela Dramática de la Universidad de Yale en New Haven, Connecticut, en la cual estudió Arte Dramático. Una vez terminados sus estudios, comenzó su carrera profesional en 1992, actuando en diversas series de televisión y películas. A la dirección saltó en el año 2003 con “Vidas Cruzadas” con la que obtuvo diversos premios internacionales. Continuó con “The Visitor” 2007, “Win Win (Ganamos todos)” 2011, “Con la magia en los zapatos” 2014,  “Spotlight” 2015 (ganador del Oscar a mejor película y guion, entre otros premios internacionales), “Desastre y Total: Agencia de detectives nº1” 2020 y este año nos ofrece “Cuestión de sangre”. Para televisión ha dirigido capítulos de series como “por trece razones” 2017 y “La voz más alta” 2019.

“La vida es brutal”, es la frase que el personaje principal, Bill, cita en varias ocasiones motivado por los avatares a los que se ha tenido que enfrentar en la vida y los que aun le siguen acosando. Un hombre curtido por el duro trabajo en una plataforma petrolífera, la soledad que siempre le ha perseguido como un fantasma, el haber perdido a su mujer unos años atrás y el apenas tener contacto con su única hija, que un día decidió marcharse a Marsella a vivir. Ciudad en la que se encuentra en prisión por la muerte de su novia. Un hombre parco en palabras, incapaz de expresar sus sentimientos y difícil de lograr mantener con él, una conversación. Con esta premisa escrita por Thomas Bidebain, Noé Debré y Marcus Hinchey; Tom Mcarthy, que también participa en la historia, dirige este filme pausado, exponiendo las desigualdades culturales existentes entre Europa (Marsella) y Estados Unidos (Oklahoma). Las diferencias en sus sistemas judiciales y el cómo enfrentarse a las sentencias. El racismo, la disparidad de clases sociales o el comportamiento, en ocasiones un tanto sumiso, de sus ciudadanos, que en vez de encararse a la sociedad que les rodea y a las injusticias, prefieren sumergirse en el alcohol, el silencio o  el abandono más estéril. Una obra por tanto, no exenta de una fuerte crítica social a esa América profunda que Mcarthy va mostrando y dosificando a medida que la narración transcurre, en contraposición a una Europa más independiente y abierta, aunque para algunas personas, pueda parecer difícil de asimilar tal comparación. Solo tenemos que echar la vista atrás, a las políticas del presidente que recientemente ha dejado la Casa Blanca y cuyo nombre es preferible olvidar. Un nuevo filme, en el que a través de esta narración ficcionada, expone con delicadeza y realismo, lo que sucede realmente en ese país que presume de sus libertades y que grita, su verdad. 

Cuestión de Sangre se presenta como un filme lento, reflexivo, dirigido con mano firme aunque tal vez un poquito más de ritmo, no le hubiera venido nada mal. Una obra que soporta sobre su espalda, Matt Damon, con su impresionante interpretación. Sorprendiéndonos en medio de esa lucha calma y reservada de padre coraje y su despertar a un nuevo renacer,  al conocer otra forma de vida y la que le mostrarán, quienes podríamos definir como sus ángeles custodios: Virginie interpretada por una correctísima Camille Cottin y la encantadora y maravillosa, Lilou Siauvaud, que interpreta a la pequeña Maya. Ellas dos, estimularán todo cuanto pensaba haber perdido o creer que no existía en él. Un filme, que en su pausada narración, te atrapa, ante la precisa dirección actoral y las pequeñas sorpresas que nos aguardan en el guion, revelándose al espectador poco a poco. En dosis tan medidas que llegan a asfixiar. Para terminar quiero destacar la acertada fotografía de Masanobu Takayanagi.

Mi nota es: 7

ESTRENO en ESPAÑA: 13 de Agosto

REPARTO: Matt Damon, Abigail Breslin, Camille Cottin, Lilou Siauvaud, Deanna Dunagan, Lisandro Boccacci, Robert Peters, David C Tam, Ginifer Ree, Jake Washburn, Angel Vides, Ryan Music, Dustin Wilson.

PRODUCTORA: Amblin Partners// Participant Media// DreamWorks SKG// 3dot Productions// Anonymous Content// Slow Pony.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: eOne Spain.

EL COVER: CRÍTICA DE CINE

El Cover está escrita y dirigida por Secun De La Rosa. “Que me busquen por dentro”

El prólogo nos muestra a una mujer (Carmen Machi) que acompaña a su hijo (Lander Otaola) y  a su mejor amigo Dani (Álex Monner), a una audición para un musical. El director está cansado de escuchar a cantantes y tras una pequeña bronca con el equipo, le pregunta a Dani qué sabe hacer, y Dani le contesta: “Soy un puto Cover”.

Dani, es camarero, confiesa que no quiere ser cantante, que desea ser camarero. En realidad Dani tiene un pasado que le atormenta, huérfano de unos padres que vivieron en los 90 a tope y que murieron a consecuencia de las drogas. En la actualidad vive con su abuelo (Juan Diego), que tampoco consiguió su sueño. Él es un puto cover, como dice en varias ocasiones. Una noche conocerá a Sandra (Marina Salas) que imita a Adele y a Amy Winehouse  (Carolina Yuste), enamorándose de Sandra.

Cover, en la lengua inglesa, significa: Cubierta o tapa, mientras que en nuestro idioma le hemos dado otro significado al  usarlo en el mundo de la música. Un cover, por lo tanto es una canción de otro autor o cantante, que versiona otro o varios músicos. Hay artistas en cuyos espectáculos no tienen ningún tema propio e incluso quienes graban un disco entero, como el caso de Los Ramones que en 1993 lanzaron el disco “Acid eaters” con temas de The Rolling Stones, The Who, Creedence Clearwater Revival o The Byrds, entre otros. 

El escritor, actor y director, Secun De La Rosa, estudió Arte Dramático en la escuela de Cristina Rota. Es autor y director de numerosas obras teatrales y conocido por el gran público televisivo por las series “Aída” y “Amar es para siempre”. Recibió el Premio al mejor actor de reparto de cine en “Días de Fútbol”  2003 de David Serrano. El Premio en el Festival de Cine de Comedia de Tarazona 2008, como actor revelación de cine de comedia. El Premio Unión de Actores a mejor actor de reparto de televisión por la Serie Aída 2010 y el Premio Baeza Diversa a la proyección social 2012. En el año 2017 colaboró con la 1 de TVE en el programa Fantastic Duo, presentado por Nuria Roca. Su filmografía tanto en televisión como en cine, es muy amplia. Ahora se lanza con un nuevo reto, debutar en el largometraje como director con “El Cover”

La película tiene dos partes diferenciadas divididas por un gran y espectacular número musical, en donde intervienen un grupo de covers, cantando diferentes temas, todos ellos muy pegadizos y fácilmente reconocibles. Número musical que cuenta con una fantástica coreografía y unos movimientos de cámaras precisos y ágiles, mostrando en cada instante, lo que debe verse. La primera de esas partes es la más dinámica, la más divertida y en la que conoceremos a los personajes; la segunda, estará marcada por el drama, esos dramas que llevan a muchos cantautores a crear el tema que les identificará e incluso les inmortalizará, como sucede con nuestro cover protagonista, Dani, un joven cuyos recuerdos del pasado y la muerte de sus padres, le mantienen bloqueado, sin dejarle ser él mismo.

El filme nos presenta a esos cantantes anónimos que no solo tienen que buscar trabajo y crear sus propios personajes, en las noches de Benidorm, para entretener a los turistas, mayoritariamente extranjeros, y sacarse un dinero para subsistir, sino el tener que soportar a algunos turistas borrachos y maleducados, sus insultos o lo peor de todo para un artista, la indiferencia, cuando está en el escenario.  En palabras del propio Secun de la Rosa, tras un viaje  que realizó a dicha ciudad, comentó “Me interesó el ecosistema de las “covers”. Un mundo que explosiona en las noches de Benidorm, donde un buen número de pubs cuya clientela es esencialmente inglesa, recrean con sus artistas las actuaciones de cantantes internaciones como Elvis Presley o Amy Winehouse” y sin duda, con su ópera prima, logra situarnos en el corazón de ese Benidorm que tanto le marcó.  

Pienso, siento, callo y que me busquen por dentro, son algunas de las palabras que Dani escribe en una libreta, palabras que consciente o inconscientemente, irán tomando cuerpo en ese despertar como artista, en ese caminar hacia su destino, que le aterra descubrir, pues no desea errar. Dani vive en dos universos. ¿Cuál de ellos le desvelará su futuro o mejor dicho, qué o quién se cruzará en su camino para escribir su propia historia?.

El Cover, es ante todo una película con música, no un musical. Escucharemos en las voces de esos covers temas de “The Killers”, “Amy Wineshouse”, “Lady Gaga”, “Adele”, “Gloria Gaynor”, Erasure”, Loquillo, “Fun”, “Shirley Basey”, “Antonio Vega, “La Marelu”, Raphael, Nena Daconte” con las intervenciones de Rocío Márquez,  Esperanza Rancapino, Agoney y  Kexxy Pardo e incluso Antonio Orozco, compone un tema exclusivo para la película, que por supuesto interpreta.

Secun De La Rosa, dirige con acierto este divertido y dramático entretenimiento para todos los públicos, donde una vez más el espectador participa, desde su butaca, tarareando los temas que suenan o al menos con una gran parte de ellos, dependiendo el oído musical de cada uno. Cuenta con interpretaciones correctas y una buena fotografía de Santiago Racaj.

“Son artistas que copian, que quieren ser otros”

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 23 de Julio

REPARTO: Álex Monner, Marina Salas, Juan Diego, Carolina Yuste, Carmen Machi, Susi Sánchez, María Hervás, Pepe Ocio, Lander Otaola, Secun De La Rosa, Jorge Calvo y Marc Almodovar.

PRODUCTORA: Nadie es Perfecto // Amazon Prime Video // eOne Spain

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: eOne Spain.

CHAOS WALKING: CRÍTICA DE CINE

Chaos Walking está dirigida por Doug Liman, con guion  adaptado de Christopher Ford, Charlie Kaufman, Gary Spinelli, Lindsey Beer, John Lee Hancock y el propio autor de la trilogía Patrick Ness. “No escondas tu ruido, abre la mente”.

Es el año 2257 d.C., los hombres del planeta Nuevo Mundo, tras una guerra con los nativos del mismo llamados Zulaques, que exterminaron a todas las mujeres, pero no así a una parte de los hombres, se vieron afectados por lo que denominan “Ruido”, que no es otra cosa que tener la facultad de escuchar los pensamientos de los demás, con lo que han buscado fórmulas personales para evitarlo.

Prentisstown forma parte de ese Nuevo mundo en el que vive Todd Hewitt (Tom Holland), un joven agricultor y huérfano, quien descubre a una persona vestida de naranja, intentar robar en su granero. Mientras la persigue, localiza los restos de una nave espacial que ha caído en la zona. La única superviviente, de la misma, es Viola Eade (Daisy Ridley), quien tras superar los primeros momentos de desconfianza y viendo peligrar su vida, ante la persecución del alcalde David Prentiss (Mads Mikkelsen) y sus hombres, se alejará del pueblo, acompañada de Todd. En ese viaje que ambos emprenden, Viola le desvelará quien es y de donde procede. 

El filme está basado en el primer libro de la trilogía de ciencia ficción “Chaos Walking”, titulado “The Knife of Never Letting Go” adaptado por el propio autor Patrick Ness junto a Christopher Ford, Charlie Kaufman, Lindsey Beer, John Lee Hancock y Gary Spinelli. La película se estrenó en Estados Unidos el 5 de Marzo de 2021.

El fotógrafo, productor y director, Doug Liman, ya en la secundaria realizaba cortometrajes. Estudió fotografía en el International Center of Photography, matriculándose más tarde en la Universidad Brown de Providence y en la Universidad de Carolina del Sur. Profesionalmente comenzó su carrera en la televisión de la Universidad Brown, cofundada por estudiantes BTV. Su primer largometraje llegó en 1994 con “Getting In” al que han seguido “Swingers” 1996, “Viviendo sin límite” 1999, “El caso Bourne” 2002, “Sr. y Sra. Smith” 2005, “Jumper” 2008, “Caza a la espía (Fair Game)” 2010, “Al filo del mañana” 2014, Splinter Cell” 2015, “The Wall” 2017, “Barry Seal: El traficante” 2017, “Confinados” 2021 y ahora llega a nuestras pantallas “Chaos Walking” 2021. Para televisión ha rodado la serie de televisión “The O.C. – The Orange County” 2003, “Mr. And Mrs. Smith” 2007, “Sin pantalones” 2012, “Cautivos” 2016 e “Impulse” 2018.

Vaya por delante que yo no he leído ninguno de los libros de esta trilogía, pero que me ha despertado curiosidad, por lo que escuché tras el visionado. Por lo tanto, mi crítica o reseña, como deseéis denominarla, irá dirigida hacia la película. Para mi gusto el filme es disfrutable desde el lado de la aventura y esa relación que surge entre los dos personajes, trayéndome recuerdos, como comenté al salir de la sala,  a esa gran saga que ha perdurado en el tiempo, con secuelas recientes como es “El planeta de los simios”, retrocediendo a la original de 1968 dirigida por Franklin J. Schaffner, en donde nos encontrábamos con un mundo distópico, seres viviendo en poblados, trabajando en la agricultura y ganadería, sin comodidades, ni tecnología; un doctor de nombre Zaius (Aquí será el alcalde David), el astronauta George Taylor recién llegado, sustituido en este caso por la astronauta Viola Eade y por supuesto, la persecución ocasionada por las supersticiones, los miedos y la ignorancia. En esta ocasión, una persecución en la cual la chica se verá acompañada por uno de los pobladores, quien ve algo más en ella. La trama por lo tanto es muy similar y como ya disfruté en su día de aquel filme emblemático, también lo he hecho con esta nueva obra, sin pensar más allá de que me entretuviera y al menos conmigo, lo ha conseguido. Repito, no voy a hacer comparaciones con la obra literaria  y estoy convencido que muchos de los que irán a las salas a verla, tampoco la han leído. Cuenta con unos efectos especiales sencillos, pero convincentes, sobre todo en la forma de representar “el ruido”

Lo que me sigue llamando la atención es que muchos de los filmes apocalípticos regresan, en una mayoría, a los tiempos del western. Poblados, ganaderos, agricultores y monta a caballo con sus armas. Han sustituido todo medio de transporte por los caballos, que por una parte lo entiendo, conseguir gasolina puede resultar complicado pero, tan atrás nos tenemos que remontar y sobre todo, ¿Por qué a esos tiempos?. Habrá que preguntárselo a los guionistas y a algunos escritores; sea como sea, ese toque bucólico, estimula los sentidos.

El filme cuenta con un buen ritmo, correcta ambientación, acertado montaje, cierta tensión y acción; que en suma, es lo que se busca en algunas películas para pasar un rato agradable, olvidándonos del día a día. Las interpretaciones cumplen su objetivo, destacando a Tom Holland, que deja aparcadas las mallas de Spider-Man por ropa de otros tiempos y así acompañar a la chica de la película, y a quien hemos visto beber más de la cuenta en Otra Ronda, Mads Mikkelsen, que le va eso de hacer de malo.  

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 30 de Abril

REPARTO: Daisy Ridley, Tom Holland, Mads Mikkelsen, Demian Bichir, David Oyelowo, Kurt Sutter, Nick Jonas, Óscar Jaenada, Ray McKinnon, Cynthia Erivo, Bethany Anne Lind, Mylene Robic, Olunike Adeliyi, Harrison Osterfield, Vincent Leclerc, Tara Nicodemo, Tyrone Benskin, Claudia Besso, Blane Crockarell, Isabelle Giroux, Marché Day, Maxwell McCabe-Lokos

PRODUCTORA: Quadrant Pictures// Bron Studios// Creative Wealth Media Finance.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY: CRÍTICA DE CINE

 

Los estados Unidos contra Billie Holiday, está dirigida por Lee Daniels compartiendo guion con Suzan-Lori Parks, en una adaptación de la novela de Johann Hari. “En 1937 se  debatió la ley contra los linchamientos a los afroamericanos, ley que no prosperó”

Billie Holiday (Andra Day) fue una afamada cantante de jazz, adicta a las drogas y al alcohol, que tuvo una vida tormentosa desde niña.  Amada por sus fans y perseguida por el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos, al frente del cual estaba el comisionado Harry J. Anslinger (Garrett Hedlund) quien detestaba a Billie y a los afroamericanos. Mantuvo una extraña relación amorosa con Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), el agente federal encubierto a las órdenes de Anslinger, relación que continuó, incluso cuando ella supo quién era él.

El productor, escritor y director de cine, Lee Daniels, no tiene una educación formal en cine, pues tras cursar dos años en la Universidad Lindenwood, fundó una agencia de enfermería, que vendería por 2 millones de dólares, dinero con el que se abrió camino en el mundo del espectáculo, iniciándose como director de casting y mánager, para terminar creando su propia productora “Lee Daniels Entertainment”. Su ópera prima en la dirección fue “Shadowboxer 2005, continuando con “Precious” 2009 (Obtuvo varios premios internacionales, entre ellos los Oscar a mejor guion adaptado y mejor actriz de reparto para Mo`Nique), “El chico del periódico” 2012 y “El mayordomo” 2013. También ha dirigido, producido, escrito y creado las series “Empire” 2015 aun en emisión y “Star” 2016 también en emisión. Este año nos ofrece “Los Estados Unidos contra Billie Holiday”

Una parte de la vida de Billie Holiday, en gran medida, sigue siendo un misterio, aunque existan varias biografías, incluyendo la que ella misma escribió poco antes de morir y que algunos críticos consideran que está llena de inexactitudes, mientras otras de esas biografías  son “abrazadas” por ese  halo de leyenda que la rodeó a lo largo de su vida,  como artista. Dos veces casada, manteniendo relaciones con hombres y mujeres, según reseñan algunas crónicas o viviendo una vida al límite entre las drogas y el alcohol, que finalmente provocaron su muerte por cirrosis. En esta ocasión, la obra adaptada ha sido el libro “Tras el grito” de Johann Hari, que como describe en su portada es “un relato revolucionario y sorprendente sobre la verdadera historia de la guerra contra las drogas.

Tal vez lo que menos le interese al espectador, es esa batalla y persecución contra las drogas, en que estaba envuelto el país, sino la historia de esta mujer viviendo entre las luces y las sombras, más sombra que luces, vaya por delante y por supuesto, la magia de su voz y las letras de sus canciones. Letras que hablan de dolor, miseria, maltrato, violación, desamor, de la familia, la infancia o la prostitución; entre otros temas de los cuales destacó una canción, la que se convertiría en insignia en todas sus actuaciones y que su público tanto de raza blanca como negra, le pedían una y otra vez, mientras el gobierno la odiaba hasta el punto de prohibir que la cantara. Ese tema es “Strange Fruit” por el que se la detuvo en algunas ocasiones y que en el año 1999 fue considerado por la revista Time, como la mejor canción del siglo XX.

Los Estados Unidos contra Billie Holiday, es la vida de una mujer que no se aminoraba ante nada ni nadie, luchadora en unos tiempos convulsos y que se enfrentó incluso a los federales, ante el constante acoso que recibía por su parte. Un drama duro y profundo sobre la fama, la pérdida, la soledad, las traiciones o su mayor enemigo, la heroína. Las drogas y el alcohol, como le ha sucedido a otras grandes estrellas, que buscaron en esas sustancias psicoactivas el refugio ante la realidad que les tocó vivir. Un filme por el que Lee Daniels, en algunas ocasiones, pasa de puntillas sin profundizar en algunos aspectos que considero relevantes para conocer un poco más a la artista y a la mujer, tal vez, como suele suceder, el problema radica en un guion un tanto descuidado. 

Capítulo aparte merecen, Adra Day, la gran estrella de este filme, espectacular y absolutamente impecable, en una interpretación que se apodera por completo del personaje o tal vez es el personaje el que se adueña de su ser. Convincente de principio a fin entre el drama que la atormentaba y el resplandor de diva que proyectaba en el escenario, gracias a ese torrente de fragilidad, sensualidad, entereza y romanticismo que emanaba. Andrew Dunn, quien con su íntima y elegante fotografía, ha sabido captar cada expresión, cada movimiento e incluso cada sentimiento y emoción. La partitura dramática en la batuta de Kris Bowers y para terminar, la espléndida ambientación. 

Mi nota es: 7,5

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Marzo

REPARTO: Andra Day, Trevante Rhodes, Natasha Lyonne, Garrett Hedlund, Rob Morgan, Tone Bell, Da´Vine Joy Randolph, Evan Ross, Dana Gourrier, Melvin Gregg, Erik LaRay Harvey, Tristan D. Lalla, Kwasi Songui, Alika Autran, Blake DeLong, Jeff Corbett, Miss Lawrence, Mark Antony Krupa, Karl Graboshas, Randy Davison, Sylvia Stewart, Dusan Dukic, Arthur Holden, Damian Joseph Quinn, Richard Jutras, Nealla Gordon, Alexander Bisping, Philippe Hartmann, Catherine Lemieux, Letitia Brooker, Ray Shell, Christopher Wyllie, Yvanna-Rose Leblanc y Eric Clark.

PRODUCTORA: Lee Daniels Entertainment// New Slate Ventures// Roth-Kirschenbaum Films.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Entertainment One Films Spain.

NOTICIAS BREVES: (XCIX)

 

EONE FILMS nos informa que “LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY”, se estrenará el 1 de Abril.

La cantante Andra Day, nominada como Mejor Actriz a los Globos de Oro, da vida a la leyenda del jazz Billie Holiday en la nueva película del director Lee Daniels (Precious, El mayordomo).

La película viene avalada por la excelente crítica internacional y por dos nominaciones los Globos de Oro: Mejor Actriz – Drama (Andra Day) y Mejor Canción Original: “Tigress & Tweed”.

Dirigida, coescrita y producida por el nominado al Óscar Lee Daniels (Precious, El mayordomo) “LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY”, se centra en la mítica figura de Billie Holiday, una de las más grandes cantantes de jazz de todos los tiempos, y en su tormentosa relación con la fama, la adicción y el amor.

La cantante Andra Day, en su primer papel protagonista para la pantalla grande, es la encargada de dar vida y voz a la gran estrella del jazz Billie Holiday. Le acompañan en el reparto Trevante Rhodes (Bird Box, 12 valientes, Moonlight), Natasha Lyonne (Muñeca rusa [TV], Orange is the New Black [TV]) y Garrett Hedlund (Mudbound: el color de la guerra, Inside Llewyn Davis, Tron: el legado), entre otros.

La película está inspirada en el aclamado bestseller de El New York Times de 2015 Chasing the Scream: The First and Last Days of the War on Drugs, escrito por Johann Hari.

El guion de “LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY” está coescrito por Suzan-Lori Parks. Parks fue la primera mujer afroamericana en recibir el Premio Pulitzer por su obra TOP DOG/UNDERDOG a la que siguió el guión NATIVE SON en 2019.

SINOPSIS: La legendaria Billie Holiday (Andra Day), una de las mejores intérpretes de jazz de todos los tiempos, pasó la mayor parte de su carrera siendo adorada por sus fans alrededor del globo. Todo mientras el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos la fijó como objetivo mediante una operación encubierta liderada por el Agente Federal Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), con quien Billie había tenido un tumultuoso romance. Inspirada en la historia de su vida, “LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY” examina íntimamente su lucha contra la adicción, la fama y un corazón roto.

“LOS ESTADOS UNIDOS CONTRA BILLIE HOLIDAY”, estreno en cines el 1 de abril.

BUENDÍA ESTUDIOS produce “CARDO”. Una serie creada por Ana Rujas y Claudia Costafreda producida en colaboración con Suma Latina para AtresPlayer Premium.

 “CARDO narra un momento en la vida en el que te das cuenta de que no eres digna de promesas ni de esperanzas” -en palabras de las creadoras Ana Rujas (autora de la idea original y protagonista) y Claudia Costafreda (directora) - “Llegas a los 30 años y de golpe sientes que no tienes mucho que ofrecer al mundo. No vale la belleza, no vale lo de fuera si lo de dentro no está bien. Así es nuestra protagonista: María aparentemente rebosa belleza pero ella se siente un CARDO”.

Ana Rujas y Claudia Costafreda;  ambas pertenecen a esta generación bisagra que queda retratada en la serie. Hijas del S XXI, bebés de la televisión de 7 canales, del boom tecnológico y las redes sociales.

Un retrato de Madrid, de María, de nosotras, de todos. “CARDO” es un retrato generacional. Habla del abuso de la propia vida y de “Los excesos de nuestra generación, una generación a caballo entre un futuro incierto, un pasado plácido y un presente convulso. Una generación que se zambulle entre botellas de plástico de 75ml, pinchacitos de ácido hialurónico y relaciones superficiales. Una generación consumista, insaciable, e irremediablemente perdida.”

La ficción es una producción de Buendía Estudios (con la producción ejecutiva de Sonia Martínez y Amparo Miralles) en colaboración con Suma Latina (Javier Calvo y Javier Ambrossi) para Atresplayer Premium (con la producción ejecutiva de Montse García de Atresmedia Televisión). 

Próximamente comenzará el rodaje en Madrid.

EONE FILMS nos informa que “CHAOS WALKING” se estrenará en cines el 23 de Abril. Tom Holland y Daisy Ridley protagonizan esta fantástica aventura, dirigida por Doug Liman y basada en el aclamado best-seller de Patrick Ness.

CHAOS WALKING se estrena en cines de toda España el próximo 23 de abril. Ya están disponibles en la zona de prensa de eOne  el cartel y una selección de fotos.

Basada en el aclamado best-seller de Patrick Ness, CHAOS WALKING es una fantástica aventura repleta de acción, suspense y espectaculares efectos visuales protagonizada por Tom Holland (Spider-Man: Lejos de casa, Vengadores: Endgame, Z, la ciudad perdida) y Daisy Ridley (Star Wars: El ascenso de Skywalker, Asesinato en el Orient Express, Peter Rabbit) junto a Nick Jonas (Midway, Jumanji: Bienvenidos a la jungla, Kingdom [TV]), Mads Mikkelsen (Hannibal [TV], Rogue One: Una historia de Star Wars, Casino Royale) y Cynthia Erivo (El visitante [TV], Malos tiempos en El Royale, Viudas). Dirigida por Doug Liman (Barry Seal. El traficante, Al filo del mañana, El caso Bourne), CHAOS WALKING se estrena en cines el 23 de abril.

SINOPSIS: En un futuro no muy lejano, Todd Hewitt (Tom Holland) encuentra a Viola (Daisy Ridley), una enigmática chica que se ha estrellado en su planeta, donde todas las mujeres han desaparecido y los hombres están afectados por “el ruido” –una fuerza que exhibe todos sus pensamientos–. En un entorno tan peligroso, la vida de Viola se ve amenazada y al prometer Todd protegerla, deberá descubrir su propia fuerza interior y revelar los oscuros secretos del planeta.

CHAOS WALKING, estreno en cines el 23 de abril.

VÉRTIGO FILMS nos informa que “THE MAURITANIAN” se estrenará el 19 de Marzo simultáneamente en CINES y  PLATAFORMAS DIGITALES.

Vértigo Films estrenará en España, simultáneamente en salas cinematográficas y plataformas digitales, la película The Mauritanian, con Jodie Foster (Ganadora del Globo de Oro como Mejor Actriz de Reparto), Tahar Rahim, Benedict Cumberbatch y Shailene Woodley, entre otros.  Basada en el best seller “Diario de Guantánamo”. 

SINOPSIS: Mohamedou Ould Slahi (Tahar Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo después de haber sido detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno de Estados Unidos durante una década y sin que se haya celebrado ningún juicio. Habiendo perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Jodie Foster) y su asociada Teri Duncan (Shailene Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

Director: Kevin Macdonald

Guion: Michael Bronner, Rory Haines, Sohrab Noshirvani

Productores: Adam Ackland, Michael Bronner, Leah Clarke, Benedict Cumberbatch

Cast: Shailene Woodley, Jodie Foster, Benedict Cumberbatch, Tahar Rahim

Está previsto que “THE MAURITANIAN” se estrene en las siguientes plataformas digitales el 19 de MARZO:  iTunes, Google Play, Movistar +, Orange TV, Rakuten TV, Amazon, Filmin y Vodafone.

DIAMOND FILMS nos informa del estreno en exclusiva en Amazon Prime Video de ‘LOS SECRETOS QUE OCULTAMOS’. Un thriller sobre los terribles efectos del holocausto que llega a la plataforma el próximo miércoles 10 de marzo.

Escrita y dirigida por Yuval Adler (“The Operative”), la película está ambientada en una época post Segunda Guerra Mundial y narra las terribles consecuencias que ésta ha dejado, marcando para siempre la vida de dos protagonistas enfrentados en ambas caras de la guerra. Protagonizada por Noomi Rapace (“Millenium”), Joel Kinnaman (“RoboCop”) y Chris Messina (“Argo”).

Sinopsis: Una superviviente del Holocausto (Noomi Rapace) intenta reconstruir su vida en los EEUU junto a su marido (Chris Messina). Pero su vida da un vuelco cuando cree reconocer a su vecino (Joel Kinnaman) y decide secuestrarle en busca de venganza por los atroces crímenes de guerra que piensa que cometió contra ella.

SURIA COMUNICACIÓN informa que Macarena Gómez protagoniza “Y todos arderán”, el segundo largometraje de David Hebrero.

El film cuenta en su reparto con Rodolfo Sancho, Ana Milán, Rubén Ochandiano, la presentación de Sofía García, la colaboración especial de Fernando Cayo y la participación de Saturnino García.

El rodaje del segundo largometraje dirigido por David Hebrero, “Y todos arderán”, se ha iniciado hace unos días entre Madrid y Ávila. Entre los atractivos del film destaca su carismático reparto compuesto por Macarena Gómez, Rodolfo Sancho, Ana Milán, Rubén Ochandiano, Germán Torres,  Ella Kweku, Guillermo Estrella y la debutante Sofía García. Además, la película cuenta con la colaboración de Fernando Cayo  y la participación especial de Saturnino García.

Hebrero nos ofrece una peculiar mezcla de drama y terror que él define como “una secuela espiritual de La semilla del diablo”, donde se puede rastrear la huella del terror italiano y el fantaterror español, así como la influencia de directores como Darío Argento, Ari Aster, Robert Eggers o Álex de la Iglesia, entre otros.

Hebrero, que firma el guion junto a Javier Kirán, cuenta con Ona Isart como directora de fotografía y María Ona como directora de arte. El rodaje se extenderá durante 35 días en localizaciones de Las Rozas de Madrid y Arévalo.

Producido siguiendo la línea del cine independiente norteamericano con presencia en festivales internacionales de cineastas emergentes muy prometedores por Nostalgia Shop Films -con sede en Madrid y Los Ángeles- el largometraje ha contado con la colaboración de Ayuntamiento de Arévalo, Ayuntamiento de Torrelodones, Finca El Cigarral del Ángel, Welab, Aluzine, La Guadaña, Farnis, Carnicería Hermanos Gómez, Protección Civil de Arévalo, Purocuento, Fundación ALPE y Ayuntamiento de Borox.

SINOPSIS: El mundo parece estar llegando a su fin. Ajena a este caos, María José lleva diez años viviendo una pesadilla después de que su hijo Lolo se suicidase, harto del acoso escolar que recibía, y su marido le abandonase al no ser capaz de superarlo.

Lista para marcharse de este mundo, decide ir a saltar por el mismo puente por el que se tiró su hijo cuando es interrumpida por Lucía, una niña con acondroplausia. María José se apiada de la niña al ver que padece la misma discapacidad que su hijo, y decide ayudarla a buscar a sus padres. Sin embargo, poco a poco, descubrirá que Lucía no es una niña cualquiera y que ha sido enviada al pueblo con un propósito.

Mientras tanto, el cura y las altas élites del castizo pueblo, se hacen eco de la llegada de Lucía y de la posible conexión entre su aparición y una serie de desgracias que no dejan de ocurrir por la zona: muertes prematuras, pérdida de cosechas y ganado y eventos inexplicables. Convencidos de que la niña es la semilla del mal que viene presagiada en una antigua leyenda del pueblo, y tras descubrir que se acerca una Luna de Sangre, harán todo lo posible para detenerla. Además, su ex-marido volverá al pueblo que repudió junto con su nueva mujer, aparentemente como apoyo. Sin embargo, él tiene otras sospechas muy distintas sobre la identidad de Lucía. 

María José, cansada de la gente del pueblo, del marido que la traicionó y con ganas de vengar la muerte de su hijo, decidirá proteger y ayudar a Lucía a toda costa, sean cuales sean las consecuencias. 

SURIA COMUNICACIÓN nos informa que “OLVIDO Y LEÓN” de Xavier Bermúdez. Estreno en cines: 26 de marzo.

Xamalú Filmes y Digital Cine Media estrenarán en cines el 26 de marzo de 2021 “OLVIDO Y LEÓN” de Xavier Bermúdez, que ha inaugurado recientemente la 25ª edición del Festival de Orense (OUFF) fuera de concurso.

Este drama social, vitalista y a contracorriente, muestra la fraternal relación entre una mujer joven y su hermano gemelo, un hombre con síndrome de Down. El film sigue el rastro de los protagonistas de “Olvido y León”, una película que logró numerosos premios nacionales e internacionales, aunque “Olvido y León” tiene entidad propia y sorprenderá a los espectadores que conozcan a sus personajes por primera vez.

Dirigida por Xavier Bermúdez (Luz negra, O ouro do tempo), la cinta cuenta con un reparto que encabezan Marta Larralde, conocida por sus interpretaciones en films Mar adentro, Todas las mujeres y “León y Olvido” y en series de TV como Vivir sin permiso; el recientemente fallecido Guillem Jiménez, que ya había participado en “Olvido y Léon” y en la TV-Movie Asunto Reiner y  Monti Castiñeiras, actor que ha formado parte del reparto de largometrajes como Divinas palabras, El lápiz del carpintero, Sicixia, Planta 4ª o Julieta, y series del calibre de Fariña, La unidad y A lei de Santos.

“Olvido y León” es una producción de Xamalú Filmes y Digital Cine Media que ha contado con la participación Televisión de Galicia, la producción asociada de AdHoc, MJ Producciones y Tripede y el apoyo de ICAA y de la Diputación de Ourense.

SINOPSIS: Después de quince años, Olvido ha aceptado que sus problemas no están relacionados con la relación que mantiene con su hermano gemelo, León, que tiene el síndrome de Down. Podría abandonarlo, pero ha aceptado que lo que le ocurre realmente es que está bajo la influencia de poderes que no conoce y que no identifica bien, que tejen a su alrededor como una araña una cárcel de insatisfacción personal.

A CONTRACORRIENTE FILMS retrasa el estreno en cines de MUSEO HERMITAGE: EL PODER DEL ARTE al 16 de abril, estreno previamente previsto para el 5 de marzo.

La película documental, distribuida en más de 50 países, tuvo su première española en el BCN Film Fest. Una película que permite conocer la dimensión del Hermitage ahora que la apertura de un satélite en Barcelona es motivo de debate. El reconocido actor 3 veces ganador del Premio EFA y 4 veces ganador del Premio David di Donatello Toni Servillo es el guía en este viaje, permitiéndonos respirar la esencia y el espíritu báltico de estos lugares, presentándonos la belleza del Hermitage y de la ciudad de San Petersburgo.

MUSEO HERMITAGE: EL PODER DEL ARTE está dirigida por Michele Mally basada en una idea original de Didi Gnocchi, siendo además coguionista junto a Giovanni Piscaglia. La película documental se hizo con la plena colaboración del Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo y su director Mijaíl Piotrovsky, para contar la historia del museo de una manera nueva y emocionante, a través de los siglos de historia rusa y los eventos culturales que llevaron al desarrollo de sus colecciones en el corazón de la ciudad. Un documental cinematográfico dedicado a San Petersburgo, a su Museo y a la historia de muchas personas que vivieron allí durante siglos rodeados de arte, literatura, música y poesía.

Dedicado a este emblemático y extraordinario lugar, “Museo Hermitage: El poder del Arte” es una producción original de 3D Produzioni y Nexo Digital, en colaboración con Villaggio Globale International y Sky Arte, patrocinada por Ermitage Italia, con el apoyo de Intesa Sanpaolo.

A CONTRACORRIENTE FILMS estrenará MUSEO HERMITAGE: EL PODER DEL ARTE el 16 de abril.

AYEDA CULTURA nos informa de que “Visión Nocturna” llega a las salas españolas para cuestionarse: ¿Cuándo termina una violación?

Tras su paso por el Festival de Cine de San Sebastián, la película de la chilena Carolina Moscoso se estrena el 19 de marzo, en nuestras salas.

Cual preámbulo, nos dice Carolina Moscoso que “Visión Nocturna” contiene tres tipos de luces: una que encandila, una oscura que no deja ver y otra en penumbra. Y es que la cineasta chilena ensambla el diario de una violación, la propia, pensado en primera instancia en la duración de la misma, es decir, en una violación no sólo como un acto brutal conciso, sino como el principio de un proceso físico, emocional, legal y judicial terrible. Moscoso acompaña este planteamiento con imágenes producidas desde el afecto y la incertidumbre, haciéndonos parte de su entorno íntimo, para preguntarse finalmente qué es una violación.

Tras haber sido premiada por el jurado en el Festival Internacional de Cine de Valdivia 2019, recibir el Gran Premio de la Competencia Internacional, máximo galardón, del FID Marseille 2020 y haber cosechado múltiples alabanzas durante la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, donde competía en la sección Horizontes Latinos, el 19 de marzo la distribuidora Vitrine Filmes estrena en España este documental tan personal. La película ha sido presentada también en el Montreal International Documentary Festival 2020 (RIDM), la Mostra de Films de Dones y en la Muestra de Cine de Lanzarote, donde recibió la Mención Especial del Jurado.

SINOPSIS: A ocho años de haber sido violada en una playa cercana a Santiago, una joven cineasta arma con decenas de vídeos-diario un caleidoscopio en el que aparecen las heridas del abuso, los re-victimizantes procesos judiciales y la amistad que la acompaña. En ese viaje se desprende la pregunta: ¿Qué es en realidad una violación y cuándo termina?

SOBRE LA DIRECTORA

Carolina Moscoso (Santiago de Chile, 1986) es directora y montadora de cine y televisión. Estudió en la Universidad de Chile y cursó el Máster en Documental de Creación de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Ha trabajado como directora y montadora en proyectos de animación, videoclips, teatro y audiovisuales. Visión nocturna es su primer largometraje y obtuvo en el pasado Festival de Marsella el Gran Premio a la Mejor Película de la Competición Internacional. Carolina Moscoso desarrolla actualmente su próxima película, Nunca seré policía, y trabaja en el montaje de Históricas, dirigido por Javiera Court y Grace Lazcano.

SEARCHLIGHT PICTURES CONFIRMA LOS PLANES PARA EL LANZAMIENTO DE NOMADLAND, LA GALARDONADA PELÍCULA DE CHLOÉ ZHAO, EN ESPAÑA.

Searchlight Pictures anunció el próximo lanzamiento en nuestro país de Nomadland, la aclamada película de Chloé Zhao, ganadora de los Globos de Oro a la Mejor Película (Drama) y a Mejor Dirección, así como del León de Oro a la Mejor Película del Festival Internacional de Cine de Venecia y del Premio del Público del Festival Internacional de Cine de Toronto.

Nomadland estará disponible para su exhibición en salas de cine el 26 de marzo y a partir del 30 de abril podrá verse en Disney+, dentro de su nueva oferta generalista Star, sin coste adicional.

Nomadland está protagonizada por Frances McDormand, ganadora de dos Premios de la Academia (Fargo; Tres anuncios en las afueras), por el actor nominado al Oscar David Strathairn (Buenas noches, y buena suerte) y por los actores de la vida real Swankie, Bob Wells y Linda May, que aparecían en el aclamado libro de Jessica Bruder, que Zhao ha adaptado para la gran pantalla.  Nomadland cuenta la historia de Fern (McDormand) que, tras el cierre de una explotación minera que arruina a todo un pueblo de Nevada, hace las maletas y a bordo de su camioneta se embarca en un viaje que se sale de los caminos trillados y de los arquetipos de la sociedad consumista actual. Y en ese periplo, Fern se va a convertir en una nómada moderna. La película está producida por McDormand (Oliva Kitteridge), Peter Spears (Call Me by Your Name), Dan Janvey (Bestias del sur salvaje), Mollye Asher (The Rider) y Zhao (The Rider). Zhao también se ha encargado del montaje de la película, con Joshua James Richards (Tierra de Dios) como director de fotografía y diseñador de producción, y con el equipo de sonido de M. Wolf Snyder (The Rider), Sergio Díaz (Roma) y Zach Seivers (Assassins).

Nomadland ha recibido numerosos premios desde su estreno mundial en septiembre de 2020, y recientemente arrasó en los Globos de Oro con premios a la Mejor Película (Drama) y a Mejor Dirección para Chloé Zhao. Otros galardones incluyen el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Toronto de este año y el León de Oro a la Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Venecia en la edición de este año.  Además, Nomadland recibió el premio a la Película del Año que concede la Asociación de Críticos de Cine de Londres donde Chloé Zhao fue elegida Guionista del Año y Frances McDormand Actriz del Año. La película también ganó el premio a la Mejor Película Internacional Independiente en los Premios del Cine Independiente Británico. Zhao fue elegida Mejor Director por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, la Asociación de Críticos de Cine de Chicago, la Sociedad de Críticos de Cine de Boston, la Asociación de Críticos de Cine Online de Boston, la Asociación de Periodistas de Cine de Indiana y los Critics Polls para IndieWire de 2020. Nomadland recibió 2 premios IFP Gotham incluyendo el de Mejor Película y el Premio del Público 2020 y ganó el codiciado Golden Frog a la Cinematografía en el Festival Internacional de Cine del Arte de la Cinematografía Camerimage de 2020. La película también se presentó en el Festival de San Sebastián fuera de competición.

Sobre STAR en Disney+

Star, la nueva marca de entretenimiento general, se lanzó en Disney+ el 23 de febrero. Star ofrece a los clientes un mundo nuevo y en constante crecimiento de series de televisión, películas y originales y debuta con más de 75 series de televisión, más de 280 películas y una lista de 4 Star Originals exclusivos. Cada mes se sumarán nuevos títulos al servicio provenientes de los estudios creativos de Disney como Disney Television Studios (20th Television y ABC Signature), FX Productions, 20th Century Studios y más.

Sobre Searchlight Pictures

Searchlight Pictures es una compañía especializada en cine que financia y adquiere películas que se estrenan tanto en las salas de cine como en streaming. Lleva a cabo sus propias operaciones de marketing y distribución, y es parte de The Walt Disney Studios, una división de The Walt Disney Company. Fundada en 1994 con el nombre de Fox Searchlight Pictures, los títulos de la compañía han recaudado más de 5.000 millones de dólares en todo el mundo, acumulando 26 Globos de oro, 45 BAFTA y 40 Premios de la Academia®, que incluyen cuatro ganadores a la Mejor Película desde 2009: Slumdog Millionaire, 12 años de esclavitud, Birdman o (La Inesperada Virtud de la Ignorancia) y La forma del agua. Entre los próximos estrenos figuran Nomadland de Chloé Zhao, Antlers: Criatura oscura de Scott Cooper, La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun) de Wes Anderson, The Eyes of Tammy Faye de Michael Showalter, Next Goal Wins de Taika Waititi, The Night House de David Bruckner y Nightmare Alley de Guillermo del Toro. La compañía tiene una división de televisión y streaming, Searchlight Television, que desarrolla y financia series, series limitadas y películas para socios de plataformas de streaming, cadenas de televisión y por cable.

Sobre Disney+

Disney+ es el servicio de streaming que incluye películas y programas de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars, National Geographic, así como Star, la nueva marca de contenidos de entretenimiento general que estará disponible en ciertos mercados internacionales. Disney+ forma parte de la división Media and Entertainment Distribution de Disney y está disponible en casi todos los dispositivos conectados a Internet. Ofrece una programación sin publicidad, con una extensa variedad de largometrajes, documentales, series animadas y de acción real, y cortometrajes originales. Además de un acceso sin precedentes al increíble catálogo de cine y televisión de Disney, la nueva plataforma ofrecerá en streaming los últimos estrenos de The Walt Disney Studios.

MADAVENUE PR COMMUNICATIONS y ALFA PICTURES nos informan que “DETECTIVE CONAN: LA BALA ESCARLATA”. Una película de Chika Nagaoka, llega a España sólo una semana después de su esperado estreno en Japón,  el 23 de Abril a los cines.

El próximo 23 de abril, ALFA PICTURES estrena la película de animación DETECTIVE CONAN: LA BALA ESCARLATA, dirigida por la joven cineasta japonesa Chika Nagaoka (Detective Conan: El puño de zafiro azul).

Es la 24ª aventura del personaje el “Detective Conan” en el cine y la tercera que se estrena en España tras el éxito de público de Detective Conan: El Caso Zero en 2018 y Detective Conan: El puño de zafiro azul en 2019.

En esta ocasión, la nueva aventura del Detective Conan, DETECTIVE CONAN: LA BALA ESCARLATA, llega a España sólo una semana después de su esperado estreno en cines en Japón y en 21 países más entre los que se encuentran Taiwán, Hong Kong, Corea del Sur, Vietnam, Alemania, Austria y Francia.

En 2019, la anterior película de la saga, Detective Conan: El puño de zafiro azul se convirtió en la película más vista de la franquicia en Japón, superando los 7 millones de espectadores y recaudando 87 millones de dólares en el país. 

SINOPSIS: Van a celebrarse los juegos Olímpicos en Japón, un evento deportivo que se hace una vez cada cuatro años. Durante este evento se sacará a la luz el primer tren de vacío, capaz de llegar a los 1000km/h. Pero, durante la celebración de este evento ocurre un secuestro en masa, dejando a Conan solo. Decidido a salvar a sus amigos y a su querida Ran, este pedirá ayuda a Akai. Por alguna razón, lo que está ocurriendo recuerda a un accidente acontecido hace 15 años en Boston durante el mismo evento deportivo, y que también involucró al FBI. ¿Qué está pasando? ¿Podrá Conan descubrirlo antes de que el tren pueda causar un accidente catastrófico el día de su inauguración?

DETECTIVE CONAN: LA BALA ESCARLATA es la película número 24 de la franquicia “Detective Conan” (personaje creado por Gosho Aoyama)  que se inició el año 1997 con Detective conan: El rascacielos del tiempo, después de convertirse en un manga superventas el año 1994 y en una serie de culto (que cuenta con más de 860 episodios y sigue en emisión), en 1996. 

La saga de “Detective Conan” se centra en la historia Shinichi Kudo, un famoso detective que es envenenado por unos hombres vestidos de negro y en vez de morir, es condenado a tener permanentemente el aspecto de un niño de 7 años. Tras ese suceso, Shinichi cambia su nombre a Conan Edogawa para proteger a los suyos y se dedica a encontrar pruebas para detener a la organización que le ha envenenado y a hallar una cura para volver a su tamaño natural. “Detective Conan” es uno de los manga más vendidos de la historia, con más de 200 millones de ejemplares vendidos. 

En España, la serie anime y diversas películas de la saga se han emitido en diferentes canales autonómicos como TVG, Canal Sur 2, Cartoon Network y TV3, dónde sigue en emisión gracias a su prolongado éxito de audiencia.

ALFA PICTURES vuelve a confiar en el universo de este carismático personaje después de los buenos resultados obtenidos con Detective Conan: El Caso Zero en 2018 y Detective Conan: El puño de zafiro azul en 2019.

ALFA PICTURES ESTRENA DETECTIVE CONAN: LA BALA ESCARLATA EL PRÓXIMO 23 DE ABRIL EN CINES.

MADAVENUE PR COMMUNICATIONS y SELECTA VISIÓN, nos informan de que “DIGIMON ADVENTURE. LAST EVOLUTION KIZUNA” se estrenará el 31 de Marzo en cines.

En su versión en español, la película cuenta con el doblaje clásico de la serie.

DIGIMON ADVENTURE. LAST EVOLUTION KIZUNA se estrenará en cines el próximo 31 de marzo. El filme conmemora el 20º aniversario de la serie Digimon y supone la última aventura de sus protagonistas, Tai Yagami y Agumon.

La película está producida por el reputado estudio japonés Toei Animation. Entre las producciones del estudio se encuentran los éxitos televisivos que marcaron a toda una generación de telespectadores como son Sailor Moon, One Piece y Magical Doremi. Dirige la película Tomohisa Taguchi, conocido por dirigir la serie japonesa de anime Persona.

¿QUÉ ES DIGIMON?

El colectivo de Bandai, Akiyoshi Hongo, creó Digimon en 1997 a partir de una mascota virtual conocida como Digimon Virtual Pet basado en la marca Tamagotchi. En 1999 empezó la emisión de la serie anime Digimon Adventure, y rápidamente la popularidad de la franquicia aumentó exponencialmente entre jóvenes de todo el mundo. 

El argumento de la saga Digimon está basado en un mundo paralelo conocido como Mundo Digital, que está habitado por unas criaturas ficticias llamadas Digimon. Éstos son formas de vida artificial creadas a partir de bits y piezas perdidas de datos de ordenadores. Los Digimon son criados por humanos llamados “Tamers” para combatir a los villanos que amenazan con destruir el equilibrio del Mundo Digital.

La saga Digimon cuenta con varias películas y videojuegos en su haber, y actualmente, la serie anime sigue en emisión. DIGIMON ADVENTURE. LAST EVOLUTION KIZUNA representa la última historia de Tai, Agumon y sus amigos, cuyas aventuras comenzaron en 1999. Ahora, 20 años después, nos muestra el futuro y la vida adulta de los que fueron los primeros protagonistas de una saga que enganchó a miles de niños y adolescentes a principios del siglo XXI.

SINOPSIS: Han pasado 10 años desde que Tai y Agumon se conocieron y comenzaron su aventura en el mundo digital. Tai se ha convertido en universitario mientras que Matt y los otros han seguido sus propios caminos en la vida. Pero una serie de incidentes alrededor del mundo hace que los niños elegidos se reúnan de nuevo para combatir al causante: Eosmon. 

Durante la batalla, algo sale mal con las evoluciones de Agumon y los otros Digimones y sale a la luz una impactante verdad… Cuando un niño elegido se convierte en adulto, su Digimon deja de existir. 

Si no lucha, Tai perderá a sus amigos, pero si lo hace tendrá que despedirse de un compañero que pensaba que estaría siempre a su lado. ¿Cuál será la respuesta del vínculo entre Tai y Agumon ante este destino inevitable?

Harumi Fuuki es la encargada de la banda sonora de la película. Ha sido la persona más joven en recibir el premio a la mejor banda sonora por Waga Haha No Ki, dirigida por Masato Harada, en la 36ª edición de los Premios de la Academia Japonesa. En el mundo del anime, ha hecho la banda sonora de películas como Miss Hokusai de Keiichi Hara o la serie Piano Forest.

SELECTAVISIÓN ESTRENARÁ DIGIMON ADVENTURE. LAST EVOLUTION KIZUNA EL PRÓXIMO 31 DE MARZO EN CINES.