viernes, 2 de marzo de 2018

LA ÚLTIMA BANDERA: CRÍTICA DE CINE

           Richard Linklater dirige y adapta la novela de Darryl Ponicsan, "Last Flag Flying" y secuela de “El último deber” (1973)

          Es el año 2003 y el ex médico de la Marina, Larry Shepherd, conocido como “Doc” (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos y compañeros en la Guerra de Vietnam. Sal (Bryan Cranston) propietario de un bar y el reverendo Mueller (Laurence Fishburne) para que le acompañen en el entierro de su hijo, quien ha fallecido en la Guerra de Irak.

          Doc no desea que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, donde se encuentran enterrados todos los héroes caídos en batalla, sino que quiere darle sepultura al lado de la tumba de su esposa. Junto a sus dos amigos, emprenderán un viaje para trasladar el féretro, un viaje que supondrá mucho más que el encuentro después de 30 años, cuando sirvieron en la guerra de Vietnam. 

          Linklater dirige la secuela de “El último deber” que Hal Ashby dirigiera en 1973, con aplomo entre la comicidad y el drama. En un tono afable para una obra que destila resignación y pesar por un país que en ocasiones no es claro con su pueblo, cuando su pueblo lo da todo por su bandera.

        
 

Una adaptación de la novela de Darryl Ponicsan, para una historia aparentemente sencilla, donde los mantras citados por el coronel al saludar a los familiares ante el féretro del muerto en combate, resultan tediosos, sobreactuados y  fríos. Con diálogos enriquecedores a tres bandas, las de los tres compañeros que entre bromas tocarán temas serios y reflexivos; todo, tomando como escenario una parte de un país tan conformista en las apariencias, como rebelde en su interior. Un viaje más allá de lo aparente, de un encuentro con tintes nostálgicos, pues aun habiendo pasado tres décadas sin verse, los lazos que les unieron durante sus vidas en el ejército, no han desaparecido. Es la unidad de los hombres y el apoyo entre ellos, lo que les puede salvar la vida, cuando su país en realidad les envía a la muerte, sin razones evidentes, aunque sí por intereses que más tarde descubrirán, si logran liberar sus mentes. Siempre fieles a esa bandera que ondea en cada rincón del país, esa bandera que consideran les protege del enemigo y a la que siempre respetarán, obedeciendo e incluso sintiéndose orgullosos de morir por ella, bajo el cumplimiento del deber. ¿Qué deber? ¿Quién debe en realidad a quién?
          Steve Carell, Bryan Cranston y Laurence Fishburne, están simplemente magníficos y creíbles junto a sus personajes que exudan melancolía, tristeza y olvido, para ser el espectador el que se posicione y escuche sus comentarios, examinando cada mirada de complicidad, comprendiendo los comportamientos de ex soldados de un ejército en el que sirvieron y recuerdan, entre el horror vivido, como una experiencia de vida, que les marcaría para siempre.

        La fotografía de Shane F. Kelly se presenta como un personaje silencioso pero crítico, que presume y muestra entre excelentes planos, entre magníficas escenas, las imágenes que hablan más que las propias palabras. Los encuadres, el color, los detalles sencillos que no pasan inadvertidos en la gran pantalla. Fotografía que una vez más se alía a la banda sonora, a través de la partitura y batuta de Graham Reynolds para juntos acompañar a sus tres personajes y a los espectadores, hasta el final.

          Recomendable para un público adulto.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Marzo.

      
    REPARTO: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson, Richard Robichaux, Dontez James, Jerry Lee Tucker, Kate Easton.

          PRODUCTORA: Amazon Studios/ Big Indie Pictures/ Detour Filmproduction.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

jueves, 1 de marzo de 2018

HÉROES EN EL INFIERNO: CRÍTICA DE CINE

            Joseph Kosinski (Oblivion) dirige Héroes en el infierno. Un drama basado en hechos reales, sobre esos  héroes con mayúsculas que salvan vidas y nuestros montes, exponiendo las suyas.

            Los Hotshots son una cuadrilla de bomberos que combaten el fuego con el fuego, ocasionando quemas controladas para que las llamas no avancen, apoyándose en los cortafuegos de zanjas y tala de árboles.

          Eric Marsh (Josh Brolin) es el jefe de una cuadrilla en Arizona, casado con Amanda (Jennifer Connelly) y  que aspiran a obtener el título de Hotshots para pasar a primera línea y no ser un simple grupo de apoyo.

          Por otra parte, conoceremos a Brendan McDonough (Donut) (Miller Teller) un joven con serios problemas de drogas y bebida, que al recibir la noticia de que va a tener un hijo de una relación esporádica, decide cambiar y meterse en el cuerpo, para ayudar a la manutención del bebé.  Brendan es totalmente sincero ante las preguntas sobre sus antecedentes, lo que convence a Eric y lo apoya.
             Kosinski plasma en la pantalla el drama vivido por 19 hombres del cuerpo de bomberos Granite Mountain Hotshots, quienes se enfrentaron al catastrófico incendio que sufrió Prescott en  Arizona en el año 2013 y en el cual perdieron sus vidas. Una película que algunos pueden tachar de previsible, pero desde luego no menos que otras basadas en hechos reales, y es que cuando la realidad es presentada en la gran pantalla, con diferencia a la ficticia, será la narración de la misma y su desarrollo, lo que cobrará importancia.

          Sin la menor duda, Kosinski con guion de  Ken Nolan y Eric Warren Singer, es lo que logra. Nos ofrece la vida de estos hombres, desde el lado menos conocido, el humano, y por supuesto,  el de la responsabilidad en su duro trabajo. Sus hogares, en los cuales se forjan otras “heroínas”, las mujeres. Los miedos que surgen al formar un hogar o enfrentarse a tener hijos. La búsqueda del reconocimiento al trabajo bien hecho, por parte de sus jefes y no ser considerados bomberos de segunda. El perseguir un sueldo digno al esfuerzo y peligrosidad. Una lucha constante, que no siempre es la de estar frente al fuego.

          Creo que ya he comentado alguna vez que no soy muy seguidor de las películas de catástrofes, en parte porque hubo unas décadas que nos saturaron y  porque todas parecen cortadas por el mismo patrón, muchos efectos especiales y poca historia que contar; pero sin duda, héroes en el infierno, se aleja de ese encasillamiento, contando además, con unas magníficas interpretaciones corales y resultando visualmente fascinante y espectacular, bajo la atenta mirada del director de fotografía, Claudio Miranda. En cuanto a las notas de la banda sonora compuesta por  Joseph Trapanese, nos irá situando en los diferentes momentos de la historia, para de forma sigilosa adentrarnos en el drama y el desenlace, que aunque esperado…

          Mi nota es: 7,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Marzo.

          REPARTO: Josh Brolin, Miles Teller, Jeff Bridges, James Badge Dale, Taylor Kitsch, Jennifer Connelly, Andie MacDowell, Scott Haze, Ben Hardy, Alex Russel, Michael Love Toliver, San Quinn, Ryan Jason Cook, Isaac London, Brandon Bunch.

         
PRODUCTORA: Columbia Pictures/ Black Label Media/ Conde Nast Entertainment/ Di Bonaventura Pictures.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

miércoles, 28 de febrero de 2018

FOXTROT: CRÍTICA DE CINE

          El israelí Samuel Maoz, nos presenta su segundo largometraje “Foxtrot” narrado en dos escenarios muy diferentes, para un drama convincente y arriesgado.

          Dos miembros del servicio militar de Israel, comunican al matrimonio formado por Michael (Lior Ashkenazi) y Dafna (Sarah Adler) la muerte de su hijo  Jonathan (Jonathan Shiray) caído en combate. Ante la noticia ambos entran en shock. En Michael va creciendo la rabia y la impotencia, ante las excesivas muestras de luto de sus familiares y las palabras bienintencionadas de los burócratas del ejército, mientras que Dafna, permanece sedada.

          Tras estos instantes de drama angustioso, veremos un puesto de vigilancia en un paraje totalmente desértico. A un lado de la carretera contemplamos  un contenedor cuyo interior acoge varios camastros, a la otra parte una rústica garita y una barrera que cubre la estrecha carretera. Entre los soldados que están destinados en esa zona, se encuentra Jonathan, quien en realidad no ha muerto.
          Con guion propio, Samuel nos narra una historia desde dos puntos de vista muy distintos que provocarán el drama o el surrealismo mordaz, según el escenario presentado; y cómo el generar cambios de forma caprichosa, puede alterar la vida de los unos o los otros, con un resultado muy diferente a lo deseado.

          Un filme que retrata de manera directa la situación insostenible que asola a la sociedad israelí, a través de unas imágenes que si bien en apariencia pueden parecer sencillas, el efecto que provoca en nuestras retinas, es similar al de un disparo directo a la mente,  y es que Samuel sintetiza con suma maestría los diálogos para sumergirnos en imágenes impactantes y confirmar el dicho de que una imagen vale más que mil palabras, algo que Maoz conoce a la perfección, dando paso a otro profesional como Giora Bejach y su impecable y meticulosa fotografía, captando todo aquello que el espectador precisa y desea ver. La banda sonora de Ophir Leilovitch y Amit Poznansky, será otro de los elementos a tener en cuenta, en esta más que interesante obra. 
          He dejado para el final posiblemente lo mejor y eso son, las soberbias interpretaciones. El drama que vive y sufre Michael, Lior Ashkenazi, en ese calvario de las horas previas al entierro de su hijo y la impotencia de no saber qué hacer, pues le está hasta prohibido  ver el cuerpo de su hijo, calan profundamente en el espectador a través del impoluto lengua corporal, sus miradas y sus silencios. Un hijo, encarnado por Jonathan Shiray, viviendo la guerra de forma muy diferente a lo que tal vez soñó cuando se alistó, pero que cumple su cometido con disciplina junto a sus compañeros, donde sus preocupaciones son muy diferentes, a las del campo de batalla y Sarah Adler, interpretando a una Dafna, viviendo entre la realidad y la confusión que le provocan los sedantes inyectados al saber la noticia. Menciono a estos tres por ser los tres pilares de la obra, pero desde el primero al último de este elenco de actores, merecen su propio reconocimiento.

          Una obra tan arriesgada como necesaria, tan necesaria como peculiar, tan peculiar como vistosa y  la cual se podría resumir cuando Jonathan enseña a sus amigos como se baila el Foxtrot, un baile que des los pases  que des, te muevas como te muevas, siempre terminarás en el punto de partida.
           Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Marzo

          REPARTO: Lior Ashkenazi, Sarah Adler, Yonatan Shiray, Gefen Barkai, Dekel Adin, Shaul Amir, Italy Exlraad, Danny Isserles, Itamar Rotschild, Roi Miller, Arie Tcherner, Yehuda Almagor, Alma, Karin Ugowski
           PRODUCTORA: Coproducción Israel-Alemania-Francia.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Wanda Visión.
 

martes, 27 de febrero de 2018

ERREMENTERI (EL HERRERO Y EL DIABLO) CRÍTICA DE CINE

Errementeri (El herrero y el diablo) está dirigida por Paul Urkijo Alijo, en guion compartido con Asier Guerricaechevarría y con una producción donde se cuenta con  nombres muy importantes, entre ellos,  Alex de la Iglesia, de quien se nota una cierta influencia.

          La narración relata que durante la I Guerra Carlista un soldado, Patxi (Kandido Uranga) venció a los adversarios que se interponían en su camino y que ni las propias armas pudieron darle muerte. Un herrero que tras la guerra se refugiaría en un pueblo de Álava, en una herrería situada en lo más profundo del bosque.

          Han pasado 10 años y al bar del pueblo llega un hombre que se presenta como el comisario del gobierno, Alfredo (Ramón Agirre), preguntando por el herrero. Los habitantes del pueblo le relatan que es un hombre misterioso, que no sale de su finca la cual está rodeada de grandes cruces de madera por todos lados, incluso en sus ventanas y que tiempo atrás, hizo un pacto con el diablo, llevando a cabo grandes atrocidades como asesinatos o robos. Comentan que llegando la noche se escuchan  gritos que salen del interior de la casa.
           Un día una joven huérfana, Usue (Uma Bracaglia) consigue entrar en la finca del herrero, en busca de la cabeza de la muñeca que un chico del pueblo, le ha arrancado a su muñeca; al entrar en la casa se encuentra a un niño encerrado en una jaula de fuertes barrotes. ¿Qué está sucediendo en aquella herrería?  

          El primer detalle que llama la atención de este filme, es que está rodada en euskalki, una variante del euskera ya extinguido. El Arabarra (euskera alavés). Para hacer comprensible esta variedad lingüística, se contó con el apoyo del lingüista e investigador Koldo Zuezo, autor del libro “Arabako Euskara”.
         Urkijo ha decidido estrenarse en la dirección con una excéntrica fantasía vasca escrita por él mismo y basándose en un cuento mitológico conservado por la tradición oral. Un  encuentro entre un diablo y un herrero llevado al límite, hasta descender a los mismísimos infiernos. Las supersticiones y el folklore del pueblo, están tan fuertemente arraigadas en muchas mentes, que son capaces de ver lo que nunca ha sido visto.

          Errementeri posee una envolvente atmósfera creada por tres elementos principales, por un lado la magnífica dirección artística de Izaskun Urkijo, provocando en el espectador una sensación de extraño hipnotismo. La fantástica fotografía de Gorka Gómez Andreu, elevando el efecto claustrofóbico entre el suspense y la angustia que rodea esos espacios recargados y dotados de una iluminación correctísima. Para terminar, con la sobrecogedora banda sonora de Xabat Lertxundi y Pascal Gaigne. Cada nota enriquece aún más, esta cuidada  película.

       Pero Errementeri es mucho más, es el equipo coral actoral que posee, impecablemente vestidos por Nerea Torrijo y cuyas interpretaciones resultan totalmente creíbles, invitando al espectador a que se interne en su mundo y sus creencias.  Destaco sin la menor duda, a Kandido Uranga y a la jovencísima Uma Bracaglia. Una obra no acta para todos los públicos, pero sí para un público exigente y que disfrutará de cada escena plasmada en la gran pantalla.

            Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Marzo

          REPARTO: Eneko Sagardoy, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea, Gorka Aguinagalde, Urko Olazabal, Kandido Uranga, Almudena Cid, Ramón Agirre, Gotzon Sánchez, Zigor Bilbao, Uma Bracaglia, Maite Baston, Ander Pardo, José Ramón Argoitia, Iñigo de la Iglesia, Naia Garcia.

          PRODUCTORA: Kinoskopik. s.l., Pokeepsie Films/ Ikusgarri Films/ Gariza Prokzioak/ The Project/ Nadie es Perfecto/ Platanoboligrafo.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax

 

lunes, 26 de febrero de 2018

LA FORMA DEL AGUA: CRÍTICA DE CINE

La forma del agua, una obra imprescindible dirigida por Guillermo de Toro, con guion propio junto a Vanessa Taylor. Una película con alma propia, que impregna toda la sala desde sus primeras imágenes.

          La obra nos sitúa en 1963, en Estados Unidos, durante la Guerra Fría, la carrera militar y la espacial, en dos escenarios principales como son el edificio donde vive Elisa (Sally Hawkins) y un laboratorio secreto dentro de unas instalaciones de alta seguridad del gobierno.

          Elisa es muda, pero no sorda, trabaja en el laboratorio como mujer de la limpieza, junto a otras compañeras, entre ellas Zelda (Octavia Spencer), la única que parece comprenderla y quien habla sin cesar durante las horas de trabajo. Un día el coronel Richard Strickland (Michael Shannon) trae a las instalaciones un ser que ha encontrado en una zona de Sudamérica, un hombre anfibio (Doug Jones), para ser estudiado. Desde el momento en que Elisa descubre a la criatura, surgirá una atracción especial hacia él.

          Guillermo del Toro nos vuelve a sumergir, y nunca mejor empleada en esta ocasión la palabra sumergir, en un nuevo cuento, una historia entre el  romanticismo con mayúsculas y algunas referencias a películas de monstruos como "La Cosa del pantano"; pero con su firma indiscutible y como tributo al arte que él tanto ama. El cine.
          Una obra donde la tristeza acompaña a la ensoñación, a la soledad, al silencio, al miedo a envejecer, a la homofobia, al acoso en el trabajo, al racismo, al ser diferente, a la soberbia, al despotismo, a la esperanza, a la amistad… pero sobre todo, al amor. La forma del agua es un canto al amor, a ese amor soñado o añorado, a ese amor protector, a ese amor deseado, a ese amor de verdad y nada ñoño. A ese amor con mayúsculas.  Una obra bellamente narrada, dejando brotar los sentimientos más puros sin ningún rubor y donde la tristeza que flota en el ambiente, es abrazada por el humor negro que despierta sonrisas y algunas carcajadas. 

          Del Toro ha creado una pieza que respira clasicismo, partiendo de la dirección artística a cargo de Nigel Churcher, para transportarnos a los años 60, en ese ambiente retro de películas de otros tiempos, incluso en la visión que se tenía, sobre el futuro. Es sin duda un maestro de lo visual, como ha demostrado con obras como “El laberinto del Fauno” o la reciente “La cumbre escarlata” y sabe dotar a las imágenes de lo que las palabras no dicen o no deben pronunciar; para ello se apoya en la fotografía de Dan Taustsen, con quien ya trabajó en su anterior película y en la soberbia banda sonora del maestro, Alexandre Desplat.

          Un filme, que si bien toda la puesta en escena está medida al milímetro, cada decorado, cada plano meticulosamente iluminado, cada rincón visualizado, cada escena, donde todo tiene importancia, desde aquello que se ve en primer plano a lo que está tras él, sin olvidar los efectos de sonido; la fuerza de esta obra radica, en el espectacular casting actoral que posee. Sally Hawkins y Octavia Spencer están impresionantes. Richard Jenkins en un papel con múltiples capas, todas interesantes por descubrir. Doug Jones es el hombre anfibio, más humano que los propios, que no olvidaremos tan fácilmente; pero tal vez, quien más impacta, por la dureza de su personaje, por lo despreciable y engreído que resulta, será:  Michael Shannon.

          Guillermo del Toro ha firmado una obra que estoy más que seguro que dentro de unos años, sus múltiples lecturas serán más reconocibles, sobre todo,  si el ser humano no recupera su humanidad y se sigue dejando arrastrar por un futuro incierto. Considero a La forma del agua, una de esas obras maestras, con las que Hollywood tanto disfruta y venera a partes iguales, con los cinéfilos.

          Mi nota es: 9

          ESTRENO en ESPAÑA: 16 de febrero.

       
  REPARTO: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever, Maxime Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill.

          PRODUCTORA: Bull Productions/ Fox Searchlight.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Twentieth Century Fox España.2017: Críticos de Los Angeles: Mejor director, actriz (Hawkins) y fotografía2017: Satellite Awards: 10 nominaciones incluyendo mejor película y director2017: Sindicato de Productores (PGA): Mejor película

domingo, 25 de febrero de 2018

AVANCE DE CINE: WINCHESTER

          La nueva película distribuida por Vértice Cine llegará a nuestras pantallas el 9 de marzo.

          Winchester está dirigida y escrita por los Hermanos Spierig (Predestination, Saw:Legacy) con la gran actriz Helen Mirren (La dama de oro, The Queen) quien se meterá en la piel de Sarah Winchester: la viuda y heredera de la fortuna del inventor del famoso rifle y… artífice de la famosa mansión que lleva su nombre.
            SINOPSIS

          A finales del siglo XIX, después de la trágica muerte de su marido y su hijo, Sarah construye una casa-fortaleza (la Mansión Winchester, conocida como la mansión más misteriosa del mundo) con un objetivo: mantener a raya a los espíritus de las personas fallecidas por un rifle Winchester, que, según dice, la visitan con demasiada frecuencia. Eric Price (Jason Clarke) llega allí con el objetivo de psicoanalizar a la señora Winchester, descubriendo que los fantasmas que la atormentan pueden no ser producto de su locura…

          CBS Films presenta WINCHESTER en asociación con Eclipse Pictures, presentada por Screen Australia en asociación con Screen Queensland y Film Victoria, producida por Blacklab Entertainment y Imagination Design Works, dirigida por los hermanos Spierig (Saw VIII, Predestination) y protagonizada por la ganadora del Premio de la Academia® Helen Mirren, Jason Clarke y Sarah Snook. La película está escrita por Tom Vaughan y los hermanos Spierig. Tim McGahan y Brett Tomberlin son los productores de la película. Los productores ejecutivos son Benedict Carver, Daniel Diamond, Tobin Armbrust y Michael Burton. El director de fotografía es Ben Nott ACS1. El diseñador de producción es Matthew Putland. El montaje de la película corresponde a Matt Villa ASE2. La diseñadora de vestuario es Wendy Cork. La música corresponde a Peter Spierig. El director de cásting es Leigh Pickford, de Maura Fay Casting. 

sábado, 24 de febrero de 2018

A CONTRACORRIENTE/FILMS y SHERLOCK FILMS EN LOS PREMIOS CÉSAR

La 43ª Edición de los Premios César se celebrarán el 2 de marzo y entre las películas candidatas, A Contracorriente Films y Sherlock Films nos informan que 5 de sus películas están nominadas en diferentes categorías:

C´EST LA VIE! 
10 nominaciones: Mejor película / Mejor Dirección/ Mejor Actor Protagonista: Jean-Pierre Bacri / Mejor Actor Revelación: Benjamín Lavernhe / Mejor Actriz Revelación: Eye Haïdara / Mejor Actor de Reparto: Gilles Lellouche / Mejor Actor de Reparto: Vicent Macaigne /  Mejor Guion Original / Mejor Montaje / Mejor Sonido.

BARBARA. ESTRENO en ESPAÑA 28 de Marzo:

9 Nominaciones: Mejor Película / Mejor Director / Mejor Actriz Protagonista: Jeanne Balibar / Mejor Guion Original / Mejor Fotografía / Mejor Sonido / Mejor Montaje / Mejor Vestuario / Mejor Dirección Artística.

CARAS Y LUGARES. ESTRENO en ESPAÑA 25 de Mayo:

2 Nominaciones: Mejor Película Documental / Mejor Música Original.

ALGO CELOSA. ESTRENO en ESPAÑA 1 de Junio:

1 Nominación: Mejor Actriz Protagonista: Karin Viard.
EL MALVADO ZORRO FEROZ. ESTRENO en ESPAÑA 6 de Abril

1 Nominación: Mejor Largometraje de Animación.