LAZZARO FELIZ: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Francia y Alemania, Lazzaro Feliz, cuenta con guion y dirección de la directora italiana Alice Rohrwacher. Una historia de las de antes, narrada en nuestro tiempo.

Lazzaro (Adriano Tardiolo) es un joven campesino que desprende una bondad inusitada. Vive apartado y solo, entre unas rocas, en la aldea llamada Inviolata, totalmente alejada del mundo civilizado. Lazzaro, baja cada día al pueblo, siendo el nombre que más se escuchará en cada rincón de la aldea, pues todo el mundo solicita de su ayuda, obedeciendo con total sumisión.

Un día Lazzaro se encuentra con Tancredi (Luca Chikovani), hijo de la marquesa Alfonsina de la luna (Nicoletta Braschi) quien está cansado de la explotación con que su madre somete a todo el pueblo, pues trabajan sus tierras gratis para ella.  Tancredi sube con Lazzaro hasta su cobertizo y decide organizar su propio secuestro, pidiendo ayuda a Lazzaro, que como es innato en él, no se niega. Entre ambos se forjará una gran amistad.  

De entrada el nombre de la aldea, nos deja claro que el lugar conserva su integridad y pureza, algo que descubriremos a lo largo del metraje a través de  los abruptos paisajes y  sus personajes; al menos entre los campesinos, no así en la burguesía, que controla el lugar. Una obra que se podría clasificar como extravagante, pues nos cuesta entender el comportamiento de sus personajes, aunque algunos de ellos sean simbólicos, como es el caso de su protagonista Lazzaro y las fuertes connotaciones a la religión católica, percibiéndose claras referencias bíblicas a lo largo del metraje. Una obra diferenciada en dos partes, que no desvelaré, para no descubrir parte de la narración.

Una película con carácter y aroma a cine del siglo pasado, de esas obras con fuerte crítica social, disfrazada de drama rural y donde el espectador disfrutará leyendo entre líneas, así como de algunas frases lapidarias. Nos trae recuerdos de maestros como Pasolini o el mismísimo Buñuel, con el desfile de esos personajes tan característicos en sus obras, entre lo rural, la incultura, los señoritos, la esclavitud, la picaresca y la astucia para sobrevivir, en unos tiempos donde la hambruna pululaba por cada esquina y nadie deseaba caer en sus garras. Personajes egoístas, posesivos, perversos y faltos de toda ética en contrate con la bondad absoluta y el sometimiento voluntario. Sin olvidarnos de  la falta de identidad.

Los claros simbolismos del campo y la unidad de  sus habitantes apoyándose los unos a los otros, frente al  duro impacto que se produce en la ciudad, ante el individualismo y los temores, golpeando con dureza a quien es diferente; el "don"  que la directora otorga a Lazzaro y la poética alegoría con el lobo, serán algunas de las parábolas  que desfilarán por esta obra.

Una magnífica dirección de actores por parte de  Alice Rohrwacher, para unas fantásticas interpretaciones, con un Adriano Tardiolo, en total estado de gracia, al igual que la correcta Alba Rohwacher, con su personaje de Antonia.

Uno de esos filmes que se me antojan hechizantes, absorbentes, demoledores, tristes y alegres por igual, donde el todo, te va atrapando.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO en ESPAÑA: 9 de Noviembre

REPARTO: Adriano Tardiolo, Alba Rohwacher, Agnese Graziani, Luca Chikovani, Sergi López, Natalino Balasso, Tommaso Ragno, Nicoletta Braschi y Leonardo Nigro

PRODUCTORA: Tempesta// Amka Films Productions// Ad Vitam Production.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

BURNING: CRÍTICA DE CINE

Lee Chang-Dong, director de la fabulosa “Poesía” 2010, nos ofrece Burning, con guion compartido con Jungmi Oh y basándose en la historia de Haruki Marakami.

Jongsu (Ah - In Yoo) es un repartidor de mercancías. Una mañana al entrar en un gran centro comercial, una chica le saluda, Haemi (Joug-seo Jun) y al salir le entrega un boleto para un sorteo. Sorteo en el que gana un reloj de chica que le regalará a Haemi. Durante una conversación ella le comenta que se han criado en el mismo barrio. Él no la reconoce y ella le tranquiliza argumentando que es normal, que se ha hecho la cirugía estética.  Haemi le pide un favor, que cuide de su gata, mientras ella realiza un viaje a África; él acepta, pues se siente atraído por ella.

Pasados unos días, Haemi llama a Jongsu para que vaya al aeropuerto a recogerla, pues ya está de vuelta de vacaciones. Tras saludarse, Haemi, le presenta a un compañero de viaje, Ben (Steven Yeun),  un joven millonario    que  conduce un Porsche y vive en un piso de lujo.

El surcoreano Lee Chang-Dong, nos expone a un extraño ejercicio de suspense y terror psicológico; entre el amor, la soledad, la libertad sexual, los celos, la agresividad, las familias separadas, la falta de trabajo, las críticas sociales y políticas, las obsesiones, la riqueza, el poder, las frustraciones y las venganzas, entre algunas de las múltiples lecturas que nos podemos encontrar a lo largo de sus 148 minutos de metraje.  Todo tejido con meticulosidad en torno a  un triángulo  que navega entre la amistad, el deseo y la intriga. ¿Quién es quién y cuáles son las cartas a jugar con el destino?

Es propio, salvo algunas excepciones, que el cine oriental se caracterice más por lo que muestra que por lo que dice, aunque hay que saber captar al vuelo algunas frases para poder hilar fino y no quedarse fuera de la historia. Una narración de una gran fuerza visual y sensitiva, donde Ben, uno de los protagonistas, invita a Jongsu que perciba su corazón golpear como un tambor, en el interior de su pecho. Una clara referencia a que esa sensación, le hará sentirse vivo, excitado... alerta. Una obra perversamente erótica, maliciosamente maquinada, visualmente potente y angustiosamente excesiva, en sus largos silencios y tiempos.

Interpretaciones celosamente coreografiadas hasta en las carreras a las que se somete Jongsu buscando el invernadero que supuestamente va a quemar Ben, tras confesarle que tiene un vicio: quemar un invernadero abandonado cada dos meses y que ya es tiempo de quemar otro. Jongsu, no es consciente de que el invernadero no es físico, sino una metáfora en el gran  “juego” al que está siendo sometido. Los tres personajes están perfectamente interpretados, hasta el punto que duelen, desesperan, amas y odias.

Fotografía impecable, poética y triste a cargo de Kyung-Pyo Hong, entre pinceladas de intensas puestas de sol, reflejos sobre cristales de los personajes e incluso de objetos como la televisión, de noches de nieblas teñidas de azul y mañanas cargadas de colores. De contrastes entre la ciudad y el campo. La verdad entre mentiras no descubiertas. Entre la alegoría y  la realidad.

“-¿Puedo preguntarte qué haces para ganarte la vida?”… -“Por decirlo fácil, “juego””

         Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 19 de Octubre

         REPARTO: Yoo Ah – In Yoo, Steven Yeun, Jong-seo Jun y Gang Dong-Won

PRODUCTORA: Pine House Film/ NHK/ Now Films

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

KINGS: CRÍTICA DE CINE

La directora turco-francesa, Deniz Gamze Ergüven, escribe y dirige, “Kings” un drama basado en hechos reales sucedidos en el siglo pasado, concretamente en 1992.

Millie (Halle Berry) vive en el distrito de South Central, en la ciudad de Los Ángeles. Es una mujer divorciada a cargo de varios hijos, el mayor de ellos, Jesse (Lamar Johnson) la ayuda cuidando de sus hermanos, mientras ella se gana la vida vendiendo los bizcochos que fabrica en casa, además de otros trabajos domésticos.  Un distrito conflictivo en el cual la gran mayoría de sus residentes, son negros. Uno de los pocos blancos es Ollie (Daniel Craig) quien no tiene ningún reparo en ayudar a su vecina Millie.

Pero la normalidad, dentro de los conflictos y el caos propio del barrio, a lo que ya están acostumbrados, se complicará cuando el taxista negro Rodney King, es brutalmente apaleado por varios policías, paliza que fue grabada y presentada como prueba, pero aun así, los policías fueron absueltos. Dicha sentencia provocó el descontento entre los vecinos surgiendo disturbios, por toda la ciudad durante seis días.

El filme posee su Yin Yang. El Yin representaría a la parte  donde Deniz nos ofrece una obra que retrata perfectamente no solo la unidad y el desorden familiar en que se centra la obra, sino los personajes que forman el núcleo social en el cual tendrán lugar los acontecimientos, y el Yang, el dispersarse creando demasiadas tramas que luego no sabe resolver y deja a la mejor de las suertes, incluso en su cierre, haciendo dudar por unos segundos al espectador si ha terminado o no, tras el brusco fundido en negro.

Por el contrario, Deniz cuida muy bien la dirección de actores. Todos ejecutan a la perfección su cometido, desde los exasperantes niños con sus gritos, juegos y hasta esa visión inocente del peligro presente, que ellos viven como una diversión; llegando a las tres impecables interpretaciones. Mencionaré en primer lugar a Halle Berry, encarnando a Millie, la madre coraje, luchadora y dispuesta a todo no solo por su familia, sino por lo que considera justo. Una interpretación tan creíble que traspasa la pantalla. Daniel Craig, que a mi juicio está poco aprovechado. Su personaje daría para mucho más y más, cuando él lo dota de una personalidad tan auténtica y sincera, se le disfruta durante los minutos en que está en escena y terminaré con Lamar Johnson, personificando la calma entre tanto caos, el casi mutismo entre tantos gritos y  la resignación ante tanta rebeldía.

El que Kings pase como una película más en la cartelera, pudiendo haber sido un gran filme, radica principalmente en lo ya mencionado: El guion. Un guion en el cual se pierde parte  del alma de la historia, creando cierta confusión.  

Aun así, tras todo lo dicho, es una de esas películas  que se deja ver y entretiene, sobre todo por las cuidadas interpretaciones,  por el dolor que destila, la rabia contenida y la ansiedad y frustración que provocan las escenas de violencia, en contrate con el deseo de vivir en paz y progresar. Una obra donde la fotografía de David Chizallet y la música de Nick Cave y Warren Ellis, logran sobradamente sus objetivos.

pienso que esta película ha podido levantar ampollas en una ciudad que desea mostrarse con ese aire de modernidad, de progreso, de grandes convenciones, de alfombras rojas y  focos cegadores, cuando en realidad tiene ese espacio olvidado y latente, que procura ocultar, pero que permanece vivo. No es todo oro lo que reluce, en la ciudad de las estrellas.

Mi nota es: 6

ESTRENO en ESPAÑA: 31 de Agosto

REPARTO: Halle Berry,  Daniel Craig, Lamar Johnson, Issac Ryan Brown, Rick Ravanello, Kirk Baltz, Reece Cody, Douglas Spain, , Richie Stephens, Charlotte Ubben, Rachel Hilson, Heidi Levitt, Lorenz Arnell, Quartay Denaya y Eric Watson.

PRODUCTORA: Bliss Media/CG Cinéma/ Maven Pictures.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

WHITNEY: CRÍTICA DE CINE

          Kevin Macdonald dirige el impecable documental, WHITNEY, con testimonios que hacen comprender aún más su muerte prematura, entre sus magníficas canciones.

          Whitney se crió en un ambiente muy familiar y cristiano, su madre Cissy Houston y primas: Dionne Warwick y Dee Dee Warwick cantaban en el coro góspel de la Iglesia de New Hope Bautista de Newark y pronto lo haría ella en el coro infantil. Sería su madre, Cissy, como ella misma comenta durante el documental, quien no solo era consciente del potencial que se escondía en la voz de su hija, sino que supo elegir el instante preciso para su presentación.

          Cissy Houston, era una famosa cantante de soul y unos días antes de uno de sus conciertos en los que su hija la acompañaba, fingió estar enferma. Le pidió entonces que la sustituyera y Whitney no dudó en complacer a su madre. Ese día el nombre de Whitney corrió de boca en boca, así como  el descubrimiento por parte del presidente de Arista Records, Clive Davis.

          Aunque toda la familia eran cristianos bautistas, su madre la internó en un instituto católico, escudándose en que era la única forma de protegerla, pues la zona en la que vivían, no gozaba precisamente de buena fama.

          Kevin Macdonald, en su corta filmografía, cuenta con un gran número de premios, incluyendo el Óscar al mejor cortometraje documental por “One Day in September” donde trató el asesinato de los atletas israelíes en los JJ.OO. de Múnich.

          Queda clara la admiración y respeto de Kevin hacia el gran icono que fue y es Whitney Houston, pues permanecerá siempre viva mientras sus canciones resuenen a través del tiempo, por la calidad de sus interpretaciones y su inigualable voz. Su debut fue en 1985 con “Whitney Houston” con tan solo 22 años, subiendo como la espuma en las listas de éxito. Un ascenso meteórico para un descenso no deseado. Además fue compositora, productora, empresaria, modelo y actriz. Creo que  nadie puede olvidar la romántica película interpretada junto a Kevin Constner y dirigida por Mick Jackson. “El guardaespaldas”.

          Una obra narrada con gran sensibilidad, desde su niñez hasta su fallecimiento. Pasaremos por su infancia en familia, el amor que su madre le profesó en contraste con la avaricia impensable de su padre, el apoyo de la distribuidora y el cariño del público, la sexualidad que desbordaba y el amor y ruptura que vivió junto a Bobby Brown, con quien tuvo una hija Bobbi Kristina Brown, hasta llegar a sus constantes recaídas en las drogas. 

          Un filme honesto, sincero y que no oculta ningún secreto. Todo lo expone sin tapujos, pero con respeto, hasta el punto de considerarse el documental oficial, pues su familia, además de intervenir parte de ellos contestando a las preguntas realizadas, están complacidos con el resultado; incluso el propio Bobby Brown, habla de su vida junto a ella, como una etapa maravillosa.

          Uno de los males que en algunas ocasiones persigue a los documentales, es que se hagan pesados y Kevin Macdonald lo tiene muy claro. Dota a la obra de una gran agilidad a través de un fantástico montaje, apoyándose en la gran documentación entre fotografías, vídeos familiares, actuaciones nunca vistas y el gran testimonio, como he comentado de familiares, amigos, productores y colaboradores, que rinden un merecidísimo homenaje a la gran cantante pop. Una voz que escuchada en los cines, mientras se proyectan las imágenes, aun estremece.      

          Una obra imprescindible para todo amante a la música y el justo reconocimiento a una gran mujer, convertida en estrella en el firmamento.

         

 

 

           ESTRENO en ESPAÑA: 6 de Julio

          REPARTO: Whitney Houston, amigos, familiares y otros.

          PRODUCTORA: Lightbox

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

¡CÁSATE CONMIGO! POR FAVOR: CRÍTICA DE CINE

        ¡Cásate conmigo! Por favor es la ópera prima del actor y guionista Tarek Boudali, quien vuelve a trabajar junto a Philippe Lacheau, tras el éxito de “Alibi.com”.

          Yanisse (Tarek Boudali) es un joven marroquí con visado de estudiante de arquitectura en Francia y entre otras amistades, cuenta con la de Fred (Philippe Lacheau) un chico francés.

          La noche antes del examen que le otorgará el título, Yanisse acude a una fiesta y se emborracha, hasta el punto de perder el conocimiento y no  presentarse al examen. No quiere ser deportado a su país y mientras intenta ligar en una discoteca junto a su amigo Fred, conocerá a una pareja de lesbianas casadas, es cuando se le ocurre la idea de que su amigo se case con él, para evitar la deportación.

          El cine francés de los últimos tiempos, con mayor o menor acierto, está tocando temas que nos acerca la inmigración existente en el país. Películas tan diferentes como: “El taller de escritura” de Laurent Cantet,  “Con los brazos abiertos” de Philippe de Chauveron e incluso  “C´est la Vie” de Olivier Nakache y Eric Toledano, son algunos de los ejemplos. Ahora le toca al pueblo marroquí y su cultura, bajo el prisma de Tarek.

          Boudali se estrena tras las cámaras con una comedia disparatada que entretiene y hace esbozar sonrisas, aunque el guion que comparte con Nadia Lakhdar cuente con un gran número de clichés, sobre todo los relacionados con la homosexualidad, que a día de hoy quedan un tanto desfasados. Una obra bastante predecible, como suele suceder con la mayoría de las comedias, principalmente las llamadas de situación, pero eso es lo de menos.  El fin de toda comedia es lograr el entretenimiento y ¡Cásate conmigo! Por favor, lo logra.

          La familia, la pareja, el trabajo, los estudios, las tradiciones, la inmigración, el paro, el matrimonio de conveniencia que durante unos años estuvo en boga, serán algunos de los temas que esencialmente sus dos protagonistas principales, Tarek Boudali y Philippe Lacheau abordarán con gran acierto, observándose en ambos la complicidad que comparten y que ya pudimos ver en Alibi.com (Agencia de engaños). Una pareja de cómicos, que estoy seguro van a dar mucho que hablar, sobre todo si logran un guion bien estructurado.

          Siempre defiendo la gran importancia de las actuaciones de los secundarios, en ellos reside en gran parte, el éxito o fracaso de una obra. Sin el apoyo de los secundarios, los principales terminan por perder el norte, sobre todo si de una comedia se trata. En esta ocasión hay que felicitar tanto a la dirección de casting como a la dirección actoral, pues han logrado unas acertadas interpretaciones.

          Para terminar, mencionar la correcta fotografía por parte de Antoine Marteau y la entretenida banda sonora de los compositores Maxime Desprez y Michaël Tordjman.

          Mi nota es: 6,5

          ESTRENO en ESPAÑA: 29 de Junio

          REPARTO: Tarek Boudali, Philippe Lacheau, Charlotte Gabris, Andy Rowski, David Marsais, Julien Arruti, Baya Belal, Philippe Duquesne, Sissi Duparc, Charlie Vincent, Nadia Kounda, Doudou Masta, Manuel Blanch, Jonathan Louis.

          PRODUCTORA: Axel Films.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films España.

LA ÚLTIMA BANDERA: CRÍTICA DE CINE

           Richard Linklater dirige y adapta la novela de Darryl Ponicsan, "Last Flag Flying" y secuela de “El último deber” (1973)

          Es el año 2003 y el ex médico de la Marina, Larry Shepherd, conocido como “Doc” (Steve Carell) reúne a sus dos mejores amigos y compañeros en la Guerra de Vietnam. Sal (Bryan Cranston) propietario de un bar y el reverendo Mueller (Laurence Fishburne) para que le acompañen en el entierro de su hijo, quien ha fallecido en la Guerra de Irak.

          Doc no desea que el cuerpo de su hijo sea llevado al cementerio de Arlington, donde se encuentran enterrados todos los héroes caídos en batalla, sino que quiere darle sepultura al lado de la tumba de su esposa. Junto a sus dos amigos, emprenderán un viaje para trasladar el féretro, un viaje que supondrá mucho más que el encuentro después de 30 años, cuando sirvieron en la guerra de Vietnam. 

          Linklater dirige la secuela de “El último deber” que Hal Ashby dirigiera en 1973, con aplomo entre la comicidad y el drama. En un tono afable para una obra que destila resignación y pesar por un país que en ocasiones no es claro con su pueblo, cuando su pueblo lo da todo por su bandera.

        

 

Una adaptación de la novela de Darryl Ponicsan, para una historia aparentemente sencilla, donde los mantras citados por el coronel al saludar a los familiares ante el féretro del muerto en combate, resultan tediosos, sobreactuados y  fríos. Con diálogos enriquecedores a tres bandas, las de los tres compañeros que entre bromas tocarán temas serios y reflexivos; todo, tomando como escenario una parte de un país tan conformista en las apariencias, como rebelde en su interior. Un viaje más allá de lo aparente, de un encuentro con tintes nostálgicos, pues aun habiendo pasado tres décadas sin verse, los lazos que les unieron durante sus vidas en el ejército, no han desaparecido. Es la unidad de los hombres y el apoyo entre ellos, lo que les puede salvar la vida, cuando su país en realidad les envía a la muerte, sin razones evidentes, aunque sí por intereses que más tarde descubrirán, si logran liberar sus mentes. Siempre fieles a esa bandera que ondea en cada rincón del país, esa bandera que consideran les protege del enemigo y a la que siempre respetarán, obedeciendo e incluso sintiéndose orgullosos de morir por ella, bajo el cumplimiento del deber. ¿Qué deber? ¿Quién debe en realidad a quién?

          Steve Carell, Bryan Cranston y Laurence Fishburne, están simplemente magníficos y creíbles junto a sus personajes que exudan melancolía, tristeza y olvido, para ser el espectador el que se posicione y escuche sus comentarios, examinando cada mirada de complicidad, comprendiendo los comportamientos de ex soldados de un ejército en el que sirvieron y recuerdan, entre el horror vivido, como una experiencia de vida, que les marcaría para siempre.

        La fotografía de Shane F. Kelly se presenta como un personaje silencioso pero crítico, que presume y muestra entre excelentes planos, entre magníficas escenas, las imágenes que hablan más que las propias palabras. Los encuadres, el color, los detalles sencillos que no pasan inadvertidos en la gran pantalla. Fotografía que una vez más se alía a la banda sonora, a través de la partitura y batuta de Graham Reynolds para juntos acompañar a sus tres personajes y a los espectadores, hasta el final.

          Recomendable para un público adulto.

          Mi nota es: 8

          ESTRENO en ESPAÑA: 2 de Marzo.

      

    REPARTO: Steve Carell, Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J. Quinton Johnson, Richard Robichaux, Dontez James, Jerry Lee Tucker, Kate Easton.

          PRODUCTORA: Amazon Studios/ Big Indie Pictures/ Detour Filmproduction.

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Vértigo Films.

AVANCE: QUÉ FUE DE BRAD

          Vértice Cine presenta su nuevo films: Qué fue de  Brad (Brad´s Status) que se estrenará en las pantallas de nuestros cines el 5 de Enero de 2018.

          Sobre la película os puedo contar que estará protagonizada por Ben Stiller (La vida secreta de Walter Mitty), contará también en el elenco actoral con Austin Abrams (Ciudades de Papel), Jenna Fischer (The Office), Michael Sheen (Passengers) y Luke Wilson (Los Tenenbaums). Está escrita y dirigida por Mike White, quien se reserva también para sí un pequeño papel en la película y producida por el propio Ben Stiller y Brad Pitt.

SINOPSIS

Brad Sloan (Ben Stiller) es un tipo normal, con una familia normal, un trabajo normal y una casa normal. Su conciencia le reprocha continuamente no haber hecho nada de provecho. A punto de cumplir 50 (bueno, 47), entra en una crisis existencial ante un hecho inevitable: su hijo Troy (Austin Abrams) se ha hecho mayor y ha de ayudarle a elegir universidad. En un viaje cómico, irónico y tierno, padre-hijo por las facultades de Boston, Brad constata que todos sus ex compañeros han triunfado y él... no.  ¿Pero qué puede hacer a estas alturas para que el mundo no se pregunte qué fue de él?

EL SENTIDO DE UN FINAL: CRÍTICA DE CINE

           Llegando a cierta edad, en ocasiones es importante hacer las paces con el pasado, para vivir plácidos el presente y mirar sonriendo hacia el futuro. Este podría ser uno de los mensajes de: El Sentido de un Final dirigida por el indio, Ritesh Batra.

          Tony Webster (Jim Broadbent), es un hombre que vive, aparentemente, tranquilo tras su jubilación y divorcio. Regenta una pequeña tienda de cámaras de fotos y acompaña a su hija a las clases de maternidad.

          Un día recibe una carta certificada, en la cual le comunican que la madre de Verónica (Freya Mavor) su novia de juventud, ha muerto y le ha dejado en su testamento un diario que guardaba su mejor amigo, quien se emparejara con Verónica después de Tony. Dicho diario está en manos de Verónica (Charlotte Rampling) ya entrada en la tercera edad como Tony y rodeada de misterios.  Tony, mientras espera tener en su poder dicho diario, se verá obligado a regresar al pasado para recordar aquellos momentos, que creía ya olvidados y en los cuales…

          El sentido de un final, está basada en la novela de Julian Barnes, en una magnífica adaptación de Nick Payne. Una precisa y delicada narración por parte del director Ritesh Batra, involucrando a su protagonista Jim Broadbent y contagiando a los espectadores. Una dirección lenta, que se recrea en el pasado donde los fantasmas de las mentiras, los celos, los amores y desamores le rodearán, hasta llegar a un presente y entender la coraza que, en mayor o menor medida todos creamos con los años, a lo largo de nuestras vidas, para protegernos ante el dolor y el padecer muchas veces innecesario y en esta ocasión, de recuerdos más imaginados, que reales.

          Una correctísima dirección de actores destacando la figura de Tony, tanto en el pasado como en la actualidad, y sobremanera en ese presente  siendo encarnado por en el gran actor británico Jim Broadbent, que exprime al personaje hasta el límite, un límite que él mismo se impone. Y una más que correcta  presencia de una de las grandes damas, la también británica, Charlotte Rampling.

          Una obra cuyo montaje se muestra tan delicado y sutil, que los flash-back entre pasado y presente se ejecutan con tal maestría que no es percibido más que por los cambios de escenarios entre una época u otra, fantásticos por cierto, donde también tiene mucho que decir el maestro de fotografía Christopher Ross, logrando sacar todo el partido posible a las estampas mostradas, a la gran iluminación de las escenas y al frágil juego del color. Destacar como suele suceder en muchas de las películas británicas, el vestuario y no quiero ya olvidarme de la partitura de Max Richter, que te lleva de la mano hasta los títulos de crédito.

          Recomendable para los amantes del drama y de un cierto romanticismo.

          Mi nota es: 7

          ESTRENO en ESPAÑA: 8 de Diciembre.

          REPARTO: Jim Broadbent, Charlotte Rampling, Harriet Walter, Michelle Dockery, Emily Mortimer, Billy Howle, Joe Alwyn, Freya Mavor, Matthew Goode, Edward Holcroft, James Wilby.

          PRODUCTOR: Origin Pictures/ BBC Films/ FilmNation Entertainment.

          DISTRIBUIDORA: Vértigo Films España.