SLOW: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Lituania, Suecia y España, SLOW, está escrita y dirigida por Marija Kawtaradze. “¿Qué significa ser un hombre?”

Elena (Greta Grineviciute) trabaja de profesora en una escuela de danza contemporánea. Dovydas (Kestutis Cicenas) es intérprete de lengua de signos, al que contrata Elena para sus clases dirigidas a jóvenes sordos, quienes tienen previsto acudir a un campamento en el que demostrarán sus cualidades. Ambos parecen conectar desde el principio, pues aunque Elena tiene fama de que las relaciones largas no son lo suyo, con Dovydas todo resulta más fácil y diferente; no es un joven como los demás, en él se encierra toda una historia por descubrir.

La guionista y directora, Marija Kawtaradze, realizó sus estudios de cine en la Academia Lituana de Música y Teatro entre los años 2010/14. En esos años dirigió 5 cortometrajes: “Paskutinis zmogus, su kuriuo as kalbejau” 2010, “Youngblood” y “Normal People Don´t Explode Themselves” 2013, “Man Dvim Keli” y “Parketo skutejai” ambos en 2014 e “Igloo” 2015. Su primer largometraje llegó con “Summer Survivors” 2018 y ahora nos ofrece “Slow” 2023.

¿Qué significa ser un hombre?, cuestión con la que Dovydas no solo  interroga a Elena en un momento determinado, sino que lanza al público asistente a la sala; llevándonos con este dilema, en parte, hacia la frase  que reza en el cartel de la película “Una historia de amor sin sexo” y es que sin duda, hoy en día, nos resultaría extraña una relación de pareja entre dos personas, sean del sexo que sean, en donde la sexualidad no formase parte de ese concepto universal y tantas veces mitificado que es el amor. Todo comenzará a aclararse cuando Dovydas, informa a Elena y por ende al espectador, que es abiertamente asexual. A partir de este punto de inflexión, el espectador curioso se acomoda y entrega todos los sentidos a lo que está por venir en la gran pantalla.

Una historia tan sutil, como el batir de las alas de una mariposa, expresión que ya me habréis leído en otra ocasión pues la utilicé para un filme tan frágil y fuerte, como el que nos concierne ahora. Una narración delicada en su escritura en medio de diálogos que nos llevan a la reflexión y con nervio, en la dirección. La joven directora lituana, Marija Kawtaradze, disocia con suma elegancia y un romanticismo exento de cursilería, el amor desde un enfoque nunca visto en la gran pantalla, al menos por quien os está escribiendo. Analiza una de las múltiples facetas del querer, una de tantas desconocidas por el ser humano y que bien sea por educación, convencionalismos o creencias religiosas, solo se despiertan en las mentes de los más inquietos o en quienes están abiertos a experimentar nuevas sensaciones, emociones y percepciones. Si el ser humano nace libre, el amor que galantea con él, con mayor motivo.

Cuatro son las grandes columnas que sustentan este filme: Las dos primeras recaen sobre los hombros, las manos y la mente de Marija, firmando un correctísimo guion, en el que nada sobra ni falta y una dirección tan equilibrada que estremece, en medio de los perfectos ángulos, la etérea  iluminación y la disposición de la cámara que en ocasiones parece que vaya a traspasar la fina línea de la intimidad de sus personajes entre travellings, cámara en mano, planos cortos o primeros planos; pero siempre acertando a dejar el aire suficiente, para que eso no suceda. Kawtaradze se apoya en la fotografía de Laurynas Bareisa, quien recrea postales granuladas, que nos recuerdan otros tiempos y otra manera de hacer cine, dando importancia a los momentos de silencio mientras capta y nos regala instantáneas que pasan por las más tiernas miradas, las más sosegadas sonrisas, las caricias más vaporosas hasta alcanzar a leer los pensamientos más personales. La tranquilidad es la constante que junto a la naturalidad, rubrican toda la obra. Con su segundo largometraje, Marija, estampa su firma en el libro de oro de las grandes directoras.

Los otros dos pilares los forman las sensacionales interpretaciones de Greta Grineviciute y Kestutis Cicenas, encarnando a esta joven pareja tan dispar y cuyos polos se atraen de forma excepcional, para hablarnos de las relaciones de pareja, de los conflictos familiares, la libertad de elección, el apoyo de los padres y los traumas; de los miedos y la soledad, la diversidad y la inclusión, de lo espiritual frente a lo carnal e incluso haciendo crítica sobre las normas establecidas. Alma y cuerpo, siempre presentes y fusionándose con sus trabajos, que parecen condicionar sus personalidades. La fuerza, la pasión, la vitalidad que desprende Elena a través de la danza en contraste con la quietud, la sutileza, la presencia y la paz que  Dovydas, transmite, con la interpretación del lenguaje. Ambos nos atrapan en sus mundos de formas muy diferentes pero ante todo, exhalando armonía.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de enero.

REPARTO: Greta Grineviciute, Kestutis Cicenas, Pijus Ganusauskas, Laima Akstinaite, Vaiva Zymantaite, Tove Skeidsvoll, Dominykas Vaitiekunas, Mantas Barvicius, Rimante Valiukaite, Ugne Siauciunaite, Mantas Stabacinskas, Dovile Silkaityte, Egle Poskeviciute, Gediminas Rimeika, , Nijole ,Meskyte Misiuniene, Matas Dirgincius, Pau Colera, Isabel Naveira, Vidas Bizunevicius, Erika Jocyte, Matthew Woodcock, Olga Kuzmina Davliasevic, Agniete Lisicknaite, Martynas Styra y Dainius Armanavicius.

PRODUCTORA: M-Films// Frida Films// Garagefilm International// Film Stockholm.

DISTRUBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films.

CUANDO ACECHA LA MALDAD: CRÍTICA DE CINE

           Cuando acecha la maldad, está escrita y dirigida por Demián Rugna.

Los hermanos Pedro (Ezequiel Rodrígez) y Jimi (Demián Salomón) viven en una casa en medio de un pueblo. Una noche se despiertan por el sonido de varios disparos, salen al exterior pero no ven nada; al día siguiente rastrean el lugar y se encuentra con el cuerpo medio descuartizado de un hombre. Revisando las pertenencias del asesinado, encuentran un cuaderno con un mapa que les indica la casa de María Elena (Isabel Quinteros). Al verlos llegar, María Elena les pide entre sollozos que maten a su hermano que está poseído por un demonio. Los dos hermanos deciden sacarlo de la casa para abandonarlo a varios kilómetros del pueblo, sin ser conscientes de que desatarán lo maligno que se encuentra en el cuerpo del enfermo. 

El editor, guionista y director, Demián Rugna, estudió dibujo de historietas con Horacio Lalia y en 2023 se licencia en diseño audiovisual en la Universidad de Morón. Dirige numerosos cortometrajes entre los que encontramos “El pacto” 2002, “Tiene miedo” y “La última entrada” 2003, “El niño” y “El cachetazo” 2004 y “The Last Gateway” 2007 año en el que dirige su primer largometraje “La muerte sabe tu nombre”, continuando con “Malditos Sean! 2011 (Relatos Cafeomancia y El curandero), “El mate amargo” 2012, “No sabés con quién estás hablando” 2016, “Aterrados” 2017, “Hispanos satánicos” 2022 (con el relato Yo también lo vi) y en este 2023 nos ofrece “Cuando acecha la maldad”

¿Es la mejor película de terror del 2023?, para algunos seguramente que sí, otros, por el contrario opinarán que tienen sus favoritas; en cuanto a mí, os diré que me ha sorprendido muy positivamente y que más que terror, tal y como yo lo entiendo, me ha provocado tensión, desazón y angustia por igual. Rugna ha creado un filme que te mantiene expectante a lo largo de todo el metraje. 99 minutos de puro ritmo y adrenalina que juega con las emociones, los sentimientos, las supersticiones, los miedos y la sugestión, entre otros, dominando a los personajes y que si bien la posesión es el punto de partida, esta irá derivando a la autodestrucción.  

Una narración que habla de la falta de empatía, de las separaciones conyugales, la ignorancia, del miedo a lo desconocido, de las frustraciones, de no saber enfrentarse a una situación o situaciones determinadas y lo peor de todo, la obnubilación. Tomando el medio rural como telón de fondo, la historia nos ofrece moralejas sobre la condición humana y que cuando nos encontremos ante un acontecimiento que no comprendamos o nos aterrorice, en vez de entrar en pánico, meditemos unos segundos, pues tal vez, de este modo, podamos evitar cometer errores irremediables e imperdonables, cuando de conservar la vida se trata.

Rugna, se apoya en el equipo técnico para recrear las diferentes atmósferas que el filme solicita, para ello ha contado con la magnífica fotografía de Mariano Suárez, entre encuadres aterradores y una cuidada iluminación que nos sume en un infierno sobre la tierra, en donde la oscuridad (el mal), aun siendo de día, está latente y provoca escalofríos. Los efectos especiales de Marcos Berta Studios, que no precisan de grandes alardes para provocar pavor e incertidumbre y el sobresaliente maquillaje en las manos de Elizabet Gora. Todo ello abrazado por la dramática banda sonora de Pablo Fuu.

Demián Rugna se rodea de un elenco actoral con interpretaciones de calidad aunque algunas de ellas llevadas al límite y la exageración; en realidad  nada que nos pueda sorprender y que por otra parte, es lo que el fan demanda al género, como la presencia de los niños que nos trae recuerdos de otros filmes de terror. Violencia y gore extremo, en escenas de gran impacto como la que, a la velocidad del rayo, se nos muestra entre Fernando, una cabra y la mujer de Fernando, dejándonos sin respiración.

Cuantas veces os he comentado que el cine de terror precisa de una vuelta de tuerca y de ideas potentes y aunque en esta ocasión, no sea una idea de lo más original, si es una propuesta lo suficientemente atractiva, para que los amantes del género, la disfruten de principio a fin, pues cuenta con todos o casi todos los elementos que se exigen. Una propuesta audaz, entretenida, con un gran ritmo, como ya he comentado y con momentos de terror inteligente y bien elaborado. Una buena forma de comenzar el nuevo año.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 19 de enero

REPARTO: Ezequiel Rodríguez, Demián Salomón, Silvia Sabater, Luis Ziembrowski, Marcelo Michinaux, Emilio Vodanovich, Virginia Garófalo, Paula Rubinsztein, Lucrecia Nirón Talazac, Isabel Quinteros, Desirée Salgueiro, Federico Liss, Ricardo Velázquz, Jorge Prado, Diego Sampayo, Pedro Larrabide, Cleo Díaz, Agostina Aguilera, Celina Carbajal, Pablo Galarza y Gonzalo Galarza.

PRODUCTORA: Shudder// La Puerta Roja// Aramos Cine// Machaco Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Selecta Visión.

EL RAPTO: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Italia, Francia y Alemania, El Rapto, está dirigida por Marco Mellocchio compartiendo guion con Susanna Nicchiarelli, Edoardo Albinati y Daniela Ceselli.

Nos encontramos en el barrio judío de Bolonia en el año 1858, en el hogar de la familia Mortara. Una familia humilde y numerosa cuyos progenitores son Salomone (Fausto Russo Alesi) y su esposa Marianna (Barbara Ronchi). Viven felices hasta que un día irrumpen en el hogar soldados del Papa Pío IX (Paolo Pierobon), reclamando a su sexto hijo, Edgardo Mortara (Enea Sala/Leonardo Maltese), pues afirman que siendo muy pequeño estuvo enfermo y la cuidadora que tenían, Anna Morisi (Aurora Camatti), lo bautizó, dejando de ser judío a ojos de la iglesia católica. El sacerdote Feletti (Fabrizio Gifuni) lo aparta de la familia para entregárselo al Papa. Los padres del pequeño hacen todo lo posible para alertar e informar sobre lo sucedido, provocando la indignación de los intelectuales europeos y no europeos, mientras el Papa Pío IX, se toma el asunto de manera muy personal.

El director y guionista, Marco Mellocchio, estudió en la Escuela de los Salesianos de Bobbio. Asistió al Centro Sperimentale di Cinematografia en 1959, en 1962 se convirtió en director bajo las órdenes de Andrea Camilleri y más tarde, se trasladó a Londres para seguir con sus estudios de cine en la Slade School of Fine Arts. Sus primeros trabajos fueron los cortometrajes “Abbasso il zio” y “La colpa e la pena” ambas en 1961 y en el largometraje con “Los puños en los bolsillos” 1965, “China está cerca” 1967, “En el nombre del padre” 1971, “Marcha triunfal” 1976, “Salto en el vacío” 1978, “Vacanze in Val Trebbia” 1979, “Los ojos, la boca” 1982, “Enrique IV”  1984, “El diablo en el cuerpo” 1986, “La visione del Sabba” 1988, “La condena” 1990, “Il sogno della farfalla” 1994, “El príncipe de Homburg” 1996, “La balia” 1998, “La sonrisa de mi madre” 2002, “Buenos días, noche” 2003, “Il regista di matrimoni”, “Sorelle” ambas en 2006, “Vincere” 2009, “Hermanas Mai” 2010, “Bella Addormentata” 2012, “Felices sueños” 2016, “El traidor” 2019, “Esterno notte” 2022 y este año llega “El Rapto” 2023. Además de los largometrajes mencionados, cuenta con un buen número de cortometrajes, documentales y series de televisión.

Estamos ante un filme de corte clásico en el que se nos narra la historia de esta familia judía, con la que Mellocchio logra, no solo captar la atención de espectador desde el inicio, sino que lo incomoda en la butaca, ante la crueldad de los hechos, exponiendo con naturalidad y credibilidad un tiempo pasado controlado por la iglesia católica, a la que nadie se atrevía a enfrentarse. El abuso de poder del clero desde los sacerdotes hasta culminar en el Papa, estaban por encima de cualquier orden social. Ellos imponían y disponían y los demás a bajar la cabeza e incluso a besar sus pies. Eran tiempos oscuros, dominados por el miedo y las supersticiones, aunque en la actualidad, vemos  casos que nos siguen escandalizando.

El Rapto cuenta con una excepcional y tenebrista fotografía de Francesco Di Giacomo que como postales entre las luces y las sombras, arropa a los personajes; a la vez que sentimos ese peso gravitatorio papal sobre algunos de ellos, como siempre, en los más vulnerables y que aun teniendo derecho a protestar, se desoían las súplicas. Cada estancia y cada espacio esta fotografiado con esmero y detalle, así como las entradas y salidas de los personajes de escena, creándose con ello las diferentes atmósferas que se apoyan en la dramática banda sonora compuesta por Fabio Massimo Capogrosso. 

Si bien la excepcional puesta en escena, recreando la época, brilla durante toda la narración; la cuidada dirección de Mellocchio analizada desde su prisma tan personal, la sociedad italiana en ese tiempo pasado y el escrupuloso guion que el director comparte con Susana Nicchiarelli, Daniela Ceselli y Edoardo Albinati, resultan perfectos; será sin duda el elenco actoral el que asume una parte importante del proyecto, complaciendo al espectador con la naturalidad y verdad que destilan en sus interpretaciones. Entre todos esos personajes, me voy a decantar, primero por el jovencísimo Enea Sala encarnando a Edgardo en su tierna infancia. Sus miradas, silencios y expresiones corporales, destrozan al más sereno, sin olvidar la fuerza que impone a cada frase que pronuncia. En el lado adulto subrayo a Barbara Ronchi dando vida a Marianna. Esa madre amantísima, esa mujer destrozada ante el robo de su hijo, en medio de las luchas internas y externas con las que tiene que lidiar y Paolo Pierobon, en la piel del Papa Pío IX. Un hombre cruel, inhumano, prepotente, falto de escrúpulos y de toda ética, que en el cuerpo de Pierobon, llegamos a aborrecer.

En definitiva, un drama que cala en el espectador y lo mantiene en tensión, mientras resulta casi imposible despegar la mirada de la pantalla. Una vez más, somos testigos de otra de esas atrocidades cometidas por la Iglesia Católica; en esta ocasión en el siglo XIX, pero que en la actualidad, desde algunas esferas, no se quedan atrás.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 12 de enero.

REPARTO: Barbara Ronchi, Paolo Pierobon, Enea Sala, Leonardo Maltese, Fabrizio Gifuni, Fausto Russo Alesi, Filippo Timi, Rhea Perlman, Paolo Calabrasi,Corrado Invernizzi, Duilio Pizzocchi, Federica Fracassi, Fabrizio Contri, Walter Lippa, Bruno Cariello, Orfeo Orlando, Renato Sarti, Giustiniani Alpi, Alessandro Fiorucci, Nikolai Selikousky, Samuele Teneggi, Alessandro Bandini, Andrea Gherpelli, Daniele Aldrovandi, Marco Golinucci, Filippo Marchi, Samuel Teneggi y Aurora Camatti.

PRODUCTORA: Kavac Film// IBC Movie// Ad Vitam Production// Match Factory Productions// RAI Cinema// Emilia-Romagna Film Commission.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

WONKA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Reino Unido y Estados Unidos, WONKA, está dirigida por Paul King, compartiendo guion con Simon Farnaby. “Todas las cosas buenas de este mundo, comenzaron con un sueño. Así que aférrate al tuyo”

Willy Wonka (Timothée Chalamet) viaja por el mundo perfeccionando su oficio. Se considera un mago, un inventor y chocolatero. Llega a la ciudad en la que siempre soñó abrir su propia chocolatería en Las Galerías Gourmet, pero se encontrará con varias dificultades: La primera, ser engañado por la propietaria del hotel, Mrs. Scrubbit (Olivia Colman) que le obliga a firmar un documento para poder alojarse en sus dependencias y del otro, los arrogantes chocolateros: Prodnose (Matt Lucas), Fickelbruber (Mathew Baynton) y Slugworth (Paterson Joseph); compinchados con el sacerdote (Rowan Atkinson), cuyo chocolate guardan como un tesoro en los bajos de la iglesia. Wonka pronto se dará cuenta de que pretenden echarlo de la ciudad y para evitarlo, hará piña con la  joven huérfana Noodie (Calah Lane), los trabajadores esclavizados por Mrs. Scrubbit y el Oompa-Loompa (Hugh Grant) y hasta aquí, como se suele decir, puedo escribir.  

El escritor y director, Paul King, estudió en St. Catharine`s Collage, Universidad de Cambridge donde se graduó con honores de primera clase en inglés en 1999. Ha trabajado y trabaja en televisión, cine y teatro. En el cine debutó con “Bunny and the Bull” 2009 para continuar con “Paddington” 2014, “Paddington 2” 2017 y este año ofrecernos “Wonka” 2023. Para televisión ha dirigido capítulos de las series  “The Mighty Boosh” 2004/07, “Dogface” 2007, “Ven y vuela conmigo” 2010/2011 y “Fuerza Especial” 2020.

Llega a nuestras pantallas la tercera adaptación de la famosa novela infantil “Charlie y la fábrica de chocolate” escrita por el autor inglés Roald Dahl en 1964. La primera se estrenó en 1971 con “Willy Wonka y la Fábrica de Chocolate” de Mel Stuart cuyo actor principal fue Gene Wilder, “Chalie y la Fábrica de Chocolate” 2005 de Tim Burton con Johnny Depp y este año la deliciosa comedia musical “Wonka” 2023 de Paul King con Timothée Chalamet, en donde conoceremos los inicios del joven Wonka, quien se convertirá con el tiempo en el chocolatero más famoso del mundo; a su maravillosa madre que lo educó y se convirtió en su máxima inspiración, interpretada por Sally Hawkins y a uno de esos personajes adicto al chocolate y que en otras versiones, trabajaban en la fábrica de Willy, Oompa-Loompa (Hugh Grant)

Comentaros que lo primero que me sorprendió de esta nueva versión, sabiendo que se trataba de un producto navideño, alegre y muy festivo, y contando con un importante ramillete de números musicales, era que Timothée Chalamet, interpretara al maestro chocolatero. Actor al que descubrí en la espectacular “Interstellar” 2004 de Christopher Nolan en el papel de Tom Cooper y que desde entonces ha desfilado por mis pupilas en películas como “Call Me by Your Name” 2017, “Beautiful Boy: Siempre serás mi hijo” 2018, “Mujercita” 2019 “No mires arriba” o la excepcional “Dune”, ambas en 2021. Su presencia y profesionalidad, siendo tan joven, siguen sorprendiendo con cada trabajo que asume y aquí, aun más, cantando, bailando y ofreciéndonos un Wonka energético y divertido a la vez que nostálgico. Está claro que este joven se atreve con todo lo que  le ofrezcan, sorprendiendo al espectador, para bien.

Wonka es un espectáculo para toda la familia. Su director de fotografía, Chung Chung-hoon nos ofrece una rica paleta de color, diferenciando la parte dramática del pasado de Wonka con la alegre que representa el espíritu vital del personaje, aunque pase por determinados trances. Una fotografía viva, colorista, en encuadres juguetones bajo una iluminación equilibrada a cada situación y un gran derroche de imaginación. Junto a este maravilloso juego de luz y color, coqueta la brillante banda sonora creada por Joby Talbot y el letrista Neil Hannon, dando paso a un nuevo musical, que seguramente pronto pisará los escenarios de Broadway. Música y letras que nos hacen movernos en la butaca, pues poseen un ritmo contagioso y unas canciones fáciles de tararear. A los diversos temas originales, se une el clásico “Pure Imatination” que fue interpretado por Gene Wilde en 1971.

Con respecto a las interpretaciones, además de Timothée Chalamet, de quien ya he hablado, cuenta con un casting de lujo. Entre los más veteranos encontramos a Olivia Colman, en el papel de la perversa Mrs. Scrubbit, Rowan Atkinson como el sacerdote o Hugh Grant encarnando al diminuto Oompa-Loompa y del lado más joven a Calah Lane, recreando a la huérfana Noodie. Todo el reparto está magnífico, por breve que sea su aparición.

Resumiendo, Wonka da el pistoletazo de salida a la temporada navideña por todo lo alto, pues se perfila como un filme muy disfrutable para grandes y pequeños, en familia, entre amigos o con la pareja. La música, las coreografías, la magia, los puntos cómicos y algunos dramáticos, despertarán al niño que llevamos dentro, sobre todo si aun crees en los sueños.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre

REPARTO: Timothée Charlamet, Hugh Grant, Keegan-Michael Key, Rowan, Calah Lane, Sally Hawkins, Rowan Atkinson, Olivia Colman, Jim Carter, Mathew Baynton, Tom Davis, Simon Farnaby, Rich Fulcher, Kobna Holdbrook-Smith, Paterson Joseph, Matt Lucas, Colin O´Brien, Natasha Rothwell, Rakhee Thakrar.

PRODUCTORA: Heyday Films// Warner Bros.// Village Roadshow.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Warner Bros. Pictures España.

ANATOMIA DE UNA CAIDA: CRITICA DE CINE

 

Anatomía de una caída está dirigida por Justine Triet compartiendo guion con Arthur Harari. “El inquietante juego del uso de la palabra”

La escritora Sandra (Sandra Hüller) recibe la visita de su amiga Zoé (Camille Rutherford) con quien mantiene una conversación entre divertida y pícara. Son interrumpidas por la música a gran volumen, que en la parte superior de la vivienda, pone su marido Samuel (Samuel Theis), lo que provoca que Zoé se vaya. Daniel (Milo Machado-Graner) es el hijo adolescente de Sandra y Samuel, tiene discapacidad visual y decide salir de paseo con su perro guía. Cuando regresa, se encuentra delante de la casa a su padre muerto. Las extrañas circunstancias de la muerte de Samuel, originan el arresto y juicio a Sandra.

La actriz, guionista y directora, Justine Triet, se diplomó en la Escuela Superior de Bellas Artes. Entre su filmografía encontramos los documentales: “Sur Place” 2007, “Solférino” 2008 y “Des ombres dans la maison” 2010, los cortometrajes “Vilaine Fille, mauvais garçon” 2011 y  “Two Ships” 2012 y llegamos a su ópera prima para la gran pantalla “La batalla de Solferino” 2013, seguida de “Los casos de Victoria” 2016, “El reflejo de Sibyl” 2020 y este año nos ofrece “Anatomía de una caída” 2023.

Estamos ante un interesante thriller psicológico y familiar de corte muy clásico y sencillo en su presentación. Su principal objetivo es que estemos atentos a cuanto se dice, se ve e incluso se intuye y para ello Justine, junto a Arthur Harari, elaboran un guion  que nos lleva de la duda a la lucidez, de lo evidente a lo singular o de lo racional a lo inverosímil; en una elegante y efervescente narración, dando cuerpo a un filme que se me antoja por instantes truculento.

La acción se desarrolla en dos escenarios muy diferentes entre ellos. El primero, en medio de los Alpes franceses y muy importante lo de “franceses”, pues a lo largo de la crónica se incide en que se hable en francés y no en inglés. Un ambiente natural en cuyo manto nevado encontramos un chalet, por lo que se nos muestra, bastante alejado de la civilización y en el que vive una familia compuesta por tres miembros, el matrimonio y el hijo adolescente con serios problemas de visión, pero autosuficiente. El otro entorno nos sitúa en el interior de la sala de un juzgado, en la cual se desarrollará el juicio a Sandra. El juego entre ambos espacios nos irá ofreciendo cuanto necesitamos saber de la vida de ese matrimonio que desde casi el inicio presumimos que la relación entre ambos no es buena. Será a medida que evoluciona el juicio y nos ofrece los diversos flashbacks, cuando comprendemos la toxicidad que reina entre ellos. Triet enriquece la historia con las pesquisas con las que se elaboran las pistas para el juicio: interrogatorios, escenificación de lo sucedido no solo el día el infortunio, lugares en donde se hallaban los personajes claves, la utilización de peleles para recrear la caída desde la ventana al suelo, los dibujos y sobre todo, las palabras. Las palabras son las reinas en el juicio y fuera de él, para que el espectador, se convierta en jurado de excepción.

Una extraña película que se mueve en el filo del equilibrio que genera la verdad y la mentira, entre lo que se nos muestra y la realidad más escondida. Desazón, es una de las palabras que me suscita y con la que definiría este drama familiar de un matrimonio roto, que parece precipitarse montaña abajo, como lo hace la nieve al originarse un alud, en donde ninguno de los dos, desea dar el paso definitivo. El espectador en todo momento está recibiendo información desde esos dos escenarios para  intentar encajar algunas piezas que permanecen sueltas. ¿Se suicidó cansado de vivir una vida incompleta? ¿Fue asesinado por su mujer con el fin de comenzar de nuevo?

Una dirección audaz llena de trampas para nuestras mentes y que para fortuna y sorpresa del espectador, a medida que vamos llegando al final y las piezas parecen encajar, sentimos cierto alivio y satisfacción, aunque el cierre, con la impresionante escena que nos ofrece la mirada de Daniel, mirando a un punto indeterminado, creemos entender lo que realmente ha sucedido, no solo en esos días, sino desde que él tuvo consciencia de la relación entre sus padres, mostrando tanta claridad y verdad, que resulta inevitable no esbozar una sonrisa cómplice y de afirmación, Y es que Triet, sabe jugar con el público al despiste en medio de sus elaborados diálogos de doble sentido. Maestría en el guion y en la ejecución de sus imágenes.

Los tres actores principales: Sandra Hüller, Milo Machado-Graner y Samuel Theis, nos ofrecen tres magníficas interpretaciones directas a nuestra psique y sentidos, arropados por un reducido grupo de secundarios, que fortalecen la narración y el suspense. Nada queda al azar, desde mi modesto punto de vista. Justine traza un magnífico drama de intrigas en el que el espectador se cuestiona cada palabra y cada situación.

En resumen, personajes creibles, una correctísima fotografía de Simon Beautils y un guion sólido con un estudio preciso de personajes, para narrarnos una historia realista, que no necesita de efectos ni adornos innecesarios. Limpia lo artificioso para atraparnos en lo imprescindible.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre

REPARTO: Sandra Hüller, Swann Arlaud, Milo Machado-Graner, Antoine Reinartz, Samuel Theis, Jehnny Beth, Arthur Harari, Sophie Fillières, Camille Rutherford, Wajdi Mouawad, Anne Rotger, Saadia Bentaieb, Sacha Wolff, Pierre-François Garel, Antoine Buéno, Kareen Guiock, Nesrine Slaoui, Iliès Kadri, Savannah Rol, Anne-Lise Heimburger y Laura Balasuriya.

PRODUCTORA: Les Films Pelléas// Les Films de Pierre.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Elastica Films y Filmin.

ROBOT DREAMS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España y Francia, Robot Dreams, está dirigida por Pablo Berger, basándose en la novela gráfica de Sara Varon.

Dog es un perro solitario que reside en un apartamento en la ciudad de Manhattan. Observa con cierta tristeza como sus vecinos viven en pareja mientras él, cada noche cena solo frente al televisor. Una de esas noches ve un anuncio de robots de compañía y decide comprarse uno. Él mismo lo construye y juntos realizan todas las actividades del día a día. Dog lleva a su amigo robot a la playa: pasean, se bañan y se tumban sobre las toallas, quedándose dormidos. Llega la noche y al despertarse Dog, comprueba que no queda nadie a su alrededor y cuando el robot pretende incorporarse, no puede, no le queda batería. Dog regresa al hogar solo y al día siguiente se encuentra que la playa está cerrada hasta la próxima temporada. Observando como su compañero queda tumbado sobre la arena, buscará la manera de recuperarlo.

Pablo Berger, realizó sus estudios de enseñanza primaria y secundaria, primero en la Escuela San Vicente y posteriormente en el Colegio Trueba de Artxanda. Gracias a sus primeros trabajos premiados, obtiene una beca de la Diputación Foral de Vizcaya para estudiar un máster en cine en la New York University. Después del doctorado, ejerció como profesor de dirección en la New York Film Academy (NYFA) y en la dirección cinematográfica debutó con el cortometraje “Mama” 1988 y con el largometraje “Torremolinos 73” 2003, continuando con “Blancanieves” 2012, con la que obtuvo numerosos premios, entre ellos, 10 premios Goya. A este filme le siguieron “Abracadabra” 2017 y “Robot Dreams” 2023. También ha dirigido el cortometraje “Para ver y sentirlo” 2013 y el documental “Herederos de la Bestia” 2016.

El poder de la amistad y la dolorosa sensación de soledad en medio de una urbe en la que se hace casi imposible caminar, son algunas de las emociones y temas que toca este filme. Una película con una animación de líneas sencillas y una paleta de color en tonos suaves, que ofrece los rasgos esenciales para que el espectador empatice al instante con ambos personajes: Un perro solitario que decide construir un amigo y el robot que adquiere en la Teletienda.

Si bien la película está ambientada en la ciudad de Nueva York, en el espectador español, se esboza una sonrisa cuando vemos a Dog llevar un bolso con la imagen de Naranjito, lo que nos retrotrae a los 80. Pero es precisamente esa ciudad, La Gran Manzana, la que está reflejada al detalle. Calles cuyas paredes se adornadas con  grafitis o las clásicas deportivas colgadas de los cables, las tribus urbanas con sus looks personales y sus radiocasetes (loros), escuchando música; los reconocibles letreros indicadores de las avenidas, los puentes, sus puestos ambulantes de Hot dog, los profesores llevando de paseo a sus alumnos tan diversos, los fotomatones, el metro y hasta Central Park donde patinarán y bailarán al son de “September” de Earth, Wind & Fire, que provoca que movamos los pies desde la butaca; y es que aunque el filme tiene ese aura de drama ligero, se respira mucha alegría y emociones que  contagian al espectador. No me olvido del guiño a una gran película del maestro Woody Allen “Manhattan” 1979 con la emblemática instantánea de la pareja sentada en un banco mirando al río Hudson y con el puente sobre sus cabezas.

El tiempo lo veremos pasar con la celebración de Halloween, la llegada de la nieve, el número musical entre las margaritas y el maravilloso sol, que da vida a la ciudad; y entre las estaciones, nuestros dos personajes soñarán el uno con el otro, revelando la importancia de la colaboración, el compartir, la amistad verdadera, el amor y la diversidad vista a través de los numerosos animales que pueblan la ciudad, que nos recuerda, ligeramente a “Zootrópolis” 2016 de Byron Howard, Rich Moore y Jared Bush y es que Berger, basándose en la novela gráfica de Sara Varon, nos regala un buen puñado de referencias, que sin duda el espectador reconocerá.

Resumiendo, Robot Dreams es un canto a la amistad, a la vida, al paso del tiempo en donde los recuerdos y las experiencias prevalecen, cuando las relaciones han dado sus frutos y tomado otros rumbos. Un filme para el disfrute de toda la familia.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 6 de diciembre

MUSICA: Alfonso de Vilallonga

PRODUCTORA: Arcadia Motion Pictures// Noodles Production/ Les Films du Worson, RTVE, Movistar Plus+

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures. 

BLACK FRIDAY: CRÍTICA DE CINE

Black Friday está dirigida por Eli Roth con guion de Jeff Rendell, basándose en una historia ideada por ambos. “La publicidad no engaña y Roth no defrauda”

El prólogo nos sitúa en Plymouth, Massachusetts, en la noche de Acción de Gracias, una fiesta con fuertes raíces en la región. Una familia está preparando la mesa mientras los más jóvenes deciden pasarla fuera con sus amigos. Al mismo tiempo, en el hipermercado de la ciudad, preparan el Black Friday. Una gran multitud se aglomera tras la valla que les separa de las puertas, entre empujones y gritos. Las puertas por fin se abren y como una bandada de animales furiosos, entran en el comercio provocando grandes disturbios. Un año más tarde, un misterioso personaje, con careta del gobernador John Carver y hacha en mano, hace acto de presencia durante la festividad… El resto, mejor lo veis vosotros, porque yo todavía me estoy limpiando la sangre, que a litros nos ha ofrecido Eli Roth, en su última película.

El productor, guionista, actor y director, Eli Roth, antes de graduarse en la Newton South High School en Nueva York en 1994, ya había hecho sus pinitos en la dirección de cortometrajes con tan solo ocho años, junto a sus hermanos Adam y Gabe. Con veinte años, mientras aun estudiaba, dirigió la oficina del productor Frederick Zollo con el fin de dedicarse a la escritura, a tiempo completo. La gran mayoría de sus trabajos han estado relacionados con el terror y la violencia más explícita. Su primer cortometraje oficial fue “Restaurant Dogs” 1994 y debutó en la dirección de largometrajes con “Cabin fever” 2002, “Hostel” 2005, “Hostel 2” 2007, “El infierno verde” 2013, “Toc Toc” 2015, “El justiciero” 2018, “La casa del reloj en la pared” 2018 y este año nos ofrece “Black Friday” 2023. Ha dirigido capítulos de las series “Chowdaheads” 1999, “Hemlock Grove” 2013/15 y “South of Hell” 2015; los cortometrajes “Thanksgiving” 2007 y “Eli Roth´s Haunted House: Trick VE Treat” 2022, el documental “Fin” 2021y  numerosos vídeos.

He abierto la reseña con la frase “La publicidad no engaña y Roth no defrauda” porque lo que nos ofrece nos lo da y con creces. No queda personaje con cabeza y los que las conservan, pasarán por otros destinos nada apetecibles, lo que me recuerda la escena macabra en la que el pavo, tan preciado en esas fechas, es sustituido por uno de los personajes, bien condimentado con su aceite, hierbas aromáticas y sal. No hago spoiler, aparece en el tráiler y si no lo has visto, no pasa nada, porque sorprender te sorprenderá de la misma manera.

Pero vayamos por partes y si hablamos de la cena de Acción de Gracias, tomaremos el prólogo como los aperitivos, esos con los que nos solemos atiborrar antes de que llegue el plato principal y es que Eli, nos ofrece una délicatesse con muy mala leche, con ingredientes difíciles de digerir y brutales, en impactantes coreografías bajo un baño de sangre; todo ello aderezado con un alto realismo; así, sin anestesia, para abrir boca y cortarnos la respiración. Si lo que buscaba era que no nos moviéramos de la butaca, lo consigue.

Hablando de cortar, el plato principal llega acompañado de un desconocido que decide, pasado un año, preparar su propia mesa, con invitados de excepción y una carta muy particular. Él y su hacha, como buen anfitrión, se encargarán de que no falte nada en la mesa, incluido su humor negro, quizás, más oscuro de lo habitual, pues por instantes no sabemos si estamos ante un filme de terror slasher o una comedia demasiado perversa; aunque sinceramente eso carece de importancia. Lo que sí aseguro es que la tensión y el suspense, no abandonarán la pantalla durante toda la proyección, con grandes dosis de gore e incluso provocando la reflexión sobre el comportamiento humano y las locuras que se desatan cuando llegan las rebajas.

Los aspectos técnicos resultan, intencionadamente, quiero creer, cutres, así como la sucia y ochentera fotografía de Milan Chadima. Cuenta con un metraje muy correcto y unas interpretaciones ajustadas a los personajes, que tampoco exigen demasiado. Estamos por tanto ante una de esas películas disfrutables si te gusta el cine de desmembramientos a gogó y terror con dosis, más o menos dosificadas de gore.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre

REPARTO: Patrick Dempsey, Nell Verlaque, Addison Rae, Jalen Thomas Brooks, Milo Manheim, Gina Gershon, Tim Dillon, Rick Hoffman, Karen Cliche, Tomaso Sanelli, Jenna Warren, Jordan Poole, Shailyn Griffin, Sylvain Plasse, Russell Yuen, Gabriel Davenport, Chris Sandiford, Mika Amonsen, Jeff Teravainen, Dorian Giordano o James Goldman, entre otros muchos secundarios.

PRODUCTORA: Spyglass Media Group// Cream Productions// TriStar Pictures// Ethereal Visage Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Sony Pictures Releasing España.

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: BALADA DE PÁJAROS CANTORES Y SERPIENTES: CRITICA DE CINE

Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros Cantores y Serpientes, está dirigida por Francis Lawrence con guion de Michael Arndt y Michael Lesslie, adaptando la novela de Suzanne Collins. “Son las cosas que más queremos las que nos destruyen”

La historia nos retrotrae al pasado, tras la guerra civil que sufrió Panem. La ciudad presenta un aspecto postapocalíptico y es en ese entorno, donde conoceremos al pequeño Coriolanus Snow (Tom Blyth) al que comunican que su padre ha muerto. Transcurren algunos años y a la edad de 18 años, está a punto de ganar un premio del Capitolio por sus excelentes notas, pero al llegar se encuentra con una novedad, dicho premio será para el mentor del tributo que gane la nueva edición de los juegos. Acepta debido a la situación precaria que vive la familia y su consternación se hace más evidente cuando su tributo es la joven Lucy Gray Baird (Rachel Zegler) tributo del Distrito 12, el más empobrecido y en quien nadie confía. Lucy forma parte del grupo musical Covey y durante dicha ceremonia sorprenderá a todos con su magnífica voz. Snow queda maravillado y piensa que tal vez tengan una oportunidad, uniendo el poder de la voz de Lucy con su astucia e inteligencia.

El director de videoclips y cine, Francis Lawrence, tras realizar sus estudios secundarios en Austria se trasladó a Estados Unidos, donde obtuvo su título de Bachiller en Producción Fílmica en la Loyola Marymount University Film School. Comenzó a trabajar como asistente de cámara y más tarde se asoció con su ex compañero Mike Rosen, con quien comenzó a filmar vídeos musicales. Debido a su genialidad y originalidad en la escritura de guiones cortos para vídeos, pronto alcanzó la fama entrando a formar parte de una gran compañía trabajando con importantes artistas. En 1998 subió un importante escalón cuando Aerosmith le pidió filmar “I Don´t Want to Miss a Thing”, tema que formó parte del soundtrack oficial de “Armageddon”. Para televisión ha dirigido episodios de “Kings” 2009, “Touch” 2012/13, “Gotham” 2012 y “See” 2019… Y en el cine debutaría como director con “Constantine”2005,  “Soy leyenda” 2007, “Agua para elefantes” 2011, “Los juegos del hambre: en llamas” 2013, “Los juegos del hambre: Sinsojo- Parte 1” 2014, “Los juegos del hambre: Sinsojo- Parte 2” 2015, “Gorrión Rojo” 2018, “El país de los sueños” 2022 y este año 2023 nos ofrece “Los juegos del hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes”

Hagamos un poco historia. Esta nueva película hace la número cuatro o cinco, dependiendo de cómo se mire, pues la última entrega se dividió en dos partes. El primer filme que llegó a nuestras pantallas fue dirigido por Gary Ross “Los Juegos del Hambre” 2012 y un año más tarde, tomaría el relevo el director actual con “Los juegos del hambre: En llamas” 2013, continuando con “Los Juegos del Hambre: Sinsajo” que se presentó en dos partes 2014 y 2015 y este año, Lawrence, nos ofrece “Los Juegos del Hambre: Balada de Pájaros cantores y Serpientes”

La película, que está dividida en dos partes bien diferenciadas, se divide, a su vez,  en tres capítulos 1.- El mentor, 2.- El premio y 3º el agente de la paz, junto al prólogo y al igual que está sucediendo con otras franquicias, regresa al origen, concretamente 10 años después de los llamados Días Oscuros, para presentarnos la nueva edición de los juegos y lo más importante, los motivos que llevaron a Coriolanus Snow a convertirse en el gran villano que todos conocimos en la primera entrega.

Reconozco que asistí al pase de prensa con cierto recelo, pues la anterior entrega no me dejó del todo satisfecho y desde entonces han pasado ocho años, por el contrario, la sorpresa ha sido muy positiva y sin duda, la espera ha merecido la pena, pues a mi juicio, es la mejor de la franquicia. Primero, cabe destacar, que está divida en dos partes, como he comentado, aunque el hilo narrativo no se detiene. En la primera de ellas, conoceremos a sus dos protagonistas principales, las nuevas reglas de los juegos y las pruebas a las que se deben someter los jóvenes elegidos de cada distrito y la segunda, una vez finalizado estos, continúa con la historia de Snow, hasta hacernos comprender el  por qué en la actualidad actúa como el villano que es, pues no todos los malos nacen siéndolo, en muchas ocasiones, el detonante menos esperado, las heridas del alma, las sombras y las luces que nos acechan y diversas circunstancias, transforma a un cordero en lobo.

Un filme que goza de un perfecto equilibrio entre la acción, la aventura, el romance y el drama. No he leído la novela de Suzanne Collins, pero el guion de Michael Arndt y Michael Lesslie, construye muy bien a los personajes, desde los principales al último de los secundarios. El filme no decae en ningún momento y en todo instante están sucediendo cosas, para que el espectador no tenga tiempo ni de meter la mano en el cubo de las palomitas. Cuenta con una cuidadísima fotografía  en la mirada de Jo Willems a quien acompaña la banda sonora de James Newton Howard, la cual se fusiona con ese aire casi irrespirable y el ambiente tenso y dramático que rodea a la narración. No me puedo olvidar de los fantásticos decorados y el extraordinario montaje.

Estamos ante una liturgia que representa a lo más oscuro del ser humano. El filme nos ofrece guiños de las anteriores entregas y las principales columnas sobre las que se sostiene la franquicia: Unos juegos mortales en los cuales solo una persona puede sobrevivir, exponiéndose a grandes peligros y al resto de los participantes; las historias de amor y complicidad que surgen entre ellos y el lado político-social, en el que los gobernantes utilizan el entretenimiento televisivo, para distraer a pueblo de lo verdaderamente importante. ¿Os suena de algo esto último?

Mucho se puede contar de esta nueva entrega que recomiendo, porque sus dos horas y media, se pasan rápidamente. Más ágil la primera parte que la segunda, pero igual de disfrutables. Toca hablar de ellos: Tom Blyth nos ofrece un increíble Coryo, debatiéndose entre sus múltiples capas emocionales. Rachel Zegler nos seduce con su interpretación y los temas que interpreta y entre los secundarios destaco a Viola Davis dando vida a la perversa Dra. Volumnia Gaul y Peter Dinklage como Casca Highbottom, diseñador de los nuevos juegos, un personaje rico en matices y perverso en su mente.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre.

REPARTO: Tom Blyth, Rachel Zegler, Josh Andres Rivera, Hunter Schafer, Jason Schwartzman, Peter Dinklage, Viola Davis, Burn Gorman, Fionnula Flanagan, Ashley Liao, Isobel Jesper Jones, Dakota Shapiro, Vaughan Reilly, George Somner, Carl Spencer, Scott Folan, Honor Gillies, Eike Onyambu, Genevieve DeGraves, Konstantin Taffet y Michael Greco.

PRODUCTORA: Color Force// Lionsgate// Good Universe.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine.

LA ERMITA: CRITICA DE CINE

La Ermita, dirigida por Carlota Pereda, comparte guion con Albert Bertran Bas y Carmelo Viera. “Lo más importante es no olvidarse de decir adiós”

Cada año, las puertas de la ermita del pueblo, se abren para celebrar una vieja tradición, pues la historia cuenta que en 1631 la peste negra arrasó la región. Los enfermos fueron llevados hasta dicho lugar y una vez dentro,  se les emparedó. Entre esos enfermos se encontraba una niña de nombre Uxue, que pierde su muñeca antes de ser encerrada. Se cuenta que sus sollozos se escuchan por el pueblo y para intentar aplacar dicho llanto, cada año se hace una ofrenda de juguetes a la puerta de la ermita. Emma (Maia Zaitegi), desde una cierta distancia, escucha con atención la historia que se narra a las puertas del santuario, antes de que sus puertas sean abiertas y comiencen las celebraciones.

Emma es una niña solitaria cuya madre tiene una grave enfermedad. Emma desea perfeccionar su don como vidente, para el día en que su madre muera, poder comunicarse con ella. Tiene una buena amistad con la vidente del pueblo, pero esta fallece y la joven busca desesperada quien la pueda orientar, hasta que se lo pide a Carol (Belén Rueda), la hija de la fallecida, quien se niega, pues aunque ha tomado el relevo de su madre para ganarse la vida, es consciente de que es una farsante. El afán de la niña por querer aprender, la llevará a correr más de un peligro.

La guionista, realizadora y directora, Carlota Pereda, estudió en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM). Se inició en televisión en series como “Periodistas” 1998, “Lex” 2008, “El secreto de Puente Viejo” 2011, “Acacias 38” 2015, “Alba” 2021 y “Todas las veces que nos enamoramos” 2023. Debutó en cine con los cortometrajes “Las rubias” 2016, “Cerdita” 2018, “Habrá monstruos” 2019 y “Kinka” 2021. Colaboró en la película argentina “La cola del diablo” 2021 y debutó  en solitario con el largometraje “Cerdita” 2022. Este año nos ofrece “La Ermita” 2023

La magia y la videncia  como pretexto para narrarnos un drama duro y realista sobre los traumas de la infancia, la soledad, la enfermedad, las obsesiones, la maternidad, el cariño y la necesidad del mismo o el olvido, por mencionar algunos de los temas que desfilan por la nueva obra de Carlota Pereda; ambientada en un pueblo que conserva sus tradiciones, costumbres y supersticiones y que, como tantos, guarda sus secretos; algunos demasiado dolorosos. Secretos y pasado que sus tres guionistas irán exponiendo entre el presente y los flashback, siguiendo muy de cerca las historias de Emma y de Carol. Seremos testigos del motivo por el que Carol sufrió las quemaduras que intenta ocultar con su melena y el odio enquistado hacia su madre. Presenciaremos la procesión de los médicos de la peste, los hombres pájaros a quienes parece que las sombran de la oscuridad, persiguen ¿Dónde se esconde la realidad y la alucinación?

Lo que en un principio nos hace pensar que estamos ante un cuento macabro surgido de una leyenda de las que enriquecen a los pueblos, se transforma, como aclaraba unas líneas más arriba, en un drama emocional muy bien defendido por una magnífica Maia Zaitegi encarnando a la joven Emma, que desde la primera escena, roba el corazón del espectador. Ella es el alma de la película, sus miradas, sus silencios, cada uno de sus gestos, sus miedos y valentía, su tenacidad y sollozos, en busca de un deseo, van calando en el espectador. En el lado adulto nos encontramos con una magnífica Belén Rueda como Carol, un personaje oscuro y atormentado, que le viene como anillo al dedo. Ellas dos son la fuerza y la verdad de la película, aunque el guion flaquee y Carlota se pierda un poco entre la hojarasca del bosque, la oscuridad de sus decorados de interior y algunos de sus personajes, que deambulan como si ellos fueran los fantasmas y no los ocultos.

Cuenta con una magnífica ambientación y puesta en escena. Los aspectos técnicos, aunque mejorables, logran su objetivo y la fotografía de Rita Noriega, correctísima, con un uso extraordinario de la iluminación; también merece destacar la banda sonora de Pascal Gaigne.

En resumen, “La ermita” es un cuento de terror, un drama rural al que se le podría haber sacado más partido y con el que el espectador hubiera disfrutado mucho más. Lanzo una pregunta para quien la desee contestar. ¿Por qué en el cine español, concretamente en el nuevo cine español y en particular en el género del terror, guionistas y directores, no se atreven a dar un paso más allá cuando se cuenta con una historia que puede sorprender? Ese miedo, ese estado de indecisión y rendición, parece perseguir a muchos guionistas y directores, jóvenes. Esa sensación del mínimo esfuerzo, desgraciadamente se advierte desde la butaca.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de noviembre.

REPARTO: Belen Rueda, Josean Bengoetxea, Loreto Mauleón, Elena Irureta, Nagore Aranburu, Maia Zaitegi, Jon Olivares, María Barrios, Airoa Izaguirre, Araia Díaz, Anastasia Russo, Alba Herández, Erik Probanza, Iñaki Beraetxe, Ainhoa Aierbe, Gaizka Ugarte, Antton Bastero, Belén Cruz, Laura Galán, Amets Otxoa, Ane Pikaza,

PRODUCTORA: Filmax// Bixagu Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: FILMAX

UN AMOR: CRÍTICA DE CINE

Un amor está dirigida por Isabel Coixet compartiendo guion con Laura Ferrero, adaptando la novela de Sara Mesa. “Hay mucha monja que fuma y mucha puta que reza”.

Nat (Laia Costa) trabaja como traductora en una Oficina de Mediación de Refugiados y un día decide irse a vivir a un pequeño pueblo, en el que todos se conocen. La casa que ha alquilado está en un estado lamentable y pronto sentirá la presencia de los hombres, muy cerca de ella. El primero de ellos, su casero (Luis Bermejo) que la trata con dureza, Piter (Hugo Silva) un solterón, sin mucho porvenir, que intenta conquistarla y Andreas el alemán (Hovik Keuchkerian), quien a cambio de tener sexo con ella, le ofrece arreglarle las goteras y dejo para el final al cuarto personaje masculino, Carlos (Francesco Carril) que está felizmente casado con Lara (Ingrid García-Jonsson) quien tiene un pequeño secreto, que descubrirá a Nat.

La directora y guionista, Isabel Coixet, estudió la carrera de Historia en la Universidad de Barcelona. Se especializó en anuncios publicitarios y videoclips musicales, colaborando durante largo tiempo con la revista Fotogramas y como directora creativa de la agencia JWT. Durante los años 80 rodó diversos cortometrajes, entre ellos “Mira y verás” 1984 y videoclips como el de “Pisando fuerte” de Alejandro Sanz 1991 o “Clem Snide: Forever Just Beyond” 2021. Su debut cinematográfico, en el largometraje, llegó en 1989 con “Demasiado viejo para morir joven” al que han seguido “Cosas que nunca te dije” 1996, “A los que aman” 1998, “Viaje al corazón de la tortura” (documental) y “Mi vida sin ti” con la que ganó los Goya al mejor guion y canción, ambas en 2003; “Hay motivo” 2004 (documental), “La vida secreta de las palabras” 2005, con la que ganó 4 Goyas (Mejor película, directora, guion original y dirección artística), Premio Forqué a la mejor película y Premio Ariel a la Mejor Película Iberoamericana; “Paris, je t´aime” 2006, “Invisible” 2007 documental con el que ganó los premios Goya y Forqué al mejor Largometraje documental; “Elegy” 2008, “Mapa de los sonidos de Tokio” 2009, “Mi otro yo” y “Ayer no termina nunca”, ambas en 2013; “Aprendiendo a conducir” 2014, “Nadie quiere la noche” 2015, “La librería” 2017 que obtuvo 3 premios Goya (Mejor película, dirección y guion adaptado) y otros premios. “Proyecto tiempo” 2018, “Elisa y Marcela” 2019, “Nieve en Benidorm” 2020 y entre un buen número de documentales, series para televisión y cortometrajes, llega este año con “Un amor” 2023.

El indiscutible sello de Coixet se aventura en ese laberinto de personajes estereotipados que deambulan en un mundo rural un tanto desenfocado, ofreciendo lo más frío, alejado y decadente de las relaciones humanas. Un guion por momentos engorroso en el que no se entiende muy bien que les lleva a actúan de determinada manera o vivir en condiciones difíciles de imaginar, como es el caso de la protagonista, que alquila una casa en ruinas, con goteras, paredes insalubres, sin agua potable y espacios con aire dantesco; algo incongruente si su intención era la de evadirse y pasar unos días alejada de la rutina y el estrés.

La narración parece estar sometida a una extraña “pesadilla” vivida en una realidad forzada y artificial. Conociendo a Isabel, tal vez esa sea la intención, para desconcertar al espectador, mostrando una existencia irreal y una apariencia que se aloja extrañamente, por instantes, en nuestras mentes. ¿Estamos ante el trabajo más maduro y arriesgado de la directora? Es posible y que tal vez, pretenda que no nos acomodemos en nuestras butacas, como así desearíamos y por el contrario, seamos testigos del ir y venir de estos personajes movidos por una sexualidad un tanto viciada.

Para su nuevo trabajo, Coixet ha utilizado el formato de pantalla ¾ y cámara en mano, contando con Bet Rourich, quien nos ofrece una fotografía axfisiante causada por esa cercanía, esa intimidad robada y singular a la que somete a sus actores en interpretaciones, por cierto, correctas aunque no llegamos a empatizar con ninguno de ellos, pues aun viviendo en sus propios universos, ni la directora ni la guionista, hacen nada por mostrarlos. Un filme por el que desfilan la soberbia, el machismo, el deseo, la soledad, los abusos, el sexo, la malicia disfrazada de bondad, los miedos y hasta el sometimiento involuntario en un principio y deseado después.

Resumiendo, la sensación que me arrastró durante gran parte del metraje fue la de que Isabel, se hubiera dejado llevar por el fantasma del hastío en medio de esos paisajes desoladores y fantasmales.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de noviembre

REPARTO: Laia Costa, Hovik Keuchkerian, Hugo Silva, Luis Bermejo, Ingrid García-Jonsson y Francesco Carril.

PRODUTORA: Monte Glauco AIE// Buena Pinta Media// Perdición Films// Movistar Plus+// RTVE// TV3.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: BTeam Pictures.