APRENDIENDO A VIVIR: CRÍTICA DE CINE

         En coproducción entre Israel y Polonia, Aprendiendo a Vivir, cuenta con guion y dirección de Matan Yair.  Crítica al sistema educativo del país, el abuso de la telefonía móvil  y el deseo de recibir  las respuestas que nunca fueron contestadas, entre otros temas.

Asher (Asher Lax) es un joven de 17 años, vive con su padre que está separado, Milo (Yaacov Cohen) y cuya única prioridad en la vida, es mantener su empresa de andamios y el que su hijo un día se ponga al frente de la misma. Al contrario que otros padres, éste reprende a su hijo por dedicar demasiado tiempo  a los estudios y poco al trabajo.

Asher, es un joven inquieto, impulsivo y que pierde con facilidad los nervios, pero también es noble, deportista, enamoradizo, con buenos amigos y entusiasta ante la forma de enseñar su profesor de literatura, Rami (Ami Smolartchik).

Matar Yair nos presenta un filme que invita a la reflexión, desde el comienzo de la narración, dividiendo la historia en dos partes claramente diferenciadas. En una de las caras de la moneda, se encuentra el mundo laboral, el trabajo que el joven Asher realiza en la empresa de andamiaje de su padre y como futuro que le proporcionará el pan de cada día; en la otra cara de la moneda estará la educación y la relación tan directa que mantendrá con su profesor de literatura, en el único que ve un destello de luz para responder a sus preguntas y los pensamientos que alberga en su inquieta  mente. Una mente joven, que camina hacia la madurez, viendo y cuestionándose cuanto le rodea.

Milo y Rami; las dos columnas vertebrales que sustentan por igual, la fuerza y fragilidad de Asher, en un cuerpo formado por el trabajo diario y una mente donde surgen las dudas en su crecimiento personal, a través del conocimiento. Tradición familiar enfrentándose al despertar del saber. Un saber que le puede abrir puertas a una vida mejor, contra una tradición que le asegura su estatus actual.

Milo representa el ayer: La disciplina, la severidad y la obediencia acatando cuanto él diga como cabeza de familia que es.  Un hombre seguro de sí mismo. Rami, es el hoy y el mañana. Un profesor que se revela contra la reglas establecidas en la docencia enseñando a sus alumnos a razonas, más que a ser loros de repetición, ante lo citado o escrito en los textos. Desea crear hombres libres, mientras él vive atrapado en un terremoto de emociones.

Estamos ante tres interpretaciones cuidadas al milímetro, con tres personajes con claros simbolismos ante lo que está sucediendo en Israel. El pasado y las tradiciones,  y el futuro que mira hacia adelante, como única forma de progreso. Quiero destacar a Asher Lax, quien nos atrapa desde el principio, comprendiendo sus sensaciones, emociones, impulsos y preguntas, porque de una forma u otra, casi todos los jóvenes han estado marcados por la rebeldía propia de su tiempo, el aprendizaje y las preguntas que muchas veces han sido resueltas a medida que se crece física e intelectualmente.

Magnífico debut de Matar Yair, al que seguiremos de cerca en sus futuros trabajos y excepcional fotografía del maestro Bartosz Bieniek. La ausencia de música y el estar rodada con cámara en mano, provoca un mayor intimismo y realidad al filme.

He comentado que estamos ante una película escrita y filmada para la reflexión, pero no solo durante el transcurso de la misma, sino también al salir de la sala. Cuestiones como la frase que Ramí escribe en un momento determinado “No encuentro descanso en el mundo”  o las preguntas finales que Asher realiza a su padre. Frases y preguntas que nos motivan a considerar el sentido de la vida y el crecimiento individual, la vinculación con los padres o las separaciones en el seno familiar. Os dejaré con una de esas preguntas. “¿Cómo puede ser que pegar y querer vayan de la mano?”

Mi nota es un: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre

REPARTO: Asher Lax, Ami Smolartchik, Jacob Cohen, Keren Berger, Naama Manor, Hagit Dasberg, Dina Limon, Riki Daskal y Sharona Shir.

PRODUCTORA: New Europea Film Sales// Israel Film Fund// United King Films// Polish Film Institute// Green Productions// Film Produkcja

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

BARBACANA, LA HUELLA DEL LOBO: CRÍTICA DE CINE

        Barbacana, la huella del lobo, documental dirigido por Arturo Menor, con guion de Álvaro de Armiñán, Luis Manuel Carmona y el propio director.

El lobo, ese animal tan enigmático, amado y odiado por igual, es el protagonista principal de este magnífico documental rodado en plena naturaleza, demostrándonos que no es tan dañino como se cree, pues con su forma de actuar, logra cuidar del equilibrio del ecosistema de multiples maneras y en este documental, lo descubriréis.

Nuestros “aventureros” y buscadores de la verdad sobre el lobo, recurrirán a la ayuda de Víctor Gutiérrez experto en historia natural del lobo, Leocadio Rueda, el último pastor de Sierra Morena, que ha luchado y convivido con los lobos o el naturalista Miguel Sánchez.

Un viaje entre Castilla y León y Andalucía, rodado en el Parque Natural de Babia y Luna (León), Parque Regional de los Picos de Europa (León), Parque Natural de Fuentes Carrionas y Fuente Cobre-Montaña Palentina (Palencia), Parque  Natural Sierra Norte (Sevilla), Parque Natural Sierra de Cardeña  y Montoro (Córdoba) o el Parte Natural Valle de Alcudia y Sierra Madrona (Ciudad Real), entre otras localizaciones.

Naturaleza vida, como los espacios que he mencionado, entre ganado ovino  y bovino, entre perros mastines como los mejores aliados de los pastores y  ovejas, el instante del celo de los rebecos, lobos que intentan compartir el medio con los hombres e incluso buscando lugares donde poner a salvo a sus propios lobeznos, ante la cercanía con los humanos; pero el documental también nos mostrará la vida de otras especies que habitan en dichos espacios naturales, sobre todo la gran variedad de aves o la propia vegetación, abriéndose camino entre bosques que invitan a la ensoñación y  montañas a ser exploradas.  

         Una aventura maravillosa envuelta en misterios y secretos que tan celosamente guarda la naturaleza y hacen de este hermoso animal, un ser imprescindible, el cual no solamente debemos seguir protegiendo, sino logrando que se recupere en los lugares donde ha sido extinguido.

Para finalizar hablaré de los aspectos técnicos. La magnífica fotografía de Arturo Menor, se abraza con fuerza a la banda sonora de Javier Arnanz y Rozalén, bajo un excelente montaje por parte de José M.G. Moyano y Manuel Terceño. La narración corre a cargo de Jesús Olmedo. 

Ya nos hizo saber en su día el Gran Félix Rodríguez de la Fuente, que el lobo no era nuestro enemigo, sino nuestro hermano.

 ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre.


PRODUCTORA: Acajú Comunicación Ambiental/ Canal Sur/ CMM/ Fundación Savia/ Mundo Park/ Ecovidrio/

GAUGUIN, VIAJE A TAHITÍ: CRÍTICA DE CINE

Gauguin, viaje a Tahití, está dirigida por Edouard Deluc compartiendo guion con Etienne  Comar, Sarah Kaminsky y Thomas Lilti.

Es el año 1891, Paul Gauguin (Vincent Cassel) vive en París, al igual que otros pintores, con los que se reúne en un bar. Un día intenta convencer a sus amigos para viajar a la Polinesia, donde podrán encontrar inspiración y vivir en completa libertad, no sentir las ataduras de las modas, la política que les rodea, sin olvidar la falta de recursos económicos para sobrevivir. Sus amigos no se atreven, pues como él, no tienen dinero. Su mujer e hijos tampoco quieren dejar Europa.

Gauguin emprende su sueño exiliándose en Tahití. La vida no le sonreirá cayendo enfermo. Tras su recuperación decide explorar el interior de la isla, encontrándose con una tribu. Conocerá a una nativa de nombre Tehura (Tuheï Adams) de la que se enamorará.

         Edouard Deluc dirige y guioniza junto a Etienne Comar, Thomas Lilti y Sarah Kaminsky, el primer viaje del pintor francés a Tahití. Arruinado y sin la menor inspiración, el pintor se internó en la isla más grande de la  Polinesia Francesa, pasando grandes calamidades, enfermedades e incluso casarse con una nativa y tener hijos, sin olvidar que la inspiración le llevó a realizar una importante colección. Obras donde  en un gran número, el personaje central era su mujer. Como ocurriese con otros artistas, no vería el éxito en vida, pero sí regresaría en más ocasiones a dicha isla. No destripo nada de la historia, porque ya es historia.

Una obra que habla de decisiones, de soledad, del amor,  de búsqueda de la inspiración -el alimento del artista-, de supervivencia y de una vida naturalista. Caminará entre paisajes de los cuadros que un día pintará, vivirá estampas que reflejará con su arte posimpresionista, escucharemos las cartas que dedica a su esposa e hijos, antes de que estos le abandonen. Conocerá el amor y los celos. Olvidará por un tiempo la pintura y trabajará como estibador para poder afrontar sus gastos. Una obra perseguida por el gran manto de la pobreza.

Edouard Deluc, nos narra y presenta un gran abanico de temas, de capas en las que no profundiza, pues en realidad su objetivo primordial es el pintor, es la persona; lo demás son circunstancias, “peones” u objetos que forman parte de su vida, como el colonialismo, la comunión con la naturaleza, la religión, el despertar a una sexualidad de adolescente, como comenta en un momento determinado el pintor o los celos ante machos más jóvenes que él. Una narración pausa, que como el propio Gauguin, Deluc cubre el lienzo de la gran pantalla con la bucólica fotografía de Pierre Cottereau y la suave música de Warren Ellis.

Interpretaciones correctas, destacando a Vincent Cassel, con un Gauguin entre la locura y la humanidad y Tuheï Adams, en su personaje de dulce y entrañable Tehura.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre

REPARTO: Vincent Cassel, Tuhei Adams, Malik Zidi, Pua-Tai Hikutini, Ian McCamy y Pernille Bergendorff

PRODUCTORA: Studiocanal

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: VerCine.

VENOM: CRÍTICA DE CINE

         Ruben Fleischer (Bienvenido a Zombieland o Gangster Squard) dirige, VENOM, con guion de: Scott Rosenberg, Kelly Marcel y Jeff Pinkner, basándose en el cómic de: David Michelinie y Todd McFarlane.

Eddie Brock (Tom Hardy) es un periodista intrépido, leal y defensor de la verdad, con un gran olfato para las noticias importantes y conflictivas,  sin abandona las investigaciones hasta poner al descubierto todos los chanchullos aunque con ello, pierda su puesto de trabajo. La honestidad, como bandera.

Está rastreando a una poderosa empresa: Fundación Vida, cuya dirección recae en el científico Carlton Drake (Riz Ahmed) quien está experimentando con alienígenas (simbiontes) y humanos. La obsesión de Eddie por poner freno a los peligrosos experimentos de Drake, provocará su despido y el de su propia novia, Anne (Michelle Williams). Pero los cambios reales en su vida, comenzarán cuando es infectado por un simbionte llamado Venom. Hasta aquí puedo escribir, nada de spoiler para que podáis disfrutar de un personaje que despierta muchas simpatías y…

El universo Marvel está repleto de mundos por descubrir y de una parte de ese cosmos, llega Venom, creado en los años 80 por David Michelinie y Todd McFarlane. Un ser de apariencia repulsiva, pero que llegamos a aceptar, al menos en este filme. Parte de esa complicidad con él, se debe a su agudo e irónico sentido del humor, propio también de otros personajes de Marvel, aunque sin la menor duda, esta película es de las más divertidas de todas.

Un filme que comienza de forma tranquila y sin prisas, presentándonos a su protagonista, Eddie Brock y todo el entorno que le rodea. La ciudad en la que vive, su forma de vida, su trabajo, la gran inquietud por descubrir siempre la verdad, el amor que profesa a su novia y los planes que ambos tienen; en definitiva, la vida de un ciudadano dentro de una ciudad muy normal, como cualquiera de nosotros, hasta que entra en contacto con la empresa: Fundación Vida y entonces, no solo cambia su destino, sino el ritmo de la película, adquiriendo la velocidad que se espera de este género de cine, derrochando  momentos divertidos y acción a raudales. Mientras Venom reparte leña por todas partes, no se olvida de hacernos sonreír y es que Venom, descubre la personalidad de  Eddie y se siente cómodo, como pez en el agua.  Estoy teniendo mucho cuidado, para no hacer spoiler.

Ruben Fleischer, como he comentado, se toma su tiempo en la narración, para arrancar en el instante que él cree necesario con la acción y tal vez este detalle, desespere un poco a los que buscan acción desde el minuto cero. A quienes me leáis, tened paciencia, si buscáis acción, la vais a tener.

Las interpretaciones de los actores, como suele suceder en este género de películas, resultan  correctas, pero hay que destacar  al “indomable” Tom Hardy quien se abre camino y carga con todo el filme a sus espaldas, para mayor gloria de él y de sus personajes. Está simplemente excepcional. Nos le creemos y logra que nos hagamos sus cómplices desde el instante en que le vemos actuar en su puesto de reportero, hasta  contactar con Vemon… Eso ya son palabras mayores.

Algo habitual en los filmes del Universo Marvel, suele ser la larga duración en sus metrajes, en esta ocasión, Alan Baumgarten y Maryann Brandon, realizan un espléndido montaje, bajando de las dos horas de duración al filme y ajustando la historia para que en ningún momento decaiga. Medida como un reloj de precisión.

Nada que objetar a los aspectos técnicos, correctísimos; como acertada resulta la fotografía de Matthew Libatique, con planos ricos en encuadres y muy nítidos gracias a su iluminación, sin olvidar la vibrante música del compositor Ludwig Göransson.

La dosis de humor, que ofrece Venom, es directamente proporcional a la acción que espera el espectador. Puro entretenimiento.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre

REPARTO: Tom Hardy, Riz Ahmed, Michelle Williams, Jenny Slate, Woody Harrelson, Reid Scott, Michelle Lee, Scott Haze, Jared Bankens, Al-Jaleel Knox, Jock McKissic, Tom Holland, Mac Brandt, Sope Aluko, Jane McNeill, Wayne Pére, Selena Anduze, Donald K. Overstreet, Christian Convery, Laura Distin, Sam Medina, Gail Gamble.

PRODUCTORA: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Columbia Pictures/ Marvel Entertainment.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Sony Pictures Releasing de España.

ÁNIMAS: CRÍTICA DE CINE

El thriller psicológico, Ánimas, está dirigido por Laura Alvea y José F. Ortuño. Un filme no apto para todos los espectadores.

Una niña sube las escaleras de su edificio y se encuentra con un niño sentado en uno de los escalones, tras pedirle permiso, se coloca junto a él mientras escuchamos a través de la puerta de la casa del chico, como sus padres discuten. El niño aprieta con fuerza un yoyo roto entre las manos, la niña le dice que si quiere, puede intentar arreglárselo y él tras dudar, se lo entrega.

Han pasado unos años y ambos niños han crecido. Álex (Clare Durant) se presenta como una chica con una fuerte personalidad, apoyando a su gran amigo Abraham (Iván Pellicer), que al contrario que ella, es inseguro, asustadizo e introvertido. Un joven que vive en una casa disfuncional, con una madre con problemas psicológicos, Laura (Liz Lobato) y un padre en constante estado de cólera, Daniel (Luis Bermejo). Pero tanto la vida de Álex como la de Abraham, darán un giro inesperado ante determinados acontecimientos.

Los directores y guionistas Laura Alvea y José F. Ortuño, nos someten a un extraño ejercicio psicológico, a mi juicio, bastante intenso para un público general, pero muy interesante de analizar al salir de la sala. Estos temas, siempre me han apasionado y seguramente, como ocurre con este género o subgénero dentro del terror, las diversas opiniones sobre lo que se ha visto o creer haber visto, sean muy diversas, por lo que yo no me voy a pronunciar, salvo en un par de detalles.

No estamos ante un filme de terror, sino de miedo y no de un miedo al uso, sino de esos miedos que todos albergamos en nuestro interior en mayor o menor medida, dependiendo de cómo haya sido nuestra infancia y transcurra la adolescencia. Que en el fondo, son los peores. Como los propios directores comentaron “…Esta no es una película de miedo, sino sobre el miedo. En este caso, a crecer”.

Siempre hemos sabido de la complejidad de nuestro cerebro y de la gran diferencia entre sus dos hemisferios. La película trata precisamente de eso, del consciente y subconsciente del individuo. De cómo acontecimientos del pasado, pueden influir en el desarrollo personal.

Una vez más, tres de los elementos importantes en cualquier película, adquieren todo el protagonismo en el filme: La fotografía, la ambientación y la música.

Comenzaré con la exquisita fotografía de Fran Fernández Pardo, ofreciéndonos una cuidada selección de planos y ángulos, entre lo lógico y lo irracional, donde no quiere que nos perdamos ningún detalle de la realidad y esa fantasía cuestionable, que irá dando forma al enrevesado puzle. Dota a la obra de colores dispares, tan propios de una alucinación, de una pesadilla, tras el consumo de algún producto psicotrópico o alteración de la verdad en  la mente “enferma” el individuo.

La magnífica ambientación, será la encargada de recrear el consciente y el subconsciente, que el filme demanda. El extraño edificio donde ambos jóvenes viven, como encarnación de la cabeza de uno de ellos, al igual que los pisos de arriba y abajo, el uno a la derecha y el otro a la izquierda, como representación del cerebro de ese personaje, su consciente y su subconsciente (eso ya lo descubriréis)

En tercer lugar, la música. Una impecable banda sonora a cargo de Frederik Van de Moortel, quien nos sumerge en los mundos expuestos en la gran pantalla. Lo fantasmagórico y lo real, lo juicioso y la pérdida del mismo. El estar al filo del averno o con los pies sobre el suelo terrenal.

Entre la fotografía, la ambientación y la música, navegarán nuestros  protagonistas, manejados cuan marionetas, al capricho de sus dos directores, en dos correctísimas interpretaciones.

Antes de finalizar, deseo recalcar, que al igual que sucede con algunos filmes de terror psicológico, no es una obra para todos los públicos y menos para quienes desean saltar en la butaca a través de sustos fáciles. Es una obra compleja, en su estructura y desarrollo, tanto como la línea que separa la consciencia de la subconsciencia.

Mi nota es: 8

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre

REPARTO: Ángela Molina, Luis Bermejo, Chacha Huang, Clare Durant, Liz Lobato e Iván Pellicer.

PRODUCTORA: La Claqueta PC/ Tito Clint Movies/ Animas AIE/ Raised by Wolves/ Acheron Films.

DISTRUBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.

COLD WAR: CRÍTICA DE CINE

El extraordinario film, Cold War, está dirigido por Pawel Pawlikowski compartiendo guion con Janusz Glowacki. Política, música, amor, tradiciones y religión, en la Polonia de La Guerra Fría.

En plena guerra fría, el músico Wiktor (Tomasz Kot) conocerá a una joven cantante, Zula (Joanna Kulig) durante las pruebas para entrar a la academia de música, centro en el que imparte clases como profesor.  Ambos tienen personalidades muy dispares y aunque no parezcan los tiempos más propicios para el amor, entre ellos se desatará una fuerte atracción sentimental y carnal; pero el destino les tiene reservados una partida compleja e intensa, para descubrir sus verdaderas intenciones.  

Una historia que toma como telón La Guerra Fría, como el propio título indica, en los años 50. Una historia que junto a sus personajes, viajaremos entre Polonia, Alemania, Yugoslavia y Francia. Una historia de amor tan convulsa, como la situación política que les rodea. Una historia…

Pawlikowski regresa a la gran pantalla tras su anterior éxito y oscarizada “Ida” en 2013, con un magnífico drama ambientado en otra etapa negra, del siglo XX, tomando como tema central la música, además del amor, la fuerte presencia de la religión católica, en el sentir de sus habitantes y otras lecturas más que interesantes, que iremos descubriendo a medida que el filme transcurre.

Una narración triste, poética y romántica; meticulosamente plasmada a través de la fotografía de Lukasz Zal PSC. Cuadros maravillosos en un blanco y negro escrupulosamente cuidado, mostrando con total nitidez cada espacio, por pequeño que sea o alejado que esté y así formar parte del todo,  junto a los personajes. Retratos con una gran fuerza escénica y sensitiva, entre paisajes que nos envuelven en la tragedia que estamos viviendo. Simbolismos que se fusionan junto al sobresaliente guion de Janusz Glowacki compartido con  Pawlikowski. Todo es belleza, dentro del dolor. El dolor que despierta a una nueva vida. Una nueva vida entre escombros y hambruna. 

Resaltar la espléndida ambientación, el magnífico vestuario de la mano de Aleksandra Staszko, un correctísimo montaje de Jaroslaw Kaminjski PSM, al igual que todos los temas musicales elegidos, desde los más tradicionales, pasando por el Jazz o la música clásica de Johann Sebastian Bach.

Dejo para el final al elenco actoral seleccionado por Magdalena Szwarcbart, en el cual, sus dos actores principales brillan con luz propia. La excepcional Joanna Kulig como Zula, atravesando la piel de un personaje cautivo por el devenir de los tiempos, sufrida por la fuerte educación católica, “esclava” de su voz,  pero libre en espíritu; siempre soñadora, nunca vencida. Tomasz Kot, su partner como Wiktor, un músico que sabe lidiar con los cambios políticos de su País, pero que como tantos en su día, huye buscando un lugar mejor para desarrollarse como músico y libre como ser humano. El fuego y la pasión se desatan entre ambos, en medio del frío que provocan las guerras y las represiones. El resto de actores y actrices, están perfectos en sus personajes.

         Cold War, se perfila como un  film de los de antes, rodado en el presente, para un público atemporal. Una joya que nadie debería dejar de ver.

         Mi nota es: 9

ESTRENO en ESPAÑA: 5 de Octubre

REPARTO: Joanna Kulig, Tomasz Kot, Agata Kulesza, Borys Szyc, Cédric Kahn, Jeanne Balibar, Adam Woronowicz, Adam Ferency, Adam Szyszkowski.

PRODUCTORA: MK2 Productions/ Apocalypso Pictures/ Film4/ Opus Film/ Protagonist/ BFI Film Fund.

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.