EL MAESTRO QUE PROMETIÓ EL MAR: CRÍTICA DE CINE

El maestro que prometió el mar, está dirigida por Patricia Font con guion de Albert Val, adaptando la novela de Francesc Escribano.

El abuelo de Ariadna (Laia Costa) recibe la llamada de Laura (Alba Guilera), la encargada de las exhumaciones en el Alto de La Pedraja, Burgos, donde han encontrado restos de varias personas fusiladas durante la Guerra Civil. Ariadna decide viajar hasta dicha localidad, pues su abuelo está delicado y sabe lo importante que es para él, encontrar los restos de su padre.

Durante los días que permanece en el lugar, conocerá la historia de Antoni Benaiges (Enric Auquer), un joven maestro republicano procedente de Tarragona y que fue destinado a Bañuelos de Bureba en el año 1935. Los niños no querían asistir a clase, pero su método de enseñanza les inspiró a crear sus propios cuadernillos, además de ganarse su cariño. Al saber que ninguno de ellos había visto el mar, les hizo la promesa de que les llevaría, con el permiso de sus padres, pero llegó la guerra y…

La directora y guionista, Patricia Font, se graduó en la ESCAC (Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña) y en la EICTV (Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba). Comenzó a trabajar en televisión con la serie “Pulseras rojas” 2011, continuando con el corto “Café para llevar” 2014 y  la serie “Citas” 2015, hasta debutar en la gran pantalla con “Gente que viene y bah” 2019 para regresar a la televisión, con las series “Las del hockey” 2019, “Moebius”, “La templanza” y “Deudas” todas en 2021, hasta llegar a su nuevo largometraje para el cine “El maestro que prometió el mar” 2023.

En más de una ocasión, cuando he escuchado o leído hablar sobre la exhumación de restos de fusilados durante aquellos tiempos inolvidables y dolorosos de nuestra historia, he pensado en los hombres y mujeres cuyas vidas fueron apagadas solo por pensar de forma diferente, por las envidias y la ignorancia, por estar en un bando u otro, aunque la historia nos ha demostrado que la peor parte cayó del lado de los perdedores, pues los ganadores, henchidos de orgullo y sangre fría, no tuvieron el menor miramiento de descargar el odio y las armas sobre los cuerpos, en muchas ocasiones, de inocentes. Entre esos hombres y mujeres, ¿cuántas mentes sencillas y privilegiadas se vieron quebradas sin poder llegar a ofrecer el alcance de su potencial?. Personas de gran valía para la sociedad, que tuvieron la desgracia de estar trabajando en el sitio equivocado, enlutando, en ocasiones, a sus mujeres con hijos por criar. “El maestro que prometió el mar” es una de esas películas necesarias para aprender y recordar que el ser humano nace libre para desarrollarse en la comunidad que le toca vivir y que jamás, debería caer bajo el manto del miedo, la violencia o el despotismo de los opresores.

El guion de Albert Val, adaptando la novela de Francesc Escribano, nos ofrece una narración que navega entre dos historias: el presente y el pasado. Un presente en el que acompañaremos a Ariadna, una joven en busca de los restos de su bisabuelo que desapareció durante la Guerra Civil. Ariadna representa a una de las cientos de familias que siguen esperando el día en que puedan liberar el nudo que les atenaza el corazón, recibiendo la noticia de que han sido hallados los restos de sus seres queridos y así, darles santa sepultura y el descanso merecido. El pasado se nos muestra en la figura de uno de esos desaparecidos, pero no olvidado; el maestro tarraconense Antoni Benaiges, llegado de Mont-Roig del Camp (Tarragona) y que se instaló en el pueblo mencionado, con los sueños, las ideas e ilusiones, que un buen educador siempre lleva en su maletín, con la esperanza de legar a sus alumnos los conocimientos necesarios. Un innovador en la enseñanza que saca de la oscuridad, el analfabetismo y el miedo, a un grupo de niños y que fue pagado con la traición.

Resulta difícil no emocionarse y salir con el corazón encogido tras el visionado de esta maravillosa película que Patricia Font, ha tratado con tanta delicadeza, emotividad y sensibilidad. Un filme que retrata una nueva y oscura página en vísperas de la Guerra Civil Española, a través de la mirada de un pueblo, unos niños y su maestro. Patricia no deja puntada sin hilo, como se suele decir y sabedora de que las palabras son importantes, las utiliza con claridad y determinación, así como el tiempo que otorga a cada escena, a cada secuencia, a cada uno de los planos, dejando parte de esa responsabilidad, en las manos y la mirada de David Valldepérez, quien con su espectacular fotografía, cuidando los pequeños detalles, nos atrapa y estrangula. También mención especial merece la música sutil y angustiosa de Natasha Arizu del Valle.

Finalizo recomendando este filme, que debería ser de obligado visionado. Una reflexión para no caer en el olvido y que cuenta con excelentes interpretaciones. Mención especial para un espectacular Enric Auquer, quien nos sumerge en el mundo maravilloso de la docencia y en particular, dando valor a las mentes abiertas a nuevas ideas, sin miedo a ser encadenadas; junto a él Laia Costa, que como siempre, entrega lo mejor a sus personajes y por ende, hago extensible la calidad de cuantos intervienen, destacando a los más jóvenes, que nos emocionan con su naturalidad.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de noviembre

REPARTO: Enric Auquer, Laia Costa, Luisa Gavasa, Ramón Agirre, Milo Taboada, Nicolás Calvo, Alba Guilera, Gael Aparicio, Eduardo Ferrés, Alba Hermoso, Alicia González, Gema Sala, Genís Lama, Antonio Mora y Laura Conejero.

PRODUCTORA: Minoria Absoluta// Lastor Media// Filmax// Mestres Films// RTVE// Movistar Plus+// TV3

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Filmax.

LA CONTADORA DE PELÍCULAS: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre España, Chile y Francia, La Contadora de Películas, está dirigida por Lone Scherfig con guion de Walter Salles, Rafa Russo e Isabel Coixet.

Nos encontramos en los años 60 en el desierto de Atacama (Chile). Allí conoceremos a una familia humilde compuesta por María Magnolia (Bérénice Bejo), su marido Medardo (Antonio de la Torre) y sus cuatro hijos, entre los que destaca María Margarita (Sara Becker/ Alondra Valenzuela). Medardo trabaja en la salitrera cuyo patrón es Nansen (Daniel Brühl) y se permiten el lujo de ir todos los domingos al cine. Dentro de la sencillez, son felices hasta que un día Medardo sufre un accidente que le limita el poder trabajar, los hábitos familiares cambian hasta el punto que deciden que uno de los hijos sea el que vea la película de la semana en el cine y luego se la relate al resto, reunidos en el salón. Será la joven María la única que consigue narrar con fidelidad la película vista. Pronto se correrá la voz y el pueblo se junta en una de las calles, para escuchar a la pequeña, lo que ha visto y disfrutado en la gran pantalla.

La guionista y directora, Lone Scherfig, se graduó en Cine en 1984. Se unió al movimiento Dogma 95 al dirigir la comedia “Italiensk sea Begyndere (Italiano para principiantes)”. Debutó en televisión con “Margrethes elsker” en 1985 y en cine con “El viaje de cumpleaños” 1990. En cine continuó con “Nosotros solos” 1998, la ya mencionada “Italiano para principiantes” 2000, “Wilbur se quiere suicidar” 2002, “Como en casa” 2007, “An Education” 2009, “One Day (Siempre el mismo día)” 2011, “The Riot Club” 2014, “Su mejor historia” 2016, “La amabilidad de los extraños” 2019 y en este 2023 nos ofrece “La contadora de películas. Para televisión ha dirigido las series “Flemming og Berit” 1994, “Tasa” 1997, “Morten Korch-Ved stillebækken” 2000, “Better Times” 2005 y “The Shift” 2022.

La palabra toma el relevo de la imagen. En infinidad de ocasiones hemos escuchado la frase “más vale una imagen que mil palabras”. En esta ocasión, será el cine, rey de la imagen, quien nos ofrezca una versión contraria. Aquí la palabra será quien marca el ritmo, no solo de la película en sí, sino de la historia a relatar, aunque por supuesto, las estampas que nos brinda Daniel Aranyó, se antojan como retratos de un pasado, de un pueblo minero en el que vivían las familias de los trabajadores y el cine, como refugio para la mente y el alma. Figuras evocadoras, realistas y conmovedoras; entre acertadas tonalidades y encuadres precisos, que son vestidos de una iluminación que nos retrotrae a décadas convulsas, en Chile, extrapolables a otros países que vivieron bajo el yugo de dictadores.

Un reconfortante homenaje al séptimo arte a través de esta familia humilde, en un tiempo pasado, en el que las salas de cine copaban toda la atención, como forma de distracción, ensoñación y evasión tras la dura semana de trabajo o estudios. Un espacio en el que se reunían los amigos y familias enteras, principalmente las que se podían pagar la entrada. El filme nos ofrece pequeñas secuencias de filmes que han marcado la historia del cine: “De aquí a la eternidad” 1953 de Fred Zinnemann, “Senderos de Gloria” 1957 de Stanley Kubrick, “Los diez mandamientos” 1956 de Cecil B. DeMille, “Espartaco” 1960 de Stanley Kubrick o “El apartamento” 1960 de Billy Wilder. Cine y drama familiar bajo el telón de fondo de la historia chilena, reproduciendo épocas que estuvieron bajo los mandatos de Eduardo Frei Montalva 1964/70, Salvador Allende 1970/73 y Augusto Pinochet 1974/1990. Un filme crítico con un halo de nostalgia. De nostalgia cultural, política, social y familiar.

Si bien los decorados de Carlos Conti, el cuidado vestuario de Mercé Paloma y la excelente fotografía ya mencionada, nos trasladan a décadas del pasado siglo, envueltos en esa atmósfera de resignación, pobreza y esperanza; sin duda serán las magníficas interpretaciones las que terminan atrapándonos en su realidad. Destacar a las dos jóvenes que encarnan a María Margarita: Sara Becker y Alondra Valenzuela. Ellas son el alma del entorno que las rodea, del drama que las afecta  y de ese amor al cine, a ese cine de barrio de domingos por la tarde. Mención especial también merecen Bérénice Bejo y Antonio de la Torre.

En resumen, un filme relajante, conmovedor, que cuenta más de lo que aparentemente parece y con algunas lecturas que quedan entre esa pantalla de cine y los momentos vividos en el entorno familiar.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 27 de octubre.

REPARTO: Daniel Brühl, Bérénice Bejo, Antonio de la Torre, Sara Becker, José Soza, Alondra Valenzuela, Geraldine Neary, Gastón Salgado, Trinidad González y Luis Dubó.

PRODUCTORA: A Contracorriente Films// Selenium Films// Altiro Films.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films.

LA ISLA ROJA: CRÍTICA DE CINE

La isla roja está dirigida por Robin Campillo compartiendo guion con Gilles Marchand y Jean-Luc Raharimanana.

La película nos sitúa en Madagascar en los años 70, en el complejo militar francés, la base aérea 181, donde varias familias de militares viven los últimos coletazos del colonialismo. Allí conoceremos a Thomas Lopez (Charlie Vauselle), un niño de 10 años que disfruta con la lectura de las aventuras de Fantömette (Calissa Oskal-Ool). Con una de esas aventuras, se inicia la narración. Tiene como compañera de juegos a su  amiga del colegio Suzanne (Cathy Pham)

Colette (Nadia Tereszkiewicz) y Robert (Quim Gutiérrez) son los padres del joven Thomas y de otros dos hijos Alain (Mathis Piberne)  y Michel (Sacha Cosar-Accaoui). En los jardines de la base, están preparando una comida de bienvenida para los recién llegados, el matrimonio Huissens formado por Bernard (Hugues Delamarlière) y Odile (Luna Carpiaux). Se respira fraternidad entre todas las familias, en un tiempo incierto para muchos de ellos, aunque por lo pronto, disfrutan de su paraíso.

El guionista, editor y director, Robin Campillo, estudió en Aix-en-Provence y en el Instituto de Altos Estudios de Cinematografía (IDHEC) de París. Ha escrito numerosos guiones para Lauren Cantet entre los que se encuentran “El empleo del tiempo” 2001, “La clase” 2008 o “El regreso de Ítaca” 2014. Debutó en la dirección con “La resurrección de los muertos” 2004, “Los chicos del Este” 2013, “120 pulsaciones por minuto” 2017 y en este 2023 nos presenta “La isla roja”

Campillo nos ofrece un filme relajante, sin grandes sobresaltos,  en medio de la monotonía y tranquilidad que les otorga ese espacio paradisiaco de paz y armonía, en el que parecen vivir sus habitantes, aunque como iremos viendo, cada uno con sus historias personales, historias que sirven de chismorreo en los pequeños corrillos como fruto de las relaciones de los jóvenes y la virtud o no de las chicas. Hay que tener en cuenta la década en la que se desarrolla y que a la narración le acompaña un fuerte carácter religioso, entre estampas de ceremonias de misas, bautismo o la primera comunión, en los más jóvenes. Un lugar en el que todos se conocen y nada pasa inadvertido.

Si bien los actores cumplen sobradamente con sus personajes, la principal protagonista es la cámara. Los movimientos de la misma, los precisos y hasta preciosos encuadres y la excelente fotografía de Jenne Lapoirie, se convierten por si mismas en el foco en el que el espectador se detiene y acompaña por cada recodo que Campillo desea mostrarnos, pues cada uno de ellos posee su propio interés y lectura, a la vez que nos envuelve en esa atmósfera creada por el sonido que la naturaleza viva es capaz de establecer, por momentos, al más puro estilo documental. Uno de esos instantes lo encontramos cuando los dos jóvenes Thomas y Suzanne, realizan sus paseos en bicicleta. Hay una escena en particular, cuyo montaje, resulta espectacular.

La imaginación y la mirada de los más jóvenes nos mostrarán el final de la inocencia, así como la realidad más presente de los adultos por la que transitan pecados como el machismo, el alcoholismo, el racismo, los celos, la falta de comunicación o la prostitución; desembocando en los silencios, las miradas y las separaciones. Un filme en el que la esencia humana se presenta con sus virtudes y defectos, según el cristal transparente u opaco por el que se mire y esa nostalgia de un tiempo, que para algunos fue mejor. Navegaremos entre metáforas que brindan el desenlace de un pasado marcado por el colonialismo, trastocado por la propia vida. Para terminar, no quiero olvidarme de la banda sonora de Arnaud Rebotini.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de octubre

REPARTO: Quim Gutiérrez, Nadia Tereszkiewicz, Charlie Vauselle, Sophie Guillemin, François – Dominique Blin, David Serero, Vincent Schmitt, Luna Carpiaux, Vincent Haquin, Hugues Delamarlière, Franck Mercadal, Amely Rakotoarimalala, Mitia Ralaivita, Cathy Pham y Mathis Piberne.

PRODUCTORA: Les Films de Pierre//CNC

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films.

LOS ASESINOS DE LA LUNA: CRÍTICA DE CINE

Los asesinos de la luna, está dirigida por Martin Scorsese compartiendo guion con Eric Roth, adaptando la novela de David Grann. “Cuando empezó a llegar el dinero, debieron decirnos que venía acompañado”

A comienzos del siglo XX, la tribu Osage vivía en la peor tierra al noreste de Oklahoma, pero, como dice la voz en off, “el buen Dios fue el más listo de todos, pues la tierra escondía petróleo, oro negro” y de la noche a la mañana, el pueblo prosperó ante la atenta y resentida mirada de los blancos, los cuales comenzaron a llegar de todos los puntos para robar, manipular y extorsionar a la Nación Osage.

Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) llega a  Fairfax y se instala en la casa de su tío William K. Hale (Robert de Niro), siendo recibido como un héroe de guerra. Ernest comienza a trabajar como conductor. Se enamora y se casa con una de sus clientas, Mollie (Lily Gladstone), perteneciente a la tribu Osage. Una serie de extrañas muertes ponen en alerta a la tribu y el revuelo obliga a que el FBI envíe a un ex Ranger de Texas, Tom White (Jesse Plemons), para investigar. El resto en las casi tres horas y media que dura la película, queda a vuestra disposición.

El productor, guionista y director, Martin Scorsese, se graduó en la Universidad de Nueva York y comenzó dirigiendo cortometrajes como “Vesuvius VI” 1959, “What´s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This?” 1963 e “It´s Not Just You, Murray!” 1964, saltando al documental con “New York City… Melting Point” 1966 y debutando en el largometraje con “¿Quién llama a mi puerta? 1968, “El tren de Bertha” 1972, “Malas calles” 1973, “Alicia ya no vive aquí” 1974, “Taxi Driver” 1976, “New York, New York” 1977, “Toro salvaje” 1980,  “El rey de la comedia” 1982, “Jo, ¡qué noche!” 1985, “El color del dinero” 1986, “La última tentación de Cristo” 1988, “Historias de Nueva York” 1989 junto a Francis Ford Coppola y Woody Allen, “Uno de los nuestros” 1990, “El cabo del miedo” 1991, “La edad de la inocencia” 1993, “Casino” 1995, “Kundun” 1997, “Al límite” 1999, “Gangs of New York” 2002, “El aviador” 2004, “Infiltrados” 2006, “Shutter Island” 2010, “La invención de Hugo” 2011, “El lobo de Wall Street” 2013, “Silencio” 2016, “El irlandés” 2019 y este año nos ofrece “Los asesinos de la luna” 2023. No he incluido los numerosos documentales, algún que otro mediometraje y los cortometrajes, para no hacer más larga esta filmografía; pues sin duda estamos ante uno de los grandes y prolíficos directores.

Llevamos unos años en los que lo sorprenderte no es encontrarnos ante una película de más de dos horas de metraje, sino inferior y vaya por delante que yo disfruto de los colosales metrajes, siempre que la obra lo demande, pero enfrentarse a una de ellas, requiere de una gran dosis de entrega, dedicación y confianza. El maestro Scorsese parece querer retar una vez más, al cinéfilo, sus fieles seguidores y a los espectadores en general, pues no se ha conformado en contarnos una historia en esa línea de los 180 minutos, que puede asustar a muchos, sino sobrepasarla hasta los 206, rozando a su anterior obra maestra “El irlandés” 2019 (209´). A sus 80 años no le tiembla el pulso para dirigir y adaptar junto a Eric Roth la novela de David Grann.

Tres horas y media para narrarnos la epopeya de unos asesinatos acaecidos en los años 20 y que con la maestría que le caracteriza, nos va envolviendo, tras presentar a los personajes. Una intrigante historia de racismo y avaricia, dos de los grandes pecados de la humanidad. Un drama social al que definiría como magistral a la vez que desconcertante y visualmente impactante, rodeado de personajes atípicos. Un filme por el que desfilan la avaricia, el ansia de poder, la tiranía, la soberbia, el cinismo, la dominación vestida de muerte, la traición a la confianza y hasta esos personajes ataviados de blanco con sus capirotes y túnicas, que en aquellos años controlaban estados como  el de Indiana, Oklahoma, Oregón o Tennessee, El Ku Klux Klan.

Scorsese, director perfeccionista y detallista, deseaba que su nueva obra brillara en la gran pantalla con especial realismo y credibilidad histórica,  para ello recurrió a su amigo el Jefe Geoffrey Oso en pie como apoyo durante el rodaje, con la comunidad Osage para diseñar el vestuario o el poder utilizar los escenarios naturales que requerían la crónica; así como el uso de los dos idiomas hablados en aquel tiempo: Osage e Inglés. Oso en pie comentó a Martin durante una entrevista, que el descubrimiento del oro, les llevó al “imperio del terror” como fue denominada aquella oscura época.

Los asesinatos de la luna cuenta con un casting impresionante, destacando al cuarteto formado por dos pesos pesados de la interpretación como son Leonardo DiCaprio, dando vida a un personaje de fuerte, compleja y desconcertante personalidad y Robert de Niro como el frío, despiadado, cínico, racista y despreciable Hale y junto a ellos, la extraordinaria Lily Gladstone que roba cada plano en el que aparece. Sus silencios, miradas y frases lapidarias, marcan su fuerte identidad. Carácter que brota de lo más profundo de su interior, de su mente y su corazón, para desgarrar lentamente nuestras emociones y finalizo con Jesse Plemons, encarnando al ex Ranger de Texas Tom White, correctísimo como siempre. Aun le recordamos por su Goerge Burbank de “El poder del perro” 2021, papel por el que debería haber ganado el Oscar. Hablando de la estatuilla dorada, estoy seguro que este filme, va a obtener un buen número de nominaciones. Voy finalizando y para ello, deseo hacer mención especial de la elegante y perfecta fotografía en la mirada de Rodrigo Priego, que juega con el color y el blanco y negro con una maestría envidiable y la dramática banda sonora de Robbie Robertson.

En resumen, estamos ante una obra monumental que solo un gran maestro como Scorsese es capaz de ofrecer, aunque quizás le sobren algunos minutos de metraje y  se eche en falta cierto nervio en el ritmo. Un director  octogenario, incansable, capaz de sorprender y atrapar al espectador con un filme que combina el cine negro, el drama, el thriller, el terror e incluso la comedia y en donde sus escenas de violencia, son presentadas de manera cruda y realista.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 20 de octubre

REPARTO: Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Jesse Plemons, Lily Gladstone, Brendan Fraser, Louis Cancelmi, Jason Isbell, Larry Sellers, John Lithgow, Randy Houser, Sturgill Simpson, Steve Witting, Lauren Summer, Pete Yorn, Jack White, Larry Fassenden, Gene Jones, Ashley Nicole Hudson, William Belleau, Nathaniel Arcand, JaNae Collins, Tatanka Means, Katherine Willis, Mark Landon Smith, Tantoo Cardinal, Jerry Wolf, Jack Whitehall, Joey Oglesby, Barry Corbin, Gabe Casdorph, Lauren Yaffe, Eric Parkinson, Ty Mitchell, Cara Jade Myers, Jay Paulson, James Healy, Joe Chrest, Scott Shepherd, Claudio Encarnacion, Yancey Red  Corn, Wally Welch, Elden Henson, Gary Basaraba, Pat Healy, Terry Allen, J.C. MacKenzie, Joshua Close, Jillian Dion, Steve Eastin, Michael Abbott y Charlie Musselwhite.

PRODUCTORA: Appian Way// Apple TV+// Imperative Entertainment// Sikelia Productions// Apple Studios.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Paramount Pictures Spain.

SAW X: CRÍTICA DE CINE

SAW X, está dirigida por Kevin Greutert con guion de Josh Stolberg y Pete Goldfinger. “Esto no es una venganza, es un nuevo despertar”

Vemos como a John Kramer (Tobin Bell) le efectúan un TAC para determinar cómo evoluciona su enfermedad. Asiste a reuniones con otros enfermos de cáncer y le diagnostican que le quedan unos meses de vida y que debe resignarse. Mientras camina por los pasillos del hospital repara en un joven celador que está intentando robar a un anciano enfermo, que  duerme en su cama. Kramer piensa en que tortura le aplicaría al joven, por su  comportamiento, aunque el joven al final desiste del robo.

En su tortuosa búsqueda por encontrar solución a su cáncer, conocerá a la doctora Cecilia Pederson (Synnøve Macody Lund). Cecilia le hace un recorrido por las instalaciones donde será intervenido y le presenta a parte de su equipo formado por Gabriela (Renata Vaca),  Matteo (Octavio Hinojosa), Valentina (Paulette Hernandez) entre otros.

Como última información os comentaré que en esta ocasión Kramer no estará solo, contará con la inestimable ayuda de Amanda Young  (Shawnee Smith) y hasta aquí puedo escribir.

El editor y director, Kevin Greutert, estudió en la Universidad de California del Sur 1983/87. Además de editar importantes títulos de otros directores, ha dirigido los cortometrajes “Pilgrim´s Regress” 2003 y “Old Friends” 2006, debutando en el largometraje con “Saw VI” 2009, “Saw VII 3D” 2010,  “Jessabelle” 2014, “Visiones” 2015, “Jackals” 2017 y este año nos ofrece “Saw X” 2023.

Kramer está muy cabreado pero aparentemente sereno, pues si bien tiene un sentido de la justicia un tanto peculiar, como ya hemos visto a través de sus anteriores películas, con su salud, su cáncer terminal, no está dispuesto a que jueguen y si le intentan estafar, las alertas de su alter ego Jigsaw, se disparan. Antes de continuar, bien vale hacer un alto en esta reseña y recordar cómo nació la saga.

Los australianos James Wan y Leigh Whannell, se hicieron amigos mientras estudiaban audiovisuales en el Melbourne Institute of Tecnology. Decidieron hacer una película en cuya primera escena se vería a dos hombres encadenados en un baño con un cadáver en el centro, rodeado de sangre. Ninguno de los dos recordaba que había pasado. Esa historia daría paso a una de las franquicias más importantes y emblemáticas del cine de género: “Saw” 2004, continuando con “Saw II” 2005 de Darren Lynn Bousman quien dirigiría “Saw III” 2006 y “Saw IV” 2007. “Saw V” 2008 de David Hackl, “Saw VI” 2009 de Kevin Greutert que repitió con “Saw VII 3D” 2010, “Saw VIII” 2017 de los hermanos Spierig,  “Spiral: Saw” 2021 con el regreso de  Darren Lynn Bousman y llegamos a este 2023 con “Saw X” de Kevin Greutert.

La X entrega, como se esperaba, no defrauda, todo lo contrario, para mi gusto recupera la esencia, la tensión y el drama, sin olvidarnos de sus dosis de ingenio construyendo artefactos de sadismo y gore y superando a las anteriores, salvo quizás, a la original. Un filme que bien se podría dividir en dos partes, la primera de ellas, la imperiosa necesidad de Kramer por encontrar una cura a su enfermedad terminal y no conformarse con vencer al cáncer, sino a la propia muerte y la segunda, la que posiblemente esperan con mayor ansiedad sus hambrientos fans, entre los que me encuentro. Las pruebas que Jigsaw, el alter ego de Kramer, ha preparado a sus nuevas víctimas, con el fin de que expíen los pecados cometidos. Un juez y verdugo cuyo sadismo parece no tener límites.

Saw X cuenta con un casting muy bien elegido, encabezado por el infatigable Tobin Bell encarnando a Jigsaw, quien salvo en el Spin-off que disfrutamos en 2021 bajo el título de “Spiral: Saw”, no ha dejado de acudir puntualmente a la cita para mostrarnos todo lo que alberga su retorcida mente y como suele suceder, al llegar a una décima entrega, recuperar algún personaje del pasado, en esta ocasión, disfrutaremos con el regreso de Amanda Young, encarnada por Shawnee Smith, una partner perfecta para Tobin, que dará mucho juego. En cuanto al resto del reparto, perfectos en sus personajes, donde también destacaría a la fría e implacable doctora Cecilia Pederson a quien da vida, Synnøve Lund.

Pero también vale mencionar que en ese laberinto de redención, sufrimiento, inquietud, lucha y desesperación, cuya atmósfera macabra nos va atrapando, encontramos instantes que no solo nos hacen esbozar sonrisas, sino el provocar alguna que otra carcajada, liberando tensiones para volver a comenzar de nuevo. Un filme en el que se habla mucho, pero todo lo que se dice tiene sentido y en gran parte, nos hace reflexionar, entre tortura y tortura. Humor y terror para disfrutar a lo largo de su metraje.

Nada más quiero desvelar, salvo que la fotografía ha corrido a cargo de Nick Matthews y que os invito a verla, que por cierto, aunque no hayas visto ninguna de las anteriores, no hay ningún problema para seguir la narración, esta décima parte está ideada para que la veas sin tener que pensar en las demás.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre.

REPARTO: Tobin Bell, Michael Beach, Shawnee Smith, Synnøve Macody Lund, Renata Vaca, Octavio Hinojosa, Paulette Hernandez, Steven Brand, Joshua Okamoto, Donagh Gordon, Isan Beomhyun Lee, Katie Barberi, David Alfano, Jorge Briseño, Baltimore Beltrán, Lucia Gomez-Robledo y Kerry Ardra.

PRODUCTORA: Lionsgate// Twisted Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: DEAPLANETA

JEANNE DU BARRY: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Francia y Reino Unido, Jeanne Du Barry está dirigida por Maïwenn compartiendo guion con Teddy Lussi-Modeste.

Jeanne (Maïwenn) es una joven de clase baja con una mente abierta y amante de la lectura. Fue criada por Dumouceaux (Robin Renucci), quien a la edad recomendada la ingresa en el convento de Saint-Aure para que recibiera una buena educación y fue expulsada de él, por leer libros eróticos. Diversas circunstancias, obligaron a Jeanne a trasladarse a París, donde posó para pintores y más tarde, ejerció de cortesana. Se casó con Jean-Baptiste du Barry (Melvil Poupaud), un proxeneta de lujo y propietario de una sala de juegos. En un momento determinado y por su trabajo de cortesana, conocerá al rey Luis XV (Johnny Depp), quien de inmediato la convierte en su favorita.

La actriz, guionista y directora, Maïwen, motivada por su madre, comenzó a trabajar como actriz desde muy joven. Sus primeros trabajos fueron “L´année prochaine…si tout va bien” 1981 de Jean-Loup Hubert o “Verano asesino” 1983 de Jean Becker y como directora se inició con el cortometraje “I´m an actrice” 2004 para saltar al largometraje con “Pardonnez-moi” 2006, “El baile de las actrices” 2009, “Polisse” 2011, “Mi amor” 2015, “ADN” 2020 y “Jeanne du Barry” 2023. 

No es de extrañar, como ya hemos visto en otras ocasiones, que cuando un filme se basa en hecho reales de otras épocas, tanto el guionista como, en este caso la directora, se toman algunas o bastantes licencias históricas sobre el personaje en cuestión o la crónica en sí, bien para dotarla de mayor agilidad o simplemente para ofrecer otra visión menos oscura, escabrosa o simplista de unos sucesos más o menos conocidos. En este caso, el guionista y la directora han dibujado una visión más amable del personaje, con la que tal vez Maïwenn, se sentía más cómoda, sin ocultar lo más obvio. Un filme que nos narra la historia de la favorita de Luis XV y de los escándalos que provocó en la corte.

La película cuenta con una producción impecable, destacando los aspectos técnicos, desde la refinada fotografía de Laurent Dailland, a través de la  variedad y cuidados planos que enriquecen cada una de las escenas, así como el color y la iluminación utilizados, según las emociones o las situaciones requerían. La extraordinaria banda sonora de Stephen Warbeck, cuyas notas se filtran entre los salones y jardines de Versalles a la vez que coquetean, con los propios personajes o, el lujoso vestuario creado por Jürgen Doering, del cual cabe mencionar que también se han tomado algunas licencias con relación a la época, nada que no se sepa, pues la propia directora, ha comentado que fueron exigencias suyas, para resaltar la personalidad del personaje. Aun así, resulta espléndido y deslumbrante contemplarlo en la gran pasarela que forman las maravillosas estancias del palacio.  

Del correctísimo elenco actoral con el que cuenta la película y que Maïwenn ha dirigido con acierto y aplomo, me quedaré con tres de las interpretaciones. La primera la de la propia Maïwenn como Jeanne, en un papel convincente y disfrutable, como sucede con su compañero, el rey Luis XV, encarnado por un extraordinario y camaleónico Johnny Depp. Cada uno de sus gestos, miradas o movimientos, nos seducen como las palabras que surgen de su boca; en esta ocasión en un cuidado francés y un tercer actor, que me atrapó desde el instante en que surge en escena, Benjamin Lavernhe, como La Borde. Un personaje cuyas expresiones y emotividad traspasan la pantalla. La conexión que existe entre La Borde y Jeanne, me recordó, durante todo el metraje, a la empatía que Barney dispensaba a Vivian en la archifamosa “Pretty Woman”, al igual que las hijas del rey, parecían hacer alusión a las “malvadas” hermanastras de “La Cenicienta”. Cosas que pasan por la mente, sin que uno lo pueda evitar, mientras se permanece sentado en la butaca del cine con la mirada fija en la pantalla.

Resumiendo, Jeanne du Barry, es un filme de corte muy clásico que cuenta una historia que entretiene, entre importantes interpretaciones y una puesta en escena, espectacular.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de Septiembre

REPARTO: Maïwenn, Johnny Depp, Pierre Richard, Noémie Lvovsky, Benjamin Lavernhe, Louis Garrel, India Hair, Marianne Basler, Pascal Greggory, Melvil  Poupaud, Suzanne de Baecque, Micha Lescot, Capucine Valmary, Robin Renucci, Diego Le Fur, Pauline Pollmann, Mélanie Thierry, Laura le Velly, Luna Carpiaux, Vicent Colome, Giovanni Picci, Edouard Michelon, Alexandre Styker, Thibault Bonenfant y David Decraene.

PRODUCTORA: Why Not  Productions// IN.2 Film// France Télévision

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Notorious Picture.

TREGUA(S): CRÍTICA DE CINE

TREGUA(S) está dirigida y escrita por Mario Hernández. “¿Se pueden tener celos y posesión de un amante?

Edu (Salva Reina) y Ara (Bruna Cusí) son amigos y amantes desde hace diez años y pico. Él es guionista y ella actriz. Sus encuentros amorosos les lleva a conversar sobre sus vidas, el tiempo que llevan sin verse y la relación con sus parejas, ya que Edu tiene una novia llamada Alicia (Marta Méndez) y Ara un novio de nombre David (José Fernández)

El guionista, director y dramaturgo, Mario Hernández, se tituló en Dirección y Guion Cinematográfico por el Centro de Estudios Ciudad de la Luz en Alicante en el año 2011 y se graduó con el cortometraje “Reina de corazones”, al que han seguido “A los ojos” 2015, “Por Sifo (Slow Wine) 2016, “Vientos del pueblo sirio”  y “Salvo el crepúsculo” 2017. Finalmente debuta en el largometraje con “Tregua(s) 2023.

El cine y el teatro abrazando una historia de amor diferente. La extraña relación entre un guionista y una actriz, infieles a sus respectivas parejas, mientras ellos, en sus escapadas secretas, se dispensan amor carnal y enfrentamientos dialécticos por igual, en un vínculo o “juego” que dura algo más de una década. Encuentros furtivos por los que desfilarán los celos, las envidias, la tensión sexual, amores y desamores, tristeza y alegría, pensamientos del pasado y presente, miedos al paso del tiempo, miradas cómplices y otras desde la distancia, que te hacen pensar; sin olvidar la nostalgia, que rodea a toda la narración. Conversaciones que saben median entre los actos más sexuales, bajo el examen “indiscreto” del objetivo de una cámara que persigue la intimidad emocional y sexual. Una historia ágil, fresca, divertida en algunos momentos y reflexiva en otros.

El filme está rodado prácticamente en interiores, partiendo de la habitación en la que los amantes se reencuentran, pasando por el único momento en el que ambos se separan, él asistiendo a la conferencia y ella, al estreno de la película en la que ha intervenido; la barra del bar en la cual se tratarán como desconocidos o las parrafadas en la terraza junto a la piscina, todo ello bajo la atenta mirada de Alex Bokhari, con su excelente fotografía, que dentro de la sencillez que presenta el filme, logra transmitir lo que las palabras no son capaces de expresar, entre correctísimos encuadres y una elegante iluminación.

Un filme modesto, pero atractivo en el que la palabra, cobra su mayor protagonismo y al que yo dividiría en cuatro partes: 1) Reencuentro, 2) Confidencias, 3) Estreno y conferencia y 4) Resolución. Una historia que navega entre el glamour, el amor complaciente y la soledad, las verdades y las mentiras, la libertad y el miedo al compromiso real, generosamente ofrecidos por Bruna y Salva, en dos magníficas interpretaciones, al convertirse en los dueños absolutos de la escena, aunque desfilen brevemente algunos secundarios.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 22 de septiembre.

REPARTO: Bruna Cusí, Salva Reina, Abril Montilla, José Fernández (III) y Marta Méndez.

PRODUCTORA: Sierra Gador Producciones// La Cochera Producciones// Treguas la Película.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA:Syldavia Cinema. 

MISTERIO EN VENECIA: CRÍTICA DE CINE

Misterio en Venecia, está dirigida por Kenneth Branagh con guion de Michael Green, basándose en la novela de Agatha Christie.

Nos encontramos en 1947 en Venecia, tras la Segunda Guerra Mundial y en vísperas de Halloween. Hércules Poirot (Kenneth Branagh), jubilado y disfrutando de su merecido descanso, se despierta en medio de una pesadilla. Durante una fiesta, Poirot se encuentra con la escritora de misterio, Ariadne Oliver (Tina Fey), quien invita a Poirot a una sesión de espiritismo que dirigirá Joyce Reynolds (Michelle Yeoh), en un  palazzo en ruinas, supuestamente embrujado y propiedad de Rowena Drake (Kelly Reilly), aunque como escucharemos a otro de los personajes, en Venecia todas las casas están encantadas. Ni Poirot ni Ariadne creen en los médiums. La sesión es un burdo montaje que Poirot descubrirá enseguida, pero tras la misteriosa muerte de uno de los invitados, Hércules no podrá resistirse a investigar quién se esconde tras el asesinato.

El guionista, actor y director de teatro y cine, Kenneth Branagh, estudió en la Grove Primary School de Belfast y en el Meadway Comprehensive School de Reading, Inglaterra. En su juventud además de estudiar, practicar rugby y fútbol, escribía críticas de libros infantiles. A los 18 años ingresó en la Royal Academy of Dramatic Art y tras finalizar los estudios, comenzó a trabajar de actor de teatro clásico, en obras como Enrique V para la Royal Shakespeare Company a la edad de 23 años. En el año 1987,  junto a David Parfitt, funda la compañía, “Renaissance Theatre Company”. Además de interpretar grandes papeles en teatro y cine, ha dirigido “Enrique V” 1989, “Morir todavía” 1991, “Los amigos de Peter” 1992, “Mucho ruido y pocas nueces” 1993, “Frankenstein, de Mary Shelley” 1994, “En lo más crudo del invierno” 1995, “Hamlet, de Kenneth Branagh” 1996, “Trabajo de amor perdido” 2000, “Como gustéis”  y “La flauta mágica de Kenneth Branagh” 2006, “La huella (Sleuth)” 2007, “Thor” 2011, “Jack Ryan: Operación Sombra” 2014, “Cenicienta” 2015, “Asesinato en el Orient Express” 2017,  “El último acto” 2018, “Artemis Fowl” 2020, “Belfast” 2021,  “Muerte en el Nilo” 2022 y la actual “Misterio en Venecia” 2023.

Misterio en Venecia, adaptación libre de la novela de Agatha Christie, “Hallow´en Party”, nos devuelve al detective privado más conocido de la autora. Branagh se acomoda y atusar el bigote de Poirot a la vez que dirige, por tercera vez, una de las obras de la autora. En esta ocasión, Poirot estará acompañado de una de sus amigas, escritora y amante de los relatos de misterio, que busca inspiración para su próxima historia.

Estamos ante una obra que ha disfrutado de tres títulos diferentes, el original de la novela en inglés  “Hallow`en Party” que Agatha escribió en 1969, el segundo bajo el que se publicó en España “Las manzanas” y ahora en su versión cinematográfica “Misterio en Venecia” 2023. Cada uno de ellos está relacionado con la narración, tanto escrita como filmada. Por un lado se celebra la fiesta de Hallow ´en, en donde un grupo de niños son invitados a una casa encantada, pues guarda el misterio del asesinato de una joven. Las manzanas, en relación a uno de los juegos que se desarrolla durante el evento, intentar coger con la boca, manzanas de un recipiente con agua, sin usar las manos y Misterio en Venecia, al situar los festejos en la ciudad italiana, entre sus edificios, góndolas, calles, puentes y sus gentes disfrazadas. Una magnífica ambientación realzada por el uso de la cámara, los decorados de Celia Bobak, la brillante fotografía Haris Zambarloukos, con quien también trabajó en “Asesinato en el Orient Express” y “Muerte en el Nilo”; la dramática banda sonora de Hildur Guðnadóttir y el meticuloso montaje a cargo de Lucy Donaldson. Ambientación y situaciones que por momentos saltan del suspense clásico al terror más Victoriano, entre el equilibrio y la elegante dirección general y actoral de Kenneth, quien parece encontrarse cómodo, con las historias que nos dejó la reina del misterio.

Un filme en el que Branagh, sin separarse de ese aire teatralizado de suspense un tanto encorsetado y característico, que en parte demandan las obras de la autora, dota a la narración de un terror victoriano con el que logra acentuar y potenciar la historia, a la vez que sitúa, con astucia y agilidad, al espectador en los diversos escenarios. Por otro lado, en esta ocasión no ha contado con un reparto tan brillante como en otras ocasiones, aun así cada uno de ellos cumple sobradamente con su personaje. Un reparto que encabezan Michelle Yeoh, Tina Fey o el mismísimo Kenneth Branagh, tres actores que cuando la obra lo requiere o Branagh lo estima, irán dando paso a otros compañeros a los que envolverá en una atmósfera tensa y claustrofóbica, favorecida por las inclemencias meteorológicas, las sombras chinescas, el correctísimo uso del color y del blanco y negro, los decorados, la selección de planos e incluso las inquietantes marionetas. Todo está al servicio del director, el reparto y por supuesto, de los espectadores.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de septiembre

REPARTO: Kenneth Branagh, Kyle Allen, Camille Cottin, Jamie Dornan, Tina Frey, Jude Hill, Emma Laird, Kelly Reilly, Riccardo Scamarcio,  Michelle Yeoh y Amir El-mashy

PRODUCTORA: 20th Century Studios// Scott Free Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: 20^th Century Studios.

NO TENGAS MIEDO (COBWEB): CRÍTICA DE CINE

No tengas miedo (Cobweb), está dirigida por Samuel Bodin con guion de Chris Thomas Devlin.

Peter (Woody Norman) es un niño de ocho años, tímido, poco hablador y que sufre bullying en el colegio. Le vemos realizar las tareas en su día a día: paseando, aburrido en clase y en el hogar, en donde aprende a tocar el piano con su madre, juega solo a la pelota o aseándose antes de irse a la cama. Una noche escucha extraños ruidos en una de las paredes de su habitación y se lo comenta a sus padres Mark (Antony Starr) y Carol (Lizy Caplan), quienes no le dan importancia.

La nueva profesora, la señorita Divine (Cleopatra Coleman) observa con atención un dibujo de Peter y tras no convencerle la respuesta que le da el joven, acude a la casa para hablar con los padres, estos insisten que su hijo tiene mucha imaginación. Un acontecimiento dramático en el colegio, determina que el pequeño no vuelva al colegio y que éste, comience a dudar de sus padres. ¿Qué esconden las paredes de la casa? ¿Existe algo oscuro que Mark y Carol ocultan? Las respuestas, tras ver la peli.

El guionista, actor y director, Samuel Bodin, estudió en el Conservatorio de Tours y en la Escuela de Arte Dramático de Cannes y Marsella (ERACM). A los 20 años fundó la Compañía Les Gueuriban. Debutó en 2008 con el videoclip “Gojira: Vacuity” y el corto “Folles d`Adam” al que le siguieron: “Batman: Ashes to Ashes” 2009 y “Nuyya” 2010, para saltar a la televisión con las series “Lazy Company” 2013,  “T.A.N.K.” 2018 y “Marianne” 2019. Este año debuta en el largometraje con “No tengas miedo (Cobweb) 2023.

Nos hallamos ante a una habitación en penumbras, un niño introvertido, unos extraños padres sobreprotectores y en un principio unos golpes que parecen surgir de una pared de dicha habitación, en el silencio de la noche; de esos que si los escuchamos cuando estamos dormidos y nos despertamos, saltan todas las alarmas en nuestro interior; pero la narración da  un paso más provocando que el niño, intrigado, imite dichos ruidos golpeando la pared y esta, le responda. La alerta inicial se transforma en misterio y el misterio, en tensión. Bajo este prisma el director Samuel Bodin y el guionista Chris Thomas Devlin, nos invitan a que nos adentremos en esa casa encantada cuyo protagonista principal es Peter, al que llegaremos a conocer en profundidad, no así a sus padres, pues nos quedamos con las ganas de saber más de ellos y con ciertas sospechas, que no se nos aclaran.

Con lo expuesto ya se tendría suficiente material para dar cuerpo a un filme de terror al uso, pero el guionista no se conforma y da una vuelta de tuerca, revistiendo al misterio de drama psicológico, por el cual desfilarán el acoso escolar, la sobreprotección, el maltrato infantil, lo desconocido, la soledad o el no escuchar o no querer escuchar a los más pequeños, cuando estos lo demandan; por poner algunos ejemplos. Temas en los que no se profundiza, como quizás le gustaría al espectador, pues simplemente se muestran para que comprendamos la personalidad y el comportamiento de los protagonistas. Bodin, en su ópera prima en el largometraje, consigue crear tensión y logra, en gran medida, la atmósfera que el filme requiere, exhibiendo la realidad y la ficción, entre lo que vemos en escena y lo que se supone o no, esconden las paredes.

Una premisa que de entrada convence, pero el problema surge cuando la dirección y los movimientos de cámara que nos habían atrapado sin remisión en una primera parte, comienzan a bascular y repetirse, como si el director dudara o le faltara atrevimiento, calando esa sensación en el espectador a quien saca de la tensión narrativa que se había generado hasta ese instante. Lo curioso y sin saber muy bien cómo lo consigue, nos vuelve a introducir  y sacar de la historia hasta que llegamos a un final que no sabe cerrar. No se puede ser tan perezoso, ante un filme que dura escasamente hora y media y el espectador teniendo que sufrir la indecisión que persigue a muchos directores que saltan de corto al largo. Si te atreves a dar el salto, tienes que prever cómo caer. Aun así, confiaremos en su próximo trabajo.  

Cobweb es una película sencilla, rodada prácticamente en el interior de la casa y sustentada por interpretaciones interesantes, entre las cuales y sin dudar, el joven Woody Norman, encarnando a Peter, se convierte en la absoluta estrella de esta singular pesadilla, acompañado por un trío cuyos personajes navegan entre la oscuridad, Antony Starr como Mark y Lizy Caplan como Carol y la luz que proyecta Cleopatra Coleman, como la profesora sustituta Divine.

Mi nota es: 6

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de agosto.

REPARTO: Antony Starr, Lizzy Caplan, Cleopatra Coleman, Woody Norman, Luke Busey, Steffanie Sampson,  James Robinson, Jay Rincon, Anton Kottas, Ellen Dubin y Jesse Sarah Vilinsky.

PRODUCTORA: Lionsgate// Vertigo Entertainment// Point Grey Pictures

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértice Cine. 

BLUE BEETLE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos y México, Blue Beetle, está dirigida por Ángel Manuel Soto con guion de Gareth Dunnet-Alcoer. “El amor que sientes por tu familia, te hace débil”

Jaime Reyes (Xolo Mariduena) es un joven soñador que regresa a casa tras licenciarse. En el hogar viven sus padres: Alberto (Damián Alcáraz) y Rocío (Elpidia Carrillo), su hermana Milagros (Belissa Escobedo), su tío Rudy (George Lopez) y la abuela Nana (Adriana Barraza). Jaime sueña con algún día salir de la pobreza, pero mientras tanto acepta un trabajo que le ofrece su hermana, en una mansión, propiedad de Victoria Kord (Susan Sarandon). Jaime asiste a una riña entre Victoria y su sobrina Jenny Kord (Bruna Marquezine) y él sale en defensa de la joven Jenny, por lo que es despedido, pero Jenny le da su teléfono para que la llame y ofrecerle un nuevo empleo.

Por otra parte, conoceremos la existencia de un extraño escarabajo que Victoria está investigando en la empresa y que Jenny le roba en un descuido, pues sabe que desea utilizarlo para crear armas de destrucción masiva. En medio, una vez más, se ve involucrado Jaime, cuando Jenny le entrega una caja para que la guarde. Jaime abrirá dicha caja al llegar a casa y descubrirá que el interior guarda la figura de un escarabajo que pronto se fusionará con él. La aventura está a punto de comenzar.

Blue Beetle (Escarabajo Azul) es un personaje de DC Comics y forma parte del Universo extendido de DC (DCEU), convirtiéndose en la decimocuarta película de la saga. Está producida por DC Studios, Entertainment One, S&K Pictures y The Safran Company. La distribución corre a cargo de Warner Bros. Pictures. El rodaje comenzó el 25 de mayo de 2022 en el área metropolitana de Atlanta en Wilder Studios, también cuenta con exteriores filmados en El Paso y Puerto Rico. Será en Puerto Rico, donde se dará por finalizado el rodaje el 18 de julio de 2022. Para concluir, comentaros que cuenta con guion de Gareth Dunnet-Alcocer, dirección de Ángel Manuel Soto y como protagonista principal Xolo Maridueña.

El guionista, productor y director, Ángel Manuel Soto, estudió arquitectura, cine documental y escritura. Comenzó a trabajar como productor de televisión y continuó con la dirección artística en una agencia de publicidad local. Debutó en el cine con los cortometrajes “22weeks” 2009, “Sexy mortal” 2010, “En la privacidad de mi Hogar” y “La Carta” 2011, “El Gallo” 2012, “The Second Line: A Parade Against Violence” 2015, “Repensando a Cuba”, “I Struggle Where You Vacation”, “El Púgil” y “Bashir`s Dream” todas en 2016 y “Dinner Party” 2018. En el largometraje se inició con “La granja” 2015, “Charm City Kings” 2020 y este año llega “Blue Beetle” 2023

Muchos diréis, una más de superhéroes. ¿Qué aporta de nuevo? Yo os diría de entrada que os olvidéis de todo lo visto hasta la fecha y que os dejéis llevar por esta divertidísima, entretenida, vertiginosa y hasta refrescante película familiar. Sí, lo he dicho bien, “familiar”, pues es la familia y la comedia, quienes imperan en este filme de lo más disfrutable. La comedia y la familia arropando a su particular superhéroe, que aun rememorando a otros, a mí por ejemplo, la manera de fusionarse alienígena y humano, voz  incluida, me recordó a Venom, cuenta con personalidades muy diferentes.

Los fans de los superhéroes tanto de DC como de MARVEL, somos conscientes de que muchos de ellos se parecen entre sí, pero sin duda es en la forma de presentar a unos u otros, donde estriba la diferencia, lo que cada vez resulta más complicado para los guionistas y directores, pues en los últimos años, el aluvión de los que se han acercado a la gran pantalla, han sido muchos.

En esta ocasión se nos presenta el origen de un nuevo superhéroe del que conoceremos su lado más humano, sus raíces, pensamientos, sueños o los debates internos que brotan de la realidad y el tener que enfrentarse a lo desconocido; hasta aquí, nos suena bastante, pero la sorpresa llega cuando le vemos que no está solo, pues de entrada forma parte de una familia muy singular, en la que, el amor que se profesan, se convierte en el mayor de los aliados, en un escudo infranqueable; luego, ante la primera transformación de Jaime que surge en presencia de toda la familia, quienes tras los primeros instantes de histeria colectiva, parecen aceptar al nuevo anfitrión del joven  y sin desvelar más, el que Jaime, estará bien acompañado en la batalla contra el mal. El poder de la familia, los verdaderos héroes de esta función, que no solo sorprenden al joven Jaime con sus acciones y reacciones, es el gran balón de oxígeno de la película, conquistando a los espectadores a través de sus personalidades tan diversas. Entre ellos vale destacar al tío Rudy, magníficamente interpretado por George Lopez, quien en cada escena que aparece, se apropia de ella, con absoluta naturalidad, como también lo logra la divertidísima Nana, encarnada por Adriana Barraza. En cuanto a los malos, prefiero que los descubráis vosotros.

El filme se toma algunas licencias con respecto al cómic, como el lugar de residencia de la familia de Jaime, originalmente en El Paso (Texas) y aquí, como veremos en un gran cartel, cuando pasa el avión por encima de él, nos posiciona en Palmera City, habitada por un gran número de emigrantes, pero no será la única diferencia, pues el villano Carapax (Raoul Max Trujillo), también sufrirá algunos cambios. La película no está exenta de toques muy latinos, además de hablar en español e inglés, también se hace referencia a personajes como el Chapulín Colorado, la telenovela María la del barrio o el uso del Vick Vaporub, por mencionar algunos de ellos.

Para finalizar, entre los puntos destacables de la historia encontramos las correctas escenas de acción, bien coreografiadas y ajustadas en sus tiempos, estimulando la adrenalina en el espectador, sin saturarle. El aporte de emotividad y la gran dosis de comicidad, que la dotan de humanidad y veracidad. El magnífico elenco actoral, compuesto por mexicoamericanos y mexicanos, en su gran mayoría, el uso del color y luces neón confiriendo un halo ochentero a la fotografía de Pawel Pogorzelski y para terminar, la cuidada banda sonora de The Haxan Cloak.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de agosto

REPARTO: Xolo Mariduena, Bruna Marquezine, George Lopez, Belissa Escobedo, Adriana Barraza, Damián Alcázar, Elpidia Carrillo, Raoul Trujillo, Susan Sarandon, Harvey Guillén, Lovell Gates y Becky G.

PRODUCTORA: DC Entertainment// The Safran Company// Warner Bros.

DISTRIBUIDORA: Warner Bros. Pictures España.

VAMPIRO AL RESCATE: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Rusia y Hungría, Vampiro al rescate, está dirigida por Roman Artemyev compartiendo guion con Genrikh Nebolsin.

Vasilisa se niega a casarse con Drybone, el señor del castillo, quien busca contraer matrimonio con una doncella con la que compartir su vida. Se enfada y destruye todas las fotos de las jóvenes que le han rechazado y de las que aún no lo han hecho. Pero hay una mujer que sí desea casarse con él, Mara la hechicera, a la que todo el mundo teme, por su crueldad. Le amenaza con romper la aguja que le hace inmortal, sino se casa con ella. Drybone junto a sus dos fieles compañeros, Stoker y Bram, decide esconder la aguja para que no la encuentre la hechicera y abandonar el castillo, pero la fatalidad provoca que otra bruja llamada Yaga, lo vea todo.

Por otro lado, conoceremos a la Bella Bárbara La Valiente, quien peleará con todos los pretendientes que desean casarse con ella. Entre ellos y bajo una gran coraza inexpugnable, se esconde el cobarde rey Lentil, un despreciable ser que está arruinado y solo busca las riquezas de la joven.

En un principio parece que estemos ante un cuento de caballería con sus príncipes, reyes, princesas, en esta ocasión una joven de nuestro tiempo, empoderada; brujas, monstruos y por supuesto, el héroe, que no puede faltar, pero a medida que transcurre la narración, nos trae recuerdos de otra fábula como es “La Bella y la Bestia” de Disney y no serán los únicos personajes que nos evoquen a otras películas de la factoría, pues seres como Stoker y Bram, también tienen sus propias referencias; aun así, el filme resulta original, atractivo, simpático, romántico y con el que estoy seguro que los más pequeños de la casa, van  a disfrutar de principio a fin.

La película cuenta con una paleta de color en tonos pastel y diseñada con  trazo sencillo, a la vez que vistoso. Una obra con un buen ritmo, que durante sus 76  minutos de metraje, no cesa de llevarnos de un lado a otro, a través de ese viaje, de esa aventura que emprenden los dos protagonistas o debería decir de los cinco, a los que les abrazará una historia bien resuelta y como ya viene siendo costumbre, en el cine de animación, dejando mensajes para los adultos y los más pequeños.

Resumiendo, un filme enfocado a los más jóvenes de la casa, en el cual el bien y el mal, entrarán en contienda, mientras el amor y la amistad, darán forma a la narración, conociendo a sus personajes. Una propuesta interesante para estas fechas que invitan a refugiarse, del intenso calor, en las salas de cine.

Mi nota es: 6,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de agosto

PRODUCTORA: Kinokompaniya  CTB// KinoAtis// Luminescence Film

DISTRIBUIDORA: Cinemarán.

LA ÚLTIMA REINA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Argelia, Taiwán y Francia, La última reina está dirigida y escrita por Adila Bendimerad y Damien Ounouri. “Cuando surge cualquier dificultad u opresión, el misericordioso nos aliviará”

Estamos en el año 1516. La ciudad de Argel lleva seis años bajo una república monárquica brutalmente controlada por los españoles. La llegada del pirata Aruj Barbarroja (Dali Benssalah) cambiará el destino de la ciudad, liberándola y haciéndose con el poder del reino. Contra todos los rumores y pronósticos, una mujer plantará cara al corsario, la reina Zaphira (Adila Bendimerad), viuda del asesinado rey Salim Toumi (Mohamed Tahar Zaoui) con quien tenía un hijo varón, el príncipe Yahia (Yanis Aouine). A la muerte del rey Salim, la reina Zaphira se centrará en proteger a su hijo, a la comunidad y vengar la muerte de su marido, mientras estrecha lazos con la otra mujer de Salim, Chegga (Imen Noel).

La actriz, guionista, productora y directora, Adila Bendimerad, estudió en Francia Hypôkhagne (literatura y filosofía moderna) además de teatro. Se inició en la danza contemporánea y afrocontemporánea. Desde 2003 es miembro de la asociación artística y cultural Chrysalide de Argel y socia del programa negro sobre blanco en la ciudad de Sétif, Lyon, Argel y junto a Djaber Debzi, fundó la productora “Taj Intaj” creada en 2011. Ha trabajado como actriz y directora en teatro, opera y cine. En cine debutó junto al director Merzak Allouache, en las películas “Normal!” 2011, “Le repenti” 2012 y “The Rooftops” 2013. Con Damien Ounouri en “Kindil” y “Still Burning” de Georges Hachem, ambas en  2016, “Parkour(s)” 2019 de Fatma Zohra Zamoum y este año, además de interpretar, debuta en la dirección de cine, pues ya había dirigido teatro y ópera,  junto a Damien Ounouri. Por su parte Damien Ounouri, estudió teoría del cine en la Sorbonne Nouvelle University. Se graduó con el documental “Xiao Jia rentre à la maison” 2008 al que siguió “Fidaï” 2012. En 2016 rodó el mediometraje “Kindil El Bahr” y ahora nos presenta su ópera prima junto a la actriz Adila, “La última reina” 2023.

El filme está dividido en 5 episodios: Acto I: ¡Por Argel!. Acto II: Te amo tanto como profunda es la mar. Acto III: Juro por Dios, ante todos los testigos presentes, Acto IV: Templa tu corazón y Acto V: Se dice que… Este último acto, centrado en los dos protagonistas principales, Zaphira y Aruj, “se dicen que…” es toda una declaración, original y exquisitamente rodada, mostrando el amor que se profesan estos dos rebeldes con causa y solitarios, en busca de aquello que nunca han conocido, de la verdadera felicidad y de ser comprendidos. A mi juicio, quizás porque me puede el romanticismo, la considero la mejor escena de toda la película, alimentada por la fuerza de las palabras, las miradas y los gestos.

Cabe destacar que estamos ante una película marcadamente clásica, con un importante presupuesto, resaltando el espectacular diseño de producción, la sofisticada escenografía de Feriel Gasmi Issiakhem, la brillante fotografía en la mirada de Shadi Chaaban, la dramática banda sonora de  Evgueni Galperine y Sacha Galperine, el exquisito y laborioso vestuario de Jean-Marc Mireté y el esmerado montaje en las manos de Matthieu Laclau y Jann-Shan Tsai. Un filme que sorprende de principio a fin atrapando al espectador con su refinada y bien orquestada dirección, logrando elevar la tensión a medida que transcurre el metraje entre sus escenas de acción y dramaturgia, que por momentos, parece que estemos ante una tragedia griega más que argelina.

En relación a la historia, no entraré si se han tomado algunas o muchas licencias, pues desconozco este momento histórico, que por otro lado, me ha resultado muy interesante, principalmente en cuanto al enfoque dado a la mujer en aquellos tiempos y la composición que les lleva a crear un filme marcadamente feministas e incisivo, pues si bien, las dos figuras masculinas parecen destacar en su narración como son el rey Salim Toumi y el corsario Aruj Barbarroja, serán la reina Zaphira, la reina Chegga y Astrid de Tereszkiewicz, quienes marcarán los tiempos en medio de sus enérgicas y dispares personalidades. Cinco interesantes interpretaciones entre las que destacan la sobresaliente Adila Bendimerad que además coescribe, codirige y produce el filme y Dali Benssalah, creando, entre ambos, un perfecto dueto. 

Para finalizar, hacer mención especial a la brillante y elegante fotografía, que plasma con detalle las escenas de batalla o la cotidianidad, como ese instante en que los personajes posan para la posteridad, así como la cuidada iluminación que captan la belleza de la luz que desprenden las antorchas o los llamativos reflejos en el agua. Mencionaré uno de esos momentos donde la composición escénica sobresale, se tata de la secuencia en la que vemos a los soldados españoles y argelinos en el campo de batalla y a las mujeres y los niños en el interior de una cueva, ellas rezando por sus hombres y los niños jugando despreocupadamente; hasta llegar al instante en el que madre e hijo, Zaphira y Yahia, conversan sobre la guerra, quedando patente la diferencia existente entre la posición del hombre y de la mujer, desde muy temprana edad, tanto en la sociedad, como en la jerarquía familiar.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 11 de agosto

REPARTO: Adila Bendimerad, Dali Benssalah, Imen Noel, Nadia Tereszkiewicz, Tahar Zaoui, Yanis Aouine, Tenou Khilouli, Ahmed Zitouni, Tarik Bouarrara, Slimane Benouari, Ahmed Meddah, Leila Touchi, Mina Lachter y Kader Affak.

PRODUCTORA: Agat Films// CADC // Taj Intaj// Yi Tiao Long Hu Bao International Entertainment Company.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Surtsey Films.