DEADPOOL Y LOBEZNO: CRÍTICA DE CINE

 

Deadpool y Lobezno, está dirigida por Shawn Levy compartiendo guion con Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells y Paul Wernick.

Vemos como Deadpool (Ryan Reynolds), se encuentra en un paraje nevado desenterrando a Lobezno (Hugh Jackman) y manteniendo su primera batalla sangrienta con un grupo de soldados. Se dirige al público para explicarle como ha llegado a esa situación.

La  Time Variance Authority (TVA) se puso en contacto con él para que les ayudase a solucionar un grave problema surgido en la línea de tiempo y para dicha misión, Deadpool, buscará a Lobezno para que le apoye. Una misión que cambiará para siempre la historia del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Como diría Deadpool. “¿Para qué coño sirven las sinopsis, más que para rellenar unas líneas de una crítica, que tal vez a muy pocos  les interese?” Pero yo no soy Deadpool, creo en los lectores y aquí os la dejo.

Hablando del UCM, es importante saber que es la primera vez que este personaje se integra en el mismo, que estamos ante la película número 34 y la tercera del irreverente y sarcástico personaje interpretado por Ryan Reynolds. Las anteriores entregas y bajo el sello de 20th Century Fox fueron “DeadPool” de Tim Miller 2016 y “Deadpool 2” de David Leitch. Este año el relevo lo toma Shawn Levy. Para terminar os diré que ha sido producida por Marvel Studios, 21 Laps Entertainment y Maximum Effort, con distribución de Walt Disney Studios Motion Pictures y que se sitúa como la cuarta entrega de la Fase V. Dicho esto continuamos con la biografía del director, que viene bien conocerla.

El actor, productor y director, Shawn Levy, estudió en la Escuela Secundaria de San Jorge y tras finalizar, ingresó en la Stagedoor Manor Performing Arts Training Center de Nueva York, para proseguir con su formación artística en la Universidad de Yale, obteniendo en el año 1989 el título de especialista en Artes Escénicas. Sus primeros trabajos estuvieron relacionados con la interpretación en filmes como, “Zombie Nightmare” 1986 de Jack Bravman y en numerosas series de televisión. Como director debutó con el cortometraje “Broken Record” 1994, saltando al largometraje con “Destino desconocido” y “Just in Time” 1997, “Gordo mentiroso” 2002,  “Recién casados” y “Doce en casa” 2003, “La Pantera Rosa” y “Noche en el museo” 2006, “Noche en el museo 2” 2009, “Noche loca” 2010,  “Acero puro” 2011, “Los becarios” 2013, “Ahí os quedáis” y “Noche en el museo: el secreto del faraón” en 2014, “Free Guy” 2021, “El proyecto Adam” 2022 y este año nos ofrece “Deadpool y Lobezno” 2024. Ha dirigido telefilmes como “Stray Dog” y “Dear America: Dreams in the Golden Country” ambas en 1999, “Su mejor amigo” 2001, “The Deerings” 2004, “Joint Custody” 2005, “Family Album” 2011 y  “Little Brother” y “Family Trap” 2012. Además ha realizado varios capítulos en numerosas series.

Seguramente muchos os preguntaréis si nuestro adorable Deadpool, al menos para mí, a quien considero uno de mis personajes favoritos capaz de romper siempre la cuarta pared; tras el cambio de productora, sigue manteniendo su descaro, su peculiar verborrea, sus palabras y frases subidas de tono y sus gestos obscenos. Pues sí, ha recibido su merecidísima y esperada clasificación “R” de la que se siente orgulloso, y es que si algo caracteriza a la perfección a este personaje es su autenticidad, naturalidad y el ser políticamente incorrecto. No es el personaje más cachas entre los superhéroes, pero su arrolladora personalidad, cautiva y sin duda, Ryan Reynolds, es el perfecto anfitrión para encarnarlo. Ya que he hablado de Ryan, aprovecho para hacerlo de su compañero Hugh Jackman como Lobezno, este sí que va sobrado de musculatura y aunque el puto amo sea Ryan (perdón por el taco),  Hugh está a la altura con un personaje perseguido por las luces y las sombras del pasado. Dos personalidades dispares que convierten a Deadpool y Lobezno, en la mejor película de la hasta ahora, trilogía y de muchas del universo UCM, en donde los dos protagonistas principales transmiten al espectador la química que se respira entre ellos. Lo repito, toda una gozada verles en acción o discutiendo, lo mismo me da.

El filme nos ofrece una extraordinaria y divertidísima banda sonora de Rob Simonsen con temas sempiternos que cualquier superhéroe, incluyo por supuesto a Deadpool, soñaría tener como acompañamiento en sus películas. Títulos como “Like a Prayer” de Madonna o el inolvidable “You`re The One That I Want” interpretado por John Travolta y  Olivia Newton-John de la película “Grease”. Esta vez no subiré los títulos que forman dicha banda sonora, porque es un auténtico placer y un disfrute ir descubriéndolos a medida que transcurre el metraje.

Composiciones cuyas notas desfilan por esta brillante historia, abrazando y enriqueciendo las coreografías expuestas en las potentes y sangrientas escenas de acción e incluso ver como Deadpool, baila mientras ejecuta a sus enemigos con las catanas y el cuchillín. Todo un espectáculo para el espectador que navega entre las líneas temporales. No me voy a olvidar de un personaje clave y al que desde aquí envío un aplauso especial, me refiero al pequeño Dogpool. Como saquen el peluche, me lo pido para Reyes.

George Richmond, se entrega con una elegante y cuidada fotografía a lo largo del metraje, ofreciendo una selecta gama de color y planos que van componiendo cada escena de manera milimétrica, entre los decorados de interior, exterior y los efectos especiales. Toda la parte visual resulta impactante y gratificante. Nos creemos cuanto vemos. Deadpool y Lobezno alcanza una nueva dimensión visual con un despliegue técnico, insuperable.

Resumiendo, porque no quiero desvelar más, todo en esta película funciona  e incluso lo más descabellado, me convence. Está dirigida con firmeza desde una mente juguetona y caprichosa, que contagia a sus actores y que de otra forma sería imposible deleitarse del gran resultado que ofrece. Cuenta con un sólido guion de Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells y Paul Wernick, quienes se lo han currado y mucho. Los diálogos son brillantes y las sorpresas constantes. Al ritmo que le confiere el gran montaje de Shane Reid y la dirección, nada que objetar y sí mucho que felicitar, al igual que a todo el equipo de efectos visuales y maquillaje. Yo no sé si estamos ante un nuevo Marvel, con ideas más atrevidas y necesarias para nuestro tiempo, si es así, bienvenido y gracias por espectáculos como este. Una ola refrescante para este verano.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 25 de julio.

REPARTO: Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Leslie Uggams, Morena Baccarin, Brianna Hildebrand, Emma Corrin, Matthew Macfadyen, Tyler Mane, Shiori Kutsuna, Aaron Stanford, Jennifer Garder, T.J. Miller, Kelly Hu, Tara Strong, Stefan Kapičić, Rob Delaney, Lewis Tan, Karan Soni, Ray Park, Jason Flemyng, Randal Reeder, Dania Ramírez y Rov McElhenney

PRODUCTORA: Marvel Studios// 20^th Century Studios// 21 Laps Entertainment, Donners`Company// Maximum Effort.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Diney Pictures Spain y 20th Century Studios España.

EL REINO DEL PLANETA DE LOS SIMIOS: CRÍTICA DE CINE

El reino del planeta de los simios está dirigida por Wes Ball con guion de Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver y Patrick Aison. “Para sobrevivir recuerda tu fuerza, tu compasión, tu misericordia”.

El prólogo nos sitúa en el emotivo entierro de Cesar, frente a una gran roca. Un ritual que finaliza con la cremación de su cuerpo. 300 años después la historia nos traslada a una hermosa selva en donde conoceremos a Noa (Owen Teague), Soona (Lydia Peckham) y Anaya (Travis Jeffery); tres amigos chimpancés que deben buscar un huevo de águila para su iniciación. Cada uno tomará el que le llame, regresando a la colonia en la que todos viven en armonía con las águilas, pero pronto la tranquilidad se ve alterada cuando Proximus Caesar (Kevin Durand), quien ha violado las enseñanzas de Cesar, les ataca, quemando el poblado y llevándose a los supervivientes como esclavos. Noa se queda solo y decide emprender un viaje en busca de su familia. En dicho periplo, lleno de peligros y aventuras, Noa se encontrará con Raka (Peter Macon) y May (Freya Allan).

El artista de efectos visuales, el artista gráfico y el director de cine, Wes Ball, se graduó en la Universidad FSU de las Artes con un BFA en 2002. Debutó con los cortometrajes “Jacob: The Movie” y “A Work in Progress” ambas en 2002 y “Ruin” 2011 y en el largometraje con “El corredor del laberinto” 2014, “El corredor del laberinto: Las pruebas” 2015, “El corredor del laberinto: La cura mortal” 2018 y este año nos ofrece “El reino del planeta de los simios” 2024.

La saga de “El Planeta de los Simios” cuenta con 10 películas, 2 series de televisión, 1 telefilme, 2 documentales y 3 cortometrajes.  Recordemos, en primer lugar, que están basadas en la novela de Pierre Boulle, escrita en 1963 y que cinco años más tarde de su publicación llegaría la primera versión cinematográfica que alcanzó un gran éxito “El Planeta de los Simios” 1968 de Franklin J. Schaffner, interpretada por Charlton Heston encarnando al astronauta George Taylor, a la que siguió “El regreso al planeta de los simios” 1970 de Ted Post, “Huida del planeta de los simios” 1971 de Don Taylor, “La rebelión de los simios” 1972 de J. Lee Thompson y “La batalla por el planeta de los simios” 1973, también de J. Lee Thompson con la que cierra la primera saga de la franquicia. Tendríamos que esperar hasta el comienzo de este siglo, cuando Tim Burton nos presenta “El planeta de los simios” 2001y diez años más tarde se iniciaría una nueva saga compuesta por “El origen del planeta de los simios” 2011 de Rupert Wyatt, “El amanecer del planeta de los simios” 2014 de Matt Reeves y “La guerra del planeta de los simios” 2017 repitiendo en la dirección Matt Reeves y finalizando la segunda saga. Esta magnífica franquicia, ha sido distribuida por 20th Century Fox.

Además cuenta con una serie de televisión “El planeta de los simios” 1974, la serie de animación “Regreso al planeta de los simios” 1975, el telefilme “La vida en el planeta de los simios” 1981 de Alf Kjellin y Arnold Laven, los documentales “Detrás del planeta de los simios” 1998 de Kevin Burns y David Comtois y  “Making Apes: The Artists Who Changed Film” 2019 de William Conlin y para finalizar los cortometrajes “The Gun” 2014 de Dylan Southern y Will Lovelace,  “Quarantine” 2014  de Isaiah Seret y “All Fall Down” de Daniel Thron, las tres en 2014.  Ahora la gran pantalla se felicita en recibir de nuevo a estos simios en lucha constante con los humanos “El reino del planeta de los simios 2024 de Wes Ball.

La nueva entrega de la franquicia sorprende para bien. Una auténtica epopeya disfrutable de principio a fin. Extraordinaria la calidad de los efectos visuales en el uso de la técnica de captura de acción que recrean los cuerpos y rostros de los simios, con absoluta credibilidad. Las miradas, las gesticulaciones, el lenguaje corporal y la forma que tienen de comunicarse; los humaniza y el espectador empatiza al instante con ellos.

Partiendo de un excelente guion escrito por los cuatro guionistas en el cual no dejan nada al azar, pues cada conversación, escena y plano resultan necesarios para el desarrollo de la aventura y del drama que perseguirá a los personajes, el director Wes Ball, desde el inicio, nos expone la filosofía del clan del águila, como se denomina a esta colonia de simios, mostrándonos una hermosa estampa de la comunión existente entre chimpancés y águilas, acatando reglas como dejar al menos un huevo en cada nido de estas majestuosas aves. Una vida sencilla y tranquila en un entorno familiar en el que el paso del tiempo, no ha borrado la huella del hombre, pues entre la maleza, se vislumbran los restos de una ciudad. Esa paz se verá alterada por la presencia de Proximus Caesar.

La lucha del bien y del mal, de la supervivencia y de quienes buscan venganza, del valor de la convivencia, del aprender las lecciones que la vida nos va regalando, de aquellos que se creen dueños por la fuerza y de una verdad incuestionable, que el ser humano es destructivo por naturaleza y de algo aun peor, el no aprender o no querer aprender de los errores, prefiriendo los conflictos antes que la paz, pues de ellos se obtiene mayor rendimiento.

El filme cuenta con un magnífico reparto destacando a Owen Teague, como el protagonista indiscutible que encarna a Noa, un joven valiente que buscará la forma de rescatar a su tribu. Entre el variopinto ramillete de personajes interesantes de analizar, nos topamos con el sabio orangután Raka con su especial sentido del humor y frases incisivas (Peter Macon), la salvaje humana Mae (Freya Allan) dando vida a un personaje desconcertante y clave en el último tramo de la historia o el temeroso e inteligente Trevathan (William H. Macy) y por supuesto mención especial se merece el despiadado rey Proximus Caesar (Kevin Durand); aunque me repetiré que cada actor y actriz están magníficos, pues cada uno tiene una misión que cumplir y lo logra sobradamente.

Resumiendo, estamos ante un filme que contiene todos los ingredientes de una buena película. Posee intensas escenas de acción muy bien coreografiadas, algunas con tal grado de suspense que nos obliga a no apartar la mirada de la pantalla; no faltarán las emociones y sentimientos revelados en las miradas, las respiraciones y los gestos, absolutamente creíbles y por supuesto, el excelente guion y la dirección que dotan, junto al montador Dan Zimmerman, de un gran ritmo que no cesa hasta el final, en sus casi dos horas y media de duración. Destacar también la extraordinaria fotografía de Gyula Pados, quien con sus vigorosos movimientos de cámara, la iluminación, las tramas y la selección de planos, favorece a que nos adentremos en ese universo con total naturalidad y por supuesto, no podría faltar la épica banda sonora de John Paesano, predominando los instrumentos de percusión que elevan aún más la tensión que requiere el filme. Sinceramente, la he disfrutado de principio a fin.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 10 de mayo

REPARTO: Owen Teague, Freya Allan, Peter Macon, Kevin Durand, Travis Jeffery, Lydia Peckham, Neil Sandilands, Sara Wiseman, Ras-Samuel Welda´abzgi, William H. Macy, Eka Darville y Dichen

PRODUCTORA: 20th Century Studios// Fox Studios Australia

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

LA PRIMERA PROFECÍA: CRÍTICA DE CINE

La coproducción entre Estados Unidos e Italia, La primera profecía está dirigida por Arkasha Stevenson, compartiendo guion con Tim Smith y Keith Thomas. “Para controlar a aquellos que no creen, hay que crear algo que teman”

El prólogo nos sitúa frente a una iglesia en donde unos operarios están colocando una gran vidriera en la fachada principal. En el interior vemos a los padres Brennan (Ralph Ineson) y Harris (Charles Dance) conversando sobre un caso escabroso sucedido en un convento. Ya fuera de la iglesia la vidriera cae sobre ellos, rompiéndose en mil pedazos. Parece que los dos han salido ilesos, pero Harris se da la vuelta y comprobamos como su cabeza está abierta por la mitad. Harris esboza una sonrisa a su compañero.

La acción nos emplaza en el año 1971 en la ciudad de Roma, donde la novicia Margaret Daino (Nell Tiger Free), una joven estadounidense, es recibida por unos sacerdotes que la llevan al monasterio en el cual vivirá y tomará el hábito. Mientras se instala, conocerá a una joven de nombre Carlita (Nicole Sorace) a quien consideran peligrosa, pero lo peor está por venir, pues existe una conspiración maligna que busca provocar la venida del anticristo.

La guionista, productora y directora, Arkasha Stevenson, se inició con los cortometrajes: “Safekeeping” 2010, “Crowns” 2014 “Vessels” 2015, “Daisy & D” 2016 para debutar en el largometraje con “La primera profecía” 2023. Su trabajo, mayoritariamente, ha estado relacionado con la televisión con obras como el telefilme “Pineapple” 2017 y capítulos para  series y miniseries entre las que encontramos: la miniserie “Channel Zero: Butcher´s Block” 2018, la serie “Legión” 2019, la serie “Briarpatch” 2020, y la miniserie “Nuevo sabor a cereza” 2021.

Era el año 1976 cuando Richard Donner llevaría a la gran pantalla “La profecía”, con un gran éxito de público. El filme fue una idea original del productor Harvey Bernhard que  materializó en guion David Seltzer. El reparto lo encabezaban: Gregory Peck, Lee Remick, David Warner y el joven Harvey Stephens, interpretando a Damien, cuya mirada traspasaba la pantalla, provocando auténtico pavor. La banda sonora corrió a cargo de Jerry Goldsmith, con la que ganó el Oscar. Tuvo tres secuelas: “La maldición de Damien” 1978 de Don Taylor y Mike Hodges y “El final de Damien” 1981 de Graham Baker, ambas para cine, cerrando con “La profecía 4: El renacer” 1991 de Jorge Montesi y Dominique Othenin-Girad, para televisión. También ha contado con el mediometraje documental “666: “La Profecía” Revelada” 2000 de J.M. Kenny, el documental “El legado de la Profecía” 2001 de Brent Zacky, el remake para cine “La Profecía” de John Moore, cuya fecha de estreno fue premeditada: El 6 de junio (6) de 2006, dando forma al número de la bestia o del anticristo. 10 años más tarde llegaría la serie “Damien y ahora Arkasha Stevenson nos presenta este inquietante regreso al inicio, al antes de aquella primera historia.

Lo primero que llama la atención es la espeluznante atmósfera creada por  la puesta en escena, apoyándose en la magnífica fotografía de Aaron Morton, que nos envuelve, tensiona y nos va atrapando en una espectacular ambientación, muy setentera. Desde el primer instante el espectador se siente alertado e incómodo gracias a la cuidadosa selección de planos y la escalofriante iluminación. Cada escena te atenaza y cada haz de luz que penetra por los ventanales o liberan las velas, te sobrecoge. El deambular de las monjas, el silencio roto por los gritos que provienen de cámaras que el espectador irá descubriendo, las pocas risas que se escuchan, quebradas por el horror que surge de manera inesperada; las conversaciones entre los sacerdotes y las monjas, las miradas, el comportamiento de algunas niñas, el ritual de “la toma del hábito” de las novicias, el enigma que se cierne en torno a una idea demencial con el afán de controlar y mucho más; será lo que mantendrá al espectador expectante ante lo que pueda surgir en el interior de las celdas, habitaciones y espacios del exterior, por donde va calando la amenazadora banda sonora de Mark Korven, que se adueña de nuestro sistema nervioso.

La primera profecía nos ofrece un buen ramillete de correctísimas intervenciones, creíbles y por momentos asfixiantes, debido en gran parte a la fuerza de sus personajes, como sucede con la abrumadora y dramática representación que Nell Tiger Free, lleva a cabo al dar vida a la novicia Margaret. Nell conquista la pantalla en cada escena en la que aparece, sus expresiones corporales nos cortan la respiració, el calvario que padece, cala en el espectador más templado y sus miradas nos turban, sin saber muy bien que pensar. También cabe resaltar a Sônia Braga, en su papel de la monja Silvia, un personaje muy oscuro.

El filme invita a la reflexión sobre el gran poder que la iglesia posee para manipular y atraer feligreses a sus templos y para ello, nada mejor que la frase con la que he abierto esta reseña, que se cita en un momento determinado, “Para controlar a aquellos que no creen, hay que crear algo que teman”, y es que el infundir miedo a lo desconocido, crear terror donde no existe y utilizar cuanto se tiene a su alcance, siempre ha sido una de las estrategias que han utilizado durante años, con el único objetivo de seguir sobreviviendo por los siglos de los siglos.

Resumiendo, Arkasha Stevenson, junto a sus compañeros en el guion, Tim Smith y Keith Thomas, han acertado con la fórmula para crear una historia de terror, tensa y dramática, que astutamente logran anclar con la original, sin forzar, incluso, entre tanta tensión, consiguen que el espectador, conocedor de “La Profecía” 1976, esboce una sonrisa cómplice, llegando al final. El filme guarda un perfecto equilibrio entre la dirección, las interpretaciones y el diseño, en su conjunto.

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 5 de abril

REPARTO: Nell Tiger Free, Sônia Braga, María Caballero, Bill Nighy, Ishtar Currie Wilson, Guido Quaglione, Michelangelo Dalisi, Mia McGovern Zaini, Charita Cecamore, Ralph Ineson,  Tawfeek Barhom, Charles Dance, Nicole Sorace, Andrea Arcangeli, Dora Romano, Anton Alexander, Eugenia Delbue, Peter Arpesella, Sylvia Panacione, Mario Opinato, Adriano Aragon, Alessia Bonnaci, Donatella Bartoli, y Luca Manganaro,

PRODUCTORAS: Phantom Four Films// 20th Century Studios// Kiwii// Cattleya.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España. 

THE CREATOR: CRÍTICA DE CINE

The Creator está dirigida por Gareth Edwards compartiendo guion con Chris Weitz. “Los dos estamos igual, no podemos ir al cielo, porque ni tú eres bueno ni yo soy una persona”

Joshua Taylor (John David Washington) es un ex agente de las fuerzas especiales que vive feliz en una isla junto a su mujer Maya (Gemma Chan), un ser creado por IA, de la que espera una hija. En el ambiente se respira la guerra existente entre la raza humana y los seres IA. Una noche, el ejército de los humanos llega a la isla y la pareja se ve envuelta en una sangrienta contienda. Los mandos superiores de IA detonan una bomba nuclear desde la gran nave espacial que se encuentra suspendida en el espacio. La bomba arrasa a gran parte de la humanidad, siendo Joshua uno de los supervivientes.

Cinco años más tarde, Joshua es reclutado para dar caza y matar al Creador, el arquitecto de IA avanzada que ha desarrollado un arma misteriosa con el poder de poner fin a la guerra e incluso a toda la humanidad. Cuando Joshua descubre que el arma es una IA con aspecto de niña pequeña, Alfie (Madeleine Yuna Voyles), su mente y su vida, tomarán un camino muy diferente.

El diseñador de producción, artista de efectos visuales, director de fotografía, guionista, productor y director, Gareth Edwards, estudió efectos visuales en la Universidad de Artes Creativas y comenzó su carrera como artista de efectos visuales en la industria del cine. Tras ganar varios premios dirigió el documental “Cuatro maneras de acabar con el mundo” 2005, la miniserie serie de televisión “Héroes y villanos” 2007 y el cortometraje “Factory Farmed” 2008, para saltar al largometraje con “Monsters” 2010, “Godzilla” 2012, “Rogue One: Una historia de Star Wars” 2016 y este año ofrecernos “The Creator” 2023. También ha dirigido para televisión, “End Day” 2005 y dos capítulos de la serie “Perfect Disaster” 2006.

Con su cuarto largometraje y tras “Rogue One: una historia de Star Wars”, Edwards nos demuestra su saber hacer en el campo de la escena y de los efectos especiales que maneja con gran maestría, creando su propio sello y bebiendo de grandes clásicos, cuyas esencias se impregnan a lo largo del acertadísimo metraje. Guiños que traerán recuerdos a las mentes de los espectadores más curtidos en el género, a la vez que siguen las aventuras y desventuras del ex agente de las fuerzas especiales en busca de su mujer, anhelando que continúe viva, a la vez que decide proteger a la joven IA de nombre Alfie.

Una aventura de aprendizaje, de emociones humanas en contraste con la fría “mentalidad” de las máquinas. El amor, la amistad, la ternura, la comprensión y el deseo de vivir, luchando contra la tiranía de quien no es capaz de diferenciar el bien del mal. The Creator es uno de esos filmes hipnóticos desde el mismo instante en que se ilumina la pantalla, seduciendo al espectador con las hermosas imágenes, la extraordinaria banda sonora y los cuidados efectos especiales, sin olvidar los mensajes latentes, que guarda la escrupulosa narración.

La I.A. en el punto de mira, tan presente en nuestras vidas y que no hace mucho tiempo, provocó la huelga de actores y guionista de Hollywood, exigiendo que se regule su uso, pues puede resultar una grave amenaza, sino se controla o escándalo provocado por el uso de la I.A. para crear imagenes falsas. El sector tecnológico avanza a pasos agigantados y el gigante, nos puede pisar como si fuéramos una hormiga. Esta es una de las causas, de las críticas del filme, además de los conflictos, de las batallas internas entre lo físico y lo mental, entre lo lógico y lo irracional, entre lo humano y las máquinas, entre el calor de las emociones y la frialdad de su ausencia.

Nada quiero ni nada debo desvelar de esta historia más allá de lo que se puede, pues considero que cuanto más libre se encuentre la mente del espectador sobre lo que le espera en esta fantástica obra, con mayor facilidad se entregará a su cuidada narración.

La obra nos ofrece dos personajes principales unidos por la adversidad de verse en medio de una guerra y cuyas mentes, desean alejarse de la misma. Él en busca de un amor arrebatado y la joven Alfie, poseedora de un don muy especial, que tiene miedo, pues la buscan para fines poco loables. El viaje entre ambos será toda una revelación, como lo ha sido la magnífica interpretación de Madeleine Yuna Voyles, recordándonos a una pequeña lama futurista, que nos llena el alma de ternura, cuando nos traspasa dulcemente con su mirada y por supuesto, John David Washington, encarnando a  Joshua, cuyo dolor por la pérdida, comparte con el espectador.

No sé si soy muy osado de tildar al filme de epopeya, como reza en la publicidad, pero desde luego que sí contiene la suficiente prestancia, originalidad, energía y fuerza, para codearse con los grandes títulos del género. Un filme que entra por méritos propios en el Olimpo de la Ciencia Ficción.

Finalizo, haciendo mención para los más curiosos, que ha sido rodada en escenarios naturales de Camboya, Indonesia, Nepal y Tailandia. Cuenta con una extraordinaria puesta en escena, una espectacular fotografía de Greig Fraser y Oren Soffer, la dramática banda sonora de Hans Zimmer y el envolvente sonido, que enriquecen y visten al filme en su conjunto. Una película para disfrutar de principio a fin, degustando de cada escena de ese mundo distópico entre guerras futuristas, que te relata una historia más que interesante. Seguramente al salir de la proyección, te quede esa sensación de haberte perdido algo y desear regresar a la sala. Yo al menos, pienso hacerlo.

Mi nota es: 8,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 29 de septiembre.

REPARTO: John David Washington, Gemma Chan, Ken Watanabe, Sturgill Simpson, Madeleine Yuna Voyles, Ralph Ineson, Amar Chadha-Patel, Allison Janney, Danny McBride, Ngô Thanh Vân, Marc Menchaca, Leanna Chea, Dada Chan, Michael Esper, Ian Verdun, Mezi Atwood, Mackenzie Lansing, Charlie McElveen, Robbie Tann, Karen Aldridge, Jeb Kreager, Eoin O´Brien, Rad Pereira, Mav Kang, Willy Zogo, Darina Boonchu, Jean-Loup Pilblad y Pat Skelton.

PRODUCTORA: 20 th Century Studios// Regency Television// Entertainment One

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Pictures.

MISTERIO EN VENECIA: CRÍTICA DE CINE

Misterio en Venecia, está dirigida por Kenneth Branagh con guion de Michael Green, basándose en la novela de Agatha Christie.

Nos encontramos en 1947 en Venecia, tras la Segunda Guerra Mundial y en vísperas de Halloween. Hércules Poirot (Kenneth Branagh), jubilado y disfrutando de su merecido descanso, se despierta en medio de una pesadilla. Durante una fiesta, Poirot se encuentra con la escritora de misterio, Ariadne Oliver (Tina Fey), quien invita a Poirot a una sesión de espiritismo que dirigirá Joyce Reynolds (Michelle Yeoh), en un  palazzo en ruinas, supuestamente embrujado y propiedad de Rowena Drake (Kelly Reilly), aunque como escucharemos a otro de los personajes, en Venecia todas las casas están encantadas. Ni Poirot ni Ariadne creen en los médiums. La sesión es un burdo montaje que Poirot descubrirá enseguida, pero tras la misteriosa muerte de uno de los invitados, Hércules no podrá resistirse a investigar quién se esconde tras el asesinato.

El guionista, actor y director de teatro y cine, Kenneth Branagh, estudió en la Grove Primary School de Belfast y en el Meadway Comprehensive School de Reading, Inglaterra. En su juventud además de estudiar, practicar rugby y fútbol, escribía críticas de libros infantiles. A los 18 años ingresó en la Royal Academy of Dramatic Art y tras finalizar los estudios, comenzó a trabajar de actor de teatro clásico, en obras como Enrique V para la Royal Shakespeare Company a la edad de 23 años. En el año 1987,  junto a David Parfitt, funda la compañía, “Renaissance Theatre Company”. Además de interpretar grandes papeles en teatro y cine, ha dirigido “Enrique V” 1989, “Morir todavía” 1991, “Los amigos de Peter” 1992, “Mucho ruido y pocas nueces” 1993, “Frankenstein, de Mary Shelley” 1994, “En lo más crudo del invierno” 1995, “Hamlet, de Kenneth Branagh” 1996, “Trabajo de amor perdido” 2000, “Como gustéis”  y “La flauta mágica de Kenneth Branagh” 2006, “La huella (Sleuth)” 2007, “Thor” 2011, “Jack Ryan: Operación Sombra” 2014, “Cenicienta” 2015, “Asesinato en el Orient Express” 2017,  “El último acto” 2018, “Artemis Fowl” 2020, “Belfast” 2021,  “Muerte en el Nilo” 2022 y la actual “Misterio en Venecia” 2023.

Misterio en Venecia, adaptación libre de la novela de Agatha Christie, “Hallow´en Party”, nos devuelve al detective privado más conocido de la autora. Branagh se acomoda y atusar el bigote de Poirot a la vez que dirige, por tercera vez, una de las obras de la autora. En esta ocasión, Poirot estará acompañado de una de sus amigas, escritora y amante de los relatos de misterio, que busca inspiración para su próxima historia.

Estamos ante una obra que ha disfrutado de tres títulos diferentes, el original de la novela en inglés  “Hallow`en Party” que Agatha escribió en 1969, el segundo bajo el que se publicó en España “Las manzanas” y ahora en su versión cinematográfica “Misterio en Venecia” 2023. Cada uno de ellos está relacionado con la narración, tanto escrita como filmada. Por un lado se celebra la fiesta de Hallow ´en, en donde un grupo de niños son invitados a una casa encantada, pues guarda el misterio del asesinato de una joven. Las manzanas, en relación a uno de los juegos que se desarrolla durante el evento, intentar coger con la boca, manzanas de un recipiente con agua, sin usar las manos y Misterio en Venecia, al situar los festejos en la ciudad italiana, entre sus edificios, góndolas, calles, puentes y sus gentes disfrazadas. Una magnífica ambientación realzada por el uso de la cámara, los decorados de Celia Bobak, la brillante fotografía Haris Zambarloukos, con quien también trabajó en “Asesinato en el Orient Express” y “Muerte en el Nilo”; la dramática banda sonora de Hildur Guðnadóttir y el meticuloso montaje a cargo de Lucy Donaldson. Ambientación y situaciones que por momentos saltan del suspense clásico al terror más Victoriano, entre el equilibrio y la elegante dirección general y actoral de Kenneth, quien parece encontrarse cómodo, con las historias que nos dejó la reina del misterio.

Un filme en el que Branagh, sin separarse de ese aire teatralizado de suspense un tanto encorsetado y característico, que en parte demandan las obras de la autora, dota a la narración de un terror victoriano con el que logra acentuar y potenciar la historia, a la vez que sitúa, con astucia y agilidad, al espectador en los diversos escenarios. Por otro lado, en esta ocasión no ha contado con un reparto tan brillante como en otras ocasiones, aun así cada uno de ellos cumple sobradamente con su personaje. Un reparto que encabezan Michelle Yeoh, Tina Fey o el mismísimo Kenneth Branagh, tres actores que cuando la obra lo requiere o Branagh lo estima, irán dando paso a otros compañeros a los que envolverá en una atmósfera tensa y claustrofóbica, favorecida por las inclemencias meteorológicas, las sombras chinescas, el correctísimo uso del color y del blanco y negro, los decorados, la selección de planos e incluso las inquietantes marionetas. Todo está al servicio del director, el reparto y por supuesto, de los espectadores.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 15 de septiembre

REPARTO: Kenneth Branagh, Kyle Allen, Camille Cottin, Jamie Dornan, Tina Frey, Jude Hill, Emma Laird, Kelly Reilly, Riccardo Scamarcio,  Michelle Yeoh y Amir El-mashy

PRODUCTORA: 20th Century Studios// Scott Free Productions.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: 20^th Century Studios.

THE BOOGEYMAN: CRÍTICA DE CINE

The Boogeyman: El hombre del saco, está dirigida por Rob Savage y  escrita por Mark Heyman, Scott Beck y Bryan Woods, adaptando un relato corto de Stephen King. “La cosa que viene a por tus hijos cuando no estás atento”

En el prólogo vemos a una niña pequeña de nombre Annie, que se despierta en medio de la noche al escuchar la voz de quien parece ser su padre, pero ella ve algo que nosotros no, un ser que surge de la oscuridad y que se acerca lentamente provocando su llanto, más cuando una mano grotesca toca los barrotes de la cuna.

El Psicoanalista Will Harper (Chris Messina), viudo recientemente,  vive junto a sus dos hijas, la adolescente Sadie (Sophie Thatcher) y la pequeña Sawyer (Vivien Lyra Blair). Will recibe un día la visita de Lester (David Dastmalchian), quien le cuenta que sus hijos han muerto en extrañas circunstancias en sus camas y que le van a culpar de los asesinatos, pero que él es inocente. Will decide salir un momento para avisar a uno de sus colegas y al regresar a la habitación, se ha ido. Alarmado llama a su hija pequeña y juntos le buscan, apareciendo muerto en el interior de un armario. Todo parece indicar que se ha suicidado pero, algo maligno surgirá de entre las sombras, que acechará a la familia de Will.

El productor, guionista y director, Rob Savage, se inició en el cortometraje con obras como “Sex Scene” 2009, “Act” 2010, “Sit in Silence”, “Polaroid” y “Touching from a Distance” todas en 2011 y “Sticks and Stones” 2012; ese mismo año debutó con el largometraje “Strings” al que han seguido “Host” 2020, “Dashcam” 2021 y ahora nos ofrece “The Boogeyman” 2022. Otros cortos en su filmografía son: “Healey`s House” 2014, “Absence” 2015, “Dawn of the Deaf” 2016, “Salt” 2017 y “I´ve been hearing strange noises from my attic…” 2020. En televisión cuenta con “Fear Haus” 2015, “Britania” 2018, “Soulmates” 2020.

The Bogeyman es un relato corto del maestro del terror Stephen King que se publicó por primera vez en marzo de 1973 en la revista Cavalier y que más tarde, pasaría a formar parte de la colección de cuentos “El umbral de la noche”. Cuenta con varias adaptaciones, entre ellas los mediometrajes “El hombre del saco” 1982 de Jeff C. Schiro y “The Boogeyman” 2010 de Gerard Lough y la obra teatral representada en el Festival Fringe de Edimburgo que dirigió el actor de televisión David Oakes, ahora llega su versión en largometraje de la mano de Rob Savage.

¿Quién de pequeño no se aseguraba de cerrar bien las puertas del armario? o ¿Quién no miraba debajo de la cama antes de irse a dormir?. Pues si bien en el armario o bajo la mayoría de las camas, era imposible que alguien pudiera esconderse, como mi madre nos explicaba a mi hermano y a mí, el hombre del saco, para las mentes más vulnerables, sí lo conseguía. Esta película va sobre ese temor de la infancia y sobre la importancia de estar atentos a nuestros hijos, cuando ellos lo solicitan, pues estoy convencido que algunos de esos traumas que pueden dejar huella, surgen de ese reclamo, de la atención que los progenitores descuidan con frecuencia.

Confieso que yo nunca tuve temor al coco, pues me eduqué en una familia en la que no se inducía a los niños a tener miedo, aunque sí, por algún extraño motivo, soy incapaz de dormir completamente a oscuras. Explico esto, porque tal vez por esa razón, he visto la película un tanto desde la distancia en cuanto al personaje en cuestión y más cercana, cuando la oscuridad entra en acción, provocando la contención de la respiración. Si esto no fuera suficiente, a la narración se le añade el factor de la inseguridad que pueden sufrir, principalmente, los más jóvenes, cuando se ven privados y separados bruscamente de uno de sus progenitores y el otro miembro, se encuentra un tanto disperso en los problemas, el luto y el trabajo.

Con esta premisa y un prólogo que nos provoca más de una pregunta, Rob Savage, nos va atrapando en la butaca, rodeados de esa oscuridad que se genera en la sala de cine y cuyo único foco de luz se encuentra, en ese momento, en la gran pantalla que nos alerta con una serie de imágenes inquietantes y opresivas, acompañadas de una música un tanto cansina. Los ojos del espectador se esfuerzan en buscar a la criatura fantasmal en medio de las tinieblas, que se nos hace desear demasiado. Aquí una mano envejecida, huesuda y carcomida, que se agarra a la cuna; allá una sombra que nos obliga a forzar la mirada más de lo necesario, los movimientos rápidos del vestuario negro que visten al coco, yendo de un lado a otro o una puerta que se abre de golpe. Me ocasionó más tensión la oscuridad tan asfixiante de la que se abusa, en donde esperaba hallar lo desconocido, que la narración y el personaje en sí, lo que de alguna manera veo positivo y de otra, el recurso más fácil ante la falta de imaginación y tal vez de presupuesto.

Aun tratándose de un relato corto, opino que si se pretende llevar al largometraje, los tres guionista deberían haber puesto un poco más de empeño en desarrollar los temas que se tocan, como pueden ser, la pérdida, la paternidad o la palpitante sombra del filicidio, sin olvidar el lado paranormal que el director intenta solventar, lográndolo en parte, con lo que tiene.

Destacaré las acertadas y convincentes interpretaciones de las dos jóvenes huérfanas, Sophie Thatcher quien lleva el peso de la narración y Vivien Lyra Blair, como la jovencita atemorizada por el coco y cuya fragilidad, nos corta la respiración; ambas se moverán en una atmósfera sobrecogedora.

Mi nota es: 7

ESTRENO EN ESPAÑA: 2 de junio

REPARTO: Madison Hu, Vivien Lyra Blair, David Dastmalchian, Chris Messina, Sophie Thatcher, Marin Ireland, Lisa Gay Hamilton, Han Soto, Lacey Dover y Maddie Nichols.

PRODUCTORA: 21Laps Entertainment// 20 th Century Fox

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

AVATAR: EL SENTIDO DEL AGUA: CRÍTICA DE CINE

AVATAR: El sentido del agua, está dirigida por James Cameron compartiendo guion con Josh Friedman. “La familia como protagonista en el corazón del océano”

Han pasado varios años de los acontecimientos de la primera película de Avatar y en esta nueva entrega, Jake Sully (Sam Worthington), nos narra sus vivencias en Pandora junto a los Omaticaya (el clan Na`vi), donde ha formado una familia con su mujer Neytiri (Zoe Saldaña) y sus hijos: el primogénito Neteyam (Jamie Flatters), Lo´ak (Britain Dalton) y Tuktirey “Tuk” (Trinity Bliss) además de su hija adoptiva Kiri (Sigourney Weaver). Viven en paz y armonía con la naturaleza, llevando una vida sencilla y feliz; hasta que un día regresan las naves bajo las órdenes del Coronel Miller Quaritch (Stephen Lang) en busca de venganza y con el deseo de conquistar el territorio.

Sí, han pasado varios años desde que James Cameron nos sorprendió con Avatar, convirtiéndose en un gran fenómeno cinematográfico. Cameron deseaba cautivar al espectador con un gran proyecto que comenzó a dar forma en 1994, escribiendo un guion de 80 páginas y esperando paciente hasta desarrollar la tecnología que precisaba para llevarlo a la gran pantalla. El uso extensivo de nuevas técnicas de captura de movimiento. La cinematografía estereoscópica que se promocionó como un avance en la tecnología cinematográfica y que con Avatar además, se dio un paso más allá, aportando la tridimensionalidad. Avatar, estrenada en 2009 se proyectó en 3D en diversos formatos (RealD 3D, Dolby 3D, XpanD 3D e IMAX 3D y en algunos cines de Corea del Sur, en 4D). Recaudó la friolera cantidad de 2.906 millones de dólares, dejando en segundo lugar a  “Los Vengadores: Endgame” de los hermanos Russo, con 2.797 millones de dólares y en tercer lugar a “Titanic”, también de James Cameron, con 2.201 millones de dólares.

Cameron comentó en su momento que tenía en mente realizar diversas secuelas de Avatar y tras el éxito que obtuvo, anunció dos nuevas entregas en 2010, pero precisaba de una tecnología aún más avanzadas, que facilitara el filmar escenas de captura de movimiento bajo el agua, lo que ocasionó una larga demora hasta llegar a nuestros días. Ahora llega el momento de ofrecernos “Avatar, la forma del agua” con más de 3000 efectos especiales, nuevas cámaras de visión estereoscópica y sofisticados métodos de captura de movimiento, fusionando imágenes reales y virtuales y de este modo, recrear el mundo de un soñador y genio como es James Cameron, quien nos tiene reservadas nuevas entregas: “Avatar 3” 2024, “Avatar 4” 2026 y “Avatar 5” 2028. ¿Dará por finalizada la franquicia en ese año? Tras ver esta segunda entrega, tal vez el universo de Pandora llegue a esas nuevas generaciones que ahora están comenzando a descubrir la vida, en su más tierna infancia.

Con reservas y mucha incertidumbre, como la mayoría de los que asistimos  al pase de prensa de “Avatar, la forma del agua”, cubría  mis ojos con las gafas especiales 3D, mientras la sala se oscurecía. De entrada diré que la experiencia ha sido mágica, impresionante e inmersiva. ¿Ha valido la pena esperar tantos años? Yo pienso que sí, pues logra superar en emoción, sorpresas y acción, a su predecesora.

En esta ocasión nos zambulle en el océano, mostrándonos el gran amor con el que abraza al medio acuático y como el explorador marino que es. Basta recordar que en marzo de 2012 se convirtió en la primera persona en llegar a la fosa marina más profunda del océano en solitario, a casi 11.000 metros. Estoy más que seguro que en esta ocasión no ha tenido que bajar tanto para ofrecernos la inigualable belleza que nos reserva en este último filme, lleno de vida y en donde por momentos, en algunas de sus largas escenas acuáticas, nos parece estar ante un deslumbrante documental de National Geographic, seduciendo a nuestros sentidos con  la exuberante fauna y flora que habitan no solo la superficie, sino en las profundidades de Pandora.

Pero como era de esperar, Cameron enfrentará la belleza natural de su entorno paradisiaco con las decenas de armatostes metálicos que llegarán desde el cielo para intentar invadir el planeta. Naves más grandes y en número superior que combatirán en el espacio contras los aborígenes montados sobre sus Ikran; en tierra con sus robot pilotados por humanos y en el mar, serán las barcazas arponeras, los submarinos de última generación y las naves que imitan a cangrejos gigantes, los que mantengan la contienda en las profundidades. 

Batallas épicas como nunca se han visto en la gran pantalla, con una nitidez asombrosa. La luz, el color, la gran riqueza de planos o las impresionantes texturas en donde hasta lo más imperceptible se hace visible, están al servicio de la fotografía de Russell Carpenter, quien junto a la apoteósica banda sonora de Simon Franglen, elevan este blockbusters hasta rozar la perfección. Todo resulta impecablemente diseñado, perfecto en su conjunto con una historia que nos emociona, porque pocas cosas hay más importantes que la familia y el defender el entorno natural que nos rodea. Si una pega le pondría a tanta belleza y excepcionales escenas de acción, sería que en ocasiones la proporcionalidad de los personajes, desentona un poco.

Mi nota es: 9

ESTRENO EN ESPAÑA: 16 de diciembre.

REPARTO: Sam Worthington, Zoe Saldana, Kate Winslet, Sigourney Weaver, Giovanni Ribisi, Michelle Yeoh, Oona Chaplin, Stephen Lang, Cliff Curtis, Joel David Moore, CCH Pounder, Edie Falco y Jemaine Clement.

PRODUCTORAS: 20^TH Century Studios// Lightstorm Entertainment//TSG Entertainment.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Walt Disney Studios Motion Pictures.

BIOGRAFIA DEL DIRECTOR.

El productor, editor, ingeniero, filántropo, explorador marino, guionista y director, James Cameron, estudió en la Stamford Collegiate School de Niagara Falls y más tarde cursó estudios secundarios en los Institutos Sonora y Brea Olinda. En 1973 se matriculó en el Fullerton College para estudiar física, estudios que abandonó para estudiar literatura inglesa. Pronto se decantaría por la industria del cine dirigiendo el cortometraje “Xenogenesis” 1978 y debutando con el largometraje “Piraña II: Los vampiros del mar” 1981, “Terminator” 1984, “Aliens: El regreso” 1986, “Abyss” 1989,  “Terminator 2: el juicio final” 1991, “Mentiras arriesgadas” 1994, “Titanic” 1997, “Avatar” 2016 y ahora llega “Avatar: el sentido del agua” 2022. En televisión ha dirigido la serie “Dark Angel” 2000, el documental “Una expedición de James Cameron: El acorazado Bismark” 2002, el telefilme Toruk: El primer vuelo” 2016, la serie “La historia de la ciencia ficción” 2018, el “T2 3-D: La batalla a través del tiempo” 1996 y los documentales “Misterios del Titanic” 2003 y “Misterios del océano” 2005.

MIRA CÓMO CORREN: CRÍTICA DE CINE

Mira cómo corren está dirigida por Tom George con guion de Mark Chappell. “Es una de misterio, vista una vista todas”

Nos encontramos en el West End del Londres de 1953, en donde el equipo y reparto de la obra teatral “La Ratonera” de Agatha Christie, celebran las primera 100 funciones. La fiesta, además de presentarnos a los diferentes personajes, nos revelará la muerte de un director de cine norteamericano que deseaba llevar la historia al cine, Leo Köpernick (Adrien Brody). La investigación del asesinato recaerá en el inspector Stoppard (Sam Rockwell) y su ayudante la agente Constable Stalker (Saoirse Ronan), quienes se verán envueltos en un intrigante misterio.

El productor y director, Tom George, estudió Cine y Producción. Trabajó en anuncios publicitarios como asistente de dirección y de producción y más tarde como asistente de producción en televisión. En el cine se inició con el cortometraje “The Double” 2009 y en televisión con la serie “The Ronnie Wood Show” 2012. Para televisión también ha dirigido el especial “The Ronnie Wood Show: Sir Paul McCartney Special” 2012, la mini serie “The Midnight Beast: After the After After Party” “2014, el especial “The Brit Awards 2015 (Critics Choice Sessions), 22 episodios de la serie “Glastonbury 2015”, 2 episodios de “Latitude Festival 2015”, 2 episodios de “BBC Proms” y 7 episodios de “Hank Zipzer” todas en 2015, 1 episodio “BBC Proms”, 1 episodio “BBC Comedy Feeds” y el especial “BBC Radio 1 Teen Awards 2016” en 2016, “Defending the Guilty” 2019 y 19 episodios “This Country” 2017/2020. Finalmente debuta en la gran pantalla con “Mira como corren” 2022.

Como os comentaba, la película toma como telón de fondo la archifamosa novela de Agatha Christie “La Ratonera”, cuyo estreno mundial tuvo lugar en octubre de 1952 en el Teatro Royal Drury Lane de Nottingham y en noviembre de ese mismo año en el New Ambassadors Theatre de Londres, con funciones ininterrumpidas hasta marzo de 1974  cuando se trasladó al St Martin´s Theatre. En este teatro, el St Martin´s Theatre, de forma continuada se sigue levantando el telón cada día, para recibir a nuevos espectadores deseosos de ver la obra. Solo cerró sus puertas durante aquellos meses provocados por la pandemia. Cuenta con varios récords Guiness, con más de 10 millones de espectadores, cerca de las 25.000 representaciones y 300 actores. Ciudades españolas que han disfrutado de esta obra son Madrid, Barcelona, Torrelavega y San Sebastián, entre otras. He tenido el placer de ver una de esas representaciones y como soy muy responsable, nunca desvelaré quien es el o la culpable.

Tom George rinde un amable homenaje a “La Ratonera” de Agatha Christie y a la propia autora, pues ella también formará parte de ese singular grupo de personajes que irán desfilando por la gran pantalla, retroalimentando una nueva obra policiaca. Una audaz mofa hacia la escritora, el género y los personajes que forman parte del mismo. El gran teatro que el espectador  disfruta dentro del que origina la propia vida, confabulándose, para desde la gran pantalla, deleitarnos con una sencilla historia, interpretada por un nutrido grupo de fantásticos actores quienes enredan en sus locuras al espectador, el cual sin proponérselo, entrará en ese juego que la narración les tiene destinados y no es el descubrir el posible asesino o asesina, porque al final, esa resolución es la menos importante.

Un burlesque moderno traído desde  la década de los 50 en el que el maestro de ceremonias Leo Köpernick, nos presentará a toda la troupe, entre ellos a sus dos estrellas principales, al inspector Stoppard y a su ayudante la agente Constable Stalker. Dos personajes, estos últimos, que elevarán la hilaridad en el espectador. Él, trayéndonos recuerdos de otros inspectores no muy avispados, en la piel de Sam Rockwell y ella, encarnada por la magnífica Saoirse Ronan, evidenciando su ingenuidad, atrevimiento y disparatados actos. Saoirse o debería decir Constable, se convierte por méritos propios en la estrella, al desviarse todas las miradas hacia ella, esperando cuál será su siguiente paso, que muy seguramente apuntará en su libreta, de la que nunca se separa, para desconcierto de su compañero. Un tándem perfecto que funciona como un preciso reloj suizo.

Mira como corren, además de contar con una dirección ágil y un acertado montaje de Gary Dollner y Peter Lambert, nos deleita con la impecable fotografía de Jamie Ramsay entre decorados magníficamente diseñados, jugando con la luz y los contrastes. La banda sonora, en la partitura de Daniel Pemberton, quien nos llevará, entre sus notas, hasta un final más que satisfactorio. Resumiendo, el espectador se lo va a pasar en grande con esta historia no exenta de guiños cinematográficos y juegos teatrales, sin olvidar las pequeñas escenas de la obra “La Ratonera” desde ese teatro emblemático, con aroma a misterio. 

Mi nota es: 8

ESTRENO EN ESPAÑA: 21 de octubre

REPARTO: Saoirse Ronan, Sam Rockwell, Adrien Brody, Ruth Wilson, David Oyelowo, Harris Dickinson, Sian Clifford, Reece Shearsmith, Pippa Bennett-Warner, Angus Whight, Tim Key, Pearl Chanda, Lucian Msamati, Charlie Cooper, Paul Chahidi, Laura Frances-Morgan, Eileen Nicholas, Toni Beard, Philip Desmeules y Vickrem Gill.

PRODUCTORA: Searchlight Pictures.

DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Twentieth Century Studios España.

MUERTE EN EL NILO: CRÍTICA DE CINE

MUERTE EN EL NILO, está dirigida por Kenneth Branagh con guion de Michael Green, basándose en la novela de Agatha Christie. “Elegante adaptación de uno de los grandes clásicos de la escritora británica”

La acción nos sitúa en el 31 de octubre de 1914 en unas trincheras, donde se espera la decisión de los altos mandos. Un mensajero trae la orden de ataque que debe ejecutarse en un momento determinado y el capitán informa a sus hombres. Entre ellos, se encuentra un joven Hércules Poirot, quien comunica al capitán que deberían atacar ese día y le explica los motivos. Esa hazaña le lleva a Poirot a convertirse en un héroe y al espectador, a conocer la historia de su emblemático bigote.

Unos años más tarde, el detective privado Poirot, sentado, cómodamente, en una silla de un lujoso restaurante, observa cuanto acontece a su alrededor, deparando en la joven Jacqueline de Bellefort (Emma Mackey), quien conversa con su novio Simon Doyle (Armie Hammer), ambos desean casarse, pero él está sin trabajo, ella le promete que pronto lo tendrá. En el restaurante aparece la famosa y millonaria Linnet Ridgeway (Gal Gadot), amiga de Jacqueline, ambas conversan y Jacqueline le comenta el problema con su novio. Linnet no duda en  ofrecer un trabajo a Simon, quedando además, prendada por su atractivo. Estos personajes, junto a otros que iremos conociendo a través de la mirada del detective, se embarcarán en un viaje por el Nilo. Un viaje de placer que dejará de serlo a lo largo de la travesía, cuando surge el primer asesinato.

El guionista, actor y director de teatro y cine, Kenneth Branagh, estudió en la Grove Primary School de Belfast y en el Meadway Comprehensive School de Reading, Inglaterra. En su juventud además de estudiar, practicar rugby y fútbol, escribía críticas de libros infantiles. A los 18 años ingresó en la Royal Academy of Dramatic Art y tras finalizar los estudios, comenzó a trabajar de actor de teatro clásico, en obras como Enrique V para la Royal Shakespeare Company a la edad de 23 años. En el año 1987,  junto a David Parfitt, funda la compañía, “Renaissance Theatre Company”. Además de interpretar grandes papeles en teatro y cine, ha dirigido “Enrique V” 1989, “Morir todavía” 1991, “Los amigos de Peter” 1992, “Mucho ruido y pocas nueces” 1993, “Frankenstein, de Mary Shelley” 1994, “En lo más crudo del invierno” 1995, “Hamlet, de Kenneth Branagh” 1996, “Trabajo de amor perdido” 2000, “Como gustéis”  y “La flauta mágica de Kenneth Branagh” 2006, “La huella (Sleuth)” 2007, “Thor” 2011, “Jack Ryan: Operación Sombra” 2014, “Cenicienta” 2015, “Asesinato en el Orient Express” 2017,  “El último acto” 2018, “Artemis Fowl” 2020, “Muerte en el Nilo” y “Belfast” 2021 y en el 2022 nos llegará “Bee Gees Biopic”.

Muerte en el Nilo, también traducida como Poirot en Egipto, fue escrita en 1937 y hace la novela número 23 de las 53 que escribió Agatha Christie entre los años 1920 a 1976 de temática policiaca, con detectives tan carismáticos como Hércules Poirot, protagonista de 33 novelas, Miss Marple de 12, La pareja formada por Tommy y Tuppence Beresford, intervinieron en 4 novelas, 3 recayeron en el Superintendente Battle y 1 para Mr. Harley Quin. 53 novelas solo policiacas, pues su obra es mucho más extensa entre cuentos, novelas románticas, libros de poemas, libros autobiográficos, programas radiofónicos y obras teatrales. Obra policiaca que os dejo al final de esta reseña.

Kenneth Branagh se pone al frente de esta nueva adaptación, no solo en la dirección, sino también encarnando al emblemático detective de origen belga, Hércules Poirot, como ya hiciera hace unos años, en 2017, con “Asesinato en el Orient Express”, en una interpretación sobria y elegante, como lo es el personaje a interpretar. Utiliza con acierto los avances tecnológicos para recrear la estética de la época y sumergirnos en ella, bajo la cuidada fotografía de Haris Zambarloukos, director de fotografía habitual en sus filmes, al igual que Patrick Doyle, recreando la música con sus notas de suspense.

Branagh dirige con indiscutible elegancia y acierto este filme, que muy seguramente obtendrá un éxito similar o mayor que con su anterior filme, pues como el mismo ha comentado, le gustaría seguir explorando en el gran legado que la escritora dejó en su amplia bibliografía, leída por millones de lectores a lo largo de las décadas y que incluso en la actualidad, siguen publicándose en colecciones especiales. Kenneth se ha rodeado de un importante elenco actoral, que encarnan a la perfección a cada uno de los personajes, donde destacan Kenneth Branagh y una Gal Gadot, a la que le viene muy bien este cambio de registro, tras sus papeles de heroínas. Finalizo haciendo mención al maravilloso vestuario que en esta ocasión ha recaído en el español Paco Delgado.

Mi nota es: 7,5

ESTRENO EN ESPAÑA: 18 de febrero.

REPARTO: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand y Chadha.

PRODUCTORA: The Estate of Agatha Christie// 20^th Century Studio.

DISTRUBUIDORA EN ESPAÑA: 20^TH Century Studio España y The Walt Disney Company.

Aquí os dejo los títulos de las novelas policiacas que escribió Agatha Christie:

El misterioso caso de Styles (1920) – El misterioso señor Brown (1922) – Asesinato en el campo de golf (1923) – El hombre del traje marrón (1924) – El secreto de Chimmeys (1925) – El asesinato de Roger Ackroyd (1926) - Los cuatro grandes (1927) – El misterio del tren azul (1928) – El misterio de las siete esferas (1929) – Muerte en la vicaría (1930) – El misterio de Sittaford (1931) – El enigmático señor Quin (1931) – Peligro inminente (1932) -  La muerte de Lord Edgware (1933) – Asesinato en el Orient Express (1934) – Trayectoria de bumerán (1934) – Tragedia en tres actos (1935) – Muerte en las nubes (1935) – El misterio de la guía de ferrocarriles (1936) – Asesinato en Mesopotamia (1936) – Cartas sobre la mesa (1936) – El testigo mudo (1937) – Muerte en el Nilo (1937) – Cita con la muerte (1938) – Navidades trágicas (1939) – Matar es fácil (1939) – Diez negritos (1939) – Un triste ciprés (1940) – La muerte visita al dentista (1940) – Maldad bajo el sol (1941) – El misterio de Sans Souci (1941) – Un cadáver en la biblioteca (1942) – Cinco cerditos (1942) – El caso de los anónimos (1943) – Hacia cero (1944) – La venganza de Nofret (1945) – Cianuro espumoso (1945) – Sangre en la piscina (1946) – Pleamares de la vida (1948) – La casa torcida (1949) – Se anuncia un asesinato (1950) – Intriga en Bagdad (1951) – La señora McGinty ha muerto (1952) – El truco de los espejos (1952) – Un puñado de centeno (1953) – Después del funeral (1953) – Destino Desconocido (1955) – Asesinato en la calle Hickory (1955) – El templete de Nasse-House (1956) – El tren de las 4:50 (1957) – Inocencia trágica (1958) – Un gato en el palomar (1959) – El misterio de Pale Horse (1961) – El espejo se rajó de lado a lado (1962) – Los relojes (1963) – Misterio en el Caribe (1964) – En el hotel Bertram (1965) – La tercera muchacha (1966) – Noche eterna (1967) – El cuadro (1968) – Las manzanas (1969) – Pasajero a Frankfurt (1970) – Némesis (1971) – Los elefantes pueden recordar (1972) – La muerta del destino (1973) – Telón (1975) y Un crimen dormido (1976)