ENTREVISTA A FONSI LIÉBANA: ACTOR

De nuevo llega hasta el blog un actor. Es madrileño, nacido en Carabanchel, en el barrio de Vista Alegre, en el seno de una familia hostelera. Él es FONSI LIÉBANA.

J.S.- Fonsi, mis primeras preguntas nada tienen que ver con la profesión, sino con algunos detalles de tu vida personal, que no íntima. De esa manera, los lectores pueden conocerte un poco mejor. ¿Cómo era Fonsi de niño?

F.L.- Risas – Pues recuerdo un niño muy sonriente y que hacía reír mucho a sus familiares y profesores. Desde luego, no fui un niño que pasara desapercibido, por lo inquieto y creativo que era. Todo el tiempo me estaban regañando por liar alguna trastada, o bien riéndome la gracia por cualquier ocurrencia o los disfraces que improvisaba. ¡Fui un niño feliz!

 J.S.- ¿Con qué soñabas en tu adolescencia?

F.L.- Soñaba con encontrar el amor de mi vida y ser como Antonio Banderas. Ya veía mucho cine y desde bien pequeño quería meterme dentro de las películas, ser yo el personaje...

J.S.- Familia, amistad, amor. Esta es una pregunta de esas ya habituales. ¿En qué orden se encuentran en tu vida y por qué?

F.L.- Todos ellos han tenido su momento en cuanto a preferencia, pero considero que la felicidad (momentos felices de mi vida) la he encontrado con el equilibrio de esas tres patas. Faltando una, se puede estar bien, faltando dos se pasa realmente mal. Pero cuando tienes las tres, se podría decir que eres un ser más que afortunado.

Ahora estoy viviendo un momento muy bonito en pareja. Después de 12 años de relación, este verano nos hemos casado. Y fue uno de los momentos más bonitos de mi vida!!

J.S.- Naces en una familia hostelera, como he comentado en la entradilla. Lo que no he dicho es que la familia regentaba un Restaurante – Marisquería, llamado El Langostino. ¿Qué te llevó a ser actor y no continuar con la tradición familiar?

F.L.- Mi abuelo inauguró El Langostino en el año 1969, si no recuerdo mal, y fue un auténtico éxito. Una época muy bonita, según contaban siempre en la familia. La plaza de toros de Vista Alegre funcionaba por demás, casi como Las Ventas, y allí curró “hasta el tate”. Toda la familia tuvo que echar una mano. Pero al cerrar se iban de juerga, en aquella España de Franco.

Cuando nació mi hermano pequeño, decidieron dejar el negocio y ponerlo en alquiler. El carabanchel de los años 80/90 no era un buen lugar para tener a los niños en la calle, con unos padres que trabajaban prácticamente todo el día. Así que no he tenido la oportunidad de trabajar de mayor. De existir todavía, seguro que lo estaría haciendo. Ya se sabe, si eres actor... lo más probable es que trabajes como camarero.

J.S.- Te inicias en el teatro con Alberto Morate (1998-2001) y comienzas la formación Completa de Actor en el Estudio Juan Carlos Corazza (2002-2007). Operador de Cámara de cine y televisión en el CEU (2015) y en el año 2016 Seminario de Teatro con Catalina Lladó. Aunque tocas otros palos, te inclinas hacia el teatro. ¿Existe alguna diferencia notable en la formación de un actor de teatro al de cine y televisión?

F.L.- No sabría decirte, yo puedo hablar por mi experiencia. Me formaron para el teatro, que, a mi modo de entender, es la madre de todo lo demás. Así que lo aprendido en Corazza me ha servido mucho a la hora de trabajar en cine también. No conozco a ningún actor que solo haya estudiado interpretación en cine. Y desconozco la formación de actor específica para televisión. Pero entiendo que es más fácil hacer cine, si ya has hecho teatro. Ambos lenguajes tienen  su dificultad, aunque parezca sencillo. Esa es precisamente la complejidad de nuestro trabajo: que parezca fácil.

Por un lado, el teatro es una montaña rusa de hora y media, de la que no puedes bajar, mientras todo el mundo te mira.

Por otro, en el cine no basta con estudiar un guión y ponerte delante de la cámara, hay muchos elementos que tener en cuenta. Necesitas un plus de concentración, el objetivo lo capta todo (incluso lo que piensas). Además, cuando trabajas en una película, puede que el rodaje empiece por el final, por la escena cuarta, o la página 47.

El teatro es más de verdad y el cine es más ficción. Yo me casé con el teatro pero mi gran amor siempre ha sido el cine.

J.S.- Complementas toda esta formación con seminarios entre el 2002 – 2003 de Improvisación con Francisco Olmo (Corazza) 2004 – 2007 seminario Espacio Escenográfico por Jean Guy Lecat (Corazza)  2005 – 2006 Seminario de Improvisación por Consuelo Trujillo (Corazza) El mundo de la improvisación del actor. He hablado con algunos actores sobre este tema y me gustaría saber tu opinión. ¿Qué importancia le das al conocimiento sobre la improvisación?

F.L.- Pues mucha, para mí un actor necesita improvisar como un nadador el agua. Es el medio en que nos movemos. No solo hay que tener buena memoria sensorial, buena voz, buena expresividad. Es muy necesario estar despierto para poder reaccionar ante cualquier imprevisto, e intentar utilizarlo a favor de la historia. Te voy a poner un ejemplo: supongamos que un texto se lo tengo que decir a un mismo compañero en cada función, pero -un buen día- ese compañero no sale, o sale tarde a escena ¿qué harías? Y no vale salir corriendo- Risas –  Para mí, la improvisación es lo que hace que un actor siga vivo en el escenario. También en tele es muy necesario, dados los tiempos que se manejan en los rodajes. Es peligroso, pero necesario como el comer. En una serie diaria, te vas tarde a casa y con un texto que estudiar y casi que escupir al día siguiente. Y peligroso porque tiras de lo que llaman oficio (improvisación) y la cámara lo capta todo, si no dices las cosas con verdad… te pilla. Es una chivata.

J.S.- Estudiando tu currículum me he encontrado con un seminario muy curioso que realizaste entre el 2002 – 2004. Un seminario de Kung – Fu, impartido por Muriel Mondy (Corazza). Explícanoslo, por favor.

F.L.- El kung-Fu para actores fue un descubrimiento para todos los que tuvimos la oportunidad de practicarlo, en aquella promoción. Nos enseñó a encontrar nuestro equilibrio, a saber caer en una escena de acción y a medirte en el espacio con un compañero. La escena es como un combate, pero con el texto.

J.S.- Los actores de unos años, cuidáis mucho la técnica de la voz y tú no has sido menos, has estudiado Técnica de Voz Linklater con Antonio Ocampo y Leticia Santafé (Corazza) 2003 -2007 y los seminarios de Voz, el primero con Lidia García (Corazza) 2002 – 2003 y de Canto con Silvia Sánchez (Estudios Corazza) 2006 – 2007. ¿El que un actor controle su voz le da más posibilidades de trabajar, por ejemplo en los musicales, tan de moda de un tiempo acá?

F.L.- Yo considero que sí, te abre más puertas a la hora de trabajar. Pero el canto es otra cosa. De la escuela, no sales formado como cantante y tienes que estudiar en un sitio específico. Si quieres hacer musicales, o ya cantabas de cuna o tienes que prepararte. Evidentemente tienes que tener una buena herramienta (vocal).

J.S.- Los estudios los has compatibilizado con trabajos, como sucede con muchos actores, que les ayuda a ir tomando contacto con la profesión que un día van a realizar. Tu primera incursión en el cine fue con el cortometraje “La Partida” 2002 - 2003 dirigida por Jorge Novoa y en la cual fuiste coprotagonista, hasta llegar a tus últimos trabajos en el año 2016 como: “La Cena” de Karim Shaker, seleccionado en el Festival Screamfest de L.A. (Los Ángeles); “Ella” de Javier Marco Rico, ganador del Festival Islazultura 2016; “Yerma” de Emilio Ruiz Barrachina (en postproducción); “La muerte de Ingria” de Isaac Berrocal (en postproducción); “Vinoterapia” del Instituto del Cine (postproducción); y “El Futbolín” de Juanjo Verdura (ganador de una biznaga de plata en el Festival de Málaga por “The promise”), que estás rodando actualmente. Siempre me he hecho una pregunta, ¿cómo se puede trabajar en tantas películas y no confundir el personaje?

F.L.- Ojalá fueran muchas más, Javier. No se confunden porque cada texto, localización y compañeros, suelen ser distintos. Precisamente, lo que yo siempre he admirado de los actores que idolatro es su capacidad para poder ser otras personas (personajes). Si pienso en la carrera de cualquiera de mis ídolos, por ejemplo De Niro, Dustin Hoffman, Meryl Streep… Todos han conseguido eso precisamente, teniendo el mismo cuerpo y la misma voz, interpretan personajes totalmente diferentes. Yo aspiro a eso. Si hicieran un trailer con todos mis personajes, me gustaría ver personas distintas.

J.S.- En el Teatro llevas una gran trayectoria. Por lo que nombraremos alguno de tus trabajos. Previamente, en los años 1998-2001 actuando en dos piezas amateur, dirigidas por Alberto Morate. La primera de ellas “La Paz de Aristófanes” (Madrid – Mérida) con un papel de reparto, y la segunda “Por Amor a la vida” (Madrid - Vic) con papel coprotagonista.

Profesionalmente, comienzas con la obra “Los sobrinos del capitán Grant” (2001), en el Teatro de la Zarzuela y dirigida por Paco Mir (Tricicle). Y, en 2008, entras a formar parte de la compañía Teatro Benavente, donde estás hasta 2013.

Esta una pregunta que hago a todos los actores que pisan un escenario, ¿qué se siente al tener frente a ti a un público que espera ver al personaje y no sólo al actor?

F.L.- Es una auténtica responsabilidad estar ante un público que ha pagado su entrada, e incluso si no lo han hecho. Ellos esperan pasar un buen rato y nosotros pretendemos sacarles de sus vidas durante la función, para que te acompañen durante la historia que les propones. Muchas veces lo conseguimos. Y eso solo se puede hacer si el actor deja paso al personaje, y es él quien habla.

J.S.- Y quince obras más (que sería largo de enumerar en esta entrevista) hasta llegar al presente año, donde participas en el montaje de “Galanteos en Venecia” (en el Teatro de la Zarzuela y bajo la dirección de Paco Mir), que fue Finalista en los Premios MAX 2016, y “El Sepelio” de Heidi Steinhardt, producida por Anabel Alonso. Dos ejemplos para una pregunta. Siempre se ha dicho que el teatro está en crisis, pero cuando hay en cartel una buena obra, la sala se llena. ¿Dónde está el error, puede ser que no se cuide la promoción?

F.L.- Pues has puesto dos claros ejemplos de todo lo contrario. En Galanteos en Venecia tuvimos toda la promoción necesaria, ya que la “pagábamos” todos los contribuyentes, a través del INAEM. Y ese es precisamente el motivo por el que -por otra parte y afortunadamente para nosotros- todos los trabajadores del montaje cobramos un sueldo digno. En el caso de El Sepelio, la obra se promocionó entre todos y la producción salía de nuestro bolsillo, de nuestra taquilla. Por mencionar otra diferencia, el Teatro de la Zarzuela tiene un público fijo, mientras que el Teatro del Arte -que es una sala alternativa- aún no lo tiene y así es más difícil. Pero, cada una a su nivel,  fueron un gran y un pequeño éxito.

J.S.-  Vamos a pasar por la televisión con rapidez, con dos ejemplos. Una ha sido tu participación en la cadena Cuatro, en programas como “Cuarto Milenio” y “Cuestión de Sexo”. Hay actores que se sienten muy cómodos en la pequeña pantalla y otros que -si pueden- no pasan por ella. ¿Cuál ha sido tu experiencia al respecto?

F.L.- Mi experiencia es que ojalá trabajara más en televisión. Desde aquí hago un llamamiento a todos los directores de casting españoles. FONSI LIÉBANA está po descubrí zeñore… que me los quitan de las mano!!

https://vimeo.com/fonsiliebana

Trabajar en televisión durante un tiempo, es conseguir esa ansiada estabilidad con la que soñamos todos los actores.  

J.S. Has participado en campañas publicitarias como “Gatorade”, “Santander, fútbol pasión”, “Worten”, “Pokerstars”, “Comedy Central”, “Paramount Comedy”, “Paramount Chanel”, “La Quiniela”, “Burger King”... No te voy a preguntar cómo es trabajar en un anuncio, ni si la remuneración económica es buena o no, la pregunta es una que nos hacemos todos los telespectadores. ¿No crees que debería existir una normativa más severa sobre el exceso de publicidad de algunas cadenas, donde más que ver un programa o una película, se proyectan cientos de anuncios que -en una gran mayoría- la gente no vé, cambia de canal o hace cualquier otra cosa?

F.L.- Ayer me pasó viendo una serie, cada 10/15 minutos… Zas. 6 minutos de anuncios. Y al final prefieres bajarte la serie y verla a tu antojo, seguida, y parar cuando tú quieras. Pero te digo otra cosa, necesitamos la publicidad. Vivimos de ella, las cadenas y las series beben de ella. Los actores comemos de ella también.

 J.S.- Y nos vamos a otro mundo, el absorbente mundo de Internet, donde cada vez es más frecuente encontrarse con series, algunas muy interesantes donde incluso ya hay un festival anual. Participaste en “Altera2” (www.altera2.com), dirigida por Borja Sánchez y Carmen Gil, en el 2015. ¿Cómo viviste aquel proyecto?

F.L.- Fue muy ilusionante. Era un proyecto entre amigos y nos lo pasamos muy bien haciéndola, sin ninguna pretensión. Pusimos lo mejor que teníamos y -con muy poco dinero- sacamos 5 capítulos para delante. La cabecera es una auténtica pasada del gran Santiago Liébana (mi primo y un gran profesional desde hace muchos años http://addcommunication.es/. Los actores, qué te voy a decir... ¡Son amigos! Entrad en la serie y juzgad por vosotros mismos. A mí me parecen unos grandes cómicos.

Además, he de decir que contamos con la colaboración de un gran amigo y más grande actor, Pepín Tre. Para el que no lo conozca, uno de los mejores cómicos de este país.

Y no quería dejar de hablar de otros grandes del medio, Videópatas. Unos YouTubers de éxito con los que rodé “Me tiro a tu hija”, que ya va por más de 223.000 reproducciones. Es todo un orgullo poder hacer reir a tanta gente.

J.S.-  Vamos a ir terminando con las dos últimas preguntas. ¿Cuáles son los nuevos proyectos de Fonsi Liébana?

F.L.- Actualmente estoy rodando “El Futbolín” de Juanjo Verdura, que seguro dará mucho que hablar. Y tengo la suerte de volver a compartir plano con Pepín Tre. De nuevo, un placer absoluto.

Por otra parte, compagino mi carrera de actor con la ayuda humanitaria, trabajando con ACNUR. Animaros, cambiará vuestra vida y -al mismo tiempo- vosotros la de otros en una situación más que difícil.

Y como hay que renovarse, este año voy a empezar a estudiar doblaje. Hay que seguir abriendo puertas.

J.S.- ¿Qué te hubiera gustado que te preguntara y no he hecho?

F.L.- Si tuvieras que elegir entre el éxito personal y el profesional (trabajo), ¿con qué te quedarías? ¿Dejarías tu vida en España por conseguir el éxito en otro país como México?

J.S.- Seguramente estas y otras preguntas, tendrán lugar en otra ocasión. Un abrazo.

LA VIDA DE CALABACÍN: CRÍTICA DE CINE

           “La vida de Calabacín” llega a  las pantallas españolas bajo la técnica de Stop Motion, para contarnos la emotiva historia de un niño de 9 años llamado Calabacín y sus amigos de orfanato.

          Calabacín es un niño solitario de 9 años que vive con su madre alcohólica, pasa el mayor tiempo de su vida en su habitación jugando a pintar, crear cometas y formar figuras con las latas de cerveza vacías, que su madre va dejando tiradas por toda la casa. Un buen día su madre muere en un accidente doméstico y será un policía el que se encargue de llevarlo a un orfanato, para niños de su edad.

          En un principio, le cuesta adaptarse a la nueva situación y sobre todo a confiar en la gente, poco a poco lo irá logrando con sus nuevos amigos, huérfanos como él, en especial con Simón, el jefe que va de duro y sabe la vida de todos los que habitan el orfanato, pero ese conocimiento sobre la vida de cada uno de sus compañeros, lo utilizará para el bien.

          El sueco Claude Barras debuta en la dirección del largometraje con guion de: Morgan Navarro, Céline Sciamma, Germano Zullo, basándose en la novela de Giles Paris. Con diálogos profundos  e incluso algunas frases que pueden ruborizar a los padres más pudorosos.

         

        Una película dirigida con gran habilidad, ya que por una parte nos cuenta una historia dura, profunda,  destinada a ser comprendida por un público adulto, tocando de paso las fibras más sensibles y por otro lado, nos muestra una animación aparentemente sencilla, de trazo lineal muy limpio y nada recargado, de colores llamativos y muñecos creados a partir de un combinado de materiales (espuma de látex para el pelo, silicona para los brazos, resina para la cara, tejido cosido a mano para la ropa) articulados alrededor del esqueleto y adaptados a la morfología de cada personaje. Con todo ello se adquiere la máxima expresión que se refleja principalmente,  en sus grandes y redondos ojos; el conjunto en sí, hará la delicia de los más pequeños. Una obra plasmada con gran habilidad y donde se apoya, en una sensible banda sonora compuesta por Sophie Hunger y la fotografía de David Toutevoix.

          Una vez más el cine de animación está al servicio de los más pequeños y de los adultos, por igual. A los más pequeños para entretenerlos, a los mayores para emocionarlos y hacerlos reflexionar, sobre los problemas que provocan los adultos, cómo afectan directamente a los más pequeños y la necesidad de que los niños vivan una infancia de niños y no cargando con la pesada mochila, de los conflictos ocasionados por sus padres.

Una apuesta diferente, valiente y pedagógica.

          Recomendable para los amantes de la animación y de los temas familiares en particular.

          MI NOTA ES: 7,5

          ESTRENO EN ESPAÑA: 24 de Febrero.

          REPARTO: (VOCES ORIGINALES) Paulin Jaccoud, Michel  Vuillermoz, Brigitte Rosset, Mónica Budde, Adrien Barazzone, Véronique  Montel

          PRODUCTORA: Rita Productions/ Blue Spirit Animation/ Gébéka Films

          DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: La Aventura Audiovisual

YO, CLAUDE MONET: CRÍTICA DE CINE

          Yo, Claude  Monet, es el primero de los cuatro documentales, sobre arte, que presentará Exhibition On Screen, en las principales salas de España

          Este primer documental toma como “guion” las más de tres mil cartas que en la actualidad se conservan del autor. Un largometraje donde el espectador disfrutará de la gran belleza de los lugares por los que Monet pasó, vivió y se enamoró, dejando la huella en su gran obra.  

          A través de esas cartas, descubriremos que para él sus cuadros eran más que el arte que deseaba dejar como herencia al mundo. Para él era una  forma de vida, de subsistir y poder seguir persiguiendo la luz, esa luz que se le antojaba misteriosa, juguetona y perezosa. Una película que muestra, entre otros temas, la desesperación ante la falta de dinero que parecía no querer dejarle salir adelante durante sus primeros años, como ha sucedido con tantos grandes maestros.

          Monet fue un hombre apasionado y amante, se casó en dos ocasiones, la primera con Camille Doncieux y tras la muerte de ésta y pasados unos años, con Alice Hoschedé.

       Su estilo impresionista, le ofreció la oportunidad de rodearse de grandes amigos y también maestros del impresionismo como fueron: Bazille, Pissarro, Manet, o el propio Renoir, alegrándose siempre de sus triunfos, mientras él peregrinaba entre el campo y la ciudad, entre naturalezas vivas y muertas, entre catedrales, entre la gama de colores que le ofrecían los días y las tardes. Colores como el azul, ese azul del cielo que no alcanzaba a  plasmar, tal como lo veían sus ojos, como lo sentía su ser.

     Su vida estuvo marcada entre  fuertes depresiones, que siempre vencía con  la euforia y el ansia de pintar sin descanso.

          Sin duda, la mayor cantidad de cartas son conversaciones con su amigo y comerciante de arte Paul Durand-Ruel, con quien se desahoga en sus altibajos emocionales como artista, sus frustraciones al no conseguir dibujar lo que tanto deseaba… Pero que nadie piense que fue un pintor amargado, solitario y que no vio reconocida su obra en vida, porque  lo consiguió y no solo eso, sino que sus obras se vendían sin el menor problema, a la misma velocidad que él mismo pintaba.

          Un genio, un maestro cuyo documental le hace justicia, donde el actor Henry Goodman ofrece su voz cargada de emoción y sentimiento, a las palabra que Monet dejó escritas, desde su adolescencia hasta su vejez. Siempre con el sueño, de encontrar la luz, la luz que lograra conseguir los colores que tanto deseó dejar y mostrar a la humanidad.

         Para terminar informaros que el documental está espléndidamente dirigido por Phil Grabsky quien en una entrevista comentó: “me encanta hacer biografías porque cuando lees cuidadosamente la correspondencia, te trasladas a las localizaciones originales y al mirar profundamente sus pinturas, emerge una personalidad rica en matices y honesta. Este es absolutamente el caso de Monet, no hay sorpresas con este impresionista. Su magnetismo es a fuerza de pasión, una búsqueda sin fin y, sí, su genialidad.”

        Al comienzo he comentado que este documental forma parte de una colección que la componen: “El fascinante mundo de El Bosco” “El jardín del artista: impresionismo americano” y “Michelangelo”      

       Recomendable para todos los amantes del arte.

       ESTRENO EN ESPAÑA: 23 de Febrero.

       DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: A Contracorriente Films

ES POR TU BIEN: CRÍTICA DE CINE

          Es por tu bien, es la nueva comedia española que se estrenará este mes de febrero y que estoy seguro llenará todas las salas, de buen humor y fuertes carcajadas.

          ¿Os imagináis el clásico padre protector de su niña, donde cree que su princesita no va a crecer nunca o no es tiempo todavía, de que se eche un novio? ¿Os imagináis que además cuando ellas buscan emparejarse, esos chicos no sean precisamente el ejemplo que los padres, quieren para ellas? ¿Os imagináis un enredo donde el padre busca los métodos para que el chico deje a su niña y ella no se entere, que su padre ha intervenido? Pues si eso puede y genera comedia, multiplicarlo por tres.

         

      Los tres padres son Arturo (José Coronado), Poli (Roberto Álamo) y Chus (Javier Cámara), además de padres de tres preciosas “princesitas” de edades diferentes, pero en tiempos de tener pareja, los tres son cuñados y cada fin de semana se reúnen para disfrutar en familia de una barbacoa, en el chalet de Arturo.

          Un buen día descubren que sus “niñas” tienen pareja y si la idea ya  no les parece nada bien, mucho menos cuando se enteran que: El primero es un argentino, antiguo compañero de su padre, de fama mujeriego y fotógrafo de desnudo artístico femeninos. El segundo es un antisistema, antimonárquico y siempre en primera línea en las huelgas y el tercero, un adolescente con los problema típicos de su edad. Tras este panorama deciden unir fuerzas para separar a esos “indeseables” de sus queridas niñitas.

          Carlos Theron (Fuga de cerebros 2), con el magnífico guión de Manuel Burque y Josep Catell, crea una comedida donde las carcajadas están aseguradas, donde los momentos de enredo se ejecutan con precisión, donde el montaje proporciona un dinamismo que no hace decaer la película en ningún instante y que al final de la misma, todos los espectadores salgan con una sonrisa en el rostro y la satisfacción de haber visto una comedia, en todo el amplio sentido de la palabra.

          He hablado de Coronado, Álamo y Cámara, cuyos personajes bordan en gestos, expresiones y frases ingeniosas, pero no por ello menos importante, son sus tres mujeres, que les mantienen firmes en su sitio. Las tres hijas encantadoras y por supuesto, los sufridísimos novios. Una película coral donde cada uno sabe muy bien que papel interpretar y como dar lo mejor de ellos mismos a los espectadores, a través de la pantalla blanca. 

          No hace falta hablar más de ella, simplemente hay que ir a verla y disfrutarla.

Mi nota es un 7

Muy recomendable para los amantes de la comedia familiar y de enredo.

ESTRENO EN ESPAÑA 24 de Febrero

REPARTO: José Coronado, Javier Cámara, Roberto Álamo, Pilar Castro, Carmen Ruiz, Silvia Alonso, Georgina Amorós, Andrea Ros, Miki Esparbé, María Pujalte. 

PRODUCTORA: Telecinco Cinema / Quexito Films.

DISTRIBUIDORA: Walt Disney Studios Motion Picture Spain.

PARTICIPAN: Mediaset España y Movistar+

LO QUE DE VERDAD IMPORTA: CRÍTICA DE CINE

          Lo que de verdad importa, con Guion y Dirección de Paco Arango, nos enseña a no olvidar lo que verdaderamente es importante en la vida, a través de una fábula cargada de magia.

          Alec (Oliver Jackson-Cohen) regenta un negocio de reparación de electrodomésticos en Inglaterra, con el nombre de “El Curandero” Un negocio que no pasa por sus mejores momentos económicos debido a que todo lo que gana, lo gasta en carreras de caballos; resulta ser además un mujeriego y un bebedor sin control.

      

           Un buen día recibe la llamada del director de su banco, quien le comentará que un tío lejano y millonario, Raymond (Jonathan Pryce), pagará sus elevadas deudas si se traslada a Canadá, Nueva Escocia, la tierra de sus antepasados y vive allí un año.  Entre otros personajes, conocerá a Cecilia (Camilla Luddington) la veterinaria y al sacerdote (Jorge García).  Será en este lugar donde descubrirá el don que posee.

        Paco Arango nos ofrece una deliciosa comedia, con un guion ingenioso, en un ambiente bucólico y donde la magia desconcertará a nuestro protagonista principal. 

        Una película sencilla en apariencia, con un claro propósito en la mente de Arango y lo consigue, a medida que la historia transcurre. Logra su meta, no solo  en la dirección, sino con el equipo técnico del que se ha rodeado, dotando al filme de un magnífico montaje, una soberbia fotografía de Javier Aguirresarobe y una envolvente música de Nathan Wang. La finalidad de Paco es exponer al espectador lo que verdaderamente es importante para uno mismo y para la sociedad que nos rodea. Dejar fluir los sentimientos, las emociones, vivir en armonía con el entorno, no malgastar nuestras vidas y ser conscientes de que todos tenemos una misión, la de ser “curanderos”, unos del cuerpo, otros del alma y quienes... 

          Pero si hablamos de que la parte técnica está correctísima, la dirección de actores aún lo es más.

          Oliver está arrebatadoramente divertido, Camila deliciosamente enternecedora, Johnathan Pryce preciso en su personaje y Jorge García, divertidísimo en su papel de sacerdote.

          Recomendable por toda la energía positiva que destila, en cada uno de sus fotogramas y por dicho motivo mi nota es de: 7  Se necesitan más películas positivas y solidarias.

ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de Febrero

REPARTO: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Jonathan Pryce, Jorge García, Kaitlyn Bernard.

PRODUCTORA: Topsail Entertainment

DISTRIBUIDORA: European Dreams Factory

NOTA IMPORTANTE: Toda la recaudación en taquilla irá destinada a la asociación Barretstown creada por Paul Newman en 1994 y donde Paco forma parte del consejo de Serious Fun, desde el 2007 invitado por el propio Paul.

Recordar que Paco Arango, es el presidente y fundador de  La Fundación Aladina.

Ambas persiguen un único fin, hacer más felices las vidas de los niños que padecen Cáncer.

Recuerda que yendo a ver esta película vas a lograr dos cosas muy importantes, disfrutar de una fantástica película y ayudar a que la vida de los niños enfermos, sea más feliz.

ADVERTENCIA: No es una película sobre el cáncer, es una maravillosa fábula, con la que el espectador saldrá sonriendo.

JACKIE: CRÍTICA DE CINE

        JACKIE del chileno Pablo Larraín (El club) no es una película más sobre acontecimientos reales, la vida de JFK o un  biopic al uso. Larraín nos adentra en el mundo interno y privado, de aquella primera dama.

          La película se desarrolla en los días que precedieron al asesinato de JFK en aquel 22 de noviembre de 1963 y lo que supuso en la vida de Jackie Kennedy (Natalie Portman).

          En esos días Jackie estuvo arropada por su cuñado Bobby Kennedy (Peter Sarsgaard), por su sacerdote confesor (John Hurt), algunos políticos, el personal de la Casa Blanca, sus hijos, amigos y entre otros, con  Theodore (Billy Crudup) a quien ofreció una entrevista personal, que en todo momento deseó controlar, sin conseguirlo.

          Gracias a Pablo Larraín y al magnifico guion de Noah Oppenheim,  el espectador será invitado de honor para presenciar una parte de la vida de Jackie Kennedy, en la Casa Blanca. Las relaciones públicas cara al exterior. El terrible asesinato de un presidente. La toma de posesión de uno nuevo, con el cuerpo presente del anterior, en pleno vuelo. Asistirá a la mudanza en dicha residencia, a los sueños vividos y los que faltaron por realizarse, e incluso, a los miedos por un futuro incierto.

          El caos y la organización, la presencia de la soledad aun rodeada de mucha gente, el dolor que no se puede mostrar en público, la templanza ante los acontecimientos y sobre todo ofrecer generosamente una fortaleza inaudita, ante el impacto que la muerte de su marido ha causado en el mundo entero.

          Larraín exhibe la intimidad de la primera dama con tal naturalidad, que por momentos el espectador se siente pudoroso. Penetra en las estancias privadas, describe con crudeza el momento del impacto de la bala y veremos a Jackie limpiarse la sangre, en manos y cara, que su marido ha perdido debido al tiro en la cabeza, intentando mantener siempre la compostura por el rango que aún ostenta.

          Un drama duro, apasionante y sosegado. Todo parece estar por momentos en una quietud que no molesta, sino por el contrario se agradece, para poder tomar de nuevo aliento, ante el clímax que rodea cada escena, cada situación, cada instante de los días vividos.

          Si algo se percibe desde el primer fotograma al último, es la complicidad de actriz y director. Portman y Larraín están en perfecta sintonía, hasta el punto de intuir la ausencia de ambos, para dar presencia y prioridad a la primera dama. Natalie está sublime, perfecta, impecable, maravillosa, elegante; tan creíble que duele, duele por el dolor que ella experimenta como mujer  y por sentir más que nunca el vacío y la soledad de quien lo  tenía todo, como primera dama, o al menos eso creían la mayoría en su tiempo. Una viuda joven con dos hijos pequeños y un futuro privado del amor que profesaba a JFK.

          Miradas de angustia en los espacios, ambientación perfecta y coreografía en los movimientos, donde Larraín consigue crear una fuerte atmósfera apoyándose en la soberbia fotografía de Stéphane Fontaine y en la sobrecogedora y angustiosa banda sonora a cargo de Mica Levi.

          Expresiones lapidarias y referencias con fuerte carga social y política, como el mantra citando textos de canciones del musical de Camelot o la frase con la que Jackie sentencia tras una pregunta del periodista Theodore: “Algunas mujeres buscan el poder en la sociedad y otras lo buscan en la cama”

          Mi nota es 8,5

          Recomendable para amantes del cine y drama histórico

          ESTRENO EN ESPAÑA: 17 de Febrero.

          REPARTO: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Billy Crudup, John Hurt, Greta Gerwig, John Carroll Lynch, Richard E. Grant, Max Casella, Beth Grant, Caspar Phillipson, Julie Judd, Sara Verhagen, Sunnie Pelant, Hélène Kuhn, Deborah Findlay, Corey Johnson.

          PRODUCTORA: Coproducción USA-Chile/ Protozoa Pictures/ Fabula/ LD Entertainment

          DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Vértigo Films España.

HEDI, UN VIENTO DE LIBERTAD: CRÍTICA DE CINE

          Hedi, un viento de libertad del tunecino Mohamed Ben Attia nos presenta en sus 93 minutos, la máxima expresión de su título.

          Hedi (Majd Mastoura) es un joven trabajador, silencioso, dócil a los mandatos de su madre Baya (Sabah Bouzouita), que en la actualidad pasa por dos instantes muy importantes, a los que hacer frente. Por un lado su empresa les habla de los bajos rendimientos en sus puestos de trabajo como representantes y vendedores de una determinada marca de coches y los cambios que habrá en la empresa y por otra parte, contraer matrimonio con Khedija (Omnia Ben Ghali)

          A tan solo una semana de su enlace matrimonial, su jefe le envía a Mahdia a un viaje de negocios. En el hotel en el que se aloja, conocerá a una animadora, Rim (Rym Ben Messaoud) por quien sentirá, por primera vez en su vida, una atracción especial.

          Mohamed Ben Attia con Guion propio, dirige una obra excesivamente pausada, donde los silencios, las pocas palabras, las miradas y los gestos de resignación del protagonista, serán el eje principal de la película que por momentos, desespera. Da esa sensación angustiosa de que Hedi no tenga sangre las venas. Ese inquietante carácter del protagonista, será quien nos irá  atrapando en su mundo, un mundo ligado a su cultura, a las tradiciones e incluso al panorama político y social del país, donde la crisis en los sectores es tan evidente, como en el resto del planeta; pero a él todo eso parece no alterarle, hasta que conoce a quien sí modificará, no su ser, sino su corazón.

          Attia, en su ópera prima, nos muestra su país, donde las prisas no tienen sentido, donde las tradiciones siguen fuertemente arraigadas a la tierra, aunque existan visos de modernidad. Donde la mujer está en los dos platos de la balanza: La que se somete al marido para formar una familia y no tener mayor aspiración, y quien decide vivir la libertad abriéndose camino, trabajando y formando parte de otra sociedad, más contemporánea.

          Hedi, proyecta en la pantalla a un hombre con sueños que no se atreve a cumplir, en parte por la comodidad, el fuerte carácter de su madre y la docilidad de él ante ella y el mundo que le rodea. Hedi exaspera por momentos, sino profundizas en su mundo, sino entras en su mente, pero Hedi como todas las personas cambia, cuando los sentimientos entran de golpe en su vida.

           En relación al resto del reparto, están espléndidos y creíbles en cada uno de sus papeles

          Recomendable para los amantes del cine social

          MI NOTA ES DE: 6,5

          ESTRENO EN ESPA: 17 de Febrero

       

  REPARTO: Majd mastoura, Rym Ben Bessaoud, Sabah Bouzouita, Hakim Boumessoudi, Omnia Ben Ghali.

         COMPRODUCCIÓN: Túnez-Bélgica-Francia.

         DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: Golem Distribución.  

OBJETIVO EUROVISIÓN: LA POLÉMICA

       La noche televisiva del sábado estuvo marcada por el programa especial de TVE1 sobre Eurovisión, y la elección del candidato que representará al país.

       No vi el programa, porque desde hace tiempo, la programación de TVE1 no merece la pena salvo alguna serie y alguna película. ¿Qué está sucediendo en esta cadena, que no olvidemos, pagamos todos? Pero centrémonos en la noche del sábado.

       En un momento determinado en el que estaba conversando por la red social Facebook, con algunos amigos, me comenta uno de ellos que está viendo el programa y le estaba resultando malo y aburrido; por curiosidad cambié del canal que tenía puesto y pocas veces he sentido mayor vergüenza, que ver lo que se estaba emitiendo.

       El programa no era malo, era pésimo, cutre, casposo, sin gracia, falto de ritmo… Y encima  los “artistas” cantando en Playback. Sí señoras/res, así se puede votar sin miedo a confundirse, a una canción que está pasada por todo tipo de filtros.

       Pero lo peor llegó al final, las redes ardían, yo no entendía todo lo que estaba leyendo en el general del Facebook, hasta que me explican que el tongo ha sido aún más descarado que cuando el pasado año, lo hicieron con Barey y eso que ella, era apoyada por los Eurofans.  

       Tras montar el numerito de crear expectación e igualar con otra de las concursantes, el desempate debía ser por parte del público como sucedió en el 2009 donde tras el empate, Soraya ganó por el voto del público y en el 2014 ocurrió lo mismo con Ruth; pero llega el 2017 y es el jurado, concretamente su amigo Xavi Martínez, quien otorga el voto decisivo a este chico, que no diré su nombre, porque ni un segundo de publicidad se merece.

       La gente en el plató abucheó y gritó tongo, mientras el niñato, además de no saber casi hablar cuando le estaban preguntando, lanzó un corte de mangas al público y a los telespectadores. Viva la educación que tienen algunos de los que se llaman “artistas” y están apoyados por una gran discográfica. Así funciona este país.

       Cuando años atrás he criticado algún punto del festival, normalmente relacionado con lo que sucede en nuestro país, siempre sale algún Eurofan y me dice que no tengo ni puta idea, que qué sé yo del festival, que porque odio el festival…

       Señoras y señores Eurofans, en primer lugar, no es una asignatura obligada en ningún instituto y carrera saber del Festival de Eurovisión, en segundo lugar tengo mucho respeto por el mundo de la música y en tercer lugar no odio el festival, me da pena, mucha pena, que este certamen musical a nivel europeo, haya perdido toda su esencia.

       Sí, este festival nació con un único objetivo, entretener a través de la televisión y unir a los países de Europa, que en aquel entonces formaban parte del evento.

       Eurofans que me criticáis. Yo he seguido el Eurofestival desde que la televisión era en blanco y negro y muchos de vosotros ni siquiera habíais nacido. Entonces, en aquel tiempo, no todo el mundo tenía televisión y recuerdo que en mi bloque de vecinos, nos reuníamos cada año en una casa diferente para ver el festival y jugábamos a acertar quien ganaría, siempre con la ilusión de que fuera España, porque entonces, se llevaba a grandes cantantes o grupos, sí, no como ocurre algunos años, que la vergüenza ha sido absoluta con los frikis  que han llevado y los pésimos cantantes que por allí han desfilado, que en vez de cantar, gritaban. Todavía muchos no han aprendido la diferencia de cantar con el diafragma a hacerlo con la garganta. Por eso, como ejemplo, Barey desafinó como una gata atropellada, en algunos momentos de la canción, mientras se ahogaba.

       En otro orden, la esencia de ese festival, estaba en la diversidad de sus idiomas, de su cultura, de sus tradiciones, juntándose todos ellos en torno a un cantante y una canción determinada, para ofrecérsela al resto.

       Hoy en día no, hay que llevar la canción en inglés o la mayor parte de ella, en dicho idioma. ¿Por qué? ¿Por qué es más internacional?  Pues no estoy de acuerdo. Si estamos ante un festival de la diversidad, apoyemos a los idiomas que tenemos en nuestro país, que aquí tenemos varios. ¿Qué diferencia existiría si todos cantaran en inglés? ¿Dónde quedaría la variedad de idiomas como el francés, el alemán, el italiano, el ruso…?

       Cada cantante en su día a día, puede grabar sus canciones en el idioma que desee, pero el festival es el festival y estamos comprobando como muchos años, no gana la canción que está en inglés, ejemplo el pasado año. Así que no vale como excusa.

       Lo dicho, ahora ya no solo ha perdido su esencia, sino que se hace trampa, se engaña al espectador, mientras se llevan el dinero de los votos emitidos con el móvil y se quedan calladitos para ver si los Eurofans les apoyan un año más, yendo al país que lo organiza, cantando la canción, moviendo las banderas y luego enfadándose diciendo que la canción española era la mejor del mundo mundial y que debía ser la ganadora o estar entre los tres primeros puestos.

       Esto, que he escrito, simplemente es mi forma de pensar y de decir a muchos de esos Eurofans, que yo SI amo al Festival de Eurovisión, por lo que no voy a pasar es por una mentira inventada por TVE y que pretendan manipularnos con ello, año tras año.

       Que no se me enfade ningún Eurofan, porque mi forma de pensar sea diferente a la de ellos.

MOMENTOS GLORIOSOS DEL FIN DEL PROGRAMA