sábado, 5 de octubre de 2019

UNA PEQUEÑA MENTIRA: CRÍTICA DE CINE

Una pequeña mentira cuenta con guion y dirección de Julien Rappeneau, basándose en el cómic de Mario Torrecillas.

Laurent (François Damiens) está pasando por un momento crítico en su vida. Recién separado de Chloé (Ludivine Sagnier), sin trabajo y con un hijo al que adora y por el que daría la vida, Theo (Maleaume Paquin), “hormiga", como le llama cariñosamente su mejor amiga, Romane (Cassiopée Mayance). Un niño cariñoso, al que todo el mundo quiere y que juega muy bien al fútbol.
Un día Laurent se entera de que un ojeador de fútbol estará en uno de los partidos y aunque ese día no ganan, a Theo le llama el ojeador para decirle que juega muy bien, pero que todavía es muy bajito. Theo mira a su padre y decide contar una pequeña mentira: que ha sido seleccionado por el Arsenal y para mantener la mentira, precisará la ayuda de su amigo Max (Pierre Gommé), que padece agorafobia y es un experto en informática. A partir de ese momento, todo cambiará en la vida de Laurent.
Un nuevo drama social con toques de comedia, se acerca a nuestras pantallas llegado de nuestro país vecino. “Una pequeña mentira” toma como escusa el mundo del fútbol infantil, para mostrarnos la realidad de la sociedad francesa, que bien se podría llevar a otros países, pues los problemas no cambian demasiado. Julien Rappeneau, dirige con sencillez y eficacia, este filme.
El guionista y director de cine, Julien Rappeneau, es hijo del director Jean-Paul Rappeneau, sobrino de la guionista, productora y directora de televisión Élisabeth Rappeneau y hermano del compositor Martin Rappeneau. Todo estaba predestinado a que él también entrara a formar parte de la saga de artista, pero decidió estudiar periodismos, profesión a la que se dedicó durante un tiempo, mientras trabajaba con su padre en el guion de “Bon Voyage” 2003. Poco a poco el gusanillo del cine le fue cautivando y continuó con su faceta de guionista para películas como: “Asuntos pendientes” 2004 de Olivier Marchal, “La jungle” 2006 de Matthieu Delaporte, “París, Paris” 2007 de Christophe Barratier, “R.T.T.” 2009 de Frédéric Berthe, “Cloclo” 2012 de Florent Emilio Siri o “Zulu” 2013 de Jérôme Salle. Por fin en 2015 se decide adaptar el cómic de Camille Jourdy “Rosalie Blum” con varias historias cruzadas,  obteniendo un importante éxito de crítica. Este año nos presenta “Una pequeña mentira”, adaptando un nuevo cómic, en esta ocasión de Mario Torrecillas.

La película aborda temas como la agorafobia, los defectos físicos, los problemas familiares, las separaciones conyugales con niños, la amistad, el amor, el paro, la soledad y los vacíos, entre otros problemas de la sociedad, en esta ocasión, la francesa. Una comedia agridulce, aunque para mi gusto, es un drama con pequeñas pincelada de comedia, que nos hacen esbozar sonrisas tristes y brotar algunas lágrimas, pues aunque el personaje de Laurent vive al borde de la desesperación y de ahogarse en su mundo, cuenta con un maravilloso salvavidas de nombre Theo, un hijo que le aporta toda la felicidad y apoyo, que necesita en ese momento. Un niño encantador y del que el público termina “enamorándose”.

La obra cuenta con interesantes interpretaciones, destacando a François Damiens y Maleaume Paquin, encarnando a ese padre e hijo, respectivamente, logrando conmover y convencer con sus personajes al espectador, llevándolo de la sonrisa a la lágrima, entre pequeñas reflexiones. François está fantástico, como es habitual en él y Maleaume, desborda dulzura por todos sus poros. Su tierna sonrisa, cautiva a la gran pantalla. 

Mi nota es: 7  
ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Octubre

REPARTO: François Damiens, Maleaume Paquin, Ludivine Sagnier, André Dussollier, Laetitia Dosch, François Girard, Sébastien Chassagne y Pierre Gommé.

PRODUCTORA: The Film

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: DeaPlaneta.

viernes, 4 de octubre de 2019

EL CRACK CERO: CRÍTICA DE CINE

El Crack Cero está dirigida por José Luis Garci, con guion compartido con Javier Muñoz. Un homenaje al cine negro y tercera entrega del Crack.

El prólogo nos presenta el interior de un bar donde un grupo de amigos, están jugando al mus. En un momento determinado entra una pareja discutiendo, la mujer se va al baño y el hombre la sigue. Entre el grupo de amigos, se encuentra Germán Areta (Carlos Santos) un detective privado, quien sale en defensa de la mujer, pero ésta, en vez de agradecérselo, le agrede.
Germán Areta es contratado por Remedios, (Patricia Vico) una mujer casada que está segura que su amante, el famoso sastre Narciso Benavides, no se suicidó, sino que fue asesinado. Germán acepta el caso junto a su secretaria en la Agencia de Investigación Areta, Moli (Luisa Gavasa) y su hombre de confianza y compañero,  El Moro (Miguel Ángel Muñoz)

José Luis Garci, nos trae una nueva historia de su gran éxito “El Crack” donde el famoso detective estuvo encarnado por el gran Alfredo Landa, en sus dos entregas; ahora es Carlos Santos, quien toma su relevo, en una magnífica interpretación. Garci homenaje al cine negro, así como disertará sobre sus dos temas deportivos favoritos: el fútbol y el boxeo.
El polifacético director de cine, crítico, presentador de televisión, escritor, guionista y productor, José Luis Garci, ha comentado en algunas ocasiones que se aficionó al séptimo arte cuando entró en una sala de cine, donde estaban proyectando “Lo que el viento se llevó”, con tan solo cinco años; desde ese momento, fascinado, acudía a todos los programas de cine doble que había en su barrio, de esta forma se convirtió en un cinéfilo del cine clásico norteamericano. Tras finalizar el bachillerato y el preuniversitario, entró a trabajar en el Banco Ibérico, compaginándolo con artículos que escribía, a la vez que acudía a los festivales de cine, lo que le llevó a convertirse en crítico de cine, para diversas revistas. Con 25 años, en 1969, comenzó su carrera como  guionista de cine con historias para Antonio Giménez Rico “El cronicón” 1970, “La casa de las chivas” 1972 de León Klimovsky o el mediometraje para televisión  de Antonio Mercero “La cabina” con el que obtuvieron el premio Emmy. Tras el gran éxito de La Cabina, continuó trabajando para importantes directores, hasta que José María González Sinde, le animó a dirigir algunos cortometrajes: ¡Al fútbol” 1974 o el documental “Mi Marilyn”, para saltar al largometraje con su ópera prima “Asignatura pendiente” 1977. Destacaré obras como “El crack” 1981, “Volver a empezar” 1982, ganando el Oscar a mejor película de habla no inglesa, “Sesión continua” 1982 y “Asignatura aprobada” 1987, luego abandonó la gran pantalla por la pequeña, realizando algunos mediometrajes, para regresar a la gran pantalla con “Canción de cuna” 1995 y retornando a la televisión, hasta que en  1998 rodará “El abuelo”,  “Tiovivo c1950” 2004 y “Luz de domingo” 2007, llegando  ahora a la tercera entrega del Crack. Los televidentes le recordarán por el programa “Que grande es el cine” emitido en la 2 de RTVE. Un programa que duró 10 años, desde el 1995/2005.

Garci regresa con su personaje más emblemático, el detective Areta, situando la acción en el año 1975, un año que todos los españoles recordamos, por la muerte del dictador y el comienzo de la transición. En esos días convulsos Areta se rodea de sus dos fieles compañeros: Moli y el Moro. Ella como su secretaria y consejera y él como su compañero en las duras jornadas investigando el caso. Cine negro policiaco, con aroma castizo, pues la agencia, está situada en los alrededores de la Gran Vía.
Una obra, tan escrupulosamente planificada, que he llegado a definir como imperfecta en su perfección. Me ha recordado a cuando entras en una casa y todo está excesivamente ordenado, que te apetece mover algunas cosas, para que no resulte tan hermético. Garci sin la menor duda, es un maniático de la perfección y lo descubrimos en cada uno de sus planos, cada una de sus escenas, cada una de las secuencias, la forma en que abre a plano o  cierra, incluso mientras los personajes siguen hablando. Mantiene un cuidadísimo equilibrio entre los decorados y sus personajes, que por instantes deseas que se abra una ventana de golpe, para sorprender, pero Garci tiene muy claro, que cada cosa tiene su tiempo.

Hay una escena que define muy bien el cine de Garci y esta película en concreto. El abuelo, el comisario de policía (Pedro Casablanc) está con Germán Areta (Carlos Santos) conversando y relata, a modo de metáfora, cómo llevar  bien un caso policial, poniéndole como ejemplo, con todo lujo de detalles, una famosa jugada durante un partido de futbol, durante el cual el jugador no se limitó a disparar a portería, sino que se tomó su tiempo, estudio a sus adversarios para esquivarles, la disposición por la que deseaba introducir el balón, hasta dejarlo rodar como a cámara lenta, provocando el soñado gol. Nos hace visualizar el instante a través de ese ingenioso y sencillo monólogo que no solo escucha con atención Areta, sino que lo transmite a los espectadores. El valor de la paciencia ante la prisa, que solo la experiencia y los años,  otorgan al ser humano.
Grandes interpretaciones donde quiero destacar a algunas de las féminas como: La impecable secretaria de nombre Moli (Luisa Gavasa), la ayudante personal del muerto, Luisa (Macarena Gómez), la mujer “fatal” dueña de la casa de juego  (Cayetana Guillén Cuervo), Adela, la joven novia de Areta (María Cantuel) o Remedios, la amante y seductora (Patricia Vico). En el lado masculino, además de los mencionados Carlos Santos y Pedro Casablanc, mencionaría a un Miguel Ángel Muñoz, totalmente irreconocible.

Garci se apoya en imágenes de archivo, para el cambio de secuencias, a la vez que nos ambienta en aquel año 1975, en la Gran Vía y alrededores, pues toda la obra está rodada en interiores: Despachos, salones de billar, hall de hoteles, interior de comercios, estancias en las diversas casas… Un filme elegantemente iluminado y magníficamente fotografiado por Luis Ángel Pérez, con una gran variedad de planos, que refuerzan la historia. Una brillante puesta en escena, que inequívocamente nos lleva al recuerdo del  más puro cine negro policiaco. La sutileza con que la cámara fija, trasladándose entre travellings o sobre la grúa, mantiene cada plano o "flota" en el espacio como el humo característico, que durante todo el metraje, desprenden los cigarrillos que los personajes fuman incansablemente.
No faltarán los guiños cinematográficos en algunos de los comentarios o incluso a través de las sombras que se proyectan en las paredes y por supuesto, la gran imagen del mítico Humphrey Bogart. Para terminar, mencionar a Jesús Glück, como el compositor de la banda sonora, de las anteriores entregas, que aquí también está presente.

Mi nota es: 8
ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Octubre

REPARTO: Carlos Santos, Miguel Ángel Muñoz, Luisa Gavasa, Belén López, Macarena Gómez, Raúl Mérida, Pedro Casablanc, Patricia Vico, María Cantuel, Cayetana Guillén Cuervo, Luis Varela, Ramón Langa, Andoni Ferreño, Alfonso Delgado, Jacobo Dicenta, Samuel Miró, Susana Paz, Jero García y Daniel Huarte.
PRODUCTORA: Nickel Odeon Dos

DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Filmax.


jueves, 3 de octubre de 2019

LA DIRECTORA DE ORQUESTA: CRÍTICA DE CINE


La directora de orquesta está escrita y dirigida por Maria Peters

Antonia Brico (Christanne de Bruijn) desde muy niña disfrutaba de la música clásica y junto a sus padres, emigró a Estados Unidos. Su padre (Raymond Thiry) era barrendero y aun siendo una familia muy modesta, poseían un piano en casa, para que Antonia pudiera tocar. Pero Antonia aspiraba a ser  directora de orquesta, algo impensable en aquel año 1926, para una mujer. Conocerá a Frank Thomsen (Benjamin Wainwright) y si bien en un principio el encuentro es algo tirante, ambos terminarán enamorándose, aunque el destino, duro destino y lleno de zancadillas, le tendrá predestinado, a Antonia, algo más que el amor.

Un filme dramático basado en hechos reales sobre la primera etapa de la pianista y directora de orquesta Antonia Brico, una joven holandesa que se tuvo que abrir camino en un mundo de hombres y en el cual no existía ninguna mujer directora de orquesta. Narrada con total sutileza, dejando que los personajes se vayan acercando a la gran pantalla, para contarnos libremente sus  historias.

Maria Peters, es productora, guionista y directora holandesa. Estudió derecho en la Universidad de Amsterdam. Tras finalizar la carrera, cursó estudios en  la Academia de Cine de los Países Bajos, cuyo proyecto de fin de carrera sería el cortometraje “All Birds Flying” 1983. Trabajaría en varias producciones como “Abel” 1986 de Alex van Warmerdam. Un año más tarde fundaría “Shooting Star Film Company” junto a su marido Dave Scharam. Entre sus películas estrenadas en España nos encontramos con: “El pequeño Crumb” 1999,  “Sonny Boy”  2011 o “Mike dice adiós” 2012. Ahora regresa a la gran pantalla envuelta en música clásica y drama.

El hermetismo machista, los prejuicios sobre las profesiones que podían o no desempeñar las mujeres, los celos profesionales, el amor, la identidad perdida, los secretos de familia o la lucha por la superación, son algunos de los temas que el guion de María Peters, contiene. Un drama bellamente iluminado con una exquisita fotografía de Rolf  Dekens, entre tonos apagados, donde predominan los pasteles y los planos medios y cortos, emulando al cine más clásico, pues toda la obra está cuidadosamente ambientada en aquellos años 20 del siglo pasado.

Una obra que te acaricia con su música clásica y la compuesta por Quinten  Schram y Bob Zimmerman, mientras te hace pensar por qué las mujeres fueron, y en parte todavía lo son en algunos campos, infravaloradas por la sociedad: ¿Qué hizo la mujer para no merecer el mismo respeto que los hombres? Sinceramente, esta pregunta me la he cuestionado en incontables ocasiones y solo llego a la conclusión, de que el hombre siempre ha tenido miedo a competir con el sexo opuesto, al que hasta hace unas décadas, solo pensaban que su misión era llevar la casa, criar hijos y cuidar de su marido, como en un momento determinado, Mark Goldsmith, le sugiere a Antonia Brico; que busque un marido y se case. Seremos testigos, de cómo algunas mujeres se travestían para cambiar de género y así, pasándose por hombres, poder trabajar en lo que les gustaba. Ese personaje en concreto, será interpretado por un conocido actor transgénero como es, Scott Turner Schofield.

La vida de Antonia estuvo rodeada de hombres, con el apoyo incondicional de algunos de ellos, como fue el caso del pianista y contrabajo Robin Jones (Scott Turner Schofield)  o el compositor Karl Muck (Richard Sammel) y detractores como Willem Mengelberg (Scholten van Aschat). Una obra que retrata como el poder de elegir de la mujer en aquellos años 20, era prácticamente impensable, salvo para algunas pocas soñadoras y heroínas, que deseaban cumplir sus sueños, derribando barreras. Ese fue el caso de Antonia, quien fundo La Orquesta Sinfónica de Mujeres de Nueva York.
La directora de orquesta, cuenta con un importante elenco actoral, con correctas interpretaciones, destacando a Christanne de Bruijn encarnando a la luchadora directora de orquesta. Un filme bien dirigido, que resulta muy entretenido e interesante, para disfrutar en la gran pantalla.

Mi nota es: 7
 
ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Octubre
REPARTO: Christanne de Bruijn, Benjamin Wainwright, Scott Turner Schofield, Seumas F. Sargent, Annet Malherbe, Raymond Thiry, Gijs Scholten van Aschat, Richard Sammel, Sian Thomas, Tim Ahern, Sara Visser, James Sobol Kelly, Anja Antonowicz, Kok-Hwa Lie, Ronald Ambrust, Judith van der Werff, Loes Schnepper y Chip Bray.
PRODUCTORA: Shooting Star Filmcompany BV// Umami Media.

DISTRUBUIDORA en ESPAÑA: VerCine

miércoles, 2 de octubre de 2019

AMAZING GRACE: CRÍTICA DE CINE

El documental, Amazing Grace está dirigido por Alan Elliott y Sydney Pollack.

La gran Aretha Franklin entre el 12 y el 13 de noviembre de 1972 en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Watts, en la ciudad de los Ángeles, grabó un concierto de góspel. El álbum, titulado “Amazing Grace” se convirtió en un gran éxito de ventas, pero lo que nos incumbe, desde el punto de vista cinematográfico, es que fue filmado por el gran director Sydney Pollack.  El material, por problemas de montaje, fue archivado y rescatado por Alan Elliott, quien ha cumplido con el deseo de Pollack de que un día, el filme, viera la luz.
Alan Elliott y Sydney Pollack. Comenzaré por el productor musical, Alan Elliott. Se graduó en la Universidad de Northwestern en 1986, estudió composición y orquestación con Jack Smalley, además de trabajar y estudiar con grandes artistas. Poco después de graduarse, firmaría con el presidente de la Warner Bros Records, Lenny Waronker, un contrato de grabación; dos años más tarde se convertiría en el primer escritor musical contratado por Steven Bochco, para la serie musical de televisión “Cop Rock” 1990, continuó con nuevos contratos y proyectos, entre ellos trabajando en la división de Artistas y Repertorio de Warner Brothers Records, siendo el enlace para grandes estrellas como: George Clinton, Paul Simon, o Prince, entre otros. Saltamos al año 1995, año en el que compuso, arregló y orquestó partituras para programas de televisión, como “La cruda realidad, 1995, o componer los temas iniciales y de cierre de los Grammy en 1997 y 98. En el año 2000 produjo el espectáculo del comediante Bandon Browlin “Return from the Underground”. Su carrera ha continuado, hasta alcanzar una gran popularidad. Ahora recupera un viejo proyecto de Sydney Pollack, embarcándose en este espectacular documental, sobre una de las voces más grandes de la historia: Aretha Franklin.
  Para no alargar mucho este espacio y creyendo que la gran mayoría es conocedor de la obra del gran maestro, Sydney Pollack, que desgraciadamente nos abandonó el 26 de mayo de 2008, tras  una brillante carrera como productor, actor y director de cine, solo haré referencia a algunas de sus grandes obras, pues sobre su vida, existe mucha información. Nos dejó película como: “El nadador” 1968, “Danzad, danzad, malditos” 1969,  “Ausencia de malicia” 1981, la inolvidable “Tootsie” 1982,  “Memorias de África”  1985, “La tapadera” 1993 o “La intérprete” 2005 y dirigió a estrellas como: Dustin Hoffman, Jane Fonda, Meryl Streep, Nicole Kidman, Paul Newman, Robert Redford, Sally Field, Sean Penn o Tom Cruise.

Más de cuatro décadas, casi 47 años,  han tenido que pasar para poder disfrutar en la gran pantalla de este espectacular concierto, cuyo montaje resultaba imposible debido a que en su día, no se usaron claquetas y fue imposible, en aquel tiempo, sincronizar las imágenes con el sonido. Pero un hombre, dispuesto a que aquel suceso histórico en la música, viera la luz, decidió ponerse al frente del proyecto, cuando Sydney le cedió el trabajo en 2008, antes de morir de cáncer. Él ha sido, Alan Elliott, el gran productor musical.
La belleza del documental estriba en que Elliott no ha querido ocultar los problemas en la filmación. Durante los 87 minutos que dura el filme, veremos imágenes fuera de foco, los lugares donde las cámaras estaban situadas y las órdenes que iba dando Pollack al equipo, los problemas con  los cables de sonido, los instantes grabando planos sin ningún interés e incluso el ver cómo pasa gente frente a la cámara durante el concierto, todo para no perder lo más importante, el sonido, las canciones y la interpretación de una de las más grandes de la música y a la vez, esos “fallos” ofrecer la cercanía e intimidad que el concierto suponía. Como bien se le escucha al reverendo James Cleveland, antes de cada uno de los concierto, dirigiéndose a la gente que estaba presente, que no olvidaran que ante todo, era un acto religioso y es que lo que evidencia todo el filme, es el homenaje que Aretha Franklin rinde a las canciones con las que se crio, a la educación religiosa de su padre el reverendo C.L. Fanklin, quien asiste al concierto y le dedica unas palabras a su hija, celebrando en la mujer y artista que se ha convertido.
Una obra con gratas sorpresas, partiendo de la banda que acompaña a Aretha durante su concierto, liderada por el guitarrista Cornell Dupree y el batería Bernad Purdie, la agrupación góspel “The Southern California Community Choir  dirigida por el cantante, pianista y reverendo James Cleveland o ver entre los invitados a personalidades como: Chuck Rainey, Alexander Hamilton, Charlie Watts y Mick Jagger (miembros de The Rolling Stones) o Clara Ward.
Finalizo mencionando algunos de los temas que se pueden escuchar como: “You´ve got a friend”, “Precious Lord, take my hand”, “How I got over”, “Wholy holy”, “Amazing grace”, “You´ll never walk alone”, “Precious memories” o “Never grow old”
Como documento histórico dentro de la música, no tiene parangón, es una joya, con sus imperfecciones, que la convierten en perfecta. Un filme muy recomendable para los amantes de la música.

ESTRENO en ESPAÑA: 4 de Octubre
REPARTO: (DOCUMENTAL) Aretha Franklin, Reverand James Cleveland, C.L. Franklin, Alexander Hamilton, Bernard Purdie, Chuck Rainey, Clara Ward, Mick Jagger, Sydney Pollack, Charlie Watts.
PRODUCTORA: Sundial Pictures
DISTRIBUIDORA en ESPAÑA: Caramel Films España.

martes, 1 de octubre de 2019

(E) VII EDICION NOCTURNA MADRID 2019 ESTRENO MUNDIAL DE "URUBÚ" de ALEJANDRO IBÁÑEZ NAUTA. (V)

Nocturna Madrid inaugurará su VII edición con el estreno mundial de Urubú de Alejandro Ibáñez Nauta.
Cinesa Proyecciones en la calle Fuencarral albergará el día 22 de octubre la gala inaugural del Festival Internacional de Cine Fantástico, que entregará el Premio Maestro del Fantástico a Alex Proyas y que ha querido homenajear por segunda vez a Narciso Ibáñez Serrador con la película que su hijo le ha dedicado y que contiene guiños a su cine.
Dentro de las secciones competitivas, el Festival vuelve a adelantar una docena de películas. Entre ellas, en la Sección Oficial Fantástico Competición la comedia gamberra de zombies Little Monsters y en Dark Visions Oficial Competición curiosidades como The Furies o The Young Cannibals.
La Sección Panorama llegará llena de cintas que evidencian el auge del género. Entre ellas, la producción india Andhadhun, la Space Opera Blood Machines o los homenajes a monstruos como Alien y Godzilla: Memory: The Origins of Alien y Los albores del Kaiju Eiga, entre otras.
El martes 22 de octubre, el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid inaugurará su VII edición con la película Urubú de Alejandro Ibáñez, en una gala que tendrá lugar en Cinesa Proyecciones y que contará con numerosos invitados. Entre ellos, el director Alex Proyas (El cuervo; Dark City; Yo, robot; Señales del futuro), que llegará desde Australia para recibir el Premio Maestro del Fantástico que cada año otorga el Festival a una figura destacada del género, y que hace dos ediciones galardonó a Chicho Ibáñez Serrador. 
“A mi padre le hubiese encantado la idea de que Urubú se estrenase en Nocturna Madrid. El homenaje que este festival le hizo fue muy emotivo para él. Y para mí es un auténtico honor. El objetivo siempre ha sido hacer una película en homenaje al cine de mi padre, cuyo talento y sabiduría sé que nunca podré igualar, y entretener al público con un producto original y diferente”, admite Alejandro Ibáñez. Además, para el director de Nocturna Madrid, Sergio Molina, inaugurar el Festival con el estreno del primer largometraje de Alejandro Ibáñez Nauta “define la apuesta de este Festival: ser un escaparate de la proyección internacional del fantaterror y del género fantástico y de terror español de calidad”.
Protagonizada por Carlos Urrutia (Aprobado en castidad; El Águila y la niebla, y más de una treintena de obras teatrales), y Clarice Alves (actriz brasileña que ha trabajado bajo la dirección de Bruno Saglia y Chus Gutiérrez, y que ahora vive en Madrid junto a su esposo, el emblemático futbolista Marcelo Vieira), y con un pequeño papel que el propio Alejandro Ibáñez interpreta -siguiendo la costumbre de su padre y como digno sucesor de una larga dinastía de actores-, narra la aventura de un ornitólogo que intentará fotografiar al urubú albino, un extraño pájaro del que no hay registro en libertad. Para ello, arrastrará hasta allí a su familia. Todo se tuerce, o comienza, según se aprecie, cuando su hija desaparece y ese entorno paradisíaco se convierte en un terrible escenario donde un peligro acecha, obligándoles a luchar a fin de no perder aquello que más quieren.
La cinta, “un proyecto creado desde el corazón y con gran humildad”, según confiesa Ibáñez, ha sido rodada en exteriores e interiores naturales de la selva amazónica brasileña y desarrolla algunos de los temas que ya había tratado su padre en sus películas. También, según explica, ha querido “denunciar de forma orgánica y natural algunas feas realidades del mundo que nos ha tocado vivir, siguiendo la máxima de que el cine y la televisión además de entretener deben servir para comunicar ideas y educar”.
Ibáñez Nauta, que compartía con su padre la afición por el cine de terror, terminó la película dos semanas después del fallecimiento de éste. “Siempre me quedará la pena de que no haya podido ver la película terminada, pero sinceramente creo que le hubiese gustado mucho y que se hubiera sentido muy orgulloso del resultado”.
El cortometraje Reality, un “no a la guerra” para la infancia.
Nocturna Madrid presentará también en la gala inaugural de su VII edición el cortometraje de Ibáñez Nauta Reality, que pretende visibilizar el sufrimiento de los niños en las guerras, con un formato innovador que mezcla  realidad y ficción y en la que Narciso Ibáñez Serrador participó como productor.
Reality es un corto de 20 minutos que recuerda a ¿Quién puede matar a un niño? y que evidencia el miedo auténtico que vive la infancia durante un conflicto armado. “A un niño le puedes asustar con un monstruo debajo de la cama, pero cuando te habla de la posibilidad de perder a su familia, su casa, es algo que produce más miedo y que nunca se ha reflejado en una película. Las películas no dejan de ser ficción y esto supera en mucho cualquier susto que podamos dar”, asegura Ibáñez Nauta.
Este cortometraje es, además, una cinta realizada en colaboración con la ONG Save the Children “como un instrumento para mover conciencias”, afirma Ibáñez. Fue rodado en Lesbos y en casa de Chicho Ibáñez, y cuenta con un reparto encabezado por Lydia Bosch, Dani Rovira, Adriana de Castro y Carlos Latre. 
Comedias gamberras, trepidante horror, gore y homenajes a monstruos 
Entre las películas que formarán parte de la Sección Oficial Fantástico Competición de la VII Nocturna Madrid destaca una de las triunfadoras en Sundance, Little Monsters, del cineasta australiano Abe Fosythe. Una comedia gamberra de zombies carnívoros, asaltos con guitarras mortales, destripamiento, death metal, gore, mini golf, conga, extraterrestres, y mucho más, protagonizada por Lupita Nyong’o (Doce años de esclavitud, 2013; El libro de la selva, 2016; Black Panther, 2018; Nosotros, 2019). 
Además, Body at Brighton, de Roxanne Benjamin, y la producción canadiense Z, de Brandom Christensen (It Stains the sands red, 2016; Still Born, 2017) que escribe y produce Colin Minihan (Grave Encounters, 2011), en la que una familia es aterrorizada por el amigo imaginario de su hijo de 8 años.
La Sección Oficial Dark Visions Competición llegará llena de curiosidades como The Furies, el debut gore en el largo del también australiano Tony d’Aquino, otra ‘gamberrada terrorífica’ que homenajeará al cine de terror con ocho asesinos inspirados en clásicos de los 70 y 80.
Y si alguien quiere dejar de comer, sólo tendrá que ver The Young Cannibals, obra de Kris Carr y Sam Fowler. Un film de trepidante horror sobrenatural filmado alrededor de una casa señorial en las montañas de Snowdonia. 
También formarán parte de la programación El cerro de los dioses, del director español Daniel M. Caneiro (Con la Comida No Se Juega; Madurar a los 30; Pochinok; Carretera secundaria); Echoes of fear, codirigida por Brian Avenet-Bradley y Laurence Avenet-Bradley; y para pasar unas navidades de lo más “tranquilas” I Trapped the devil de Josh Lobo.
Oficial Fantástico Panorama, una muestra del auge del género 
La Sección Fantástico Panorama es “una muestra de la vigencia y de las innovadoras producciones  que aporta el género hoy en día”, según comenta el director de Nocturna Madrid, Sergio Molina. 
En esta sección se podrán ver películas como la producción india Andhadhun, del prolífico director y guionista Sriram Raghavan. Un film que mezcla thriller y comedia negra en un guion lleno de giros que reta al público a agudizar sus sentidos. La película obtuvo el prestigioso Premio de la Crítica Filmfare Award a la mejor película, y fue la ganadora de la pasada edición del Festival Nits de Cinema Oriental de Vic, con el que Nocturna Madrid ha unido lazos para iniciar un acuerdo de colaboración y desarrollar sinergias conjuntas: Nocturna Madrid exhibirá películas galardonadas en dicho festival.
Hablando de monstruos y mutaciones, se presentará Los albores del Kaiju Eiga, de Jonatán Bellés, una cinta española que acerca a los orígenes de Godzilla a través de entrevistas con cineastas, actores y expertos involucrados en las películas de este ser surgido de la química y la contaminación. Y en el 40 aniversario de Alien, de Ridley Scott, no podía faltar Memory: The Origins of Alien de Alexandre O. Phillipe, que cuenta el proceso simbiótico del cine, el poder del mito y el inconsciente colectivo, haciendo analogías de la historia con las mitologías griegas y egipcias, cómics clandestinos, la obra de Francis Bacon y las oscuras visiones de Dan O'Bannon y H.R. Giger. 
También dentro de Panorama, los espectadores encontrarán títulos como la fuerza maliciosa de Hex, el cuarto film del cineasta sudafricano Rudolf Buitendach; Bullets of Justice, la coproducción entre Kazajistán y Bulgaria dirigida por Valeri Milev; o Blood Machines, una Space Opera de 50 minutos escrita y dirigida por Seth Ickerman -el pseudónimo bajo el que trabajan Raphaël Hernández y Savitri Joly-Gonfard- y marcada por la personalidad del músico Carpenter Brut.

DOCUMENTALES OCTUBRE 2019​

DOCUMENTALES OCTUBRE 2019​
En Movistar Cinedoc&Roll (Dial31) y disponibles bajo demanda a partir de su estreno.
PUNK
Cuatro episodios disponibles desde el viernes 4 de octubre a las 22:50h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda. 
Esta serie documental revisa el movimiento que cambió el panorama social y cultural a mediados de los años setenta. 'Punk' tiene cuatro episodios y está producida por el incombustible Iggy Pop -que acaba de regresar a la escena musical con un nuevo trabajo- y el diseñador John Varvatos. Con material fotográfico inédito, archivos rescatados y una banda sonora cargada de hits y de canciones perdidas, este documental hace un repaso de las bandas más notorias - Detroit, Ramones, Sex Pistols o Nirvana, entre otras- y de la influencia social y cultural que generó el punk. John Lydon (Pil, Sex Pistols), Dave Grohl (Foo Fighters), Debbie Harrie (Blondie), Wayne Kramer (MC5), Duff McKagan (Guns N' Roses) o Flea (Red Hot Chili Peppers), entre otros, intervienen en esta serie documental que resulta ser un viaje a través de la música, la moda, el arte y la actitud DIY (hazlo tú mismo) por toda esta subcultura, la preferida de los inadaptados.
LA MIRADA DE ORSON WELLES
Desde el domingo 6 de octubre a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda.
Orson Welles fue un gran creador y un artista integral. “La mirada de Orson Welles” es una película documental en la que el divulgador Mark Cousins analiza la obra de uno de los grandes directores del siglo XX. Orson Welles fue un niño prodigio y un excepcional artista plástico y a través de sus cientos de dibujos, garabatos y pintura, el espectador puede ver la apabullante personalidad de uno de los artistas más versátiles del siglo XX. “La mirada de Orson Welles” es una gran carta de amor y todo un homenaje al director de “Ciudadano Kane”, una joya para cinéfilos y la oportunidad de conocer a una de las grandes personalidades del siglo XX desde un ángulo inédito.
CHELSEA X
Desde el miércoles 9 de octubre a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda.
En 2010, Chelsea Manning, exsoldado y analista de inteligencia del ejército de los Estados Unidos, filtró miles de documentos clasificados del Pentágono a Wikileaks. Tras tres años de prisión provisional, el Pentágono formuló una acusación formal contra Manning y un tribunal militar le condenó a cumplir una pena de 35 años de prisión y a su expulsión del ejército con deshonor. En 2013, al cumplir su condena provisional, Manning inició su tránsito a mujer y en 2017 su pena fue conmutada por el presidente Obama. “Chelsea XY” es la biografía de la delatora más grande de la historia de Estados Unidos. Esta película es un diario personal de lucha, supervivencia y dignidad de un prisionero y su tránsito hasta llegar a ser una mujer libre. El director del documental, Tim Travers Hawkins escribió decenas de cartas a Chelsea Manning durante su encierro con el fin de ganarse su confianza y poder mostrar esta historia al mundo.
HALSTON
Desde el domingo 13 de octubre a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda.
Nacido en un pueblo perdido de Iowa, Halston se convirtió en uno de los hombres más conocidos de Nueva York. Fue un rostro habitual de Studio 54 e inseparable de artistas como Liza Minnelli o Biaca Jagger. Creación suya fue el sombrero que convirtió a Jackie Kennedy en icono global el día que su marido, John Fitzfgerald Kennedy, tomó posesión como presidente de Estados Unidos. Halston vivió el sueño americano al convertirse en el rey de la moda durante los años setenta y poniendo en pie su marca e imperio. “Halston” es un documental que, con ritmo de película de detectives, indaga en la biografía de un genio, un creador que utilizó a celebridades en su propio beneficio y que lo apostó todo para convertirse en una de las primeras grandes compañías de la industria de la moda. “Halston” es un filme de Frèdèric Tcheng.
CASO ABIERTO: HAMMARSKJÖLD
Desde el domingo 20 de octubre a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda.
En 1961 el secretario general de Naciones Unidas, Dag Hammarskjöld, murió en un misterioso accidente de avión en Zambia. Mads Brügger, director de este documental, está obsesionado con encontrar nuevas pistas sobre lo que pasó aquel fatídico día en el que murieron 16 personas. Vestidos como exploradores en el Congo, Mads Brügger y el investigador aficionado Göran Björkdhal, encuentran pistas que les llevan a descubrir crímenes mucho peores de lo que podrían haber imaginado. 'Caso abierto: Hammarskjöld' es uno de los mejores documentales de la temporada y con él, Mads Brügger ganó el premio a la Mejor Dirección en Sundance.
LA DESAPARICIÓN DE MI MADRE
Desde el domingo 27 de octubre a las 20:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda.
Benedetta Barzini fue modelo, musa de Armani y se saltó los tópicos de su profesión cuando dejó su carrera y se centró en su faceta como periodista y escritora. A sus 70 años, su belleza le pesa como una losa y está sumida en una gran crisis existencial que le lleva a plantearse dejar el mundo material. Este filme, dirigido por Beniamo Barrese, su propio hijo, nace con el fin de mantener cerca a Benedetta. “La desaparición de mi madre” en su documental que habla del sentido de la existencia, el amor maternal y el control que el ser humano quiere ejercer sobre sus seres queridos.
GUAPOS DE INSTAGRAM
Desde el domingo 27 de octubre a las 22:00h en Movistar CineDoc&Roll (dial 31). Disponible bajo demanda.
Austyn Tester es un chico muy guapo y con 16 años ya tiene trabajo: posturear en sus live streaming. Tiene más de 20.000 seguidoras que mueren por sus mensajes y consejos inspiradores, pero su realidad tiene muy poco que ver con lo que muestra en sus redes sociales. Mientras tanto, en California, Michael ha montado una agencia de management para llevar la imagen de un grupo vídeo-bloggers a los que las principales marcas de rifan. “Guapos de Instagram” es un documental dirigido por Liza Mandelup que analiza el éxito instantáneo que algunos jóvenes tienen gracias a sus redes sociales, aunque también expone el coste personal y las mentiras que se esconden tras este flirteo con la fama. Este filme fue ganador del Gran Premio del Jurado en Sundance.
Y en noviembre: “Apolo XI”, “Corleone: mafia y sangre” o “Radiohead: Mutant Group”, entre otros documentales de estreno.